Pinturas famosas em guache. Pinturas a guache de artistas famosos
Os rostos das pessoas na maioria das pinturas do artista estão escurecidos ou virados para o lado. Isso é feito para expressar emoções e para que o corpo "fale". “Sempre procurei mostrar ao mundo apenas os momentos positivos da vida. Espero que meu trabalho traga alegria, paz e conforto para a vida do espectador ”, diz Hanks.
Aguarela chuvosa Lin Ching Che
O talentoso artista Lin Ching-Che tem 27 anos. Ele é inspirado pela chuva de outono. As ruas nubladas da cidade fazem com que o cara não sinta melancolia e desânimo, mas pegue um pincel nas mãos. Lin Ching Che pinta pinturas em aquarela. Com água multicolorida, ele glorifica a beleza chuvosa das megacidades.
A fantasia fervilhante de Arusha Votsmush
Um talentoso artista de Sevastopol Alexander Shumtsov está escondido sob o pseudônimo de Arush Votsmush. O artista diz sobre suas pinturas: “Não estou tentando provar nada a ninguém com minhas obras. Eu gosto em primeiro lugar. Esta é a pura droga da criatividade. Ou uma vida limpa - sem doping. É apenas um milagre. "
O charme de Paris nas obras de Thierry Duval
O artista parisiense Thierry Duval viajou muito. Daí a presença de séries inteiras de pinturas sobre a "base geográfica". No entanto, Paris foi e continua sendo o lugar favorito do autor. A maior parte das obras é dedicada especificamente à cidade dos amantes. Ele tem sua própria técnica de pintura em aquarela multicamadas, o que lhe permite criar pinturas com detalhes quase hiper-realistas.
Tranquilidade noturna de Joseph Zbukvich
Hoje, o australiano croata Joseph Zbukvic é considerado um dos pilares da aquarela em todo o mundo. O artista apaixonou-se pela aquarela literalmente desde a primeira pincelada, ficou impressionado com a indomável e individualidade desta técnica.
Os segredos do Oriente através dos olhos de Myo Vin Ong
O artista Myoe Win Aung dedicou todo o seu trabalho à sua Birmânia natal, sua vida cotidiana e feriados, leigos e monges, vilas e cidades. Este mundo é calmo, vestido em tons suaves, misterioso e levemente pensativo, como o sorriso de Buda.
A incrível aquarela de Joe Francis Dowden
O artista inglês Joe Francis Dowden pinta aquarelas hiper-realistas. E ele acredita que todos podem fazer isso, basta conhecer os segredos da tecnologia. O segredo de sua inspiração é extremamente simples: "Jogue fora os livros didáticos de aquarela e se perca na floresta real."
A magia do balé de Liu Yi
As aquarelas deste artista chinês podem ser chamadas de arte sobre arte. Afinal, seu tema preferido são as imagens de pessoas que se relacionam diretamente com ele, por exemplo, bailarinas ou músicos clássicos. A forma como são apresentados nas pinturas é peculiar: as pessoas parecem emergir de uma névoa tênue, emocional e muito característica. Em certa medida, eles têm algo em comum com as imagens das bailarinas do artista francês Edgar Degas.
Pintura do sol por Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki recebeu uma educação artística e dedicou 20 anos ao ensino, nunca desistindo de seu sonho de se tornar um artista. Em 2008, ele finalmente abandonou a profissão de professor e se dedicou inteiramente à autorrealização criativa.
Manhã Rústica de Christian Graniu
SÃO PETERSBURGO. “Gouache dois O” - é assim que se chama o Museu Erarta, no dia 20 de maio, apresentou uma mostra coletiva de artistas, cujas obras são realizadas em guache. Os organizadores da mostra notaram que hoje não são muitos os artistas que usam guache e papel para completar suas obras.
A maioria dos pintores prefere criar pinturas a óleo, acrílico, têmpera. As técnicas tradicionais de arte estão gradualmente sendo substituídas pela computação gráfica. O guache no papel tornou-se uma técnica muito distante dos interesses comerciais. No entanto, tal atitude em relação aos trabalhos feitos em guache fez com que surgissem artistas que escolheram esta técnica para a alma, que a tornaram uma arte pura que não depende dos interesses do mercado.
O guache, como a aquarela, exige que os artistas usem com maestria o pincel, habilidade e coragem. Em trabalhos realizados com tintas à base de água, é impossível corrigir os erros cometidos, portanto, não deveriam ser.
Em diferentes países, as obras de guache são classificadas como diferentes tipos de técnicas artísticas. No exterior, obras escritas em guache são consideradas pinturas. Especialistas russos atribuem a técnica do guache aos gráficos originais.
É sabido que os artistas usavam guache ainda na antiguidade. A obra foi feita em guache pelos grandes artistas que viveram no século XX. Seus nomes são conhecidos por todos que nem mesmo se consideram conhecedores de arte - Picasso, Matisse, Chagall.
A exposição da exposição "Gouache Two O" é composta por obras de artistas que sabem desfrutar da criatividade, pelo que as suas pinturas são carregadas de optimismo e romance. Obras pertencentes a Aron Zinshtein, Alexander Kosenkov, Igor Kamyanov, Evgenia Golant e outros pintores de guache podem ser vistos no Museu Erarta até 7 de julho.
Site Ludmila Trautmane ©
- "The ABC of Moonlight" por Boris Grebenshchikov no Museu Erarta
- O Erarta Museum apresentou uma exposição "Private Life" na Surgut Gallery of Contemporary Art "Sterkh"
A pintura russa é devidamente distinguida do mundo da arte. O fato é que até o século XVII a pintura russa era associada exclusivamente a um tema religioso. A situação mudou com a chegada ao poder do czar-reformador - Pedro o Grande. Graças às suas reformas, os mestres russos começaram a se envolver na pintura secular, houve uma separação da pintura de ícones como uma direção separada. O século XVII é a época de artistas como Simon Ushakov e Joseph Vladimirov. Então, no mundo da arte russa, o retrato nasceu e rapidamente se tornou popular. No século XVIII, surgiram os primeiros pintores que passaram da pintura de retratos à pintura de paisagens. Uma pronunciada simpatia dos mestres pelos panoramas de inverno é perceptível. O século XVIII também foi lembrado pelo nascimento da pintura cotidiana. No século XIX, até três tendências ganharam popularidade na Rússia: romantismo, realismo e classicismo. Como antes, os artistas russos continuaram a se voltar para o gênero do retrato. Foi então que apareceram os retratos e autorretratos mundialmente famosos de O. Kiprensky e V. Tropinin. Na segunda metade do século XIX, os artistas cada vez mais retratam o simples povo russo em seu estado oprimido. O realismo se tornou a tendência central na pintura deste período. Foi então que os Wanderers apareceram, retratando apenas a vida real, real. Bem, o século vinte é, claro, a vanguarda. Os artistas daquela época influenciaram muito seus seguidores na Rússia e em todo o mundo. Suas pinturas se tornaram as precursoras da arte abstrata. A pintura russa é um mundo enorme e incrível de artistas talentosos que glorificaram a Rússia com suas criações
A artista de Voronezh Olga Brazhnikova é conhecida por seus trabalhos brilhantes e ensolarados feitos em guache. O caminho para a arte não foi fácil para ela, desistindo do emprego de designer, ingressou na Voronezh Art School, e este ano se formou na Universidade Pedagógica com uma licenciatura em Belas Artes. Olga trabalha principalmente com guache e destrói os estereótipos associados a este material. Para a Umbra Media, a artista mostrou seu estúdio caseiro e contou como seu trabalho mudou sua vida.
Sobre estudo
"Escapou do trabalho na fábrica"
- Quando você percebeu que queria se tornar um artista?
- Sempre gostei de desenhar, mas na visão dos meus pais (minha mãe era contadora, meu pai ainda trabalha numa fábrica de aviões), artista é uma profissão frívola. Então eu tive que ir para a faculdade de aviação. Não entendo como consegui terminar. Minha habilidade de desenhar ajudou muito, fiz jornais de parede para testes. Quando meus estudos chegaram ao fim, percebi que nunca iria para a fábrica. E eu fui para uma escola de arte noturna, para que pelo menos algo para minha alma. O professor me convidou para entrar na Escola de Arte de Voronezh.
- Como seus pais perceberam que você queria ser artista?
“Eles não acreditaram que eu faria isso. Foi uma história engraçada. Papai disse que conhecia um homem que poderia fazer um retrato de Lenin com um pedaço de pau na areia! E se eu não posso fazer isso, então não sou um artista. Apesar de tudo, estava a preparar-me para entrar, frequentei cursos de 2 a 3 meses, estudei desenho separadamente com um professor. E quando entrei, meus pais me apoiaram e ficaram felizes. E só mais tarde, quando começaram a levar minhas obras para exposições, acreditaram em mim. Depois da faculdade, acabei em uma empresa de defesa, onde ainda trabalho como designer. Tive uma pausa bastante longa - sete anos, mas depois decidi voltar à pintura e à criatividade. Em 2013, ela ingressou na Universidade Pedagógica do Estado de Voronezh, onde se formou este ano.
Sobre materiais
"Poucos acreditam que minhas pinturas são pintadas a guache"
- Por que você escolheu o guache, por que se interessou por esse material?
- Me interessei por guache no instituto pedagógico. Anteriormente, eu percebia isso mais como um estágio de transição para o petróleo. Mas agora é meu material favorito. Seca rapidamente, sem cheiro, dá pinceladas texturizadas e cores vivas. Escrevo pastoso, não diluo guache com água. Normalmente desenho em papel grosso. Óleo, é claro, não é tão conveniente para trabalhar em um apartamento. Especialmente considerando que meu gato se esforça constantemente para entrar em algum tipo de jarro. Uma vez que eu estava pintando a óleo, me distraí por um tempo, e ela já entrou na tinta azul e deixou marcas de patas por todo o apartamento. Depois, limpamos essas marcas a noite toda.
- O que você acha do fato de o guache ser freqüentemente chamado de material "infantil"?
- Me parece que isso é um estereótipo e preconceito. Foi no guache, na opinião dos meus colegas, que desenvolvi o meu próprio estilo. Quando posto meu trabalho na Internet, muitos escrevem o quanto se surpreendem com o fato de as pinturas terem sido pintadas a guache, não a óleo. O guache não é a criatividade das crianças, mas sim um material que vale a pena. Parece-me que, em geral, qualquer material pode criar obras-primas, o material não desempenha um papel primordial aqui.
- O quê te inspira?
- Eu amo paisagens urbanas. Casas que já viveram e têm sua própria história me fascinam. Normalmente eu ando pela cidade, tiro histórias e escrevo em casa. Eu amo a profusão de cores e traços texturizados. E entre os artistas contemporâneos, sou muito inspirado pelas aquarelas de Arusha Votsmush.
- Em que ambiente você gosta de trabalhar - no silêncio, ou ao som da música?
- Quando escrevo, ouço principalmente o bom e velho rock. Algumas das minhas bandas favoritas são "Aquarium" e The Doors
- É amplamente sabido que a formação acadêmica “mata” a individualidade do artista. O que você pensa sobre isso?
- Parece-me que a educação no campo da arte é mais importante do que nunca agora. Quando você assiste aos mesmos tutoriais em vídeo pela Internet, não é cúmplice no processo, e isso é necessário. Acho que a formação acadêmica me ajuda a adquirir habilidades de desenho. Estudei com Alexander Starilov, ele era um artista versátil, arquiteto, inovador. Ele acreditava que se devia ter uma educação clássica, e depois buscar o próprio estilo, o mesmo primitivismo não nasce do nada. E eu concordo com ele.
Sobre implementação
"Um artista é mais do que uma profissão"
- Como você consegue conciliar o trabalho de um designer, criatividade e família?
- Difícil, escrevo principalmente nos finais de semana. E a filha já é adulta, não é preciso estar com ela o tempo todo, ela já está cheia de interesses próprios. Durante o período em que não estava pintando, sentia constantemente que me faltava. Agora não vou abrir mão da pintura, gosto de ser criativo e pesquisar. Ser artista é o sentido da vida para mim e mais do que uma profissão. A criação de uma pintura é uma espécie de mistério para mim, embora, claro, do ponto de vista técnico, não haja mistério. Mas o processo é sempre intrigante - me pergunto o que vai sair no final.
- Quais são seus planos para um futuro próximo? Você gostaria de ter sua própria oficina?
- Quero muito participar de exposições, e não ficar isolado no meu espaço. Espero que em breve eu possa fazer uma exposição pessoal na escola de arte. E o workshop talvez seja apenas um assunto para um futuro distante. Até agora, todos os meus trabalhos estão localizados no apartamento. Recentemente, fizemos uma renovação. As paredes foram especialmente pintadas de branco para que as pinturas pudessem ser penduradas. Organizei o espaço de trabalho de forma que houvesse ar ao redor e muita luz. Até agora, não foi coberto com todos os tipos de objetos e detalhes interessantes, mas acho que não será por muito tempo.
Ainda vou aos blogs de vários artistas e olho de perto o guache com que as pessoas trabalham. (Eu também tenho o meu próprio, mas preciso ver o que as pessoas estão fazendo.) Percebi que a aquarela não é boa para mim, pessoalmente, para o ar puro. Você precisa de algo mais cobrindo e secando mais rápido. E ao mesmo tempo menos caprichoso. Portanto, o guache agora parece ser uma opção mais ideal para o trabalho do plein air, quando a luz, as condições climáticas mudam muito rapidamente e não há realmente nenhuma conveniência.
Ainda não estou maduro para o óleo, preciso carregar muitos pesos, inclusive telas ou pranchas para o trabalho, além de uma caixa especial para esboços para que não manche durante o transporte. E mesmo agora, quando estou equipada para trabalhar com aquarelas, pastéis e lápis de cor, meus ombros simplesmente se soltam. Tanto que depois das últimas viagens do mês passado, moro com Voltaren. Este não é um homem, se tanto. É uma pomada para dores nos músculos e nas articulações.
Meus artistas favoritos do plein air agora são James Gurney e Nathan Fowkes. Descobriu-se que ambos são ilustradores, como eu, que vão ao ar livre ou buscam inspiração e para desenvolver músculos artísticos. Eu não os escolhi com base neste princípio - simplesmente aconteceu. James é famoso por sua "Dinotopia" (aliás, seu livro sobre desenho em russo "Color and Light" foi publicado recentemente, em inglês aqui: Color and Light: A Guide for the Realist Painter (James Gurney Art)), e Nathan é um artista-animador (você pode aprender com ele em www.schoolism.com). E assim gosto da ousadia e rapidez com que estes dois camaradas trabalham ao ar livre com guache, que até as pontas dos dedos picam - quero apressar-me e esculpir-me com guache ou caseína.
Trabalhos de James Garney daqui
Trabalhos de Nathan Fawkes daqui
Esses são meus heróis agora, em geral. Eu gostaria de mover em meus trabalhos da natureza do desenho detalhado para uma pincelada mais livre. Mas não porque parei de amar a desperdiçar com os detalhes - isso não vai acontecer, eu os amo. E porque depois do plein air gostaria de ver obras acabadas ou quase acabadas que pudessem servir para telas mais sérias. Porque agora, enquanto trago à mente os esboços da natureza e acabo de desenhar - de memória e de foto - já não tenho forças para uma repetição maior.
Em busca de variedades de guache, me deparei com outro ilustrador talentoso, a quem não vou me referir aqui, porque ele me causa algumas contradições internas. Além disso, muitas vezes me deparei com o fato de que é inútil perguntar a ilustradores ocidentais sobre materiais ou algumas sutilezas de trabalho. Em 90% dos casos, eles simplesmente não respondem e não são particularmente divulgados no tópico de como exatamente eles funcionam. Eu entendo perfeitamente a posição deles, mas considero fu. Mas então descobriu-se que existe um grau ainda mais superlativo. O talentoso ilustrador, para quem NÃO estou linkando, responde a todas as perguntas sobre a técnica e os materiais usados de forma muito clara: "Envie-me um e-mail para adquirir as informações". A princípio pensei que ele estava simplesmente lacrado quando vi a assinatura e embaixo de uma das obras após a lista de materiais utilizados. Porque as informações de compra são informações sobre a compra, mas comprar as informações é a compra de informações. Mas não. Uma pessoa realmente compartilha informações apenas por dinheiro. E ainda não entendo como me sinto a respeito.
Por um lado, ele está certo. Essa informação também não caiu do céu para ele. Ele investiu tempo e dinheiro em sua técnica. É assustador pensar quanto dinheiro já gastei para encontrar os melhores materiais para mim. Assim é com ele. Por que ele deveria compartilhar agora com alguém de graça? Eu mesmo já me deparei com bastante frequência com o fato de que minhas histórias detalhadas ou tópicos e lições atenciosas que as pessoas recebiam de graça eram usados para master classes inteiras, ou seja, eram monetizadas e tudo me passava para o cofrinho de outra pessoa, inclusive para o reconhecimento do cofrinho. Mas também existe a troca criativa. Sem ele, não há desenvolvimento normal. Existe apenas estagnação. E se fossem minhas informações, que compartilhei de todo o coração, que ajudassem um artista muito bacana a se levantar ?! Afinal, sem ele o mundo seria muito mais pobre.
Outro ponto. Pessoalmente, não estou pronto para pagar uma pessoa por informações, das quais posso facilmente passar sem (bem, vou procurar mais para o que está lá). Para a master class - sim. E para uma frase, com que rolo ele aplica tinta ou em que proporções ele dilui - ao invés, não. Porém, este também é um pagamento pelo tempo despendido com explicações! E de repente esse detalhe em particular me ajudaria mais do que qualquer master class? Um tema muito complexo.
O que você pensa sobre isso? Os artistas estão fazendo a coisa certa ao monetizar todo o seu conhecimento? Eles são bons companheiros ou isso é nojento? Só, por favor, não me fale sobre o meio dourado, que pode ser compartilhado gratuitamente e ao mesmo tempo traduzido em notas por várias master classes e vendas. Isso está fora de questão. É compreensível que você possa fazer isso de uma forma inteligente, como. E o intransigente "Envie-me um e-mail para comprar essas informações"?
Os rostos das pessoas na maioria das pinturas do artista estão escurecidos ou virados para o lado. Isso é feito para expressar emoções e para que o corpo "fale". “Sempre procurei mostrar ao mundo apenas os momentos positivos da vida. Espero que meu trabalho traga alegria, paz e conforto para a vida do espectador ”, diz Hanks.
Aguarela chuvosa Lin Ching Che
O talentoso artista Lin Ching-Che tem 27 anos. Ele é inspirado pela chuva de outono. As ruas nubladas da cidade fazem com que o cara não sinta melancolia e desânimo, mas pegue um pincel nas mãos. Lin Ching Che pinta pinturas em aquarela. Com água multicolorida, ele glorifica a beleza chuvosa das megacidades.
A fantasia fervilhante de Arusha Votsmush
Um talentoso artista de Sevastopol Alexander Shumtsov está escondido sob o pseudônimo de Arush Votsmush. O artista diz sobre suas pinturas: “Não estou tentando provar nada a ninguém com minhas obras. Eu gosto em primeiro lugar. Esta é a pura droga da criatividade. Ou uma vida limpa - sem doping. É apenas um milagre. "
O charme de Paris nas obras de Thierry Duval
O artista parisiense Thierry Duval viajou muito. Daí a presença de séries inteiras de pinturas sobre a "base geográfica". No entanto, Paris foi e continua sendo o lugar favorito do autor. A maior parte das obras é dedicada especificamente à cidade dos amantes. Ele tem sua própria técnica de pintura em aquarela multicamadas, o que lhe permite criar pinturas com detalhes quase hiper-realistas.
Tranquilidade noturna de Joseph Zbukvich
Hoje, o australiano croata Joseph Zbukvic é considerado um dos pilares da aquarela em todo o mundo. O artista apaixonou-se pela aquarela literalmente desde a primeira pincelada, ficou impressionado com a indomável e individualidade desta técnica.
Os segredos do Oriente através dos olhos de Myo Vin Ong
O artista Myoe Win Aung dedicou todo o seu trabalho à sua Birmânia natal, sua vida cotidiana e feriados, leigos e monges, vilas e cidades. Este mundo é calmo, vestido em tons suaves, misterioso e levemente pensativo, como o sorriso de Buda.
A incrível aquarela de Joe Francis Dowden
O artista inglês Joe Francis Dowden pinta aquarelas hiper-realistas. E ele acredita que todos podem fazer isso, basta conhecer os segredos da tecnologia. O segredo de sua inspiração é extremamente simples: "Jogue fora os livros didáticos de aquarela e se perca na floresta real."
A magia do balé de Liu Yi
As aquarelas deste artista chinês podem ser chamadas de arte sobre arte. Afinal, seu tema preferido são as imagens de pessoas que se relacionam diretamente com ele, por exemplo, bailarinas ou músicos clássicos. A forma como são apresentados nas pinturas é peculiar: as pessoas parecem emergir de uma névoa tênue, emocional e muito característica. Em certa medida, eles têm algo em comum com as imagens das bailarinas do artista francês Edgar Degas.
Pintura do sol por Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki recebeu uma educação artística e dedicou 20 anos ao ensino, nunca desistindo de seu sonho de se tornar um artista. Em 2008, ele finalmente abandonou a profissão de professor e se dedicou inteiramente à autorrealização criativa.
Manhã Rústica de Christian Graniu
Francês Christian Graniu (
A artista de Voronezh Olga Brazhnikova é conhecida por seus trabalhos brilhantes e ensolarados feitos em guache. O caminho para a arte não foi fácil para ela, desistindo do emprego de designer, ingressou na Voronezh Art School, e este ano se formou na Universidade Pedagógica com uma licenciatura em Belas Artes. Olga trabalha principalmente com guache e destrói os estereótipos associados a este material. Para a Umbra Media, a artista mostrou seu estúdio caseiro e contou como seu trabalho mudou sua vida.
Sobre estudo
"Escapou do trabalho na fábrica"
- Quando você percebeu que queria se tornar um artista?
Sempre gostei de desenhar, mas para meus pais (minha mãe trabalhava como contadora, meu pai ainda trabalha em uma fábrica de aviões), artista é uma profissão frívola. Então eu tive que ir para a faculdade de aviação. Não entendo como consegui terminar. Minha habilidade de desenhar ajudou muito, fiz jornais de parede para testes. Quando meus estudos chegaram ao fim, percebi que nunca iria para a fábrica. E eu fui para uma escola de arte noturna, para que pelo menos algo para minha alma. O professor me convidou para entrar na Escola de Arte de Voronezh.
- Como seus pais perceberam que você queria ser artista?
Eles não acreditaram que eu faria isso. Foi uma história engraçada. Papai disse que conhecia um homem que poderia fazer um retrato de Lenin com um pedaço de pau na areia! E se eu não posso fazer isso, então não sou um artista. Apesar de tudo, estava a preparar-me para entrar, frequentei cursos de 2 a 3 meses, estudei desenho separadamente com um professor. E quando entrei, meus pais me apoiaram e ficaram felizes. E só mais tarde, quando começaram a levar minhas obras para exposições, acreditaram em mim. Depois da faculdade, acabei em uma empresa de defesa, onde ainda trabalho como designer. Tive uma pausa bastante longa - sete anos, mas depois decidi voltar à pintura e à criatividade. Em 2013, ela ingressou na Universidade Pedagógica do Estado de Voronezh, onde se formou este ano.
Sobre materiais
"Poucos acreditam que minhas pinturas são pintadas a guache"
- Por que você escolheu o guache, por que se interessou por esse material?
Me interessei por guache no instituto pedagógico. Anteriormente, eu percebia isso mais como um estágio de transição para o petróleo. Mas agora é meu material favorito. Seca rapidamente, sem cheiro, dá pinceladas texturizadas e cores vivas. Escrevo pastoso, não diluo guache com água. Normalmente desenho em papel grosso. Óleo, é claro, não é tão conveniente para trabalhar em um apartamento. Especialmente considerando que meu gato se esforça constantemente para entrar em algum tipo de jarro. Uma vez que eu estava pintando a óleo, me distraí por um tempo, e ela já entrou na tinta azul e deixou marcas de patas por todo o apartamento. Depois, limpamos essas marcas a noite toda.
- O que você acha do fato de o guache ser freqüentemente chamado de material "infantil"?
Parece-me que isso é um estereótipo e preconceito. Foi no guache, na opinião dos meus colegas, que desenvolvi o meu próprio estilo. Quando posto meu trabalho na Internet, muitos escrevem o quanto se surpreendem com o fato de as pinturas terem sido pintadas a guache, não a óleo. O guache não é a criatividade das crianças, mas sim um material que vale a pena. Parece-me que, em geral, qualquer material pode criar obras-primas, o material não desempenha um papel primordial aqui.
- O quê te inspira?
Eu amo paisagens urbanas. Casas que já viveram e têm sua própria história me fascinam. Normalmente eu ando pela cidade, tiro histórias e escrevo em casa. Eu amo a profusão de cores e traços texturizados. E entre os artistas contemporâneos, sou muito inspirado pelas aquarelas de Arusha Votsmush.
- Em que ambiente você gosta de trabalhar - no silêncio, ou ao som da música?
Quando escrevo, ouço principalmente o bom e velho rock. Algumas das minhas bandas favoritas são "Aquarium" e The Doors
É amplamente aceito que a formação acadêmica "mata" a personalidade do artista. O que você pensa sobre isso?
Parece-me que a educação no campo da arte é mais importante do que nunca agora. Quando você assiste aos mesmos tutoriais em vídeo pela Internet, não é cúmplice no processo, e isso é necessário. Acho que a formação acadêmica me ajuda a adquirir habilidades de desenho. Estudei com Alexander Starilov, ele era um artista versátil, arquiteto, inovador. Ele acreditava que se devia ter uma educação clássica, e depois buscar o próprio estilo, o mesmo primitivismo não nasce do nada. E eu concordo com ele.
Sobre implementação
"Um artista é mais do que uma profissão"
- Como você consegue conciliar o trabalho de um designer, criatividade e família?
Difícil, escrevo principalmente nos fins de semana. E a filha já é adulta, não é preciso estar com ela o tempo todo, ela já está cheia de interesses próprios. Durante o período em que não estava pintando, sentia constantemente que me faltava. Agora não vou abrir mão da pintura, gosto de ser criativo e pesquisar. Ser artista é o sentido da vida para mim e mais do que uma profissão. A criação de uma pintura é uma espécie de mistério para mim, embora, claro, do ponto de vista técnico, não haja mistério. Mas o processo é sempre intrigante - me pergunto o que vai sair no final.
- Quais são seus planos para um futuro próximo? Você gostaria de ter sua própria oficina?
Quero muito participar de exposições, e não ficar isolada no meu espaço. Espero que em breve eu possa fazer uma exposição pessoal na escola de arte. E o workshop talvez seja apenas um assunto para um futuro distante. Até agora, todos os meus trabalhos estão localizados no apartamento. Recentemente, fizemos uma renovação. As paredes foram especialmente pintadas de branco para que as pinturas pudessem ser penduradas. Organizei o espaço de trabalho de forma que houvesse ar ao redor e muita luz. Até agora, não foi coberto com todos os tipos de objetos e detalhes interessantes, mas acho que não será por muito tempo.
Em uma casa de campo quente de verão ou em uma nevasca prolongada. Do conforto da sua casa, você pode encontrar inspiração em frutas comuns ou cores incomuns. O assunto não tenta virar a cabeça, como em um retrato, e não muda as sombras a cada segundo para a luz, como em uma paisagem. É por isso que o gênero de natureza morta é bom. E "natureza morta" em francês, ou "vida tranquila das coisas" na versão holandesa, anima muito o interior. Natalia Letnikova apresenta as 7 principais naturezas-mortas de artistas russos.
"Violetas da floresta e não-me-esqueças"
Violetas da floresta e miosótis
A pintura de Isaac Levitan é como um céu azul e uma nuvem branca - do cantor da natureza russa. Só na tela não há espaços abertos nativos, mas um buquê de flores silvestres. Dentes-de-leão, lilases, centáureas, imortelas, samambaias e azaléias ... Depois da floresta, o ateliê do artista se transformou "em uma estufa ou em uma floricultura". Levitan adorava naturezas mortas de flores e ensinou seus alunos a ver tanto cores quanto inflorescências: "É necessário que não cheirem a tinta, mas a flores."
"Maçãs e Folhas"
Maçãs e Folhas
As obras de Ilya Repin originam organicamente a atmosfera brilhante do Museu Russo. O artista Wanderer compilou uma composição para seu aluno, Valentin Serov. O resultado foi tão pitoresco que o próprio professor pegou o pincel. Seis maçãs de um jardim comum - amarrotadas e com "barricas", e um monte de folhas, sombreadas com cores outonais, como fonte de inspiração.
"Buquê de flores. Phlox "
Buquê de flores. Phlox
Pintura de Ivan Kramskoy. “Uma pessoa talentosa não perderá tempo com a imagem, por exemplo, de bacias, peixes, etc. É bom para quem já tem tudo, mas temos muito o que fazer”, escreveu Kramskoy a Vasnetsov. E, no entanto, o gênero de natureza morta no final de sua vida não foi ignorado pelo famoso pintor de retratos. Um bouquet de flox num vaso de vidro foi apresentado na XII exposição itinerante. A foto foi comprada antes mesmo da abertura do dia de estreia.
"Natureza morta"
Natureza morta
Kazimir Malevich em seu caminho para a "Praça Negra" através do impressionismo e cubismo, contornando o realismo. Uma fruteira é fruto de buscas criativas, mesmo dentro da mesma pintura: as grossas linhas pretas da técnica francesa Cloisonne, pratos planos e frutas volumosas. Todos os componentes da imagem são unidos apenas pela cor. A característica de um artista é brilhante e rica. Como um desafio às cores pastel da vida real.
"Herring and Lemon"
Arenque e limão
Quatro filhos e pintura. Essa combinação na vida do artista dita inequivocamente o gênero. Foi o que aconteceu com Zinaida Serebryakova. Numerosos retratos de família e naturezas mortas, que podem ser utilizados para compor um menu: "Cesta de Frutas", "Espargos e Morangos", "Uvas", "Peixe no Verde" ... Nas mãos de um verdadeiro mestre, e "Arenque e limão "se tornará uma obra de arte. Poesia e simplicidade: uma casca de limão em espiral e um peixe sem delícias.
"Natureza morta com um samovar"
Natureza morta com um samovar
Discípulo de Serov, Korovin e Vasnetsov, "Valete de Ouros" - Ilya Mashkov adorava retratar o mundo ao seu redor, mas mais brilhante. Estatuetas e begônias de porcelana, abóboras ... Carne, caça - no espírito dos antigos mestres, e pão de Moscou - esboços do mercado de Smolensk da capital. E de acordo com a tradição russa - onde sem um samovar. Uma natureza morta do campo da vida festiva com frutas e pratos brilhantes complementa o crânio - uma lembrança da fragilidade da vida.
"Estudo com medalhas"
Estudar com medalhas
Ainda vida em estilo soviético. A artista do século 20, Anatoly Nikich-Krilichevsky, mostrou em uma foto toda a vida da primeira campeã mundial soviética de patinação de velocidade, Maria Isakova. Com xícaras, cada uma com anos de treinamento; medalhas que foram ganhas em uma luta amarga; cartas e buquês enormes. Um lindo quadro para um artista e uma crônica artística do sucesso esportivo. Ainda história de vida.
GOUACHE
Traduzido do francês, a palavra "guache" significa "tinta à base de água". As tintas a guache têm grande poder de cobertura, são opacas, embora sejam diluídas em água (ver Tintas).
Na técnica do guache, os artistas escrevem em papel, papelão, madeira compensada, seda espessa. As obras têm superfície fosca e aveludada. Mas, ao usar guache, surgem suas próprias dificuldades - após a secagem, as tintas clareiam rapidamente. É preciso muita experiência para prever o grau de mudança de tom e cor.
O guache já era amplamente conhecido na Idade Média, quando era usado para miniaturas de livros (geralmente em combinação com aquarelas) em muitos países da Ásia e da Europa, e na Renascença - esboços, cartolinas, miniaturas de retratos. Na Rússia, a técnica do guache atingiu um alto nível de desenvolvimento na arte do final do século 19 ao início do século 20. Os artistas V. A. Serov, A. Ya. Golovin, S. V. Ivanov pintaram grandes trabalhos de cavalete com guache, usando habilmente sua cor densa para obter efeitos decorativos impressionantes.
Artistas famosos usam a técnica do guache de maneiras diferentes. Assim, a imagem de B. M. Kustodiev "Feira" é escrita em um corpus, de forma decorativa. O pintor mostrou as roupas coloridas das pessoas, edifícios em geral, principalmente as fileiras de tendas, telhados e atrás deles uma faixa escura de mata.
B. M. Kustodiev. Feira.
1908. Paper, guache.
B. M. Kustodiev. Feira.
1908. Paper, guache.
A. Stepanov, famoso por seus trabalhos sobre paisagens e animais, foi um notável mestre do guache. Um de seus melhores trabalhos é Wolves. Os predadores, famintos e alertas, são escritos com uma nitidez surpreendente. O luar está pálido, o firmamento está misteriosamente iluminado. A faixa azul prateada cria a sensação de uma noite fria.
Os artistas da associação World of Art frequentemente recorriam à técnica do guache. Freqüentemente, combinavam guache com outros materiais. Por exemplo, em sua obra "The King's Walk" A. N. Benois usou, além do guache, aquarela, ouro, prata. O uso dos dois últimos materiais deu à pintura a pompa tão característica dos então habitantes de Versalhes.
A. N. Benois. King's Walk
A. N. Benois. King's Walk
1906. Papel sobre cartolina, guache, aquarela,
tinta de bronze, tinta de prata,
lápis de grafite, bico, pincel
Galeria estatal Tretyakov
Muitas vezes os cartazes, esboços de cenários teatrais, trabalhos decorativos e de design são feitos em guache.
Como trabalhar com guache
Para trabalhar com guache, o melhor é usar uma paleta de porcelana ou plástico com orifícios para tintas nas bordas ou apenas uma lousa branca de tamanho pequeno (30x40 cm). Pincéis redondos e planos (veja Pincéis). Você pode usar escovas de cerdas ao trabalhar em painéis decorativos, pôsteres e slogans. Mas aqui você também precisará de penas de pôster ou gravetos afiados na forma de uma espátula. E ao trabalhar em um avião grande, use uma flauta - uma escova de cerdas planas. Cubra a superfície com guache várias vezes, sem esperar que a tinta seque. Se você obtiver irregularidades, alinhe todo o plano com uma flauta úmida. Primeiro, passe as listras sequencialmente da esquerda para a direita horizontalmente e, em seguida, sobre o revestimento. Não aplique uma camada de tinta muito espessa: ela racha e desintegra facilmente. O guache seca em temperatura ambiente por uma hora.
Você pode trabalhar melhor em um tablet, mas também pode usar uma borracha - um tablet de madeira compensada com uma moldura externa que agarra as bordas do papel ou com duas molduras inseridas uma dentro da outra.
Desenhe com guache em papel de desenho branco, papel de embrulho ou cartolina cinza. Para esticar uniformemente o papel no tablet, coloque-o de forma que as bordas de cada lado sejam 2 a 4 cm maiores do que o tablet. Em seguida, umedeça o papel dos dois lados com uma esponja até que fique plano. Em seguida, seque o papel com algodão e unte as bordas do comprimido com pasta de farinha ou dextrina. Comece a colar a partir do meio do comprimido, puxando uniformemente em todas as direções. Corrija os cantos com botões. Para secar, coloque o comprimido acabado horizontalmente em um local plano, com o lado do papel voltado para cima. Seu material para trabalhar com tintas a guache está pronto.
