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O jazz é uma forma de arte musical que surgiu no início do século XX nos EUA como resultado da síntese das culturas africanas e europeias e posteriormente se difundiu.

O jazz é uma música incrível, viva, em constante evolução, incorporando o génio rítmico de África, os tesouros da arte milenar de tocar tambores, cantos rituais e cerimoniais. Adicione canto coral e solo de igrejas batistas e protestantes - coisas opostas se fundiram, dando ao mundo uma arte incrível! A história do jazz é inusitada, dinâmica, repleta de acontecimentos surpreendentes que influenciaram o processo musical mundial.

O que é jazz?

Traços de caráter:

• polirritmia baseada em ritmos sincopados,
• bit - pulsação regular,
• swing - desvio da batida, um conjunto de técnicas para executar textura rítmica,
• improvisação,
• gama colorida de harmônicos e timbres.

Este tipo de música surgiu no início do século XX como resultado da síntese das culturas africanas e europeias como uma arte baseada na improvisação combinada com uma forma de composição pré-concebida, mas não necessariamente escrita. Vários intérpretes podem improvisar ao mesmo tempo, mesmo que uma voz solo seja claramente ouvida no conjunto. A imagem artística completa de uma obra depende da interação dos integrantes do conjunto entre si e com o público.

O maior desenvolvimento da nova direção musical ocorreu devido ao domínio de novos modelos rítmicos e harmônicos pelos compositores.

Além do papel expressivo especial do ritmo, outras características da música africana foram herdadas - a interpretação de todos os instrumentos como percussão, rítmicos; a predominância de entonações coloquiais no canto, imitação da fala coloquial ao tocar violão, piano e instrumentos de percussão.

A história do jazz

As origens do jazz residem nas tradições da música africana. Os povos do continente africano podem ser considerados seus fundadores. Os escravos trazidos da África para o Novo Mundo não eram da mesma família e muitas vezes não se entendiam. A necessidade de interação e comunicação levou à unificação e à criação de uma cultura única, incluindo a música. É caracterizada por ritmos complexos, danças com batidas de pés e palmas. Juntamente com os motivos do blues, deram um novo rumo musical.

O processo de mistura da cultura musical africana e europeia, que sofreu grandes mudanças, ocorreu desde o século XVIII, e no século XIX levou ao surgimento de uma nova direção musical. Portanto, a história mundial do jazz é inseparável da história do jazz americano.

História do desenvolvimento do jazz

A história do nascimento do jazz tem origem em Nova Orleans, no sul dos Estados Unidos. Este palco é caracterizado pela improvisação coletiva de diversas versões da mesma melodia por um trompetista (voz principal), clarinetista e trombonista tendo como pano de fundo o acompanhamento de marcha de contrabaixo e bateria. Um dia significativo - 26 de fevereiro de 1917 - então no estúdio de Nova York da empresa Victor, cinco músicos brancos de Nova Orleans gravaram o primeiro disco de gramofone. Antes do lançamento deste disco, o jazz permanecia um fenômeno marginal, folclore musical, e depois disso, em poucas semanas, surpreendeu e chocou toda a América. A gravação pertenceu à lendária "Original Dixieland Jazz Band". Foi assim que o jazz americano iniciou sua orgulhosa marcha pelo mundo.

Na década de 20, foram encontradas as principais características dos estilos futuros: uma pulsação uniforme do contrabaixo e da bateria, que contribuía para o swing, solos virtuosos e uma forma de improvisação vocal sem palavras usando sílabas individuais (“scat”). O blues ocupou um lugar significativo. Mais tarde, ambas as etapas - Nova Orleans, Chicago - são unidas pelo termo "Dixieland".

No jazz americano da década de 20 surgiu um sistema harmonioso, denominado “swing”. O swing é caracterizado pelo surgimento de um novo tipo de orquestra – a big band. Com o aumento da orquestra, tivemos que abandonar a improvisação coletiva e passar a executar arranjos gravados em partituras. O arranjo tornou-se uma das primeiras manifestações dos primórdios do compositor.

Uma big band consiste em três grupos de instrumentos - seções, cada uma das quais pode soar como um instrumento polifônico: uma seção de saxofone (mais tarde com clarinetes), uma seção de "metais" (trombetas e trombones), uma seção rítmica (piano, guitarra, contrabaixo, bateria).

Surgiu a improvisação solo baseada no “quadrado” (“refrão”). “Square” é uma variação, igual em duração (número de compassos) ao tema, executada tendo como fundo o mesmo acompanhamento de acordes do tema principal, ao qual o improvisador ajusta novos giros melódicos.

Na década de 1930, o blues americano tornou-se popular e a forma de música de 32 compassos tornou-se difundida. No swing, o “riff” – uma sugestão ritmicamente flexível de dois a quatro compassos – começou a ser amplamente utilizado. É executado pela orquestra enquanto o solista improvisa.

Entre as primeiras big bands estavam orquestras lideradas por músicos de jazz famosos - Fletcher Henderson, Count Basie, Benny Goodman, Glen Miller, Duke Ellington. Este último já na década de 40 recorreu a grandes formas cíclicas baseadas no folclore negro e latino-americano.

O jazz americano na década de 1930 foi comercializado. Assim, entre os amantes e conhecedores da história da origem do jazz, surgiu um movimento para o renascimento de estilos anteriores e autênticos. O papel decisivo foi desempenhado pelos pequenos conjuntos negros dos anos 40, que descartaram tudo o que se destinava ao efeito externo: variedade, dança, canto. O tema era tocado em uníssono e quase nunca soava em sua forma original; o acompanhamento não exigia mais regularidade de dança.

Este estilo, que inaugurou a era moderna, foi denominado "bop" ou "bebop". As experiências de talentosos músicos e artistas de jazz americanos - Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk e outros - na verdade marcaram o início do desenvolvimento de uma forma de arte independente, apenas externamente relacionada ao gênero pop-dance.

Do final dos anos 40 até meados dos anos 60, o desenvolvimento ocorreu em duas direções. O primeiro incluía os estilos "cool" - "cool" e "west Coast" - "West Coast". Eles são caracterizados por um amplo uso da experiência da música séria clássica e moderna - formas de concerto desenvolvidas, polifonia. A segunda direção incluiu os estilos de “hardbop” - “hot”, “energético” e próximo a ele “soul-jazz” (traduzido do inglês “soul” - “soul”), combinando os princípios do antigo bebop com as tradições de folclore negro, ritmos temperamentais e entonações espirituais.

Ambas as direções têm muito em comum no desejo de se libertar da divisão da improvisação em quadrados separados, bem como de balançar valsas e metros mais complexos.

Foram feitas tentativas de criar obras de grande formato - jazz sinfônico. Por exemplo, “Rhapsody in Blue” de J. Gershwin, uma série de obras de I.F. Stravinsky. Desde meados dos anos 50. experiências para combinar os princípios do jazz e da música moderna voltaram a ser difundidas, já sob o nome de “terceiro movimento”, também entre intérpretes russos (“Concerto para orquestra” de A.Ya. Eshpai, obras de M.M. Kazhlaev, 2º concerto para piano com a orquestra de R.K. Shchedrin, 1ª sinfonia de A.G. Em geral, a história do surgimento do jazz é rica em experimentações e está intimamente ligada ao desenvolvimento da música clássica e aos seus rumos inovadores.

Desde o início dos anos 60. as experiências ativas começam com a improvisação espontânea, não se limitando sequer a um tema musical específico - o Freejazz. No entanto, o princípio do modo é ainda mais importante: cada vez que uma série de sons é selecionada novamente - um modo, e não quadrados claramente distinguíveis. Em busca de tais modalidades, os músicos recorrem às culturas da Ásia, África, Europa, etc. vêm os instrumentos elétricos e os ritmos do rock juvenil, baseados em batidas menores do que antes. Este estilo é inicialmente chamado de "fusão", ou seja, "Liga".

Em suma, a história do jazz é uma história de busca, unidade, experiências ousadas e amor ardente pela música.

Os músicos e amantes da música russos certamente estão curiosos sobre a história do surgimento do jazz na União Soviética.

No período pré-guerra, o jazz no nosso país desenvolveu-se no âmbito de orquestras pop. Em 1929, Leonid Utesov organizou uma orquestra pop e chamou seu grupo de “Tea-jazz”. Os estilos “Dixieland” e “swing” foram praticados nas orquestras de A.V. Varlamova, N.G. Minha, A.N. Tsfasman e outros. Desde meados dos anos 50. Pequenos grupos amadores começam a se desenvolver ("Oito TsDRI", "Leningrado Dixieland"). Muitos artistas proeminentes começaram a vida lá.

Na década de 70, iniciou-se a formação nos departamentos pop das escolas de música, foram publicados materiais didáticos, partituras e discos.

Desde 1973, o pianista L.A. Chizhik começou a se apresentar em “noites de improvisação de jazz”. Conjuntos sob a direção de I. Bril, “Arsenal”, “Allegro”, “Kadans” (Moscou) e o quinteto D.S. Goloshchekin (Leningrado), equipes de V. Ganelin e V. Chekasin (Vilnius), R. Raubishko (Riga), L. Vintskevich (Kursk), L. Saarsalu (Tallinn), A. Lyubchenko (Dnepropetrovsk), M. Yuldybaeva ( Ufa ), orquestra O.L. Lundstrem, equipes de K.A. Orbelyan, A.A. Kroll ("Contemporâneo").

Jazz no mundo moderno

O mundo da música de hoje é diversificado, em desenvolvimento dinâmico e novos estilos estão surgindo. Para navegar livremente e compreender os processos que ocorrem, é necessário conhecer pelo menos uma breve história do jazz! Hoje assistimos à mistura de um número cada vez maior de culturas mundiais, aproximando-nos constantemente daquilo que, no fundo, já se transforma em “world music” (música mundial). O jazz de hoje incorpora sons e tradições de quase todos os cantos do globo. A cultura africana, com a qual tudo começou, também está a ser repensada. O experimentalismo europeu com tons clássicos continua a influenciar a música de jovens pioneiros como Ken Vandermark, um saxofonista de vanguarda conhecido pelo seu trabalho com contemporâneos notáveis ​​como os saxofonistas Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann. Outros jovens músicos de orientação mais tradicional que continuam à procura da sua própria identidade incluem os pianistas Jackie Terrasson, Benny Green e Braid Meldoa, os saxofonistas Joshua Redman e David Sanchez e os bateristas Jeff Watts e Billy Stewart. A antiga tradição sonora continua e é ativamente mantida por artistas como o trompetista Wynton Marsalis, que trabalha com uma equipe de assistentes, toca em seus próprios pequenos grupos e lidera a Orquestra do Lincoln Center. Sob seu patrocínio, os pianistas Marcus Roberts e Eric Reed, o saxofonista Wes "Warmdaddy" Anderson, o trompetista Marcus Printup e o vibrafonista Stefan Harris tornaram-se grandes mestres.

O baixista Dave Holland também é um grande descobridor de jovens talentos. Suas muitas descobertas incluem os saxofonistas Steve Coleman, Steve Wilson, o vibrafonista Steve Nelson e o baterista Billy Kilson.

Outros grandes mentores de jovens talentos incluem o lendário pianista Chick Corea, o falecido baterista Elvin Jones e a cantora Betty Carter. O potencial para um maior desenvolvimento desta música é atualmente grande e variado. Por exemplo, o saxofonista Chris Potter lança um lançamento mainstream em seu próprio nome e ao mesmo tempo participa de gravações com outro grande baterista de vanguarda, Paul Motian.

Ainda temos que desfrutar de centenas de concertos maravilhosos e experiências ousadas, testemunhar o surgimento de novos rumos e estilos - esta história ainda não foi escrita até o fim!

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O conteúdo do artigo

JAZZ(jazz inglês), conceito genérico que define diversos tipos de arte musical que diferem entre si em estilo, objetivos artísticos e papel na vida pública. O termo jazz (originalmente jass) só apareceu na virada dos séculos 19 para 20 e pode vir do francês jaser (com o significado de “conversar”, que é preservado na gíria americana: jazz - “mentiras”, “absurdo”), e da qual - uma palavra em uma das línguas africanas que tinha um certo significado erótico, especialmente porque na frase natural jazz dance (“dança de jazz”) o mesmo significado foi carregado pela palavra dança desde os tempos de Shakespeare. Nos círculos mais elevados do Novo e do Velho Mundo, a palavra, que mais tarde se tornou um termo puramente musical, era associada a algo barulhento, rude e sujo. Escritor inglês Richard Aldington no prefácio do romance Morte de um herói, que descreve a “verdade das trincheiras” e a perda moral da personalidade após a Primeira Guerra Mundial, chama seu romance de “jazz”.

Origens.

O jazz surgiu como resultado de uma longa interação entre várias camadas da cultura musical em toda a América do Norte, onde os escravos negros da África (principalmente ocidentais) tiveram que dominar a cultura dos seus senhores brancos. Estes incluem hinos religiosos - espirituais e a forma mais comum de música cotidiana (banda de metais) e folclore rural (entre os negros - skiffle) e, o mais importante - música de piano de salão ragtime - ragtime (literalmente “ritmo irregular”).

Espetáculo de menestrel.

Esta música foi difundida por “teatros de menestréis” itinerantes (não confundir com o termo europeu medieval) - espetáculos de menestréis, descritos de forma colorida por Mark Twain em As Aventuras de Huckleberry Finn e o musical de Jerome Kern Barco de exposição. As trupes de menestréis, que caricaturavam a vida dos negros, eram formadas por ambos brancos (o primeiro filme sonoro também pertence a esse gênero Cantora de jazz, em que o papel de um homem negro foi interpretado pelo judeu lituano Al Jolson, e o filme em si nada tinha a ver com o jazz como arte), e de músicos negros, neste caso obrigados a parodiar a si mesmos.

Ragtime.

Graças ao show de menestréis, o público de origem europeia conheceu o que mais tarde se tornaria o jazz e aceitou o piano ragtime como sua própria arte. Não é por acaso que o escritor E. Doctorow e o diretor de cinema M. Forman transformaram o próprio conceito musical de “ritmo irregular” em “tempo rasgado” - um símbolo daquelas mudanças que no Velho Mundo foram designadas como “o fim do século." A propósito, o caráter de tambor do ragtime (vindo do típico pianismo romântico tardio europeu) é muito exagerado devido ao fato de que o principal meio de sua distribuição era o piano mecânico, que não transmitia as sutilezas da técnica pianística. Entre os cantores e compositores negros de ragtime também havia compositores sérios, como Scott Joplin. Mas eles só se interessaram setenta anos depois, após o sucesso do filme de ação Picada(1973), cuja trilha sonora foi baseada nas composições de Joplin.

Blues.

Por fim, não haveria jazz sem o blues (blues é originalmente um plural coletivo, denotando um estado de tristeza, melancolia, desânimo; o mesmo duplo sentido é adquirido pelo nosso conceito de “sofrimento”, embora denote um gênero musical completamente diferente na natureza). Blues é uma música solo (raramente em dueto), cuja peculiaridade não está apenas na sua forma musical específica, mas também no seu caráter vocal e instrumental. O princípio formativo herdado da África - uma breve pergunta do solista e a mesma curta resposta do coro (chamado e resposta, em forma coral aparece nos hinos espirituais: a “pergunta” do pregador - a “resposta” dos paroquianos ) - no blues virou princípio vocal-instrumental: o autor - o intérprete faz uma pergunta (e a repete na segunda linha) e responde sozinho, na maioria das vezes no violão (menos frequentemente no banjo ou piano). O blues também é a pedra angular da música pop moderna, do black rhythm and blues ao rock.

Jazz arcaico.

No jazz, as suas origens fundiram-se num único canal, o que aconteceu na segunda metade do século XIX e início do século XX. Muitas vezes, fluxos separados eram arbitrariamente conectados entre si: por exemplo, de acordo com uma das tradições africanas, bandas de música tocavam marchas fúnebres no caminho para o cemitério e danças alegres no caminho de volta. Em pequenos pubs, cantores e compositores errantes de blues cantavam ao acompanhamento de um piano (a maneira de tocar blues no piano no final da década de 1920 se transformaria em um gênero musical independente, boogie-woogie), típicas orquestras de salão europeias incluíam canções e danças de seus shows de menestréis em seu repertório, cakewalk (ou cakewalk, cake-walk - dança ao som de música ragtime). A Europa aprendeu o ragtime precisamente como acompanhamento deste último (o famoso Caminhada de fantoches Cláudio Debussy). E as artes plásticas caracteristicamente afro-americanas foram produzidas na virada dos séculos XIX e XX. não menos, senão mais, impressionante do que a música sincopada de salão). A propósito, os registros de uma banda de música de um dos regimentos imperiais russos com uma moleza foram preservados O sonho do negro. Todas essas combinações são convencionalmente chamadas de jazz arcaico.

Se necessário, pianistas de ragtime, juntamente com bandas de metais, acompanhavam cantores e vocalistas de blues, e estes, por sua vez, incluíam entretenimento e repertório de salão em seus programas. Essa música já pode ser considerada jazz, mesmo que as primeiras bandas se autodenominassem, como na famosa canção e depois no filme musical de Irving Berlin, “orquestras de ragtime”.

Nova Orleans.

Acredita-se que as circunstâncias mais favoráveis ​​​​acompanhou a formação do jazz na cidade portuária de Nova Orleans. Mas devemos ter em mente que o jazz nasceu onde quer que houvesse uma interpenetração das culturas afro-americanas e europeias.

Em Nova Orleans, duas culturas afro-americanas coexistiam lado a lado: os crioulos (negros de língua francesa, geralmente católicos) que gozavam de relativa liberdade e os escravos protestantes anglo-saxões libertados após a Guerra Civil Americana. Embora as liberdades civis dos crioulos francófonos também fossem relativas, eles ainda tinham acesso à cultura clássica de origem europeia, da qual, digamos, na Nova Inglaterra puritana, até os imigrantes da Europa eram privados. A ópera, por exemplo, foi inaugurada em Nova Orleans muito antes do que nas cidades puritanas do norte dos Estados Unidos. Em Nova Orleans, o entretenimento público era permitido nos feriados - danças, carnavais. Um papel não menos importante foi desempenhado pela presença em Nova Orleans do bairro das “luzes vermelhas”, Storyville, obrigatório para uma cidade portuária.

As bandas de metais em Nova Orleans, como na Europa, eram parte integrante da vida da cidade. Mas na comunidade afro-americana, a banda de música passou por uma transformação radical. Do ponto de vista rítmico, a sua música era tão primitiva como as danças e marchas europeias e nada tinha em comum com o jazz do futuro. O material melódico principal foi distribuído de forma racional e compacta entre três instrumentos: todos os três tocavam o mesmo tema - a corneta (trompete) aproximava-o mais ou menos do original, o clarinete móvel parecia serpentear em torno da linha melódica principal, e o trombone de vez em quando fazia comentários raros, mas convincentes. Os líderes dos conjuntos mais famosos não só em Nova Orleans, mas em todo o estado da Louisiana foram Bunk Johnson, Freddie Keppard e Charles “Buddy” Bolden. No entanto, os registros originais da época não sobreviveram e não é mais possível verificar a autenticidade das memórias nostálgicas dos veteranos de Nova Orleans (incluindo Louis Armstrong).

Mesmo antes da eclosão da Primeira Guerra Mundial, surgiram conjuntos de músicos “brancos” que chamavam sua música de “jass” (“ss” logo foi substituído por “zz”, já que a palavra “jass” facilmente se transformou em pouco decente, é foi o suficiente para apagar a primeira letra “j”). O fato de Nova Orleans gozar de fama como centro de entretenimento de “resort” é comprovado pelo fato de que o conjunto New Orleans Rhythm Kings com o popular pianista e compositor Elmer Shebel era popular em Chicago, mas não havia um único New Orleansian nele. . Com o tempo, as “orquestras brancas” passaram a se autodenominar - ao contrário das negras - Dixieland, ou seja, simplesmente "do sul". Um desses conjuntos, a “Original Dixieland Jass Band”, chegou a Nova York no início de 1917 e fez as primeiras gravações do que definitivamente poderia ser considerado jazz, não apenas no nome. Um disco foi lançado com duas coisas: Blues estáveis ​​​​de libré E Dixieland Jass Band One-Step.

Chicago.

Ao mesmo tempo, um ambiente de jazz estava se formando em Chicago, onde muitos moradores de Nova Orleans se estabeleceram depois que os Estados Unidos entraram na Primeira Guerra Mundial em 1917 e a lei marcial foi introduzida em Nova Orleans. A Creole Jazz Band do trompetista Joe "King" Oliver era especialmente famosa (embora houvesse apenas um verdadeiro crioulo entre seus membros). A Creole Jazz Band tornou-se famosa pela atuação coordenada de duas cornetas ao mesmo tempo - o próprio Oliver e seu jovem aluno Louis Armstrong. Os primeiros discos de Oliver-Armstrong, gravados em 1923 com os famosos “breaks” de duas cornetas, tornaram-se clássicos do jazz.

“A Era do Jazz”.

Na década de 1920, começou a “Era do Jazz”. Louis Armstrong afirma a prioridade do solista improvisador com os seus conjuntos “Hot Five” e “Hot Seven”; o pianista e compositor Jelly Roll Morton ganha fama em Nova Orleans; Outro nova-orleaniano, o clarinetista-saxofonista crioulo Sidney Bechet, espalhou a fama do jazz no Velho Mundo (ele fez uma turnê, incluindo a Rússia Soviética, em 1926). O famoso maestro suíço Ernest Ansermet ficou impressionado com Bechet precisamente com aquela vibração caracteristicamente “francesa” que o mundo inteiro mais tarde reconheceria na voz de Edith Piaf. Talvez não seja coincidência que o primeiro jazzista do Velho Mundo a influenciar os americanos tenha sido o cigano belga Django Reinhardt, guitarrista que viveu na França.

Nova York está começando a se orgulhar de suas próprias forças do jazz - as orquestras do Harlem de Fletcher Henderson, Louis Russell (o próprio Armstrong trabalhou com ambos) e Duke Ellington, que se mudou de Washington para cá em 1926 e rapidamente conquistou uma posição de liderança no famoso Clube do Algodão.

Improvisação.

Foi na década de 1920 que o princípio básico do jazz foi gradualmente formado - não o dogma, não a forma, mas a improvisação. No jazz/Dixieland de Nova Orleans acredita-se que seja de natureza coletiva, embora isso não seja totalmente exato, uma vez que na verdade o material de origem (o tema) ainda não está separado do seu desenvolvimento. Em essência, os músicos de Nova Orleans repetiam de ouvido as formas mais simples de canções, danças e blues negros europeus.

Nos conjuntos de Armstrong, com a participação, em primeiro lugar, do destacado pianista Earl Hines, iniciou-se a formação da forma jazzística do tema com variações (tema - improvisações solo - tema), onde a “unidade de improvisação” é o refrão (na terminologia russa “quadrado”), como se fosse uma variante dos temas originais de construção harmônica exatamente igual (ou futuramente relacionada). Escolas inteiras de músicos negros e brancos aproveitaram as descobertas de Armstrong durante o período de Chicago; branco Bix Beiderbeck compôs composições no espírito de Armstrong, mas elas se revelaram surpreendentemente próximas do impressionismo musical (e tinham nomes característicos como Em uma névoa – Em uma névoa nebulosa). O pianista virtuoso Art Tatum confiou mais no esquema harmônico do quadrado do que na melodia do tema original. Os saxofonistas Columen Hawkins, Lester Young e Benny Carter transferiram suas conquistas para instrumentos de sopro de voz única.

A orquestra de Fletcher Henderson foi a primeira a desenvolver um sistema de “apoio” para um improvisador solo: a orquestra foi dividida em três seções - rítmica (piano, guitarra, contrabaixo e bateria), saxofone e metais (trombetas, trombones). Tendo como pano de fundo a pulsação constante da seção rítmica, saxofones e trompetes com trombones trocavam “fórmulas” curtas e repetidas - riffs desenvolvidos na prática do folk blues. O riff era de natureza harmônica e rítmica.

década de 1930.

Esta fórmula foi adoptada por praticamente todos os grandes grupos que se formaram já na década de 1930, após a crise económica de 1929. Na verdade, a carreira do “rei do swing” – Benny Goodman – começou com vários arranjos de Fletcher Henderson. Mas mesmo os historiadores negros do jazz admitem que a orquestra de Goodman, originalmente composta por músicos brancos, tocava melhor do que a orquestra do próprio Henderson. De uma forma ou de outra, a interação entre as orquestras negras de swing de Andy Kirk, Jimmy Lunsford, Count Basie, Duke Ellington e as orquestras brancas foi melhorando: Goodman tocou o repertório de Count Basie, Charlie Barnett copiou Ellington, e a banda do clarinetista Woody Herman foi até chamada de “uma orquestra tocando blues”. Havia também orquestras muito populares dos irmãos Dorsey (o negro Cy Oliver trabalhou lá como arranjador), Artie Shaw (ele introduziu pela primeira vez um quarto grupo - cordas), Glenn Miller (com o famoso “acorde de cristal” - coro de cristal, quando um o clarinete toca junto com os saxofones, por exemplo, no famoso; Serenata Lunar- o leitmotiv do segundo filme com Miller, Esposas de membros da orquestra). Primeiro filme - Serenata do Vale do Sol- foi filmado antes da entrada dos Estados Unidos na Segunda Guerra Mundial e estava entre os troféus de guerra obtidos pelo Exército Vermelho na Alemanha. Portanto, foi esta comédia musical que estava destinada a personificar quase toda a arte do jazz para duas ou três gerações de jovens soviéticos do pós-guerra. O fato de a combinação completamente natural de clarinetes e saxofones soar revolucionária mostra o quão padronizados eram os produtos dos arranjadores da era do swing. Não é por acaso que, no final da década pré-guerra, até mesmo o próprio “Rei do Swing” Goodman ficou claro que a criatividade em grandes orquestras - big bands - estava dando lugar a uma rotina padronizada. Goodman reduziu o número de seus músicos para seis e começou a convidar regularmente músicos negros para seu sexteto - o trompetista Cootie Williams da orquestra de Ellington e o jovem guitarrista Charlie Criscian, o que foi um passo muito ousado na época. Basta dizer que o colega de Goodman, o pianista e compositor Raymond Scott, chegou a compor uma peça chamada Quando Kuti deixou Duke.

Formalmente, até Duke Ellington concordou com a divisão geralmente aceita da orquestra em três grupos, mas em sua instrumentação ele se baseou não tanto no esquema, mas nas capacidades dos próprios músicos (disseram sobre ele: em uma partitura de jazz, em vez de nomes de instrumentos, há nomes de músicos que até mesmo suas peças virtuosas de três minutos chamavam de Ellington; Concerto para Cootie, mencionado por Cootie Williams). Foi no trabalho de Ellington que ficou claro que a improvisação é um princípio artístico.

A década de 1930 também foi o apogeu do musical da Broadway, que fornecia ao jazz os chamados. evergreens (literalmente “evergreen”) - números individuais que se transformaram no repertório padrão do jazz. Aliás, o conceito de “standard” no jazz não contém nada de repreensível, é o nome de uma melodia popular ou de um tema especialmente escrito para improvisação. O padrão é, por assim dizer, um análogo do conceito filarmônico de “clássicos do repertório”.

Além disso, a década de 1930 é o único período em que a maior parte da música popular, senão o jazz (ou o swing, como se dizia então), foi pelo menos criada sob sua influência.

Naturalmente, o potencial criativo formado nas orquestras de swing de músicos improvisadores, por definição, não poderia ser realizado em orquestras de swing divertidas, como a orquestra de Cab Calloway. Não é por acaso que as jam session desempenham um papel tão importante no jazz – encontros de músicos num pequeno círculo, geralmente tarde da noite, depois do trabalho, especialmente por ocasião de visitas de colegas de outros locais.

Bebop - bop.

Nessas reuniões, jovens solistas de vários grupos - incluindo Charlie Christian, o guitarrista do sexteto de Benny Goodman, o baterista Kenny Clark, o pianista Thelonious Monk, o trompetista Dizzy Gillespie - se reuniam em um clube do Harlem no início dos anos 1940. No final da Segunda Guerra Mundial, ficou claro que havia nascido um novo estilo de jazz. Do ponto de vista puramente musical, não era diferente do que se tocava nas big bands de swing. A forma externa era completamente nova - era “música para músicos”; não havia “instruções” aos dançarinos na forma de um ritmo claro, acordes altos no início e no final, ou melodias simples e reconhecíveis na nova música. Os músicos tocaram canções populares da Broadway e blues, mas em vez das melodias familiares dessas canções, usaram improvisações deliberadamente. Acredita-se que o trompetista Gillespie foi o primeiro a chamar o que ele e seus colegas faziam de "reebop" ou "bebop", ou "bop", para abreviar. Ao mesmo tempo, o jazzista começou a se transformar de um músico divertido em uma figura de importância social, o que coincidiu com o nascimento do movimento beatnik. Gillespie trouxe para a moda óculos com armações enormes (a princípio até com lentes sem dioptrias), boinas em vez de chapéus, jargões especiais, em particular a palavra ainda na moda cool em vez de quente. Mas os jovens nova-iorquinos receberam seu impulso principal quando o saxofonista alto Charlie Parker de Kansas City (tocou na big band de Jay McShann) se juntou à companhia dos boppers. Brilhantemente talentoso, Parker foi muito além de seus colegas e contemporâneos. No final da década de 1950, até mesmo inovadores como Monk e Gillespie retornaram às suas raízes - à música negra, enquanto as descobertas de Parker e alguns de seus associados (o baterista Max Roach, o pianista Bud Powell, o trompetista Fats Navarro) ainda atraem a atenção. de músicos.

Legal.

Na década de 1940, nos Estados Unidos, devido a disputas de direitos autorais, o sindicato dos músicos proibiu os instrumentistas de gravar discos; Na verdade, foram lançadas apenas gravações de vocalistas acompanhados por um piano ou conjunto vocal. Quando a proibição foi suspensa (1944), ficou claro que o cantor do "microfone" (por exemplo, Frank Sinatra) estava se tornando a figura central da música pop. O bebop atraiu a atenção como uma música "clube", mas logo perdeu seu público. Mas de forma amenizada e já com o nome de “cool”, a nova música enraizou-se nos clubes de elite. Os boppers de ontem, por exemplo o jovem trompetista negro Miles Davis, foram ajudados por músicos respeitáveis, em particular Gil Evans, pianista e arranjador da orquestra de swing de Claude Thornhill. No Capitol-Nonet de Miles Davis (em homenagem à empresa Capitol que gravou o nonet, mais tarde reeditado com o título Nascimento do Legal) músicos brancos e negros “praticaram” juntos - os saxofonistas Lee Konitz e Gerry Mulligan, bem como o pianista e compositor negro John Lewis, que tocou com Charlie Parker e mais tarde fundou o Modern Jazz Quartet.

Outro pianista cujo nome está associado ao cool, o cego Lenny Tristano foi o primeiro a utilizar as capacidades do estúdio de gravação (acelerar o filme, fazer overdub de uma gravação em outra). Tristano foi o primeiro a registar as suas improvisações espontâneas, não presas ao formato quadrado. Obras de concerto para big bands (de vários estilos - do neoclassicismo ao serialismo) sob o nome geral de "progressivo" não podiam prolongar a agonia do swing e não tinham ressonância pública (embora entre os autores estivessem os jovens compositores americanos Milton Babbitt, Pete Rugolo , Bob Graettinger). Pelo menos uma das orquestras "progressistas" - liderada pelo pianista Stan Kenton - certamente sobreviveu ao seu tempo e gozou de alguma popularidade.

Costa oeste.

Muitos dos membros da orquestra de Kenton serviram Hollywood, então a direção mais europeizada do estilo "cool" (com instrumentos acadêmicos - trompa, oboé, fagote e a forma correspondente de produção sonora, e até certo ponto o uso de formas imitativas polifônicas) foi chamada "costa oeste" (costa oeste). O Octeto Shorty Rogers (do qual Igor Stravinsky falou muito bem), os conjuntos de Shelley Mann e Bud Shank, os quartetos de Dave Brubeck (com o saxofonista Paul Desmond) e Gerry Mulligan (com o trompetista branco Chet Baker e o trompetista negro Art Farmer).

Na década de 1920, os laços históricos da população afro-americana dos Estados Unidos com a população negra da América Latina tiveram um impacto, mas só depois da Segunda Guerra Mundial é que os jazzistas (principalmente Dizzy Gillespie) começaram a usar conscientemente os ritmos latino-americanos, e ainda falou sobre uma direção independente - o jazz afro-cubano.

No final da década de 1930, foi feita uma tentativa de restaurar o antigo jazz de Nova Orleans sob os nomes New Orleans Renaissance e Dixieland Revival. O jazz tradicional, como mais tarde se tornaram conhecidas todas as variedades do estilo de Nova Orleans e Dixieland (e até mesmo do swing), difundiu-se na Europa e quase se fundiu com a música urbana cotidiana do Velho Mundo - os famosos três “B” na Grã-Bretanha - Acker Bilk , Chris Barber e Kenny Ball (este último ficou famoso pela versão Dixieland Noites de Moscou no início da década de 1960). Na esteira do renascimento de Dixieland na Grã-Bretanha, surgiu uma moda para conjuntos arcaicos de instrumentos caseiros - skiffles, com os quais os membros do quarteto dos Beatles iniciaram suas carreiras.

Nos EUA, os empresários George Wayne (organizador do famoso festival de jazz da década de 1950 em Newport, Rhode Island) e Norman Grantz apoiaram (e realmente formaram) a ideia do mainstream - o jazz clássico, construído de acordo com um esquema comprovado ( tema tocado coletivamente - improvisação solo - reprise do tema) e baseado nos meios expressivos da década de 1930 com técnicas individuais cuidadosamente selecionadas de estilos posteriores. Neste sentido, o mainstream inclui, por exemplo, os músicos do empreendimento de Granz “Jazz at the Philharmonic”. Num sentido mais amplo, mainstream é essencialmente todo o jazz anterior ao início dos anos 1960, incluindo o bebop e suas variedades posteriores.

Final de 1950 - início de 1960

– um dos períodos mais frutíferos da história do jazz. Com o advento do rock and roll, a improvisação instrumental foi finalmente empurrada para as margens da música pop, e o jazz como um todo começou a perceber o seu lugar na cultura: surgiram clubes onde era costume ouvir mais do que dançar (um deles foi até chamado de “Birdland”, apelidado de Charlie Parker), festivais (muitas vezes ao ar livre), gravadoras criaram departamentos especiais para jazz - “selos”, e surgiu uma indústria fonográfica independente (por exemplo, a empresa Riverside, que começou com um brilhantemente compilado antologia sobre a história do jazz). Ainda antes, na década de 1930, começaram a surgir revistas especializadas (“Down Beat” nos EUA, várias revistas mensais ilustradas na Suécia, França e, na década de 1950, na Polónia). O jazz parece se bifurcar em música leve, de clube, e música de concerto séria. Uma continuação do movimento “progressista” foi o “terceiro movimento”, uma tentativa de combinar a improvisação do jazz com as formas e recursos performáticos da música sinfônica e de câmara. Todas as tendências convergiram para o “Modern Jazz Quartet”, principal laboratório experimental de síntese do jazz e dos “clássicos”. Contudo, os entusiastas do “terceiro movimento” tinham pressa; eles eram ilusórios, acreditando que já havia surgido uma geração de músicos de orquestra sinfônica que estavam suficientemente familiarizados com a prática do jazz. O “terceiro movimento”, como qualquer outra direção do jazz, ainda tem seus adeptos, e em algumas escolas de música nos EUA e na Europa são criados grupos performáticos de tempos em tempos (“Orchestra USA”, “American Philharmonic” "Jack Elliott) e até ministrar cursos relevantes (em particular, do pianista Ran Blake). A “Terceira Corrente” encontrou apologistas na Europa, especialmente após a actuação do “Modern Jazz Quartet” no centro da vanguarda musical mundial em Donaueschingen (Alemanha) em 1954.

Por outro lado, as melhores big bands de swing competiram com a música pop no campo da dance music. Novos rumos na música jazz leve também surgiram. Assim, o violonista brasileiro Lorindo Almeida, que se mudou para os Estados Unidos no início da década de 1950, tentou convencer seus colegas de que era possível improvisar a partir do ritmo do samba brasileiro. Porém, foi somente após a turnê do Quarteto Stan Getz no Brasil que surgiu o “jazz samba”, que no Brasil recebeu o nome de “bossa nova”. A Bossa Nova realmente se tornou o primeiro sinal do futuro da música do Novo Mundo.

O bebop permaneceu a tendência dominante no jazz das décadas de 1950-1960 - já sob o nome de hard bop (bop pesado e energético; ao mesmo tempo eles tentaram introduzir o conceito de “neo-bop”), atualizado pelas descobertas improvisadas e composicionais do legal. Neste mesmo período ocorreu um acontecimento que teve consequências estéticas gravíssimas, inclusive para o jazz. O cantor-organista-saxofonista Ray Charles é o primeiro a conectar o incompatível - as estruturas (na música vocal também de conteúdo lírico) do blues e a microestrutura de perguntas e respostas, associada apenas ao pathos dos cantos espirituais. Essa direção recebe o nome de “alma” na cultura negra (conceito que na década radical de 1960 tornou-se sinônimo das palavras “negro”, “negro”, “afro-americano”, etc.); o conteúdo concentrado de todos os traços afro-americanos no jazz e na música pop negra foi chamado de “funky”.

Naquela época, o hard bop e o jazz soul se opunham (às vezes até dentro do mesmo grupo, por exemplo, os irmãos Adderley; um, o saxofonista Julian “Cannonball”, considerava-se um seguidor do hard bop, o outro, o cornetista Nat , considerava-se um seguidor do soul jazz). O grupo central do hard bop, esta academia do mainstream moderno, era (até a morte de seu líder, o baterista Art Blakey, em 1990) o quinteto Jazz Messengers.

A série de discos da Orquestra Gil Evans, uma espécie de concerto para trompete e orquestra de Miles Davis, lançada no final dos anos 1950 e início dos anos 1960, correspondia plenamente à estética cool dos anos 1940, e às gravações de Miles Davis de meados dos anos 1960 (em em particular, o álbum Milhas sorri), ou seja a apoteose do bebop atualizado - hard bop, surgiu quando a vanguarda do jazz - o chamado - já estava na moda. jazz grátis.

Jazz grátis.

Já trabalhando em um dos álbuns orquestrais do trompetista Davis ( Porgy & Bess, 1960) o arranjador Evans sugeriu que o trompetista improvisasse baseado não em uma sequência harmônica de determinada duração - um quadrado, mas em uma determinada escala - um modo, também não aleatório, mas extraído do mesmo tema, mas não o acompanhamento de acordes, mas sim a própria melodia. O princípio da modalidade, perdido pela música europeia no Renascimento, mas ainda subjacente a toda a música profissional na Ásia (mugam, raga, dastan, etc.), abriu oportunidades verdadeiramente ilimitadas para enriquecer o jazz com a experiência da cultura musical mundial. E Davis e Evans não deixaram de utilizá-lo, e no material flamenco espanhol (isto é, essencialmente euro-asiático) que era ideal para este fim.

O colega de Davis, o saxofonista John Coltrane, voltou-se para a Índia; o colega de Coltrane, o falecido e brilhantemente talentoso saxofonista e flautista Eric Dolphy, voltou-se para a vanguarda musical europeia (o título de sua peça é digno de nota). Gazeloni- em homenagem ao flautista italiano, intérprete musical Luigi Nono e Pierre Boulez).

Ao mesmo tempo, no mesmo ano de 1960, dois quartetos - Eric Dolphy e o saxofonista alto Ornette Coleman (com os trompetistas Don Cherry e Freddie Hubbard, os contrabaixistas Charlie Haden e Scott La Faro) - gravaram um álbum Jazz grátis (Jazz grátis), ostensivamente decorado com a reprodução de uma pintura luz branca famoso artista abstrato Jackson Pollock. O fluxo de consciência coletiva de aproximadamente 40 minutos foi uma improvisação espontânea e demonstrativamente não ensaiada (embora duas versões tenham sido gravadas) por oito músicos, e apenas no meio todos convergiram brevemente no uníssono pré-escrito de Coleman. Depois de “resumir” modal soul jazz e hard bop em um álbum que fez muito sucesso em todos os aspectos Um amor supremo(inclusive comercialmente - foram vendidos 250 mil discos), John Coltrane, porém, seguiu os passos de Coleman ao gravar o programa Ascensão (Ascensão) com uma equipa de vanguarda negra (incluindo, aliás, o saxofonista negro de Copenhaga, John Chikai). No Reino Unido, o saxofonista alto negro das Índias Ocidentais Joe Herriot também se tornou um promotor do free jazz. Além da Grã-Bretanha, uma escola independente de free jazz desenvolveu-se na Holanda, Alemanha e Itália. Noutros países, a improvisação colectiva espontânea revelou-se um hobby temporário, uma moda de vanguarda (década de 1960 - último período de vanguarda experimental na música académica); Ao mesmo tempo, houve uma transição da estética da inovação a qualquer custo para um diálogo pós-moderno com o passado. Podemos dizer que o free jazz (juntamente com outros movimentos da vanguarda do jazz) é o primeiro fenômeno do jazz mundial em que o Velho Mundo não foi de forma alguma inferior ao Novo. Não é por acaso que muitos artistas de vanguarda americanos, em particular Sun Ra e a sua big band, “escondidos” na Europa durante muito tempo (quase até ao final da década de 1960). Em 1968, uma equipa de artistas europeus de vanguarda gravou um projecto muito à frente do seu tempo. Metralhadora, o “Spontaneous Music Ensemble” surgiu no Reino Unido e pela primeira vez os princípios da improvisação espontânea foram formulados teoricamente (pelo guitarrista e líder do projeto em curso Empresa Derek Bailey). A associação Instant Composers Pool operava na Holanda, a Alexander von Schlippenbach Globe Unity Orchestra operava na Alemanha e a primeira ópera de jazz foi gravada através de esforços internacionais. Escada rolante sobre a colina Carla Bley.

Mas apenas alguns - entre eles o pianista Cecil Taylor, o saxofonista e compositor Anthony Braxton - permaneceram fiéis aos princípios do "sturm und drang" na virada das décadas de 1950 e 1960.

Ao mesmo tempo, artistas negros de vanguarda - radicais políticos e seguidores de John Coltrane (na verdade, o próprio Coltrane, que morreu em 1967) - Archie Shepp, os irmãos Ayler, Pharoah Sanders - regressaram a formas modais moderadas de improvisação, muitas vezes de origem oriental (por exemplo, Joseph Latif, Don Cherry). Eles foram seguidos pelos radicais de ontem como Carla Bley, Don Ellis, Chick Corea, que facilmente mudaram para o jazz-rock eletrificado.

Jazz rock.

A simbiose dos “primos” do jazz e do rock teve que esperar muito tempo. As primeiras tentativas de reaproximação não foram feitas nem por jazzistas, mas por roqueiros - músicos dos chamados. brass rock - grupos americanos "Chicago", bluesmen britânicos liderados pelo guitarrista John McLaughlin. Eles abordaram de forma independente o jazz rock fora dos países de língua inglesa, por exemplo, Zbigniew Namyslowsky na Polônia.

Todos os olhares estavam voltados para o trompetista Miles Davis, que mais uma vez levou o jazz por um caminho arriscado. Durante a segunda metade da década de 1960, Davis gradualmente mudou para a guitarra elétrica, sintetizadores de teclado e ritmos de rock. Em 1970 lançou o álbum Cerveja de cadelas com vários tecladistas e McLaughlin na guitarra elétrica. Ao longo da década de 1970, o desenvolvimento do jazz-rock (também conhecido como fusion) foi determinado pelos músicos que participaram da gravação deste álbum - o tecladista Joe Zawinul e Wayne Shorter criaram o grupo “Weather Report”, John McLaughlin - o quinteto “Mahavishnu Orchestra”, o pianista Chick Corea - o conjunto Return to Forever, o baterista Tony Williams e o organista Larry Young - o quarteto Lifetime, o pianista e tecladista Herbie Hancock participaram de diversos projetos. O jazz novamente, mas em um novo patamar, se aproxima do soul e do funky (Hancock e Corea, por exemplo, participam das gravações do cantor Stevie Wonder). Até mesmo o grande saxofonista tenor pioneiro da década de 1950, Sonny Rollins, muda para a música pop funky por um tempo.

No entanto, no final da década de 1970, houve também um movimento “contra” de restauração do jazz “acústico” - tanto de vanguarda (o famoso festival “attic” de Sam Rivers em 1977) quanto do hard bop - no mesmo ano. , músicos do conjunto Miles Davis The 1960s remonta, mas sem o próprio Davis, substituído pelo trompetista Freddie Hubbard.

Com o surgimento de uma figura tão influente como Wynton Marsalis no início dos anos 1980, o neo-mainstream, ou, como também é chamado, o neoclassicismo, ocupou na verdade uma posição dominante no jazz.

Isso não significa que tudo remonta à primeira metade da década de 1960. Pelo contrário, em meados da década de 1980, as tentativas de sintetizar movimentos aparentemente mutuamente exclusivos tornaram-se cada vez mais perceptíveis - por exemplo, hard bop e funky elétrico na associação nova-iorquina "M-base", que incluía a cantora Cassandra Wilson, saxofonista Steve Coleman, o pianista Jeri Ellen, ou a fusão elétrica leve do guitarrista Pat Metheny, que colabora com Ornette Coleman e seu colega britânico Derek Bailey. O próprio Coleman inesperadamente monta um conjunto “elétrico” com dois guitarristas (incluindo músicos funk proeminentes - o guitarrista Vernon Reid e o baixista Jamaladin Takuma). Mas, ao mesmo tempo, não abandona o seu princípio de improvisação colectiva segundo o método de “harmonia” que formulou.

O princípio da poliestilística está subjacente à escola New York Downtown, liderada pelo saxofonista John Zorn.

Final do século 20

O americancentrismo está a dar lugar a um novo espaço de informação, condicionado, entre outras coisas, por novos meios de comunicação de massa (incluindo a Internet). No jazz, tal como na nova música pop, o conhecimento das linguagens musicais do “terceiro mundo” e a procura de um “denominador comum” tornam-se obrigatórios. Este é o folclore indo-europeu no quarteto Sync de Ned Rothenberg ou uma mistura russo-cárpato no Moscow Art Trio.

O interesse pelas culturas musicais tradicionais leva ao fato de que os artistas de vanguarda de Nova York começam a dominar a música cotidiana da diáspora judaica, e o saxofonista francês Louis Sclavis começa a dominar a música folclórica búlgara.

Se antes só era possível tornar-se famoso no jazz “através da América” (como, por exemplo, o austríaco Joe Zawinul, os checos Miroslav Vitous e Jan Hammer, o polaco Michal Urbaniak, o sueco Sven Asmussen, o dinamarquês Niels Hennig Ørsted- Pedersen, que emigrou da URSS em 1973 Valery Ponomarev), agora as principais tendências do jazz tomam forma no Velho Mundo e até subjugam os líderes do jazz americano - como, por exemplo, os princípios artísticos da companhia ESM (folclore , polidos em termos de composição e tipicamente europeus no fluxo de consciência “sonoro”), formulados pelo produtor alemão Manfred Eicher usando o exemplo da música do norueguês Jan Garbarek, são agora professados ​​por Chick Corea, o pianista Keith Jarrett e o saxofonista Charles Lloyd, mesmo sem estar associado a esta empresa por contratos de exclusividade. Escolas independentes de folk jazz (world jazz) e jazz de vanguarda também estão surgindo na URSS (a famosa escola de Vilnius, entre os fundadores da qual, no entanto, não houve um único lituano: Vyacheslav Ganelin - da região de Moscou, Vladimir Chekasin - de Sverdlovsk, Vladimir Tarasov - de Arkhangelsk, mas entre seus alunos estava, em particular, Petras Vishniauskas). O carácter internacional do mainstream e do free jazz, a abertura do mundo civilizado levaram ao surgimento, por exemplo, do influente grupo polaco-finlandês de Tomasz Stańko - Edward Vesal ou do forte dueto estónio-russo Lembit Saarsalu - Leonid Winckiewicz “acima as barreiras” da condição de Estado e da nacionalidade. As fronteiras do jazz se expandem ainda mais ao atrair a música cotidiana de diferentes nações - do country à chanson no chamado. bandas de jam.

Literatura:

Sargento W. Jazz. M., 1987
Jazz soviético. M., 1987
« Ouça o que eu te digo» . Jazzmen sobre a história do jazz. M., 2000

Alma, balanço?

Provavelmente todo mundo sabe como soa uma composição nesse estilo. Este género surgiu no início do século XX nos Estados Unidos da América e representa uma certa combinação da cultura africana e europeia. Música incrível quase imediatamente atraiu a atenção, encontrou seus fãs e rapidamente se espalhou pelo mundo.

É bastante difícil transmitir um coquetel musical de jazz, pois combina:

• música brilhante e animada;
• o ritmo único dos tambores africanos;
• hinos religiosos de batistas ou protestantes.

O que é jazz na música? É muito difícil definir este conceito, pois contém motivos aparentemente incompatíveis que, interagindo entre si, dão ao mundo uma música única.

Peculiaridades

Quais são os traços característicos do jazz? O que é ritmo jazz? E quais são as características dessa música? As características distintivas do estilo são:

• uma certa polirritmia;
• pulsação constante de bits;
• um conjunto de ritmos;
• improvisação.

A gama musical deste estilo é colorida, alegre e harmoniosa. Mostra claramente vários timbres separados que se fundem. O estilo é baseado em uma combinação única de improvisação com uma melodia pré-pensada. A improvisação pode ser praticada por um solista ou por vários músicos em conjunto. O principal é que o som geral seja claro e rítmico.

História do jazz

Esta direção musical se desenvolveu e foi moldada ao longo de um século. O jazz surgiu das profundezas da cultura africana, à medida que os escravos negros, que foram trazidos da África para a América para se entenderem, aprenderam a ser um. E, como resultado, criaram uma arte musical unificada.

A execução de melodias africanas é caracterizada por movimentos de dança e pela utilização de ritmos complexos. Todos eles, juntamente com as habituais melodias de blues, formaram a base para a criação de uma arte musical completamente nova.

Todo o processo de combinação da cultura africana e europeia na arte do jazz começou no final do século XVIII, continuou ao longo do século XIX e só no final do século XX levou ao surgimento de uma direção completamente nova na música.

Quando surgiu o jazz? O que é Jazz da Costa Oeste? A questão é bastante ambígua. Esta tendência surgiu no sul dos Estados Unidos da América, em Nova Orleães, aproximadamente no final do século XIX.

A fase inicial do surgimento da música jazz é caracterizada por uma espécie de improvisação e trabalho na mesma composição musical. Foi tocado pelo trompete principal solista, trombone e clarinete em combinação com instrumentos musicais de percussão tendo como pano de fundo música de marcha.

Estilos básicos

A história do jazz começou há muito tempo e, como resultado do desenvolvimento desta direção musical, surgiram muitos estilos diferentes. Por exemplo:

• jazz arcaico;
• blues;
• alma;
• jazz soul;
• fezes;
• Estilo de jazz de Nova Orleans;
• som;
• balanço.

O berço do jazz deixou uma grande marca no estilo deste movimento musical. O primeiro e tradicional tipo criado por um pequeno conjunto foi o jazz arcaico. A música é criada na forma de improvisação sobre temas de blues, bem como canções e danças europeias.

O blues pode ser considerado uma direção bastante característica, cuja melodia é baseada em uma batida clara. Este tipo de gênero é caracterizado por uma atitude lamentável e pela glorificação do amor perdido. Ao mesmo tempo, o humor leve pode ser traçado nos textos. A música jazz implica uma espécie de peça de dança instrumental.

A música negra tradicional é considerada um movimento soul, diretamente relacionado às tradições do blues. O jazz de Nova Orleans soa bastante interessante, que se distingue por um ritmo de duas batidas muito preciso, bem como pela presença de várias melodias separadas. Essa direção se caracteriza pelo fato de o tema principal se repetir diversas vezes em diferentes variações.

Na Rússia

Na década de trinta, o jazz era muito popular no nosso país. Os músicos soviéticos aprenderam o que são o blues e o soul nos anos trinta. A atitude das autoridades neste sentido foi muito negativa. Inicialmente, os artistas de jazz não foram proibidos. No entanto, houve críticas bastante duras a esta direção musical como componente de toda a cultura ocidental.

No final dos anos 40, grupos de jazz foram perseguidos. Com o tempo, as repressões contra os músicos cessaram, mas as críticas continuaram.

Fatos interessantes e fascinantes sobre jazz

O berço do jazz é a América, onde vários estilos musicais foram combinados. Esta música apareceu pela primeira vez entre os representantes oprimidos e desprivilegiados do povo africano, que foram levados à força da sua terra natal. Nas raras horas de descanso, os escravos cantavam canções tradicionais, batendo palmas para se acompanharem, já que não possuíam instrumentos musicais.

No início era música africana de verdade. No entanto, com o tempo, mudou e nele apareceram motivos de hinos religiosos cristãos. No final do século XIX surgiram outras canções em que havia protestos e reclamações sobre a própria vida. Essas músicas passaram a ser chamadas de blues.

A principal característica do jazz é considerada o ritmo livre, bem como a total liberdade no estilo melódico. Os músicos de jazz tinham que ser capazes de improvisar individual ou coletivamente.

Desde a sua criação na cidade de Nova Orleans, o jazz percorreu um caminho bastante difícil. Ele se espalhou primeiro na América e depois por todo o mundo.

Os melhores artistas de jazz

Jazz é uma música especial cheia de inventividade e paixão incomuns. Ela não conhece fronteiras ou limites. Artistas de jazz famosos são capazes de literalmente dar vida à música e enchê-la de energia.

O artista de jazz mais famoso é Louis Armstrong, reverenciado por seu estilo animado, virtuosismo e inventividade. A influência de Armstrong na música jazz é inestimável, pois ele é o maior músico de todos os tempos.

Duke Ellington deu uma grande contribuição nessa direção, pois utilizou seu grupo musical como laboratório musical para a realização de experimentos. Ao longo dos anos de sua atividade criativa, escreveu muitas composições originais e únicas.

No início dos anos 80, Wynton Marsalis tornou-se uma verdadeira descoberta, ao optar por tocar jazz acústico, o que criou uma verdadeira sensação e provocou um novo interesse por esta música.

Blues

(melancolia, tristeza) - inicialmente - uma canção lírica solo de negros americanos, mais tarde - uma direção musical.

Na década de 20 do século XX, formou-se o blues clássico, que se baseava num período de 12 compassos correspondente a uma forma poética de 3 versos. Blues era originalmente música tocada por negros para negros. Após o surgimento do blues no sul dos Estados Unidos, ele começou a se espalhar por todo o país.

A melodia do blues é caracterizada por uma estrutura de perguntas e respostas e pelo uso da escala de blues.

O blues teve grande influência na formação do jazz e da música pop. Elementos do blues foram utilizados pelos compositores do século XX.

Jazz Arcaico

Jazz arcaico (antigo)– Designação dos tipos de jazz mais antigos e tradicionais que existem desde meados do século passado em vários estados do sul dos EUA.

O jazz arcaico foi representado, em particular, pela música das bandas marciais negras e crioulas do século XIX.

O período do jazz arcaico precedeu o surgimento do estilo (clássico) de Nova Orleans.

Nova Orleans

A pátria americana, onde surgiu o próprio jazz, é considerada a cidade das canções e da música - Nova Orleans.
Embora haja algum debate sobre a origem do jazz em toda a América, e não apenas nesta cidade, foi aqui que ele se desenvolveu de forma mais poderosa. Além disso, todos os antigos músicos de jazz apontaram para o centro, que consideravam Nova Orleans. Nova Orleans proporcionou o ambiente mais favorável para o desenvolvimento desta tendência musical: havia uma grande comunidade negra e uma grande percentagem da população era crioula; Muitas tendências e gêneros musicais se desenvolveram ativamente aqui, cujos elementos foram posteriormente incluídos nas obras de jazzistas famosos. Diferentes grupos desenvolveram seus próprios estilos musicais, e os afro-americanos criaram uma nova arte que não tem análogos a partir de uma combinação de melodias de blues, ragtime e suas próprias tradições. As primeiras gravações de jazz confirmam a prerrogativa de Nova Orleans no nascimento e desenvolvimento da arte do jazz.

Dixielândia

(Dixie Country) é um termo coloquial para os estados do sul dos Estados Unidos, uma das variedades do jazz tradicional.

A maioria dos cantores de blues, pianistas de boogie-woogie, artistas de raigtime e bandas de jazz vieram do Sul para Chicago, trazendo consigo a música que logo foi apelidada de Dixieland.

Dixielândia- a designação mais ampla para o estilo musical dos primeiros músicos de jazz de Nova Orleans e Chicago que gravaram discos de 1917 a 1923.

Alguns historiadores atribuem Dixieland apenas à música de bandas brancas tocando no estilo de Nova Orleans.

Os músicos de Dixieland procuravam um renascimento do jazz clássico de Nova Orleans.

Essas tentativas foram bem-sucedidas.

Boogie Woogie

Estilo piano blues, uma das primeiras variedades de música instrumental negra.

Um estilo que se revelou muito acessível a um amplo público ouvinte.

Com voz completa estilo boogie-woogie surgiu devido à necessidade que surgiu no início do século XX de contratar pianistas para substituir orquestras em cafés honky-tonk baratos. Para substituir uma orquestra inteira, os pianistas inventaram diferentes formas de tocar ritmicamente.

Características características: improvisação, virtuosismo técnico, um tipo específico de acompanhamento - figuração motora de ostinato na parte da mão esquerda, intervalo (até 2-3 oitavas) entre o baixo e a melodia, continuidade do movimento rítmico, recusa de uso de pedal .

Representantes do clássico boogie-woogie: Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery, Mead Lux ​​​​Lewis, Jimmy Yankee.

Blues folclóricos

Blues acústicos arcaicos, baseados no folclore rural da população negra dos Estados Unidos, em contraste com o blues clássico, que tinha existência predominantemente urbana.

Blues folclóricos- Este é um tipo de blues executado, via de regra, não em instrumentos musicais elétricos. Abrange uma ampla gama de estilos musicais e de execução e pode incluir música simples e despretensiosa tocada no bandolim, banjo, gaita e outros instrumentos não elétricos projetados como bandas de folk blues, criando uma impressão de música grosseira e um tanto informal. Em suma, esta é a verdadeira música folclórica, tocada pelo povo e para o povo.

Dentro do folk blues havia cantores mais influentes do que Blind Lemon Jefferson, Charley Patton e Alger Alexander.

Alma

(literalmente – alma); o estilo de música mais popular dos anos 60 do século XX, que se desenvolveu a partir da música cult dos negros americanos e emprestou muitos elementos do ritmo e do blues.

Na soul music existem várias direções, sendo as mais importantes o chamado soul “Memphis” e “Detroit”, bem como o soul “branco”, característico principalmente de músicos da Europa.

Funk

O termo nasceu no jazz dos anos 50 do século XX. O estilo “funk” é uma continuação direta da música “soul”. Uma das formas de ritmo e blues.

Os primeiros intérpretes do que mais tarde seria classificado como música “funk” foram jazzistas que tocavam um tipo de jazz mais enérgico e específico no final dos anos 50 e início dos anos 60.

O funk, antes de tudo, é uma música dançante, o que determina suas características musicais: a extrema síncope das partes de todos os instrumentos.

O funk é caracterizado por uma seção rítmica proeminente, uma linha de baixo nitidamente sincopada, riffs de ostinato como base melódico-temática da composição, um som eletrônico, vocais animados e um andamento musical rápido.

James Brown e George Clinton criaram uma escola experimental de funk com os grupos PARLAMENT/FUNKDEIC.

Os discos clássicos de funk datam da virada das décadas de 1960 e 1970.

funk grátis

Funk grátis– uma mistura de jazz de vanguarda com ritmos funk.

Quando Ornette Coleman formou o Prime Time, ele se tornou um "quarteto duplo" (composto por dois guitarristas, dois baixistas e dois bateristas, além de seu contralto), tocando música em tons livres, mas com ritmos excêntricos de funk. Três membros da banda de Coleman (o guitarrista James Blood Ulmer, o baixista Jamaaladin Takuma e o baterista Ronald Shannon Jackson) mais tarde formaram seus próprios projetos de free-funk, e o free-funk foi uma grande influência de artistas de m-bass, incluindo os violistas Steve Coleman e Greg Osby.
Balanço

Bop- um estilo de jazz que se desenvolveu em meados dos anos 40 do século XX e se caracteriza por um andamento rápido e improvisações complexas baseadas na execução da harmonia e não da melodia. O bebop revolucionou o jazz; os boppers criaram novas ideias sobre o que era a música.

A fase do bebop marcou uma mudança significativa na ênfase do jazz, da música dançante baseada na melodia para a "música para músicos", menos popular e mais baseada no ritmo. Os músicos de Bop preferiam improvisações complexas baseadas em acordes em vez de melodias.

O bebop era rápido, áspero e “cruel com o ouvinte”.

Jazz Progressivo

Paralelamente ao surgimento do bebop, um novo gênero se desenvolveu entre o jazz - o jazz progressivo. O principal diferencial desse gênero é a vontade de se afastar do clichê congelado das big bands e das técnicas ultrapassadas das chamadas. jazz sinfônico.

Os músicos que executavam jazz progressivo procuraram atualizar e melhorar os modelos de frases swing, introduzindo na prática da composição as mais recentes conquistas do sinfonismo europeu no domínio da tonalidade e da harmonia. A maior contribuição para o desenvolvimento do “progressista” foi feita por Stan Kenton. O som da música executada por sua primeira orquestra aproximava-se do estilo de Sergei Rachmaninov, e as composições traziam traços do romantismo.

A série de álbuns gravados “Artistry”, “Miles Ahead”, “Spanish Drawings” pode ser considerada uma espécie de apoteose do desenvolvimento da música progressiva.

(Jazz legal), um dos estilos do jazz moderno, formado na virada das décadas de 40 e 50 do século XX a partir do desenvolvimento das conquistas do swing e do bop.

O trompetista Miles Davis, um dos primeiros pioneiros do bebop, tornou-se um inovador do gênero.

O cool jazz é caracterizado por características como cor sonora leve e “seca”, câmera lenta, harmonia congelada, que cria a ilusão de espaço. A dissonância também desempenhou algum papel, mas com um caráter suavizado e moderado.

O saxofonista Lester Young introduziu pela primeira vez o termo “cool”.

Os músicos kula mais famosos são: Dave Brubeck, Stan Getz, George Shearing, Milt Jackson, "Shorty" Rogers .
Convencional

(literalmente - corrente principal); termo em relação a um determinado período do swing, em que os intérpretes conseguiram evitar os clichês consagrados desse estilo e deram continuidade às tradições do black jazz, introduzindo elementos de improvisação.

O mainstream é caracterizado por uma linha melódica simples, mas expressiva, harmonia tradicional e um ritmo claro com impulso pronunciado.

Artistas principais: Ben Webster, Gene Krupa, Coleman Hawkins e líderes de big band Duke Ellington e Benny Goodman.

(duro, hard bop), estilo de jazz moderno.

É uma continuação das tradições do clássico rhythm and blues e bebop.

Surgiu na década de 50 do século XX como uma reação ao academicismo e à orientação europeia do jazz cool e da costa oeste, que nessa altura já tinha atingido o seu apogeu.

Os traços característicos do hard bop inicial são o predomínio do acompanhamento rítmico estritamente acentuado, o fortalecimento dos elementos do blues na entonação e harmonia, a tendência de revelar o princípio vocal na improvisação e alguma simplificação da linguagem musical.

Os principais representantes do hard bop são em sua maioria músicos negros.

O primeiro conjunto desse estilo a gravar em discos foi o quinteto JAZZ MESSENGERS de Art Blakey (1954).

Outros músicos importantes: John Coltrane, Sony Rollins, Henk Mobley, Max Roach...

(literalmente – fusão, fusão), um movimento de estilo moderno que surgiu com base no jazz rock, uma síntese de elementos da música acadêmica europeia e do folclore não europeu. Partindo não apenas da fusão do jazz com a música pop e o rock, a fusão como gênero musical surgiu no final da década de 1960 sob o nome de jazz-rock.

Larry Coryell, Tony Williams e Miles Davis introduziram elementos como eletrônica, ritmos de rock e faixas estendidas, eliminando muito do que o jazz se baseava – a batida swing.

Outra mudança foi na área do ritmo, onde o swing foi revisado ou totalmente ignorado. A pulsação e a métrica não eram mais um elemento essencial na leitura do jazz.

O free jazz continua a existir hoje como uma forma viável de expressão e, na verdade, não é mais um estilo tão controverso como era percebido nos seus primeiros dias.

A fusão de elementos rítmicos latinos esteve presente quase desde o início no caldeirão de culturas que se originou em Nova Orleans. A influência musical latina se espalhou no jazz não apenas para orquestras e grupos com improvisadores latinos de primeira linha, mas também para uma combinação de artistas locais e latinos, criando exemplos da mais emocionante música de palco.

E, no entanto, hoje assistimos à mistura de um número cada vez maior de culturas mundiais, aproximando-nos constantemente daquilo que, no fundo, já se está a tornar “world music” (world music).

O jazz de hoje não pode mais deixar de ser influenciado por sons que penetram nele vindos de quase todos os cantos do globo.

As oportunidades potenciais para o futuro desenvolvimento do jazz são actualmente bastante grandes, uma vez que as formas de desenvolvimento do talento e os meios da sua expressão são imprevisíveis, multiplicando-se pelos esforços combinados de vários géneros de jazz hoje incentivados.

Jazz é um tipo especial de música que se tornou especialmente popular nos Estados Unidos. Inicialmente, o jazz era a música dos cidadãos negros dos Estados Unidos, mas depois essa direção absorveu estilos musicais completamente diferentes que se desenvolveram em muitos países. Falaremos sobre esse desenvolvimento.

A característica mais importante do jazz, tanto originalmente como agora, é o ritmo. As melodias de jazz combinam elementos da música africana e europeia. Mas o jazz adquiriu harmonia graças à influência europeia. O segundo elemento fundamental do jazz até hoje é a improvisação. Muitas vezes o jazz era tocado sem uma melodia pré-preparada: somente durante a execução o músico escolhia uma direção ou outra, cedendo à inspiração. Assim, diante dos olhos dos ouvintes, enquanto o músico tocava, nascia a música.

Ao longo dos anos, o jazz mudou, mas ainda conseguiu manter as suas características básicas. Uma contribuição inestimável para essa direção foi dada pelos conhecidos “blues” - melodias prolongadas que também eram características dos negros. No momento, a maioria das melodias de blues são parte integrante do movimento jazz. Na verdade, o blues teve uma influência especial não só no jazz: o rock and roll, o country e o western também utilizam motivos blues.

Falando em jazz, é preciso citar a cidade americana de Nova Orleans. Dixieland, como era chamado o jazz de Nova Orleans, foi o primeiro a combinar motivos de blues, canções religiosas negras e elementos da música folclórica europeia.
Mais tarde surgiu o swing (também chamado de jazz no estilo “big band”), que também recebeu amplo desenvolvimento. Nas décadas de 40 e 50, o “jazz moderno” tornou-se muito popular, que era uma interação mais complexa de melodias e harmonias do que o jazz antigo. Uma nova abordagem ao ritmo surgiu. Os músicos tentaram criar novas obras usando ritmos diferentes e, portanto, a técnica de tocar bateria tornou-se mais complicada.

A “nova onda” do jazz varreu o mundo nos anos 60: é considerado o jazz das tão citadas improvisações. Ao sair para se apresentar, a orquestra não conseguia prever em que direção e em que ritmo seria sua apresentação; nenhum dos jazzistas sabia de antemão quando ocorreria a mudança no andamento e na velocidade da apresentação. E é preciso dizer também que tal comportamento dos músicos não significa que a música fosse insuportável: pelo contrário, surgiu uma nova abordagem para a execução de melodias já existentes. Ao traçar o desenvolvimento do jazz, podemos estar convencidos de que se trata de uma música em constante mudança, mas que não perde os seus fundamentos com o passar dos anos.

Vamos resumir:

• No início, o jazz era a música dos negros;
• Dois princípios de todas as melodias de jazz: ritmo e improvisação;
• Blues - deu um enorme contributo para o desenvolvimento do jazz;
• O jazz de Nova Orleans (Dixieland) combinava blues, canções religiosas e música folclórica europeia;
• Swing é uma direção do jazz;
• Com o desenvolvimento do jazz, os ritmos tornaram-se mais complexos e, na década de 60, as orquestras de jazz voltaram a improvisar durante as apresentações.