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Jazz - uma forma de arte musical que surgiu no final do século XIX - início do século XX nos EUA, em Nova Orleans, como resultado da síntese das culturas africanas e europeias e posteriormente se difundiu. As origens do jazz foram o blues e outras músicas folclóricas afro-americanas. Os traços característicos da linguagem musical do jazz inicialmente eram a improvisação, a polirritmia baseada em ritmos sincopados e um conjunto único de técnicas para execução de textura rítmica - o swing. O maior desenvolvimento do jazz ocorreu devido ao desenvolvimento de novos modelos rítmicos e harmônicos por músicos e compositores de jazz. Os gêneros do jazz são: jazz de vanguarda, bebop, jazz clássico, cool, jazz modal, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop e vários outros.

História do desenvolvimento do jazz

Vilex College Jazz Band, Texas

O jazz surgiu como uma combinação de diversas culturas musicais e tradições nacionais. Originariamente veio da África. Qualquer música africana é caracterizada por um ritmo muito complexo; a música é sempre acompanhada de dança, que consiste em batidas rápidas e palmas. Com base nisso, no final do século XIX, surgiu outro gênero musical - o ragtime. Posteriormente, os ritmos do ragtime combinados com elementos do blues deram origem a uma nova direção musical - o jazz.

O blues surgiu no final do século XIX como uma fusão de ritmos africanos e harmonia europeia, mas as suas origens devem ser procuradas a partir do momento da importação de escravos de África para o território do Novo Mundo. Os escravos trazidos não vinham da mesma família e geralmente nem se entendiam. A necessidade de consolidação levou à unificação de muitas culturas e, como resultado, à criação de uma cultura única (inclusive musical) de afro-americanos. Os processos de mistura da cultura musical africana e europeia (que também sofreram graves mudanças no Novo Mundo) ocorreram a partir do século XVIII e no século XIX levaram ao surgimento do “proto-jazz”, e depois do jazz no sentido geralmente aceite. . O berço do jazz foi o Sul dos Estados Unidos, especialmente Nova Orleans.
A chave para a eterna juventude no jazz é a improvisação
A peculiaridade do estilo é a atuação individual única de um jazzista virtuoso. A chave para a eterna juventude no jazz é a improvisação. Após o surgimento de um intérprete brilhante que viveu toda a sua vida no ritmo do jazz e ainda continua sendo uma lenda - Louis Armstrong, a arte da performance do jazz viu horizontes novos e incomuns: a performance solo vocal ou instrumental torna-se o centro de toda a performance, mudando completamente a ideia de jazz. O jazz não é apenas um certo tipo de apresentação musical, mas também uma época única e alegre.

Jazz de Nova Orleans

O termo Nova Orleans geralmente se refere ao estilo dos músicos de jazz que tocaram jazz em Nova Orleans entre 1900 e 1917, bem como aos músicos de Nova Orleans que tocaram e gravaram em Chicago de 1917 até a década de 1920. Este período da história do jazz também é conhecido como Era do Jazz. E esse conceito também é usado para descrever a música tocada em vários períodos históricos por representantes do renascimento de Nova Orleans, que buscavam tocar jazz no mesmo estilo dos músicos da escola de Nova Orleans.

O folk e o jazz afro-americanos divergiram desde a inauguração de Storyville, o distrito da luz vermelha de Nova Orleans, famoso por seus locais de entretenimento. Quem queria se divertir e se divertir teve muitas oportunidades tentadoras, que foram oferecidas por pistas de dança, cabarés, shows de variedades, circo, bares e lanchonetes. E em todos os lugares nesses estabelecimentos a música soava e os músicos que dominavam a nova música sincopada podiam encontrar trabalho. Aos poucos, com o aumento do número de músicos atuando profissionalmente nos estabelecimentos de entretenimento de Storyville, o número de marchas e bandas de música de rua diminuiu, e em seu lugar surgiram os chamados conjuntos de Storyville, cuja manifestação musical se torna mais individual, em comparação com a execução de bandas de música. Essas composições, muitas vezes chamadas de “orquestras combinadas”, tornaram-se as fundadoras do estilo clássico do jazz de Nova Orleans. De 1910 a 1917, as casas noturnas de Storyville proporcionaram um ambiente ideal para o jazz.
De 1910 a 1917, as casas noturnas de Storyville proporcionaram um ambiente ideal para o jazz.
O desenvolvimento do jazz nos EUA no primeiro quartel do século XX

Após o fechamento de Storyville, o jazz de gênero folclórico regional começa a se transformar em tendência musical nacional, espalhando-se pelas províncias do norte e nordeste dos Estados Unidos. Mas a sua ampla difusão, evidentemente, não poderia ter sido facilitada apenas pelo encerramento de uma zona de entretenimento. Junto com Nova Orleans, St. Louis, Kansas City e Memphis desempenharam um papel importante no desenvolvimento do jazz desde o início. O Ragtime teve origem em Memphis no século XIX, de onde mais tarde se espalhou pelo continente norte-americano no período 1890-1903.

Por outro lado, os espectáculos de menestréis, com o seu mosaico heterogéneo de todos os tipos de movimentos musicais do folclore afro-americano, desde os jigs ao ragtime, rapidamente se espalharam por todo o lado e abriram caminho à chegada do jazz. Muitas futuras celebridades do jazz começaram suas carreiras em shows de menestréis. Muito antes de Storyville fechar, os músicos de Nova Orleans saíram em turnê com as chamadas trupes de “vaudeville”. Jelly Roll Morton excursionou regularmente pelo Alabama, Flórida e Texas desde 1904. Desde 1914 ele tinha contrato para se apresentar em Chicago. Em 1915, a orquestra branca Dixieland de Thom Browne também se mudou para Chicago. A famosa “Creole Band”, liderada pelo cornetista de Nova Orleans Freddie Keppard, também fez grandes turnês de vaudeville em Chicago. Tendo se separado da Olympia Band, os artistas de Freddie Keppard já em 1914 se apresentaram com sucesso no melhor teatro de Chicago e receberam uma oferta para fazer uma gravação sonora de suas apresentações antes mesmo da Original Dixieland Jazz Band, que, no entanto, Freddie Keppard míope rejeitado. A área coberta pela influência do jazz foi significativamente ampliada por orquestras que tocavam em navios de recreio que navegavam pelo Mississippi.

Desde o final do século 19, as viagens fluviais de Nova Orleans a St. Paul tornaram-se populares, primeiro durante um fim de semana e depois durante uma semana inteira. Desde 1900, orquestras de Nova Orleans se apresentam nesses barcos fluviais, e sua música se tornou o entretenimento mais atraente para os passageiros durante os passeios fluviais. A futura esposa de Louis Armstrong, o primeiro pianista de jazz Lil Hardin, começou numa destas orquestras “Suger Johnny”. Outro pianista, a orquestra fluvial de Fates Marable, apresentou muitas futuras estrelas do jazz de Nova Orleans.

Os barcos a vapor que viajavam ao longo do rio paravam frequentemente nas estações de passagem, onde orquestras realizavam concertos para o público local. Foram esses shows que se tornaram a estreia criativa de Bix Beiderbeck, Jess Stacy e muitos outros. Outra rota famosa passava pelo Missouri até Kansas City. Nesta cidade, onde, graças às fortes raízes do folclore afro-americano, o blues se desenvolveu e finalmente tomou forma, a execução virtuosa dos jazzistas de Nova Orleans encontrou um ambiente excepcionalmente fértil. No início da década de 1920, Chicago tornou-se o principal centro de desenvolvimento da música jazz, onde, através do esforço de muitos músicos reunidos de diferentes partes dos Estados Unidos, foi criado um estilo que foi apelidado de jazz de Chicago.

Grandes bandas

A forma clássica e estabelecida de big bands é conhecida no jazz desde o início da década de 1920. Este formulário permaneceu relevante até o final da década de 1940. Os músicos que integravam a maioria das big bands, via de regra, quase na adolescência, tocavam partes bem específicas, ora memorizadas nos ensaios, ora a partir de notas. Orquestrações cuidadosas, juntamente com grandes seções de metais e sopros, trouxeram ricas harmonias de jazz e criaram um som sensacionalmente alto que ficou conhecido como “o som da big band”.

A big band tornou-se a música popular de sua época, atingindo o auge da fama em meados da década de 1930. Essa música se tornou a fonte da mania da dança swing. Os líderes das famosas orquestras de jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett compuseram ou arranjaram e gravaram uma verdadeira parada de sucessos de músicas que foram ouvidas não apenas em no rádio, mas também em todos os lugares nos salões de dança. Muitas big bands exibiram seus solistas improvisados, que levaram o público a um estado de quase histeria durante as bem promovidas “batalhas de bandas”.
Muitas big bands demonstraram seus solistas improvisados, que levaram o público a um estado próximo da histeria
Embora a popularidade das big bands tenha diminuído significativamente após a Segunda Guerra Mundial, orquestras lideradas por Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James e muitos outros viajaram e gravaram com frequência nas décadas seguintes. Sua música foi gradualmente transformada sob a influência de novas tendências. Grupos como os conjuntos liderados por Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus e Tad Jones-Mal Lewis exploraram novos conceitos de harmonia, instrumentação e liberdade de improvisação. Hoje, as big bands são o padrão na educação do jazz. Orquestras de repertório como a Lincoln Center Jazz Orchestra, a Carnegie Hall Jazz Orchestra, a Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra e o Chicago Jazz Ensemble tocam regularmente arranjos originais de composições de big band.

Jazz nordestino

Embora a história do jazz tenha começado em Nova Orleans com o advento do século 20, a música realmente decolou no início da década de 1920, quando o trompetista Louis Armstrong deixou Nova Orleans para criar uma nova música revolucionária em Chicago. A migração dos mestres do jazz de Nova Orleans para Nova York, iniciada logo em seguida, marcou uma tendência de movimento constante de músicos de jazz do Sul para o Norte.

Louis Armstrong

Chicago pegou a música de Nova Orleans e a tornou quente, aumentando sua intensidade não apenas com os esforços dos famosos conjuntos Hot Five e Hot Seven de Armstrong, mas também de outros, incluindo mestres como Eddie Condon e Jimmy McPartland, cuja equipe na Austin High School ajudou a reviver as escolas de Nova Orleans. Outros notáveis ​​habitantes de Chicago que ultrapassaram os limites do jazz clássico de Nova Orleans incluem o pianista Art Hodes, o baterista Barrett Deems e o clarinetista Benny Goodman. Armstrong e Goodman, que eventualmente se mudaram para Nova York, criaram lá uma espécie de massa crítica que ajudou a cidade a se transformar em uma verdadeira capital mundial do jazz. E embora Chicago tenha permanecido principalmente um centro de gravação no primeiro quartel do século XX, Nova Iorque também se tornou um importante local de jazz, com clubes lendários como o Minton Playhouse, o Cotton Club, o Savoy e o Village Vanguard, e também tais arenas. como Carnegie Hall.

Estilo Kansas City

Durante a era da Grande Depressão e da Lei Seca, a cena jazzística de Kansas City tornou-se uma meca para os novos sons do final dos anos 1920 e 1930. O estilo que floresceu em Kansas City foi caracterizado por peças sinceras e com toques de blues executadas tanto por grandes bandas quanto por pequenos conjuntos de swing que apresentavam solos de alta energia executados para os clientes de bares clandestinos que vendiam bebidas alcoólicas. Foi nessas abobrinhas que se cristalizou o estilo do grande Count Basie, que começou em Kansas City na orquestra de Walter Page e depois com Benny Mouthen. Ambas as orquestras eram representantes típicos do estilo de Kansas City, cuja base era uma forma peculiar de blues, chamada de “blues urbano” e formada na execução das orquestras acima mencionadas. A cena jazzística de Kansas City também foi distinguida por toda uma galáxia de excelentes mestres do blues vocal, cujo “rei” reconhecido foi o solista de longa data da orquestra de Count Basie, o famoso cantor de blues Jimmy Rushing. O famoso saxofonista alto Charlie Parker, nascido em Kansas City, ao chegar a Nova York, utilizou amplamente os “truques” característicos do blues que havia aprendido nas orquestras de Kansas City e que mais tarde formaram um dos pontos de partida nas experiências do bopper em década de 1940.

Jazz da Costa Oeste

Artistas envolvidos no movimento cool jazz da década de 1950 trabalharam extensivamente em estúdios de gravação de Los Angeles. Em grande parte influenciados pelo nonet de Miles Davis, esses artistas baseados em Los Angeles desenvolveram o que hoje é conhecido como "West Coast Jazz". O jazz da Costa Oeste era muito mais suave do que o furioso bebop que o precedeu. A maior parte do jazz da Costa Oeste foi escrita em grande detalhe. As linhas de contraponto frequentemente utilizadas nestas composições pareciam fazer parte da influência europeia que permeou o jazz. No entanto, esta música deixou muito espaço para longas improvisações lineares de solo. Embora o West Coast Jazz fosse tocado principalmente em estúdios de gravação, clubes como o Lighthouse em Hermosa Beach e o Haig em Los Angeles frequentemente apresentavam seus principais mestres, incluindo o trompetista Shorty Rogers, os saxofonistas Art Pepper e Bud Schenk, o baterista Shelley Mann e o clarinetista Jimmy Giuffre. .

Difusão do jazz

O jazz sempre despertou interesse entre músicos e ouvintes de todo o mundo, independentemente da sua nacionalidade. Basta traçar os primeiros trabalhos do trompetista Dizzy Gillespie e sua síntese das tradições do jazz com a música dos cubanos negros na década de 1940 ou a combinação posterior do jazz com a música japonesa, euro-asiática e do Oriente Médio, famosa na obra do pianista Dave Brubeck, bem como o brilhante compositor e líder de jazz -a Orquestra Duke Ellington, que combinou a herança musical da África, América Latina e Extremo Oriente.

Dave Brubeck

O jazz absorveu constantemente não apenas as tradições musicais ocidentais. Por exemplo, quando diferentes artistas começaram a tentar trabalhar com elementos musicais da Índia. Um exemplo desses esforços pode ser ouvido nas gravações do flautista Paul Horne no Taj Mahal, ou no fluxo de "world music" representado, por exemplo, no trabalho do grupo Oregon ou no projeto Shakti de John McLaughlin. A música de McLaughlin, anteriormente baseada em grande parte no jazz, durante seu tempo com Shakti começou a introduzir novos instrumentos de origem indiana, como o khatam ou tabla, introduziu ritmos intrincados e fez uso extensivo da forma raga indiana.
À medida que a globalização do mundo continua, o jazz continua a ser influenciado por outras tradições musicais
O Art Ensemble of Chicago foi um dos pioneiros na fusão de formas africanas e jazzísticas. Mais tarde, o mundo conheceu o saxofonista/compositor John Zorn e as suas explorações da cultura musical judaica, tanto dentro como fora da Orquestra de Masada. Essas obras inspiraram grupos inteiros de outros músicos de jazz, como o tecladista John Medeski, que gravou com o músico africano Salif Keita, o guitarrista Marc Ribot e o baixista Anthony Coleman. O trompetista Dave Douglas incorpora com entusiasmo as influências dos Balcãs na sua música, enquanto a Orquestra de Jazz Asiático-Americana emergiu como um dos principais defensores da convergência do jazz e das formas musicais asiáticas. À medida que a globalização do mundo continua, o jazz continua a ser influenciado por outras tradições musicais, fornecendo material maduro para pesquisas futuras e demonstrando que o jazz é verdadeiramente uma música mundial.

Jazz na URSS e na Rússia

A primeira banda de jazz de Valentin Parnakh na RSFSR

A cena jazzística surgiu na URSS na década de 1920, simultaneamente ao seu apogeu nos EUA. A primeira orquestra de jazz da Rússia Soviética foi criada em Moscou em 1922 pelo poeta, tradutor, dançarino e figura teatral Valentin Parnakh e foi chamada de “A Primeira Orquestra Excêntrica de Bandas de Jazz de Valentin Parnakh na RSFSR”. O aniversário do jazz russo é tradicionalmente considerado 1º de outubro de 1922, quando aconteceu o primeiro concerto deste grupo. O primeiro conjunto profissional de jazz a tocar no rádio e gravar um disco é considerado a orquestra do pianista e compositor Alexander Tsfasman (Moscou).

As primeiras bandas de jazz soviéticas especializaram-se na execução de danças da moda (foxtrot, Charleston). Na consciência de massa, o jazz começou a ganhar grande popularidade na década de 30, em grande parte graças ao conjunto de Leningrado liderado pelo ator e cantor Leonid Utesov e pelo trompetista Ya. O popular filme de comédia com sua participação “Jolly Guys” (1934) foi dedicado à história do músico de jazz e teve trilha sonora correspondente (escrita por Isaac Dunaevsky). Utesov e Skomorovsky formaram o estilo original de “thea-jazz” (teatro jazz), baseado em uma mistura de música com teatro, opereta, números vocais e o elemento de performance desempenhou um grande papel nele. Uma contribuição notável para o desenvolvimento do jazz soviético foi feita por Eddie Rosner, compositor, músico e líder de orquestra. Tendo iniciado a sua carreira na Alemanha, Polónia e outros países europeus, Rosner mudou-se para a URSS e tornou-se um dos pioneiros do swing na URSS e o fundador do jazz bielorrusso.
Na consciência de massa, o jazz começou a ganhar grande popularidade na URSS na década de 1930.
A atitude das autoridades soviéticas em relação ao jazz era ambígua: os artistas nacionais de jazz, em regra, não eram proibidos, mas as duras críticas ao jazz como tal eram generalizadas, no contexto da crítica à cultura ocidental como um todo. No final da década de 40, durante a luta contra o cosmopolitismo, o jazz na URSS atravessava um período particularmente difícil, quando grupos de música “ocidental” eram perseguidos. Com o início do Degelo, as repressões contra os músicos cessaram, mas as críticas continuaram. Segundo a pesquisa da professora de história e cultura americana Penny Van Eschen, o Departamento de Estado dos EUA tentou usar o jazz como arma ideológica contra a URSS e contra a expansão da influência soviética no Terceiro Mundo. Nos anos 50 e 60. Em Moscovo, as orquestras de Eddie Rosner e Oleg Lundstrem retomaram as suas atividades, surgiram novas composições, entre as quais se destacaram as orquestras de Joseph Weinstein (Leningrado) e Vadim Ludvikovsky (Moscou), bem como a Orquestra de Variedades de Riga (REO).

As grandes bandas criaram toda uma galáxia de arranjadores e improvisadores talentosos, cujo trabalho levou o jazz soviético a um nível qualitativamente novo e o aproximou dos padrões mundiais. Entre eles estão Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. O desenvolvimento do jazz de câmara e de clube começa em toda a diversidade de sua estilística (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik, etc.)

Clube de jazz "Pássaro Azul"

Muitos dos mestres do jazz soviético mencionados acima começaram suas carreiras criativas no palco do lendário clube de jazz de Moscou "Blue Bird", que existiu de 1964 a 2009, descobrindo novos nomes de representantes da geração moderna de estrelas do jazz russo (irmãos Alexander e Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko e outros). Na década de 70, o trio de jazz “Ganelin-Tarasov-Chekasin” (GTC), formado pelo pianista Vyacheslav Ganelin, o baterista Vladimir Tarasov e o saxofonista Vladimir Chekasin, que existiu até 1986, tornou-se amplamente conhecido. Nas décadas de 70 e 80, o quarteto de jazz do Azerbaijão “Gaya” e os conjuntos vocais e instrumentais georgianos “Orera” e “Jazz Chorale” também eram famosos.

Após um declínio no interesse pelo jazz na década de 90, ele começou a ganhar popularidade novamente na cultura jovem. Festivais de música jazz como “Usadba Jazz” e “Jazz in the Hermitage Garden” são realizados anualmente em Moscou. O clube de jazz mais popular em Moscou é o clube de jazz "Union of Composers", que convida artistas mundialmente famosos de jazz e blues.

Jazz no mundo moderno

O mundo moderno da música é tão diverso quanto o clima e a geografia que vivenciamos nas viagens. E, no entanto, hoje assistimos à mistura de um número cada vez maior de culturas mundiais, aproximando-nos constantemente daquilo que, no fundo, já se está a tornar “world music” (world music). O jazz de hoje não pode mais deixar de ser influenciado por sons que penetram nele vindos de quase todos os cantos do globo. O experimentalismo europeu com tons clássicos continua a influenciar a música de jovens pioneiros como Ken Vandermark, um saxofonista de vanguarda do free jazz conhecido pelo seu trabalho com contemporâneos notáveis ​​como os saxofonistas Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann. Outros músicos jovens e mais tradicionais que continuam em busca de sua própria identidade incluem os pianistas Jackie Terrasson, Benny Green e Braid Meldoa, os saxofonistas Joshua Redman e David Sanchez e os bateristas Jeff Watts e Billy Stewart.

A velha tradição sonora está sendo levada adiante rapidamente por artistas como o trompetista Wynton Marsalis, que trabalha com uma equipe de assistentes, tanto em seus próprios pequenos grupos quanto na Orquestra de Jazz do Lincoln Center, que ele lidera. Sob seu patrocínio, os pianistas Marcus Roberts e Eric Reed, o saxofonista Wes “Warmdaddy” Anderson, o trompetista Marcus Printup e o vibrafonista Stefan Harris tornaram-se grandes músicos. O baixista Dave Holland também é um grande descobridor de jovens talentos. Suas muitas descobertas incluem artistas como o saxofonista/baixista Steve Coleman, o saxofonista Steve Wilson, o vibrafonista Steve Nelson e o baterista Billy Kilson. Outros grandes mentores de jovens talentos incluem o pianista Chick Corea, o falecido baterista Elvin Jones e a cantora Betty Carter. As oportunidades potenciais para o futuro desenvolvimento do jazz são actualmente bastante grandes, uma vez que as formas de desenvolvimento do talento e os meios da sua expressão são imprevisíveis, multiplicando-se pelos esforços combinados de vários géneros de jazz hoje incentivados.

O jazz é a música da alma, e ainda há muito debate sobre a história dessa direção musical. Muitos acreditam que o jazz se originou em Nova Orleans, enquanto outros acreditam que o jazz foi tocado pela primeira vez na África, citando ritmos complexos e todos os tipos de danças, batidas de pés e palmas. Mas eu desafio você a conhecer um pouco melhor o jazz vivo, vibrante e em constante mudança.

A origem do jazz se deve a vários motivos. Seu início foi extraordinário, dinâmico e, até certo ponto, eventos milagrosos contribuíram para isso. Na virada dos séculos XIX e XX, ocorreu a formação da música jazz; ela se tornou fruto da imaginação das culturas da Europa e da África, uma espécie de fusão de formas e tendências de dois continentes.

É geralmente aceito que o nascimento do jazz começou de uma forma ou de outra com a importação de escravos da África para o território do Novo Mundo. As pessoas que foram trazidas para um lugar na maioria das vezes não se entendiam e, conforme necessário, ocorreu uma unificação de muitas culturas, inclusive devido à fusão de culturas musicais. Foi assim que nasceu o jazz.

O sul da América é considerado o epicentro do desenvolvimento da cultura jazzística e, para ser mais preciso, é Nova Orleans. Posteriormente, as melodias rítmicas do jazz fluem suavemente para outra capital da música, localizada no norte - Chicago. Lá, as apresentações noturnas eram particularmente procuradas, arranjos incríveis davam um tempero especial aos intérpretes, mas a regra mais importante do jazz sempre foi a improvisação. Um destacado representante da época foi o inimitável Louis Armstrong.

Período 1900-1917 Em Nova Orleans, o movimento jazzístico está se desenvolvendo ativamente e o conceito de músico “Nova Orleans”, assim como a era dos anos 20, entra em uso. O século 20 é comumente chamado de “era do jazz”. Agora que descobrimos onde e como surgiu o jazz, vale a pena entender os traços distintivos dessa direção musical. Em primeiro lugar, o jazz baseia-se numa polirritmia específica, que assenta em ritmos sincopados. A síncope é uma mudança de ênfase de uma batida forte para uma batida fraca, ou seja, uma violação deliberada do acento rítmico.

A principal diferença entre o jazz e outros movimentos é também o ritmo, ou melhor, sua execução arbitrária. É esta liberdade que dá aos músicos a sensação de uma actuação livre e descontraída. Nos círculos profissionais isso é chamado de swing. Tudo é apoiado por uma gama musical alegre e colorida e, claro, nunca se deve esquecer da principal característica - a improvisação. Tudo isso, aliado ao talento e à vontade, resulta numa composição sensual e rítmica chamada jazz.

O desenvolvimento do jazz não é menos interessante do que as suas origens. Posteriormente, surgiram novos rumos: swing (década de 1930), bebop (década de 1940), cool jazz, hard pop, soul jazz e jazz-funk (décadas de 1940-1960). Na era do swing, a improvisação coletiva ficou em segundo plano; apenas um solista poderia se dar ao luxo de tal luxo, o resto dos músicos teve que aderir à composição musical preparada; Na década de 1930 Houve um crescimento frenético desses grupos, que mais tarde ficaram conhecidos como big bands. Os representantes mais proeminentes deste período são considerados Duke Ellington, Benny Goodman e Glen Miller.

Dez anos depois, ocorre novamente uma revolução na história do jazz. Pequenos grupos, predominantemente constituídos por artistas negros, onde absolutamente todos os participantes podiam improvisar, estavam voltando à moda. As estrelas da virada foram Charlie Parker e Dizzy Gillespie. Os músicos procuraram devolver o jazz à sua antiga leveza e facilidade, para se afastarem tanto quanto possível do comercialismo. Líderes de big band que estavam simplesmente cansados ​​de apresentações barulhentas e grandes salas que só queriam curtir a música vieram para pequenas orquestras.

Música 1940-1960 sofreu uma mudança colossal. O jazz foi dividido em dois grupos. Um deles era adjacente à performance clássica; o cool jazz é famoso por sua contenção e melancolia. Os principais representantes são Chet Baker, Dave Brubeck, Miles Davis. Mas o segundo grupo desenvolveu as ideias do bebop, onde os principais eram ritmos alegres e agressivos, solos explosivos e, claro, improvisação. Nesse estilo, o topo do pedestal foi ocupado por John Coltrane, Sonny Rollins e Art Blakey.

O ponto final no desenvolvimento do jazz foi em 1950, quando o jazz se fundiu com outros estilos musicais. Posteriormente, novas formas surgiram e o jazz desenvolveu-se na URSS e na CEI. Representantes russos proeminentes foram Valentin Parnakh, que criou a primeira orquestra do país, Oleg Lundstrem, Konstantin Orbelyan e Alexander Varlamov. Agora, no mundo moderno, há também um intenso desenvolvimento do jazz, os músicos estão implementando novas formas, experimentando, combinando e alcançando o sucesso.

Agora você sabe um pouco mais sobre música e, especificamente, sobre jazz. Jazz não é música para todos, mas mesmo que você não seja o maior fã do gênero, definitivamente vale a pena ouvi-la para mergulhar na história. Boa audição.

Victoria Lyzhova

A mensagem “Jazz” irá ajudá-lo brevemente a se preparar para as aulas de música e aprofundar seus conhecimentos nesta área. Além disso, a reportagem sobre jazz fornecerá muitas informações detalhadas sobre essa forma de arte musical.

Mensagem sobre jazz

O que é jazz?

Jazzé uma forma de arte musical. O berço do jazz são os EUA, onde surgiu no século XX no processo de síntese das culturas europeias e africanas. Então essa arte se espalhou por todo o planeta.

O jazz é uma música viva e surpreendente que absorveu o gênio rítmico africano e os tesouros de muitos anos tocando cantos e tambores cerimoniais e rituais. Sua história é dinâmica, inusitada e repleta de acontecimentos maravilhosos que influenciaram o processo mundial musical.

O jazz foi trazido para o Novo Mundo pelos escravos - os povos do continente africano. Muitas vezes pertenciam a famílias diferentes e, para melhor se entenderem, criaram uma nova direção musical com motivos blues. Acredita-se que o jazz tenha se originado em Nova Orleans. O primeiro disco de gramofone foi gravado em 26 de fevereiro de 1917 no Victor Studios, em Nova York. Sua marcha pelo mundo começou com a composição da Original Dixieland Jazz Band.

Características do Jazz

As principais características desta direção musical são:

• A batida é uma pulsação regular.
• Polirritmia, que se baseia em ritmos sincopados.
• Improvisação.
• Gama de timbres.
• Harmonia colorida.
• Swing é um conjunto de técnicas para executar texturas rítmicas.

Vários artistas podem improvisar ao mesmo tempo. Os membros do conjunto interagem entre si artisticamente e “comunicam-se” com o público.

Estilos de jazz

A diversidade estilística do jazz desde o seu início é incrível. Vamos citar apenas os tipos mais comuns de jazz:

• Vanguarda. Originado em 1960. É caracterizado por harmonia, ritmo, métrica, estruturas tradicionais e música programática. Representantes: Sun Ra, Alice Coltrane, Archie Shepp.
• Jazz ácido. Este é um estilo musical funky. A ênfase não está nas palavras, mas na música. Representantes: James Taylor Quartet, De-Phazz, Jamiroquai, Galliano, Don Cherry.
• Grande curva. Formado na década de 1920. Consiste nos seguintes grupos orquestrais - saxofones - clarinetes, instrumentos de sopro, seção rítmica. Representantes: The Original Dixieland Jazz Band, The Glenn Miller Orchestra, King Oliver's Creole Jazz Band, Benny Goodman e sua orquestra.
• Bop. Formado na década de 1940. Caracteriza-se por improvisações complexas e um andamento rápido, que se baseiam não na mudança da melodia, mas na mudança da harmonia. Artistas de jazz bebop - o baterista Max Roach, o trompetista Dizzy Gillespie, Charlie Parker, os pianistas Thelonious Monk e Bud Powell.
• Boogie Woogie. Este é um solo instrumental que combina elementos de jazz e blues. Originado na década de 1920. Representantes: Alex Moore, Piano Red e David Alexander, Jimmy Yancey, Cripple Clarence Lofton, Pine Top Smith.
• Bossa Nova. Esta é uma síntese única de ritmos de samba brasileiro e improvisação de jazz no estilo cool. Representantes: Antonio Carlos Jobim, Stan Goetz e Charlie Bird.
• Jazz Clássico. Desenvolvido no final do século XIX. Representantes: Chris Barber, Aker Bilk, Kenny Ball, The Beatles.
• Balanço. Tomou forma na virada das décadas de 1920 e 30. Caracterizado por uma combinação de formas europeias e negras. Representantes: Ike Quebec, Oscar Peterson, Mills Brothers, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Stephane Grappelli.
• Convencional. Este é um tipo de jazz relativamente novo, que se caracterizou por uma certa interpretação de obras musicais. Representantes - para Ben Webster, Lester Young, Roy Eldridge, Coleman Hawkins, Johnny Hodges, Buck Clayton.
• Jazz nordestino. Originado no início do século XX em Nova Orleans. A música é quente e rápida. Os representantes do jazz nordestino são Art Hodes, o baterista Barrett Deems e o clarinetista Benny Goodman.
• Estilo Kansas City. O estilo moderno originou-se no final da década de 1920 em Kansas City. É caracterizado pela penetração de peças com toques de blues na música jazz ao vivo e solos energéticos. Representantes: Count Basie, Benny Mouthen, Charlie Parker, Jimmy Rushing.
• Jazz da Costa Oeste. Surgiu na década de 50 do século XX em Los Angeles. Os representantes são Shorty Rogers, os saxofonistas Bud Schenk e Art Pepper, o clarinetista Jimmy Giuffre e o baterista Shelley Mann.
• Legal. Começou a se desenvolver na década de 1940. Este é um estilo de jazz menos frenético e suave. Caracterizado por um som destacado, plano e homogêneo. Representantes: Chet Baker, George Shearing, Dave Brubeck, John Lewis, Leni Tristano, Lee Konitz, Ted Dameron, Zoot Sims, Gerry Mulligan.
• Jazz progressivo. Foi caracterizado por harmonia ousada, segundos e blocos frequentes, politonalidade, pulsação rítmica e colorido.

Jazz hoje

O jazz moderno absorveu as tradições e sons de todo o planeta. Houve um repensar da cultura africana, que foi a sua fonte. Representantes do jazz moderno incluem: Ken Vandermark, Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann, Wynton Marsalis, Joshua Redman e David Sanchez, Jeff Watts e Billy Stewart.

Instituição educacional orçamentária municipal para educação complementar de crianças

"Escola de Arte Infantil nº 3 em homenagem a Vasily Vasilyevich Andreev"

Tver

Mensagem metodológica sobre o tema:

“Jazz – suas origens e desenvolvimento”

"Jazz"! De onde veio esse nome elástico e brilhante de “jazz” e por que é interessante para nós ouvir e tocar jazz, e tocar jazz requer uma certa maneira de tocar, um bom senso de ritmo e ouvir e executar essas dissonâncias com entusiasmo que abundam na música jazz. Um dos intérpretes de jazz, Louis Armstrong, expressou a opinião de muitos amantes do jazz: “No coração desta música está algo que pode ser sentido, mas não pode ser explicado”.

Mas vamos tentar olhar para um passado distante, de onde veio o jazz. E então... O início do século XIX. A América já tinha sido descoberta e a Europa já conhecia há muito tempo esta terra fértil e inexplorada. Os países da Europa Ocidental França, Inglaterra, Espanha e outros tomaram as terras deste continente, criaram ali as suas próprias colónias e protegeram-nas com postos avançados. Muitos milhares de europeus mudaram-se, como diziam então, do Velho Mundo para o Novo Mundo, desenvolveram estas terras e começaram a cultivar. Foi preciso muito trabalho para trabalhar nas enormes plantações de cana-de-açúcar, nos estaleiros do rio Mississippi e nos canteiros de obras. E então centenas de negros africanos foram transportados das costas da África Ocidental para o delta do rio Mississippi nos porões sujos dos navios.

Na América eles eram usados ​​para os trabalhos mais difíceis. Freqüentemente, eram trazidos de tribos diferentes e às vezes era difícil para eles se comunicarem. E depois de um árduo dia de trabalho, nas raras horas de descanso, derramavam em suas canções a dor de sua posição escrava. Uma inclinação natural para a música e um sentido especial de ritmo os uniram. Eles se acompanhavam batendo em caixas, latas vazias com paus ou simplesmente batendo palmas. No início era como aquela música nativa distante, como o som de um tom-tom, mas aos poucos a memória da música africana foi se apagando, assim como se apagou tudo o que haviam vivido antes. Os escravos perderam não só a sua existência habitual, as suas famílias, mas também os seus deuses, em quem anteriormente acreditavam. E os missionários, que se mudaram com os colonos e pregaram o cristianismo, começaram a converter os escravos à fé cristã e a ensinar-lhes cantos religiosos. Mas os negros cantavam à sua maneira, com um timbre especial e característico de voz. Era uma música especial e rítmica, característica de sua natureza e temperamento. Esses hinos e cânticos religiosos eram chamados espiritual, senhor.

Agora chegamos às origens do jazz. É claro que ninguém escreveu esses cantos rítmicos dos negros em notas. E qual dos negros os conhecia? Também não havia fonógrafos. As músicas passaram em uma forma improvisada modificada. Apenas o texto não mudou.

1865 A escravidão foi abolida na América. Mas os infortúnios dos negros não terminaram aí. Eles foram separados para viver nos bairros sujos mais desfavoráveis ​​ao longo dos trilhos da ferrovia, em áreas pantanosas. Entre o preto e o branco ainda permanecia uma relação de inferior para superior. É claro que a música dos negros se desenvolveu separadamente em algum lugar por acaso e entrou em contato com a vida dos brancos; Durante este período, o blues da canção folclórica negra floresceu. Talvez a palavra “blues” venha da palavra americana “blue”, que significa azul, azul claro, e essa cor é considerada a cor da melancolia e da saudade. O blues é uma reclamação, um grito do coração de um negro, mas essa música não é muito triste. O negro não gosta de lamentar-se nem de sofrer por causa dos seus infortúnios. Aquele que canta sobre sua dor, canta em suas canções. As letras de blues foram compostas pelos próprios intérpretes. Eles cantaram sobre trabalho duro, sobre amor enganado, sobre necessidade. Os negros se acompanhavam ao violão. No início era feito em casa - adaptaram o braço e as cordas às velhas caixas de charutos. Se pudessem comprá-los, compravam guitarras de verdade de brancos. Baseado emespiritual e blues emerge o jazz.

Se os espirituais fossem cantados tanto nas igrejas rurais como nas urbanas, e o blues surgisse nas áreas rurais, então o jazz é música orquestral e o jazz só poderia aparecer numa cidade grande, onde verdadeiros instrumentos europeus pudessem ser comprados aos brancos. E essa cidade era Nova Orleans – Nova Orleans. Os negros agora têm suas próprias bandas de música. Essas orquestras percorriam as ruas, anunciavam bailes e participavam de festivais folclóricos. Às vezes era mais de uma orquestra e aí começava a competição. Toda essa música soava em ritmos negros característicos, com um som incomum de blues dissonante, de uma maneira incomum para os europeus. Numa orquestra de jazz, o grupo rítmico dá o andamento uniforme: bateria, contrabaixo, que toca apenas pizzicato, violão e banjo. O baterista é o coração da orquestra, ele dá a pulsação viva, como dizem os jazzistas:« brinca com o bem balanço" , inspira outros músicos que improvisam em movimento, compõem, enfatizam inesperadamente a batida fraca - balançando.

O século XX chegou. O período do jazz de rua acabou. Muitos músicos de Nova Orleans começaram a deixar suas casas em busca de trabalho. Eles viajaram pelo Mississippi até as grandes cidades da América do Norte. Muito tempo se passou até que o jazz entrasse em cena, mas por enquanto seu lugar era nos bairros negros. Mesmo no final do século XIX, havia tantos músicos negros que as autoridades foram forçadas a proibi-los de exercer a sua profissão em qualquer lugar, exceto em discotecas, cafés de beira de estrada e salões de dança baratos, que abriam em grande número naquela época. Músicos de jazz criaram bandas de jazz. Esta orquestra incluía: trompetista, trombonista, clarinetista, banjoista, contrabaixista, baterista e pianista.

Mas antes de o jazz subir ao palco, ele foi precedido pelo surgimento de um gênero comobolo e ragtime. É uma música de natureza motora, com ritmo característico, e está associada ao surgimento de estabelecimentos de entretenimento nocturno na América do Norte - salões de dança - salões de dança . E parte integrante desses estabelecimentos era o piano. Tanto cakewalk quanto ragtime são músicas exclusivamente para piano. O que é característico desta música? Acentos percussivos no tempo forte, acordes imitando um banjo. Ragtime é traduzido como “ritmo irregular”, embora entre os americanos ragtime “to rag” signifique provocar, zombar. Naquela época, o piano se tornou o instrumento mais popular na América; todos os instrumentos foram trazidos da Europa; cakewalk e música ragtime se espalharam por todo o país. O criador do ragtime clássico é o compositor, músico, pianista americano, negro de nascimento - Scott Joplin. A editora que publicou seus ragtimes os chamou de clássicos porque, é claro, seu valor artístico está acima da música daquela época. Foi assim que o spiritual, o blues e o ragtime se fundiram no que se chama jazz.

A cidade de Chicago – no norte da América – é um enorme centro industrial. O jazz genuíno estabeleceu-se no bairro negro desta cidade. As melhores orquestras de jazz estiveram aqui. A produção musical está se desenvolvendo em Chicago e, graças a isso, a música que antes era ouvida apenas em boates e salões de dança na América chegou à Europa e chegou aos nossos tempos. Qual é o destino do jazz no nosso país? Em 1922, as primeiras bandas de jazz foram organizadas em Moscou. O jazz em nosso país passou por altos e baixos, em certa época até foi considerado música de mau gosto, mas com o passar do tempo foram criadas grandes orquestras - big bands. Os compositores criaram arranjos de canções maravilhosas de compositores soviéticos no estilo jazz. Houve uma orquestra de jazz dirigida por Leonid Utesov, V. Knushevitsky, Oleg Lundstrem, Yu Saulsky. D. Shostakovich compõe uma suíte de jazz, I. Dunaevsky - rapsódia de jazz. Em 1938, uma orquestra estatal de jazz foi criada em Moscou, liderada por M. Blanter.

Era uma vez, nossa grande poetisa A. Akhmatova escreveu: “Se você soubesse de que lixo a poesia às vezes cresce”. Assim, a arte do jazz, hoje considerada elitista, nem nasceu e cresceu a partir do “lixo”. Portuária e colorida, Nova Orleans deu origem a músicas rítmicas e quase obscenas nos bairros negros. E o fato de que ao longo de várias décadas esse gênero específico tenha chegado à aristocracia é mérito de literalmente algumas pessoas, embora fossem verdadeiros mestres: Louis Armstrong, Teddy McCray, Duke Ellington, artistas vocais de jazz Bessie Smith, Ella Fitzgerald, Compositor americano George Gershwin.

Por que ainda amamos jazz?

Porque sente o frescor das harmonias, o excesso de vitalidade que nele se expressa tão claramente.

Lista de literatura usada

1. Koller J. L. A formação do jazz. M.: Raduga, 1984.
2. Panasier Yu. História do jazz genuíno.2ª ed., - L.: Música, 1979.
3. Batashev A.N. Jazz soviético. M., Música, 1972.

Durante décadas tentaram proibir o jazz, silenciá-lo e ignorá-lo, tentaram combatê-lo, mas o poder da música acabou por ser mais forte do que todos os dogmas. No século XXI, o jazz atingiu um dos pontos mais altos do seu desenvolvimento e não tem intenção de abrandar.

Em todo o mundo, 1917 tornou-se, em muitos aspectos, um ponto de viragem e que marcou uma época. Duas revoluções acontecem no Império Russo, Woodrow Wilson é reeleito para um segundo mandato nos Estados Unidos e o microbiologista Felix d'Herelle anuncia a descoberta de um bacteriófago. No entanto, este ano ocorreu um acontecimento que também ficará para sempre nos anais da história. Em 30 de janeiro de 1917, o primeiro disco de jazz foi gravado no estúdio Victor, em Nova York. Eram duas peças - "Livery Stable Blues" e "Dixie Jazz Band one Step" - executadas por um conjunto de músicos brancos, a Original Dixieland Jazz Band. O mais velho dos músicos, o trompetista Nick LaRocca, tinha 28 anos, o mais novo, o baterista Tony Sbarbaro, tinha 20 anos. Os nativos de Nova Orleans, é claro, ouviam "música negra", adoravam e queriam apaixonadamente tocar seu próprio jazz. Rapidamente após a gravação do disco, a Original Dixieland Jazz Band conseguiu um contrato com restaurantes caros e prestigiados.

Como eram as primeiras gravações de jazz? Um disco de gramofone é um disco fino feito por prensagem ou fundição de plástico de várias composições, em cuja superfície uma ranhura especial é esculpida em espiral para gravar o som. O som do disco foi reproduzido por meio de dispositivos técnicos especiais - gramofone, gramofone, eletrofone. Este método de gravação de som foi a única forma de “imortalizar” o jazz, uma vez que é quase impossível transmitir com precisão todos os detalhes da improvisação musical na notação musical. Por esta razão, os especialistas em música, ao discutirem várias peças de jazz, referem-se, em primeiro lugar, ao número do disco de gramofone em que uma determinada peça foi gravada.

Cinco anos após a estreia da estreante Original Dixieland Jazz Band, músicos negros começaram a gravar no estúdio. Entre os primeiros a serem gravados estavam os conjuntos de Joe King Oliver e Jelly Roll Morton. No entanto, todas as gravações de jazzistas negros foram lançadas nos Estados Unidos como parte de uma “série racial” especial, distribuída naqueles anos apenas entre a população negra americana. Os discos de gramofone lançados na “série racial” existiram até a década de 40 do século XX. Além do jazz, eles também gravaram blues e spirituals - canções espirituais de corais de afro-americanos.

Os primeiros discos de jazz foram lançados com diâmetro de 25 cm e velocidade de rotação de 78 rpm e foram gravados acusticamente. Porém, já a partir de meados dos anos 20. No século 20, a gravação era feita eletromecanicamente, o que contribuiu para melhorar a qualidade do som. Seguiu-se o lançamento de discos de gramofone com diâmetro de 30 cm na década de 40. tais discos foram produzidos em massa por várias gravadoras, que decidiram lançar composições antigas e novas interpretadas por Louis Armstrong, Count Basie, Sidney Bechet, Art Tatum, Jack Teagarden, Thomas Fats Waller, Lionel Hampton, Coleman Hawkins, Roy Eldridge e muitos outros.

Esses discos de gramofone tinham um rótulo especial - “V-disc” (abreviação de “Victory disc”) e eram destinados a soldados americanos que participaram da Segunda Guerra Mundial. Esses lançamentos não eram destinados à venda e os jazzistas, via de regra, transferiam todos os seus honorários para o Victory Fund na Segunda Guerra Mundial.

Já em 1948, a Columbia Records lançou o primeiro disco de longa duração (o chamado “longplay”, LP) do mercado fonográfico com um arranjo mais denso de grooves sonoros. O diâmetro do disco era de 25 cm e a velocidade de rotação era de 33 1/3 rotações por minuto. A longa peça já continha até 10 peças.

Seguindo a Columbia, representantes da RCA Victor começaram a produzir seus próprios longas-metragens em 1949. Suas placas tinham 17,5 cm de diâmetro e velocidade de rotação de 45 rotações por minuto, e posteriormente registros semelhantes começaram a ser produzidos com velocidade de rotação de 33 1/3 rotações por minuto. Em 1956, iniciou-se a produção de LPs com diâmetro de 30 cm. 12 peças foram colocadas nas duas faces desses discos, e o tempo de reprodução aumentou para 50 minutos. Dois anos depois, os discos estereofônicos com gravação em dois canais começaram a substituir seus equivalentes monofônicos. Os fabricantes também tentaram colocar discos de 16 rpm no mercado musical, mas essas tentativas fracassaram.

Depois disso, a inovação no campo da produção de discos estancou por muitos anos, mas já no final dos anos 60. discos quadrafônicos com sistema de gravação de quatro canais foram apresentados aos amantes da música.

A produção de long-plays deu um grande salto ao jazz como música e contribuiu para o desenvolvimento desta música - em particular, para o surgimento de formas maiores de composições. Por muitos anos, a duração de uma peça não ultrapassava três minutos - essas eram as condições para gravar em um disco de gramofone padrão. Ao mesmo tempo, mesmo com o progresso no lançamento de discos, a duração das peças de jazz não aumentou imediatamente: na década de 50. As LPs foram elaboradas principalmente com base em matrizes de publicações de anos anteriores. Na mesma época, foram lançados discos com gravações de Scott Joplin e outros artistas famosos de ragtime, que foram gravados no final do século XIX e início do século XX. em cilindros de papelão perfurados para pianos mecânicos, bem como em rolos de cera para gramofones.

Com o tempo, discos de longa duração começaram a ser usados ​​para gravar obras maiores e concertos ao vivo. Também se tornou uma prática generalizada lançar álbuns de dois ou três discos, ou antologias e discografias especiais de um determinado artista.

E o jazz em si? Durante muitos anos foi considerada “a música de uma raça inferior”. Nos EUA era considerada a música dos negros, indigna da alta sociedade americana; na Alemanha nazista, tocar e ouvir jazz significava ser “um maestro da cacofonia negro-judaica”, e na URSS - “um apologista da burguesia”. modo de vida” e “um agente do imperialismo mundial”.

Uma característica do jazz é que essa música vem conquistando sucesso e reconhecimento há décadas. Se músicos de todos os outros estilos pudessem, desde o início de suas carreiras, se esforçar para tocar nos maiores locais e estádios, e houvesse muitos exemplos para eles, então os jazzistas só poderiam contar com apresentações em restaurantes e clubes, sem sequer sonhar com grandes locais.

O jazz como estilo originou-se há mais de um século nas plantações de algodão. Foi lá que os trabalhadores negros cantaram suas canções, fundidas entre cantos protestantes, hinos corais religiosos africanos "espirituais", e canções seculares duras e pecaminosas, quase "ladrões" - blues, difundidas em restaurantes sujos de beira de estrada, onde nenhum americano branco jamais colocaria pé. A maior glória deste “coquetel” eram as bandas de metais, que soavam como se crianças afro-americanas descalças tivessem pegado instrumentos desativados e começado a tocar o que quisessem.

A década de 20 do século 20 tornou-se a “Era do Jazz”, como os chamou o escritor Francis Scott Fitzgerald. A maioria dos trabalhadores negros estava concentrada na capital criminosa dos Estados Unidos daqueles anos - Kansas City. A difusão do jazz nesta cidade foi facilitada por um grande número de restaurantes e lanchonetes onde os mafiosos adoravam passar o tempo. A cidade criou um estilo especial, o estilo das grandes bandas tocando blues rápido. Durante esses anos, um menino negro chamado Charlie Parker nasceu em Kansas City: foi ele quem se tornaria um reformador do jazz mais de duas décadas depois. Em Kansas City, ele passou por locais onde aconteciam shows e literalmente absorveu trechos da música que amava.

Apesar da grande popularidade do jazz em Nova Orleans e de sua presença generalizada em Kansas City, um grande número de jazzistas ainda preferia Chicago e Nova York. Duas cidades da Costa Leste dos Estados Unidos tornaram-se os mais importantes pontos de concentração e desenvolvimento do jazz. A estrela de ambas as cidades foi o jovem trompetista e vocalista Louis Armstrong, sucessor do maior trompetista de Nova Orleans, King Oliver. Em 1924, outro nativo de Nova Orleans chegou a Chicago - a pianista e cantora Jelly Roll Morton. O jovem músico não era modesto e dizia com ousadia a todos que era o criador do jazz. E já aos 28 anos mudou-se para Nova York, onde justamente naquela época ganhava popularidade a orquestra do jovem pianista de Washington Duke Ellington, o que já deslocava a orquestra de Fletcher Henderson dos raios da glória.

A onda de popularidade da “música negra” está a chegar à Europa. E se em Paris se ouvia jazz ainda antes do início da Primeira Guerra Mundial, e não em “tavernas”, mas em salões aristocráticos e salas de concerto, então na década de 20 Londres se rendeu. Os jazzistas negros adoravam ir à capital britânica - especialmente considerando o fato de que lá, ao contrário dos Estados Unidos, eram tratados com respeito e humanidade tanto nos bastidores, quanto não apenas nele.

Vale ressaltar que o poeta, tradutor, dançarino e coreógrafo Valentin Parnakh organizou o primeiro concerto de jazz em Moscou em 1922, e 6 anos depois a popularidade desta música chegou a São Petersburgo.

O início da década de 30 do século 20 foi marcado por uma nova era - a era das big bands, das grandes orquestras, e um novo estilo começou a trovejar nas pistas de dança - o swing. A Orquestra Duke Ellinton conseguiu ultrapassar seus colegas da Orquestra Fletcher Henderson em popularidade com a ajuda de movimentos musicais fora do padrão. A improvisação simultânea coletiva, que se tornou uma característica marcante da escola de jazz de Nova Orleans, está se tornando uma coisa do passado e, em seu lugar, partituras complexas, frases rítmicas com repetição e chamadas de grupos de orquestra estão ganhando popularidade. Na orquestra, aumenta o papel do arranjador, que escreve orquestrações que se tornam a chave para o sucesso de todo o conjunto. Ao mesmo tempo, o líder da orquestra continua sendo o solista improvisador, sem o qual mesmo um grupo com orquestrações ideais passará despercebido. Ao mesmo tempo, a partir de agora o solista observa rigorosamente o número de “quadrados” da música, enquanto os demais o apoiam de acordo com o arranjo escrito. A popularidade da Orquestra Duke Ellington foi trazida não apenas por soluções atípicas em arranjos, mas também pela composição de primeira classe da própria orquestra: os trompetistas Bubber Miley, Rex Stewart, Cootie Williams, o clarinetista Barney Bigard, os saxofonistas Johnny Hodges e Ben Webster, o contrabaixista Jimmy Blanton conhecia seu trabalho como ninguém. Outras orquestras de jazz também demonstraram trabalho em equipe neste assunto: Count Basie tinha o saxofonista Lester Young e o trompetista Buck Clayton, e a espinha dorsal da orquestra era a seção rítmica “mais suingante do mundo” - o pianista Basie, o contrabaixista Walter Page, o baterista Joe Jones e o guitarrista Freddie Green.

A orquestra do clarinetista Benny Goodman, composta inteiramente por músicos brancos, ganhou enorme popularidade em meados dos anos 30 e, na segunda metade dos anos 30, desferiu um golpe esmagador em todas as restrições raciais no jazz: no palco do Carnegie Hall na orquestra liderado por Goodman ao mesmo tempo em que músicos negros e brancos se apresentavam! Agora, é claro, tal evento não é novidade para o amante da música sofisticado, mas naqueles anos a atuação de brancos (clarinetista Goodman e baterista Gene Krupa) e negros (pianista Teddy Wilson e vibrafonista Lionel Hampton) literalmente rasgou todos os modelos para pedaços.

No final dos anos 30, a orquestra branca de Glenn Miller ganhou popularidade. Espectadores e ouvintes imediatamente chamaram a atenção para o característico “som cristalino” e elaboraram arranjos com habilidade, mas ao mesmo tempo afirmaram que a música da orquestra continha um mínimo de espírito jazzístico. Durante a Segunda Guerra Mundial, a “era do swing” terminou: a criatividade foi para as sombras, e o “entretenimento” brilhou no palco, e a própria música se transformou em uma massa de consumo que não exigia frescuras especiais. Junto com a guerra, o desânimo chegou ao acampamento dos jazzistas: parecia-lhes que sua música favorita estava passando suavemente para o pôr do sol da existência.

No entanto, o início de uma nova revolução do jazz foi semeado numa das cidades nativas deste estilo de música - Nova Iorque. Jovens músicos – a maioria negros – incapazes de tolerar o declínio da sua música como parte de orquestras em clubes oficiais, depois dos concertos afluíam aos seus próprios clubes na 52nd Street, tarde da noite. O clube Milton Playhouse tornou-se uma meca para todos eles. Foi nesses clubes de Nova York que os jovens jazzistas fizeram algo inimaginável e radicalmente novo: improvisaram o máximo possível em simples acordes de blues, arranjando-os em uma sequência aparentemente completamente inadequada, virando-os do avesso e reorganizando-os, tocando extremamente complexos e longos. melodias que começavam bem no meio do compasso e terminavam ali. O Milton Playhouse naquela época não tinha fim para visitantes: todos queriam ver e ouvir a estranha fera que nascia florida e inimaginavelmente no palco. Em um esforço para eliminar leigos aleatórios, que muitas vezes gostam de subir no palco e improvisar com músicos, os jazzistas começaram a acelerar as composições, às vezes acelerando-as a velocidades incríveis que só os profissionais conseguiam.

Foi assim que nasceu o revolucionário estilo de jazz - bebop. O saxofonista alto Charlie Parker, criado em Kansas City, o trompetista John "Dizzy" Burks Gillespie, o guitarrista Charlie Christian (um dos fundadores da linguagem harmônica), os bateristas Kenny Clark e Max Roach - esses nomes estão para sempre inscritos em letras douradas na história do jazz e especificamente do bebop. A base rítmica da bateria no bebop foi transferida para os pratos, surgiram atributos externos especiais dos músicos, e a maioria desses shows acontecia em pequenos clubes fechados - é assim que a produção musical do grupo pode ser descrita. E acima de todo esse aparente caos, o saxofone de Parker se elevou: não tinha igual em nível, técnica e habilidade. Não é de surpreender que o temperamento do músico simplesmente tenha esgotado seu mestre: Parker morreu em 1955, “esgotado” por tocar saxofone constante e em alta velocidade, álcool e drogas.

Foi a criação do bebop que não só deu impulso ao desenvolvimento do jazz, mas também se tornou o ponto de partida a partir do qual começou a ramificação do jazz como tal. O bebop rumou para o underground - casas pequenas, ouvintes seletos e dedicados, e interessados ​​nas raízes da música em geral, enquanto a segunda vertente representava o jazz na esfera do sistema de consumo - e assim nasceu o pop-jazz, que existe até este dia. Assim, ao longo dos anos, elementos do pop jazz foram utilizados por estrelas da música como Frank Sinatra, Sting, Katie Melua, Zaz, Amy Winehouse, Kenny G, Norah Jones e outros.

Quanto ao ramo menos popular do jazz, o bebop foi seguido pelo hard bop. Neste estilo, a ênfase foi colocada em um início blues e extático. O desenvolvimento do hard bop foi influenciado pela atuação do saxofonista Sonny Rollins, do pianista Horace Silver, do trompetista Clifford Brown e do baterista Art Blakey. Aliás, a banda de Blakey chamada The Jazz Messengers se tornou uma fonte de talentos para o jazz em todo o mundo até a morte do músico em 1990. Ao mesmo tempo, outros estilos próprios foram se desenvolvendo nos Estados Unidos: o cool jazz, difundido na Costa Leste, conquistou os corações dos ouvintes, e o Ocidente foi capaz de opor seus vizinhos ao estilo da Costa Oeste. Vindo da orquestra de Parker, o trompetista negro Miles Davis e o arranjador Gil Evans criaram o cool jazz ("cool jazz") usando novas harmonias no bebop. A ênfase foi transferida dos altos ritmos da música para a complexidade dos arranjos. Ao mesmo tempo, o saxofonista barítono branco Gerry Mulligan e seu conjunto apostaram em outros sotaques do cool jazz - por exemplo, na improvisação coletiva simultânea, que veio da escola de Nova Orleans. A Costa Oeste, representada pelos saxofonistas brancos Stan Getz e Zoot Sims, representou uma imagem diferente do bebop, criando um som mais leve que o de Charlie Parker. E o pianista John Lewis tornou-se o fundador do Modern Jazz Quartet, que fundamentalmente não tocava em clubes, tentando dar ao jazz uma forma concertada, ampla e séria. A propósito, o quarteto do pianista Dave Brubeck buscava aproximadamente a mesma coisa.

Assim, o jazz começou a desenvolver contornos próprios: as composições e partes solo dos jazzistas tornaram-se mais longas. Ao mesmo tempo, surgiu uma tendência no hard bop e no cool jazz: uma peça durava de sete a dez minutos e um solo durava cinco, seis, oito “quadrados”. Ao mesmo tempo, o próprio estilo foi enriquecido por diversas culturas, especialmente latino-americanas.

No final dos anos 50, uma nova reforma atingiu o jazz, desta vez no campo da linguagem harmónica. O inovador nesta área foi mais uma vez Miles Davis, que lançou sua gravação mais famosa, “Kind of Blue”, em 1959. As tonalidades e progressões de acordes tradicionais foram alteradas; os músicos podiam permanecer em dois acordes por vários minutos, mas ao mesmo tempo demonstravam o desenvolvimento do pensamento musical de tal forma que o ouvinte nem percebia a monotonia. O saxofonista tenor de Davis, John Coltrane, também se tornou um símbolo da reforma. A técnica de tocar e o discernimento musical de Coltrane, demonstrados em gravações no início dos anos 60, são insuperáveis ​​até hoje. A saxofonista alto Ornette Coleman, que criou o estilo free jazz ("free jazz"), também se tornou um símbolo da virada dos anos 50 e 60 no jazz. A harmonia e o ritmo nesse estilo praticamente não são respeitados, e os músicos seguem qualquer melodia, até a mais absurda. Em termos harmônicos, o free jazz tornou-se o auge - ou havia ruído e cacofonia absolutos, ou silêncio completo. Este limite absoluto fez de Ornette Coleman um gênio da música em geral e do jazz em particular. Talvez apenas o músico de vanguarda John Zorn tenha se aproximado dele em seu trabalho.

Os anos 60 também não se tornaram uma era de popularidade incondicional do jazz. A música rock veio à tona, cujos representantes experimentaram voluntariamente técnicas de gravação, volume, eletrônica, distorção sonora, vanguarda acadêmica e técnicas de execução. Segundo a lenda, naquela época surgiu a ideia de uma gravação conjunta entre o virtuoso guitarrista Jimi Hendrix e o lendário jazzista John Coltrane. Porém, já em 1967, Coltrane morreu, e alguns anos depois Hendrix faleceu, e essa ideia permaneceu nas lendas. Miles Davis também teve sucesso neste gênero: no final dos anos 60, ele conseguiu cruzar com bastante sucesso o rock e o jazz, criando o estilo jazz-rock, cujos principais representantes em sua juventude tocaram principalmente na banda de Davis: os tecladistas Herbie Hancock e Chick Corea, guitarrista John McLaughlin, baterista Tony Williams. Ao mesmo tempo, o jazz-rock, também conhecido como fusion, foi capaz de dar origem a seus próprios representantes individuais proeminentes: o baixista Jaco Pastorius, o guitarrista Pat Metheny, o guitarrista Ralph Towner. No entanto, a popularidade do fusion, que surgiu no final dos anos 60 e ganhou popularidade nos anos 70, diminuiu rapidamente, e hoje esse estilo é um produto totalmente comercial, transformando-se em smooth jazz ("smooth jazz") - música de fundo em que o lugar ritmos e linhas melódicas deram lugar às improvisações. O smooth jazz é representado por George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman e outros.

Nos anos 70, o world jazz (“world music”) ocupava um nicho distinto - uma fusão especial resultante da fusão da chamada “worlmusic” (música étnica, principalmente de países do Terceiro Mundo) e do jazz. É característico que neste estilo a ênfase tenha sido colocada em partes iguais tanto no jazz da velha escola como na estrutura étnica. Por exemplo, motivos da música folclórica da América Latina (apenas o solo foi improvisado, o acompanhamento e a composição permaneceram os mesmos da música etno), motivos do Oriente Médio (Dizzy Gillespie, quartetos e quintetos de Keith Jarrett) e motivos musicais indianos ( John McLaughlin) ficaram famosos, Bulgária (Don Ellis) e Trinidad (Andy Narrell).

Se os anos 60 se tornaram a era da mistura de jazz com rock e música étnica, então nos anos 70 e 80 os músicos decidiram experimentar novamente. O funk moderno tem suas raízes nesse período: os acompanhantes tocam no estilo do black pop-soul e do funk, enquanto extensas improvisações solo têm uma orientação mais criativa e jazzística. Representantes proeminentes deste estilo foram Grover Washington Jr., membros dos The Crusaders, Felder Wilton e Joe Sample. Posteriormente, todas as inovações resultaram em uma gama mais ampla de jazz-funk, cujos representantes proeminentes foram Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet e Solsonics.

Além disso, o acid jazz (“acid jazz”), caracterizado pela leveza e “dançabilidade”, gradualmente começou a aparecer no palco. Uma característica das apresentações dos músicos é o acompanhamento de samples retirados do vinil quarenta e cinco. O onipresente Miles Davis tornou-se novamente o pioneiro do acid jazz, e Derek Bailey começou a representar a ala mais radical da vanguarda. Nos EUA, o termo “acid jazz” praticamente não tem popularidade: lá essa música é chamada de groove jazz e club jazz. O pico da popularidade do acid jazz ocorreu na primeira metade dos anos 90 e, na década de 2000, a popularidade do estilo começou a declinar: o acid jazz foi substituído pelo novo jazz.

Quanto à URSS, a orquestra de Moscou do pianista e compositor Alexander Tsfasman é considerada o primeiro conjunto profissional de jazz a se apresentar no rádio e a gravar um disco. Antes dele, jovens bandas de jazz se concentravam principalmente na execução da música dançante daqueles anos - foxtrot, Charleston. Graças ao conjunto de Leningrado liderado pelo ator e cantor Leonid Utesov e pelo trompetista Ya. Skomorovsky, o jazz entrou em grandes espaços na URSS já na década de 30. A comédia "Jolly Fellows" com a participação de Utyosov, filmada em 1934 e contando a história de um jovem músico de jazz, teve trilha sonora correspondente de Isaac Dunaevsky. Utyosov e Skomorovsky criaram um estilo especial chamado thea-jazz (“teatro jazz”). Eddie Rosner, que se mudou da Europa para a União Soviética e se tornou um divulgador do swing - junto com os grupos moscovitas dos anos 30 e 40 - deu sua contribuição para o desenvolvimento do jazz na URSS. sob a liderança de Alexander Tsfasman e Alexander Varlamov.

As próprias autoridades da URSS tinham uma atitude bastante ambígua em relação ao jazz. Não houve proibição oficial da execução de canções de jazz e da distribuição de gravações de jazz, mas houve críticas a este estilo de música à luz da rejeição da ideologia ocidental em geral. Já na década de 40, o jazz teve que passar à clandestinidade devido à perseguição iniciada, mas já no início dos anos 60, com o advento do “degelo” de Khrushchev, os jazzistas voltaram ao mundo. No entanto, as críticas ao jazz não pararam mesmo então. Assim, as orquestras de Eddie Rosner e Oleg Lundstrem retomaram suas atividades. Surgiram também novas composições, entre as quais se destacaram as orquestras de Joseph Weinstein (Leningrado) e Vadim Lyudvikovsky (Moscou), bem como a Orquestra de Variedades de Riga (REO). Arranjadores talentosos e solistas-improvisadores também sobem ao palco: Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. O jazz de câmara e de clube está se desenvolvendo, cujos adeptos incluem Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril e Leonid Chizhik. A meca do jazz soviético e depois russo foi o clube Blue Bird, que existiu de 1964 a 2009 e treinou músicos como os irmãos Alexander e Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko e outros.

Na década de 2000, o jazz encontrou uma nova vida, e a rápida disseminação da Internet serviu como um tremendo impulso não apenas para gravações de sucesso comercial, mas também para artistas underground. Hoje qualquer um pode ir aos shows do experimentador maluco John Zorn e da “arejada” cantora de jazz-pop Katie Malua, um russo pode se orgulhar de Igor Butman e um cubano pode se orgulhar de Arturo Sandoval. Existem dezenas de estações de rádio transmitindo jazz em todas as suas formas. Sem dúvida, o século XXI colocou tudo em seu devido lugar e deu ao jazz o lugar onde deveria estar - em um pedestal, junto com outros estilos clássicos.