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Comunicado de imprensa

V Far East Winter Festival dedicado a

55º aniversário do Far Eastern State Institute of Arts

Em 2017, o Far Eastern State Institute comemora 55 anos.

A primeira universidade na Rússia a combinar três tipos de arte - música, teatro, pintura - foi estabelecida como o Far Eastern Pedagogical Institute of Arts. No ano do seu 30º aniversário (1992), foi rebatizado de Far Eastern State Institute of Arts, em 2000 o instituto passou a ser uma academia, em 2015 foi novamente rebatizado de Far Eastern State Institute of Arts.

Na formação conjunta de músicos, artistas, dramaturgos e realizadores, era suposto encontrar muitos pontos de contacto: disciplinas comuns ou afins, as amplas oportunidades que se abrem no campo das artes sintéticas, por exemplo, ópera, onde a música, pintura e teatro são combinados, comunicação criativa e mutuamente enriquecedora.

O Ministério da Cultura levou a sério a criação de uma nova universidade. Ordens correspondentes foram emitidas: sobre a atribuição de patrocínio à faculdade de música - o Conservatório Estadual de Moscou. Tchaikovsky; acima da faculdade de teatro - o Instituto Estadual de Arte Teatral em homenagem Lunacharsky; acima da Faculdade de Arte - para o Instituto de Pintura, Escultura e Arquitetura em homenagem Repin. Além disso, essas instituições de ensino foram obrigadas a doar de seus fundos cavaletes, livros de arte, trabalhos acadêmicos, moldes de cabeças antigas para desenho, instrumentos musicais, partituras, livros para a biblioteca. Instituições de ensino médio - para fornecer um número suficiente de candidatos para o Far Eastern Pedagogical Institute of Arts.

A criação do Instituto de Artes tornou-se um acontecimento na vida cultural do Território de Primorsky e de todo o Extremo Oriente. É uma oportunidade de formar pessoal altamente qualificado para teatros, orquestras, professores para escolas e faculdades, artistas.

A base do ensino superior no campo da arte no Extremo Oriente foi lançada por excelentes professores, graduados das universidades centrais: o Conservatório de Moscou: V.A. Guterman, M.R. Dreyer, V.M. Kasatkin, E.A. Kalganov, A.V. Mitin; graduados do Conservatório de Leningrado: A.S. Vvedensky, E.G. Urinson; O Conservatório de Ural - A.I. Zhilin, o Conservatório de Odessa - S.L. Yaroshevich, GITIS - O.I. Starostin e B.G. Kulnev, formado pelo Instituto de Arte de Leningrado. Repin V.A. Goncharenko e outros. A Faculdade de Música passou a estudar segundo o plano habitual dos conservatórios, a faculdade de artes - segundo o plano do Instituto que leva o nome de V.I. Surikov, teatral - de acordo com o plano da escola. Shchepkin.

Desde o início até o presente, o Far Eastern State Institute of Arts tem sido o centro da música profissional, teatro e educação artística no Extremo Oriente. O Instituto criou um sistema de educação artística em três níveis (escola de arte para crianças - faculdade - universidade criativa):

centro de estética infantil "Mundo da Arte", escola de arte infantil;

Faculdade de Música;

universidade: programas de especialização, bacharelado, mestrado, pós-graduação e estágio; programas adicionais de treinamento avançado e reciclagem profissional.

O Instituto inclui três faculdades: música (conservatório), teatro e arte, foi criado um departamento estrangeiro (desde 1998).

O Far Eastern State Institute of Arts é membro do conselho misto de dissertação D 999.025.04 da Far Eastern Federal University (especialidades 17.00.02 - Arte musical (história da arte) e 24.00.01 - Teoria e história da cultura (história da arte e estudos culturais).

As atividades científicas e criativas do Instituto são extensas e variadas. Aqui estão apenas alguns dos projetos mais importantes:

"Cultura do Extremo Oriente da Rússia e os países da região da Ásia-Pacífico: Leste - Oeste" - uma conferência científica anual

I e II Concurso de Música Russo (etapas regionais).

Competição internacional de jovens músicos-performers "Musical Vladivostok"

"Art Vladivostok" - Mostra-competição internacional de trabalhos criativos de estudantes e jovens artistas do Extremo Oriente, Rússia e países da APEC.

Olimpíada de toda a Rússia em disciplinas musicais e teóricas "Obras-primas da cultura musical mundial" para alunos de instituições de ensino profissional e escolas de arte infantil.

Escola criativa regional "Surf teatral"

“A estreia de jovens músicos-intérpretes, laureados de competições internacionais - residentes de cidades e povoados do Extremo Oriente”.

Desenvolvimento profissional de professores instituições de ensino do ramo da cultura e arte da cultura e escolas secundárias da "Academia das Artes".

1º Concurso-Festival de Música Popular do Extremo Oriente.

Festa regional da criatividade infantil.

Far East Winter Arts Festival

Competição do Extremo Oriente de habilidades performáticas "Chave de Ouro" para professores de escolas de música infantil e escolas de arte para crianças com o nome G.Ya. Nizovsky.

O 1º Festival Internacional de Arte Infantil Russo-Chinês "Caleidoscópio Oriental".

Competição do Extremo Oriente de recitadores "Meu amor - minha Rússia"

Competição Regional de Intérpretes de Música Contemporânea.

Concurso para melhor execução de obras de compositores da segunda metade do século XX

"Leituras Tkachev" - competição dos leitores deles. Artista do Povo da Federação Russa L.A. Tkacheva, "Esperança Teatral"

"Pleno ar"

Aulas mestre remotas usando Disklavier. Vladivostok - Moscou.

« Da história das escolas criativas do Instituto de Artes: origens, tradições, professores destacados ... ”.

COLETIVOS CRIATIVOS ATIVOS:

Orquestra Sinfónica - Vencedor do Grande Prémio do VII Concurso do Extremo Oriente de música instrumental "Metronome".

Orquestra de instrumentos folclóricos- Vencedor dos primeiros prémios nas IV e V Competições Internacionais para Jovens Músicos-intérpretes "Musical Vladivostok" 2005-2007, vencedor do Grande Prémio na V Competição All-Russian com o nome de V.I. N.N. Kalinina (São Petersburgo, 2009)

Coro Acadêmico - laureado no concurso regional "Singing Ocean", vencedor do Grande Prémio do VI Concurso Internacional "Musical Vladivostok".

Conjunto de música de câmara "Concertone" - laureado do Concurso Internacional. Shenderev (1997, III prêmio), II Concurso Internacional de Pequim (1999, II prêmio).

Trio instrumental russo "Vladivostok" inalterado desde a sua fundação em 1990: Artistas Homenageados da Federação Russa Nikolai Lyakhov (balalaika), Alexander Kapitan (acordeão de botão), Sergei Arbuz (contrabaixo balalaika).

Premiados: Competição Internacional. G. Shendereva (Rússia, 1997 - diploma de prata); 17º Concurso Internacional "Grand Prix" (França, Bichville, 1997 - Grand Prix e Medalha de Ouro); II Competição Internacional de Bayan-Acordeonistas (China, Pequim, 1999 - 1º prêmio); 38ª Competição Internacional de Bayan-Acordeonistas, (Alemanha, Klingenthal, 2001 - 3º prêmio).

Estúdio de ópera- Vencedor do 1º prémio do Concurso Internacional "Musical Vladivostok" (2014, 2016)

Trio "Expecto" - laureado em concursos internacionais de acordeonistas bayan em Harbin (China, 2014, 1 prêmio), em Castelfidardo (Itália), 2015, 1 prêmio, "medalha de ouro").

Quarteto "Colagem" laureado em competições internacionais de acordeonistas bayan em Harbin (China, 2016, 1 prêmio).

Trio "Orient" laureado no concurso internacional de Lanciano (Itália, 2014, 1 prémio).

Graduados que deram uma contribuição significativa para o desenvolvimento da cultura,

artes e educação artística

Musicólogos, doutores em história da arte: professor da Universidade Estadual Pedagógica Russa em homenagem E.V. Herzen Gertsman, Professor do Conservatório de São Petersburgo, Artista Homenageado de Karelia U Gen-Ir, Professor do Conservatório Estadual de Moscou. P.I. Tchaikovsky R.L. Pospelova, professora da Academia Russa de Música em homenagem a Gnesinykh E.M. Alkon, Professor do Departamento de Belas Artes da Escola de Arte, Cultura e Esportes, FEFU G.V. Alekseeva, professor do Instituto Estadual de Cultura de Moscou N.I. Efimova, professora, atuação Chefe do Departamento de Filosofia, História, Teoria da Cultura e Arte, Instituto Estadual de Música de Moscou. A.G. Schnittke A.G. Alyabyev, Professor do Far East State Institute of the State of the Arts O.M. Shushkova, Yu. L. Fidenko.

Músicos-intérpretes: Artista Homenageado da Federação Russa, chefe do ensemble "Dzhang" N.I. Erdenko, Artista Homenageado da Federação Russa, Chefe do Departamento de Regência de Orquestra, Professor da Academia Russa de Música Gnesinykh B.S. Raven, Artista Homenageado da Federação Russa, Professor F.G. Kalman, Artista Homenageado da Federação Russa, Professor A.K. Capitão, Laureado de uma competição internacional, Artista Homenageado da República de Sakha (Yakutia), Professor do Departamento de Instrumentos de Cordas Orquestrais da Escola Superior de Música da República de Sakha (Yakutia) (Instituto) em homenagem V.A. Bosikova O.G. Kosheleva.

Atores: Artistas do Povo da Federação Russa A. Mikhailov, S. Stepanchenko, Yu. Kuznetsov, S. Strugachev, Laureado com o Prêmio Estadual V. Priemykhov, Artista Homenageado da Federação Russa V. Tsyganova; Artistas do Povo da Federação Russa, atores do Teatro Drama Regional de Primorsky. Gorky, professor do departamento de habilidade do ator A.P. Slavsky, V.N.Sergiyakov, Artista do Povo da Federação Russa, laureado do Governo da Federação Russa no campo da cultura, diretor artístico do Primorsky Regional Academic Theatre em homenagem a M.Gorky E.S. Zvenyatsky, artistas homenageados A.I. Zaporozhets, S. Salakhutdinova.

Artistas Homenageados da Federação Russa S.A. Litvinov, S.M. Cherkasov, I.I. Dunkai.

Convidamos a todos para os shows

V Far Eastern Winter Arts Festival,

Informações sobre shows - no site www.dv-art.ru

A história oficial da organização começou em outubro de 1938 por iniciativa do V.V. Bezrodny. Artista, professor e figura pública Vasily Vasilyevich Bezrodny se formou na St. I. E. Repin, professor de design teatral. De acordo com seus contemporâneos, ele era uma pessoa de mente moderna, com conhecimento e alta cultura artística.

Naqueles anos, em Vladivostok, o ensino superior de arte era uma ocorrência rara. As habilidades profissionais e a visão da arte de V.V. Bezrodny foram formadas na antiga Academia Imperial de Artes, onde A.P. Ostroumova-Lebedeva, I.I.Brodsky, M.P. Bobyshev, B.V. Ioganson, D. N. Kardovsky.

A atmosfera na academia daqueles anos pode ser avaliada por um salão especial, inaugurado em 2013 no Museu de Pesquisa da Academia Russa de Artes (NIM RAKh) em São Petersburgo. Este é um salão dedicado à Academia de Artes em um dos períodos difíceis para ela - os anos 1920 e o início dos anos 1930, quando havia um quadro heterogêneo incomum de várias tendências, às vezes mutuamente exclusivas. Isso influenciou na formação do artista.

Uma das qualidades do V.V. Bezrodny, então formado, pode ser chamada de versatilidade de sua natureza criativa. Isso afetou a atmosfera na organização recém-criada em Primorye e a natureza das atividades do próprio V.V. Bezrodny, que estava envolvido não apenas nos assuntos do sindicato local de artistas, mas também se esforçava para estabelecer a educação artística.

VI Kandyba escreveu o seguinte sobre os primeiros passos da organização de artistas de Primorsky: “Em 10 de outubro de 1938, pela primeira vez na história da região, artistas de diferentes partes de Primorye se reuniram.

Esta reunião tornou-se constituinte. Seu resultado foi a formação do comitê organizador da União dos Artistas de Primorsky, que em 1º de agosto de 1939 foi registrado pelo comitê organizador da União dos Artistas Soviéticos em Moscou.

VV Bezrodny foi eleito presidente, VF Inozemtsev vice-presidente e presidente do comitê de exposições e TG Aleshunin como secretário técnico. Os artistas Primorye tomaram o itinerante "Artel dos Artistas Livres" como modelo, adotando principalmente as formas de comunicação criativa. As famosas “quintas-feiras” de NI Kramskoy, com desenhos e palestras sobre arte, foram transformadas em Vladivostok em um estúdio de treinamento avançado para artistas. Houve reuniões regulares, trabalho em mim. Um estúdio, espírito único de camaradagem, solidariedade, entusiasmo e aspiração criativa reinou aqui. Não é à toa que já em 1939, de acordo com o plano da comissão organizadora, foi inaugurada uma exposição conjunta de obras de artistas de Primorye. Estiveram presentes 18 pessoas com 120 obras ”.

A organização criativa incluiu I. A. Zyryanov, P. V. Muldin, O. Ya.Bogashevskaya-Sushkova, S. S. Serezhin, M. A. Tsyganov, V. M. Fomin, N. A. Mazurenko, V. M. Sviridov, FI Rodionov, SP Kolabukhov, DS Budrin, DP Pravednikov, AV Zevin , TI Obrazkov, IF Palshkov (Suchan, p. 1972 - Partizansk), P.P. Medvedev (Artem), V.M.Zotov (Ussuriysk), S.P. Chaika (Ussuriysk), I.S.Dereka (Ussuriysk), S.F. Arefin (Ussuriysk), S.F. Ars (Ussuriysk), GK Aslanov (Ussuriysk).

Os membros da primeira composição da organização possuíam diferentes níveis de escolaridade e diferentes experiências profissionais. Assim, MA Tsyganov se formou no departamento de instrutor de clube da escola técnica de Rostov, depois trabalhou no clube do regimento como artista durante seu serviço no Exército Vermelho (1932-34), PV Muldin começou sua carreira como aluno do artista do cinema Ussuri ... S. F. Arefin recebeu treinamento no War Artists 'Studio. IF Palshkov (1887-1954) graduou-se na Escola Central de Desenho Técnico do Barão Stieglitz em 1912 e teve experiência de trabalho nas fábricas de algodão impresso de Serpukhov, Ivano-Voznesensk, bem como a experiência de participante em exposições da Sociedade de Artistas não partidários em São Petersburgo (1914-1915) e foi reconhecido por paisagens, esboços e gráficos. Em 1916, IF Palshkov participou da organização de uma igreja na escola de arte popular da Imperatriz Alexandra Fedorovna, pela qual foi premiado com um distintivo precioso com a imagem do emblema do Estado. Mas, apesar dessas diferenças, os artistas estavam unidos por uma coisa: seu trabalho refletia a natureza e a vida multifacetada do Território Primorsky.

Em 1939, o comitê organizador da Associação de Artistas de Primorsky trabalhou na casa de VV Bezrodny em Pushkinskaya, 12 anos. Esta casa não sobreviveu. V.V. Bezrodny mudou-se de Ussuriisk para Vladivostok em 1936.

Ele começou a trabalhar no Pacific Fleet Theatre, criando esboços de cenários e figurinos. Paralelamente, o artista surge com iniciativas educacionais: cria o "Ateliê de Artistas Navais" no Clube dos Marinheiros, que ficava então no prédio da Igreja Luterana, onde estudavam os homens da Marinha Vermelha e do Exército Vermelho. .

Em 1939, no Seamen's Club (hoje Pushkin Theatre, Pushkinskaya str., 27), por iniciativa de Bezrodny, foi criada uma escola-estúdio, na qual estudavam segundo o programa de uma escola secundária de arte. A consciência da necessidade de formação profissional (e não de educação em estúdio) leva V.V. Bezrodny a ser persistente na criação da Escola de Arte de Vladivostok. Em 1943, o Comissariado do Povo da URSS aprovou a decisão de abrir uma escola de arte em Vladivostok, cujo diretor era TG Aleshunin (posteriormente transferido para o Far Eastern Pedagogical Institute of Arts, organizado em 1962, como vice-reitor para questões econômicas ) Em 1944, foi feita a primeira inscrição de alunos, já no ano letivo seguinte de 1945-1946, a escola tinha dois cursos de pintura e teatro e um de escultura.

Em 2014, a Escola de Arte de Vladivostok celebrou seu septuagésimo aniversário e, no momento, está sendo formado material para a criação de um álbum dedicado à história da escola e seu papel na formação e desenvolvimento da educação artística no Território Primorsky e no Extremo Oriente . Neste artigo, gostaria de enfatizar a conexão entre a organização criativa e a escola: os professores da Escola Superior de Arte daquele período V.V. Bezrodny, B.F. Lobas, V.S. Zdanovich, G.M. Tsaplin, F.N.Babanin, K.I. Shebeko, VI Prokurov, AM Rodionov, MAKostin, NP Zhogolev, DP I. Gerasimov, N. M. Timofeev, E. E. Makeev, L. A. Kozmina, A. A. Obmanets, M. V. Kholmogorova, A. P. Zhogolev, V. V. Medvedev e outros foram e são membros da organização Primorsky da União dos Artistas de Rússia.

Com o tempo, o trabalho organizacional e criativo da Organização de Artistas Primorsky atingiu um nível qualitativamente novo: as exposições de arte regionais tornaram-se regulares, os graduados da Escola de Arte de Vladivostok ingressaram na vida artística. Em 1959, a organização Primorskaya mudou-se para um novo prédio na rua. Aleutskaya, 14-a.

Uma nova e brilhante fase começa na vida do Primorsky Union of Artists em meados da década de 1950. Estes são os anos de desenvolvimento profissional de I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko, K. P. Koval, N. A. Mazurenko, S. F. Arefina, V. N. Gerasimenko, T. M. Kushnareva, V. M. Medvedsky, VM Sviridov, BF Lobas, AV Teleshov e outros. Durante esses anos, as primeiras avaliações das obras de artistas Primorsky apareceu na revista "Khudozhnik". Uma característica geral desta década foi formulada por V. I. Kandyba: "... é antes um período de formação e acumulação de forças, enraizando no solo costeiro de um jovem crescimento de artistas iniciantes." O papel dos artistas iniciantes no desenvolvimento artístico da realidade do Extremo Oriente é grande.

No final da década de 1950, foram criadas as características que tornaram possível chamar a arte à beira-mar em exposições zonais subsequentes. Este é o papel predominante da paisagem, o desejo de dominar o gênero de um enredo-quadro temático associado à história da região, a natureza do trabalho nela (Primorsky Territory é o território de marinheiros, pescadores, mineiros), interesse no tema do Norte, Chukotka, Kamchatka, Kuriles.

I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko são considerados os descobridores do tema do norte não apenas no Extremo Oriente, mas também na arte soviética. A exposição "Três Mestres" nos corredores da sucursal de Primorsky da União Sindical dos Artistas da Rússia em 2014 com a participação de I. Rybachuk e KI Shebeko tornou possível ver este material do ponto de vista de um visão moderna do tema na arte e mais uma vez avaliar a escala do que foi feito ... O Norte atraiu V.M. Medvedsky, I.A. Ionchenkov, ND Volkova (Ussuriisk) e outros artistas, levando à busca de meios artísticos especiais de reflexão adequada sobre a natureza e o homem do Norte.

Outro tema não menos significativo na arte dos artistas litorâneos é o tema Shikotan. Tendo se tornado o assunto das últimas pesquisas relacionadas com a atenção à arte doméstica da década de 1960 em geral, este tópico acabou por estar associado ao trabalho de mais de duas dezenas de artistas do Território de Primorsky e durou mais de uma década. , dando impulso à existência do grupo Shikotan. O primeiro período da existência do grupo está associado aos nomes de Yu, I. Volkov, I. A. Kuznetsov, V. S. Rachev, E. N. Korzh. A história da criação do grupo está associada à personalidade de O. N. Loshakov, após se formar no Instituto de Arte de Moscou. VI Surikov que veio para Vladivostok para ensinar em uma escola de arte. Paisagem, retrato, pintura assunto-temática - esses gêneros estavam corporificados em dezenas de telas, cujo conteúdo principal era "a natureza do Extremo Oriente, então - uma pessoa em uma relação simples e forte com ela". Nas obras dos shikotanos, percebeu-se um estilo severo - uma tendência na arte da década de 1960, curta, mas, apesar disso, influenciando a visão posterior dos artistas soviéticos até o final da década de 1980. As exposições do grupo foram realizadas em Vladivostok, Moscou.

Na exposição de outono de 2014, O. N. Loshakov participa como convidado de honra.

VI Kandyba e os historiadores da arte de Moscou associam o período dos anos 1960 ao desenvolvimento de um quadro temático-temático: “A segunda metade dos anos 1960 foi marcada por um acontecimento de grande importância para a pintura à beira-mar - a formação de um quadro temático-temático. De uma convidada rara, mas sempre bem-vinda, ela se tornou uma visita obrigatória na maioria de nossas exposições.

O déficit agudo começou claramente a diminuir. " Entre os "pintores" V. I. Bochantsev, Yu. I. Volkov, V. N. Doronin, N. P. Zhogolev, K. I. Shebeko, S. A. Litvinov e outros. Herói da época "e foi avaliado positivamente pelos críticos, era um retrato. O tema mais importante da exposição "Extremo Oriente Soviético", que estreou em 1965 em Vladivostok, foi a história de um contemporâneo: "marinheiros, baleeiros, pescadores, construtores, pastores de renas - estes são depósitos de ouro de personagens fantásticos." I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko, V. A. Goncharenko, V. N. Doronin, A. V. Teleshov, M. I. Tabolkin trabalham neste gênero. Este período é caracterizado pelo desejo de uma ampla cobertura de tópicos que refletem todos os aspectos da vida em Primorye e no Extremo Oriente. O sucesso nesta área está associado a acontecimentos importantes da vida artística.

Em 1962, o Far Eastern Pedagogical Institute of Arts foi organizado com faculdades de música, teatro e arte (assim foi chamado até 1992, de 1992 a 2000 - o Far Eastern State Institute of Arts, de 2000 - a Far Eastern State Academy of Arts ) Esta medida deveu-se à situação com o pessoal em organizações criativas, que o primeiro reitor do instituto, G.V. Vasiliev, em um memorando ao Ministro da Cultura da RSFSR A.I. Popov chamou de "catastroficamente ruim". V. A. Goncharenko, reitor do instituto, e reitor de 1973 a 1993, escreve que a abertura da universidade em Vladivostok foi percebida pelos artistas (inclusive) como “um presente do destino, uma chance inesperada, inesperada. E, devo dizer, todos usaram ao máximo suas forças. Deles (alunos da primeira formatura - nota do autor) surgiram artistas brilhantes e professores maravilhosos: Yu.I. Volkov, O. P. Grigoriev, I. A. Ionchenkov, D. P. Kosnitsky, P. Ya. Rogal, V. A. Snytko, Yu. V. Sobchenko, V. N. Starovoitov, G. M. Tsaplin. Destaco especialmente S. A. Litvinov, que cresceu em nossa Academia, o primeiro professor de pintura no Extremo Oriente, completa e completamente moldado pela vida artística de Primorye. "

Graduados das universidades de arte de Leningrado e Moscou - V. A. Goncharenko, K. I. Shebeko, V. I. Kandyba (crítico de arte) - Instituto de Pintura, Escultura e Arquitetura em homenagem a V. I. E. Repina, V. N. Doronin, V. I. Bochantsev - Instituto de Arte de Moscou. V.I.Surikov. Em 1967, S. A. Litvinov e Yu V. Sobchenko, entre os diplomados do instituto da primeira graduação, puseram os pés no caminho pedagógico.

Em 1977, N.P. Zhogolev (Instituto de Pintura, Escultura e Arquitetura com o nome de I.E.Repin) tornou-se um dos professores. Seu trabalho pedagógico e criativo, sua participação em exposições e a criatividade de seus alunos tornaram a vida artística da região "uma parte orgânica, igual e criativamente distinta da vida em toda a Rússia". Não apenas os graduados da escola de arte de Vladivostok, mas também as escolas da Sibéria e da Rússia central (Irkutsk, Kemerovo, Blagoveshchenskoe, Novoaltayskoe, Ivanovskoe, Ryazanskoe, etc.) começaram a se inscrever na faculdade de pintura do Far Eastern State Institute of Fine Arts.

O segundo fator que influenciou o desenvolvimento da vida artística foi a organização da zona do "Extremo Oriente".

Em 1960, foi criado o Sindicato dos Artistas da Federação Russa. Em 1960, foi realizada em Moscou a 1ª exposição republicana "Rússia Soviética" e, diante dela, em organizações locais, exibições zonais, nas quais participaram todos os membros das equipes criativas. O trabalho sério das comissões expositivas contribui para um grande retorno profissional, e os artistas também têm a oportunidade de correlacionar seus trabalhos com os de artistas de outros territórios. De acordo com os resultados das exposições zonais, foi feita a seleção das obras para o nível All-Russian. Esse sistema foi preservado por muitos anos, possibilitando o ingresso na vida artística geral do país, e continua até hoje. A propósito, Vladivostok foi palco da exposição zonal três vezes - em 1967, 1974 e 1985.

As tradições estabelecidas na década de 1960 continuaram a se desenvolver até o final dos anos 1980. Exposições pessoais de artistas Primorsky são realizadas em Moscou, álbuns de reproduções de K. I. Shebeko e K. P. Koval são publicados na série “Artistas da Federação Russa”. O sucesso dos artistas Primorsky não reside apenas na pintura, mas também na arte do cavalete e do livro, na arte do pôster (o artista mais notável nessa direção foi EIDatsko, que participa desta exposição como convidado de honra), escultura, artes e artesanato e arte monumental.

Assim, para a editora de livros do Extremo Oriente, a editora da Far Eastern State University, a editora Dalnauka, há um grupo de artistas que deram uma contribuição notável para o desenvolvimento da gráfica de livros no Território de Primorsky - VS Chebotarev , SM Cherkasov, FG Zinatulin, E. I. Petrovsky, VI Vorontsov, VG Ubiraev, SV Gorbach e outros. Desde O. Ivanov, que veio para ensinar artes gráficas no Far Eastern Institute of Arts, voltou 3 anos depois para Leningrado para entrar pós-graduação, por esta razão “O corpo docente de artes tornou-se um corpo docente exclusivamente pictórico”, a formação na área de artes gráficas foi ministrada pela Escola de Arte de Vladivostok. V.S.Chebotarev leciona aqui desde 1960. Formou-se no Instituto de Pintura, Escultura e Arquitetura. I.E. Repin (workshop de A.F. Pakhomov, especializado em artista gráfico). V.S. Chebotarev participa de exposições de obras gráficas. Trabalha para editoras de livros no Extremo Oriente. A ascensão da gráfica beira-mar, que está associada ao nome do artista, faz com que muitos de seus graduados passem a atuar nessa área da arte.

Em 1978, uma seção de artes decorativas e aplicadas apareceu na organização Primorsky, que uniu artistas de Vladivostok, Artem, Nakhodka, assentamento. Kavalerovo. Em conexão com a abertura de uma fábrica de tapetes e uma fábrica de porcelana em Artem, uma fábrica de souvenirs e uma fábrica de porcelana em Vladivostok, uma fábrica de cerâmica artística em Spassk-Dalny, jovens artistas criativamente ativos que se formaram na Escola Superior de Arte Industrial de Moscou , a Odessa Art School em homenagem a I. M. Grekova, Escola Superior de Arte Industrial de Leningrado, Instituto de Tecnologia de Moscou, Escola Superior de Arte Industrial de Leningrado em homenagem V. Mukhina, Escola de Arte de Irkutsk.

Em exposições de artes decorativas e aplicadas, os artistas da secção exibiram têxteis artísticos (tapeçaria, batique, macramé), porcelana, cerâmica, artigos decorativos em metal, madeira, pedra com motivos do Extremo Oriente. Em anos diferentes, a seção incluiu A.V. Katsuk, P.F.Fedotov, A.S. Pesegov, O.P. Grigoriev, O.G. And A.G. ... Kosenko, V. K. Zakharenko (Nakhodka), T. G. Matyukhina (Artem), T. G. Limonenko, G. M. Maksimyuk, G. G. Dobrynina, T. M. Suslova e outros. Ele próprio E. V. Barsegov, N. M. Shaimordanova, V. G. Nenazhivin.

Nas publicações dedicadas à organização Primorsky da União dos Artistas da Rússia, o equilíbrio dos diferentes gêneros de pintura é observado, em um grande número de obras de arte gráfica, escultura, decoração e arte aplicada e monumental. Os artistas primorye são autores de um bom nível de trabalhos de cavalete, participam ativamente em exposições regionais, republicanas, totalmente russas, contribuem para a formação do aspecto da cidade (painéis de mosaico, formas de arte em vários bairros da cidade, decoração de interiores e fachadas de edifícios públicos). Em geral, os anos 1960/80 podem ser considerados o período de formação do multifacetado, com rosto próprio, a arte litorânea.

Na década de 1990, as mudanças ocorridas na vida social e política do país refletem-se na vida artística. A principal tese desta época, dos artistas que vieram para a arte no final dos anos 1980, formulou-se na cartilha da mostra “Geração dos anos 80”: “A geração dos anos 80 teve um tempo em que, como pioneira, foi permitido criar fora de qualquer ideologia, por si só ... Liberdade total de expressão, à qual, no entanto, você ainda precisa se acostumar. A geração que cresceu em um período e é obrigada a viver em outro é a coisa mais difícil. Aqui sobrevivem os mais fortes, ou melhor, os possuídos, para quem pintar é vida. ” O principal problema é, por um lado, a busca de oportunidades por meio da arte para expressar a visão problemática da vida moderna, por outro, o desejo de individualidade, que determina o lugar do artista na fila geral. Durante este período, os jovens artistas desempenham um papel especial. Suas exposições apontam para “a existência de tendências e tendências diametralmente opostas na arte, a incompatibilidade de atitudes e gostos e abordagens mutuamente exclusivas para representar uma pessoa. A paleta de pesquisas estéticas de jovens pintores ... tornou-se mais complicada ... várias maneiras de interpretar a realidade afirmam ser o principal princípio ao mesmo tempo - da divulgação incondicional da natureza e declarações diretas sobre o mundo a imagens alegóricas e estruturas simbólicas, bem como todo um conglomerado de técnicas emprestadas dos arsenais técnicos do modernismo moderno. " Esta tese é revelada por exposições dos grupos criativos "Vladivostok", "Calm", "Lik", cujas atividades remontam ao final dos anos 1980 e início dos 1990.

Uma das exposições mais significativas desta época pode ser considerada a 2ª exposição de jovens artistas do Extremo Oriente "Território da Esperança" (1995, Vladivostok). Analisando o material apresentado, V. I. Kandyba escreve: “Agora estamos falando muito dolorosamente sobre as dificuldades da vida de um artista na Rússia. Mas como você gostaria que, apesar deles, apesar de tudo, nosso Extremo Oriente se tornou um território abençoado de esperança para a criatividade. O mesmo que esta exposição é para nós, irradiando a luz da juventude e da esperança ”. O que leva um dos principais historiadores da arte do Extremo Oriente a olhar para o futuro com otimismo? Além da previsão geral, ele observa as obras de L. A. Kozmina, I. G. e O. G. Nenazhivina, E. A. Tkachenko, A. G. Filatov, I.I.Butusov e outros, embora considerando-os não disponíveis a todos, mas observando o trabalho com forma e cor, significados e associações. Do ponto de vista dos artistas de hoje, cujos nomes V.I.Kandyba citou em seu artigo, responderam aos desafios da época, seu trabalho é uma confirmação absoluta disso.

Mas na década de 1990, esses desafios tornaram-se agudos. O problema das novas formas, propostas pelo progresso técnico, era urgente: na vida artística, forma-se a arte real que não está associada às habilidades tradicionais da obra do artista. Ocorreu também uma crise no campo da crítica de arte, que antes analisava e generalizava os fenômenos da vida artística, e nas novas condições passou a se assemelhar ao jornalismo de arte, embora tenha contribuído para a criação de um retrato da época, mas não foi capaz para refletir a situação como um todo.

Se falamos da união criativa como organismo econômico, mudanças cardeais também afetaram essa esfera da vida: o fundo de arte, como forma de organizar o trabalho do artista, deixa de existir no Território Primorsky. Sem dúvida, a década de 1990 pode ser considerada um período de crise para a arte da região.

Ao mesmo tempo, a vida nos incita a buscar novas formas de relacionamento com a sociedade. Em 1992, Vladivostok perde o status de cidade portuária fechada, os contatos com artistas de outros países tornam-se possíveis e se desenvolvem. Os cidadãos de Primorsk começam a participar de grandes eventos de arte na região da Ásia-Pacífico e entram no mercado de arte. As galerias não estatais "Artetage" (fundador e diretor A. I. Gorodny) e "Arka" (fundador e diretor V. E. Glazkova) apareceram. Graças a eles, forma-se a compreensão primária da figura do curador, que põe em prática a ideia da mostra de acordo com sua própria visão do processo artístico, tema e garante sua concretização. De referir o esforço de AI Gorodny em formar exposições colectivas com um grande número de participantes-membros do Sindicato dos Artistas, dando um recorte deste ou daquele fenómeno artístico: "110 auto-retratos", "Retrato infantil", " Vladivostok: paisagens e rostos "," Artistas em Andreevka ”e outros. A experiência de trabalhar nestes locais, que permitiu conhecer a arte de artistas de outras regiões da Rússia e do estrangeiro, representando a arte contemporânea, a fotografia, sem dúvida precisa de pesquisa profunda e generalização. Neste artigo, observamos o seguinte: tanto o Artetage Museum quanto a Arka Gallery trabalharam e continuam a trabalhar com artistas-membros da União dos Artistas da Rússia. "Artetage" é um parceiro constante do ramo Primorsky na realização de exposições de grande escala (Primorsky organização VTOO "União de Artistas da Rússia": 70 anos "," Far Eastern State Academy of Arts: 50 anos "," Artistas para a Frota ", etc.)

Nos anos 2000, uma imagem moderna da vida artística está tomando forma. Os membros do sindicato criativo participam ativamente em exposições de vários níveis na Rússia e no exterior., Nas maiores feiras de arte da região da Ásia-Pacífico (KIAF, Guangzhou Art Fair, etc.). Grandes exposições de arte com a participação de artistas de Vladivostok foram realizadas no âmbito da cúpula APEC-2012, da Bienal de Artes Visuais de Vladivostok, entre outros. Os artistas iniciam várias ações. Entre as mais significativas pode-se chamar uma série de cruzeiros artísticos no iate “Allegro” organizado em meados da década de 1990 por S. D. Gorbachev.

A ideia de criar em 2001 o movimento "House of Prishvin" (liderado pelo Artista Homenageado da Federação Russa V.I. Oleinikov), que uniu escritores, artistas, historiadores locais em conexão com o repensar criativo dos encontros criativos M. no bibliotecas do Território de Primorsky.

Em 2006, V. F. Kosenko, A. P. Onufrienko e vários outros artistas, designers e arquitectos tiveram a ideia do projecto "Harmonia do Ambiente", que incluiu várias exposições. A mais impressionante delas foi a exposição City, Sea, Wind, Sail (programada para coincidir com o aniversário de Vladivostok). Foram apresentados projetos monumentais de arte, pintura, grafismo, artesanato, arquitetura e design. A ideia da exposição é definir o lugar do artista no meio urbano. Quando a exposição foi formada, já havia uma experiência positiva na restauração da estação ferroviária e do arco do Tsarevich em Vladivostok pelos esforços dos membros da organização Primorsky da União dos Artistas da Rússia. O projeto foi acompanhado por uma série de publicações em periódicos, que falam de tentativas não só de criar um produto artístico em si, mas de formar opinião pública (essa ideia tem sido continuada na fase atual: em setembro de 2014, a Alliance-Française Vladivostok apresentou o projecto pedagógico Arte Contemporânea em Cidades Arquitectónicas ", que suscitou grande entusiasmo entre os alunos das especialidades" arquitectura "e" design "). Em certo sentido, em 2006, os artistas litorâneos anteciparam a época. E em 2013, a continuação do projeto foi a concepção do cinema de Vladivostok com uma série de painéis de cerâmica de G.G. Dobrynina e V.F. Kosenko.

Outra iniciativa interessante foi a criação da Fundação para Artes Visuais MOST sem fins lucrativos em 2009, patrocinada por A. L. Arsenenko e V. N. Starovoitov. Os organizadores apontaram a principal atividade no campo da arte. Uma das ações da fundação "Gifts of the Magi" é uma exposição beneficente de obras de artistas Primorsky no museu e complexo de exposições do PGOM im. V.K. Arsenyev na rua. Pedro, o Grande, 6 - tal como idealizado pelos organizadores, foi realizado para a posterior transferência de verbas da venda de pinturas para a criação de um espaço no museu adequado para pessoas com mobilidade reduzida.

Esses exemplos indicam que, no estágio atual, o campo das buscas criativas do artista acabou se expandindo.

A Far Eastern State Academy of Arts também está expandindo a estrutura usual de atividades. Em 2009, uma nova equipe de professores está sendo formada no Departamento de Pintura. O renovado departamento declara-se com uma exposição nos corredores da Primorsky State Art Gallery "Painted", o que em si é uma etapa extraordinária. No artigo introdutório ao catálogo da exposição, V. I. Kandyba escreve que, durante quase meio século de existência da academia, não houve a ideia de uma exposição coletiva de professores do corpo docente. A exposição foi um marco, significando a mudança de gerações não só nas oficinas, mas também nas salas de aula da academia, onde em 2009 foram ministradas por I.I.Butusov, A.V. Glinshchikov, A.A. Enin, E.E. Makeev, V. V. Medvedev, IB Obukhov , NA Popovich, que "tornando-se membros de um único coletivo, artistas e professores em uma pessoa, juntos personificam o potencial criativo do corpo docente e o principal caminho para seu desenvolvimento no futuro."

Em 2009, pela primeira vez, por iniciativa da Far Eastern State Academy of Arts, realiza-se um concurso internacional para jovens artistas "ArtVladivostok", que termina com uma exposição sobre os resultados. As exposições estão se tornando anuais nos corredores da filial de Primorsky da União Sindical de Artistas da Rússia e na Galeria de Arte do Estado de Primorsky após os resultados dos plein airs e das 2ª e 3ª competições "ArtVladivostok". Na lista de exposições e eventos de arte, jovens artistas - recém-graduados da Academia indicam plein airs em São Petersburgo, Florença, participação em eventos de arte de toda a Rússia (a exposição "É ótimo!" No Artetage Museum em preparação para o Jogos Olímpicos de 2014).

Durante o trabalho do presidente de AA Pyrkov, por meio dos esforços do reitor da faculdade de pintura, NA Popovich, foi formada uma seção de jovens do ramo Primorsky do VTOO "União de Artistas da Rússia".

Atualmente, o ramo Primorsky do VTOO "União dos Artistas da Rússia" tem 124 pessoas, incluindo críticos de arte: Doutor em História da Arte VM Markov, Candidato em História da Arte OI Zotova, Homenageado Trabalhador da Cultura da Federação Russa LI Varlamova, Homenageado Trabalhador da Cultura da Federação Russa N. A. Levdanskaya. Também membro do Sindicato dos Artistas é o diretor do museu "Artetage" A. I. Gorodny.

Até 2003, o ramo Primorsky do VTOO "União de Artistas da Rússia" incluía o ramo Nakhodka (hoje N AKHODKA CITY BRANCH VTOO "COM A UNIÃO DOS ARTISTAS DA RÚSSIA"). O grupo de artistas Nakhodka foi fundado por iniciativa dos líderes da cidade de Nakhodka em 1980. Os graduados das universidades de arte do país foram convidados e receberam alojamento: V.V. Zakharenko, V.K.Zakharenko - graduados da Escola Superior de Arte Industrial de Moscou, V.E. I.E. Repina, Yu. A. Reznichenko, NP Saunin - graduados do Far Eastern Institute of Arts. Em 1982, V.P. Lakhansky, membro do Sindicato dos Artistas da URSS, laureado com o Prêmio do Primorsky Komsomol, foi convidado. Desde 1982, ele foi eleito membro do conselho da organização Primorsk e chefiou o grupo criativo de Nakhodka. Ao mesmo tempo, os artistas N. M. Kublov, V. P. Vodnev, V. A. Gorban, V. P. Popov, Yu. I. Tukhov, G. A. Omelchenko e outros trabalharam na cidade. Trabalha na década de 1980. declarou-se OP Kozich (graduada pelo Far Eastern Institute of Arts). Os gráficos de Kozich se distinguem pela precisão da solução composicional, desenho confiante e cores complexas. V.P.Bykov (nos tempos soviéticos, os artistas viajavam muito ao redor de Chukotka, capturando o Norte em uma série de folhas gráficas) e F.F.Konyukhov deram uma grande contribuição para a arte gráfica. O trabalho de G.A. Omelchenko está associado ao Nakhodka. Na 1ª exposição zonal "The Soviet Far East" o artista participou nas séries gráficas "Fishing Weekdays" e "Far Eastern Frontiers", mas depois dedicou-se totalmente à pintura. A descoberta se tornou um dos principais temas do artista de cartazes V. A. Gorban. Um fenômeno notável foi o trabalho do pintor paisagista N.P. Saunin. Desde 1964, N. M. Kublov viveu e trabalhou em Nakhodka, o tema principal de sua obra foi o tema do amor por sua pequena pátria, personificado em telas ricas em cores. Desde 1983, o escultor E.K.Sambursky viveu e trabalhou em Nakhodka (formou-se na Frunze Art School, oficina de N.I. Ladyagin). Em 1987, graduados do Far Eastern Institute of Arts V.K. e N. S. Usov foram convidados para Nakhodka.

Os anos oitenta foram um período criativamente rico. O núcleo do grupo - jovens artistas e membros da União dos Artistas V. P. Lakhansky e G. A. Omelchenko, trabalharam ativamente na pintura, arte gráfica, artes e ofícios. Exposições anuais da cidade (de 1980 até o presente) - nas salas do Museu e do Centro de Exposições, das quais participam artistas de diferentes gerações, atraem a atenção dos moradores da cidade. Além disso, os artistas participam em exposições regionais, zonais, republicanas e de toda a União, estabelecem relações internacionais. Assim, V.P. Lakhansky, V.V. Zakharenko, V.P.Bykov tornaram-se participantes de um projeto internacional na cidade de Otaru (Japão), G.A. Omelchenko, V.P. Lakhansky, V.P.Bykov participaram da exposição na cidade de Maizuru (Japão), houve intercâmbio exposições entre os artistas da cidade de Nakhodka e os artistas das cidades de Maizuru e Otaru (Japão). São realizadas viagens criativas aos chalés de verão acadêmicos do Sindicato dos Artistas, realizam-se plein airs, organizam-se encontros entre artistas e espectadores, realizam-se encontros com alunos das escolas de arte da cidade, realizam-se concursos. Artistas V.V. Zakharenko, V.K. Zakharenko, V.P.Bykov, F.F.Konyukhov, N.P.Saunin, Yu.A. Reznichenko, V.E. Kozich, V. K. Usov, N. S. Usova. Graças à liderança da cidade, quase todos os membros do Sindicato dos Artistas tiveram oficinas criativas.

A década de 1990 acabou sendo tão crítica para os artistas de Nakhodka quanto para outros. Devido ao afastamento territorial da cidade de Nakhodka de Vladivostok (180 km) e ao número de membros da União Agrícola na cidade de Nakhodka mais de 10 pessoas, por iniciativa de K.R. O registro pelo Departamento de Justiça para o Território de Primorsky ocorreu em junho de 2003.

Até 1990, a filial de Ussuriysk da União dos Artistas da Rússia (hoje U ORGANIZAÇÃO DA CIDADE DE SURI VTOO "UNIÃO DE ARTISTAS DA RÚSSIA"). Ussuriisk é o segundo centro de arte do Território Primorsky. As tradições artísticas foram fundadas aqui na década de 1940. A organização Ussuriysk VTOO "União dos Artistas da Rússia" foi formada em 20 de junho de 1943 como um ramo da organização Primorsky da União dos Artistas da Rússia. Em 12 de março de 1944, a organização inaugurou a 1ª exposição de artistas da Ussuriysk.

Um papel importante na criação do grupo criativo de artistas de Ussuriysk foi desempenhado pelo Estúdio de artistas militares, que em janeiro de 1940 foi fundado pelos graduados da Academia de Artes de São Petersburgo, os irmãos Fridmans - Ovsey Isakovich, diretor artístico da o estúdio de artistas militares, professor da faculdade de pintura de batalha da Academia de Artes, e Rafail Isakovich, diretor do estúdio e de uma oficina de arte. Para o estúdio e trabalho dos artistas em Ussuriysk, um edifício especial foi construído na rua. Volodarsky, 42. Nos anos da guerra, o estúdio na casa dos oficiais era dirigido por A.N. Romashkin.

Na década de 1950, as oficinas de produção de arte começaram a funcionar. A organização Ussuriysk não era numerosa: 10 a 15 pessoas formavam seu núcleo criativo. A vida de uma pequena organização sempre tem seus lados positivos e negativos. Nessa situação, o positivo é que uma equipe compacta pode cativar uma pessoa com uma ideia - um líder. Na década de 1950, o líder era considerado SF Arefin, que passou a participar de mostras regionais a partir da década de 1940. S. F. Arefin cresceu em Ussuriisk, durante a Grande Guerra Patriótica, serviu na sede do Distrito do Extremo Oriente, onde se formou nos cursos de artistas militares. Voltando à Ussuriisk, ingressou no Sindicato dos Artistas, estava ativamente engajado não só na criação, mas também no trabalho social na organização. Em 1966, o artista mudou-se para Vladivostok e durante muitos anos praticamente abandonou a pintura de cavalete, tornando-se artista de teatro.

Sem dúvida, o papel principal no desenvolvimento criativo foi desempenhado por K.P. Koval. Suas obras apareceram em exposições all-Union e republicanas no final dos anos 1950. Graduado no Studio of Military Artists em Ussuriysk, ele considerou a Dacha Acadêmica em homenagem a V.I. I. E. Repin. Graças às suas visitas criativas a Akademichka, KP Koval era bem conhecido em Moscou e chamado de “Koval de Ussuriysk”. Ele foi um excelente professor, continuando a tradição de ensino em estúdio em Ussuriysk, e de alguma forma continuou a linha pedagógica de V.V. Bezrodny nas terras de Ussuriysk. Os alunos de seu estúdio eram chamados de “martelos”. KP Koval dedicou todo o seu talento generoso e forte à paisagem litorânea, cujos méritos foram notados pelo mestre pintor paisagista A.A. Gritsay. O talento natural e a enorme capacidade para o trabalho permitiram que KP Koval se tornasse um artista altamente profissional, uma pessoa que possuía um "princípio criativo". Graças a ele, a definição "escola de pintura de Ussuriysk" apareceu em exposições da região do Extremo Oriente e de toda a Rússia. O poder cativante de seu talento reuniu e inspirou os artistas de Ussuriysk. O editor do jornal da cidade de Ussuriisk M. Dubranov escreve sobre isso: “Existem pessoas que estão destinadas a deixar um prazo na história da humanidade por seu próprio destino. De ... a história de Ussuriysk, o artista Kim Petrovich Koval pode ser atribuído a essas pessoas sem nenhum exagero. "

Na década de 1940, S. F. Arefin, G. K. Aslanov, Yu. L. Ars, V. M. Zotov, S. P. Chaika, S. I. Derek lançou bases sólidas para uma vida artística estável na cidade. Na década de 1950-1970, eles se juntaram e se tornaram membros da União dos Artistas da Rússia N. P. Borisov, B. A. Vyalkov, K. P. Koval, V. M. Medvedsky, N. Ya. Gritsuk, P. Ya. Alemão, AV Tkachenko, BN Loshkarev, VA Lutchenko, ND Volkov, VA Serov, GG Lagerev, AA Usenko, nos anos 1980 - Yu P. Galyutin, O. K. Nikitchik, I. T. Nikitchik, A. V. Pikhtovnikov. Na década de 1990, a organização foi reabastecida com novos membros - Yu, P. Larionov, M. R. Pikhtovnikova, E. A. Pikhtovnikov, N. N. Kazantsev, S. V. Gorbach, M. P. Sobolevsky.

Em 18 de março de 1985, foi inaugurado o prédio da Casa dos Artistas, construído com o esforço dos artistas de Ussuriysk. Um grande papel nesta questão foi desempenhado, entre outras coisas, por A.V. Pikhtovnikov, que chefiou a comissão de cultura do conselho municipal dos deputados. Por sua contribuição para o desenvolvimento da arte na Rússia e no Extremo Oriente, os artistas da organização receberam o título de Artista Homenageado da Federação Russa e Artista Homenageado da Federação Russa (KP Koval), Artista Homenageado da Federação Russa ( AV Tkachenko, VA Serov, ND Volkov, O.K. Nikitchik, I.I. Dunkai).

O tema da Creative Dacha em Andreevka está intimamente ligado à organização Ussuriysk. Andreevka, referida no meio artístico como a "dacha dos artistas", revelou-se um local surpreendentemente atractivo não só para recreação e pesca. Aqui, nas terras do distrito de Khasansky de Primorye, as tradições das casas de criatividade da zona central da Rússia foram continuadas. Um deles é a dacha acadêmica que leva o nome de Ilya Repina em Vyshny Volochyok serviu para residentes de Primorye tanto como um local de comunicação e um local de estudo, onde veneráveis ​​artistas de Moscou, Leningrado e outras cidades da União Soviética, e aqueles que ainda precisavam se tornar um mestre, eram participantes da criação Chegadas.

Os residentes de Primorsk pavimentaram uma estrada permanente para Vyshny Volochek. Nas terras russas primordiais, em estreita comunicação com os famosos artistas dos anos 60 A. A. Gritsai, V. N. Gavrilov, A. D. Romanychev, A. P. e S. P. Tkachev, ocorreu a compreensão das profundezas da profissão do artista. Todo mundo tem um esboço de Akademichka em sua bagagem criativa, onde, aliás, eles ainda existem hoje, apesar das circunstâncias cardinalmente alteradas da vida artística.

Na década de 1970, após uma série de longas viagens, decidiu-se fazer sua própria dacha criativa: “Vários pintores litorâneos K. Koval, A. Tkachenko, A. Teleshov, V. Prokurov, V. Medvedsky chegaram pela primeira vez a Andreevka. Andreevka é uma pequena vila no sul de Primorye na região de Khasansky, localizada na costa da Baía da Trindade do Mar do Japão. O lugar é incrivelmente bonito. A dacha criativa "Andreevka" agora está localizada aqui. Ele contém a organização Ussuriysk da União dos Artistas da Rússia. Artistas do Extremo Oriente vêm aqui para trabalhar e descansar - Primorye, Khabarovsk, Blagoveshchensk e, nos bons tempos, artistas vieram de Moscou, Leningrado, dos Estados Bálticos, da Rússia Central ”, escreve RP Kosheleva, um assistente do All-Union União dos Artistas da Rússia. O editor do jornal encontrou lugar para uma publicação sobre Andreevka na página com o título "Nas casas da criatividade" ao lado do material sobre a dacha Acadêmica de Vyshny Volochyok, o que não é por acaso. Andreevka tornou-se um local de inspiração e trabalho para dezenas de artistas de diferentes gerações e ao mesmo tempo uma espécie de elo de ligação com o centro da Rússia.

Em 1990, com uma equipe de 10 pessoas, a filial de Ussuriysk se separou da filial de Primorsky e adquiriu o status de organização independente.

Hoje, a filial de Primorsky, a cidade de Nakhodka e as organizações da cidade de Ussuriysk da União de Artistas da Rússia inteira cooperam estreitamente na organização de exposições de arte e plein airs na Rússia e no exterior.

Olga ZOTOVA

membro da VTOO "União dos Artistas da Rússia",

Secretário Executivo do Ramo Primorsky

VTOO "União de Artistas da Rússia",

Ph.D. em História das Artes,

Professor Associado, Escola de Ciências Humanas, FEFU

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Atualmente, existem doze organizações criativas de artistas no Extremo Oriente: o ramo Primorsky da União Sindical de Artistas da Rússia é o segundo maior.

As atividades da organização estão intimamente relacionadas à história das artes plásticas, não apenas em Primorye e no Extremo Oriente, mas em toda a Rússia.

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Dmitry Borovsky, maio de 1998

Arte: Extremo Oriente: uma visão geral

A enorme região, convencionalmente chamada de Extremo Oriente, inclui China, Japão, Coréia, Mongólia e Tibete - países que têm uma série de semelhanças, mas ao mesmo tempo diferenças culturais significativas.

Todos os países do Extremo Oriente foram influenciados pelas antigas civilizações da China e da Índia, onde já no primeiro milênio aC surgiram ensinamentos filosóficos e religiosos, que lançaram as bases para o conceito de natureza como um Cosmos que tudo abrange - um organismo vivo e espiritualizado que vive de acordo com suas próprias leis.

A natureza esteve no centro das pesquisas filosóficas e artísticas de todo o período medieval, e suas leis foram consideradas universais, determinando a vida e as relações das pessoas. O mundo interior do homem foi comparado com as várias manifestações da natureza. Isso influenciou o desenvolvimento do método simbólico nas artes visuais, definindo sua linguagem poética alegórica. Na China, Japão e Coréia, sob a influência de tal atitude para com a natureza, tipos e gêneros de arte foram formados, conjuntos arquitetônicos intimamente ligados à paisagem circundante foram construídos, a arte de jardinagem nasceu e, finalmente, o alvorecer da pintura de paisagem tomou Lugar, colocar.

Sob a influência da antiga civilização indiana, o budismo começou a se espalhar, e na Mongólia e no Tibete - também o hinduísmo. Esses sistemas religiosos trouxeram aos países do Extremo Oriente não apenas novas idéias para eles, mas também tiveram um impacto direto no desenvolvimento da arte. Graças ao budismo, uma nova linguagem artística até então desconhecida de escultura e pintura apareceu em todos os países da região, ensembles foram criados, uma característica dos quais foi a interação da arquitetura e belas artes.

As características da representação de divindades budistas em escultura e pintura evoluíram ao longo de muitos séculos como uma linguagem especial de símbolos, expressando idéias sobre o universo, as leis morais e o propósito do homem. Assim, a experiência cultural e as tradições espirituais de muitos povos foram consolidadas e preservadas. As imagens da arte budista incorporam as idéias do confronto entre o bem e o mal, a misericórdia, o amor e a esperança. Todas essas qualidades determinaram a originalidade e o significado universal das criações marcantes da cultura artística do Extremo Oriente.

Arte: Japão

O Japão está localizado nas ilhas do Oceano Pacífico, estendendo-se ao longo da costa oriental do continente asiático de norte a sul. As ilhas japonesas estão em uma área sujeita a terremotos e tufões frequentes. Os habitantes das ilhas estão acostumados a estar em constante alerta, contentes com um estilo de vida modesto, e a reconstruir rapidamente suas casas após desastres naturais. Apesar dos desastres naturais que ameaçam constantemente o bem-estar das pessoas, a cultura japonesa reflete o desejo de harmonia com o mundo ao seu redor, a capacidade de ver a beleza da natureza em grandes e pequenos. Na mitologia japonesa, os cônjuges divinos, Izanagi e Izanami, eram considerados os ancestrais de tudo no mundo. Deles veio a tríade de grandes deuses: Amaterasu - a deusa do sol, Tsukiyomi - a deusa da lua e Susanoo - o deus da tempestade e do vento. De acordo com as ideias dos antigos japoneses, as divindades não tinham uma aparência visível, mas estavam incorporadas na própria natureza - não apenas no Sol e na Lua, mas também em montanhas e rochas, rios e cachoeiras, árvores e ervas, que eram reverenciados como espíritos (a palavra kami traduzido do japonês significa vento Divino) Esta deificação da natureza persistiu durante todo o período da Idade Média e recebeu o nome Xintoísmo - caminho dos deuses tornando-se a religião nacional japonesa; Os europeus chamam isso de xintoísmo.

As origens da cultura japonesa estão enraizadas na antiguidade. As primeiras obras de arte datam de 4 a 2 milênios aC. O período mais longo e fecundo para a arte japonesa foi o período da Idade Média (séculos VI e XIX).

Arte: Japão: Arquitetura: Casa tradicional japonesa

A construção de uma casa tradicional japonesa tomou forma nos séculos XVII e XVIII. É uma moldura de madeira com três paredes móveis e uma fixa. As paredes não têm funções de suporte, pelo que podem afastar-se ou mesmo ser removidas, servindo ao mesmo tempo como janela. Na estação quente, as paredes eram em estrutura de treliça, coladas com papel translúcido que deixava entrar a luz, e em épocas de frio e chuva eram cobertas ou substituídas por painéis de madeira. Quando o clima japonês é muito úmido, a casa deve ser ventilada por baixo. Portanto, é elevado acima do nível do solo em 60 cm. Para proteger os pilares de sustentação da degradação, eles foram instalados em alicerces de pedra.

A leve moldura de madeira tinha a flexibilidade necessária, o que reduziu a força destrutiva do choque durante os frequentes terremotos no país. O telhado, de telha ou junco, tinha grandes toldos que protegiam as paredes de papel da casa da chuva e do sol escaldante de verão, mas não bloqueavam os raios baixos do sol no inverno, início da primavera e final do outono. Havia uma varanda sob o dossel.

O chão das salas era coberto com esteiras - tatame que foram em sua maioria sentados, não em pé. Portanto, todas as proporções da casa foram orientadas para uma pessoa sentada. Como não havia móveis fixos na casa, eles dormiam no chão, em colchões especiais grossos, que ficavam guardados nos armários durante o dia. Comiam sentados em esteiras, em mesas baixas, serviam também para diversas atividades. Divisórias internas corrediças, revestidas de papel ou seda, podiam dividir as dependências internas em função das necessidades, o que possibilitava um aproveitamento mais diversificado, porém, era impossível a cada morador se aposentar totalmente dentro de casa, o que influenciou o intrafamiliar relações na família japonesa, e em um sentido mais geral - sobre as peculiaridades do caráter nacional dos japoneses.

Um detalhe importante da casa - um nicho localizado em uma parede fixa - Tokonama onde uma imagem poderia ser pendurada ou um arranjo de flores - ikebana - poderia estar. Este era o centro espiritual da casa. Na decoração do nicho, manifestaram-se as qualidades individuais dos moradores da casa, seus gostos e inclinações artísticas.

A continuação da casa tradicional japonesa foi Jardim... Ele desempenhava o papel de cerca e ao mesmo tempo conectava a casa ao meio ambiente. Quando as paredes externas da casa foram separadas, a fronteira entre o espaço interno da casa e o jardim desapareceu e uma sensação de proximidade com a natureza, comunicação direta com ela, foi criada. Essa foi uma característica importante da percepção nacional do mundo. Porém, as cidades japonesas cresceram, o tamanho do jardim diminuiu, e muitas vezes foi substituído por uma pequena composição simbólica de flores e plantas, que cumpriam o mesmo papel de contato entre a habitação e o mundo natural.

Arte: Japão: Ikebana

A arte de arranjar flores em vasos - ikebana (vida de flores) - remonta ao antigo costume de colocar flores no altar de uma divindade, que se espalhou para o Japão junto com o budismo no século 6. Na maioria das vezes, uma composição no estilo da época - Ricca (flores entregues) - consistia em um ramo de pinheiro ou cipreste e lótus, rosas, narcisos colocados em vasos de bronze antigos.

Com o desenvolvimento da cultura secular nos séculos 10-12, as composições de flores foram instaladas em palácios e alojamentos de representantes da classe aristocrática. Os concursos de buquês especiais tornaram-se populares na corte imperial. Na segunda metade do século XV, surgiu uma nova direção na arte da ikebana, cujo fundador foi o mestre Ikenobo Sen'ei... As obras da escola Ikenobo se destacaram pela beleza e sofisticação especiais, foram instaladas em altares caseiros, apresentadas como presentes.

No século 16 com a propagação cerimônias do chá formou um tipo especial de ikebana para decorar um nicho tokonoma no pavilhão de chá. A exigência de simplicidade, harmonia, cores contidas, aplicada a todos os itens do culto do chá, estendeu-se ao desenho de flores - chabana (ikebana para cerimônia do chá) Mestre do chá famoso Senno Rikyu criou um estilo novo e mais livre - nageire (flores colocadas descuidadamente), embora fosse na aparente desordem que residia a complexidade e a beleza particulares das imagens deste estilo. Um tipo de nageire era o chamado tsuribana, quando as plantas eram colocadas em um recipiente suspenso em forma de barco. Essas composições foram apresentadas a uma pessoa que assumiu o cargo ou se formou em seus estudos, pois simbolizavam "sair para o mar aberto da vida".

Nos séculos 17 e 19, a arte da ikebana se generalizou, surgindo o costume de treinar obrigatoriamente as meninas na arte de fazer buquês. Porém, devido à popularidade do ikebana, as composições tornaram-se mais simples, tendo que abandonar as rígidas regras de estilo. Ricca a favor nageire, do qual outro novo estilo se destacou Seika ou cadela (Flores naturais) Mestre do final do século 19 Ohara Usin estilo criado moribana, a principal inovação foi que as flores foram colocadas em vasos largos.

Na composição do ikebana, via de regra, existem três elementos obrigatórios, denotando três princípios: Céu, Terra e Homem. Eles podem ser incorporados por flores, galhos e grama. A relação entre eles e com elementos adicionais cria obras que são diferentes em estilo e conteúdo. A tarefa do artista não é apenas criar uma bela composição, mas também transmitir nela plenamente seus próprios pensamentos sobre a vida de uma pessoa e seu lugar no mundo. As obras de destacados mestres ikebana podem expressar esperança e tristeza, harmonia espiritual e tristeza.

Por tradição, no ikebana, a estação é necessariamente reproduzida, e a combinação de plantas forma desejos de felicidades simbólicos bem conhecidos no Japão: pinheiro e rosa - longevidade; peônia e bambu - prosperidade e paz; crisântemo e orquídea - alegria; magnólia - pureza espiritual etc.

Arte: Japão: escultura: netsuke

Escultura em miniatura - netsuke se tornou comum nos séculos 18 e 19 como um dos tipos de artes e ofícios. Seu surgimento se deve ao fato do traje nacional japonês - quimono - não possuir bolsos e todos os pequenos itens necessários (cachimbo, bolsa, caixa de remédios etc) são presos ao cinto por meio de um chaveiro de contrapeso. Netsuke, portanto, necessariamente tem um orifício para uma renda, com o qual o item desejado é preso a ele. Antes eram usados ​​chaveiros em forma de palitos e botões, mas desde o final do século 18, mestres famosos já trabalharam na criação dos netsuke, colocando suas assinaturas nas obras.

Netsuke é a arte da classe urbana, massiva e democrática. Pelas tramas de netsuke, pode-se julgar as necessidades espirituais, interesses cotidianos, maneiras e costumes dos habitantes da cidade. Eles acreditavam em espíritos e demônios, que muitas vezes eram representados em esculturas em miniatura. Eles adoravam estatuetas dos "sete deuses da felicidade", entre os quais os mais populares eram o deus da riqueza Daikoku e o deus da felicidade Fukuroku. Os temas constantes do netsuke eram os seguintes: uma berinjela rachada com muitas sementes dentro - um desejo por um grande filhote macho, dois patos - um símbolo de felicidade familiar. Um grande número de netsuke é dedicado a tópicos do dia a dia e à vida cotidiana da cidade. Estes são atores e mágicos errantes, vendedores ambulantes, mulheres fazendo coisas diferentes, monges errantes, lutadores, até mesmo os holandeses em suas roupas exóticas, do ponto de vista dos japoneses - chapéus de abas largas, camisolas e calças.

Distinguido pela variedade temática, o netsuke manteve sua função original de chaveiro, e esse propósito ditou aos artesãos uma forma compacta, sem partes salientes frágeis, arredondada e agradável ao toque. A escolha do material está relacionada a isto: não muito pesado, durável, constituído de uma só peça. Os materiais mais comuns eram vários tipos de madeira, marfim, cerâmica, laca e metal.

Arte: Japão: pintura e desenho

A pintura japonesa é muito diversa, não só no conteúdo, mas também na forma: são pinturas murais, telas, pergaminhos verticais e horizontais executados em seda e papel, folhas de álbum e leques.

A pintura antiga só pode ser julgada por referências em documentos escritos. As primeiras obras pendentes que sobreviveram datam do período Heian (794-1185). Estas são ilustrações do famoso "O Conto do Príncipe Genji", do escritor Murasaki Shikibu. As ilustrações foram feitas em vários rolos horizontais e complementadas com texto. São atribuídos ao pincel do artista Fujiwara Takayoshi (primeira metade do século XII).

Um traço característico da cultura daquela época, criada por um círculo bastante estreito da classe aristocrática, era o culto à beleza, o desejo de encontrar em todas as manifestações da vida material e espiritual seu encanto característico, quase elusivo e evasivo. Pintura da época, que mais tarde recebeu o nome de Yamato-e (traduzido literalmente pintura japonesa), transmitia não uma ação, mas um estado de espírito.

Quando os rudes e corajosos representantes da classe militar chegaram ao poder, a cultura da era Heian caiu. Na pintura em pergaminhos, foi estabelecido um princípio narrativo: são lendas de milagres repletas de episódios dramáticos, biografias de pregadores da fé budista, cenas de batalhas de guerreiros.

Nos séculos 14-15, sob a influência dos ensinamentos da seita Zen, com sua atenção especial à natureza, a pintura de paisagem começou a se desenvolver (inicialmente sob a influência de desenhos chineses).

Por um século e meio, os artistas japoneses dominaram o sistema de arte chinês, tornando a pintura de paisagem monocromática propriedade da arte nacional. A sua floração mais elevada está associada ao nome do notável mestre Toyo Oda (1420..1506), mais conhecido pelo pseudónimo Sesshu. Em suas paisagens, usando apenas os melhores tons de tinta preta, ele foi capaz de refletir toda a natureza multicolorida do mundo natural e seus incontáveis ​​estados: a atmosfera rica em umidade do início da primavera, invisível, mas sentida o vento e a fria chuva de outono, o rigidez imóvel de inverno.

O século 16 inaugura a era da chamada Idade Média tardia, que durou três séculos e meio. Nessa época, pinturas de parede eram comuns, decorando os palácios dos governantes do país e grandes senhores feudais. Um dos fundadores de uma nova direção na pintura foi o famoso mestre Kano Eitoku, que viveu na segunda metade do século XVI. A xilogravura (xilogravura), que floresceu nos séculos 18 e 19, tornou-se outro tipo de arte visual da Idade Média. A gravura, assim como a pintura de gênero, era chamada de ukiyo-e (imagens do mundo cotidiano). Além do artista que fez o desenho e escreveu seu nome na folha acabada, o gravador e o impressor participaram da realização da gravura. No início, a gravura era monocromática, era pintada à mão pelo próprio artista ou pelo comprador. Então, a impressão em duas cores foi inventada e, em 1765, o artista Suzuki Harunobu (1725-1770) usou pela primeira vez a impressão multicolorida. Para fazer isso, o entalhador colocou um papel vegetal com um padrão em uma placa de corte longitudinal especialmente preparada (feita de pera, cereja ou buxo japonês) e cortou o número necessário de placas impressas, dependendo do esquema de cores da gravura. Às vezes, havia mais de 30 deles. Em seguida, o impressor, escolhendo as tonalidades necessárias, fazia impressões em papel especial. A sua habilidade consistia em conseguir uma correspondência exata dos contornos de cada cor, obtidos a partir de diferentes pranchas de madeira.

Todas as gravuras foram subdivididas em dois grupos: teatral, que retratava os atores do teatro clássico Kabuki japonês em vários papéis, e descritiva do cotidiano, dedicada à imagem de belezas e cenas de suas vidas. O mais famoso mestre da gravura teatral foi Tosyushai Sharaku, que retratou os rostos dos atores em close-up, enfatizando as características do papel que desempenhavam, os traços característicos da pessoa que reencarnou como personagem da peça: raiva, medo , crueldade, engano.

Artistas notáveis ​​como Suzuki Harunobu e Kitagawa Utamaro tornaram-se famosos na gravura da vida cotidiana. Utamaro foi a criadora de imagens femininas que incorporaram o ideal nacional de beleza. Suas heroínas pareciam ter congelado por um momento e agora continuam seu movimento suave e gracioso. Mas esta pausa é o momento mais expressivo em que a inclinação da cabeça, o gesto da mão, a silhueta da figura transmitem os sentimentos com que convivem.

O mais famoso mestre da gravura foi o brilhante artista Katsushika Hokusai (1776-1849). A arte de Hokusai é baseada na centenária cultura pictórica japonesa. Hokusai produziu mais de 30.000 desenhos e ilustrou cerca de 500 livros. Já com setenta anos, Hokusai criou uma das obras mais significativas - a série "36 Vistas de Fuji", que o coloca em pé de igualdade com os artistas mais destacados no mundo da arte. Mostrando o Monte Fuji - o símbolo nacional do Japão - de diferentes lugares, Hokusai revela pela primeira vez a imagem da pátria e a imagem do povo em sua unidade. O artista viu a vida como um processo único em toda a variedade de suas manifestações, que vão desde os simples sentimentos de uma pessoa, suas atividades diárias e terminando com a natureza circundante com seus elementos e belezas. A obra de Hokusai, que absorveu a experiência secular da arte de seu povo, é o último auge da cultura artística do Japão medieval, seu resultado notável.

Arte: Japão: Fontes de Informação

Enciclopédia Microsoft Encarta 97 World English Edition... Microsoft Corp., Redmond, 1996;

Recursos da Internet (Worldwide Web);

"Enciclopédia para Crianças", volume 6 ("Religiões do mundo"), parte dois. Editora "Avanta +", Moscou, 1996;

"Enciclopédia para Crianças", volume 7 ("Arte"), parte um. Editora "Avanta +", Moscou, 1997;

Enciclopédia "Mitos dos povos do mundo". Editora "Enciclopédia Soviética", Moscou, 1991.

Arte: Japão: glossário

Gravação- visualizar gráficos, em que a imagem é uma impressão impressa de um desenho aplicado a uma placa de madeira, linóleo, metal, pedra; a própria imagem em madeira, linóleo, papelão etc.

Ikebana("Flores frescas") - a arte japonesa de fazer buquês; o próprio buquê, composto de acordo com os princípios da ikebana.

Kondo(Golden Hall) - o templo principal do complexo monástico budista japonês; mais tarde ficou conhecido como Hondo.

Kaizima- na arquitetura japonesa, um telhado de duas águas maciço de um templo xintoísta; Era feito de palha ou casca de cipreste, mais tarde de telhas.

Xilogravura - gravação na árvore.

N´ etsuke- uma estatueta em miniatura de marfim, madeira ou outros materiais; servia como chaveiro, com a ajuda do qual pequenos itens eram presos ao cinto (por exemplo, uma carteira); pertencente ao traje nacional japonês.

Pagode- na arquitetura budista dos países do Extremo Oriente e Sudeste Asiático, uma torre memorial com várias camadas - relicário com um número ímpar (sorte) de camadas.

R´ criança levada- Escola de pintura japonesa dos séculos XVII e XVIII; gravitou em torno de assuntos literários dos séculos passados; transmitiu as experiências líricas dos heróis.

Relicário- um recipiente para armazenar relíquias.

Tyaniva("Jardim do chá") - na arquitetura japonesa, um jardim associado à cerimônia do chá - puxar; compõe um único conjunto com um pavilhão de chá - chashitsu.

Tyano´ NS("Cerimônia do chá") - na vida espiritual do Japão, um ritual filosófico e estético de unir as pessoas, ajudando-as a desligar a agitação da vida cotidiana.

Ukiyo-e("Imagens do mundo cotidiano") - escola de pintura japonesa e xilogravuras Séculos 17-19, refletindo a vida e os interesses da população urbana; herdou as tradições da pintura de gênero dos séculos 15-16.

Khaniva("Círculo de argila") - cerâmica funerária japonesa antiga; nomeado pelo método de fabricação: anéis de argila esculpidos à mão são sobrepostos uns aos outros; período do amanhecer - 5-6 séculos.

Yamato-´ NS("Pintura japonesa") - nas artes plásticas do Japão desde os séculos 10-11, uma direção independente, oposta à pintura chinesa; os enredos das histórias, romances e diários japoneses medievais foram reproduzidos; silhuetas, manchas de cores brilhantes, salpicos de ouro e brilhos de prata foram expressivamente combinados.

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A crítica de arte é uma especialidade para quem deseja estudar a história da arte desde a antiguidade até a atualidade, adquirir informações sobre os valores da arte, aprender uma língua estrangeira e se comunicar com fluência nela e obter oportunidades de emprego no exterior. Esta profissão popularizou-se há dois ou três séculos, mas não perde a sua relevância no mundo moderno. É perfeitamente possível receber educação à distância em história da arte - muitas instituições de ensino superior oferecem essa oportunidade.

Currículo de Educação a Distância em História da Arte

O programa de treinamento para historiadores de arte profissionais consiste em várias etapas:

• Treinamento em história da arte. Esta é uma seção clássica da educação profissional, inclui o estudo da história cultural desde a antiguidade até os dias atuais, aulas práticas com artistas e escultores famosos;
• Línguas estrangeiras. Claro, a ênfase principal está em aprender inglês - é considerado internacional, compreensível em muitos países e expande as oportunidades para graduados em termos de emprego. Mas algumas instituições de ensino superior permitem o estudo de uma língua estrangeira - inglês, italiano, espanhol, chinês, japonês;
• Prática do mercado de arte (história da arte aplicada). Ao estudar esta seção do currículo obrigatório, os alunos recebem conhecimento sistêmico no campo do mercado internacional de arte, seus preços e a demanda por obras específicas.

Você deve estar ciente de que o ensino a distância em história da arte implica a aprovação em todos os pontos do currículo, com o treinamento prático obrigatório. Cada instituição de ensino superior pode expandir o conhecimento dos alunos de uma seção específica do programa. Por exemplo, a prática do ensino de artes plásticas pode incluir o conhecimento das especificidades da atividade empresarial, bem como a tecnologia da informação.

Em geral, o ensino a distância da profissão apresentada é bastante complexo e envolve o estudo das seguintes disciplinas:

• Lingua estrangeira;
• Fundamentos de Economia, Estudos Culturais e Filosofia;
• Fundamentos da Educação Psicológica e Pedagógica;
• Cultura da fala e conhecimentos básicos da língua russa;
• O uso da tecnologia na cultura;
• Bases de informação de economia e gestão;
• Ciência natural.

São disciplinas gerais estudadas por todos os alunos, independentemente da direção escolhida na história da arte.

Quais disciplinas estão incluídas no programa de história da arte

O estudo da história da arte inclui as seguintes disciplinas:

• Mundo antigo;
• Meia idade;
• Países do Oriente Médio na Idade Média;
• Arte do Extremo Oriente na Idade Média;
• Oriente (séculos XV-XIX);
• O Próximo e o Extremo Oriente do século XX;
• Arte da Europa Ocidental;
• História das artes e ofícios, teatro, cinema e música;
• História da arquitetura e design;
• Arte russa;
• História geral e história da Rússia;
• Arqueologia;
• Literatura;
• Ensinamentos estéticos;
• Teoria e Metodologia da Arte;
• História da crítica de arte;
• Fundamentos de Gestão e Marketing;
• Negócios de arte;
• Monumentos de arte;
• Trabalho de restauração;
• Trabalho de museu;
• Dados históricos sobre a língua estrangeira estudada;
• Tradução de textos literários;
• Arte empresarial - materiais teóricos e práticos.

Considerando um volume tão grande de disciplinas cursadas no âmbito do ensino a distância para a profissão de "Estudos da Arte", não é surpreendente que os alunos remotamente façam frequentemente testes intermediários, créditos diferenciados - os professores precisam se certificar da utilidade e profundidade do conhecimento adquirido.

Onde e como obter educação

História da arte- corpo docente, o que implica uma formação prática para cada aluno e, portanto, é impossível falar inequivocamente em educação a distância. Em vez disso, este método de educação refere-se a uma forma mista de educação - ensino à distância usando tecnologias à distância.

Você pode se inscrever em tal corpo docente em muitas instituições de ensino superior, mas deve estar pessoalmente presente no momento da apresentação do pacote de documentos para admissão. Além disso, os alunos terão que vir para o ramo principal ou adicional de uma instituição de ensino superior para treinamento prático, participando de seminários e conferências, passando por tarefas de teste, testes diferenciais e exames.

Instituições de ensino superior que oferecem a oportunidade de realizar ensino à distância na profissão de história da arte:

• Far Eastern State Technical University;
• Universidade Estadual de Cultura e Arte de Kazan;
• Universidade Estadual de Moscou;
• Instituto Pedagógico Estadual de Perm;
• Universidade Estadual de Cultura e Artes de São Petersburgo.