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Plano:

1. A posição geral da pintura no início do século XVII

2. Retrato de Frans Hals

3. Paisagens. Jan van Goyen

4. Natureza morta. Peter Claesz e Willem Heda

5. Pintura de gênero

1. A posição geral da pintura no início do século XVII

Privados de clientes poderosos como o pátio, a nobreza e a igreja, os pintores holandeses trabalhavam principalmente para venda - muitas vezes trocavam suas pinturas em feiras, e mercadores e proprietários de manufaturas, artesãos e camponeses ricos adquiriam suas obras.

As pinturas foram pintadas em um formato pequeno, levando em consideração os interiores de tamanho modesto das casas holandesas. A pintura de cavalete se tornou a arte favorita dos holandeses, pois era capaz de refletir a realidade com grande confiabilidade e de várias maneiras. Os holandeses queriam ver em suas pinturas aquilo com que estavam familiarizados - a natureza de seu país, o mar e os navios, seu modo de vida e seu lar, as coisas que os cercam. O desejo de conhecer o mundo se manifestou na pintura holandesa de formas tão diretas e com tanta consistência como em nenhum outro lugar da arte europeia dessa época. A amplitude da sua gama está ligada a isto: retrato e paisagem, natureza morta e género da vida quotidiana aqui desenvolvidos. Alguns deles (natureza morta, pintura do cotidiano) pela primeira vez tomaram forma na Holanda em suas formas maduras e alcançaram tal florescimento que se tornaram uma espécie de padrão do gênero.

Já nas duas primeiras décadas, revela-se claramente o rumo principal da procura dos principais mestres holandeses, opondo-se às tendências artísticas conservadoras - o desejo de uma reflexão verdadeira da realidade, da concretude da sua concretização. Não é por acaso que os pintores da Holanda foram atraídos pela arte de Caravaggio. O trabalho dos chamados caravaggistas de Utrecht - G. Honthorst, H. Terbruggen, D. Van Baburen - influenciou a cultura artística holandesa.

2. Retrato de Frans Hals

Os anos 20 foram os momentos decisivos na evolução da pintura holandesa: venceram as novas tendências democráticas e realistas; o círculo principal de motivos da pintura holandesa é determinado, o processo de diferenciação dos gêneros é concluído, seus princípios e especificidade são aprovados. O papel decisivo na formação da arte nacional em um estágio inicial no desenvolvimento da escola de arte holandesa foi desempenhado pela obra de Frans Hals (por volta de 1580-1666), seu primeiro grande mestre.

Hals era quase exclusivamente um pintor de retratos, mas sua arte significou muito não só para o retrato holandês, mas também para a formação de outros gêneros. Na obra de Hals distinguem-se três tipos de composições de retratos: um retrato de grupo, um retrato individual feito à medida e um tipo especial de imagens de retratos, de natureza semelhante à pintura de género, cultivada por ele principalmente nos anos 20-30.

Retratos coletivos de guildas de rifle - associações burguesas para a defesa e proteção das cidades - pertencem às criações centrais de Hals no final dos anos 10 - início dos anos 30 e às obras mais significativas da pintura holandesa do estágio inicial de seu desenvolvimento, quando os ideais da era revolucionária ainda estavam vivos. O retrato do grupo foi capaz de expressar o sentimento de liberdade e igualdade, camaradagem e solidariedade civil, que é caro aos representantes da jovem república. Tão orgulhosos de sua independência, gente alegre e ativa da cidade, em quem a lembrança da luta conjunta ainda está viva, e que aparecem nos retratos de oficiais da companhia de fuzileiros de St. Adriano (1627 e 1633) e São George (1627) (Museu Frans Hals em Haarlem)

Hals atinge uma incrível naturalidade da composição - parece não intencional, acidental, mas por trás disso está um cálculo artístico sutil. A tela do enredo - um encontro ou festa de membros da guilda que cumpriram um mandato de três anos - transforma o retratado em participantes da cena, em seus personagens. Não há restrição nem pose deliberada nos personagens de Hals; parece que é aqui, nesta sociedade familiar e familiar, que eles mostram completa e com toda a franqueza seu temperamento e caráter. Os retratos de Hals dão origem a um sentimento de ligação mútua entre pessoas que apreciam e conhecem a sua força.

Uma escrita arrebatadora, ousada, suculenta e uma gama colorida dominada por cores intensas - azul, azul, amarelo dourado, vermelho - realçam o tom otimista e afirmativo dos retratos, e os tamanhos grandes das composições conferem-lhes um caráter monumental.

Hals supera brilhantemente as dificuldades do retrato de grupo. O início do gênero, contribuindo para a impressão da vitalidade da imagem, não priva a composição de seu caráter representativo. Hals recria com maestria a individualidade dos personagens - cada um é servido com um temperamento, close-up e, ao mesmo tempo, a unidade artística é preservada aqui.

A obra de Hals, formada na atmosfera dos anos pós-revolucionários, tornou-se uma das mais brilhantes expressões do espírito democrático da cultura burguesa holandesa durante sua formação.

As peculiaridades da arte dos primeiros Hals - a natureza da percepção do modelo e os métodos específicos de caracterização do retrato - são mais claramente reveladas nos chamados retratos de gênero. Normalmente Hals retratava a modelo de tal forma que o espectador ficava cara a cara com ela, em comunicação próxima e direta. Seus personagens são sustentados de maneira natural e livre no retrato, sua postura, seus gestos parecem instáveis ​​e a expressão em seus rostos está prestes a mudar; A característica mais notável da maneira criativa de Hals é a capacidade de transmitir o caráter por meio de expressões faciais e gestos individuais, como se fosse pego na mosca ("The Merry Drinking Companion", Amsterdam, Rijksmuseum; "Mulatto", Leipzig; "Smiling Officer", Londres, coleção Wallace). O artista amava os estados emocionais, cheios de dinâmica, que continham para ele e, por assim dizer, um coágulo de tudo o mais característico, individualmente expressivo no modelo e no sentimento de vida capturado. Mas nesse instante, que Hals captou, o mais essencial, o cerne da imagem, é sempre capturado (Gypsy, 1628-1630, Paris, Louvre; Malle Babe, início dos anos 30, Berlin-Dahlem, Galeria de Arte).

Hals sabe perfeitamente como conectar a pessoa retratada a um determinado ambiente e situação. Assim, ao olhar para o retrato de Malle Babe, o espectador tem a impressão de ver o interior de uma taberna repleta de visitantes barulhentos e pouco cerimoniosos, ouve gargalhadas roucas e palavras grosseiras de uma velha ligeiramente embriagada dirigida a seus frequentadores. Os retratos dos primeiros Hals assumem as características de uma pintura de gênero.

Os personagens de Hals são estranhos à concentração interna e à auto-absorção - eles são mostrados em reações ao ambiente, em interação com ele. Também não fechado, dinâmico em Hals e na própria forma pictórica: para ele, as propagações das figuras no espaço da tela são típicas; linha de silhueta dinâmica; volumes, não isolados do fundo, mas fundindo-se com ele de forma fácil e natural, enfim - uma pincelada livre que não esconde os movimentos da mão do artista.

A especificidade do estilo do retrato de Hals consiste, por um lado, em uma individualidade extremamente agudamente apreendida, por outro, na vitalidade ativa da imagem e no sentimento de imediatez de sua percepção, gerado pela maneira improvisada de escrever. .

Hals foi o primeiro mestre da pintura de esboço livre na arte europeia. O movimento do pincel dá-lhe desenho e cor ao mesmo tempo, recria a forma, o volume e a natureza da superfície. As pinceladas se atropelam, se chocam, divergem em direções diferentes, depois cobrem a tela de maneira densa, depois deixam a pintura de base brilhar. Colocados de forma rápida e magistral, eles recriam expressões faciais e movimentos, transformam-se em várias formas plásticas capturadas e reproduzidas com precisão. Cada forma em Hals recebe mobilidade, e a imagem como um todo recebe dinâmica interna e agudeza emocional.

O próprio estilo de pintura recebeu um significado especial. A acentuação de algum detalhe ou o "eufemismo" de outro, a natureza da pincelada e o colorido da superfície ajudaram a criar uma imagem artística expressiva a partir de um modelo por vezes banal. Tais são os retratos de Claes Van Forhout, tacanho, simplório, um pouco ridículo e absurdo em sua pretensão de parecer imponente e significativo (c. 1635, Nova York, Museu Metropolitano), Nicholas van der Meer (1631, Haarlem , museu) e Peter van den Brooke (1633, Londres, Kenwood House) - naturezas de simples, franco e ligeiramente rude, mas ativo e claro em espírito, ou um retrato de Jasper Schade, vaidoso, arrogante, narcisista (c. 1645, Praga, Galeria Nacional). A galeria de retratos de Hals das décadas de 1920 e 1940 é diversa, mas ao mesmo tempo internamente unida: é, por assim dizer, uma espécie de imagem coletiva de um holandês daquela época. Ele pode ser hipócrita, autoconfiante e tacanho, mas é quase invariavelmente caracterizado pela energia, um forte domínio da vida, coragem e amor pela vida. Hals transmite essas qualidades da natureza com tal riqueza e admiração que todas as características pouco atraentes no caráter de seus modelos parecem desaparecer em segundo plano.

Porém, nas imagens de Hals do final dos anos 30 e 40, surgem a reflexão e a tristeza, antes completamente alheias aos seus personagens (um retrato de Willem Heitheissen do Museu de Bruxelas), e às vezes uma ligeira ironia escorrega no atitude do artista em relação a eles. A arte de Hals vai deixando aos poucos a jubilosa aceitação da vida e do homem, que foi o leitmotiv de sua obra nos anos anteriores. A década de 40 foi uma virada na pintura de Hals. O período tardio da obra do artista constituiu uma página especial em sua arte e na arte do retrato holandês.

Nos retratos de Hals, pintados nos anos 50 e 60, uma profunda habilidade de caracterização é combinada com um novo significado interior. O desconhecido retratado em uma pintura do lendário Hermitage (anos 50) ainda sente sua força, suas capacidades, mas não tem mais alegria nem fé. Apesar do giro impressionante da figura, ao olhar zombeteiro e ligeiramente desdenhoso, apesar da dinâmica da forma pictórica, o cansaço e o cepticismo são claramente visíveis em toda a aparência. Na imagem do homem no retrato da Galeria Kassel (1660-1666), não vemos a usual autoafirmação e bravata, mas tristeza e apatia, como se sua energia interior tivesse secado e ele passivamente seguido o fluxo de vida.

Barroco "hambúrguer" na pintura holandesaXvii v. - a imagem da vida cotidiana (P. de Hoch, Vermeer). "Luxuosa" naturezas mortas de Kalf. Retrato de grupo e suas características por Hals e Rembrandt. Interpretação de assuntos mitológicos e bíblicos por Rembrandt.

Arte holandesa do século 17

No século XVII. A Holanda se tornou um país capitalista exemplar. Ela conduzia um extenso comércio colonial, tinha uma marinha poderosa e a construção naval era uma das principais indústrias. O protestantismo (o calvinismo como sua forma mais severa), que suplantou completamente a influência da Igreja Católica, levou ao fato de que o clero na Holanda não teve tanta influência na arte como em Flandres, e ainda mais na Espanha ou Itália. Na Holanda, a igreja não desempenhava o papel de cliente das obras de arte: os templos não eram decorados com imagens de altar, pois o calvinismo rejeitava qualquer sugestão de luxo; As igrejas protestantes eram de arquitetura simples e não eram decoradas de forma alguma por dentro.

A principal conquista da arte holandesa no século XVIII. - na pintura de cavalete. O homem e a natureza foram objetos de observação e representação de artistas holandeses. A pintura doméstica está se tornando um dos gêneros mais importantes, cujos criadores na história receberam o nome de "Pequenos Holandeses". A pintura sobre temas bíblicos e evangélicos é apresentada da mesma forma, mas não na mesma medida que em outros países. A Holanda nunca teve laços com a Itália e a arte clássica não desempenhou o mesmo papel que na Flandres.

O domínio das tendências realistas, o acréscimo de uma determinada gama de tópicos, a diferenciação dos géneros como um processo único, completam-se na década de 20 do século XVII. A história da pintura holandesa do século XVII. demonstra perfeitamente a evolução da obra de um dos maiores retratistas da Holanda, Frans Hals (cerca de 1580-1666). Nos anos 10 e 30, Huls trabalhou extensivamente no gênero retrato de grupo. Das telas desses anos, pessoas alegres, enérgicas, empreendedoras olham, confiantes em suas forças e no futuro ("The Shooting Guild of St. Adrian", 1627 e 1633;

Shooting Guild of St. George ", 1627).

Os pesquisadores às vezes chamam de retratos individuais do gênero Huls devido à especificidade particular da imagem. A maneira esboçada de Huls, sua escrita ousada, quando uma pincelada esculpe a forma e o volume e transmite cor.

Nos retratos de Hals do período tardio (50-60), a destreza despreocupada, a energia e a pressão nos personagens das pessoas retratadas desaparecem. Mas foi precisamente no período posterior de criatividade que Hals atingiu o auge da habilidade e criou as obras mais profundas. A cor de suas pinturas torna-se quase monocromática. Dois anos antes de sua morte, em 1664, Hals voltou novamente ao retrato do grupo. Pinta dois retratos - do regente e do regente do asilo de idosos, num dos quais ele próprio encontrou abrigo no fim da vida. No retrato dos regentes não há camaradagem das composições anteriores, as modelos estão desunidas, impotentes, têm olhares turvos, a devastação está estampada em seus rostos.

A arte de Khalsa foi de grande importância para a época, pois influenciou o desenvolvimento não só do retrato, mas também do gênero do gênero, da paisagem, da natureza morta.

O gênero paisagístico da Holanda do século 17 é especialmente interessante. retrata a Holanda por Jan van Goyen (1596-1656) e Salomon van Ruisdael (1600 / 1603-1670).

O florescimento da pintura de paisagem na escola holandesa remonta a meados do século XVII. O maior mestre da paisagem realista foi Jacob van Ruisdael (1628 / 29-1682). Suas obras são geralmente repletas de drama profundo, seja ele retratando matagais ("Pântano da Floresta"),

paisagens com cachoeiras ("Cachoeira") ou uma paisagem romântica com cemitério ("cemitério judeu").

A natureza de Ruisdael aparece em dinâmica, em eterna renovação.

O gênero animalesco está intimamente relacionado à paisagem holandesa. O motivo favorito de Albert Cape são vacas em um bebedouro ("Pôr do sol no rio", "Vacas na margem de um riacho").

A natureza morta alcança um desenvolvimento brilhante. A natureza morta holandesa é, em contraste com a flamenga, pinturas de natureza íntima, modestas em tamanho e motivos. Peter Claesz (cerca de 1597-1661), Bill Head (1594-1680 / 82) costumava descrever os chamados cafés da manhã: pratos com presunto ou torta em uma mesa servida de maneira relativamente modesta. Os "cafés da manhã" de Kheda são substituídos pelas suntuosas "sobremesas" de Kalf. Utensílios simples estão sendo substituídos por mesas de mármore, toalhas de mesa, xícaras de prata, vasos feitos de conchas de madrepérola e copos de cristal. Calf atinge um virtuosismo incrível ao transmitir a textura de pêssegos, uvas, superfícies de cristal.

Na década de 20-30 do século XVII. os holandeses criaram um tipo especial de pintura de pequenas figuras. 40-60 - o florescimento da pintura, glorificando a vida tranquila burguesa da Holanda, mediu a existência cotidiana.

Adrian van Ostade (1610-1685) descreve inicialmente os lados sombrios da vida do campesinato ("A Luta").

A partir dos anos 40, na sua obra as notas satíricas são cada vez mais substituídas por outras humorísticas ("Numa taberna de aldeia", 1660).

Às vezes, essas pequenas imagens são coloridas com um grande sentimento lírico. À direita, a obra-prima da pintura de Ostade é considerada seu "Pintor no Estúdio" (1663), no qual o artista glorifica o trabalho criativo.

Mas o tema principal dos "pequenos holandeses" ainda não é um camponês, mas um modo de vida burguês. Normalmente, essas são imagens sem nenhum enredo fascinante. O contador de histórias mais divertido neste tipo de pintura foi Jan Stan (1626-1679) (Foliões, O Jogo do Truque-Caminhão). Gerard Terborch (1617-1681) alcançou uma habilidade ainda maior nisso.

O interior assume uma poesia especial entre os "pequenos holandeses". O verdadeiro cantor deste tema foi Peter de Hooch (1629-1689). Seus quartos, com uma janela entreaberta, com sapatos inadvertidamente atirados ou uma vassoura abandonada, muitas vezes são retratados sem uma figura humana.

Uma nova etapa da pintura de gênero começa nos anos 50 e está associada à chamada escola de Delft, com nomes de artistas como Karel Fabricius, Emmanuel de Witte e Jan Wermer, conhecido na história da arte como Wermeer Delft (1632-1675) . As pinturas de Vermeer não parecem ser de forma alguma originais. Estas são as mesmas imagens da vida de um burguês congelado: lendo uma carta, um cavalheiro e uma senhora conversando, empregados ocupados em famílias simples, vistas de Amsterdã ou Delft. Estas pinturas, simples em ação: "Uma menina lendo uma carta",

"O cavaleiro e a senhora da espineta",

"O oficial e a menina risonha", etc., são cheios de clareza espiritual, silêncio e paz.

Os principais méritos da artista Vermeer estão na transmissão de luz e ar. A dissolução de objetos em um ambiente de ar leve, a capacidade de criar essa ilusão, em primeiro lugar, determinou o reconhecimento e a glória de Vermeer precisamente no século XIX.

Wermeer fez o que ninguém fez no século 17: pintou paisagens da natureza ("The Little Street", "View of Delft").

Eles podem ser chamados de primeiros exemplos de pintura ao ar livre.

O auge do realismo holandês, resultado das conquistas pictóricas da cultura holandesa no século 17, é a obra de Rembrandt. Harmenszoon van Rijn Rembrandt (1606-1669) nasceu em Leiden. Em 1632, Rembrandt partiu para Amsterdã, centro da cultura artística holandesa, que naturalmente atraiu o jovem artista. Década de 30 - a época da maior glória, cujo caminho foi aberto ao pintor por uma grande pintura encomendada em 1632 - um retrato de grupo, também conhecido como "A Anatomia do Doutor Tulp", ou "Aula de Anatomia".

Em 1634, Rembrandt se casou com uma garota de uma família rica - Saskia van Eilenborch. O período mais feliz de sua vida começa. Ele se torna um artista famoso e elegante.

Todo esse período é coberto de romance. O famoso "Autorretrato com Saskia de joelhos" (cerca de 1636) transmite a mais brilhante de todas as visões de mundo de Rembrandt desses anos. Toda a tela está permeada de franca alegria de viver, júbilo.

A linguagem barroca está mais próxima da expressão de bom humor. E Rembrandt durante este período é amplamente influenciado pelo barroco italiano.

Os personagens da pintura de 1635 "O Sacrifício de Abraão" aparecem em escoramentos complexos. A composição é extremamente dinâmica, construída de acordo com todas as regras do barroco.

Nos mesmos anos 30, Rembrandt, pela primeira vez, começou a se envolver seriamente com a arte gráfica, principalmente com gravura. As águas-fortes de Rembrandt são principalmente temas bíblicos e evangélicos, mas no desenho, como um verdadeiro artista holandês, ele frequentemente se refere ao gênero também. Na virada do primeiro período de criatividade do artista e sua maturidade criativa, uma de suas pinturas mais famosas aparece diante de nós, conhecida como "A Ronda Noturna" (1642) - um retrato em grupo da companhia de rifles do Capitão Banning Cock.

Ele expandiu o escopo do gênero, apresentando um quadro bastante histórico: após um sinal de alarme, o destacamento de Banning Kok inicia uma campanha. Alguns estão calmos, confiantes, outros estão entusiasmados com a expectativa do que está por vir, mas em tudo está a expressão de uma energia comum, entusiasmo patriótico e o triunfo do espírito cívico.

O retrato do grupo sob o pincel de Rembrandt tornou-se uma imagem heróica da época e da sociedade.

A pintura já estava tão escura que foi considerada uma representação de uma cena noturna, daí seu nome incorreto. A sombra da figura do capitão nas roupas leves do tenente prova que não é noite, mas dia.

Com a morte de Saskia no mesmo ano de 1642, Rembrandt naturalmente rompe com círculos patrícios que lhe são estranhos.

Os anos 40-50 são a época da maturidade criativa. Durante esse período, ele frequentemente recorre a trabalhos anteriores para refazê-los de uma nova maneira. Foi o caso, por exemplo, de "Danae", que pintou em 1636. Voltando-se para a pintura nos anos 1940, o artista intensificou seu estado emocional.

Ele reescreveu a peça central com a heroína e a empregada. Dando a Danae um novo gesto de mão levantada, ele a informou de grande emoção, uma expressão de alegria, esperança, apelo.

Nos anos 40 e 50, o artesanato de Rembrandt crescia continuamente. Ele escolhe para interpretação os aspectos mais líricos e poéticos da existência humana, aquele humano, que é eterno, todo humano: o amor maternal, a compaixão. O maior material é dado a ele pelas Sagradas Escrituras, e a partir delas - cenas da vida da Sagrada Família, Rembrandt retrata uma vida simples, pessoas comuns, como na pintura A Sagrada Família.

Os últimos 16 anos são os anos mais trágicos da vida de Rembrandt; ele está falido, não tem ordens. Mas esses anos estão repletos de uma atividade criativa incrivelmente poderosa, a partir da qual se criaram imagens pitorescas, excepcionais em termos de monumentalidade de personagens e espiritualidade, obras profundamente filosóficas. Mesmo as obras de pequeno porte de Rembrandt desses anos criam uma impressão de grandeza extraordinária e verdadeira monumentalidade. A cor adquire sonoridade e intensidade. Suas cores parecem emitir luz. Os retratos do falecido Rembrandt são muito diferentes dos retratos dos anos 30 e mesmo dos anos 40. São imagens extremamente simples (meio corpo ou geracionais) de pessoas que estão próximas do artista com sua estrutura interna. Rembrandt alcançou a maior sutileza de características em autorretratos, dos quais cerca de cem chegaram até nós. O último na história do retrato do grupo foi a imagem de Rembrandt dos anciãos da oficina de tecidos - os chamados "Syndics" (1662), onde Rembrandt criou vivos e ao mesmo tempo diferentes tipos humanos com poucos recursos, mas o mais importante , ele conseguiu transmitir um sentimento de união espiritual, compreensão mútua e interconexão de pessoas.

Nos anos de maturidade (principalmente nos anos 50), Rembrandt criou suas melhores gravuras. Como gravador, ele não conhece igual na arte mundial. Em todas elas, as imagens têm um profundo significado filosófico; falam sobre os mistérios do ser, sobre a tragédia da vida humana.

Ele desenha muito. Rembrandt deixou 2.000 desenhos. São esboços da natureza, esboços para pinturas e preparação para gravuras.

No último quartel do século XVII. começa o declínio da escola holandesa de pintura, a perda de sua identidade nacional e, a partir do início do século XVIII, começa o fim da grande era do realismo holandês.

Cultura holandesa do século 17

A vitória da revolução burguesa na Holanda do Norte levou à formação de um estado independente - a República das sete províncias unidas - Holanda (batizada com o nome da mais significativa dessas províncias); pela primeira vez em um dos países da Europa, um sistema burguês-republicano foi estabelecido. As forças motrizes da revolução foram os camponeses e as camadas mais pobres da população urbana, mas suas conquistas foram aproveitadas pela burguesia, que chegou ao poder.
A libertação do jugo do absolutismo espanhol e da Igreja Católica, a eliminação de uma série de restrições feudais abriram caminho para o rápido crescimento das forças produtivas da república, que, segundo Marx, "foi um país capitalista exemplar da Século XVII. "Os lucros não eram a indústria (embora aqui se desenvolvesse a produção têxtil e especialmente a construção naval), mas o comércio intermediário, que se expandiu graças à política colonial. À medida que as classes dominantes enriqueciam, a pobreza dos trabalhadores aumentava, os camponeses e artesãos eram arruinados e, em meados do século XVII, as contradições de classe se intensificaram.
No entanto, nas primeiras décadas após o estabelecimento da república, as tradições democráticas do período revolucionário estavam vivas. A amplitude do movimento de libertação nacional, o aumento da autoconsciência do povo, a alegria da libertação do jugo estrangeiro uniu as camadas mais diversas da população. As condições para o desenvolvimento das ciências e da arte se desenvolveram no país. Os pensadores progressistas da época, em particular o filósofo francês Descartes, encontraram refúgio aqui, e o sistema filosófico essencialmente materialista de Spinoza foi formado. As maiores realizações foram alcançadas por artistas da Holanda, pintores como Rembrandt, Ruisdael, Terborch, Hals, Hobbema, Honthorst e muitos outros mestres da pintura. Os artistas holandeses foram os primeiros na Europa a se libertarem da influência opressora dos círculos da corte e da Igreja Católica e criaram uma arte democrática e realista, refletindo diretamente a realidade social.

Pintura holandesa do século 17

Uma característica distintiva do desenvolvimento da arte holandesa foi uma predominância significativa entre todos os seus tipos de pintura. Quadros adornavam as casas não apenas de representantes da elite governante da sociedade, mas também de burgueses, artesãos e camponeses pobres; foram vendidos em leilões e feiras; às vezes, os artistas os usavam como meio de pagar contas. A profissão de artista não era rara, havia muitos pintores e eles competiam ferozmente entre si. Poucos deles sabiam se alimentar de pintura, muitos assumiram uma variedade de empregos: Stan era um estalajadeiro, Hobbema era um oficial de impostos, Jacob van Ruisdael era um médico.
O rápido desenvolvimento da pintura holandesa no século XVII foi explicado não só pela procura de pinturas por aqueles que queriam decorar suas casas com elas, mas também por vê-las como uma mercadoria, como um meio de lucro, uma fonte de especulação . Tendo se livrado do cliente direto - a Igreja Católica ou um influente senhor feudal-filantropo - o artista se viu inteiramente dependente das demandas do mercado. Os gostos da sociedade burguesa predeterminaram o caminho do desenvolvimento da arte holandesa, e os artistas que se opuseram a eles, defenderam sua independência em questões de criatividade, encontraram-se isolados, morreram prematuramente na pobreza e na solidão. Além disso, esses eram, via de regra, os mestres mais talentosos. Basta mencionar os nomes de Hals e Rembrandt.
O principal objeto da imagem para os artistas holandeses era a realidade circundante, que nunca antes se refletira tão plenamente nas obras de pintores de outras escolas nacionais. O apelo aos mais diversos aspectos da vida levou ao fortalecimento de tendências realistas na pintura, em que os protagonistas foram ocupados pelo gênero gênero e retrato, paisagem e natureza morta. Quanto mais verdadeiro, quanto mais profundamente os artistas refletiam o mundo real que se abria diante deles, mais significativas eram suas obras.
Cada gênero teve suas próprias ramificações. Então, por exemplo, entre os pintores de paisagem havia pintores de paisagens marinhas (representando o mar), pintores que preferiam as vistas de planícies ou matagais, havia mestres que se especializavam em paisagens de inverno e paisagens ao luar: entre os pintores de gênero, havia artistas representando camponeses, burgueses, cenas de festas e da vida doméstica, cenas de caça e mercados; havia mestres de interiores de igrejas e vários tipos de naturezas mortas - "cafés da manhã", "sobremesas", "lojas", etc. Afetados pelas limitações da pintura holandesa, que limitavam o número de tarefas a serem resolvidas por seus criadores. Mas, ao mesmo tempo, a concentração de cada um dos artistas em um gênero particular contribuiu para o refinamento da habilidade do pintor. Apenas o maior dos artistas holandeses trabalhou em uma variedade de gêneros.
A formação da pintura holandesa realista ocorreu na luta contra a tendência e o maneirismo italiano. Os representantes dessas tendências, cada um à sua maneira, mas puramente exteriormente, tomaram emprestadas as técnicas de artistas italianos, profundamente alheios às tradições da pintura nacional holandesa. No estágio inicial da formação da pintura holandesa, cobrindo os anos de 1609-1640, as tendências realistas se manifestaram mais vividamente no retrato e no gênero da vida cotidiana.

Paisagem holandesa

Os princípios da paisagem realista holandesa tomaram forma durante o primeiro terço do século XVII. Em vez dos cânones convencionais e da natureza idealizada e inventada nas pinturas dos mestres da tendência italiana, os criadores da paisagem realista voltaram-se para a representação da natureza real da Holanda com suas dunas e canais, casas e vilas. Não só captaram o carácter da zona com todos os sinais, criando motivos típicos da paisagem nacional, mas procuraram transmitir o ambiente da estação, húmido ar e espaço. Isso contribuiu para o desenvolvimento da pintura tonal, a subordinação de todos os componentes da pintura a um único tom.
Um dos maiores expoentes da paisagem realista holandesa foi Jan van Goyen (1596-1656). Ele trabalhou em Leiden e em Haia. Os motivos preferidos do artista Jan van Goyen em suas pequenas paisagens: vales e águas superficiais de grandes rios com cidades e vilas em suas margens em dias cinzentos e nublados. Jan van Goyen deixou muito espaço (cerca de dois terços da imagem) para o céu com nuvens rodopiantes saturadas de umidade. Tal é a pintura "Vista do Rio Vaal em Nijmegen" (1649, Moscou, Museu Estatal de Belas Artes em homenagem a A. Pushkin), sustentada em uma fina gama de cores marrom-cinza.
Um tipo especial de paisagem representando animais, pastagens com vacas, ovelhas foi criado por Paul Potter (1625-1654). Tendo estudado perfeitamente os hábitos dos animais, o artista frequentemente lhes dava closes, escrevendo cuidadosamente a textura de cada material, a lã macia e os menores detalhes. Tais são as pinturas "Touro" (1647, Haia, Mauritshuis), "Cachorro acorrentado" (São Petersburgo, Hermitage).

Natureza morta holandesa

Junto com a pintura de paisagem, a natureza morta, que se caracterizava por um caráter intimista, recebeu significativa distribuição na Holanda do século XVII. Os artistas holandeses escolheram uma grande variedade de objetos para suas naturezas mortas, souberam organizá-los perfeitamente, para revelar as características de cada objeto e sua vida interior, inextricavelmente ligada à vida humana.
Pintores holandeses do século 17, Peter Claesz (cerca de 1597-1661) e Willem Heda (1594-1680 / 1682) escreveram inúmeras variantes de "café da manhã", retratando presuntos, pãezinhos avermelhados, tortas de amora, taças de vidro frágeis meio cheias de vinho , com uma habilidade incrível de transmitir a cor, o volume, a textura de cada item. A presença recente de uma pessoa é palpável na desordem, na aleatoriedade do arranjo das coisas que acabaram de lhe servir. Mas essa desordem é apenas aparente, uma vez que a composição de cada natureza-morta é estritamente pensada e encontrada. Uma contida gama tonal verde oliva acinzentada e dourada une objetos e confere uma sonoridade especial àquelas cores puras que enfatizam o frescor de um limão recém-cortado ou a seda macia de uma fita azul.
Com o tempo, os "cafés da manhã" dos mestres das naturezas mortas, pintores Klas e Kheda, dão lugar às "sobremesas" dos artistas holandeses Abraham van Beyeren (1620 / 1621-1690) e Willem Kalf (1622-1693). As naturezas mortas de Beyeren são estritas na composição, emocionalmente ricas, coloridas. Willem Kalf ao longo de sua vida escreveu de forma livre e democrática “cozinhas” - potes, vegetais e naturezas mortas aristocráticas para a seleção de objetos preciosos requintados, cheios de nobreza contida, como vasos de prata, taças, conchas saturadas com queima interna de cores.
Em um desenvolvimento posterior, a natureza-morta segue os mesmos caminhos de toda a arte holandesa, que está perdendo sua democracia, sua espiritualidade e poesia, seu encanto. A natureza morta vira uma decoração para a residência de clientes de alto escalão. Apesar de toda a sua decoratividade e habilidade de execução, as naturezas mortas posteriores antecipam o declínio da pintura holandesa.
A degeneração social, a conhecida aristocratização da burguesia holandesa no último terço do século XVII dão origem a uma tendência de convergência com as visões estéticas da nobreza francesa, conduzem à idealização das imagens artísticas, ao seu esmagamento. A arte perde o contato com a tradição democrática, perde sua base realista e entra em um período de declínio prolongado. Extremamente exausto pelas guerras com a Inglaterra, a Holanda está perdendo sua posição de grande potência comercial e um importante centro artístico.

Arte francesa do século 17

Na arte francesa do século XVII, encontrava-se o reflexo mais completo da ideia do homem e do seu lugar na sociedade, gerada pela formação das monarquias centralizadas na Europa. País clássico do absolutismo, que garantiu o crescimento das relações burguesas, a França viveu um surto econômico e se tornou uma poderosa potência europeia. A luta pela unificação nacional contra a obstinação feudal e a anarquia contribuiu para o fortalecimento da alta disciplina da razão, um senso de responsabilidade pessoal por suas ações e o interesse pelos problemas do Estado. O filósofo Descartes desenvolveu uma teoria da vontade, proclamando o domínio da mente humana. Ele clama pelo autoconhecimento e pela conquista da natureza, vendo o mundo como um mecanismo racionalmente organizado. O racionalismo se tornou um traço característico da cultura francesa. Em meados do século 17, uma linguagem literária de abrangência nacional havia se desenvolvido - ela afirmava os princípios da clareza lógica, precisão e senso de proporção. A tragédia clássica francesa atingiu seu clímax nas obras de Corneille e Racine. Em seus dramas, Molière recria a "comédia humana". A França viveu um florescimento da cultura nacional, não é por acaso que Voltaire chamou o século 17 de "grande".
A cultura francesa do século 17 foi formada sob as condições do estabelecimento do absolutismo. No entanto, sua diversidade e inconsistência determinaram o amplo movimento pela unificação nacional. Encontrou respostas vivas para conflitos sociais agudos que acompanharam o nascimento de uma nova sociedade. Na primeira metade do século XVII, revoltas camponesas e urbanas e um grande movimento democrático da Fronda parlamentar abalaram as bases do Estado. Com base nisso, nasceram as utopias, os sonhos de uma sociedade ideal baseada nas leis da razão e da justiça e a crítica de pensamento livre ao absolutismo. O desenvolvimento da arte francesa no século XVII passou por duas etapas, coincidindo com a primeira e a segunda metade do século.

Arte da Europa Ocidental do século 18

O século XVIII na Europa Ocidental é o último estágio de uma longa transição do feudalismo ao capitalismo. Em meados do século, o processo de acumulação inicial do capital foi concluído, uma luta foi travada em todas as esferas da consciência social e uma situação revolucionária foi amadurecendo. Mais tarde, isso levou ao domínio das formas clássicas de capitalismo desenvolvido. Ao longo do século, ocorreu um colapso gigantesco de todos os fundamentos, conceitos e critérios sociais e estatais para avaliar a velha sociedade. Surgiu uma sociedade civilizada, surgiram periódicos, formaram-se partidos políticos, travou-se uma luta pela emancipação do homem dos grilhões de uma visão de mundo feudal-religiosa.
Nas artes visuais, a importância de uma representação diretamente realista da vida estava crescendo. A esfera da arte se expandiu, tornou-se um expoente ativo das idéias de libertação, se encheu de atualidade, de um espírito de luta, expôs os vícios e os absurdos não só do feudal, mas também da emergente sociedade burguesa. Também propôs um novo ideal positivo da personalidade desenfreada de uma pessoa, livre de representações hierárquicas, desenvolvendo habilidades individuais e ao mesmo tempo dotada de um nobre senso de cidadania. A arte tornou-se nacional, apelando não apenas para um círculo de conhecedores sofisticados, mas também para um amplo ambiente democrático.

As principais tendências no desenvolvimento social e ideológico da Europa Ocidental no século 18 em diferentes países se manifestaram de forma desigual. Se na Inglaterra a revolução industrial, ocorrida em meados do século XVIII, consolidou o compromisso entre a burguesia e a nobreza, na França o movimento antifeudal era mais difundido e preparava uma revolução burguesa. Comum a todos os países foi a crise do feudalismo, sua ideologia, a formação de um amplo movimento social - o Iluminismo, com seu culto à Natureza e Razão primárias intocadas, protegendo-o, com sua crítica à civilização moderna corrompida e o sonho da harmonia de natureza benevolente e uma nova civilização democrática gravitando em direção à condição natural.
O século XVIII é o século da Razão, o ceticismo e a ironia que tudo destrói, o século dos filósofos, sociólogos, economistas; as ciências naturais exatas, geografia, arqueologia, história e filosofia materialista, conectadas com a tecnologia, desenvolveram-se. Ao invadir a vida mental cotidiana da época, o conhecimento científico também criou a base para a arte de observação e análise precisa da realidade. Os iluministas proclamaram o objetivo da arte de imitar a natureza, mas a natureza é ordenada, melhorada (Diderot, A. Pop), limpa em razão dos efeitos nocivos da civilização feita pelo homem criada pelo regime absolutista, a desigualdade social, a ociosidade e o luxo. O racionalismo do pensamento filosófico e estético do século XVIII, porém, não suprimiu o frescor e a sinceridade dos sentimentos, mas deu origem a uma aspiração por proporcionalidade, graça, completude harmoniosa dos fenômenos artísticos da arte, começando pelos conjuntos arquitetônicos e terminando com arte aplicada. Os iluministas atribuíram grande importância na vida e na arte ao sentimento - o foco das aspirações mais nobres da humanidade, um sentimento que tem sede de ação proposital, contendo o poder que revoluciona a vida, um sentimento que pode reviver as virtudes primordiais de um "homem natural" (Defoe, Rousseau, Mercier), seguindo as leis naturais da natureza.
O aforismo de Rousseau "Um homem é grande apenas por seus sentimentos" expressa um dos aspectos marcantes da vida pública do século 18, que deu origem a uma análise psicológica refinada em profundidade em um retrato e gênero realistas, a paisagem lírica (Gainsborough, Watteau, Berne, Robert) foi imbuído de poesia de sentimentos "romance lírico", "poemas em prosa" (Russo, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson), atinge sua expressão máxima no surgimento da música (Handel, Bach , Gluck, Haydn, Mozart, compositores de ópera italianos). Por um lado, os “pequenos” tornaram-se os heróis das obras da pintura, da gráfica, da literatura e do teatro do século XVIII - pessoas, como toda a gente, colocadas nas condições habituais da época, não estragadas por riquezas e privilégios, sujeito aos movimentos naturais normais da alma, contente com modesta felicidade. Artistas e escritores neles admiravam a sinceridade, a espontaneidade ingênua da alma, perto da natureza. Por outro lado, o foco está no ideal de um intelectual civilizado emancipado nascido de uma cultura educacional, uma análise de sua psicologia individual, estados mentais contraditórios e sentimentos com suas nuances sutis, impulsos inesperados e estados de espírito reflexivo.
Observação nítida e cultura refinada de pensamento e sentimento são características de todos os gêneros de arte do século XVIII. Os artistas se esforçaram para capturar situações da vida cotidiana, diversas em tons, imagens individuais originais, gravitaram em torno de narrativas divertidas e espetáculos encantadores, ações de conflito agudas, intrigas dramáticas e fábulas construídas comédia, grotesco refinado, bufonaria, festividades graciosas.
Novos problemas também surgiram na arquitetura. A importância da construção da igreja diminuiu e o papel da arquitetura civil cresceu, primorosamente simples, atualizado, livre de imposições excessivas. Em alguns países (França, Rússia, em parte Alemanha), os problemas de planejamento de cidades do futuro foram resolvidos. Nasceram utopias arquitetônicas (paisagens arquitetônicas gráficas de Giovanni Battista Piranesi e a chamada "arquitetura de papel"). O tipo de casa de habitação privada, geralmente íntima, e conjuntos urbanos de edifícios públicos tornaram-se característicos. Ao mesmo tempo, na arte do século XVIII, em comparação com épocas anteriores, a percepção sintética e a plenitude da cobertura da vida diminuíram. A ligação anterior da pintura e escultura monumental com a arquitetura foi quebrada, as características da pintura de cavalete e decoratividade aumentaram nelas. A arte da vida cotidiana e as formas decorativas tornaram-se objeto de um culto especial. Ao mesmo tempo, a interação e o enriquecimento mútuo de vários tipos de arte aumentaram, as conquistas adquiridas por um tipo de arte foram usadas com mais liberdade por outros. Assim, a influência do teatro na pintura e na música foi muito fecunda.
A arte do século 18 passou por duas etapas. O primeiro durou até 1740-1760. É caracterizada pela transformação de formas do barroco tardio em estilo decorativo rococó. A peculiaridade da arte da primeira metade do século 18 é uma combinação de ceticismo e sofisticação espirituosos e zombeteiros. Esta arte, por um lado, é refinada, analisando as nuances de sentimentos e humores, buscando a intimidade graciosa, lirismo contido, por outro lado, tendendo à "filosofia do prazer", às imagens fabulosas do Oriente - árabes , Chineses, persas. Simultaneamente com o Rococó, a direção realista se desenvolveu - entre alguns mestres adquiriu um caráter agudamente incriminador (Hogarth, Swift). A luta das tendências artísticas nas escolas nacionais foi manifestada abertamente. A segunda fase está associada ao aprofundamento das contradições ideológicas, ao crescimento da autoconsciência, à atividade política da burguesia e das massas. Na virada das décadas de 1760 para 1770. A Real Academia da França se opôs à arte rococó e tentou reviver o estilo cerimonial e idealizador da arte acadêmica do final do século XVII. Os gêneros galantes e mitológicos deram lugar ao histórico, com tramas emprestadas da história romana. Eles foram chamados a enfatizar a grandeza da monarquia que havia perdido sua autoridade de acordo com a interpretação reacionária das idéias do "absolutismo esclarecido". Representantes do pensamento progressista voltaram-se para a herança da antiguidade. Na França, o Conde de Keyluz inaugurou a era científica da pesquisa nesta área (Coleção de Antiguidades, 7 volumes, 1752-1767). Em meados do século 18, o arqueólogo e historiador da arte alemão Winckelmann (História da Arte da Antiguidade, 1764) exortou os artistas a retornar "à nobre simplicidade e à grandeza tranquila da arte antiga, refletindo a liberdade dos gregos e romanos da era republicana . " O filósofo francês Diderot encontrou na história antiga tramas denunciando os tiranos, convocando uma revolta contra eles. Surgiu o classicismo, opondo a decoratividade do Rococó à simplicidade natural, à arbitrariedade subjetiva das paixões - o conhecimento das leis do mundo real, o senso de proporção, a nobreza do pensamento e das ações. Pela primeira vez, os artistas estudaram a arte grega antiga em locais recém-descobertos. A proclamação de uma sociedade ideal e harmoniosa, o primado do dever sobre o sentimento, o pathos da razão são traços comuns do classicismo dos séculos XVII e XVIII. No entanto, o classicismo do século XVII, que surgiu com base na unificação nacional, desenvolveu-se nas condições do florescimento da sociedade nobre. O classicismo do século 18 foi caracterizado por uma orientação revolucionária anti-feudal. Ele foi chamado para unir as forças progressistas da nação para combater o absolutismo. Fora da França, o classicismo não teve o caráter revolucionário que caracterizou nos primeiros anos da Revolução Francesa.
Simultaneamente ao classicismo, experimentando seu impacto, a tendência realista continuou viva. Tendências racionalistas foram delineadas nele: os artistas se esforçaram para generalizar os fenômenos da vida.
Na segunda metade do século XVIII nasceu o sentimentalismo com o culto do sentimento e da paixão, admiração por tudo que é simples, ingênuo e sincero. Uma direção pré-romântica na arte associada a ele também surgiu, um interesse pela Idade Média e formas de arte popular despertaram. Representantes desses movimentos afirmaram o valor dos sentimentos nobres e ativos de uma pessoa, revelaram o drama de seus conflitos com o meio ambiente, levando-o a intervir nos reais negócios públicos em nome do triunfo da justiça. Eles pavimentaram o caminho "para o conhecimento do coração humano e da arte mágica de apresentar aos olhos o nascimento, o desenvolvimento e o colapso de uma grande paixão" (Lessing) e expressaram a necessidade urgente de uma arte excitada e patética.

Arte do século 19

Ao longo do século 19, o capitalismo se tornou a formação dominante não apenas na Europa, mas também em outros continentes. Foi durante este período que a luta entre duas culturas se intensificou fortemente - a democrática progressista e a burguesa reacionária. Expressando as ideias avançadas da época, a arte realista do século 19 afirmava os valores estéticos da realidade, glorificava a beleza da natureza real e do homem do trabalho. O realismo do século XIX diferia dos séculos anteriores por refletir diretamente na arte as principais contradições da época, as condições sociais de vida das pessoas. As posições críticas formaram a base do método de arte realista do século XIX. Sua encarnação mais consistente foi a arte do realismo crítico - a contribuição mais valiosa para a cultura artística da época.
Várias áreas da cultura do século 19 desenvolveram-se de forma desigual. A literatura mundial (Victor Hugo, Honoré Balzac, Henri Stendhal, Fyodor Dostoevsky, Leo Tolstoy), a música (Johann Beethoven, Frederic Chopin, Richard Wagner) alcançam os picos mais altos. No que diz respeito à arquitetura e à arte aplicada, após a ascensão que determinou o estilo império, ambas as formas de arte estão em crise. Há uma desintegração de formas monumentais, unidade estilística como um sistema artístico integral, abrangendo todos os tipos de arte. As formas de cavalete mais desenvolvidas de pintura, grafismo e, em parte, escultura, tendendo nas melhores manifestações às formas monumentais.

Com a singularidade nacional na arte de qualquer país capitalista, as características comuns são reforçadas: uma avaliação crítica dos fenômenos da vida, o historicismo do pensamento, isto é, uma compreensão objetiva mais profunda das forças motrizes do desenvolvimento social de ambas as etapas históricas passadas e do presente. Uma das principais conquistas da arte do século 19 é o desenvolvimento de temas históricos, que pela primeira vez revela o papel não apenas de heróis individuais, mas também das massas e, mais especificamente, recria o ambiente histórico. Todos os tipos de retratos, gêneros de gênero e paisagens com um caráter nacional pronunciado estão se generalizando. Os gráficos satíricos estão florescendo.
Com a vitória do capitalismo, a grande burguesia se torna a principal força interessada em limitar e suprimir as tendências realistas e democráticas da arte. As criações das principais figuras da cultura europeia Constable, Goya, Gericault, Delacroix, Daumier, Courbet, Manet foram muitas vezes perseguidas. As exposições foram preenchidas com trabalhos requintados dos chamados artistas de salão, ou seja, que ocupavam um lugar dominante nos salões de arte. Para agradar os gostos e demandas dos clientes burgueses, eles cultivaram descrições superficiais, motivos eróticos e divertidos, o espírito da apologética das fundações burguesas e do militarismo.
Na década de 1860, Karl Marx observou que "a produção capitalista é hostil aos ramos bem conhecidos da produção espiritual, como a arte e a poesia". A arte interessa à burguesia principalmente como um investimento lucrativo (coleção) ou como um item de luxo. Claro, os colecionadores encontraram uma verdadeira compreensão da arte e seu propósito, mas essas foram muito poucas exceções à regra. De modo geral, atuando como criadora de tendências de gostos e principal consumidora de arte, a burguesia impôs aos artistas seu conhecimento limitado da arte. O desenvolvimento da produção em massa com sua impessoalidade, contando com o mercado acarretou na supressão da criatividade. A divisão do trabalho na produção capitalista cultiva o desenvolvimento unilateral do indivíduo e priva o próprio trabalho de integridade criativa. Falando da hostilidade do capitalismo à arte, Marx e Engels não significaram em geral a impossibilidade do progresso artístico nos séculos XIX e XX. Em seus escritos, os fundadores do comunismo científico elogiaram as conquistas, por exemplo, o realismo crítico do século XIX.
A linha de arte democrática, revelando o papel do povo como motor da história e afirmando os valores estéticos da cultura democrática da nação, passa por vários estágios de desenvolvimento. Na primeira fase, da Grande Revolução Francesa de 1789-1794 a 1815 (a época da luta de libertação nacional dos povos contra a agressão napoleônica), a essência exploradora da sociedade burguesa ainda não estava plenamente realizada. A arte democrática se forma na luta contra os resquícios da cultura artística nobre, bem como contra as manifestações das limitações da ideologia burguesa. As maiores conquistas da arte nessa época estavam associadas ao pathos revolucionário das massas, que acreditavam na vitória dos ideais de liberdade, igualdade e fraternidade. Este é o apogeu do classicismo revolucionário e o nascimento da arte romântica e realista.
A segunda etapa, de 1815 a 1849, ocorre na época do estabelecimento do sistema capitalista na maioria dos países europeus. Na arte democrática avançada deste estágio, é feita uma transição para uma crítica decisiva da essência exploradora da sociedade burguesa. Este é o período de maior florescimento do romantismo revolucionário e do acréscimo da arte do realismo crítico.
Com o agravamento das contradições de classe entre a burguesia e o proletariado, que atingiu seu clímax durante a Comuna de Paris (1871), o antagonismo entre a cultura burguesa reacionária e a cultura democrática se tornou ainda mais forte. No final do século XIX, a crítica à estrutura capitalista, tanto na literatura quanto nas obras de arte, foi feita a partir da crescente visão de mundo do proletariado revolucionário.

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O século XVII foi a "idade de ouro da pintura" na Europa. Escolas de arte significativas foram desenvolvidas na Itália, Holanda, Flandres, Espanha e França. Entre eles, a arte da Holanda ocupa um lugar especial. Sete províncias holandesas do norte, unidas em torno da maior delas, a Holanda, derrotaram os espanhóis. O destino histórico dessas terras foi determinado após a conclusão da União de Utrecht em 1579, que deu poder legislativo aos Estados Gerais, declarou tolerância religiosa e proporcionou condições políticas e econômicas especiais às ricas províncias da Holanda e da Zelândia. Isso lançou as bases para a futura república, que recebeu o status de estado em 1609 após a conclusão de um armistício com a Espanha.

As províncias unidas tornaram-se o primeiro estado burguês do mundo, o poder do stadtholder era nominal aqui, os representantes da Casa de Orange eram principalmente generais. Seu pátio em Haia não era particularmente esplêndido e não teve um impacto perceptível no desenvolvimento da cultura no país. A regra na Holanda são os burgueses - empreendedores, calculistas, práticos. Investiu capital no comércio e na construção naval, abriu caminho para países distantes da Ásia e da América e fundou colônias ali. “Este punhado de pessoas”, escreveu o chefe do Conselho Real da França, Cardeal Richelieu, “que possui um pedaço de terra constituído de águas e pastagens, fornece aos povos europeus a maioria dos bens de que precisam”.

O Calvinismo se tornou a religião dominante no país, a tendência mais radical do movimento de reforma dos séculos XVI-XVII. A Igreja Calvinista era "republicana" por natureza. Suas principais características eram a doutrina da predestinação absoluta, uma apologia ao empreendedorismo e sucesso profissional, a demanda por ascetismo mundano - frugalidade burguesa prudente. A tolerância relativa no período inicial da vida da república criou uma atmosfera favorável para a criatividade científica e filosófica. O país ficou famoso por seus cientistas naturais, nomeados advogados e historiadores renomados. O famoso filósofo René Descartes emigrou para cá da França, aqui as visões materialistas de Spinoza tomaram forma. A contribuição da Holanda para a literatura europeia foi mais modesta, não havia grandes arquitetos e escultores aqui. Os principais sucessos ficaram por conta dos pintores do pequeno país do norte. Ela criou uma vibrante escola de pintura nacional, que, com seu tema, forma pictórica, aspirações ideológicas, foi um capítulo especial na arte do século XVII e deixou uma marca indelével na cultura artística mundial.

A igreja holandesa expulsou um exuberante culto de seus templos, que não tinham imagens sagradas - as igrejas católicas eram poucas. As obras de arte destinavam-se principalmente a edifícios públicos seculares e residências privadas; seus temas, embora refletissem a moralidade protestante, eram de natureza secular. Pinturas bíblicas e antigas foram percebidas como históricas. A pintura de cavalete tornou-se a verdadeira vocação dos artistas holandeses. Havia muitos artistas. Eles raramente pintavam por encomenda; a maioria das pinturas era vendida nos mercados. "A feira de Rotterdam", escreveu o viajante inglês do século 17, "estava sobrecarregada de pinturas (especialmente paisagens e cenas de gênero) ... Todas as casas estão abarrotadas de pinturas, e os holandeses as vendem com grande lucro."

Na década de 20 do século XVII, a formação dos gêneros da pintura holandesa estava basicamente concluída. A especialização dos artistas por gênero é característica da Holanda. No início do século XVII, o gênero retratista tornou-se o mais popular da Holanda, o tema nacional foi amplamente difundido na paisagem holandesa, na década de 1630 o gênero camponês também ganhou corpo. Um dos gêneros mais característicos da pintura holandesa foi a natureza morta. Em meados do século XVII, o gênero da vida cotidiana assumiu a posição dominante na pintura holandesa.

A formação da arte holandesa deu-se em vários centros, que, competindo entre si, em momentos diferentes ou avançaram, depois recuaram. No início era o Harlem, dos anos trinta, depois que Rembrandt se mudou para lá, Amsterdã começou a adquirir sua posição de liderança , então seguiu a universidade de Leiden e a calma aristocrática Delft. Haia, onde ficava o pátio do stadtholder, ficava à parte.

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A principal religião é o protestantismo. Os holandeses começaram a criar um retrato da Holanda. Estes são retratos de seus vencedores da guerra, surgiram paisagens, naturezas mortas, gênero ou pinturas cotidianas. São pinturas com composição em preto e branco da época barroca. Pela primeira vez, a especialização dos artistas aparece aqui. Apenas os mestres da natureza-morta ou da paisagem apareceram. 12 tipos de paisagens: urbana, mar, duna, cachoeira, paisagem florestal. No início da arte holandesa, o retrato tornou-se o foco principal. Na primeira metade do século XVII, o maior pintor de retratos da Holanda é Frans Hals.

Criatividade de Frans Hals.

Nasceu em 1574 em Antvarpan. Então sua família mudou-se para Haarlem. Lá ele estudou com o artista Van Mander. Van Mander criou biografias dos principais artistas holandeses. Frans Hals conseguiu fazer uma revolução completa no retrato. Hals traz dinâmica aos retratos. “Banquete de oficiais da companhia de São Jorge” - o primeiro trabalho que lhe trouxe popularidade. Khals retrata oficiais durante uma festa, cada oficial é retratado por sua vez. Uma diagonal ativa é obtida na imagem. Tudo se baseia no princípio da assimetria. É ativo em cores.

Hals pinta seus retratos muito rapidamente usando uma pincelada dinâmica aberta. "Tsiganka"... O nome é muito arbitrário. " Mali Babe "- um golpe aberto, fortemente lançado. Neste momento, em quase todas as obras de Hals, todos os seus personagens sorriem. "Cavalier Sorridente".

As dinâmicas do retrato são especialmente ativas. William Van Gate Heisen... Nem uma única foto de Khalsa sobreviveu. Provavelmente ele pintou seus retratos sem desenhar e pintou muito rapidamente.

Hals pintou Van Dyck em duas horas. Van Dijk o convidou para ir com ele para a Inglaterra.

Boon companheiro. Escrito da mesma maneira rápida e dinâmica com que Hals adorava escrever.

Hals também pintou retratos sérios: "Retrato de Peter Van Den Brocke", o retrato é encomendado, portanto Hals pinta em detalhes, um retrato muito contido e lacônico René Descartes. Retrato de família, a paisagem foi pintada para ele por Peter Molyne. Retrato feminino - retrato muito expressivo de Hals. Retrato Isaac Mas e sua esposa - um retrato de seu amigo.

Aos 30 anos, ele pintou um quadro retrato dos diretores da companhia de São Adriano. Cada figura tem seu próprio turno e movimento. Na década de 40, a pintura de Khalsa mudou drasticamente. Nessa época, o retrato de Van Dyck entrou em voga. Retratos dos anos 40-50 - retratos com predominância do preto. Deles retrato do regente da casa de repouso. Existem 27 tons de preto neste retrato. Uma das últimas obras de Hals - Regentes da casa de repouso. Surge a imagem da velhice. A decadência da carne transmite no retrato. Ele pinta um retrato de uma maneira completamente diferente. Regentes do Hospital St. Elizabeth. No retrato, você pode ver claramente a seleção de figuras com um triângulo, cada face é claramente visível. Durante sua vida, Hals criou mais de 200 pinturas. Há um museu dele em Haarlem. Quase todas as obras são coletadas lá.

A obra de Rembrandt Van Rijn.

Este é um dos grandes artistas do século XVII. Nasceu em 1606 no seio da família de um moleiro na cidade de Leiden. O menino era inicialmente muito talentoso. Rembrandt estuda por um tempo na universidade. Ele tinha 14 anos quando sentiu sua vocação para a pintura e deixou a universidade. Ele aluga um celeiro às margens do rio e cria sua própria escola aos 16 anos. Artistas como Dow estão estudando em sua escola. As primeiras obras que escreveram - Expulsão dos mercadores do templo. Em suas primeiras obras, ele fala sobre o pertencimento ao Barroco. A obra tem composição diagonal, composição de luz e sombra. Seu autorretrato foi pintado em Leiden. Trabalho incomum com textura. Nesse momento, o ministro da Holanda chega e compra várias obras de Rembrandt. Rembrandt sai de Leidan e vai para Amsterdã, onde entra no estúdio do artista Lastman. Uma luz irreal aparece nas obras. Isso é especialmente perceptível na imagem. Descrença de Thomas . Em Amsterdã, ele recebe sua primeira encomenda para um retrato de grupo – Anatomia do Dr. Tulip . Aqui ele pintou um quadro Sacrifício de Abraão. Profeta Jeremias sobre as ruínas de Jerusalém. Na pintura, a cabeça do santo emite luz. Seu sucesso na pintura o levou a se casar com Saski Van Elenburg. Rembrandt compra um palácio em Amsterdã. Auto-retrato com Sasuke ajoelhado. Saski com uma flor. Naquele ano, quando Sasuke está doente, Rembrandt recebe uma encomenda de um retrato de grupo da companhia do Capitão Kok - A noite Vigia. Retrata a saída dos atiradores para os exercícios. A pintura é uma obra-prima de Rembrandt dos anos 40. A imagem é baseada na subordinação. Um longo julgamento começou sobre as dívidas de Rembrandt. O adeus de Davi a Jônatas escrito em um ano desde Vigília noturna. A pintura foi adquirida por Peter I e tornou-se uma das primeiras pinturas de l'Hermitage.

Danae.

A empregada de Hendrike tornou-se a assistente de confiança de Rembrandt. Ela se tornará a segunda esposa de Rembrandt. Na foto Sagrada família com anjos, nesta imagem existem duas diagonais de luz, a imagem é permeada de luz quente. Gendrike aparece em um retrato - Hendrike na janela, Mulher dando banho, Versavia, na história da imagem encontra-se a história de David e Versavia.

David e Urias - a luz desempenha um papel importante na imagem.

Retrato de Jan Sixx. Toda a atenção está voltada para o rosto.

Conspiração de Claudius Civilis. Esta é a única pintura da história dos holandeses de Rembrandt .

Retrato de um velho de vermelho. Biografia do retrato. Um retrato no tempo.

Retrato de um velho judeu. Nesse retrato, apenas o principal é destacado: o rosto e as mãos.

Retrato de uma senhora idosa. Neste retrato, as transições mais sutis da luz para a sombra.

Portet lendo Tito.

Retrato do poeta Decker.

Asur, Aman, Isfir. Obra principal das últimas pinturas de Rembrandt. A imagem é baseada em uma solução de iluminação muito complexa.

Rembrandt escreve uma repetição desta imagem Haman pedindo perdão a Isfir.

Rembrandt recebe comissão por um retrato de grupo - Syndics.

Noiva judia. O tema do amor é o principal nesta foto. Esta é uma das pinturas favoritas de Van Gogh e Soutine.

Portre da família. Retrato de grupo. Um retrato imaginário de sua família.

Dois autorretratos.

Em 66-68, Rembrandt pinta um quadro Retorno do filho pródigo que conclui seu trabalho.

Seimon no templo. Sua última foto.

Rembrandt morre em 1669. Ele teve muitos alunos: Gerard Dow, Fabricius, Gelder, um dos últimos alunos de Rembrandt. A sua escola existiu até ao final do século XVII.

Tópicos para deslocamento:

Avivamento alemão.

Barroco italiano. Arquitetura barroca. Lorenzo Bernini, Francesco Boromini e Carlo Moderno. Escultura de Bernini. Dois pintores Caravaggio e Anibali Karachi. Rubens. Van Dyck. Jordaens. Snyders. Browver.

Paisagem holandesa do século XVII.

Jan Fan Goyen.

É caracterizada por paisagens fluviais.

Moinho de vento à beira do rio - paisagem holandesa característica.

Paisagem do rio.

Quase sempre em suas obras, a luz do céu se reflete no solo.

Salomon Reizdal

Ele pintou paisagens no início da manhã.

Paisagem com um carrinho - uma paisagem característica para este pintor.

Travessia de balsa. Manhã ventosa

Ele criou um dos principais pintores do século 17, Jacob Reizad.

Jacob Reizdal.

Vista de Edmond. A luz no céu, a paisagem rítmica, a torre sineira vertical correspondem exatamente ao formato vertical.

Jacob pintou todas as 12 paisagens e criou várias delas ele mesmo.

Reisadl foi um grande mestre da paisagem florestal.

Já contemporâneos notaram que Reizdal é psicólogo florestal. Cada árvore tem seu próprio retrato. Escreve uma biografia da árvore.

Paisagem da floresta.

Lago entre as árvores. Em primeiro plano está uma árvore caída, ao lado dela está uma árvore seca e, nas profundezas, há bétulas jovens. Existem várias idades das árvores. Ele transfere essa técnica para uma série de pinturas:

Rio na floresta

Floresta de carvalho

Pântano

Paisagem florestal

Estrada

Paisagem panorâmica: Castelo de Beintheir, paisagem com ruínas do castelo e uma igreja.

Moinho em Vecca. Paisagem principal de Reizdal. Reizdal amplia deliberadamente o moinho. Esta paisagem é um dos símbolos da Holanda.

As três principais obras da Holanda: Night Watch, Mill em Vecca, vista da cidade de Delta.

Duas pinturas com um título: Cemitério judeu. Desenho imaginário. Ele transmite o estado durante uma tempestade. No primeiro plano está uma árvore seca, mas ainda viva. Um riacho correndo é um símbolo de vida fluindo rapidamente. A árvore é retratada contra o fundo de uma árvore viva e luxuriante. Em primeiro plano, está uma lápide com um retrato do próprio artista e a assinatura de Reizdal. No fundo vemos o templo, que está quase destruído e ao mesmo tempo vemos como depois da tempestade aparece um arco-íris - um símbolo de esperança. O relâmpago central é o monumento. A imagem tem uma repetição, ela cria uma sensação ainda mais nítida de vida e morte. A segunda imagem é muito escura, o contraste da madeira seca e verde é muito nítido. A laje com o retrato de Reizdal reaparece e o templo muda de aparência, como uma criatura com enormes órbitas - a imagem de um mundo agonizante. Reizdal é considerado o criador paisagem filosófica.

Reizdal pintou paisagens de inverno, como: Paisagem de inverno, inverno o que revela o tema da solidão. Reizdal é o autor da paisagem do humor.

Ele também era um mestre da pintura marinha: Tempestade no mar, Litoral.

Ele era um mestre da paisagem urbana: Vista de Amsterdã com o rio Amstel, vista de Haarlem ( vista de sua cidade natal).

Nos últimos anos, Reizdal pintou muitas paisagens retratando cachoeiras: Paisagem rochosa com uma cachoeira, uma cachoeira na Noruega, uma cachoeira.

Dois moinhos- uma paisagem incomum, um moinho é claramente visível, e o segundo está nas profundezas.

Paisagem montanhosa com um veleiro - uma das últimas obras de Reizdal. Nesse trabalho, ele resume sua vida. Esta é uma paisagem poética e lírica.

Criatividade de Mendet Hobeme.

Foi aluno de Reizdal.

Beco a meia nau em Harls. Ele foi o primeiro a pintar paisagens da natureza.Às vezes, ele pintou paisagens a partir de desenhos de paisagens.

Foi popular na Inglaterra e contribuiu para a paisagem inglesa. Thomas Gainsbrat, Turner, John Constable confiaram no trabalho de Hobeme e Reizdal.

O maior mestre da paisagem realista. Além da paisagem inglesa, o início da paisagem nacional francesa se manifestou de várias maneiras.

Dúvidas sobre os ingressos:

A obra de Rembrandt.