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REVOLUÇÃO CULTURAL Foi dirigido: A Revolução Cultural prevista: Na URSS em e. Século XX a Revolução Cultural aconteceu. O objetivo era: 1. Mudar a composição social da intelectualidade pós-revolucionária, 2. Romper com as tradições da herança cultural pré-revolucionária. A Revolução Cultural previu: 1. Eliminação do analfabetismo, 2. Criação de um sistema socialista de educação pública e esclarecimento, 3. Desenvolvimento da ciência, literatura e arte sob o controle do partido.

Artes visuais Na década de 30, ocorreram mudanças significativas nas artes visuais. Apesar de a Associação de Exposições Viajantes e o Sindicato dos Artistas Russos continuarem a existir no país, novas associações surgem no espírito da época - a Associação de Artistas da Rússia Proletária, a Associação de Artistas Proletários, artista F. Shurpin 1930, artista G. Klutsis

Realismo Socialista Em meados dos anos 30. O método do realismo socialista foi declarado um método artístico geralmente obrigatório para a arte soviética (a representação da realidade não é o que é, mas o que deveria ser do ponto de vista dos interesses da luta pelo socialismo). Os eventos decisivos neste sentido foram a criação em 1934 da União dos Escritores Soviéticos e uma série de campanhas ideológicas. Nikolaev K. "Construindo uma ferrovia em Magnitogorsk"

M. Grekov. "Trompetistas do Primeiro Exército de Cavalaria", 1934 Tikhova M. "Laboratório de esculturas da fábrica de porcelana de Lomonosov"

A ARTE DO PÔSTER Durante a guerra civil e a intervenção, os pôsteres políticos se separaram completamente de outros tipos de gráficos artísticos (publicidade, pôsteres, desenhos políticos). O pôster é caracterizado por uma visibilidade atraente da imagem, capacidade de resposta e disponibilidade geral de conteúdo. Isso era muito importante para um país em que a maioria da população era analfabeta. KUKRYNIKSY B. Efimov, M. Ioffe, 1936

PINTURA DE ELEVADOR A pintura de cavalete soviética é desenhada para formas e imagens monumentais significativas. A pintura está se tornando mais ampla em seu enredo e menos esboçada em seus modos. “A generalização heróica penetra na pintura de cavalete” Um dos mais significativos representantes da pintura de cavalete deste período Boris Ioganson. Ele introduz em suas obras "um novo conteúdo revolucionário, consoante com a época". Duas de suas pinturas são especialmente populares: Interrogation of the Communists (1933) e At the Old Ural Factory (1937). "Interrogatório de comunistas" "Na velha fábrica dos Urais"

PINTURA MONUMENTAL Com o passar dos anos, a pintura monumental tornou-se um elo obrigatório em toda a cultura artística. Dependia do desenvolvimento da arquitetura e estava intimamente associado a ela. As tradições pré-revolucionárias foram continuadas nesta época por Eugene Lansere, a pintura do salão do restaurante da estação de Kazan (1933) demonstra seu desejo por uma forma barroca móvel. Deineka também deu uma grande contribuição para a pintura monumental dessa época. Seus mosaicos na estação Mayakovskaya (1938) foram criados em um estilo moderno: a nitidez do ritmo, a dinâmica dos pontos coloridos locais, a energia dos ângulos, a convencionalidade das imagens de figuras e objetos. Favorsky, conhecido artista gráfico, também deu uma contribuição para a pintura monumental: aplicou seu sistema de construção da forma, desenvolvido na ilustração de livros, a novos problemas. Suas pinturas do Museu da Maternidade Protetora e da Infância (1933, junto com Lev Bruni) mostram sua compreensão do papel do avião, a combinação dos afrescos com a arquitetura baseada na experiência da pintura da Antiga Rússia.

PAISAGEM Alcance uma variedade de direções estilísticas: Com o passar dos anos, a URSS deu início à era do método bem fundamentado do realismo socialista na arte em geral e na pintura em particular. Uma variedade de direções estilísticas é alcançada: 1. A linha lírica da pintura de paisagem, 2. A paisagem industrial.

GÊNERO DO RETRATO O desenvolvimento de um retrato pictórico no estilo da vanguarda da "primeira onda" esgotou-se nos anos 1930. No gênero do retrato, as técnicas e estilísticas de uma solução realista para a imagem de um contemporâneo voltaram a ser exigidas, enquanto a função ideológica e de propaganda do retrato foi declarada como uma das tarefas principais. M. Nesterov "Retrato do Acadêmico I. P. Pavlov" 1930 Nesterov M. "Retrato dos artistas P. D. e A.D. Korin. ", 1930

VERDITO: Os resultados das transformações dos primeiros anos do poder soviético no campo da cultura estavam longe de ser inequívocos. Por um lado, alguns sucessos foram alcançados na eliminação do analfabetismo, houve um aumento da atividade da intelectualidade criativa, que se expressou na organização de novas e no renascimento de velhas sociedades e associações, na criação de valores no campo da cultura espiritual e material. Por outro lado, a cultura passou a fazer parte da política de Estado, ficando sob o controle do partido e do aparato governamental.

A criatividade do compositor profissional nos gêneros concerto-filarmônico e musical-teatral também sofreu mudanças significativas nos anos 30. Naturalmente, eles não podiam deixar de estar associados às transformações da vida social, que levaram ao estabelecimento de um novo sistema de Estado centralizado. Em 23 de abril de 1932, o Comitê Central do Partido Comunista da União (Bolcheviques) "Sobre a reestruturação das organizações literárias e artísticas" foi adotado. Este documento do partido enfatizou que o quadro de organizações literárias e artísticas que surgiram na década de 1920 "já está se tornando estreito e dificultando o âmbito sério da criatividade artística." Entre essas organizações, liquidadas de acordo com o decreto do Comitê Central do Partido Comunista dos Bolcheviques de União, estava também o RAPM, que há muito se transformou em um grupo que colocava seus interesses de "clã" acima da verdade. O texto do documento do partido apontava o perigo de tais associações passarem "de um meio de maximizar a mobilização dos escritores e artistas soviéticos em torno das tarefas de construção socialista para um meio de cultivar o isolamento do círculo, a separação das tarefas políticas de nosso tempo e de grupos significativos de escritores e artistas simpáticos à construção socialista. "

Apesar de o decreto de 23 de abril de 1932 ter cancelado o direito dos artistas de estabelecerem associações e associações livres, foi recebido com entusiasmo por sua esmagadora maioria. Muitos deles esperavam mudanças benéficas, pela abolição da discriminação anterior contra os chamados "companheiros de viagem" e aprovavam a ideia de se unirem em sindicatos criativos únicos de acordo com a afiliação profissional. A própria ideia de igualdade em tais uniões de absolutamente todos os mestres da arte, independentemente de suas posições artísticas, preferências estilísticas, parecia abrir amplas perspectivas em sua implementação prática para o livre desenvolvimento de indivíduos criativos sob uma condição indispensável - seu apoio para a construção socialista no país. Quanto ao resto, foi como se tudo tivesse ficado ao critério dos próprios artistas, que escolheram livremente os caminhos para alcançar a verdade na arte e os meios com que se valeram para resolver as suas tarefas.

A associação organizacional de trabalhadores criativos foi consolidada com a criação de sindicatos criativos unificados. Entre eles estava a União dos Compositores Soviéticos (mais tarde União dos Compositores da URSS) - uma associação de compositores e musicólogos, criada em uma base ideológica comum, então reconhecida por todas as uniões criativas. O papel decisivo em sua aprovação foi desempenhado pelo Primeiro Congresso de Escritores de Todas as Uniões, realizado em 1934 sob a liderança e com a participação ativa de A.M. Gorky. O método do realismo socialista tornou-se a base teórica para a consolidação das figuras criativas do país.
A essência do método foi formulada na Carta da União dos Escritores da URSS em 1934: "O realismo socialista exige do artista uma representação artística verídica e historicamente concreta da realidade em seu desenvolvimento revolucionário." Essa fórmula significava, de fato, não um reflexo da vida na arte como ela é, em suas complexas contradições, mas a construção de um modelo ideal, um modelo a ser seguido, a recriação da realidade como deveria ser para corresponder a o ideal stalinista de socialismo. "

Desde as primeiras tentativas de compreender o processo artístico do ponto de vista do realismo socialista, surgiram dificuldades significativas. A prática viva não se encaixava no método do leito de Procusto, portanto era necessário ajustar artificialmente as obras aos critérios que haviam adquirido força de lei ou excomungar completamente essas obras e seus criadores da arte soviética em geral. O dano irreparável causado pela introdução violenta desse método surgiu das reivindicações de seus seguidores ao monopólio. Além disso, ocorreu uma substituição indicativa: o princípio do realismo foi proclamado em palavras, enquanto os seguidores do novo método estavam de fato criando um mito romântico com uma característica de mundo dual dos artistas românticos. Os horrores do velho mundo, que parecia ser o foco de todos os vícios e opressões concebíveis infligidos por aqueles no poder, foram combatidos pela harmonia elevada da nova sociedade de construtores e lutadores - cavaleiros sem medo e reprovação. Claro, esse modelo nunca apareceu nas criações mais talentosas em sua pureza não adulterada, mas serviu como uma espécie de guia, um ideal pelo qual se deve lutar. Daí a exigência insistente de otimismo, otimismo sob comando, uma vez que a realidade soviética se tornou objeto de representação artística; daí a atitude desconfiada em relação ao tema trágico e aos artistas de perspectiva trágica.

Na música, a implantação do realismo socialista imediatamente encontrou dificuldades significativas. "O realismo socialista não é uma forma padrão de criatividade musical", escreveu o proeminente crítico soviético V. Gorodinsky "em perseguição". Este método, segundo o crítico, não limita de forma alguma a iniciativa do artista e não é de forma alguma algo estabelecido de uma vez por todas, incapaz de se desenvolver, sempre e em toda a parte igual. Mas o que exatamente a música deveria conter para atender aos critérios do método permaneceu obscuro. Não é por acaso que as conversas sobre a essência do realismo socialista na música logo morreram, e o assunto foi limitado apenas a uma simples repetição da fórmula ritual, sem tentar seriamente descobrir se ela é geralmente aplicável à arte das imagens sonoras entonadas .

Se nos voltarmos para a situação real que se desenvolveu em vários tipos de arte na década de 30, então deve ser enfatizado que na literatura, arte, teatro, cinema, um processo de relativa estabilização estava em toda parte. Foi associada a um afastamento da estética dos anos 1920, das direções extremas da então vanguarda artística. Os símbolos do pôster se foram, a propaganda direta de discursos projetados para pronunciamentos oratórios na frente de pessoas que preenchiam espaços abertos, assim como a prática de apresentações teatrais em massa se extinguiu. Mesmo os dirigentes das organizações proletárias defendem a palavra de ordem "homem vivo", rejeitando os apelos ao "vestir" de ficção. As tendências experimentais deram em nada, nas quais eles agora viam a expressão de extremos esquerdistas e peculiaridades estéticas burguesas. A crítica à escola formal da crítica literária foi estendida a eles - o rótulo de "formalismo" por muito tempo se tornou um meio comum de represália contra as áreas onde a tarefa de atualizar os meios linguísticos foi definida. A orientação para os clássicos passou a determinar o desenvolvimento de quase todas as manifestações de criatividade artística.

No entanto, seria errado afirmar que a arte soviética dos anos 1930 abandonou completamente qualquer busca, de definir novas tarefas artísticas. Em várias obras, ambas as tendências anteriores fundiram-se harmoniosamente - o desenvolvimento da tradição clássica e a procura de uma nova linguagem em consonância com a modernidade. Talvez essa combinação nunca tenha se manifestado em nenhum lugar com tanta clareza e perfeição artística como na música. Mas no desenvolvimento da arte teatral, afetou de forma bastante clara e perceptível. Na década de 1930, o prestígio dos teatros acadêmicos aumentou significativamente, onde o Teatro de Arte de Moscou ganhou destaque: dirigido por K. Stanislavsky e V. Nemirovich-Danchenko, apresentou uma série de espetáculos marcantes marcados por uma leitura inovadora dos clássicos ( Anna Karenina por L. Tolstoy, "School of Scandal" R. Sheridan e outros). Mas o antigo antípoda do Teatro de Arte de Moscou, que o teatro de V. Meyerhold se proclamou por muitos anos, também se voltou para os clássicos e contribuiu para o renascimento de A. Ostrovsky, ao qual os anos 1930 foram associados (encenação da peça " A floresta").

1) Resolução do XVI Congresso do Partido Comunista da União / b / "Sobre a introdução do ensino primário obrigatório universal para todas as crianças na URSS" (1930); 2) A ideia de renovar o "pessoal econômico" em todos os níveis proposta por I. Stalin nos anos trinta, que implicou a criação de academias industriais e universidades de engenharia em todo o país, bem como a introdução de condições que estimulassem os trabalhadores a receber. ensino noturno e departamentos de correspondência das universidades "sem separação da produção".

Os primeiros projetos de construção de cinco anos, a coletivização da agricultura, o movimento Stakhanov, os ganhos históricos da ciência e tecnologia soviética foram percebidos, vivenciados e refletidos na consciência pública na unidade de suas estruturas racionais e emocionais. Portanto, a cultura artística não poderia deixar de desempenhar um papel extremamente importante no desenvolvimento espiritual da sociedade socialista. Nunca no passado e em nenhum lugar do mundo as obras de arte tiveram um público tão amplo, tão massivo e verdadeiramente popular como em nosso país. Isso é eloquentemente evidenciado pelas taxas de frequência de teatros, salas de concerto, museus de arte e exposições, o desenvolvimento da rede de cinema, a edição de livros e o uso de fundos de bibliotecas.

A arte oficial das décadas de 1930 e 1940 era otimista, assertiva e até eufórica. O principal tipo de arte que Platão recomendou para seu "Estado" ideal foi incorporado em uma sociedade totalitária soviética real. Aqui, é preciso ter em mente as trágicas contradições que se desenvolveram no país no período pré-guerra. Na consciência pública da década de 1930, a crença nos ideais socialistas e na enorme autoridade do partido começou a se combinar com o "líderismo". A covardia social e o medo de sair das classes comuns entre amplos estratos da sociedade. A essência da abordagem de classe aos fenômenos sociais foi reforçada pelo culto à personalidade de Stalin. Os princípios da luta de classes se refletem na vida artística do país.

Em 1932, após a decisão do 16º Congresso do Partido Comunista da União Soviética / b /, várias associações criativas foram dissolvidas no país - Proletkult, RAPP, VOAPP. E em abril de 1934, o Primeiro Congresso de Escritores Soviéticos de toda a União foi inaugurado. No congresso, o secretário do Comitê Central de ideologia A.A. Zhdanov, que delineou a visão bolchevique da cultura artística em uma sociedade socialista. O "realismo socialista" foi recomendado como o "principal método criativo" da cultura soviética. O novo método prescreveu aos artistas o conteúdo e os princípios estruturais da obra, sugerindo a existência de um "novo tipo de consciência" que emergiu com o estabelecimento do marxismo-leninismo. O realismo socialista foi reconhecido de uma vez por todas, dado, o único método criativo correto e mais perfeito. A definição de realismo socialista de Jdanov foi baseada na definição de Stalin dos escritores como "engenheiros de almas humanas" para agradar o pensamento técnico da época. Assim, a cultura artística, a arte ganhou um caráter instrumental, ou foi atribuída a função de instrumento para a formação de um “novo homem”.

No entanto, a prática artística das décadas de 1930 e 1940 revelou-se muito mais rica do que as diretrizes partidárias recomendadas. No período pré-guerra, o papel do romance histórico aumentou acentuadamente, manifestou-se um profundo interesse pela história da pátria e pelos personagens históricos mais marcantes. Daí toda uma série de obras históricas sérias: "Kyukhlya" de Y. Tynyanov, "Radishchev" de O. Forsh, "Emelyan Pugachev" de V. Shishkov, "Genghis Khan" de V. Yan, "Peter the First" de A Tolstoi.

Nos mesmos anos, a literatura infantil soviética floresceu. Suas grandes realizações foram poemas para crianças de V. Mayakovsky, S. Marshak, K. Chukovsky, S. Mikhalkov, histórias de A. Gaidar, L. Kassil, V. Kaverin, contos de fadas de A. Tolstoy, Yu. Olesha.

Na véspera da guerra, em fevereiro de 1937, a União Soviética comemorou amplamente o 100º aniversário da morte de A.S. Pushkin, em maio de 1938, o país comemorou o 750º aniversário da Em março de 1940, a última parte do romance de M. Sholokhov "Quiet Don" foi publicado na URSS.

Desde os primeiros dias da Grande Guerra Patriótica, a arte soviética se dedicou inteiramente à causa de salvar a pátria. Figuras culturais lutaram com armas nas mãos nas frentes de guerra, trabalharam nas equipes de frente de imprensa e propaganda.

A poesia e a canção soviéticas alcançaram um som extraordinário durante este período. A canção "Sacred War" de V. Lebedev-Kumach e A. Aleksandrov tornou-se o verdadeiro hino da guerra popular. Na forma de um juramento, choro, maldição, chamada direta, as letras militares foram criadas por M. Isakovsky, S. Shchipachev, A. Tvardovsky, A. Akhmatova, A. Cypikov, N. Tikhonov, O. Berggolts, B. Pasternak, K. Simonov.

Durante os anos da guerra, uma das maiores obras do século 20 foi criada - a 7ª sinfonia de D. Shostakovich. Ao mesmo tempo, L. Beethoven gostava de repetir a ideia de que a música deveria lançar o fogo de um corajoso coração humano. Essas idéias foram incorporadas por D. Shostakovich em sua obra mais significativa. D. Shostakovich começou a escrever a 7ª Sinfonia um mês após o início da Grande Guerra Patriótica e continuou seu trabalho em Leningrado sitiada pelos nazistas. Junto com os professores e alunos do Conservatório de Leningrado, foi cavar trincheiras e, como lutador da equipe de bombeiros, morou em um quartel no prédio do conservatório. Na partitura original da sinfonia, você pode ver as notas do compositor "VT" - que significa "ataque aéreo". Quando se aproximou, D. Shostakovich interrompeu o trabalho na sinfonia e foi lançar bombas incendiárias do telhado do conservatório.

Os três primeiros movimentos da sinfonia foram concluídos no final de setembro de 1941, quando Leningrado já estava cercado e submetido a bombardeios aéreos e bombardeios brutais. O final vitorioso da sinfonia foi concluído em dezembro, quando as hordas de nazistas se ergueram nos arredores de Moscou. “Dedico esta sinfonia à minha cidade natal, Leningrado, à nossa luta contra o fascismo, à nossa vitória que se aproxima” - tal foi a epígrafe desta obra.

Em 1942, a sinfonia foi executada nos Estados Unidos e em outros países da coalizão antifascista. A arte da música em todo o mundo não conhece nenhuma outra composição que teria recebido uma resposta pública tão poderosa. “Defendemos a liberdade, honra e independência de nossa Pátria. Estamos lutando por nossa cultura, pela ciência, pela arte, por tudo o que construímos e criamos ”, escreveu D. Shostakovich naquela época.

Durante os anos de guerra, o drama soviético criou verdadeiras obras-primas da arte teatral. Estamos falando sobre as peças de L. Leonov "Invasão", K. Simonov "povo russo", A. Korneichuk "Frente".

Durante os anos de guerra, concertos da Orquestra Sinfônica Filarmônica de Leningrado sob a direção de E. Mravinsky, o Song and Dance Ensemble do Exército Soviético sob a direção de A. Alexandrov, o coro folclórico russo que leva o nome de A. M. Pyatnitsky, Solistas K. Shulzhenko, L. Ruslanova, A. Raikin, L. Utesov, I. Kozlovsky, S. Lemeshev e muitos outros.

No período do pós-guerra, a cultura russa continuou o desenvolvimento artístico do tema militar. O romance de A. Fadeev "The Young Guard" e "The Story of a Real Man", de B. Polevoy, foram criados com base em documentários.

Nas humanidades soviéticas desse período, novas abordagens para o estudo da consciência pública começaram a ser desenvolvidas. Isso porque o povo soviético está começando a se familiarizar com a cultura de outros países e a fazer contatos espirituais com todos os continentes.

4. Situação sócio-cultural nos anos 60-70 do século XX na Rússia O processo artístico dos anos 60-70 caracterizou-se pela intensidade e dinamismo do seu desenvolvimento. Ele esteve intimamente associado aos conhecidos processos sociopolíticos em curso no país. Não é à toa que essa época é chamada de “degelo” político e cultural. Mudanças ambientais na natureza, a migração de grande parte da população do campo para a cidade, a complicação da vida e da vida nas cidades modernas levaram a sérias mudanças na consciência e na moral das pessoas, que se tornaram objeto de representação artística cultura. Na prosa de V. Shukshin, Y. Trifonov, V. Rasputin, Ch. Aitmatov, no drama de A, Vampilov, V. Rozov, A. Volodin, na poesia de V. Vysotsky, há uma tendência para ver problemas complexos da época em assuntos cotidianos.

Nas décadas de 60 e 70, o tema da Grande Guerra Patriótica soou de maneira nova na prosa e no cinema. As obras de arte daqueles anos não apenas revelaram com mais ousadia os conflitos e eventos da última guerra, mas também focaram sua atenção no destino de cada pessoa na guerra. Os romances e filmes mais verdadeiros foram escritos e dirigidos por escritores e diretores que conhecem a guerra por experiência própria. Estes são escritores de prosa - V. Astafiev, V. Bykov, G. Baklanov, V. Kondratyev, cineastas G. Chukhrai, S. Rostotsky.

Um verdadeiro fenômeno da cultura soviética foi o nascimento da chamada “prosa de aldeia” durante o período de “degelo”. Sua manifestação não significa de forma alguma que houvesse necessidades artísticas especiais entre o campesinato, que eram significativamente diferentes das necessidades de outros estratos da sociedade soviética. O conteúdo da maioria das obras de V. Astafiev, V. Belov, F. Abramov, V. Rasputin e outros "aldeões" não deixou ninguém indiferente, porque o discurso em

tratavam de problemas comuns a toda a humanidade.

Os escritores da aldeia não apenas registraram profundas mudanças na consciência e moralidade do homem da aldeia, mas também mostraram um lado mais dramático dessas mudanças, que afetou a mudança na conexão entre as gerações, a transferência da experiência espiritual das gerações mais velhas para as mais jovens uns. A violação da continuidade das tradições levou à extinção de antigas aldeias russas com sua vida, linguagem e moralidade que vinham tomando forma há séculos. Uma nova forma de vida rural, próxima à urbana, vem para substituí-la. Como resultado disso, o conceito fundamental da vida na aldeia está mudando - o conceito de "casa", no qual desde os tempos antigos o povo russo investiu o conceito de "pátria", "terra natal", "família". Através da compreensão do conceito de "casa", também se percebeu uma profunda conexão entre as colônias. Isso é precisamente o que F. Abramov escreveu com dor em seu romance "House", e as histórias de V. Rasputin "Farewell to Mater" e "Fire" também são dedicadas a esse problema.

O problema da relação entre o homem e a natureza, um dos problemas globais mais agudos do século XX, recebeu seu significado artístico especial também nos anos 60-70. O uso irracional dos recursos naturais, a poluição de rios e lagos, a destruição de florestas foram as consequências mais difíceis do progresso científico e tecnológico. A natureza não resolvida desses problemas não poderia deixar de afetar o mundo espiritual de uma pessoa que testemunhou, e muitas vezes o culpado direto da violação do equilíbrio ecológico na natureza. Uma atitude cruel e consumista em relação à natureza deu origem à falta de coração e à falta de espiritualidade nas pessoas. O panorama cinematográfico daqueles anos "Perto do Lago", do cineasta S. Gerasimov, foi principalmente dedicado aos problemas morais. Os anos 60 revelaram à sociedade soviética o fenômeno da prosa de A. Solzhenitsyn. Foi nesse período que surgiram seus contos “Um dia na vida de Ivan Denisovich” e “O Dvor de Matrenin”, que se tornaram clássicos da dissidência naqueles anos. Uma verdadeira descoberta da cultura teatral da época foi a criação dos jovens estúdios de teatro "Sovremennik" e "Taganka". Um fenômeno notável na vida artística daqueles anos foi a atividade da revista Novy Mir sob a direção de A. Tvardovsky.

No geral, a cultura artística do "degelo" foi capaz de colocar uma série de problemas prementes para a sociedade soviética e tentou resolver esses problemas em suas obras.

5. Cultura soviética dos anos 80 do século XX A década de 80 foi uma época de concentração da cultura artística em torno da ideia de arrependimento. O motivo do pecado universal, o bloco cortante, força os artistas a recorrer a formas de pensamento artístico como uma parábola, um mito, um símbolo. Por sua vez, tendo conhecido o romance "Plakha" de Ch. Aitmatov e o filme "Arrependimento" de T. Abuladze, o leitor e o espectador discutiram, argumentaram, desenvolveram sua própria posição cívica.

A característica mais importante da situação artística dos anos oitenta é o surgimento de uma poderosa corrente de cultura artística “retornada”, que foi interpretada e entendida a partir das mesmas posições da moderna, isto é, criada para o espectador, ouvinte, leitor daqueles anos.

A cultura dos anos oitenta distingue-se por uma tendência emergente de dar uma nova concepção do homem e do mundo, onde o humanístico universal é mais significativo do que o sócio-histórico. Em termos da variedade de estilos criativos, conceitos estéticos, preferências por uma tradição artística específica, a cultura do final dos anos 80 e início dos anos 90 lembra o início do século 20 na cultura russa. A cultura doméstica, por assim dizer, retoma o momento natural fracassado de seu desenvolvimento (calmamente passado pela cultura da Europa Ocidental do século 20) e forçosamente interrompida pelos eventos sociopolíticos bem conhecidos em nosso país.

Assim, o problema central da cultura artística dos anos oitenta, associado à autoconsciência do indivíduo na sua relação com o mundo natural e o mundo das pessoas na expressão estilística, foi assinalado por um movimento do psicologismo ao jornalismo, e depois ao mito, sintetizando estilos de diferentes orientações estéticas.

Devido às especificidades da história russa e, em particular, à presença na sociedade de estruturas socioeconômicas e camadas socioculturais fundamentalmente diferentes, a consciência da necessidade de transformação é geralmente muito difícil. Klyuchevsky enfatizou que a peculiaridade dos países que ficam para trás em relação às potências avançadas é que "a necessidade de reforma está amadurecendo antes que as pessoas estejam maduras para a reforma". Na Rússia, os primeiros a compreender a necessidade de reformas foram os intelectuais ou representantes individuais da elite governante, que experimentaram certa influência da cultura ocidental. Porém, devido à inércia da esmagadora maioria da sociedade e à alienação do poder do Estado, as idéias de reformas, via de regra, se espalharam com extrema lentidão. Isso, por sua vez, frequentemente provocava seus apoiadores radicais a discursos antigovernamentais ou, pelo menos, à propaganda. A supressão desses movimentos (por exemplo, os dezembristas e populistas no século 19, dissidentes nas últimas décadas) apenas provocou um retrocesso e reformas adiadas.

Ao mesmo tempo, a ideia da necessidade de reformas foi aos poucos penetrando na mente dos estadistas, e foi o Estado que iniciou as reformas. Assim, a posição do poder supremo foi de grande importância decisiva para o destino das transformações: reis, imperadores, secretários gerais e agora, presidentes. Alguns deles estiveram entre os primeiros que realizaram e iniciaram reformas. Este, é claro, é Pedro, o Grande, e em parte Alexandre I. No entanto, este último, talvez, como sua avó, Catarina II, não ousou, como Pedro I, colocar seu próprio destino em jogo e iniciar transformações radicais, rompendo a resistência e apatia da elite dominante, sim e em grande medida - o povo.

“Aulas de música” - Aplicação das TIC nas aulas de música. Programas para trabalhar com música em um computador. Problemas: Contribuir para fomentar o interesse pela cultura musical. Meios técnicos modernos. Enciclopédia "Instrumentos musicais". Dedicado ao rock, jazz e música pop. Eles ajudam a mudar qualitativamente o controle das atividades dos alunos.

Imagem Musical - Jan Sibelius. V.A. Mozart. Que imagem é revelada na valsa nº 47 de Chopin? Palavras e música O. Mityaev. 6 Imagem musical. Auto estima. A principal música do estado. O fundador da música polonesa. Introdução musical a uma peça musical importante. Qual é o nome da obra de J. Sibelius? Com que obras de arte a “Sad Waltz” de J. Sibelius está em sintonia?

“Cultura musical do Barroco” - Edvard Grieg. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-91). A última obra de Mozart, Requiem, permaneceu inacabada. Família de W. A. ​​Mozart. Compositor austríaco. O legado deixado por Mozart. A ornamentalidade atinge os limites do possível ”T. Vladyshskaya. O local de nascimento de W.A. Mozart é Salzburg. Óperas "Orpheus" (1607), "Ariadne" (1608) e outros.

"Compositores musicais" - laureado de Lênin e prêmios do Estado da URSS. “Por que o gênio vive eternamente? Artista do Povo da URSS. Por que a moda está desaparecendo rapidamente? ... André? Nd I? Kovlevich Eshpa? D (15 de maio de 1925) - Compositor soviético e russo. Membro do Sindicato dos Compositores da URSS desde 1952. Material de demonstração para uma aula de música (programa "Música" ed.

“Instrumentos musicais cazaques” - Mas o sherter era muito menor e tinha um som mais forte. Urano. Asyks foram colocados sob cada corda em ambos os lados. Na antiguidade, os instrumentos de percussão eram amplamente usados ​​na vida dos cazaques. Sherter. Além dos sybyzgi de junco, havia também os de madeira. A afinação das cordas é feita afinando os pinos e movendo as arquibancadas.

"Jogos musicais" -. Ele não permitiu pular de linha em linha, ele disse: “A harmonia está quebrada”. Alexander Sergeevich Pushkin. O professor apresenta o jogo às crianças, explicando a tarefa. Classificação dos jogos. Em colheres: TUK - TUK - TUK. O inverno chegou à terra! Quando uma boa música era tocada, tanto o compositor quanto o poeta eram elogiados. compositor Johann Sebastian Bach.

Em 1934, no Primeiro Congresso de Escritores Soviéticos de toda a União, Maxim Gorky formulou os princípios básicos do realismo socialista como um método de literatura e arte soviética. Este momento marca o início de uma nova era da arte soviética, com controle ideológico e esquemas de propaganda mais rígidos.

Princípios básicos:

• - Nacionalidade. Em regra, os heróis das obras realistas socialistas eram os trabalhadores da cidade e do campo, os operários e os camponeses, os representantes da intelectualidade técnica e do pessoal militar, os bolcheviques e os não partidários.
• - Ideologia. Mostrar a vida pacífica das pessoas, a busca de caminhos para uma vida nova, melhor, feitos heróicos, a fim de alcançar uma vida feliz para todas as pessoas.
• - Concretização. Ao retratar a realidade, mostre o processo de desenvolvimento histórico, que por sua vez deve corresponder à compreensão materialista da história (no processo de mudança das condições de sua existência, as pessoas também mudam sua consciência, sua atitude para com a realidade circundante).

Nos anos que se seguiram a esse decreto do Comitê Central do Partido Comunista dos Bolcheviques sobre a reestruturação das organizações literárias e artísticas, uma série de eventos importantes foram realizados com o objetivo de desenvolver a arte na direção exigida pelo estado. A prática de encomendas estaduais, viagens de negócios criativas e a organização de exposições temáticas e de aniversário em grande escala está se expandindo. Os artistas soviéticos criam muitas obras (painéis, monumentais, decorativas) para o futuro VDNKh. Isso marcou uma etapa importante no renascimento da arte monumental como uma arte independente. Nessas obras, tornou-se óbvio que o desejo da arte soviética pela monumentalidade não é acidental, mas reflete "as perspectivas grandiosas para o desenvolvimento da sociedade socialista".

Em 1918, em uma conversa com K. Zetkin, Lenin definiu as tarefas da arte na sociedade soviética: “A arte pertence ao povo. Ele deve ter suas raízes mais profundas na espessura das grandes massas trabalhadoras. Deve ser compreendido por essas massas e amado por elas. Deve unir o sentimento, pensamento e vontade dessas massas, elevá-las. Deve despertar os artistas neles e desenvolvê-los. "

Durante o período em análise, juntamente com as direções da arte já existentes, surgiram várias outras, fundamentalmente novas, como, por exemplo, a vanguarda.

No quadro do estilo de monumentalismo, a escultura é do maior interesse. Como todas as outras tendências da arte soviética, a escultura da época tinha uma orientação agitativa e um conteúdo patriótico de enredos. Para o desenvolvimento da escultura teve grande importância o plano de Lênin para a propaganda monumental, adotado em 1918. De acordo com esse plano, seriam erguidos em todo o país monumentos que promovessem novos valores revolucionários. Escultores proeminentes estiveram envolvidos no trabalho: N.A. Andreev (que mais tarde se tornou o criador da escultural Leniniana). Outro escultor proeminente deste período é Ivan Shadr. Em 1922 ele criou as estátuas "Trabalhador", "Semeador", "Camponês", "Exército Vermelho". A peculiaridade de seu método é a generalização da imagem a partir de uma configuração de gênero específico, poderosa escultura de volumes, expressividade de movimento, pathos romântico. Sua obra mais marcante é “Paralelepípedo - um instrumento do proletariado. 1905 "(1927). No mesmo ano, no território da usina hidrelétrica no Cáucaso ZAGES, um monumento a Lenin foi erguido por sua própria obra - "um dos melhores". Vera Mukhina também se formou como mestre na década de 1920. Nesse período, criou o projeto do monumento "Trabalho Libertado" (1920, não preservado), "Mulher Camponesa" (1927). Dos mestres mais maduros, destaca-se o trabalho de Sarah Lebedeva, que criou os retratos. Em sua compreensão da forma, ela leva em consideração as tradições e a experiência do impressionismo. Alexander Matveev caracteriza-se pela clareza clássica na compreensão das bases construtivas do plástico, pela harmonia das massas escultóricas e pela relação dos volumes no espaço ("Mulher se despindo", "Mulher calçando sapato"), assim como pelo famoso "outubro" (1927), onde a composição inclui 3 figuras de homens nus - uma combinação de tradições clássicas e o ideal do "homem da era da Revolução" (atributos - foice, martelo, budenovka).

As formas de arte capazes de "viver" nas ruas nos primeiros anos após a revolução desempenharam um papel importante na "formação da consciência social e estética do povo revolucionário". Portanto, junto com a escultura monumental, o cartaz político recebeu o desenvolvimento mais ativo. Acabou sendo a forma de arte mais móvel e operacional. Durante a Guerra Civil, este gênero foi caracterizado pelas seguintes qualidades: “a nitidez da apresentação do material, uma reação instantânea a eventos em rápida mudança, uma orientação agitacional, graças à qual as principais características da linguagem plástica do cartaz eram formado. Acabaram sendo laconicismo, convencionalidade da imagem, clareza de silhueta e gesto. Os pôsteres eram extremamente comuns, impressos em grandes tiragens e colocados em todos os lugares. Um lugar especial no desenvolvimento do pôster é ocupado pelas Janelas de Sátira ROSTA, nas quais Cheremnykh, Mikhail Mikhailovich e Vladimir Mayakovsky desempenharam um papel destacado. São cartazes com estêncil, pintados à mão e com inscrições poéticas sobre o tema do dia. Eles desempenharam um grande papel na propaganda política e se tornaram uma nova forma figurativa. A decoração das festividades é outro fenômeno novo da arte soviética que não tinha tradição. Os feriados incluíam os aniversários da Revolução de outubro, 1º de maio, 8 de março e outros feriados soviéticos. Isso criou uma nova forma de arte não tradicional, graças à qual a pintura adquiriu um novo espaço e função. Para as festas de fim de ano, foram criados painéis monumentais, que se caracterizavam por um imenso patos de propaganda monumental. Artistas criaram esboços para o projeto de praças e ruas.

As seguintes pessoas participaram da decoração destas férias: Petrov-Vodkin, Kustodiev, E. Lansere, S.V. Gerasimov.

A história da arte soviética dividiu os mestres da pintura soviética deste período em dois grupos:

• - artistas que procuraram capturar as tramas na linguagem pictórica usual de exibição factual;
• - artistas que usaram uma percepção mais complexa e imaginativa da modernidade.

Eles criaram imagens-símbolos nos quais tentaram expressar sua percepção "poética e inspirada" da época em seu novo estado. Konstantin Yuon criou uma das primeiras obras dedicadas à imagem da revolução (New Planet, 1920, Galeria Tretyakov), onde o evento é interpretado em uma escala cósmica universal. Petrov-Vodkin em 1920 criou a pintura "1918 em Petrogrado (Petrogrado Madonna)", resolvendo nela os problemas éticos e filosóficos da época. Arkady Rylov, como se acreditava, em sua paisagem "In the Blue Space" (1918) também pensa simbolicamente, expressando "o fôlego livre da humanidade, irrompendo nas vastas extensões do mundo, em descobertas românticas, em liberdade e força experiências."

Novas imagens também são rastreadas nos gráficos. Nikolai Kupreyanov "em uma técnica complexa de gravura em madeira procura expressar suas impressões da revolução" ("Carros blindados", 1918; "Salva de Aurora", 1920). Nos anos 1930, a pintura monumental tornou-se um elo indispensável de toda a cultura artística. Dependia do desenvolvimento da arquitetura e estava intimamente associado a ela. As tradições pré-revolucionárias foram continuadas nesta época pelo antigo mundo da arte Yevgeny Lansere - a pintura do salão do restaurante da estação ferroviária de Kazan (1933) demonstra seu desejo por uma forma barroca móvel. Ele rompe o plano do plafond, expandindo o espaço para fora. Deineka, que também nessa época dá uma grande contribuição para a pintura monumental, trabalha de forma diferente. Seus mosaicos na estação Mayakovskaya (1938) foram criados em um estilo moderno: a nitidez do ritmo, a dinâmica dos pontos coloridos locais, a energia dos ângulos, a convencionalidade das imagens de figuras e objetos. Os tópicos são principalmente esportes. Favorsky, famoso artista gráfico, também deu uma contribuição para a pintura monumental: aplicou seu sistema de formas construtivas, desenvolvido na ilustração de livros, a novos problemas. Suas pinturas do Museu da Proteção das Mães e da Infância (1933, juntamente com Lev Bruni) e da Casa das Modelos (1935) mostram sua compreensão do papel do avião, a combinação dos afrescos com a arquitetura baseada na experiência dos antigos Pintura russa. (Ambas as obras não sobreviveram).

O construtivismo se tornou o estilo dominante na arquitetura da década de 1920.

Os construtivistas tentaram usar novas possibilidades técnicas para criar formas simples, lógicas e funcionalmente justificadas, projetos convenientes. Os projetos dos irmãos Vesnin podem servir de exemplo da arquitetura do construtivismo soviético. O mais ambicioso deles, o Palácio do Trabalho, nunca foi implementado, mas teve um impacto significativo no desenvolvimento da arquitetura doméstica. Infelizmente, monumentos arquitetônicos também foram destruídos: apenas na década de 30. em Moscou, a Torre Sukharev, a Catedral de Cristo Salvador, o Mosteiro dos Milagres no Kremlin, o Portão Vermelho e centenas de igrejas urbanas e rurais desconhecidas, muitas das quais de valor histórico e artístico, foram destruídas.

Em conexão com a natureza política da arte soviética, muitas associações e agrupamentos artísticos estão sendo criados com suas próprias plataformas e manifestos. A arte estava em busca e era diversa. Os principais agrupamentos foram AHRR, OST e também "4 arts". A Associação de Artistas da Rússia Revolucionária foi fundada em 1922. O seu núcleo era constituído por ex-Itinerantes, cuja forma teve grande influência na abordagem do grupo - a linguagem realista do quotidiano do movimento Itinerante tardio, "ir ao povo" e exposições temáticas. Além da temática das pinturas (ditadas pela revolução), a AHRR caracterizou-se pela organização de mostras temáticas como “Vida e Vida dos Trabalhadores”, “Vida e Vida do Exército Vermelho”.

Os principais mestres e obras do grupo: Isaac Brodsky ("O discurso de Lenin na fábrica Putilov", "Lenin em Smolny"), Georgy Ryazhsky ("O Delegado", 1927; "Presidente", 1928), o pintor de retratos Sergei Malyutin ( "Retrato de Furmanov", 1922), Abram Arkhipov, Efim Cheptsov ("Reunião da célula da aldeia", 1924), Vasily Yakovlev ("O transporte está melhorando", 1923), Mitrofan Grekov ("Tachanka", 1925, mais tarde " Para o Kuban "e" Trombetas do Primeiro Cavalo ", 1934). A Sociedade de Pintores de Cavalete, fundada em 1925, incluía artistas com visões menos conservadoras em termos de pintura, principalmente alunos do VKHUTEMAS. São eles: Williams "Revolta de Hamburgo"), Deineka ("No canteiro de obras de novas oficinas", 1925; "Antes de descer à mina", 1924; "Defesa de Petrogrado", 1928), Labas Luchishkin ("A bola voou away "," I love life "), Pimenov (" Heavy Industry "), Tyshler, Shterenberg e outros. Eles apoiaram o slogan do renascimento e do desenvolvimento da pintura de cavalete, mas foram guiados não pelo realismo, mas pela experiência dos expressionistas contemporâneos. Destes, eles estavam próximos da industrialização, da vida urbana e dos esportes. A Four Arts Society foi fundada por artistas que antes faziam parte do Mundo da Arte e da Rosa Azul, que se preocupavam com a cultura e a linguagem da pintura. Os membros mais proeminentes da associação são Pavel Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Saryan, Favorsky e muitos outros mestres notáveis. A sociedade foi caracterizada por uma formação filosófica com adequada expressão plástica. A Sociedade de Artistas de Moscou inclui ex-membros das associações "Pintores de Moscou", "Makovets" e "Bytie", bem como membros do "Valete de Diamantes". Os artistas mais ativos: Pyotr Konchalovsky, Ilya Mashkov, Lentulov, Alexander Kuprin, Robert Falk, Vasily Rozhdestvensky, Osmerkin, Sergei Gerasimov, Nikolai Chernyshev, Igor Grabar. Os artistas criaram pinturas "temáticas" usando os "Valetes de Ouros" elaborados e assim por diante. tendências da escola de vanguarda. A criatividade desses grupos era um sintoma do fato de que a consciência dos mestres da geração anterior estava tentando se reconstruir em novas realidades. Na década de 1920, foram realizadas duas grandes exposições, que consolidaram as tendências - aos 10 anos da Revolução de Outubro e do Exército Vermelho, além da “Mostra de Arte dos Povos da URSS” (1927).

A principal esfera de desenvolvimento da literatura na década de 20. sem dúvida é poesia. Em termos de forma, a vida literária permaneceu basicamente a mesma. Como no início do século, os círculos literários deram o tom para ela, muitos dos quais sobreviveram aos tempos difíceis e continuaram a operar na década de 1920: simbolistas, futuristas, acmeistas, etc. Novos círculos e associações estão surgindo, mas a rivalidade entre eles agora vai além da esfera artística e muitas vezes assume uma conotação política. As associações RAPP, "Passe", "Irmãos Serapionovy" e LEF foram da maior importância para o desenvolvimento da literatura.

A RAPP (Associação Russa de Escritores Proletários) tomou forma na I Conferência Sindical de Escritores Proletários em 1925. Ela incluía escritores (entre os mais famosos A. Fadeev e D. Furmanov) e críticos literários. O predecessor do RAPP foi "Proletkult" - uma das organizações mais massivas, fundada em 1917. Eles tratavam quase todos os escritores que não faziam parte de sua organização como "inimigos de classe". Entre os autores que foram atacados pelos membros do RAPP estavam não apenas A. Akhmatova, Z. Gippius, I. Bunin, mas até mesmo “cantores da revolução” reconhecidos como M. Gorky e V. Mayakovsky. A oposição ideológica ao RAPP era o grupo literário Pereval.

O grupo Serapion Brothers foi criado em 1921 na Casa das Artes de Petrogrado. O grupo incluiu escritores famosos como V. Ivanov, M. Zoshchenko, K. Fedin e outros.

LEF é a frente esquerda das artes. As posições dos membros desta organização (V. Mayakovsky, N. Aseev, S. Eisenstein e outros) são bastante contraditórias. Combinando futurismo com inovação no espírito de um culto proletário, eles tiveram uma ideia muito fantástica de criar uma espécie de arte de "produção", que deveria cumprir a função utilitária de fornecer um ambiente favorável para a produção material na sociedade. . A arte era vista como um elemento de construção técnica, sem subtexto, invenção do psicologismo, etc.

De grande importância para o desenvolvimento da literatura russa do século XX. interpretou a poesia de V. Ya. Bryusov, E. G. Bagritsky, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, D. Bedny, poetas "camponeses", cujo representante mais brilhante foi o amigo de Yesenin N. A. Klyuev. Uma página especial na história da literatura russa é a obra de poetas e escritores que não aceitaram a revolução e foram forçados a deixar o país. Entre eles estão nomes como M. I. Tsvetaeva, Z. N. Gippius, I. A. Bunin, A. N. Tolstoy, V. V. Nabokov. Alguns deles, percebendo a impossibilidade de viverem longe de sua terra natal, voltaram posteriormente (Tsvetaeva, Tolstoi). Tendências modernistas na literatura foram manifestadas na obra de E. I. Zamyatin, o autor do romance antiutópico de ficção científica "Nós" (1924). Literatura satírica dos anos 20 representado pelas histórias de M. Zoshchenko; romances dos co-autores I. Ilf (I. A. Fainzilberg) e E. Petrov (E. P. Kataev) "Doze cadeiras" (1928), "O bezerro de ouro" (1931), etc.

Na década de 30. existem várias obras importantes que entraram para a história da cultura russa. Sholokhov cria os romances "Quiet Don", "Virgin Land Upturned". O trabalho de Sholokhov recebeu reconhecimento mundial: ele recebeu o Prêmio Nobel por seus méritos literários. Nos anos trinta, M. Gorky completou seu último romance épico “A Vida de Klim Samgin”. A obra de N. A. Ostrovsky, autor do romance "Como o aço foi temperado" (1934), foi muito popular. A. N. Tolstoy ("Peter I" 1929-1945) tornou-se um clássico do romance histórico soviético. Os anos 20 e 30 foram o apogeu da literatura infantil. Várias gerações de soviéticos cresceram nos livros de K. I. Chukovsky, S. Ya. Marshak, A. P. Gaidar, S. V. Mikhalkov, A. L. Barto, V. A. Kaverin, L. A. Kassil, V. P. Kataeva.

Em 1928, perseguido pela crítica soviética, MA Bulgakov, sem qualquer esperança de publicação, começa a escrever seu melhor romance, O Mestre e Margarita. O trabalho no romance continuou até a morte do escritor em 1940. Este trabalho foi publicado apenas em 1966. No final dos anos 80, as obras de A.P. Platonov (Klimentov) "Chevengur", "Pit", "Juvenile Sea" foram publicadas ... Os poetas AA Akhmatova e BL Pasternak trabalharam na mesa. O destino de Mandelstam (1891-1938) é trágico. O poeta de extraordinária força e grande precisão pictórica estava entre os escritores que, tendo uma vez aceitado a Revolução de Outubro, não podiam se dar bem na sociedade de Stalin. Em 1938 ele foi reprimido.

Na década de 30. A União Soviética está gradualmente começando a se isolar do resto do mundo. Muitos escritores russos ficaram por trás da "Cortina de Ferro", que, apesar de tudo, continuam trabalhando. O poeta e escritor de prosa Ivan Alekseevich Bunin (1870-1953) foi um escritor de primeira grandeza. Desde o início, Bunin não aceitou a revolução e emigrou para a França (a história "O Amor de Mitya", o romance "A Vida de Arseniev", a coleção de histórias "Becos Negros"). Em 1933 ele recebeu o Prêmio Nobel.

No início dos anos 30. a existência de círculos e grupos criativos livres chegou ao fim. Em 1934, no I Congresso de Escritores Soviéticos de toda a União, foi organizada a "União dos Escritores", na qual todas as pessoas que estavam engajadas na obra literária foram forçadas a aderir. O Sindicato dos Escritores tornou-se um instrumento de controle total das autoridades sobre o processo criativo. Era impossível não ser membro do Sindicato, pois, nesse caso, o escritor estava privado da oportunidade de publicar suas obras e, além disso, poderia ser processado por "parasitismo". M. Gorky esteve na origem desta organização, mas sua presidência não durou muito. Após sua morte em 1936, A. A. Fadeev tornou-se o presidente. Além do "Sindicato dos Escritores", foram organizados outros sindicatos "criativos": "Sindicato dos Artistas", "Sindicato dos Arquitetos", "Sindicato dos Compositores". Um período de uniformidade começou na arte soviética.

A revolução desencadeou poderosos poderes criativos. Isso também afetou o desenvolvimento da arte teatral nacional. Muitos grupos teatrais surgiram. Um papel importante no desenvolvimento da arte teatral foi desempenhado pelo Teatro Dramático Bolshoi em Leningrado, cujo primeiro diretor artístico foi A. Blok; V. Meyerhold, teatro. E. Vakhtangov, Teatro de Moscou. Mossovet.

Em meados da década de 1920, surgiu o drama soviético, que teve um enorme impacto no desenvolvimento da arte teatral. Os maiores eventos das temporadas teatrais 1925-1927. tornou-se "Storm" V. Bill-Belotserkovsky no teatro. MGSPS, “Love Yarovaya” de K. Trenev no Teatro Maly, “Rift” de B. Lavrenev no teatro. E. Vakhtangov e no Teatro Dramático Bolshoi, "Trem blindado 14-69" V. Ivanov no Teatro de Arte de Moscou. Os clássicos ocupam lugar de destaque no repertório teatral. As tentativas de relê-lo foram feitas tanto por teatros acadêmicos (“Ardent Heart” por A. Ostrovsky no Teatro de Arte de Moscou) e por “esquerdistas” (“A Floresta” por A. Ostrovsky e “Inspetor Geral” por N. Gogol no V. Meyerhold Theatre).

Se os teatros de teatro reestruturaram seu repertório no final da primeira década soviética, o lugar principal nas atividades dos grupos de ópera e balé ainda era ocupado pelos clássicos. O único grande sucesso em refletir o tema contemporâneo foi a encenação do balé “Red Poppy” de R. Glier (“Flor Vermelha”). L.V. Sobinov, A.V. Nezhdanova, N.S. Golovanov, trupe do Teatro de Arte de Moscou, Teatro de Câmara, Estúdio. E. Vakhtangova, Quarteto de Antigos Instrumentos Russos

A vida musical do país naqueles anos está associada aos nomes de S. Prokofiev, D. Shostakovich, A. Khachaturyan, T. Khrennikov, D. Kabalevsky, I. Dunaevsky e outros. Jovens maestros E. Mravinsky e B. Khaikin veio à tona. Foram criados conjuntos musicais que posteriormente glorificaram a cultura musical nacional: o Quarteto deles. Beethoven, a Grande Orquestra Sinfônica do Estado, a Orquestra Filarmônica do Estado, etc. Em 1932, foi formada a União dos Compositores da URSS.

Junto com os atores da geração anterior (M. N. Ermolova, A. M. Yuzhin, A. A. Ostuzhev, V. I. Kachalov, O. L. Knipper-Chekhova), surgiu um novo teatro revolucionário. A busca por novas formas de expressividade cênica é característica do teatro, que funcionou sob a direção de V.E. Meyerhold (hoje Meyerhold Theatre). No palco deste teatro foram encenadas peças de V. Mayakovsky "Mystery-Buff" (1921), "Bedbug" (1929) e outros. Uma contribuição importante para o desenvolvimento do teatro foi feita pelo diretor da 3ª Moscou Art Theatre Studio EB Vakhtangov; organizador e diretor do Teatro de Câmara, reformador das artes cênicas A. Ya. Tairov.

Um dos fenômenos mais importantes e interessantes da história da cultura dos anos 20. foi o início do desenvolvimento do cinema soviético. A cinematografia documental está se desenvolvendo, que se tornou uma das ferramentas mais eficazes de luta e agitação ideológica, junto com o pôster. Um marco importante no desenvolvimento de filmes de ficção foi o filme de Sergei Mikhailovich Eisenstein (1898 - 1948) "Battleship Potemkin" (1925), que foi uma das obras-primas do mundo. Os Simbolistas, Futuristas, Impressionistas, Imaginistas, etc., caíram sob uma enxurrada de críticas.Eles foram acusados ​​de "reviravoltas formalistas", de que sua arte não era necessária ao povo soviético, de que era hostil ao socialismo. O compositor D. Shostakovich, o diretor S. Eisenstein, os escritores B. Pasternak, Yu. Olesha e outros estavam entre os "alienígenas". Muitos trabalhadores da arte foram reprimidos.

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