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Der Beginn des 21. Jahrhunderts ist unsere Zeit, die Zeit, in der wir alle leben, die Zeit der Entwicklung von Technologie und neuer, nicht weniger technischer Trends in der Kunst, aber genau diese Zeit, der Beginn des 21. Jahrhunderts, ist es bereits nennt man die Zeit des Revivals, der Renaissance, der Modeillustration, der Modeillustration. Die gleiche gute alte Illustration, die im 20. Jahrhundert durch die Fotografie ersetzt wurde.

Es ist so üblich, Fotos auf den Titelseiten und Seiten von Modemagazinen zu sehen, aber mittlerweile koexistieren Illustrationen ganz gut neben Fotografien. Im Allgemeinen erfüllen sie die gleichen Funktionen – sie zeigen, übermitteln uns ein Bild, Aussehen dieses oder jenes Ding, Werbung dafür. Fotografie ist modern, Illustration ist alt, denn sie war es, die in jenen Tagen, als die Welt noch nicht wusste, was eine Kamera ist, die Funktionen der Fotografie sehr erfolgreich ausführte. Aber es gibt Unterschiede zwischen ihnen. In der Illustration gibt es viel mehr Raum für die Manifestation von Talent, Individualität, der eigenen Vorstellung von etwas, Kreativität und damit noch viel mehr für den Autor selbst. Schließlich kann heute fast jeder fotografieren, aber nicht zeichnen. Und das verleiht der Modeillustration auch einen gewissen Zauber.

Als Vorbilder der ersten Modeillustrationen gelten Stiche und Radierungen des 16. Jahrhunderts, die Damen und Herren, Fashionistas und Fashionistas darstellen. Aber die Modeillustration selbst taucht erst im 19. Jahrhundert auf. XIX – erste Hälfte des 20. Jahrhunderts – die Zeit seiner Blütezeit. Der französische Modedesigner Paul Poiret unterstützt aktiv Modeillustratoren, arbeitet mit Modeillustrationen und. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts zahlreich florale Ornamente, der im Volksmund „Spinat“ genannt wurde. Dann wird der Hintergrund entweder komplett entfernt oder abwechslungsreicher.

Modeillustrationen aus verschiedenen Epochen

In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts arbeiteten nicht nur schmale Spezialisten, deren Brot die Illustration ist, in der Modeillustration, sondern auch viele bekannte Künstler. So erscheinen modische Zeichnungen des Werks in der Vogue. Und 1914 wurde dem russischen Künstler Roman Tyrtov (besser bekannt als Erte) von zwei Modemagazinen eine Zusammenarbeit angeboten: Vogue und Harper’s Bazaar. Man sagt, Erte habe völlig banal gehandelt – um nicht unter dem Problem der Wahl zu leiden, habe er einfach eine Münze geworfen: „Kopf oder Zahl“. Und das Schicksal wies in Form einer Münze auf Harper’s Bazaar hin.

Die Modeillustration blühte auf und schmückte bis in die 30er Jahre des 20. Jahrhunderts die Titelseiten und Seiten von Modezeitschriften. Zu dieser Zeit begann die Fotografie, sie zu verdrängen.

Doch ein neuer Atemzug, eine kleine Wiederbelebung der Modeillustration ist das Werk des französischen Modeillustrators Rene Gruau. Gruau für eine lange Zeit arbeitet mit dem Haus Dior zusammen, für das er Kataloge, Verpackungen (Parfums) und sogar Anzeigen und Einladungen entworfen hat. Rene Gruau arbeitete in den 40er, 50er, 60er und 70er Jahren mit Dior zusammen. Man kann durchaus sagen, dass das Bild des Hauses Dior unter anderem von René Gruau bestimmt wurde. Er arbeitete jedoch nicht nur in der Modegrafik, sondern auch in der Werbung und noch mehr in der Werbung. In den 60er Jahren arbeitete Gruau auch mit Valentino zusammen. Seine Illustrationen erschienen in den Magazinen Vogue und L'Officiel. Tatsächlich besiegten Gruaus Illustrationen Mitte des 20. Jahrhunderts die Fotografie, aber das war eher eine erfreuliche Ausnahme als die Regel. Erst zu Beginn des 21. Jahrhunderts erwachte das Interesse an Modeillustrationen wieder.

Kommen wir zum Interessantesten – zu Kleidung zeichnen! In dieser Lektion lernen Sie, wie Sie eine Silhouette richtig konstruieren, den Winkel des Modells bestimmen und den Körper so mit Stoff bekleiden, dass er natürlich aussieht.

Silhouette

Bis Sie die Struktur der Kleidung gründlich beherrschen, zeichnen wir eine Modeskizze, als würden wir den „Körper“, den Sie zeichnen gelernt haben, anziehen.

Beachten Sie, dass jede Linie zwar ein wichtiges Element der endgültigen Skizze ist, aber nicht unbedingt realistisch aussehen muss. Wichtiger ist es, die korrekt konstruierte Zeichnung beizubehalten, bis Sie das gewünschte Design erreicht haben. Durch wiederholtes Wiederholen der Zeichnung können Sie Ihr eigenes Design modellieren und erstellen.

Versuchen Sie im Modedesign, unklare Formen zu vermeiden. Wenn Sie Ihre Ideen als Skizze präsentieren, achten Sie darauf, wo der Stoff hängt, und vermeiden Sie Designs mit Elementen, die der Schwerkraft oder guten Bewegungen nicht standhalten. So finden Sie „Ihre Silhouette“.

Beziehung zwischen Gewebe und Körper

Zwischen Körper und Stoff ist Platz. Es ist für die Mobilität und die Stilbildung notwendig. Studieren Sie anhand Ihrer eigenen Kleidung, welche Körperteile den Stoff berühren und welche nicht, und stellen Sie dies in den Linien Ihrer Zeichnung dar. Bitte achten Sie darauf besondere Aufmerksamkeit Arme und Beine, nicht zu vergessen die Schwerkraft.

Bestimmung des Winkels

Modeskizzen wirken überzeugender, wenn sowohl das Model als auch seine Kleidung mit einem gewissen dreidimensionalen Effekt dargestellt werden. Unten sind 4 Modelle aus verschiedenen Blickwinkeln. Wenn Sie sich den Körper als Rohr vorstellen, wird Ihnen klar, wie wichtig es ist, die Kanten der Kleidung richtig zu zeichnen.

Beim Zeichnen horizontaler Linien, z. B. eines Saums, im Gegensatz zu vertikale Linien B. der Seitenlinie des Körpers, muss deren durchgehende Linie nach hinten berücksichtigt werden. Stellen Sie sicher, dass Sie den Blickwinkel richtig einstellen, damit Sie Ihr Design korrekt anzeigen können. Der Standard-Blickwinkel im Modedesign befindet sich auf Augenhöhe des Models und in einem Abstand von 2-3 Metern von ihm.

Wie man Abnäher, Raffungen, Falten und Vorhänge zeichnet

Abnäher, Raffungen und Falten werden verwendet, um das Volumen eines Kleidungsstücks zu vergrößern oder zu verkleinern. Sie müssen aus statischen und funktionalen Gründen beim Skizzieren berücksichtigt werden. Sie müssen die Regeln kennen, die angeben, wo und in welche Richtung Sie die Lautstärke erhöhen oder verringern müssen.

Modedesigner konzentrieren sich immer auf das Volumen und die Richtung des Faltenwurfs, die durch die Laufrichtung des Stoffes, die Körperform und die Schwerkraft bestimmt werden. Zeichnen Sie zunächst den Vorhang auf ein separates Blatt Papier, um eine Vorstellung davon zu bekommen, wie er auf dem Stoff aussehen und wo er platziert werden soll.

Stoffeigenschaften/Falte

Während Vorhänge im statischen Zustand schöne Linien erzeugen, nennt man Linien, die bei Bewegung erscheinen Falten. Wenn zwei Designpunkte auf einem Stoff vertikal, horizontal oder diagonal voneinander getrennt sind, können Falten entstehen. Sie können lediglich weiche, geschwungene Linien zwischen diesen Designpunkten hin und her zeichnen.

Zeichnen Sie die Falten ausgehend von der Körpermitte und repräsentieren Sie die Textur des Stoffes, um die Form nicht zu beeinträchtigen. Studieren Sie die Richtung des Stoffflusses.

Nutzen Sie verschiedene Linienoptionen

Indem Sie die Dicke der Linien variieren oder unterschiedliche Ebenen erstellen, können Sie die Menge der über Ihr Design übermittelten Informationen erheblich steigern. Durch das Hinzufügen eines kleinen Schattens entlang der Kante des erhabenen Stoffes werden die Linien weicher.

Wie im Bild oben gezeigt, ist der Effekt des Hinzufügens von Schichten am Rand der Taille offensichtlich.

Die Tasche ist ein wichtiges Detail in Ihrem Design.

Der Kragen (im Bild oben links) sieht aus wie ein gefaltetes Stück Papier, während der nächste (zweite von links) weicher aussieht. Bereits ein geringfügiger Linienunterschied wertet das Bild auf und kann die Dicke des Stoffes zum Ausdruck bringen.

Modeskizzen

Wenn Sie anhand eines realen Modells skizzieren und nicht mehr als 10 Minuten für jede Skizze aufwenden, verbessern Sie sehr effektiv Ihre Fähigkeit, das zu „bekommen“, was benötigt wird. Der Zweck des Skizzierens besteht darin, Ihr Auge zu schulen und Ihre Fähigkeiten im Freihandzeichnen zu verbessern. Die Details sind hier nicht wichtig. Konzentrieren Sie sich einfach auf die Beobachtungen. Zeichnen Sie zunächst den Körper mit dünnen Linien und fügen Sie dann nach und nach Details hinzu, nachdem Sie das gesamte Bild „erfasst“ haben.

Eines Tages, wenn Sie das bekommen, was Sie wollten, werden Sie nach dem Löschen der unerwünschten Linien subtile vertikale und sichtbare Linien sehen horizontale Linien. Ziehe Menschen um dich herum, die du magst. Ich empfehle dringend, andere Posen und Stile auszuprobieren Modeskizzen professionelle Modelle.

Es wurden Materialien aus dem Buch „Contemporary Fashion Illustration Techniques“ von Naoki Watanabe verwendet.

Illustration von David Downton: Cate Blanchett auf dem Cover der Vogue Australia

Ich dachte immer, Mode sei ein legitimes Thema für die Kunst…. Schauen Sie sich an, wie Modeillustratoren wie Eric und Antonio und René Gruau dazu beigetragen haben, die Zeit, in der wir leben, zu definieren. Sie dachten wie jeder Fotograf darüber nach, wie wir aussehen und leben wollen.

Sagt David Downton, einer der berühmtesten und talentiertesten Illustratoren unserer Zeit.Und das ist fair, denn es war die Illustration, die die Funktionen der Fotografie zu einer Zeit erfüllte, als die Kamera noch in weiter Ferne lag: Sie führte neue Modetrends ein, demonstrierte neue Outfits und Trends.

GESCHICHTE DER MODE-ILLUSTRATION

Modeillustrationen gibt es schon seit über 500 Jahren. Seine Prototypen können als Stiche und Radierungen aus dem 16. Jahrhundert angesehen werden, die Hofdamen und -herren darstellen – die wichtigsten (und im Allgemeinen einzigen) Fashionistas und Fashionistas dieser Jahrhunderte. Beispielsweise erschienen Ende des 16. Jahrhunderts in Spanien Bücher mit Abbildungen von Kleidungsstücken und Nähanleitungen.

VACLAV HOLLAR

Einer der ersten Modeillustratoren war damals der tschechische Grafiker und Zeichner Wenzel Hollar (13. Juli 1607 – 28. März 1677), der seit 1640 in London tätig war. Hollar arbeitete in der Technik der Radierung; er schuf etwa 2740 Kupferstiche verschiedene Themen, darunter Bilder von Frauenkostümen.

Im Jahr 1679 begann in Frankreich in Lyon die Veröffentlichung der Zeitschrift „Mercure Galant“, mit der die Geschichte des modischen Glanzes begann. Das Magazin war mit von Hand angefertigten Zeichnungen berühmter Persönlichkeiten verziert Französische Künstler: Abraham Bosse, Pierre Bonnard und andere.

Seitdem sind Veröffentlichungen mit Aufdrucken modischer Kleidung alltäglich geworden und Fashionistas auf der ganzen Welt warten sehnsüchtig auf die neuesten Veröffentlichungen. Die ersten echten Modezeitschriften erschienen in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts, dann begann sich die Modeillustration aktiv zu entwickeln und ihr Aufschwung begann in der Zeit vom 19. bis zur ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Diese Zeit bescherte der Welt die talentiertesten Illustratoren, die die Wahrnehmung von Mode als Kunst maßgeblich beeinflussten.

1850-1900 Bemerkenswerte Persönlichkeiten der Modewelt waren der italienische Maler Giovanni Boldini (1842–1931) und der amerikanische Grafiker Charles Dana Gibson (1867–1944).

GIOVANNI BOLDINI

Giovanni Boldini war zu seiner Zeit ein hervorragender Porträtmaler Ende des 19. Jahrhunderts– Anfang des 20. Jahrhunderts ging er schließlich als einer der ersten Modeillustratoren in die Geschichte ein. Auf seinen Gemälden erschienen selbstbewusste Damen High Society in exquisiten Abendkleidern. Es war Giovanni Boldini, der vor mehr als hundert Jahren zu einer neuen Wahrnehmung des Ideals beitrug weibliche Schönheit. Lady Boldini ist überdurchschnittlich groß, hat dünne Knöchel, kleine Brüste und ist besonders schlank.

Modeillustration ist eine äußerst schwierige Aufgabe. Einerseits muss der Künstler das Modell in einer spektakulären Pose schön darstellen und andererseits etwas schaffen stilvoller Look(oder zumindest das fertige Bild schön zeichnen). Außerdem die Proportionen menschliche Figur Beim Skizzieren von Mode verändern sich die Bilder stark und der Illustrator benötigt einen ausgeprägten Sinn für Ausgewogenheit und Harmonie. Die Seiten der Modeillustratoren auf Instagram sind, wie es im Netzwerk selbst heißt, eine hervorragende Quelle für tägliche Inspiration. Und die Zahl der Abonnenten einiger von ihnen hat längst Hunderttausende überschritten! Mal sehen, welche Illustratoren es wert sind, verfolgt zu werden und warum.

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Die ehemalige Designerin Alena Radygina illustriert seit etwa sieben Jahren. Drei höhere Bildung, und auch eiserner Charakter, half Alena beim Aufbau einer Schule für Modeillustration, die ihrer Meinung nach nicht so einfach zu erreichen und noch schwieriger zu studieren ist. Der Illustrator zeichnet außerdem Meisterkurse in drei Sprachen auf und arbeitete kürzlich mit Louis Vuitton zusammen. Stimmen Sie zu, nur wenige Menschen können sich eines solchen Erfolgs rühmen!

Papiermode

Die amerikanische Illustratorin Katie Rogers arbeitet seit 2009 mit Aquarellen. Seitdem ist ihre Technik zu einer der bekanntesten und ihr persönlicher Blog zu einem der beliebtesten geworden. Mehr als 650.000 Menschen folgen Katies Instagram-Seite!

Katie verwendet in ihrer Arbeit oft Strasssteine ​​und Perlen, was ihren Illustrationen Dimension verleiht. Vor kurzem interessierte sich das Mädchen auch für Animationen: Mittlerweile werden viele ihrer Werke fast im wahrsten Sinne des Wortes zum Leben erweckt.

Darya_Illustrator

Daria ist eine der wenigen Modeillustratoren in Russland, die nicht nur traditionelle Farben, Stifte und Bleistifte verwendet, sondern auch die fortschrittlichsten Technologien – ein Tablet und einen Stift. Auf Dashas Instagram findet man ganz unterschiedliche Illustrationen: modisch, alltagstauglich, romantisch.

Holly Nichols @hnicholsillustration

Die Illustratorin Holly Nichols lebt in Boston. Warum sollten Sie es abonnieren? Nun, erstens wird Nichols' Seite jeden Tag ständig aktualisiert (nur wenige Illustratoren können damit prahlen), und zweitens lieben wir den Stil ihrer Illustrationen – leicht und romantisch.

Lena Ker @Lenker

Die Illustratorin Lena Ker „zeichnet“ Shows, arbeitet mit Publikationen wie Buro 24/7, SNC, Glamour, Harper's Bazaar und neuerdings mit Vogue zusammen. Auf Instagram hat Lena mehr als 75.000 Follower, und das aus gutem Grund: Sie teilt Wenig von ihrer Arbeit, und das kommt sehr selten vor, aber umso wertvoller wird jedes Werk für Fans ihrer Arbeit.

Paul Keng @ Paulkengilustrator

Der amerikanische Modeillustrator Paul Keng wird vor allem für Einsteiger interessant sein. Er stellt großzügig seine eigenen Video-Tutorials zur Verfügung, in denen er, vielleicht nicht sehr ausführlich, aber sehr deutlich über seine Arbeit spricht. Und seine Aquarelle sind nicht weniger faszinierend als Monets Gemälde. Was ist kein Grund, sich anzumelden?

Meganhess_offiziell

Wie Megan selbst auf ihrer Instagram-Seite schreibt, sind ihre Kunden Dior, Fendi, Prada, Louis Vuitton, Vanity Fair, Vogue, Tifanyy&Co, Cartier, Disney ... Megans Illustrationen sind im Gegensatz zu den Werken ihrer Kollegen ziemlich gezeichnet und innovativ Bei ihrer Arbeit greift sie gerne auf Monochrom zurück.

komyagina23

Die Schmuckdesignerin, Stylistin und Illustratorin Anya Komyagina nennt ihren Stil „angewandten Surrealismus“. Ihrer Meinung nach erfolgt der Prozess des Zeichnens instinktiv und unbewusst, was ihr hilft, mithilfe von Bleistiften und Pinseln viele Emotionen auszudrücken. Zu Annas Erfolgen zählen die Zusammenarbeit mit russischen Hochglanzmagazinen und eine von Andrei Bartenev kuratierte Ausstellung.

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Als wir über Modeillustratoren sprachen, kamen wir nicht umhin, an die lebende Legende dieses schwierigen Geschäfts zu denken: Hayden Williams. Mehr als eine Million Menschen folgen seinem „Cartoon“-Illustrationsstil auf Instagram! Außerdem erscheinen auf seiner Seite häufig Porträts von Prominenten und verschiedenen Filmfiguren: Seine Illustrationen sind immer relevant.

Puppe_Erinnerungen

Vervollständigt wird unsere Bewertung durch einen talentierten Illustrator aus Bukarest, Ira Komleva. Ihr Stil basiert auf atemberaubender Ähnlichkeit und hoher Detailgenauigkeit. Ira hat mehr als 450.000 Abonnenten auf Instagram und verfügt außerdem über einen eigenen Online-Shop, in dem Sie Werke zu relativ günstigen Preisen kaufen können.

Instagram-Foto

1. Schnell

Die Ästhetik schneller Skizzen fasziniert auf den ersten Blick, denn sie passen wie keine andere zum Geist der Fashion Week. Er ist hell, ausdrucksstark und sehr ausdrucksstark. Übrigens kann die Geschwindigkeit, mit der eine solche Skizze ausgeführt wird, täuschen! Oft denkt der Betrachter, dass die Zeichnung etwa 5 Minuten gedauert hat, während der Künstler länger gearbeitet hat. Es ist toll, wenn ein Illustrator Live-Skizzen anfertigt, sie sind unbezahlbar.

Um das Skizzieren zu meistern, müssen Sie sich vor allem schnell einarbeiten. Öffnen Sie beispielsweise aktuelle Fotos von Ausstellungen in London (LFW findet vom 14. bis 18. September statt) und nehmen Sie sich für jedes Bild 3 bis 5 Minuten Zeit, indem Sie mit einem weichen Bleistift oder Filzstift arbeiten. Ich versichere Ihnen, dass Sie nach ein paar Dutzend Skizzen Fortschritte bemerken werden.

2. „Wie auf dem Foto.“

Nur ein Scherz, natürlich. Für professionelle Künstler Dieses allgemeine Kompliment ist eigentlich zweifelhaft, aber ich habe mich so entschieden, die Richtung aufzuzeigen, die dem Realismus möglichst nahe kommt. Ich denke, dass es Meister sind, die sich von den Gesichtern der Models inspirieren lassen und in diesem Stil arbeiten wollen auf die bestmögliche Art und Weise zeigen und betonen ihre Schönheit.

Realismus erfordert viel Geschick und die Verfeinerung der Fähigkeiten. Das Studium der Anatomie ist eine notwendige Grundlage, da der Betrachter Unstimmigkeiten in den Proportionen sehr leicht erkennen kann. Um diese Richtung zu meistern, können Sie mit den Grundlagen beginnen, d.h. Mit akademisches Zeichnen Bleistift.

Markendesigner Nikolay Legenda teilt seine Vision von Modeillustration und kluger Teilnehmer MBFWRussland OLGA KAPITONOVA.

„Bei meiner Arbeit ist die Persönlichkeit des Illustrators selbst wichtig.

Sie müssen Ihre eigene Handschrift entwickeln. So wie Designer jeder in seine eigene Richtung arbeitet, so tun es auch Illustratoren. Wenn Sie möchten, können Sie alles zeichnen, aber dann wählt jeder, was seinem Stil näher kommt.

Das Zeichnen von Kleidungsdetails hängt vom endgültigen Verwendungszweck der Abbildungen ab. Nicht so wichtig für die Bildvermittlung kleine Details, aber ich glaube, dass es für einen Illustrator nicht überflüssig wäre, die Logik der Dinge zu kennen, obwohl sie klein ist, sollte sie vorhanden sein. Schnelle Skizzen haben keine Zeit zum Zeichnen; es wird mehr Wert auf Silhouette, Textur usw. gelegt. Aber auch solche Skizzen sollten den Anschein eines fertigen Werkes haben.“

3. In der Welt der Märchen

Fantasy-Modeillustrationen werden meiner Meinung nach am meisten unterschätzt! Um ehrlich zu sein, fehlt mir die Vorstellungskraft, solch eine Schönheit zu erschaffen, aber Fantasie ist hier auf jeden Fall gefragt. Wenn Sie das Gefühl haben, dass außergewöhnliche Bilder in Ihrem Kopf entstehen, versuchen Sie, diese zumindest grob zu skizzieren. Grundkenntnisse Zeichnen und Malen werden sicherlich nicht stören, aber Menschen mit einer ausgeprägten Vorstellungskraft müssen keinen Modeillustrationskurs belegen.

4. „Lukhari“

Der beliebteste Stil bei Kunden und Beständen ist die moderne Version von „Dolce Vita“. Unter allen Autoren sind Hayden Williams und Megan Hess hervorzuheben. Ihre Heldinnen sind schick und glänzend und ihre Proportionen ähneln denen einer Puppe.

Nachdem Sie die Proportionsmerkmale dieses Genres gründlich studiert und etwas Eigenes eingebracht haben, können Sie erfolgreich Ihre eigenen Bilder vom „schönen Leben“ erstellen.

5. Charaktere

Zum Nachtisch habe ich einzigartige, ungewöhnliche Kunstwerke hinterlassen, die vor allem die Persönlichkeit ihres Schöpfers inspirieren. Die Illustratoren dieser Serie haben ihre eigenen Charaktere geschaffen. Dies ist der Fall, wenn keine Trainingsregeln gelten. Die Hauptsache ist mehr Mut und dass alle Arbeiten im Rahmen eines kreativen Konzepts entstehen. Inspiration sollte man in sich selbst finden. Die bereits zuvor erstellten Charaktere sind so lebendig und berühmt, dass jede Nachahmung gelesen werden kann.

Wunsch kreativer Erfolg und strahlender Herbst!