Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Teatro ng Pransya noong ika-19 na siglo dumadaan sa iba't ibang yugto ng pag-unlad. Ang unang yugto ay bumagsak sa pagliko ng ika-18-19 na siglo. Sa panahong ito na nabuo ang mga bagong pormang pang-organisasyon, mga bagong direksyon ng malikhaing paghahanap sa French theater.

Panahon ng Enlightenment sa pagtatapos ng ika-18 siglo. naubos ang sarili. Ang pagkabigo sa kapangyarihan ng isip ay nagtakda ng mga bagong paghahanap sa pag-unawa sa pagkatao at sa mundo sa paligid nito. Ang pangangailangan para sa isang reorganisasyon ng estado ng France, ang paglikha ng mga kinakailangan para sa libreng pag-unlad ng indibidwal, ay naging malinaw. Ito, tulad ng maraming iba pang mga bagay, ang naging sanhi ng Rebolusyong Pranses noong 1789-1794, na, sa turn, ay may malaking epekto sa karagdagang pag-unlad ng eksena ng Pransya, na lumipat mula sa klasiko ng ika-17-18 na siglo. sa romanticism. Nag-ambag din ito sa pagpapanibago ng lahat ng larangan ng buhay teatro. ang constituent assembly noong Enero 1791 ay nagpatibay ng isang utos sa kalayaan ng mga teatro, ayon sa kung saan ang teatro ay naging independyente sa korte ng hari, at ang royal censorship ay inalis din. Ang kasunod na mga kautusan ay ginawang lehitimo ang "copyright" at ipinahayag ang prinsipyo ng malayang kompetisyon. Bilang resulta, 19 na bagong mga sinehan ang umusbong sa Paris nang sabay-sabay. Noong 1793-1794. ang pamamahala ng mga sinehan ay ipinasa sa mga kamay ng Convention.

Ang pinakamalaking aktor sa panahong ito ay si Francois Joseph Talma.

Sa ilalim ng impluwensya ng mga rebolusyonaryong kaganapan at tiyak na may kaugnayan sa paggawa ng "Charles IX" ni Chenier sa Comédie Francaise, pinalitan ng pangalan noong katapusan ng 1789 bilang Theater of the Nation, nang ang ilan sa mga aktor ay mahigpit na sumalungat sa produksyon na ito, ang tropa. nahati sa isang "itim na iskwadron" - konserbatibong aktor at sa "pulang iskuwadron" - mga aktor na malugod, kahit sa una, ang mga rebolusyonaryong pagbabago. Bilang resulta ng split na ito, nabuo ang dalawang sinehan. Ang Theater of the Nation ay sumunod sa pre-revolutionary repertoire at sa mga lumang prinsipyo ng pag-arte. At ang teatro, na pinamumunuan ni Talma at ng kanyang mga kasama, na umalis sa Teatro ng mga Bansa, na unang tinawag na Teatro ng Kalayaan at Pagkapantay-pantay, at kalaunan ay pinalitan ng pangalan ang Teatro ng Republika, na nakatuon sa mga bagong dula at, nang naaayon, ay naghahanap ng bago mga prinsipyo ng pagkilos. Noong 1799, muling nagsanib ang mga teatro na ito sa Comédie Francaise, ngunit ang karanasang natamo ni Talma sa Teatro ng Republika ay nag-iwan ng malalim na marka sa kanyang sining sa entablado.

Si Talma ang una sa France na gumanap sa mga trahedya ni Shakespeare (bagaman sa mga pagbabago). Ang makabagong aktibidad ni Talma, na sumisira sa pagiging abstract ng klasikong imahe, ay naghangad na palayain ang pag-arte mula sa mga klasikong kombensiyon at lumikha ng isang bagong sistema ng pag-arte batay sa sikolohikal na indibidwalisasyon ng imahe, na nagbigay daan para sa sining ng pag-arte noong ika-19 na siglo. Nakumpleto rin ni Talma ang reporma ng kasuotan sa entablado, na nagsimula noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. Clairon at Leken.

Sa pagliko ng 18-19 na siglo. nagsisimula nang mahubog ang romantisismo. Malinaw na naakit si Talma sa kanya at, nang hindi namamalayan, marami siyang ginawa upang maitatag siya sa entablado ng Pranses. Ngunit si Talma, na pumanaw noong 1826, ay hindi nagkaroon ng pagkakataong maglaro sa mga produksyon ng mga romantikong dula. Samantala, si Mademoiselle Mars, na nagtrabaho nang maraming taon sa parehong oras kasama si Talma sa Comédie Francaise, o si Mademoiselle Georges, ang kanyang kasosyo sa entablado ng maraming taon, ay direktang nakibahagi sa mga paggawa ng mga romantikong dula. At sila ay nag-ambag, hindi palaging nagnanais, sa pagtatatag ng romantikismo sa entablado ng Pransya.

Ang isa sa mga pangunahing problema ng romantikong sining ay ang problema ng isang hindi mapagkakasundo na salungatan sa pagitan ng isang makapangyarihan, pambihirang tao na nagtanggal ng lahat ng mga tanikala ng personalidad at pang-araw-araw na katotohanan. Sa batayan na ito, lumalaki ang isang romantikong kulto ng personalidad, damdamin, at imahinasyon.

Ang unang panahon sa pag-unlad ng teatro ng Pransya ay maaaring tawaging pre-romantic, dahil naghanda ito ng daan para sa paglitaw ng isang tunay na romantikong teatro, na naging pangalawang yugto sa pag-unlad ng yugto ng Pransya noong unang kalahati ng ika-19. siglo. Kabilang dito pangunahin ang 1830s-1840s. Ang mga pangunahing aktor noong panahong iyon ay sina Marie Dorval at Pierre Bocage at Frederic-Lemaitre.

Si Frederic Lemaitre ay kumilos sa maraming melodrama. Kasama ang iba pang mga romantikong aktor, nagtagumpay siya upang makabisado ang katutubo na genre ng dramaturhiya, na itinatag noong mga taong iyon sa France.

Kahit na sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Nagsimulang umakyat ang melodrama sa entablado. Sa isang demokratikong madla, nasiyahan siya sa hindi kapani-paniwalang tagumpay. Noon ay lumitaw ang isang malaking bilang ng mga sinehan, na matatagpuan higit sa lahat sa Boulevard Temple, kung saan mayroong pangunahing mga melodramas na nagsasabi tungkol sa kalupitan ng mundong ito, kung saan ang nakakaantig na birtud ay pinilit na magdusa mula sa kawalan ng katarungan, inggit ng tao at malisya. Sa melodrama, ang mabuti ay tiyak na sumasalungat sa kasamaan at kadalasang tinatalo ito. Ang genre na ito ay hindi alam ang mga sikolohikal na nuances. Sa isang melodramatikong pagtatanghal, ang kalunos-lunos na mga hilig, ang emosyonal na labis na likas na katangian ng mga karanasan ng mga karakter, maingat na nabuo ang mga ekspresyon ng mukha, at nagpapahayag na mga kilos ay kinakailangan.

Tila na ang romantikismo, salamat sa mga mahuhusay na manunulat ng dulang at tunay na mahuhusay na aktor, sa wakas ay naitatag ang sarili sa entablado ng Pransya. At ang klasikong trahedya ay iniwan ito magpakailanman. Ang trahedya ng Corneille, Racine, Voltaire. Wala na ang sikat na paaralan ng larong Pranses, na may virtuoso na declamation, malambing na boses, na napatunayan sa lahat ng mga rehistro, na may kaplastikan na muling nililikha ang mga pose at kaplastikan ng mga sinaunang eskultura, na may mga kasuotang nakapagpapaalaala sa mga damit ng mga sinaunang Griyego at Romano. Pero iba ang nangyari. Ang 17-taong-gulang na si Mademoiselle Rachel ay nag-debut sa entablado ng Comédie Francaise, at agad na naging malinaw sa lahat na masyado pang maaga upang ilibing ang dakilang tradisyon ng French theater, ang pambansang trahedya nito, ang acting school nito, na nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga dakilang guro. Syempre, halatang may iba. Ang mga pagtuklas ng romantikong eksena ay nagpayaman sa akademikong paaralan ng teatro ng Pransya, na nagawang tumugon sa mga hinihingi ng panahon sa mga bagong paghahanap, ngunit ginawa ito alinsunod sa pambansang klasikong trahedya. Ang katanyagan ni Rachel ay tiyak na konektado sa katotohanan na sa kanyang trabaho ay pinamamahalaang niyang pagsamahin ang klasikong tradisyon ng yugto ng Pransya sa mga pagtuklas ng romantikong teatro ng France.

Ang mga dakilang pagtuklas ng teatro ng Pransya noong ika-19 na siglo. pinahintulutan siyang wakasan ang aesthetics ng klasikong yugto, na napakahalaga para sa panahon nito, para sa 17-18 na siglo. Ang isang bago, romantikong dramaturgy ay itinatag, na, siyempre, tinutukoy ang bagong karakter ng mga gumaganap na sining. Tinukoy nito ang gawain ng mga namumukod-tanging aktor ng panahon, na, na iniwan ang mga kumbensyon ng klasisismo, ay naghangad na "makatao" ang kanilang mga bayani sa kanilang makapangyarihang mga hilig, mabangis na pakikibaka ng mga damdamin, kasama ang kanilang malalim na panloob na nilalaman.

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang Paris ay tiyak na matatawag na musikal na kabisera ng Europa. Maraming mga pangunahing kompositor ang nanirahan dito (Chopin, Liszt, Rossini), lahat ng mahuhusay na musikero ay sinubukang pumunta rito na may mga konsiyerto.

Ang teatro ay palaging sinasakop ang isang pambihirang lugar sa masining na buhay ng bansa. Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, maraming bago, romantikong paghahanap ang eksaktong konektado sa teatro. Si Victor Hugo, ang pinakadakilang manunulat at manunulat ng dula, ay ang tagapagbalita ng romantikong Pranses. Sa paunang salita sa kanyang drama na ʼʼCromwellʼʼ, binalangkas niya ang mga pangunahing prinsipyo ng aesthetic ng bago, romantikong teatro. Ang teatro ang naging arena ng pakikibaka para sa bagong sining. Ang mga ideya ni Hugo at ng kanyang mga taong katulad ng pag-iisip ay makikita rin sa French musical theater noong panahong iyon, ᴛ.ᴇ. sa opera.

Ang French opera sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay kinakatawan ng dalawang pangunahing genre. Una sa lahat, ito ay isang comic opera na nauugnay sa mga pangalan ni A. Boildieu, F. Aubert, F. Herold, F. Halevi, A. Adam (inaprubahan din ng huli ang romantikong direksyon sa ballet mamaya). Ang comic opera, na nagmula noong ika-18 siglo, ay hindi naging malinaw na salamin ng mga bago, romantikong tendensya. Bilang impluwensiya ng romantikismo, tanging ang pagpapalakas ng liriko na simula lamang ang mapapansin dito (isang mapaglarawang halimbawa ay ang opera ʼʼThe White Ladyʼʼ Boildieu).

Ang isang matingkad na salamin ng French musical romanticism ay isang bagong genre na nabuo sa France noong 1930s: ang grand opera (Grand Opera). Ang grand opera ay isang opera ng isang monumental, pandekorasyon na istilo, na nauugnay sa mga makasaysayang (pangunahin) na mga plot, na nakikilala sa pamamagitan ng hindi pangkaraniwang karangyaan ng mga produksyon at kamangha-manghang paggamit ng mga eksena ng karamihan (choral). Kabilang sa mga unang halimbawa ng genre ay ang opera ʼʼThe Mute from Porticiʼʼ ni Aubert (1828). At noong dekada ng 1930, ang genre na ito ay itinatag ang sarili sa entablado ng Pransya bilang nangunguna at kinakatawan ng mga klasikal na halimbawa nito (mga opera ni Meyerbeer na ʼʼHuguenotsʼʼ, ʼʼProphetʼʼ, opera ʼʼZhidovkaʼʼ ni Halevy).

Ang estilo ng grand French opera ay higit na tinutukoy ng mga kinakailangan ng Grand Opera theater (kaya ang pangalan ng genre), na nagpapanatili sa katayuan ng isang royal opera at nakatutok sa panlasa ng isang maharlikang madla.

Ang pamantayan para sa mahusay na French opera, siyempre, ay ang klasikong trahedya at ang katumbas nito sa musika, ang liriko na trahedya (Lully, Rameau). Parehong ang compositional framework ng isang grand opera ng 5 acts at ang staging pomposity ng performance ay bumalik sa theater of classicism. Kasunod ng klasikong trahedya, ang balangkas ng engrandeng opera ay nakabatay, bilang panuntunan, sa makasaysayang mga kaganapan ng nakaraan na may obligadong partisipasyon ng mga tunay na makasaysayang karakter (sa ʼʼHuguenotsʼʼ - Queen Margot). Ang isa pang ʼʼtrademarkʼʼ ng grand opera ay ang pagkakasangkot ng isang ballet suite at mga monumental na yugto ng choral, na kinokontrol ni Lully.

Ang grand French opera ay higit na pinagtibay ang aesthetics ng romantikong drama na binuo ni V. Hugo. Una sa lahat, ito ay kapareho ng sa drama, isang kumplikadong interweaving ng personal na kapalaran ng mga bayani at makasaysayang mga kaganapan, isang malaking papel ng mga makasaysayang props, ang pagnanais para sa kamangha-manghang pagpapaganda ng mga kaganapan. Noong 1920s, naranasan ng mga makasaysayang nobela sa Europa ang rurok ng katanyagan (W. Scott, P. Merime, V. Hugo). Ang makasaysayang nobela ay nakita ng mga kontemporaryo bilang isang "mataas" na genre, na katumbas ng katayuan sa siyentipikong pananaliksik. At ito ang mga makasaysayang plot na naging pinakakaraniwan para sa mahusay na French opera. Ang tema ng malaking opera ay ϶ᴛᴏ ang tema ng malalaking tanyag na kilusan.

Ang isang malaking papel sa pagbuo ng isang bagong genre ng opera ay ginampanan ng French librettist na si Eugene Scribe. Siya ang nagmamay-ari ng libretto ng pinakamahusay na mga halimbawa ng genre na ito. Siya ang palaging katuwang ni Meyerbeer. Nakita ni F. Liszt sa Scribe ang pinakadakilang kinatawan ng operatic dramaturgy. Siya ay tinawag na ʼʼang master ng isang mahusay na pagkakagawa ng dulaʼʼ. Mangyari pa, ang eskriba ay mahusay na nakabisado ang mga patula ng romantikong makasaysayang nobela at ginamit ito sa kanyang mga libretto, kung minsan ay umaasa sa isang espesipikong prototype ng panitikan (halimbawa, ang ʼʼHuguenotsʼʼ, ay nilikha batay sa ʼʼChronicles of the Times of Charles IXʼʼ ni P. Merimee). Ang batayan ng balangkas ng isang grand opera ay karaniwang isang pag-iibigan - isang kathang-isip na yugto ng pribadong buhay - laban sa backdrop ng isang sikat na fragment ng kasaysayan. Ang karaniwang melodramatikong galaw - pag-ibig sa pagitan ng mga kinatawan ng dalawang naglalabanang koalisyon - ay paunang tinutukoy ang isang nakamamatay na kinalabasan at nag-uudyok sa pagpapakilala ng mga kamangha-manghang eksena sa labanan sa opera. Napaka-sketchy ng libretto ng Scribe. Maaari naming isa-isa ang pinaka-matatag na mga motif ng plot na ginagamit niya:

Kalunos-lunos na hindi pagkakaunawaan o walang basehang akusasyon

Lihim na kabutihan

Sapilitang kasal

pagsasabwatan, pagtatangka

pagsasakripisyo sa sarili

Sa katunayan, si Scribe ang naging tagalikha ng isang bagong uri ng operatic libretto. Bago sa kanya, ang pamantayan ay ang libretto ng Italian opera seria (din, sa pamamagitan ng paraan, na nauugnay sa makasaysayang o maalamat na mga plot), ang mga klasikong halimbawa kung saan ay kabilang sa Italian playwright na Metastasio. Kasabay nito, sa Italian opera, ang damdamin ng mga karakter ay palaging nasa harapan. Italian opera - ϶ᴛᴏ opera ng estado, at ang kanilang pagpapakita ay pangunahing isinasagawa sa arias, na bumubuo sa batayan ng dramaturhiya ng Italian opera. Para sa Scribe, na naramdaman nang mabuti ang mga bagong uso, ang pangunahing bagay sa makasaysayang balangkas ay nagpapakita ng mga sitwasyon minsan nakamamanghang sa kanilang sorpresa. Ibinigay niya ang kahalagahan ng pangunahing sa kung ano ang hanggang ngayon ay pangalawa. Ang aksyon, puno ng mga sorpresa - mula sa sitwasyon hanggang sa sitwasyon - ay may malaking impluwensya sa musikal at dramatikong pag-unlad at sa musikal na dramaturhiya. Ang pagkakakilanlan ng mga sitwasyon sa musikal na aksyon ay humantong sa isang pagtaas sa kahalagahan ng ensembles, choirs - ang pagsalungat ng mga nag-aaway na grupo at maging ang mga masa sa musika. Ang mga monumental na eksena sa masa ang nagpasiya sa kamangha-manghang istilo ng grand opera at tumama sa imahinasyon ng publiko. Ang mahinang bahagi ng genre na ito ay ang kakulangan ng ningning at pagka-orihinal ng mga karakter. Ang grand opera ay tumama hindi sa sikolohiya nito, ngunit sa mga panlabas na epekto.

Ang tunay na sensasyon ng malaking opera ay ang rebolusyong ginawa ng kanilang mga tagalikha sa scenography, kung saan ang mga kondisyong klasikal na interior ay pinalitan ng naturalistic na mga landscape. Ang pinakabagong mga tagumpay ng teknolohiya ay ginamit din sa opera. Halimbawa, ang larawan ng pagsabog ng Vesuvius sa ʼʼMute mula sa Porticiʼʼ, na ikinamangha ng publiko. Ang ʼʼElectric Sunʼʼ sa ʼʼThe Prophetʼʼ (1849) ay pumasok sa kasaysayan ng disenyo ng entablado bilang unang paggamit ng kuryente sa teatro. Sa ʼʼZhidovkaʼʼ Halevi, 250 kabayo ang lumahok sa solemne na prusisyon. Ang isa pang katangian ng isang mahusay na opera ay ang mga nakamamanghang eksena ng mga kakila-kilabot at mga sakuna (ang eksena ng St. Bartholomew's Night in the Huguenots ʼʼ).

Ang komposisyon ng grand opera ay isinasaalang-alang ang sikolohiya ng madla (pagkapagod na pansin). Ang opera ay malakihan, ngunit binubuo ng maikli, maliwanag na contrasting sa musika at mga aksyon sa tanawin (isang karaniwang komposisyon ay binubuo ng 5 aksyon).

Ang unang nakumpletong halimbawa ng genre ay itinuturing na opera ni Aubert na ʼʼThe Mute from Porticiʼʼ. Noong 1829, isinulat ang ʼʼWilhelm Tellʼʼ ni Rossini, isang akda ng isang Italyano na pintor, sa maraming paraan na magkadugtong sa estetika at istilo ng isang mahusay na French opera (alalahanin na si Rossini ay nanirahan sa Paris noong mga taong ito). Ang karagdagang pag-unlad ng genre ay di-mapaghihiwalay na nauugnay sa pangalan ni Meyerbeer (ʼʼRobert-Devilʼʼ, 1831, ʼʼHuguenotsʼʼ, 1838. ʼʼProphetʼʼ, 1849, ʼʼʼAfricanʼʼ, 1838-1865). Kasama nina Meyerbeer, nagtrabaho sina Aubert at Halévy sa genre na ito (noong dekada 30, nilikha ang mga opera na ʼʼGustav 111, o Un ballo sa mascheraʼʼ Ober at ʼʼQueen of Cyprusʼʼ, ʼʼKarl V1ʼʼ, ʼʼZhidovka, o CardinalʼʼHalevi's Daughter3)0).

Noong 30-50s ng ika-19 na siglo, nagkaroon ng masinsinang pagpapalawak ng estilo ng grand French opera sa mga yugto ng opera ng mundo. Kasunod ng modelong Pranses, nilikha ang mga opera na ʼʼRienziʼʼ ni R. Wagner, ʼʼEsmeraldaʼʼDargomyzhsky, ʼʼWilhelm Tellʼʼ ni Rossini, ʼʼThe Favoriteʼʼ ni Donizetti, ang mga elemento ng ʼʼgrand styleʼʼ ay ginamit ni Verdi sa isang bilang ng kanyang mga opera, halimbawa, sa ʼʼʼʼʼ. Kapansin-pansin, maraming lokal na opera house ang nag-order ng libretto para sa mga bagong opera sa Paris. Kasabay nito, ang malaking French opera ay hindi tumayo sa pagsubok ng oras. Nagdala ito ng selyo ng mga panlasa ng maharlikang publiko noong 30s at 40s, at sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay biglang nawala ang katanyagan nito. Sa maraming paraan, ang pagbaba sa prestihiyo nito ay dahil sa pag-apruba ng alternatibong modelo ng pagganap ng opera, na nilikha ni Richard Wagner at idinisenyo para sa isang intelektwal na tagapakinig. Sa simula ng ika-20 siglo, ang musika ni Meyerbeer ay naging pambihira na sa entablado. Ang mga ito ay eksklusibong ʼʼrestorationʼʼ production lamang at ang buhay musikal ng mga indibidwal na numero mula sa kanyang mga opera.
Naka-host sa ref.rf
Ang mga gawa ni Halévy at Aubert ay hindi lumilitaw sa lahat sa listahan ng mga sikat at repertoire.

Ang pigura ni Meyerbeer ay ang pinakamaliwanag sa kasaysayan ng grand opera. Natugunan ng kanyang malikhaing aktibidad ang mga pinakakontrobersyal na pagtatasa. Ang mga merito at demerits ng grand opera sa kanyang mga gawa ay lubos na ipinahayag. Si Goethe, halimbawa, ay naniniwala na si Meyerbeer ang tanging kompositor na maaaring sumulat ng musika para kay Faust. Tinawag ni G. Berlioz si Meyerbeer ʼʼ isa sa pinakadakila sa mga kasalukuyang kompositorʼʼ. At si A. Serov, sa kabaligtaran, ay nagsabi: ʼʼNa taimtim, sa katunayan, ay nagmamahal sa musika ng, sabihin nating, Beethoven, tiyak na hindi niya hahangaan si Meyerbeerʼʼ. Ang kontrobersya sa paligid ng kanyang pangalan ay nagpapatotoo sa pagiging bago at maging sa repormatoryong katangian ng kanyang mga gawa. Si Meyerbeer ang lumikha ng ʼʼ dakilang romantikong istiloʼʼ, na makabuluhang nakaimpluwensya sa buhay ng opera ng Europa noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Sa loob ng ilang dekada, ang modelo ng pagganap ng opera na nilikha niya noong 30s ay nanguna sa mga yugto ng musikal ng Europa.

Ginugol ni Meyerbeer ang kanyang kabataan sa Alemanya. Siya ay kabilang sa henerasyon ng mga tagalikha ng Aleman na romantikong opera, ay kaibigan ni K. M. Weber. Ngunit - umalis siya sa Alemanya nang maaga, naramdaman ang mga limitasyon ng kapaligiran ng musikal at teatro ng Aleman. Ang susunod na yugto ng kaniyang buhay ay konektado sa Italya, kung saan ang batang kompositor ay nag-master ng ʼʼsecretsʼʼ ng operatic art. Pinagkadalubhasaan niya ang istilo ng pag-opera ng Italyano sa pagiging perpekto, bilang ebidensya ng medyo matagumpay na paggawa ng kanyang opera na The Crusaders in Egypt sa Venice noong 1824. Mula sa Italya, tumungo si Meyerbeer sa Paris. Dito niya natagpuan ang ʼʼ kanyang may-akdaʼʼ - E. Scrib, sa panahong iyon ay isa nang kilalang manunulat ng dula. Mayroon na siyang dalawang kawili-wiling opera libretto para sa kanyang kredito: ʼʼThe White Ladyʼʼ at ʼʼThe Mute from Porticiʼʼ. Gusto ni Meyerbeer na ang unang score na isinulat para sa Paris ay isang opera ʼʼmay kakayahang maging isang mahusay, kapana-panabik na dramaʼʼ. Ang eskriba, tulad ng walang iba, ay nagawang isama ang ideyal na ito. Naunawaan niya na ang isang bagay lamang na maluho, maluho sa produksyon, at sa parehong oras ay nakakaantig ang maaaring makaakit sa publiko ng Paris. Isa lamang itong opera na isinulat nila kasama si Meyerbeer noong 1831: ʼʼRobert the Devilʼʼ. Ang mga ugat ng Aleman ay nasasalat pa rin dito (horror romance), ngunit sa mga tuntunin ng sukat, pagpapakita at ningning, ito ay, siyempre, isang halimbawa ng isang mahusay na istilo ng Paris.

Ang pinakamagandang gawa ng kompositor ay ang opera ʼʼHuguenotsʼʼ, na natapos noong 1838 muli sa pakikipagtulungan ng Scribe (ayon kay Mérimée). Ang balangkas ay mula sa kasaysayan ng relihiyosong pakikibaka noong ika-16 na siglo, ang trahedya na pag-ibig ng opisyal ng Huguenot na sina Raoul de Nangi at Valentina, ang anak na babae ng pinuno ng mga Katoliko, si Count Saint-Brie. Ang opera ay may maraming maliwanag, kamangha-manghang mga eksena, mahusay na tinukoy na mga karakter. Ngunit, na karaniwan para sa genre, ang aksyon ay kumplikado sa pamamagitan ng maraming pangalawang yugto (ang kapistahan ng mga maharlika, ang balete ng mga naliligo, mga kanta at sayaw ng gipsi, ang solemne na tren ni Queen Margo, atbp.) Ang ilan sa kanila ay muling nililikha ang lasa ng ang panahon (ang eksena ng pagpapala ng mga espada), karamihan ay puro panlabas, pampalamuti. Ang mga kontemporaryo sa opera na ito ay lalo na natamaan ng mga monumental na katutubong eksena, mga sagupaan sa pagitan ng mga naglalabanang grupo (act 3, isang eksena ng away sa pagitan ng mga Katoliko at Huguenot).

Ang kawili-wili at bago sa ʼʼHuguenotsʼʼ ay ang delineasyon ng makasaysayang kulay. Tulad ng sa isang romantikong drama (halimbawa, ni Hugo), sa opera maraming pansin ang binabayaran sa historicism, historical setting, historical costume. Ang labis na atensyon ng teatro ng Pransya sa mga panlabas na detalye ay itinuro ni V. Kuchelbecker: Ang talento ni ʼʼHugo ay makapangyarihan, ngunit ang mga upuan, pantalon, at mga cornice ay labis na dinadala sa kanyaʼʼ. Tulad ng mga manunulat ng kanyang kapanahunan (Hugo, Stendhal, Mérimée), minsan ay bumabaling si Meyerbeer sa mga tunay na materyales ng panahon. Upang makilala ang mga Huguenot, ipinakilala niya sa opera ang sikat na koro na iniuugnay kay Luther ʼʼAng matibay na tanggulan ay ang ating diyosʼʼ. Ito ang leitmotif ng opera, ang pagpapakilala ay itinayo sa tema nito, lumilitaw ito sa lahat ng mahahalagang sandali ng aksyon, na sumisimbolo sa debosyon sa ideya. Ang mga intonasyon ng chorale ay naroroon din sa paglalarawan ng matandang sundalong Huguenot na si Marseille, ang tagapagturo ni Raoul. Ang chorale ay naging isang uri ng ʼʼsign ng ika-16 na sigloʼʼ sa opera. Ang awit ng mga sundalong Huguenot na ʼʼRataplanʼʼ, na isinagawa ng a capella choir, ay isa ring sipi mula sa isang lumang awiting katutubong Pranses.

Ang ʼʼHuguenotsʼʼ ay ang pinakamalaki at pinaka-viable na phenomenon sa genre ng grand opera sa France. Nasa mga sumusunod na gawa ng Meyerbeer (ʼʼProphetʼʼ, ʼʼAfricanʼʼ) na mga tampok ng ʼʼsunsetʼʼ genre ang makikita.

Sa pangkalahatan, ang mahusay na opera ng Pransya ay interesado sa atin hindi lamang bilang isang kababalaghan sa musika (napansin na ang ilan lamang sa mga pinakakapansin-pansin na mga fragment ng mga dakilang opera ay nabuhay sa kanilang panahon), ngunit bilang isang makasaysayang kababalaghan na nagkaroon ng isang makabuluhang epekto sa pag-unlad ng genre ng opera noong ika-19 na siglo.

French opera ng unang kalahati ng ika-19 na siglo - konsepto at mga uri. Pag-uuri at mga tampok ng kategoryang "French opera ng unang kalahati ng ika-19 na siglo" 2017, 2018.

Ang isang bagong yugto sa pag-unlad ng lipunang Pranses ay nagsimula noong Marso 18, 1871, mula sa sandaling bumangon ang Komyun sa Paris.

Sa loob ng 72 araw ng pag-iral nito, ang Paris Commune ay gumawa ng napakalaking trabaho ng pagsira sa burges na makina ng estado at paglikha ng isang tunay na demokratikong estado. Inalis nito ang pangangalap, pinalitan ang nakatayong hukbo ng mga armadong tao, inihiwalay ang simbahan sa estado, itinatag ang prinsipyo ng halalan at paglilipat ng tungkulin ng lahat ng mga opisyal. Ang rebolusyonaryong perestroika ay kumalat sa lahat ng larangan ng espirituwal na buhay: ang libreng sekular na edukasyon ay ginawang legal, ang mga sinehan ay kinuha mula sa mga pribadong negosyante at inilipat sa Komisyon sa Edukasyon.

Sa hindi pantay na pakikibaka sa burgesya ng Pransya, nadurog ang Paris Commune. Ang madugong "May Week" ng 1871 at ang malupit na paghihiganti laban sa mga Communard ay nagtapos sa mga repormang nagsimula. Ngunit ang Commune ay nag-iwan ng hindi maalis na marka sa kasaysayan, sa unang pagkakataon na inihayag sa mundo ang mga rebolusyonaryong posibilidad ng proletaryado. Sa panahon ng Paris Commune, ang hindi pagkakasundo ng ideolohikal na pakikibaka, tipikal ng buong kasunod na pag-unlad ng France, ay nalantad sa buong puwersa nito.

Sa huling ikatlong bahagi ng ikalabinsiyam na siglo, ang France ay dumaraan sa isang mahirap na proseso ng pagiging isang burges na republika - "isang republika na walang mga republikano." Ang pamahalaan ng Ikatlong Republika, na pinagtibay ang isang konstitusyon (1875) pagkatapos ng matinding debate, ay nagpapatibay sa mga posisyon nito. Ang pagkawasak na nabuo ng digmaang Franco-Prussian at ang pananakop ng Prussian ay may malaking epekto sa buhay ng France, na noong 1870s ay nawala ang lugar na sinakop nito sa Europa. Naungusan ito ng mabilis na pag-unlad ng USA at Germany sa pag-unlad ng ekonomiya. Kasabay nito, sa France mayroong isang proseso ng konsentrasyon ng industriya at lalo na ang kapital ng pagbabangko. Mula noong 1880s, naging exporter ng kapital ang France sa anyo ng mga pautang ng gobyerno. Sa paghahanap ng paraan sa isang mahirap na sitwasyon, ang pamahalaan ay nagpapatuloy ng isang patakaran ng kolonyal na pagpapalawak sa mga bansa ng Africa at Asia. Sa simula ng siglo, ang internasyonal na sitwasyon ay nagiging mas kumplikado. Ang pakikibaka para sa mga kolonya at mga saklaw ng impluwensya ay humahantong sa pagbagsak ng mga bloke. Sa kaibahan sa Tripartite Alliance ng Germany, Austria-Hungary at Italy, noong 1904, ang "cordial agreement" (Entente) ay binuo bilang bahagi ng France, England at Russia.

Ang mga panloob na kontradiksyon ay tumitindi sa bansa. Madalas na pagbabago ng mga cabinet, maraming iskandalo sa politika - ang pagkakalantad ng kalakalan sa Order of the Legion of Honor (1887), ang pagbagsak ng Panama Canal joint stock company noong huling bahagi ng 1880s, na nakatanggap ng pandaigdigang resonance noong 1890s, ang " Dreyfus Affair", na naghati sa lipunan sa dalawang magkaaway na kampo - ang lahat ng ito ay katibayan ng isang malalim na krisis sa politika.

Ang simula ng dekada 1880 ay minarkahan ng bagong pag-aalsa sa kilusang welga ng mga manggagawa at paglago ng makauring kapanahunan ng proletaryado. At bagama't malakas ang damdamin ng petiburges sa kilusang paggawa ng Pransya at ang mga tagasuporta ng Marxismo ay kailangang makipaglaban sa kanila, noong 1880, sa kongreso sa Le Havre, ang paglikha ng Partido ng Manggagawa ay naging pormal, na nagpatibay ng isang programa. , ang panimulang bahagi nito ay isinulat ni K. Marx.

Noong dekada 1890, naging napakalinaw ng makauring kontradiksyon sa pagitan ng proletaryado at ng reaksyunaryong burgis na gobyerno. Ang rebolusyong Ruso noong 1905-1907 ay nakaimpluwensya sa pag-usbong ng kilusang paggawa. Sa simula ng 1905, lumitaw ang "Society of Friends of the Russian People". Sa parehong 1905, nilikha ang United Socialist Party. Habang tumitindi ang mga kontradiksyon, tumitindi ang panggigipit ng gobyerno sa saray ng oposisyon ng lipunan, at ang opisyal na pamamahayag ay lumalabas na may lantad na reaksyunaryo-sobinistang propaganda. Noong Hulyo 31, 1914, ang tagapagtanggol ng layunin ng uring manggagawa, si J. Jaurès, ay pinaslang nang ilantad niya ang banta ng isang imperyalistang digmaan. At noong Agosto 3, 1914, nagdeklara ng digmaan ang Alemanya sa France.

Ang apat na taon ng digmaan ay isang mabigat na pasanin sa mga balikat ng mga Pranses. Bilang tugon sa mga revanchist na apela ng gobyerno, ang kilusang welga ay lumalaki, ang kaguluhan ay nagaganap sa hukbo. Ang balita ng Rebolusyong Oktubre ay nagbibigay inspirasyon sa mga Pranses na gumawa ng mapagpasyang aksyon laban sa digmaan kasabay ng pag-oorganisa ng gobyerno ng Clemenceau ng kontra-rebolusyonaryong interbensyon sa Soviet Russia. Noong 1918, ang pagod na sa digmaang Alemanya ay napilitang sumuko. Noong Nobyembre 11, 1918, ang isang armistice ay natapos sa kagubatan ng Compiègne, bilang isang resulta kung saan ang France ay kabilang sa mga matagumpay na bansa. Mula noong 1918, nagsisimula ang isang bagong panahon ng makasaysayang pag-unlad nito.

Ang pagliko ng ika-19 - ika-20 siglo ay naging panahon ng matinding ideolohikal at malikhaing paghahanap para sa sining ng teatro ng Pransya.

Isang panandaliang pagtaas at pagbabagong pang-organisasyon at malikhaing nararanasan ng teatro ng Pransya noong panahon ng Paris Commune. Gayunpaman, pagkatapos ng pagkatalo ng Commune at ang pagpawi ng lahat ng mga desisyon nito, ang komersyal na teatro ay nagpahayag ng sarili nang may panibagong sigla, na naging isang lugar ng libangan para sa burges na publiko. Teatro "Comedy Francaise"; kahit na ang pinakamalaking aktor sa panahong ito ay nagtatrabaho dito: J. Mounet-Sully, S. Bernard, B.K. Coquelin, ito ay lalong nagiging tagapag-alaga ng mga tradisyong konserbatibo sa akademya. Sa ilalim ng mga kundisyong ito, ang tanong ng isang radikal na pag-renew ng sining ng teatro, ang pangangailangan na ilapit ito sa katotohanan ng buhay, upang mapagtagumpayan ang paghihiwalay nito sa mahusay na panitikan, ay bumangon nang buong katalinuhan.

Nasa France na ang naturalism, ang nangungunang trend sa European art noong 1870s at 1880s, ay tumatanggap ng pinakakumpletong pagpapahayag nito. Para sa lahat ng kanilang kalabuan, ang mga aesthetic view at theatrical theory ni E. Zola, na humiling ng demokratisasyon ng teatro, ay nanawagan para sa paglikha ng isang bagong uri ng drama, para sa pagtatanghal ng mga pagtatanghal na matapang na sumasalamin sa mga bisyo at kapangitan ng katotohanan, nakakuha ng isang malawak na European resonance, higit na tinutukoy ang pag-unlad ng French theater.

Ang mga nineties at simula ng ika-20 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-unlad ng maraming mga uso - impresyonismo, neo-romantisismo, simbolismo. Sa motley na ideolohikal na buhay ng France sa pagsisimula ng siglo, kapansin-pansin ang di-delimitasyon at interpenetration ng iba't ibang istilong uso sa sining ng pagtatanghal.

Ang mga makabagong theatrical na paghahanap ay isinasagawa batay sa mga teatro sa studio. Ang una sa seryeng ito ay ang teatro ng tagapagtatag ng direktor ng Pransya na si A. Antoine, isang tapat na estudyante at tagasunod ni Zola. Ang gawaing sinimulan niya ay ipinagpatuloy ni P. Faure at Lugnier-Poe, na sumunod sa iba pang mga prinsipyo ng aesthetic, ngunit nagsumikap na lumikha ng isang holistic na pagganap na puno ng diwa ng modernidad. Ang kanilang mga pagsusumikap ay nag-aambag sa paggigiit ng mga malikhaing prinsipyo na may husay na bago, lubhang naiiba sa parehong mga tradisyong pang-akademiko at mga kaugalian ng komersyal na teatro. Ito ay ipinakita sa diskarte sa repertoire, sa mga pagbabagong naranasan ng sining ng aktor, at, siyempre, sa pagbuo ng pagdidirekta.

Sa lupang Pranses, walang mga kapansin-pansing halimbawa ng "bagong drama", ngunit ang unang henerasyon ng mga direktor ng Pransya ay malawakang gumamit ng pinakamahusay na mga gawa ng modernong drama sa ibang mga bansa. Kaya, sa materyal ng mga dula nina Ibsen, L. Tolstoy at Hauptmann, at kalaunan sina Strindberg at Gorky, lumitaw ang mga pagtatanghal na sumasalamin sa salpok para sa isang radikal na pag-renew ng teatro.

Sa paghahanap ng isang ganap, mayaman sa ideolohikal na repertoire, ipinakilala ng mga direktor ng mga teatro sa studio ang pagsasanay ng pagtatanghal ng pinakamalaking likha ng panitikan - ang mga gawa ni Balzac, ang magkapatid na Goncourt, Zola, J. Renard at iba pang mga may-akda ng Pranses, na kalaunan ay makikita sa apela sa mga gawa ng mga dayuhang manunulat, lalo na sa mga nobela ni Dostoevsky .

Sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo, ang paggalaw ng mga katutubong teatro, na lumitaw sa maraming mga lungsod at rehiyon ng France, ay nakakuha ng malawak na saklaw. Ang ideolohikal na oryentasyon ng mga teatro na ito ay magkakaiba: ang ilan sa mga ito ay direktang konektado sa pag-unlad ng kilusang paggawa at sosyalistang ideolohiya, ang iba ay nagtatangkang buhayin ang relihiyoso at mystical na mga panoorin. Ngunit ang mismong ideya ng paglikha ng isang katutubong teatro ay lubhang mabunga.

Gumaganap si R. Rolland bilang isang madamdaming propagandista ng katutubong teatro. Ang kanyang theatrical at aesthetic convictions at dramaturgy ay may malaking kahalagahan para sa pag-unlad ng French theater. Ang ideya ng isang katutubong teatro ay higit na binuo sa mga aktibidad ni F. Gemier, J. Copeau at iba pang mga stage masters ng ika-20 siglo.

Tulad ng sa ibang mga bansa sa Europa, ang pinagmulan ng teatro ng Pransya ay nauugnay sa sining ng mga itinerant na aktor at musikero ng Middle Ages (juggler), mga larong ritwal sa kanayunan, mga karnabal sa lunsod na may kanilang kusang pag-ibig sa buhay, liturgical relihiyosong drama at mas sekular na parisukat. panoorin - mga misteryo at himala, na nilalaro ng mga artistang taga-lungsod.(tingnan ang teatro sa Medieval). Ang mga baguhang tropa ay walang permanenteng lugar ng pagtatanghal, at ang mga pagtatanghal ay mga random na kaganapan. Mula lamang sa ikalawang kalahati ng siglo XVI. ang pag-arte ay nagiging isang craft, ang mga pagtatanghal ay nagiging regular, mayroong pangangailangan para sa mga espesyal na kagamitan na bulwagan para sa mga pagtatanghal sa teatro.

Ang mga nakasuot na mimes ay gumising sa isang batang balo. Farcical na pagganap. Mula sa isang lumang French miniature.



Henri Louis Lequin bilang Orosmenes sa trahedya ni Voltaire na Zaire.



Nakasuot ng Arnolf si Jean Baptiste Molière. The School for Wives ni Molière.



Benoît Constant Coquelin sa Le Funny Pretenders ni Molière. Artist Viber. ika-19 na siglo



Disenyo ng kasuotan para sa trahedya na "Andromache" ni J. Racine. Artista L. Marini. Ika-18 siglo



Benoît Constant Coquelin (1841-1909) - Pranses na artista at theater theorist.



Sarah Bernard bilang Hamlet sa trahedya ng parehong pangalan ni W. Shakespeare.]



Isang eksena mula sa dulang "The Power of Darkness" ni L. N. Tolstoy. "Libreng Teatro" ni A. Antoine. Paris. 1888



Jean Vilar at Gerard Philippe sa trahedya na "Sid" ni P. Corneille. National People's Theater (TNP).



Jean Louis Barrault sa entablado.

Noong 1548, binuksan ang unang teatro sa Paris, ang Burgundy Hotel. Sa pagdating ng propesyonal na teatro, lumitaw ang mga unang propesyonal na manunulat ng dula na nagsulat ng mga dula partikular para sa tropa na ito. Nagsimula ang pag-unlad ng scenography, kung wala ang mga itinerant na tropa na dati ay madaling pinamamahalaan. Ang bawat pagtatanghal ay karaniwang binubuo ng dalawang bahagi - trahedya, pastoral o tragicomedy - at komedya. Sa entablado ng Burgundy Hotel sa simula ng ika-17 siglo. tumugtog ang mga sikat na farcers (performers of farces) Tabarin, Gauthier-Gargil, Gros-Guillaume, Turlepin.

XVII siglo sa France - ang kasagsagan ng sining ng klasisismo. Ang Klasisismo ay lumikha ng isang entablado na paaralan na para sa maraming taon na darating ay tinutukoy ang istilo ng pag-arte: ang kataimtiman at kamahalan ng mga galaw, postura at kilos ng mga gumaganap, ang kasanayan sa pagbigkas. Ang mga tagumpay ng bagong direksyon sa teatro ng Pransya ay nauugnay sa gawain ni Pierre Corneille (1606-1684), Jean Racine (1639-1699), Jean-Baptiste Molière (1622-1673).

Ang mga trahedya ni Pierre Corneille ay itinanghal pangunahin sa teatro na "Mare", na binuksan sa Paris noong 1634. Ang pangunahing tema ng mga gawa ni Corneille na "Cid" (1637), "Horace" (1640), "Cinna" (1641) ay ang pakikibaka sa kaluluwa ng bayani ng mga hilig at pakiramdam ng tungkulin at karangalan. Ang mundo ng kanyang dramaturgy ay malupit at marilag, ang kanyang mga karakter ay hindi nagkakamali, perpekto, at sa kanilang panloob na katatagan ay sinasalungat nila ang pagkakaiba-iba ng panlabas na mundo. Ang mga ideya ng kasagsagan ng absolutismo ay makikita sa gawain ni Corneille: ang mga bayani ng kanyang mga trahedya ay nagsasakripisyo ng kanilang mga damdamin at kadalasan ang kanilang buhay sa ngalan ng tungkulin sa estado, ang monarko. At ito ay hindi nagkataon na ang espesyal na interes sa mga gawa ni Corneille ay lumitaw sa France sa mga sandaling iyon sa kasaysayan kung kailan ang pananampalataya sa isang huwarang bayani, ang tagapagligtas ng amang bayan, ay kailangan. Ang nasabing bayani ay si Sid sa trahedya ng parehong pangalan. Ang papel na ito ay ginampanan ng mahusay na tagumpay ng kahanga-hangang aktor na si Gerard Philippe (1922-1959) sa mga taon pagkatapos ng pagtatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, na nauugnay sa pag-asa ng mga tao para sa demokratikong pagbabago.

Ang gawa ni Jean Racine, isang nakababatang kontemporaryo ng Corneille, ay hindi maiiwasang nauugnay sa teatro ng Burgundy Hotel, kung saan halos lahat ng mga trahedyang isinulat niya ay ginanap. Ang Racine ay higit na naaakit sa lugar ng damdamin ng tao, na nagpapalaki sa pag-ibig, ang pakikibaka ng magkasalungat na mga hilig. Hindi tulad ng Corneille sa Racine, na ang gawain ay naganap sa mga taon ng pampulitikang reaksyon sa France, ang despotikong kapangyarihan ay lumilitaw na bilang isang puwersang laban sa mga goodies. Ang trahedya ng kanyang mga paboritong pangunahing tauhang babae, bata at magagandang babae: Junia ("Britanic", 1669), Andromache at Berenice (sa mga gawa ng parehong pangalan noong 1667 at 1670) - tiyak na binubuo sa isang pag-aaway na may makapangyarihang mapang-api na mga despot.

Sa isa sa mga pinakatanyag na trahedya ni Racine, si Phaedra (1677), ang pagsinta at moralidad na pakikibaka sa kaluluwa ng pangunahing tauhang babae, at ang pagkauhaw sa personal na kaligayahan ay sumasalungat sa konsensya.

Mula sa mga aktres na si M. Chanmelet, ang unang gumanap ng papel na Phaedra at iba pang mga pangunahing tauhang Racine sa Burgundy Hotel, at si T. Duparc, na gumanap sa parehong tropa, ay nagmula sa tradisyon ng malambot, musikal, emosyonal na mayaman na pagbigkas kapag gumaganap ng mga trahedya ni Racine , ang natural na biyaya ng mga galaw at kilos. Si Racine mismo ang tumayo sa pinagmulan ng mga tradisyong ito, na gumaganap sa Burgundy Hotel at bilang direktor ng kanyang mga dula. Mula sa sandali ng unang pagtatanghal, ang kasaysayan ng entablado ng Phaedra ay hindi nagambala. Ang papel na ginagampanan ng Phaedra ay ginampanan ng pinakamahusay na mga artista sa mundo, kabilang ang sa ating bansa - E. S. Semenova, M. N. Ermolova, A. G. Koonen.

Ang ika-18 siglo ay tinatawag na Age of Enlightenment. Isa sa mga pinakadakilang French enlighteners ay si Voltaire (Marie Francois Arouet, 1694-1778). Naniniwala siya sa makapangyarihang kapangyarihan ng pag-iisip ng tao at ikinonekta ang kanyang pag-asa para sa pagbabago ng mundo sa kaliwanagan. Isang lalaking may matalas na isip at maraming nalalamang talento, si Voltaire ay isang makata, manunulat ng dula, pamphleteer, at kritiko. Kabilang sa kanyang pinakatanyag na klasikong trahedya ay ang Brutus (1731), Zaire (1732), The Death of Caesar (1735) at iba pa.

Sa French dramaturgy, lumitaw ang mga bagong genre - burges na drama, "nakakaiyak na komedya", satirical comedy, na tinuligsa ang mga ugali ng pyudal na lipunan. Ang mga bagong bayani ay lumitaw sa entablado - isang financier, isang "bag ng pera" ("Turcare" ni A. Lesage, 1709), isang matalinong lingkod (gawa ni P. Beaumarchais).

Si Pierre Augustin Beaumarchais (1732-1799), na kabilang sa nakababatang henerasyon ng mga enlightener, sa kanyang satirical comedies na The Barber of Seville (1775) at The Marriage of Figaro (1784) ay lumikha ng imahe ni Figaro - isang talento, masigla, matapang na lingkod. . Tinutugunan niya ang mga aristokrata mula sa entablado na may mga sikat na salita: "Binigyan mo ang iyong sarili ng problema upang ipanganak, iyon lang."

Ang mga gawa nina Voltaire at Beaumarchais at ang kanilang mahuhusay na pagganap sa entablado ay may mahalagang papel sa paghahanda ng ideolohikal ng Great French Revolution ng 1789-1799.

Noong siglo XVIII. sa senograpiya at pag-arte, ang mga pagtatangka ay ginawa upang mailapit ang mga pagtatanghal sa katotohanan ng buhay at pagiging tunay sa kasaysayan. Dumadami na ang mga sinehan. At sa buong siglo, ang personalidad ng aktor, ang laro ng pag-arte, ay nakakuha ng espesyal na atensyon ng parehong mga manonood at mga teorista ng sining. Ang treatise ng natitirang materyalistang pilosopo at tagapagturo na si Denis Diderot "The Paradox of the Actor" (1773-1778) ay binibigyang diin ang pangangailangan para sa aktor na ipasa ang mga damdamin sa pangangatuwiran, upang makontrol ang kanyang laro, na hindi lahat ay nagbubukod sa katapatan ng kanyang pag-uugali sa entablado at sa parehong oras ay tumutulong sa kanya na mapanatili ang isang pakiramdam ng proporsyon.

Ang mga kilalang kinatawan ng klasisismo ng paliwanag ay ang mga aktor ng Comédie Française Michel Baron (1653-1729), Henri Louis Lequin (1729-1778), ang mga artistang sina Adrienne Lecouvreur (1692-1730), Marie Dumesnil (1713-1802), Cleron 1723-1803) .

Mahusay na Rebolusyong Pranses 1789-1794 Ang utos sa kalayaan ng mga sinehan, na pinagtibay ng Constituent Assembly noong Enero 19, 1791, ay nagdala ng kalayaan mula sa maharlikang monopolyo sa Pranses na teatro, at humigit-kumulang 20 bagong pribadong mga sinehan ang agad na lumitaw. Ang mga sikat na kasiyahan, mga pagtatanghal sa teatro sa masa ay natukoy din ang paglitaw ng mga bagong genre ng entablado - mga alegorya, pantomime, oratorio na umawit ng tagumpay ng rebolusyon; pampulitikang komedya (tingnan ang mass theatrical performances).

Sa mga taon ng rebolusyon, ang Comedy Francaise ay pinalitan ng pangalan na Theater of the Nation. Ngunit dahil ang karamihan sa kanyang tropa ay laban sa mga rebolusyonaryong pagbabago, ang mga aktor na may pag-iisip ng rebolusyonaryo ay nagtatag ng isang bagong teatro - ang Teatro ng Republika, na pinamumunuan ng namumukod-tanging trahedya na si Francois Joseph Talma (1763-1826), isang kinatawan ng rebolusyonaryong klasisismo. Kasunod nito, muling nagkita ang parehong tropa ng pinakalumang teatro ng Pransya.

Ang ika-19 na siglo ay nagdala ng pagtanggi sa anumang mga modelo, panuntunan, dogma sa sining, iyon ay, ang mga pundasyon ng klasisismo. Ang paglaban sa tradisyonal na sining ay ibinibigay ng mga batang tagasuporta ng isang bagong direksyon - romantisismo. Sa kanilang maraming manifesto - "Racine and Shakespeare" (1823-1825) ni Stendhal, "The Theater of Clara Gasoul" (1825) ni P. Merimee, "Preface to Cromwell" (1827) ni V. Hugo - ang mga mangangaral ng romanticism pangunahing umasa sa ideya kalayaan ng balangkas, anyo, paraan ng pagganap. Sa ilalim ng impluwensya ng malayang dramaturhiya nina W. Shakespeare, P. Calderon, at F. Schiller, iginiit ng mga romantiko ang paggalang sa "lokal na kulay," iyon ay, sa tunay na mga kondisyon ng pagkilos, sa pagpapalawak ng mga hangganan nito at pagtanggi sa pagkakaisa ng oras at lugar. Gayunpaman, ang dramaturgy na nilikha ng Romantics ay hindi isinasaalang-alang ang mga posibilidad ng kontemporaryong yugto at mga aktor, at sa bagay na ito, naging napakahirap na gumanap sa tradisyonal na yugto. Samakatuwid, ang pinakamahusay na gumaganap ng romantikong drama nina V. Hugo at A. Dumas père sa mga unang taon ay hindi ang mga aktor ng Comédie Française sa kanilang katapatan sa mga tradisyon, ngunit ang mga artista na binuo ng paaralan ng pantomime o melodrama. Ang aktres na si Marie Dorval (1798-1849) ay isinama sa entablado na may matalim na kapangyarihan ang mga larawan ng mga pangunahing tauhang nakikipaglaban para sa kanilang pag-ibig. Isa sa pinakamagagandang role niya ay si Marion Delorme sa drama ng parehong pangalan ni V. Hugo. Si Pierre Bocage (1799 - c. 1862) ay naging tanyag sa paglikha ng mga larawan ng mga bayaning rebelde sa mga social drama at melodramas ni V. Hugo, A. Dumas na anak. Ang makatotohanan at kasabay na romantikong gawain ni Frederic-Lemaître (1800-1876) ay lubos na pinahahalagahan ng kanyang mga kontemporaryo. Ang kanyang pinakatanyag na mga tungkulin ay si Ruy Blas sa drama ng parehong pangalan ni V. Hugo, Keane sa drama ni A. Dumas père Keene, o Genius and Debauchery, ang matalinong burges at manloloko na si Robert Maker sa komedya ng parehong pangalan, isinulat mismo ni Frederic-Lemaitre. Naglaro sila sa mga sinehan ng mga boulevards (maliit na pribadong mga sinehan sa Grands Boulevards sa Paris), na bumangon sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang mga manonood dito ay mas demokratiko kaysa sa Comédie Francaise. Malinaw niyang tinugon ang emosyonalidad ng mga aktor, ang pagiging tunay ng kanilang mga karanasan sa entablado, ang katumpakan ng panlipunan at pang-araw-araw na mga katangian.

Gayunpaman, ilang sandali, lumitaw ang mga aktor sa Comedie Francaise, na pinagsasama ang mga klasiko at romantikong tungkulin sa kanilang repertoire.

Isang uri ng pagtanggi sa philistine common sense ang lumitaw sa dramaturgy noong 50s. ika-20 siglo daloy ng "absurd drama". Ang mga dula ni Arthur Adamov, Eugène Ionesco, Jacques Genet, Samuel Beckett ay itinanghal sa maliliit na pribadong mga sinehan at ipinahayag ang kalunos-lunos na premonisyon ng kamatayan, paparating na sakuna, kawalan ng pagtatanggol ng tao.

Noong 60-70s. ika-20 siglo hindi nang walang impluwensya ng mga ideya ng dramaturgy ng B. Brecht sa France, ang teatro sa politika ay aktibong umuunlad, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang aktibong reaksyon ng publiko sa aksyon na nagaganap sa entablado.

Kabilang sa mga pinaka-kagiliw-giliw na theatrical productions ng 70-80s. ika-20 siglo nabibilang sa mga gawa ng mga direktor na sina Jean Louis Barraud, Ariana Mnushkina ("Theater of the Sun"), Roger Planchon ("Theater de la Cite" sa mga suburb ng Lyon), Patrice Cherro at iba pa.

Sa kasalukuyan ay may ilang daang kumpanya ng teatro sa France. Ang karamihan sa mga ito ay nilikha para sa isang panahon at walang tulong ng estado.

Pagkatapos ng Rebolusyon ng 1848, ang kulturang musikal ng Pransya ay pumasok sa isang masalimuot at mahirap na panahon. Ang mga kalagayang panlipunan ay humadlang sa pag-unlad nito. Unti-unti lamang na naipon, nag-mature ng mga bagong progresibong uso, habang ang mga dati ay tumigil na upang matugunan ang mga pangangailangan ng ating panahon, at ang Paris - sa kamakailang nakalipas na pinakamalaking sentro ng musika sa Europa - ay nawala na ang pangunahing kahalagahan nito. Ang oras ng pinakadakilang kaluwalhatian ng Meyerbeer ay naiwan - ito ay kabilang sa 30-40s; sa parehong mga dekada, nilikha ni Berlioz ang kanyang pinakamahusay na mga gawa - ngayon siya ay pumasok sa isang panahon ng matinding krisis; Si Chopin, na matatag na konektado sa buhay musikal ng Paris at naging palamuti nito, ay namatay; Sa panahong ito ay umalis na si Liszt sa France, nanirahan sa Alemanya. Totoo, sa pagtatapos ng 50s at noong 60s isang bilang ng mga bagong pangalan ang lumitaw - Offenbach, Gounod, Bizet, Saint-Saens iba pa. Ngunit sila (maliban kay Offenbach lamang) ay nakipaglaban sa kanilang daan patungo sa pagkilala ng publiko nang may kahirapan sa buong sistema at katangian ng buhay panlipunan ng Ikalawang Imperyo.

Ang mga pananakop ng rebolusyong 1848 ay inagaw makalipas ang tatlong taon ni Louis Bonaparte, na nagproklama sa kanyang sarili bilang Emperador Napoleon III (tinatak siya ni Hugo ng palayaw na "Little Napoleon"). Isang bihasang demagogue, nagawa niyang gamitin ang pangkalahatang popular na kawalang-kasiyahan sa burges na monarkiya ni Louis Philippe at, deftly maneuvering sa pagitan ng iba't ibang mga panlipunang grupo ng populasyong Pranses, nilaro ang mga ito.

Ngunit, nang mabaligtad ang buong ekonomiya ng burges, dinala ni Napoleon III sa susunod na dalawang dekada ang bansa sa ganap na pagbagsak ng estado. Sa malupit na kalinawan, ang digmaang Franco-Prussian noong 1870 ay inilatag ang kapahamakan ng Ikalawang Imperyo, na pinamumunuan ng isang "gang ng mga political at financial adventurers" (F. Engels).

Ang bansa ay inagaw ng lagnat na kaguluhan: ang pagnanasa para sa tubo, para sa stock exchange haka-haka, natagos sa lahat ng dako - lahat ay nasisira. Ang katiwalian na ito ay natakpan ng walang kahihiyang luho ng kulay ube at ginto at ang maliwanag na ningning ng mapagmataas na pakikipagsapalaran.

Inihulog ni Napoleon III ang France sa tuluy-tuloy na mga digmaan sa Russia (ang tinatawag na "Crimean Campaign"), Austria, China, Syria, Mexico at panghuli sa Germany. Ang mga digmaang ito kung minsan ay nanganak visibility tagumpay, bagama't wala silang naidulot kundi pinsala sa ekonomiya ng bansa. Ngunit kailangan sila ni Napoleon, dahil sa okasyon ng anumang kaganapan sa lipunan ay nag-ayos siya ng mga kahanga-hangang salamin - maging ito ay ang pagdating ng English Queen Victoria o ng Persian Shah Farouk, ang koronasyon ni Alexander II sa St. Petersburg o ang tagumpay laban sa mga Austrian malapit sa Solferino (sa Italya), ang pagkamatay ng pambansang makata na si Beranger o ang mga kilalang kompositor sa libing na sina Meyerbeer at Rossini. Ang bawat isa sa mga kaganapang ito ay sinamahan ng mga marangyang seremonya: ang mga tropa ay nagmartsa sa nakakabinging mga tunog ng tansong pinagsamang mga orkestra, ang mga konsiyerto ay ibinigay na may libu-libong mga kalahok. Sa panlabas, ang harapang bahagi ng buhay sa Paris ay nilagyan ng walang lasa na karilagan. Kahit na ang lungsod mismo ay nabago: ang mga lumang bahay ay giniba, ang buong kapitbahayan - ang Paris ay itinayong muli sa isang burgis na paraan.

Sa pampublikong buhay ng France, isang malaking lugar ang inookupahan ng mga nakamamanghang negosyo. Noong 1867, nang ang mga kasiyahan ay umabot sa kanilang kasukdulan na may kaugnayan sa Universal Exhibition, ang Paris ay nagkaroon ng apatnapu't limang mga sinehan, kung saan ang isang katangiang detalye! - tatlumpu ang nagbigay ng kanilang yugto para sa mas magaan na mga genre. Sa isang whirlpool ng masaya at pampublikong mga bola, mabilis na sumugod ang France patungo sa sakuna ng Sedan. (Ang multi-volume na serye ng mga nobela ni Zola na Rougon-Maquart ay nakakuha ng malawak na larawan ng mga asal at buhay panlipunan ng Ikalawang Imperyo.).

Ang krisis ng "malaki" at komiks opera

Sa ilalim ng gayong mga kondisyon, ang sining ng musikal ay hindi maaaring mabuo nang husto - maliban sa magaan, nakakaaliw na mga genre nito. Sakop ng dancing fad ang lahat ng sektor ng lipunan - mula Versailles hanggang sa labas ng Paris. Ang kasiyahang musika, na may matutulis, gumagalaw na ritmo at masiglang kanta, ay pinatunog sa lahat ng dako - sa mga teatro sa boulevard, sari-saring palabas, mga konsyerto sa hardin. Minsan ang mga maliliit na farces-vaudevilles sa mga paksang isyu ay nilalaro. Noong 50s, isang operetta ang lumitaw sa batayan na ito - isinama nito ang walang kabuluhang diwa ng Ikalawang Imperyo (para sa higit pang mga detalye, tingnan ang sanaysay na "Jacques Offenbach"). Ang kaakit-akit na pag-unlad ng operetta ay sinamahan ng isang masining na paghina sa sining ng opera.

Ang seremonyal na karangyaan at stilted retorika, na sumasaklaw sa panloob na kahungkagan at moral na kawalan ng prinsipyo, ang mga katangiang katangian ng ideolohiya ng mga naghaharing bilog ng Ikalawang Imperyo, ay nag-iwan ng kanilang marka sa nilalaman at istilo ng mga pagtatanghal sa musika, lalo na ang opisyal na Grand Opera theater. Ang nakapipinsalang impluwensya ng ideolohiyang ito ay lubos na nakaapekto sa tinatawag na "grand opera" ng kamangha-manghang-monumental na uri.

Ang dramaturhiya ng Scribe-Meyerbeer, na ang pinakamataas na tagumpay ay The Huguenots (1836), ay naubos ang sarili nito. Si Meyerbeer mismo, pagkatapos ng The Prophet (1849), na kumakatawan sa isang hakbang pabalik na may kaugnayan sa mga Huguenot, ay bumaling sa iba pang mga paghahanap, dahil ang mga pagtatangka na isama ang heroic-active na prinsipyo o popular-national ideals ay hindi magtagumpay sa isang kapaligiran ng katiwalian na nasira. ang sistemang panlipunan ng Ikalawang Imperyo . Kahit si Berlioz ay nabigo na gawin ito, nagsusumikap sa Les Troyens (1859) na buhayin ang etikal na espiritu at klasikal na kaplastikan ng mga anyo ng trahedya ni Gluck. Ang lahat ng mas walang saysay ay ang mga eksperimento ng mga epigone ng paaralan ng Meyerbeer. Ang kanilang mga akda, na gumamit ng mga paksang pangkasaysayan o mitolohiya sa magarbong, kumbensyonal na paraan, ay naging walang buhay. (Ang pinakamahusay na opera ng may talento at prolific na Fromental Halévy (1799-1862) - "Zhidovka", na kilala sa mga yugto ng Soviet musical theater sa ilalim ng pangalang "The Cardinal's Daughter", - ay itinanghal din noong 1835, ilang sandali bago ang The Huguenots . V. I. Mainit na nagsalita si Lenin tungkol sa opera na ito (tingnan ang: Lenin V. I. Poln. sobr. soch., vol. 55, p. 202); Lubos itong pinahahalagahan ni A. I. Herzen.). Ang kawalan ng prinsipyo sa mga terminong ideolohikal, ang eclecticism sa artistikong termino ay nagpapahiwatig ng krisis ng "malaking opera". Ang mga kinatawan ng susunod na henerasyon - Gounod, Saint-Saens, Massenet at iba pa - ay hindi makahinga ng buhay dito.

Ang comic opera ay nakakaranas din ng isang malubhang krisis dahil sa kahirapan ng nilalaman ng ideolohikal, ang pananabik para sa panlabas na libangan. Ngunit gayon pa man, kung ihahambing sa "malaki", sa larangan ng comic opera, ang aktibidad ng malikhaing ay mas masinsinang ipinakita. Sa loob ng maraming taon, nagtrabaho dito ang mga nakaranasang master tulad ni Daniel Francois. Ober(namatay noong 1871, ngunit noong 1869 pa rin - sa edad na walumpu't pito! - nagsulat ng kanyang huling comic opera) at Ambroise Tom(namatay noong 1896); sa komiks genre sinubukan ang kanilang kamay Bizet(bagaman ang kanyang kabataang opera na "Don Procopio" ay hindi itinanghal), santo sans at Gounod; huwag nating kalimutan, sa wakas, na si Carmen ay ipinaglihi ng may-akda nito bilang isang comic opera.

Gayunpaman, ang nilikha sa mga taong ito ay higit na pinayaman ng mga matagal nang tradisyon - ang parehong Aubert sa kanyang pinakamahusay na mga gawa noong 30s ("Fra Diavolo", "Black Domino"), Adolphe Adam o Louis Herold - kaysa sa nagbukas ng mga bagong paraan . Ngunit ang mayamang karanasan na naipon ng comic opera sa paglalarawan ng pang-araw-araw na buhay, mga tunay na uri at modernong buhay ay hindi walang kabuluhan - nag-ambag ito sa pagbuo ng mga bagong genre ng operetta at "lyrical opera".

Mula sa huling bahagi ng 50s at 60s, ang "lyric opera" ay itinatag, kung saan ang mga ordinaryong plot, emosyonal na totoo, "sociable" na paraan ng pagpapahayag ay mga palatandaan ng lumalagong impluwensya ng realismo sa French art (tingnan ang higit pa tungkol dito sa mga sanaysay na "Charles Gounod at Jules Massenet). At kung ang kalidad ng mga pagtatanghal ng mga lumang institusyon ng estado ng France - ang mga teatro ng Paris na "Grand Orera" at "Comic Opera" - ay nabawasan nang husto, kung gayon, ang pagtugon sa mga kahilingan ng mga demokratikong tagapakinig, isang pribadong entreprise ng isang bagong musikal na teatro, tinatawag na "Lyrical" (umiiral mula 1851 hanggang 1870) ). Hindi lamang mga gawa ng mga klasikong mundo ang ginanap dito, kundi pati na rin ang mga modernong kompositor, kabilang si Berlioz, lalo na ang mga tagalikha ng "lyrical" na genre - Gounod ("Faust", "Mireil", "Romeo and Juliet"), Bizet ("The Pearl". Seekers" , "Perth beauty") at iba pa.

Estado ng buhay ng konsiyerto

Sa pagtatapos ng panahong ito, ang ilang muling pagbabangon ay pinaplano din sa entablado ng konsiyerto. Ito ang pinaka-mahina na bahagi ng buhay musikal ng Paris: dahil sa sigasig para sa mga pagtatanghal ng mga soloista, ang symphonic at chamber culture ay nakatayo sa napakababang antas. Totoo, mayroong isang orkestra ng konserbatoryo, na inorganisa noong 1828 ng konduktor na si Francois Gabenec mula sa mga propesor nito; ngunit, una, ang mga pagtatanghal ng orkestra ay bihira, at pangalawa, hindi sila naiiba sa artistikong pagiging perpekto. Noong 1950s, ang konduktor na si Jules Padelo ay bumuo ng isang "youth orchestra" mula sa mga mag-aaral ng conservatory (ang tinatawag na "Society of Young Artists"), at sa susunod na dekada ay nagawa niyang itanim sa publiko ang interes sa symphonic music. .

Gayunpaman, wastong itinuro ni Saint-Saens: "Ang kompositor ng Pranses, na hanggang 1870 ay nagkaroon ng lakas ng loob na sumakay sa madulas na landas ng instrumental na musika, ay walang ibang pagkakataon na isagawa sa publiko ang kanyang mga komposisyon kundi ang magbigay ng kanyang sariling konsiyerto at anyayahan ang kanyang mga kaibigan at mga kritiko ng musika dito. Tulad ng para sa publiko - ang ibig kong sabihin ay ang "tunay na publiko" - walang dapat isipin: ang pangalan ng kompositor na naka-print sa poster, at, bukod dito, isang Pranses na kompositor, at, bukod dito, nabubuhay din, ay may isang kahanga-hangang pag-aari upang ililipad ang lahat. Ang hindi sapat na interes ng publiko sa mga genre na ito ay nag-iwan din ng marka sa mga pamamaraan ng edukasyon sa konserbatoryo, na nagkasala ng isang patas na halaga ng dogmatismo at, ayon sa itinatag na masamang tradisyon, ay hindi nagtanim sa mga kompositor ng isang masining na panlasa para sa instrumental na musika.

Sa isang tiyak na lawak, ito ay dahil sa nangingibabaw na atensyon sa mga paraan ng pagpapahayag sa entablado ng musika - sa teatro, sa epektibong pagpapakita ng mga damdamin at pagkilos ng tao, sa pagpaparami ng mga pictorial moments, na sa pangkalahatan ay napaka katangian ng pambansang artistikong Pranses. mga tradisyon. Ito, sa partikular, ay itinuro ng parehong Saint-Saens: "Sa France, mahal na mahal nila ang teatro na ang mga batang kompositor, kapag nagsusulat sila ng musika para sa mga konsyerto, ay hindi magagawa nang wala ito at sa halip na mga tunay na symphonic na gawa ay madalas silang nagbibigay ng entablado. mga sipi, martsa, kasiyahan, sayaw.at mga prusisyon kung saan ang huwarang pangarap ng simponya ay napalitan ng biswal na realidad ng tanghalan ng teatro.

Ang kalunos-lunos na sinapit ng pinakadakilang symphonist noong ika-19 na siglo, si Berlioz, ay lubos na nagpapahiwatig ng mahihirap na kalagayan kung saan ang French instrumental na musika ay napunta sa pagkilala ng publiko. Ngunit kahit na sa lugar na ito ng pagkamalikhain sa musika, ang isang nakapagpapalusog na punto ng pagbabago ay naganap bilang isang resulta ng pag-unlad ng lipunan sa pagliko ng 60s at 70s. Totoo, ang mga sulyap sa umuusbong na pagbabago ay maaaring matukoy nang mas maaga - noong 50s, ginawa nila ang kanilang mga unang symphony ni Gounod (1851), Saint-Saens (1853), Bizet (1855; ang symphony na ito ay hindi ginanap sa buhay ng kompositor). At kahit na ang Saint-Saens noong 1870 ay may-akda na ng dalawang symphony, tatlong piano concerto, dalawa para sa violin, isang bilang ng mga orkestra na overture at suite, gayunpaman, ang oras ng maraming nalalaman na kasagsagan ng French symphonic music ay nahuhulog sa huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo.

Noong 1869, namatay si Berlioz - nag-iisa, pinagkaitan ng kanyang bilog ng mga tagapakinig. Ngunit makalipas ang isang taon, idinaos ng Paris ang mga pagdiriwang ng Berlioz sa isang maligaya na kapaligiran, at ang lumikha ng Fantastic Symphony ay ipinahayag na isang pambansang henyo. At sa susunod na tatlumpung taon, sa mga konsyerto ng conductor na si Eduard Colonn lamang, ang mga gawa ni Berlioz ay ginanap ng limang daang beses, kung saan ang "The Condemnation of Faust" - isang daan at limampu.

Ang papel ng urban musical folklore

Kaya, ang mga pagbabago sa kultura ng musika ay unti-unting binalangkas - sinasalamin nila ang paglaki ng mga puwersa ng demokratikong kampo, na pinili ang isang kalawakan ng mga mahuhusay na batang kompositor mula sa gitna nito. Sa kaibahan sa mga romantiko - mga kinatawan ng mas lumang henerasyon - ang kanilang mga artistikong mithiin ay nabuo sa ilalim ng tanda ng realismo, na ngayon ay sumusulong sa sining ng Pranses sa isang malawak na harapan.

Sa pagpipinta, sumulong si Gustave Courbet - sa hinaharap ay isang aktibong komunard. "Ang pagiging totoo, sa esensya nito, ay isang sining demokratiko", sinabi niya. At pagkatapos niya, si Edouard Manet ay naging tanyag, ang may-akda ng mga kahindik-hindik na pagpipinta na "Olympia", "Breakfast on the Grass". Mas malalim na pagmuni-muni ng mga kontradiksyon ng modernong buhay at panitikan - sa ikalawang kalahati ng siglo, ang mga kilalang figure nito ay sina Gustave Flaubert, Emile Zola, Guy de Maupassant. Gayunpaman, ang mga makatotohanang agos ay magkakaiba sa kanilang komposisyon, at posible na magkaisa ang kanilang mga kinatawan sa isang tiyak na "paaralan" na may kondisyon lamang.

Ang parehong dapat sabihin tungkol sa musika. Ang mga realistikong tendensya ay nahuhubog dito nang mas huli kaysa sa panitikan - ang kanilang pagpapakita ay nahadlangan ng konsiyerto at teatro na pagsasanay, na sumasalamin sa mga aesthetic na panlasa ng mga naghaharing bilog ng Ikalawang Imperyo. Samakatuwid, ang pagiging totoo sa musika bilang nangingibabaw ang direksyon ay lumitaw lamang noong 70s, pagkatapos ng Paris Commune, at naging magkakaiba din sa husay. Gayunpaman, ang mismong katotohanan ng pagtagos ng mga demokratikong imahe at plot sa mga gawang musikal ay progresibo. Bukod dito, ang paraan ng pagpapahayag ng musikal, ang bodega ng musikal na pagsasalita, ay naging demokrasya, naging mas "palakaibigan".

Sa prosesong ito update ng intonasyon Ang musikang Pranses sa ikalawang kalahati ng siglong XIX, ang papel ng urban folklore ay makabuluhan. Ang mas marahas na pagtaas ng alon ng rebolusyonaryong kilusan ay nag-ambag sa malawakang pag-unlad ng pang-araw-araw na mga genre ng kanta at sayaw. Ang musikang ito ng "tradisyon sa bibig" ay nilikha at ginampanan ng mga makata-mang-aawit ng katutubong lungsod - tinawag sila sa Pranses na "chansonniers" (chansonniers):

Simula kay Pierre Beranger, maraming makatang Pranses ang nakakuha ng inspirasyon mula sa katutubong tradisyon ng chansonnier. Kabilang sa kanila ang mga artisan at manggagawa. Sila mismo ang nag-improvised at kumanta ng mga topical verse sa mga artistikong cafe; ang nasabing mga pagpupulong ay tinawag na "goguette" (ang ibig sabihin ng goguette sa Pranses ay "merry feast" o "merry singing"). Ang mga Goguette ay isang mahalagang bahagi ng buhay musikal hindi lamang sa Paris, kundi pati na rin sa iba pang mga pangunahing lungsod ng France.

Sa batayan ng mga goguette, lumaki ang mga amateur singing society (bumangon sila noong 20s ng ika-19 na siglo), na ang mga miyembro ay tinawag na "orpheonists" (Pagdating ng dekada 70, mayroong mahigit tatlong libong singing society sa France. Ang mga brass music ensembles (tinatawag na "harmonists") ang mga miyembro nila.). Ang pangunahing contingent ng mga lipunang ito ay mga manggagawa, na natural, tinutukoy ang ideolohikal at pampulitikang oryentasyon ng repertoire ng mga kanta na ginanap. Noong 1834, sa paunang salita sa isang koleksyon ng mga naturang teksto ("Mga Tula ng Republika", dalawang edisyon), sinabing: "Isang awit, isang kanta lamang ang posible ngayon," gusto nating sabihin, "isang katutubong awit lamang ang ngayon ay naging isang katulad kalye pagpindot. Hahanapin niya ang kanyang paraan sa mga tao."

Talagang natagpuan niya ang ganitong paraan. Maraming mga kanta, na pumukaw sa kamalayan ng uri ng mga manggagawa, ang nakakuha ng pinakamalawak na katanyagan. Kabilang sa mga tunay na gawang ito - ipinanganak noong bisperas ng rebolusyonaryong pag-aalsa noong 1848 "The Song of Bread" ni Pierre Dupont at nilikha pagkaraan ng ilang dekada bilang tugon sa mga kaganapan ng Paris Commune, ang pinakadakilang artistikong monumento sa mga kabayanihan nito - "The Internationale" ni Eugene Pottier - Pierre Degeyter.

Ang makasaysayang kahalagahan ng Paris Commune, ang kalikasan ng masa ng mga artistikong kaganapan nito. Internasyonal na awit ng proletaryado na "International"

Ang Paris Commune - ang "walang kapantay na karanasang ito sa kasaysayan ng sangkatauhan ng diktadura ng proletaryado" (V. I. Lenin) - ay nagmarka ng isang malaking pagbabago sa sosyo-politikal at kultural na buhay ng France. Ang commune ay nauna sa isang kahiya-hiyang pagkatalo sa digmaan sa Alemanya - sa loob ng apatnapu't isang araw, dahil sa pagiging karaniwan ng mga heneral, ang Pranses ay natalo ng sampung labanan, at si Napoleon III, sa pinuno ng kanyang mga tropa, ay sumuko sa Sedan sa awa ng mga nanalo. Umabot na sa limitasyon ang pagkasira ng ekonomiya sa bansa. Palibhasa'y nabigla sa isang makabayang udyok, kinuha ng mga manggagawang Parisian ang kapangyarihan sa kanilang sariling mga kamay.

Hindi nagtagal ang Commune, nalunod sa dagat ng dugo ng reaksyunaryong burgesya, pitumpu't dalawang araw lamang. Ngunit ang mga aktibidad nito sa larangan, hindi lamang pampulitika, kundi pati na rin sa kultura, ay nakikilala sa pamamagitan ng lawak ng ideolohiya at layunin. Ang komunidad ay naghanda para sa pagpapakilala ng sapilitang pag-aaral, na hiwalay sa simbahan, ay naging posible para sa mga nagtatrabaho na tao na bumisita sa mga teatro, konsiyerto, aklatan, museo, atbp.

"Sining para sa masa" - ganyan ang islogan na ipinahayag ng Commune, na naging batayan ng masining na patakaran nito. Para sa masang manggagawa, ang mga konsyerto ay inayos ayon sa magkahalong programa at mga pagtatanghal ng maliliit na anyo. Ang mga ito ay ibinigay sa napakalaking sukat sa Tuileries Palace, kung saan ang mga makabayang pagtatanghal ng mga mahuhusay na aktres na sina Agar at Borda ay lalong sikat. Maraming mga konsiyerto ang inayos din ng mga distrito ng Paris, ang mga detatsment ng National Guard - pinatunog ang musika sa mga lansangan at mga parisukat. Ang pagmamahal sa sining ang nagbigay inspirasyon sa mga proletaryong tagapagtanggol ng Commune - naging simbolo ito ng kanilang bagong rebolusyonaryong buhay.

Ang Federation of Artists, na pinamumunuan ni Gustave Courbet, ay nagbigay ng malaking tulong sa pag-oorganisa ng mga panoorin sa masa. Sa kabila ng pangingibang-bansa o pananabotahe ng maraming artista (pangunahin ang Grand Opera at ang French Comedy), nagawa ng Federation na manalo sa ilang malalaking artistikong figure sa panig nito. Kabilang sa mga ito ang mga makata na sina Paul Verlaine at Arthur Rimbaud, ang pianista na si Raoul Pugnot, ang kompositor na si Henri Litolphe, ang violinist na si Charles Dancla, ang mananaliksik ng katutubong at sinaunang musika na si Louis Burgaud-Decoudre at iba pa.

Ang komunidad ay nakaranas ng mga paghihirap sa binalak na reporma ng edukasyong pangmusika. Ang isang makabuluhang bahagi ng pagkapropesor ay tumakas mula sa Paris (mula sa apatnapu't pitong propesor, dalawampu't anim ang natitira), at sa mga nanatili, marami ang hindi nakibahagi sa mga aktibidad ng Commune. Ang masigla at mahuhusay na kompositor na si Daniel-Salvador (1831-1871), ang may-akda ng higit sa apat na raang kanta, piano at iba pang komposisyon, isang siyentipiko - isang mahusay na connoisseur ng Arabic na musika - at isang kritiko, ay inilagay sa pinuno ng konserbatoryo. Gayunpaman, ang kanyang patuloy na pinag-isipang proyekto para sa demokratisasyon ng konserbatibong edukasyon ay hindi maipatupad, at si Salvador mismo, sa panahon ng pagsupil sa Commune, ay pinatay ng mga tropa ng burges na gobyerno.

Sa masining na patakaran nito, na naglalayon sa kapakanan ng mga tao, marami ang nagawa ng Commune, ngunit mas marami pa itong binalangkas para sa pagpapatupad. At kung ang kanyang aktibidad ay hindi tuwid na makikita sa gawain ng mga modernong propesyonal na kompositor, naapektuhan ito nang maglaon hindi direkta pagpapalalim at pagpapalawak ng mga demokratikong pundasyon ng sining ng Pranses.

Ang direktang epekto ng mga ideya ng Commune ay nakuha sa mga bagong kanta na nilikha ng mga nagtatrabahong makata at musikero. Ang ilan sa mga awit na ito ay napunta sa atin, at ang isa sa mga ito ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo, na naging isang bandila sa pakikibaka para sa demokrasya at sosyalismo. Ito ang International (Bilang karagdagan, kinakailangang pangalanan ang awit ng labanan ng Communards na "Red Banner". Ang teksto nito ay isinalin noong 1881 ng makatang Polish na si B. Chervinsky, at mula sa Poland noong huling bahagi ng 90s ang kantang ito ay dumating sa Russia, kung saan ito ay malapit na. naging napakapopular.).

Nagtatrabahong makata at mang-aawit Eugene Pottier(1816-1887), isang kumbinsido na Communard, ilang araw pagkatapos ng pagkatalo ng Commune - Hunyo 3, 1871 - pagtatago sa ilalim ng lupa, ay lumikha ng isang teksto na kalaunan ay naging awit ng pandaigdigang proletaryado. Ang tekstong ito (ito ay nai-publish lamang noong 1887) ay isinilang sa mga ideya ng Commune, at ang ilan sa mga turn nito ay paraphrase ang pinakamahalagang probisyon ng "Communist Manifesto" (Noong 1864, sa pamumuno nina K. Marx at F. Engels, nilikha ang "International Association of Workers" - ang unang internasyonal na organisasyong masa ng proletaryado, na sa Pranses ay dinaglat bilang "International". Ang awit ni Pottier, na tinatawag na para sa pagkakaisa ng mga manggagawa ng lahat ng bansa, ginamit ang pamagat.).

Ang isa pang manggagawa ay isang woodcarver Pierre Degeyter(1848-1932), isang aktibong miyembro ng bilog ng "orpheonists" ng lungsod ng Lille, noong 1888 ay lumikha ng isang himig sa teksto ni Pottier, na agad na kinuha ng mga manggagawa ng Lille, at pagkatapos ng iba pang pang-industriya. mga sentro ng France.

Noong 1902, isinalin ng rebolusyonaryong Ruso na si A. Ya. Kots ang tatlo sa anim na stanza ng kanta, na pinatindi ang mga rebolusyonaryong invocative na sandali sa nilalaman nito. Ang isang pagsasalin-reworking ng Kotz ay nai-publish sa susunod na taon, at ang mga tala ng himno - sa unang pagkakataon sa Russia - noong 1906. Ang rebolusyonaryong kasanayan ng Russia ay gumawa ng mahahalagang pagbabago sa intonasyon ng awit. Inisip ni Degeyter ang kanyang himig sa katangian ng isang masigla, mabilis na dalawang-kapat na martsa, tulad ng mga sikat na kanta ng Rebolusyong Pranses noong 1789 - "Qa ira", "Carmagnola" at iba pa. Sa Russia, ang himig na ito ay nakatanggap ng isang malawak, solemne na awit, nakakuha ng isang malakas, matagumpay na tunog. At nakapasok na Ruso Ang transkripsyon ng "The Internationale" ay itinuturing ng mga tao sa mundo bilang isang himno ng internasyunal na proletaryong pagkakaisa.

Lubos na pinahahalagahan ni V. I. Lenin ang ideolohikal at masining, agitational na kahalagahan ng proletaryong awit. Pottier na tinawag niyang "isa sa mga pinakadakila propagandista sa pamamagitan ng awit". At sa pagsasalita tungkol sa The Internationale, sinabi ni V. I. Lenin: “Ang awit na ito ay isinalin sa lahat ng European at hindi lamang sa mga wikang Europeo. Saanmang bansa matatagpuan ng matapat na manggagawa ang kanyang sarili, saan man siya itapon ng kapalaran, gaano man siya kakilala sa kanyang sarili, walang wika, walang kakilala, malayo sa kanyang tinubuang-bayan, makakahanap siya ng mga kasama at kaibigan para sa kanyang sarili sa pamilyar na tono ng Internationale .

Panahon ng "pag-update"; yumayabong ng kulturang musikal ng Pransya sa mga huling dekada ng ika-19 na siglo

Ang pagbagsak ng Ikalawang Imperyo ay humantong sa pag-aalis ng mga hadlang na nagpapahina sa pag-unlad ng ekonomiya at kultura ng Pransya. Ang problema ng demokratisasyon ng sining, na inilalapit ito sa mga interes at pangangailangan ng malawak na masa, ay matinding hinarap ng mga artista. Ngunit ang itinatag na rehimeng republika ay burgis, at sa pagtatapos ng siglo - sa bisperas ng panahon ng imperyalismo - ang mga reaksyunaryong aspeto ng ideolohiya ng mga naghaharing uri ay lumalakas at lumalakas. Kaya, ang mga kontradiksyon ay lumalim sa musikal na kultura ng France at sa gawain ng mga indibidwal na kinatawan nito.

Sa susunod na dalawang dekada, maraming mahahalagang, progresibong bagay ang nahayag na nagpayaman sa konsiyerto, teatro at malikhaing kasanayan. Ngunit ang kilusang ito ay hindi pare-pareho, kung minsan ay kompromiso, hindi matatag, dahil ang katotohanan mismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng matalim na mga kontradiksyon sa lipunan.

Tinatawag ng mga mananalaysay na Pranses ang panahong ito na "panahon ng pag-renew". Ang kahulugang ito ay nagdurusa, gayunpaman, mula sa kamalian: sa huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo, ang French musical art ay hindi gaanong "na-renew" dahil mas malinaw nitong inihayag ang mga artistikong uso na lumitaw nang mas maaga. Kasabay nito, ang mga bagong uso ay nakabalangkas din - ang mga tampok ng musikal na impresyonismo ay unti-unting nabuo.

Ang pagbabagong-buhay sa pampublikong buhay ay makabuluhang nakaapekto sa pagpapalawak ng saklaw at higit pang mga mass form ng konsiyerto at teatro na buhay. Sa isang maliit na lawak, naapektuhan nito ang Grand Opera, ngunit ang mga aktibidad ng Comic Opera theater ay nakakuha ng malawak na saklaw, sa yugto kung saan - salungat sa pangalan nito - ang mga gawa ng iba't ibang genre ay itinanghal, kabilang ang mga kontemporaryong Pranses na may-akda (mula sa Bizet's Carmen sa Pelléas at Mélisande" Debussy). Kasabay nito, ang bahagi ng mga konsiyerto ng symphony ay tumaas nang husto - ginanap sila sa Paris ng dalawang organisasyon, ang isa ay pinamumunuan ng conductor na si Edouard Colonne (umiiral mula noong 1873), ang isa pa - ni Charles Lamoureux (mula noong 1881). Ang mga konsyerto sa kamara ay nagsimula ring sistematikong ibigay.

Sa pagtataas ng pangkalahatang tono ng buhay musikal ng France, ang papel ng "Pambansang Lipunan" ay makabuluhan. Ito ay nilikha noong 1871 sa inisyatiba ng Saint-Saens, na may malapit na pakikilahok ni Frank - bilang tugon sa pambansang pagsulong ng makabayan - at itinuloy ang layunin ng all-round propaganda ng mga gawa ng mga may-akda ng Pranses. Ang lipunang ito ay regular na nag-organisa ng mga konsiyerto ng kontemporaryong musika at sa loob ng tatlumpung taon ay nagbigay ng higit sa tatlong daang mga konsiyerto. Hindi lamang nito ipinaglaban ang mga karapatan ng mga kompositor, ngunit sa una ay nag-ambag sa pag-rally ng kanilang hanay. Gayunpaman, ang magkasalungat na kurso sa pag-unlad ng musikang Pranses ay nagkaroon din ng epekto dito: ang pagkalito sa ideolohiya na lumitaw sa pagtatapos ng siglo ay paralisado ang mga aktibidad ng Pambansang Lipunan sa panahong ito.

Ang "panahon ng pag-renew" ay medyo maikli din. Kaya, ang pinakamahusay na oras sa gawain ng Offenbach o Gounod ay nahuhulog sa pagtatapos ng 50s at 60s; Bizet - sa simula ng 70s; Franck, Massenet, Lalo, Chabrier - sa 70 -80s; Ang Saint-Saens ay nagtrabaho nang pinaka-produktibo mula sa huling bahagi ng 60s hanggang 80s, atbp. Gayunpaman, naganap ang isang pagbabago: ito ang panahong ito na minarkahan ng matataas na tagumpay sa sining. "Carmen" ni Bizet, ang mga ballet na "Coppelia" , "Sylvia" at ang opera na "Lakmé" ni Delibes, ang mga opera na "Manon" at "Werther" ni Massenet, "Samson at Delilah" ni Saint-Saens, atbp. Sa larangan ng symphonic at chamber music - ito ay, una sa lahat, ang mga gawa ng mature na panahon ng trabaho ni Franck, ang malalim na nilalaman at artistikong pagiging perpekto kung saan nagbukas ng bagong kabanata sa kasaysayan ng musikang Pranses, pati na rin ang mga virtuoso concerto at iba pang mga gawa ng prolific Saint-Saens; kasama nila at bahagyang nasa ilalim ng kanilang impluwensya, ang isang bilang ng iba pang mga pangunahing figure ng pambansang sining.

Narito ang kanilang mga pangalan (ang mga gawa ay ipinahiwatig, higit sa lahat ay nilikha bago ang simula ng ika-20 siglo).

Edward Lalo(1823-1892), isang violinist sa pamamagitan ng edukasyon, ay ang may-akda ng tanyag na limang-bahaging Spanish Symphony para sa violin at orchestra (1874), ang dalawang-bahaging Norwegian Rhapsody para sa parehong komposisyon (1879), ang g-moll symphony ( 1886), ang ballet na " Namuna (1882), ang opera na The King of the City of Is (1876, premiered noong 1882). Ang kanyang musika ay magaan at matikas, ang mga himig, kadalasang maikli, ay nasa kaluwagan, ang mga ritmo ay matalas at masigla, ang pagkakatugma ay sariwa. Talaga, ito ay pinangungunahan ng mga masasayang tono nang walang pagpapanggap sa pagiging maalalahanin.

Emmanuelle Chabrier(1841-1894) - isang temperamental artist na pinagkalooban ng makatas na katatawanan, na kilala sa kanyang makulay na rhapsody poem na "Spain" (1883). Para sa musikal na teatro, isinulat niya ang operetta na The Star (1874), ang two-act opera na Gwendoline (1886), na sumasalamin sa kanyang pagkahilig kay Wagner, at ang masayang pambansang comic opera na The Reluctant King (1887). Nag-iwan din si Chabrier ng ilang piraso ng piano, orihinal ang istilo.

Vincent d "Andy(1851-1931), ang pinakamalapit at pinakamatapat na estudyante ni Frank, ay isa sa mga nagtatag at permanenteng pinuno ng "Singing School" (Schola cantorum, inorganisa noong 1896) - ang pinaka-makapangyarihan, kasama ang Paris Conservatory, musika at institusyong pang-edukasyon. sa France. Peru d "Si Andy ay nagmamay-ari ng maraming mga gawa, kabilang ang mga opera at symphony. Sa kanyang maagang komposisyon, ang tatlong bahagi na "Symphony on a Mountain Theme" (na may partisipasyon ng piano, 1886), ang mga indibidwal na katangian ng kompositor ay malinaw na ipinakita: ang kanyang mga gawa maakit sa isang mahigpit na kadakilaan ng mga ideya, maingat na pag-iisip ng komposisyon Partikular na makabuluhan ang mga merito ng d "Andy sa paggising ng isang mas malawak na interes sa katutubong musika ng France at sa pagsisikap na ipatupad ito sa kanyang trabaho; bilang karagdagan sa nabanggit na komposisyon, isa pang tatlong-bahaging simponya na pinamagatang "Araw ng Tag-init sa mga Bundok" (1905) ay nagpapahiwatig sa bagay na ito. Binibigyang-pansin niya ang pag-aaral ng maagang musika. Gayunpaman, ang pagsunod sa mga klerikal na dogma ay nagpaliit sa ideolohikal na abot-tanaw ni d "Andy, na nag-iiwan ng reaksyunaryong tatak sa lahat ng kanyang mga aktibidad.

Henry Duparc(1848-1933, mula noong 1885, bilang isang resulta ng isang nerbiyos na pagkabigla, nagretiro siya mula sa buhay musikal) ganap na ipinakita ang kanyang natitirang talento, na minarkahan ng lakas ng loob, isang pagkahilig sa pagpapahayag ng mga dramatikong damdamin, sa larangan ng kamara at vocal music - ang kanyang mga romansa ay ginaganap hanggang ngayon. Sa listahan ng kanyang mga gawa, ang symphonic na tula na "Lenora" (pagkatapos ng Burger, 1875) ay namumukod-tangi din, na isinulat, sa pamamagitan ng paraan, bago ang mga katulad na gawa ng kanyang guro na si Frank.

Ernest Chausson(1855-1899) ay ang may-akda ng dramatikong "Tula" para sa biyolin at orkestra (1896), ang tatlong-bahaging symphony sa B-dur (1890), at marami pang iba, kabilang ang mga magagandang romansa. Ang banayad na liriko, natatakpan ng mapanglaw, na may maliwanag na mga kislap ng drama, ang pagiging sopistikado ng mga maharmonya na paraan ng pagpapahayag ay pinaka katangian ng kanyang musika.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, nakakuha rin ng pagkilala si Gabrielle. Fauré(1845-1924), binansagan ang "French Schuman". Ang kanyang unang panahon ng paglikha ay isinara ng violin sonata A-dur (1876). Marami sa mga vocal at piano works ni Fauré ang napanatili sa concert repertoire (kabilang sa huli, barcaroles, impromptu, nocturnes, preludes; Ballade para sa piano at orchestra, op. 19, 1889, at para sa parehong komposisyon na Fantasia op. 111, 1918 ). Noong 1897, ang pinakamalaking guro at musical figure sa France, si Paul Duke(1865-1935) isinulat ang sikat na orchestral scherzo na The Sorcerer's Apprentice. Sa oras na ito, ganap na nag-mature ang musical genius ni Claude. Debussy(1862-1918): naisulat na niya ang The Afternoon of a Faun (1894) at Three Nocturnes (1899, unang pagtatanghal 1900) para sa orkestra; Matatapos na ang trabaho sa opera na Pelléas et Mélisande (1902). Ngunit ang musikang ito ay mas nabibilang sa ika-20 kaysa sa ika-19 na siglo, at samakatuwid ay hindi isasaalang-alang sa aklat na ito.

Ang kulturang musikal ng Pransya sa ikalawang kalahati ng huling siglo ay kinakatawan ng isang bilang ng mga mahusay na performer. Ito ang mga konduktor na pinangalanan sa itaas ni Charles Lamoureux (1834 - 1899) at Edouard Colonne (1838-1910). Kabilang sa mga pianista ay ang mga natatanging guro na sina Antoine François Marmontel (1816-1898) at Louis Dieumer (1843-1919; inialay ni Tchaikovsky ang kanyang Third Piano Concerto sa kanya), na pumalit sa kanya bilang nangungunang propesor ng piano sa Paris Conservatory, gayundin ang Camille Saint-Saens, na nagbigay ng mga konsiyerto sa lahat ng dako. . Ang mga natatanging masters ng vocal art ay sina Pauline Viardot-Garcia (1821-1910, ang kanyang magiliw na relasyon sa mga kinatawan ng kultura ng Russia, lalo na kay Turgenev), Desiree Artaud (1835-1907, ay palakaibigan kay Tchaikovsky), Gilbert Dupre (1809-1896). Ang isang espesyal na "Paris violin school" ay nabuo din, na pinamumunuan ni Henri viet tan(1820-1881, mula noong 1871 - propesor sa Brussels Conservatory); ang paaralang ito ay may mahabang tradisyon na nauugnay sa mga pangalan nina Pierre Gavinier, Giovanni Viotti at Charles Berio.