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Internationales Fest Die Stars der Weißen Nächte begannen dieses Jahr mit der Uraufführung von Pjotr ​​Tschaikowskys Oper „Die Pik-Dame“ unter der Regie von Alexei Stepanjuk. Drei Uraufführungen fanden vom 27. bis 29. Mai statt neue Bühne Mariinsky-Theater, lässt das Publikum staunen. Der Regisseur behandelte sowohl die Partitur als auch das Libretto sorgfältig und inszenierte die Aufführung, als hätte er schreckliche Informationen aus den Nachrichtenkanälen auf die Bühne übertragen.

Spiele für Erwachsene

Was ist unser Leben? Die Antwort an der Oberfläche ist natürlich das Spiel. Wir spielen Liebe und Treue (bis zur ersten Versuchung), Politik (bis ein Schuss, der plötzlich auf einer Brücke oder in einem Eingang donnert - egal, wie viel Glück Sie haben), Seriosität (bis zur ersten Übertragung von Malakhov oder Gordon). Erwachsene Menschen haben viele Spiele, vom Spielen an der Börse bis zum Spielen menschliche Schicksale. Und der Verlierer? Er weint, das ist sein Schicksal. Der Gewinner kann jedoch in einem Moment an der Stelle desjenigen sein, der gerade gewonnen hat.

„The Queen of Spades“ von Alexei Stepanyuk handelt von solchen Spielen.

Grausam und gnadenlos. Der Regisseur hat anscheinend nicht einmal daran gedacht, die Aufführung näher an unsere Zeit zu verlegen, und das hatte keinen Sinn. Nein, das sind die Zeiten, die in Puschkins Geschichte erzählt werden, die zur grundlegenden Grundlage des Librettos von Modest Tschaikowsky wurde. Vor uns liegt das "neunzehnte Jahrhundert, Eisen", wie der Dichter über ihn schrieb. Aber – auch hier kann man auf ein Zitat nicht verzichten – „in der Vergangenheit reift die Zukunft“.

In Stepanyuks Performance "reift" vieles, genauer gesagt, vieles.

Von Rodion Romanovich Raskolnikov bis zu den unverschämten Politikern unseres Jahrhunderts. Sie alle sind mit demselben Virus infiziert – dem Virus der Macht. Jeder will das „Recht zu haben“. Und das sind weit entfernt von den Charakteren, die an die Träne eines Kindes denken. Sentimentalität stört die Spiele der Erwachsenen.

"Ich kann das gut nachfühlen..."

Stepanjuk sagte für sich "Die Pik-Dame" voraus, er verhexte, er verleumdete. Vor anderthalb Jahren mit demselben Team ( Musikdirektor Produktionen Valery Gergiev, Maler Alexander Orlow und Irina Tscherednikowa) inszenierte er den ergreifenden und zärtlichen Eugen Onegin auf der neuen Bühne des Mariinsky-Theaters. Eine Aufführung, in der es Liebe gab und kein Glück, es gab Frieden, aber keinen Willen, wo Augustäpfel nach Kindheit rochen.

In diesem „Eugen Onegin“, im dritten Akt, in der Szene von Gremins Ball, wo der souveräne Strom der Newa durch die Fenster sichtbar war, erschien eine Figur, die nicht dort gewesen sein kann. Sie war eine trockene und elegante Dame in hohem Alter, die an eine Figur aus einem berühmten Goya-Stich erinnerte. Gräfin Anna Fedotovna? Nun ja, das ist sie.

Der Direktor rief wie bei einer Seance den Geist herbei Pik-Dame, also kam sie.

Zuerst zu ihm und dann zu Herman. Dem Erfolg von Eugen Onegin folgte ein Angebot, Pique Dame zu inszenieren.

In der neuen Aufführung des Mariinsky-Theaters ist jedoch nicht alles so einfach. Tatsächlich passiert Stepanyuk einfach nie. Die Inszenierung ist wie ein Morgengarten im Nebel, eingehüllt in einen Nebel von Assoziationen. Jede Szene der Aufführung provoziert, erfordert Anspannung von Herz und Verstand. Wir scheinen von Erinnerungen an Dostojewskis Leidenschaften zu Freuds Theorien zu eilen, wir ersticken vor Zärtlichkeit an der Szene von Polina und Lisa in dessen Zimmer und fangen die Motive der Welt der Kunst ein, wir sehen das galatische Zeitalter in den Träumen von Konstantin Somov. Nicht umsonst scheint der Bühnenbildner diese Episode in einen vergoldeten Rahmen gefasst zu haben.

Vor uns liegt das schreckliche Petersburg, eine mystische Stadt mit Schatten, eine Stadt, die wahnsinnig schön ist und Einsamkeit provoziert.

Existenzielle Stadt. Alexander Orlov sah ihn durch schwarze Säulen und Tüll, durch lebende goldene Statuen. Es gibt in dieser Szenografie eine Art Poesie von Thanatos, es gibt den Charme des Verwelkens und der Sehnsucht nach der Welt.

Das ist die Interpretation des Regisseurs, und in diesem Sinne hat er einen Verbündeten. Dies ist der musikalische Leiter der Produktion, Valery Gergiev. Wie tragisch, wie mystisch klingt das Orchester unter seiner Leitung! Gergiev scheint die Tragödie, die sich auf der Bühne abspielt, durch sein eigenes Herz zu führen.

Die Arbeit des Orchesters in dieser Aufführung ist auch eine Art musikalische Psychoanalyse.

Es gibt noch eine weitere Ebene in dieser mysteriösen (sind Puschkins Geschichte und Tschaikowskys Musik nicht mysteriös?) Produktion. Das ist fast schon eine schmerzhafte Ironie des Regisseurs. Ironie, das heißt „eine den Geistes- und Naturärzten unbekannte Krankheit“, wenn der Patient darüber lacht und niemand weiß, was er im nächsten Moment auswerfen wird.

Wird er Essigessenz trinken, wird er verrückt werden?.. Die intelligentesten und talentiertesten Menschen aus den ersten Jahren des letzten Jahrhunderts, als die Zeitlosigkeit in Russland begann, fielen in die Zahl der Patienten mit dieser Krankheit. Und wie ironisch der Regisseur auf seine Figuren blickt! Wie er für sie schmerzt ...

Kartenhaus

Das Stück beginnt in Stille. Ein Junge mit Dreispitz geht die Bühne hinunter, geht leise und nicht kindlich behäbig. Und in der Mitte angekommen, baut er ein Haus – ein Kartenhaus. Ein zerbrechliches Haus, noch zerbrechlicher als ein Haus im Sand. Dieses Kartenhaus wird uns während der gesamten Aufführung an das Spiel erinnern.

Die Liebesgeschichte von Lisa (Irina Churilova) und Herman (Maxim Aksyonov) läuft irgendwie nicht rund.

Der Regisseur legt die Akzente zunächst so, dass der Zuschauer das Gefühl hat, dass es nicht Hermans Wunsch ist, Lisa zu heiraten und die soziale Leiter zu erklimmen. Gräfin ( Maria Maksakova) reizt ihn mehr, in den Szenen mit ihr ist diese Person mit dem Profil von Napoleon (oh, was für eine nicht zufällige Bemerkung!) Aufrichtiger und effektiver. Die Gräfin ist diejenige, die helfen kann, die Pläne auszuführen. Und sie sind überhaupt nicht verheiratet.

Der Held von Maxim Aksenov ist neurasthenisch, er eilt herum, all dies wird sowohl durch Plastizität als auch durch stimmliche Ausdruckskraft betont. Bereits in der Szene des ersten Treffens mit Lisa erreicht die Sängerin einen hohen emotionalen Grad. Er verbringt fast die gesamte Aufführung mit einem Glühen, er ist eine komprimierte Quelle, die sich erst in der Szene in seinem Zimmer öffnet, wenn ihm die Gräfin erscheint.

Wie immer bei Alexei Stepanyuk baut er den psychologischen Rahmen der Charaktere für die Künstler fehlerlos auf. Er führt German-Aksenov von der fixen Idee fast bis zu ihrer Verwirklichung, wenn das Delirium für eine vernachlässigbare Zeit zur Realität wird.

Wie unerwartet entschied sich der Direktor für das Bild der Gräfin! Die Frau, die sich mit Saint-Germain angefreundet hat, kann nicht gewöhnlich sein. Sie ist jung und gebrechlich zugleich, sie hat noch ein recht attraktives Äußeres, aber ihr Gang erinnert an das Parkinson-Syndrom. Wer weiß, ob Saint Germain ihr das Rezept für ewige Jugend gegeben hat?

Maria Maksakova, die kein aristokratisches Aussehen hat, passte leider genau in die Grenzen des vom Regisseur vorgegebenen Bildes, und stimmlich wurde die Rolle anständig gemacht. Als sie Herman sieht, fallen ihr offensichtlich als Erstes Amors Pfeile ein.

Es ist schrecklich, Jugend und Schönheit zu verlieren, es ist schrecklich, kalte Neugier in den Augen eines Gegenübers zu sehen.

Aber was, was braucht Herman wirklich, was hat der Regisseur in Tschaikowskys Oper gesehen? „Es gibt Berge von Gold, und sie gehören mir – mir allein!“ - Nach diesem Satz wurde das Puzzle gebildet. Gold ist kein Ziel, Gold ist ein Mittel, ein Mittel, um eine Diktatur zu errichten, Ihre Kontrolle über Menschen.

Eine Person mit einem napoleonischen Profil "sieht die Napoleons an". Oh, wie viele dieser „Napoleons“ schauen uns fast täglich von Fernsehbildschirmen aus an, wie sie „kleine Leute“ verachten. Macht ist für einen bestimmten Psychotyp attraktiv, aber dies ist ein Spiel, bei dem oft das Leben auf dem Spiel steht. Die Gräfin ist tot, die naive Lisa – von ihr ist nur noch eine Hülle übrig. Wie Sleepwalker geht sie langsam durch die Spieler, am Spieltisch vorbei. Wo?..

Und im Finale geht der Junge mit dem Dreispitz wieder langsam, so ein kleiner allwissender und verständnisvoller Greis.

Irgendwie berührt er sanft Hermans Gesicht mit seiner Hand und schließt seine Augen. Die reine Kinderseele scheint die sündige Seele von Herman abzuwehren.

"Queen of Spades" hinterlässt einen Nachgeschmack, ein wenig Bitterkeit und ein bisschen unbekannte Gewürze. Ich möchte danach nicht in das Spiel einsteigen, ich möchte in Ruhe über die banalsten Dinge nachdenken - die Klänge einer Harfe, ruhiger Abend, die Kühle des Sommergartens. Über diese mysteriöse Stadt, wo verschiedene seltsame Geschichten- so verlockend, aber trügerisch, schwer fassbar, wo Luxus zu einem langweiligen Palastbrunnen werden kann. Und totale Einsamkeit - weil sie alle, Liza, die Gräfin, Herman, hoffnungslos einsam sind.

Menschen wie Herman haben jedoch keine Angst vor Einsamkeit. Der Diktator ist immer allein. Er setzt seine Einsamkeit aufs Spiel, in der Hoffnung, die Bank zu sprengen.

Fotos vom Pressedienst des Mariinsky-Theaters zur Verfügung gestellt

Beeindruckende Überraschungen der Oper The Queen of Spades
Ich habe bereits im Sommer die Neufassung von Tschaikowskys Oper Pique Dame im Mariinsky-Theater gesehen und gehört, daher wusste ich, dass sie schön, solide, fast traditionell ist (Regisseur Alexei Stepanyuk). Und die Zusammensetzung der Darsteller am 9. Januar dieses Jahres war attraktiv - Tatyana Pavlovskaya, Yulia Matochkina, Mikhail Vekua, Lyubov Sokolova. Sie waren es, mit Ausnahme von Mikhail Vekua, die ich im Juli hörte. Sie waren sehr gut. Obwohl es für mich am interessantesten war, den beiden führenden Baritonen des Theaters zuzuhören - Vladislav Sulimsky als Graf Tomsky und Alexei Markov als Prinz Yeletsky. Ich hatte sie schon auf der Aufnahme gehört, jetzt wollte ich sie live im Theater hören. Mit einem Wort, ich habe keine besonderen Überraschungen erwartet, und wie sich herausstellte, vergebens! Graf Tomsky, gespielt von Vladislav Sulimsky, wurde wahrscheinlich der beste, sehr farbenfrohe und einprägsamste Charakter des Sängers unter seinen nicht weniger schönen Helden dieser Saison - Mazepa aus gleichnamige Oper Tschaikowsky, Kovalev aus Schostakowitschs Die Nase, Simon Boccanegra, Georges Germont und Amonasro aus Verdis Simon Boccanegra, La Traviata und Aida!
Die Aufführung war sehr geschmückt mit der Rolle des Grafen Tomsky! In der Sprache eines Schneiders sprechend, „sass“ sie, wie ein gut geschneiderter und perfekt sitzender Anzug, wie angegossen! Im ersten Akt ist Graf Tomsky Vladislav Sulimsky eine raffinierte und selbstbewusste Person, so aktiv und energisch. Im letzten Bild des dritten Aktes - ein unverwüstlicher Nachtschwärmer-Rabelaisianer, fast russischer Porthos. Absolut Live-Charakter! Aber Hauptsache der Gesang! Verspielt, leicht frivol, voller rein männlicher Witze, Tomskys Song wurde von ihm so saftig vorgetragen, dass man ihm endlos zuhören kann! Und lachen Sie gerne und freuen Sie sich, dass diese Rolle neue Facetten des immensen Talents der Sängerin eröffnet! Als Tomsky anfing, den berühmten „Russisch zu tanzen und dann in die Hocke zu gehen“, war das Publikum restlos begeistert! Und sein Zlatogor blieb nicht unbemerkt! Na, verführerische Entertainerin und Entertainerin! Diese fröhlich anmutige Pastorale in der Ballszene ist bezaubernd! Jeder darin ist wunderschön (Anna Denisova (Prilepa), Yulia Matochkina (Milovzor)), und Zlatogor ist einfach unwiderstehlich! Wie viel Humor, Enthusiasmus und Schalk!
Tomsky - in der Oper ist natürlich ein sehr konvexer Charakter, er "braut das ganze Chaos zusammen", erzählt eine Geschichte über drei Karten, die auf den "gelockerten Boden" von Hermans entzündetem Bewusstsein fällt und dort fatale Wurzeln schlägt , Was zu ... führte tragischer Ausgang. Aber nur das lebhafte Temperament des Darstellers kann ihn wiederbeleben. Und im Fall von Vladislav Sulimsky hatten wir, das Publikum, unglaubliches Glück! An so etwas kann ich mich bei der Juli-Pik-Dame nicht erinnern. Da war ein Lied von Tomsky, lustig, und das war's...
Prinz Yeletsky von Alexei Markov ist ein eindeutig zurückhaltender, edler, weltlicher Mann, "zugeknöpft". Und für ihn sieht eine Liebeserklärung an seine Braut, die in der berühmten Arie „Ich liebe dich, ich liebe dich immens ...“ erklingt, wie eine extreme Manifestation seiner Gefühle aus, die der Anstand zulässt. Sein Held zeichnete sich auch durch die Breite seiner Ansichten aus. Für das 18. Jahrhundert ist es sehr ungewöhnlich, dass Aristokraten, die heiraten, sich für die Gefühle einer Frau interessieren, diese vor allem selbst erleben und ihrer Braut nach der Verlobung freie Wahl lassen. Alexei Markovs Stimme klang in der Liebesarie kräftig und schön, mit den nötigen Modulationen. BEI letzte Szene dritten Akt - sogar gebieterisch und wütend, als er sich entschloss, mit einem Gegner, der ihm die Ruhe nahm, Karten zu spielen glückliches Leben, damit seiner Meinung nach Emporkömmling Herman! In diesem Fragment war er besonders ausdrucksstark! Die führenden Baritone des Mariinsky-Theaters haben die gestrige (9. Januar 2017) Aufführung von Pik-Dame sehr geschmückt!
Obwohl die Partei von Fürst Yeletsky natürlich nicht so erfolgreich ist wie die Partei von Graf Tomsky! Es ist kleiner im Volumen, musikalisch und emotional geiziger. Und da Vladislav Sulimsky am 30. Januar als Darsteller angekündigt wurde, habe ich versucht, ihn in dieser Rolle zu präsentieren. Erstens dachte ich, dass es dasselbe ist, ihn dazu zu bringen, Prinz Yeletsky zu singen, wenn er SO ein unwiderstehlicher Graf von Tomsky ist, wie Nüsse mit dem königlichen Siegel zu knacken (wie es der Bettlerjunge tat, der in Mark Twains Geschichte den Platz des englischen Königs einnahm " Der Prinz und der Bettler "")! Zweitens dachte ich, dass Prinz Eletsky von Vladislav Sulimsky so anders gewesen wäre (es ist schließlich unmöglich, das natürliche Temperament und die Art des Gesangs zu verbergen), dass viele im Publikum am Ende der Oper unwillkürlich eine Frage haben würden, Warum hat Liza ihren Verlobten gegen einen Neurastheniker eingetauscht und ist mit Hermans Verstand untergegangen? Und wie froh war ich, als bekannt wurde, dass Vladislav Sulimsky am 30. Januar wieder Graf Tomsky singen würde! Und ich wollte mich bei denen bedanken, die diese Entscheidung getroffen haben!
Mikhail Vekua war ein recht guter Deutscher, klang zwar eher wie Wagners Zigfirid oder Loge, sang aber beeindruckend mit kräftiger Stimme. Sowohl Lisa (Tatyana Pavlovskaya) als auch Polina (Yulia Matochkina) waren zufrieden, es wurde charmant gesungen berühmtes Duett. Am beeindruckendsten war Lizas Arie auf der Böschung („Es ist fast Mitternacht, aber Herman ist noch weg…“), sehr eindringlich und andächtig vorgetragen! Obwohl, als sie sich auf Geheiß des Direktors auf den Bürgersteig setzte, konnte ich nicht anders, als mich an den ewigen Schneematsch von St. Petersburg zu erinnern und mich über solche Handlungen einer weltlichen jungen Dame nicht wundern.
Und gestern überraschte mich die Szene im Schlafzimmer der Gräfin, wo sie sich an ihre Jugend erinnert. Aus irgendeinem Grund singt die Gräfin (Lyubov Sokolova) wie leise, was im Kino wahrscheinlich normal wäre, aber im riesigen Saal des Neubaus des Mariinsky-Theaters ist dies seltsam, weil sich lautes Singen hier oft „auflöst “ in die Eingeweide der Bühne, wenn sie sich in ihrer ganzen Tiefe öffnet, wie zum Beispiel in den ersten beiden Akten dieser Produktion von Pique Dame. Und dann erlebt man im Saal eine deutliche Tonlosigkeit der Sängerstimmen, es geht teilweise zurück, besonders wenn sich die Sänger vom Proszenium wegbewegen oder sich beim Singen zur Seite oder nach hinten drehen. In der Schlafzimmerszene war der Raum zwar durch die Kulisse begrenzt, die den Schall in den Flur reflektierte, aber auch das half nicht. Und das Orchester "starb" wegen des leisen Gesangs fast am Quietschen einer Mücke. Wenn man sich an diese Szene erinnert, die Obraztsova in der berühmten Aufnahme der Aufführung mit Atlantov in der Rolle des Herman aufgeführt hat, fragt man sich, warum es notwendig war, die Aufführung dort zu ändern?
Und noch ein Gedanke, der mich während dieser Aufführung beschäftigte und mich vorher verwirrte. Warum regen die Stimmen mancher Sänger auf, man möchte ihnen endlos zuhören, sie verursachen spirituelle Ehrfurcht, Freude, manchmal machen diese Gefühle sogar Angst. Im Mariinsky-Theater sind dies für mich die Stimmen von Vladislav Sulimsky, Tatyana Serzhan, Dmitry Voropaev, unter den Sängern der Vergangenheit - Pavel Lisitsian, Sergey Lemeshev, Mario Lanz ... Und nicht weniger schön, starke Stimmen schön Opernsänger lassen mich gleichgültig, obwohl ich intellektuell verstehe, dass sie gut singen. Und hier geht es nicht um die äußerlichen Manifestationen des dramatischen Talents, sondern um den Klang der Stimme, denn der gleiche Effekt tritt beim Hören von Audioaufnahmen auf ... In meiner Kindheit hat meine Familie viel über ein ähnliches Thema gesprochen - über das Singen von Beniamino Gigli, Mario del Monaco und Mario Lanza. Die Antwort fand sich in der Emotionalität der Art zu singen, aber sie fügten hinzu, dass da noch etwas anderes sei ... Was? Vielleicht ist es egal? Hauptsache es gibt!

PETERSBURGER TRÄUME - 2015

Nicht weniger mysteriös als „Carmen“ und „Don Juan“ "Die Pik-Dame" Tschaikowsky - ernsthafte Herausforderung für Intellekt, Psyche und Berufsionale Meisterschaft des Regisseurs, der beabsichtigt, dem heutigen Zuschauer-Hörer etwas Bedeutendes zu sagen. Zu schrecklich ist der Abgrund, in den Tschaikowsky blickt und jeden mitreißt, der ihn ernsthaft berührt.
Regisseur Alexei Stepanyuk und Bühnenbildner Alexander Orlov sind nicht die ersten, die sich diesem wunderschönen und schrecklichen Abgrund nähern, um sein Geheimnis zu lüften. Ja, und Valery Gergiev, der alle Symphonien, Ballette und Opern von Pjotr ​​Iljitsch dirigierte, der Materie mit seinem eigenen Wesen fühlt, könnte wahrscheinlich mehr als ein Konzept von Pique Dame bieten. Aber der Maestro hat die seltene Gabe, sofort wahrzunehmen, was ihm die Bühne bietet – und oft sieht er aufgrund übermenschlicher Beschäftigung in den letzten Tagen vor der Premiere das finale Bühnenprodukt. Ob das gut oder schlecht ist, ist eine andere Frage, aber das Eigentum an sich ist phänomenal: Der Maestro dirigiert in der Regel die Aufführung, die so und nicht anders inszeniert wird.
Die Bühnenlösung von Stepanyuk-Orlovs Pique Dame gleicht den Visionen oder Träumen eines Verrückten. Hermans Existenz ist aus vergänglichen Träumen gewoben, sehnsüchtige Wünsche, Komplexe, Ambitionen und Angst. (Nicht umsonst wiederholen die Tschaikowsky-Brüder im Libretto von The Queen of Spades den Satz „I'm scared“ mit einem betörenden Refrain, und die höllische Schönheit des Orchesters rauscht und klopft, der Dunst des klingenden Pianissimo hat manchmal einen stärkere Wirkung als dynamische Explosionen.) Anziehung und Widerstand gegen den Tod, schmerzhafte Liebesanziehung, Machthunger verflechten sich in dieser Performance zu einem zähflüssigen Knäuel. Alles lebt auf der Bühne im Schnellgang, wie in einem abgetrennten Teil des Bewusstseins des Helden. Und die etwas langsameren Tempi des Gergiev-Orchesters unterstreichen dies nur mit distanzierter Langsamkeit, hängende musikalische Phrasen ohne Antwort, die sich in einer unheimlichen Stille auflösen. Um dann mit kraftvollen Höhepunkten zu explodieren.
Der Regisseur erkennt seine eigene Wahrnehmung des Materials und verbindet es deklarativ mit den Motiven bedeutende Werke Musiktheater in den letzten Jahren. Die Fäden ziehen sich in Form offenkundiger Assoziationen zu früheren Inszenierungen: Der Junge, der im Prolog der Temirkanov-Aufführung der Achtzigerjahre auf ein Bein sprang, wird zu Stepanyuks kleinem Herman-Napoleon, herrschsüchtig und düster.

Diese Figur durchläuft sukzessive die gesamte Aufführung, kommandiert eine Abteilung von Jungen in einer Kinderszene, trifft sich kurz mit dem erwachsenen Herman, erscheint am Anfang oder am Ende fast jedes Bildes, um Bühnenereignisse zu kombinieren (manchmal etwas förmlich, aber häufiger - genau und zielgerichtet).
Eine Dame in einer Krinoline an der Brüstung des St. Petersburger Damms erinnert an die relativ junge Galibin-Pik-Dame im Jahr 1999. Hier wirkt dieses Bild wie eine deformierte Kinderphantasie: Der Träger der Totenmaske bietet dem Jungen eine fatale Chance - drei Karten. Und die distanzierte Einsamkeit des kleinen Herman-Napoleon wächst zu einer selbstzerstörerischen Kraft kolossalen Ausmaßes.
Mehr über nicht zufällige Assoziationen, denke ich: Es wird nicht die senile Plastizität der Gräfin, ihr Tempo betont Bühnenleben Ihre mit einem weißen Netz zusammengebundenen Haare, wenn eine elegante Perücke abgenommen wird – besonders wenn Maria Maksakova nicht sehr gut singen, aber schlank auf der Bühne steht – lassen entfernte Analogien zu dem choreografischen Bild entstehen, das Roland Petit für Ilze Liepa im Ballett geschaffen hat. Die Pik-Dame" Bolschoi-Theater 2001. Und die Statuen erwachen zum Leben - Hallo zum polnischen Akt von "Boris Godunov", der 1990 von Tarkovsky inszeniert wurde. Und schließlich - der Geist des Kaisers, der deutlich über der Aufführung schwebt und "... um zwölf Uhr nachts" aus dem Sarg steigt. Schukowski-Glinka.
Das sind keine Kredite. Dies ist eine Schichtgrundlage, die mit der fernen und nicht so fernen Vergangenheit unserer Kultur verknüpft ist.
Die Szenografie von Orlov verleiht der Aufführung einen besonderen Adel. Die Technik, die er für die Fluidität der visuellen Serie vorgeschlagen hat, ist der Instabilität des Bewusstseins des anfänglich wahnsinnigen Herman angemessen. Bronzefarbene Säulen bewegen sich sanft und leicht, gruppiert zu grafischen Konstruktionen, Mise-en-Scenes werden unmerklich von Mesh-Vorhängen ausgelöscht, statische und plötzlich auflebende Kompositionen schweben aus der Tiefe. Beim Wechseln von Gemälden erzeugt die glatte Überschneidung von vertikalen und horizontalen linearen Schichten den Effekt einer Fata Morgana, des Fließens einer visuellen Formel in eine andere. Die szenografische Dramaturgie ist wunderschön aus diesen Motiven gewebt und lässt im Einklang mit der Musik komplexe, verstörende Empfindungen entstehen.
Im Allgemeinen ist dies eine sehr schöne Aufführung, die für einen intellektuellen Zuschauer konzipiert ist, eine Aufführung interessanter Absichten und unerwarteter Entscheidungen. Aber das eine sind künstlerische und inszenierte Absichten, das andere die Wahrnehmung des Publikums. Und hier harmonieren sie nicht immer perfekt. Für einen Musiker und nur für einen Zuschauer mag die ständige Bewegung der Säulen, ihr Wiederaufbau, die Häufigkeit der Änderungen im Bühnenbild übertrieben erscheinen. Und die fast ununterbrochene langsame Bewegung der Charaktere ist monoton. Und er, der Betrachter, wird ein Stück weit recht haben: Irgendwo wird das Leitmotiv der unsteten, schläfrigen Fließfähigkeit wirklich lästig. Oder vielleicht einfach hartnäckig und ganz natürlich in diese Entscheidung? Es hängt von den Darstellern und dem Publikum ab. Obwohl es im Prinzip besser ist, die Toleranz der Öffentlichkeit nicht zu missbrauchen.
Wenn wir über den Bildton der Aufführung als Ganzes sprechen, dann ist dies eine künstlerische Paraphrase auf die Motive des Barock und der Moderne, auch sehr Petersburger Stil, der wiederum Pseudobarock und Elemente des Klassizismus und des würzigen Orients enthält Motive. Was die völlig unerwartete Einrichtung von Lisas Zimmer rechtfertigt: ein mit Teppich ausgelegtes Boudoir mit einem großen Sofa, Kissen, Hockern und einer Harfe. Die Kostümdesignerin Irina Cherednikova kleidete die Mädchen ziemlich frei - hier sind Korsettkleider und lockere Umhänge und weiße Perücken und Turbane; die Posen sind frei und entspannt, die Gruppen malerisch. Erinnert an einen orientalischen Harem oder einen exotischen Salon um die Jahrhundertwende X IX und XX. Bis auf Lisas sehr unglückliches Kleid ist alles schön und sinnlich, aber seltsam. Obwohl eine starke Intensität der Leidenschaften in einer solchen Atmosphäre durchaus angebracht ist.
In Stepanyuks Performance ist alles ein bisschen seltsam, wie in einem Traum - die sterbenden Charaktere verlassen einfach die Bühne und lösen sich im schmerzhaften Bewusstsein des Helden "wie ein Traum, wie ein Morgennebel" auf. Die verzweifelte Lisa beginnt sich auf ihr letztes Stichwort in die Tiefe zu bewegen, um ihr in einem gespenstischen Licht vom Pier entgegenzukommen, eine statische, mise-en-szenisch ausdrucksstarke Komposition einer Spielbank schwebt (auf einem Wagen) auf sie zu. Lisa geht wie durch die Spieler hindurch und verschwindet irgendwo außer Sichtweite. Der von Innovationen verführte Zuschauer hat eine Idee: Es bedeutet, dass sie im Finale in der Realität erscheinen wird und nicht in der Vorstellung des sterbenden Herman! Aber nein, nichts. Sie löste sich auf, löste sich auf.
Die tote Gräfin erhebt sich von ihrem umgedrehten Voltaire-Stuhl und verschwindet zwischen den sich bewegenden Säulen. In der Szene der Kaserne sehr effektiv von Hermans Bett aufzustehen.
Die orchestrale Epilog-Katharsis im Finale wird von der regungslosen Gestalt des Herman in der Pose der reuigen Magdalena und des Jungen beantwortet, der seine Augen mit der Handfläche bedeckt. Und gegen Ende, schon außerhalb der Musik, geht das Metronom an, Herman steht auf und geht mit festem Schritt irgendwo zwischen Portal und erster Bühne ... in eine andere Dimension. "Um zwölf Uhr nachts ..."
Um ihre Fantasien zu verwirklichen, verfügten die Regisseure über eine Reihe hervorragender Schauspieler-Sänger, die nicht nur qualitativ hochwertigen Gesang liefern, sondern auch den schwierigen Inhalt der Rollen enthüllen konnten. Zunächst einmal zwei bedeutende, stimmlich vollwertige, echte Deutsche. Dies sind Maxim Aksyonov und Mikhail Vekua. German Aksyonova ist eine Romantikerin, eine Verrückte, eine verletzte, leidende, aber stolze Seele. In Vekua ist der Held direkter von der Vorstellung von Macht, dem Besitz eines Geheimnisses und einer Frau besessen. Stärkere und ganze Natur.

Vekua ist erfahrener und mutiger – er ist einer der wenigen Deutschen, der singt letzte Arie in der Originaltonart, ohne den allgemein akzeptierten Transport einen Ton tiefer. Aber Aksyonov ist subtiler, stimmlich abwechslungsreicher, interessanter in der Rollenzeichnung und menschlich.
Tatyana Serzhan, die in italienischen Spielen zweifellos hervorragend war, näherte sich der Russin Lisa nicht sofort. Aber in dieser Aufführung kamen ihre warme Weiblichkeit und ihr Temperament voll zur Geltung. Im zweiten Bild wird die gedämpfte Trägheit in der Stimme und Plastizität durch panische Angst und dann eine offene starke Leidenschaft ersetzt. Die Stimme vibriert schön, die schauspielerische Natur bricht los – was ihr rasanter Lauf in die Tiefe des Balkons nach dem Besuch der Gräfin ist: Liza beschließt, dass Herman weg ist. Und in der Szene sind die Grooves der freie Flug der Vocals ohne Spannung und das gekonnte Wechseln von einem Zustand in den anderen.

Stattlich, hemmungslos plastisch, zynisch gutmütig, aber der bunteste Tomsky von Viktor Korotich ist gar nicht einfach. Der Klang der Stimme und das klare, voluminöse Wort sind einfach großartig. Ein anderer Darsteller dieser Rolle, Roman Burdenko, nimmt ein schönes Timbre an, aber sein Charakter ist fauler.
Eletsui in ausgezeichnet stimmliche Leistung Vladislav Sulimsky wurde von den Regisseuren anscheinend ganz bewusst in den Schatten gedrängt. Edel und harmonisch, aber nicht zu auffällig, kann Yeletsky keine bedeutende Rolle im Schicksal der Helden spielen. Für den ehrgeizigen Herman ist er nur eine unglückliche Komplikation. Zum Verdienst eines wunderbaren Sängers, der es gewohnt ist, ein Held auf der Bühne zu sein, erfüllt Sulimsky seine schauspielerische Aufgabe sehr taktvoll.
Die leicht schelmische, extravagante Polina Ekaterina Sergeeva ist eine sinnliche Dame mit dem Geruch der Sünde, als käme sie aus dem Salon von Zinaida Gippius. Sergejewa tritt in einem Zwischenspiel auch als stilvolle Heuchlerin in Gestalt einer höfischen Hirtin auf. Die Intelligenz dieser Sängerin und Schauspielerin ist immer spürbar - sowohl in der Theateraufführung als auch auf der Konzertbühne.
Die Arbeit von Chor und Mimams ist musikalisch und plastisch hervorragend organisiert. Ihre Rolle bei der Schaffung einer besonderen Atmosphäre einer Luftspiegelung, in der die Mehrheit der Solisten so ungewöhnlich vorhanden ist, ist hier äußerst groß. Sowie die äußerst präzise Arbeit des Lichtdesigners Alexander Sivaev.
Wie jedes subtile und mehrdeutige Kunstwerk das Neue Bühnenversion"The Queen of Spades" erfordert eine besonders sorgfältige Vermietungseinstellung. Es ist zu leicht, das Gesamtgleichgewicht zu stören – durch unterschiedliche Orchestertempi oder Nachlässigkeit im Bühnentempo, durch eine andere Art, Schauspieler zu sein oder durch technische Mängel – es ist zu leicht. Bedeutungsvoll Opernbühne Es ist schwierig zu erstellen, aber noch schwieriger zu pflegen.

Nora Potapowa
St. Petersburg
Juni 2015

Material für das Online-Magazin aufbereitet OperaNews

Am Mittwoch haben maman und ich mal wieder mitgemacht hohe Kunst, wir besuchten nämlich das Mariinsky-Theater für die Oper The Queen of Spades. In diesem Fall wurde unsere Wahl nicht so sehr durch die Liebe zu Tschaikowsky und Puschkin erklärt, sondern durch die Teilnahme von Vasily Gerello an der Aktion. Außerdem gab es nach der Reaktion des Publikums viele solcher Klugen :)
BEI In letzter Zeit Bei Theaterbesuchen bekam ich Angst vor der Möglichkeit, mich zu treffen moderne Produktion und sehen Sie sich den Blick an klassisch ein anderer kreativer Kamerad. Kürzlich hörte ich vage im Fernsehen, dass manche moderne Opernproduktion mit zehn Minuten Stille beginnt. Anscheinend wird der nächste Artikel sein Ballettaufführung, das mit zehn Minuten Dunkelheit beginnt ( Idee patentieren?). Und deshalb war ich zunächst einmal froh, dass wir dieses Mal keine Überraschungen erlebten und uns an der klassischen Inszenierung von Pik-Dame (die 1984 im Mariinski-Theater uraufgeführt wurde, als das Theater noch hieß, erfreuen konnten das nach Kirow benannte Leningrader Opern- und Balletttheater).
Die Kostüme und Kulissen sind sehr schön. Und auch die Landschaft ist in ihrer Größe beeindruckend. Aufgrund dieser Waagen dauert ihre Änderung zwar einige Zeit, aber es lohnt sich.
Von den Darstellern hat sich natürlich Vasily Gerello (Graf Tomsky) gefreut. Ich hatte nicht erwartet, Irina Bogacheva (Gräfin) auf der Bühne zu sehen - ich dachte nicht, dass sie noch auftritt. Gut gemacht, was! Maxim Aksyonov (Deutscher) sang im ersten Akt, gelinde gesagt, nicht so heiß, aber im zweiten Akt war er ausverkauft. Aufgebrochen, schätze ich. Über den Rest der Darsteller - Alexander Gergalov (Prince Yeletsky), Tatyana Pavlovskaya (Lisa) und Ekaterina Sergeeva (Polina) - kann ich nichts sagen.
Wir hatten Plätze in der zweiten Loge des ersten Ranges. Als wir die Tickets kauften, war die Auswahl bereits nicht groß, aber wenn ich die Wahl hätte, würde ich nicht raten, diese Plätze einzunehmen - nicht die ganze Bühne ist von dort aus gut sichtbar. Vor allem, wenn man sagenhaftes Glück mit den Nachbarn hat – neben uns saßen Mutter und Tochter, die fast aus der Kiste hingen, um besser sehen zu können. Und natürlich dachten sie nicht, dass sie damit anderen Zuschauern die Möglichkeit nehmen, wenigstens etwas zu sehen. Ich musste zweimal kommentieren. Nachdem wir jedoch in der Pause einen Teil des Dialogs dieses Paares über die Befehle von Doritsa und Ionitsa mitbekommen haben, sind alle Fragen irgendwie sofort verschwunden :))
Aber es war bequem, das Orchester von unseren Sitzen aus zu beobachten. So habe ich zum Beispiel herausgefunden, dass der Dirigent (Pavel Smelkov), wie sich herausstellt, sitzt.
Es war nicht möglich, das Programm zu kaufen - dies ist nicht das erste Mal, dass ich darauf stoße, dass sie nach der ersten Pause nur für bleiben Englische Sprache. Ich frage mich, warum das passiert?
Ein wesentlicher Nachteil der alten Bühne des Mariinsky-Theaters sind immer noch kleine Toiletten ( Ich frage mich, ob es einen Plan gibt, dieses Problem während der Reparatur zu beheben?). Infolgedessen muss man vor Beginn der Pause aus dem Saal rennen und unter dem freundlichen Gelächter der Theatermitarbeiter auf die Toilette rennen ( Der Fairness halber stelle ich fest, dass ich als erster anfing zu lachen). Ansonsten besteht die Möglichkeit, die ganze Pause über Schlange zu stehen - als ich ging, hatten sich bereits dreißig Leute versammelt. Ich beneide Menschen, die vier Stunden ohne diese Attraktion leben können.
Nachdem ich ins Theater gegangen war, hatte ich den Wunsch, Puschkin noch einmal zu lesen - ich erinnere mich an die Handlung, aber die Details wurden bereits aus meinem Gedächtnis gelöscht.
Besonderer Dank an

Wenn während der Einführung im vordergrund spielt ein junge mit einem kartenhaus - gibt es zweifel, dass das haus im finale einstürzen wird? Nein, denn die Regie von Alexei Stepanyuk besteht immer aus solchen 100% kalkulierten Nebensächlichkeiten. Zwar muss man einen Dreiakter durchstehen, um am Ende des siebten Bildes überzeugt zu sein: Die zu Beginn des ersten gemachte Vermutung hat sich bestätigt. Die Banalität des Denkens des Regisseurs widerspricht jedoch nicht der darin enthaltenen Logiklosigkeit. Der Junge, in der Sendung „Little Hermann“ genannt, macht einen Schritt in die Tiefe der Bühne und entpuppt sich als Kommandant der spielenden Jungs Sommergarten in einen Soldaten. Danach kommt erwartungsgemäß der erwachsene Herman heraus. Wie kann dieselbe Figur sowohl eine Vision aus der Vergangenheit in der fiktiven Realität als auch ein echter Junge im Sommergarten sein? Gesunder Menschenverstand war jedoch nie die Stärke von Herrn Stepanyuk.

Obwohl natürlich verglichen mit seinen anderen Werken - zum Beispiel mit Onegin go here, im Mariinsky-2, wo Lensky mit Olga im Heuhaufen fleischlichen Genüssen frönt, oder mit " Barbier von Sevilla" in Konzerthalle, wo jeder jeden "tröstet" ohne Diskriminierung von Geschlecht, Alter und soziale Position, diese "Queen of Spades" ist Stepanyuk-light. Darin, außer dass Herman in der vierten Szene Lisa auf dem Boden ausfüllt, und selbst dann fast in den Kulissen und in den letzten Takten. Zur gleichen Zeit steht die frisch verstorbene Gräfin aus einem unbekannten Grund von ihrem Stuhl auf und bewegt sich weg, um die Aufmerksamkeit von der pikanten Verschwörung abzulenken, die sich zwischen ihrem unwissenden Mörder und ihrer Enkelin abspielt.

Glücklicherweise solche Regie Die Aufführung ist nicht reich an Fundstücken, und die Szenografie von Alexander Orlov übernahm die prägende Hauptfunktion. Von den Seiten gehen goldene Säulen, die an den Stangen befestigt sind, sanft ab und schweben davon, die gleichen Stuckgesimse steigen ab und steigen parallel auf. Flüge aus dunklen transparenten Vorhängen reimen sich auf diese Manöver – ein Autozitat aus „Peak“ von 1999 unter der Regie von Alexander Galibin, den Orlov auch entworfen hat. Das szenografische Ballett ist so schön, dass es für die Künstler klüger wäre, einfach zu stehen und zu singen – das passiert in den besten Momenten.

Schweigt lautlos hinter der Bühne vorne ist eine riesige Plattform mit mehrstöckigen Stufen, mit Teppich ausgelegt und mit Kandelabern ausgekleidet - Lisas Zimmer im zweiten Bild ähnelt einem luxuriösen Harem, ebenfalls mit goldener Harfe und Cembalo.

Auf dem dritten Bild - auf dem Ball von Catherines Adligem - einfach alles ist golden, einschließlich Skulpturen, die bald zum Leben erweckt werden und sich den schicken Kleidern von Irina Cherednikova anschließen.

Anzüge - Styling Ende des 18. Jahrhunderts, als die Handlung des Librettos von Modest Tschaikowsky stattfindet. Aber die langjährige Debatte darüber, ob man diesem Timing folgt oder ob man den ersten zurückgibt Drittel des XIX Jahrhundert, wie bei Puschkin, oder etwa alles auf unsere Tage zu übertragen, ist für diese Aufführung nicht relevant. Seine Wirkung tritt egal wann auf und es ist nicht bekannt bei wem.

Neben dem gesammelten, komplett innere Würde Prinz Yeletsky (Vladislav Sulimsky) - Graf Tomsky, den Roman Burdenko aus irgendeinem Grund als dummen Gaer darstellte. Maxim Aksenov - Herman porträtiert gewissenhaft denselben Grafen - Dracula. Die 37-jährige Maria Maksakova reduzierte die Arbeit an der Rolle der 87-jährigen Gräfin darauf, ihr ein Netz über die Haare zu legen. Usw.

Aber egal, wie Sie diese Oper inszenieren, Pjotr ​​Iljitsch wird seine eigene nehmen. Hier zum Beispiel Irina Churilova - Lisa zerstreute sich allmählich und sang "Ah, ich war vor Trauer erschöpft" so sehr, dass es unmöglich war, sich nicht einzufühlen.

Und genauso ergreifend der Chor verabschiedete sich von dem unglücklichen Herman. Und auf die gleiche Weise – oft in Zeitlupe, als würde es genießen – brachte das Orchester von Valery Gergiev eine brillante Partitur zum Ausdruck.

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