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Heather Bhandari, Jonathan Melber

ARTE/TRABALHO: Como se tornar um artista de sucesso

Tradutor D. Glebov

Editor científico K. Yatkovskaia

editor A. Chernikova

Gestor de projeto A. Vasilenko

Corretor E. Aksenova

Layout do computador K.Svishchev

© 2009 por Heather Darcy Bhandari e Jonathan Melber

© Publicação em russo, tradução, design. Editora Alpina LLC, 2016

Todos os direitos reservados. A obra destina-se exclusivamente ao uso privado. Nenhuma parte da cópia eletrônica deste livro pode ser reproduzida de qualquer forma ou por qualquer meio, incluindo publicação na Internet ou em redes corporativas, para uso público ou coletivo sem a permissão por escrito do proprietário dos direitos autorais. Por violação de direitos autorais, a lei prevê o pagamento de indenização ao titular dos direitos autorais no valor de até 5 milhões de rublos (artigo 49 do Código de Contra-ordenações), bem como a responsabilidade criminal na forma de prisão por até 6 anos (artigo 146 do Código Penal da Federação Russa).

Dedicado a Linda e Kevin, Barbara e Dan, Marissa, Erin, Eri e Rishi.

E também a George Burugi, um bom amigo, um grande artista, que nos inspirou a criar este livro.

A grande imagem

A comunidade artística está cheia de pessoas que gostam de dizer: “Não existem regras no mundo da arte”. Mas isso é apenas parte da verdade. Não, é claro, eles raciocinam parcialmente corretamente: não existem tábuas de pedra com mandamentos, nem regulamentos escritos. E o trabalho na oficina depende exclusivamente de você, e não de certas regras que ditam o que deve ser feito e como. Mas o mundo da arte está sujeito a outras leis: as tradições, as expectativas dos profissionais - tudo o que você precisa saber antes de sair do ateliê e sair pela primeira vez ao mundo.

As tradições, no entanto, estão mudando. Até bem recentemente, por exemplo, acreditava-se que um artista deveria passar ano após ano no ateliê, esperando o momento em que as galerias lhe prestariam atenção. Hoje, as galerias competem entre si pelo direito de possuir os talentos mais recentes e originais. Eles vasculham metodicamente universidades e departamentos de artes plásticas em busca de talentos e oferecem contratos aos estudantes antes mesmo de receberem seus diplomas. E isso não quer dizer que todos a quem estes contratos são oferecidos estivessem preparados para isso. Esse tipo de pressão, de caráter exclusivamente pragmático, pode sufocar qualquer talento, principalmente um iniciante. Mas precisamente porque você, um artista em ascensão, de repente tem uma oportunidade real, até então improvável, de vender o seu trabalho, você simplesmente precisa estar ciente dos problemas que irá enfrentar e das regras pelas quais o mundo da arte funciona.

Você não precisa segui-los. Tradições são apenas tradições. As expectativas de outras pessoas são apenas expectativas de outras pessoas. Nosso livro não é sobre eles. Se você quiser quebrar o sistema, quebre-o. Nadar contra correntes. Mas faça isso de forma consciente, entendendo claramente por que está fazendo isso.

E mais longe. O que funciona para outra pessoa não necessariamente funcionará para você. Experimente tudo o que você aprendeu neste livro: como nossos conselhos combinam com sua personalidade, suas aspirações, sua arte. Porque o sonho de uma grande galeria em Nova York é uma coisa, mas uma carreira na província é completamente diferente. O que dizer de vender seus trabalhos diretamente do ateliê na tentativa de ganhar um pedaço de pão! E a questão aqui não é sobre o que é melhor e o que é pior - apenas a sua (e somente a sua!) compreensão do sucesso é importante. E o seu caminho vai depender desse entendimento.

Quem somos nós para te ensinar? Um de nós é diretor de uma galeria de arte, o outro é advogado que atua na área de arte. Somos amigos há muitos anos, desde que fomos para a faculdade. E, como muitos dos que se dedicam profissionalmente à arte, fazemos o nosso trabalho em nome do amor pela arte e por quem a cria. Ao longo dos dez anos que moramos em Nova York, tivemos que responder mais de uma vez às mesmas perguntas: como construir uma carreira no mundo da arte, como vender nosso trabalho, como tudo é regulamentado por leis.

“Olhe para a história da arte e você verá uma história de indivíduos excêntricos que quebram as regras. Eu gostaria que houvesse tantas pessoas criativas desse tipo quanto possível. Esta é a verdadeira arte que tanto gosto.”

Fred Tomaselli, artista (Nova York)

Compreendo muito bem a diferença entre o equilíbrio de poder imaginário e real no mundo da arte, mas acredito que a personalidade do artista está sempre no centro. Num sentido amplo, ele é a própria força que determina o curso da história. Não sei o que seria de mim sem artistas. Ao mesmo tempo, ainda não sinto nada que permita ao nosso ambiente parecer de alguma forma um todo único, cujos recursos são destinados a alcançar um único objetivo. Mas esta é precisamente a nossa tarefa. Eu sei que é difícil, mas tal abordagem melhoraria muito a interação que está no centro de qualquer exposição de sucesso e de qualquer trabalho frutífero em geral."

Shamim Momin, diretor e curador da organização sem fins lucrativos LAND (Los Angeles) e ex-curador do Whitney Museum of American Art (Nova York)

“Ser curador é tentar ver padrões. Você vê algo acontecendo aqui, algo acontecendo ali, e você literalmente sente a aproximação de uma nova onda com sua pele. Quando você organiza uma exposição, é como se você estivesse tentando sentir a pulsação do tempo. Qualquer exposição que organizo é sempre uma tentativa de registar o que está a acontecer, de encontrar aquela coisa importante (um artista ou grupo) que define este momento particular. É como se você estivesse desafiando o próprio tempo. Você sente: isso é realmente importante, você não pode simplesmente passar despercebido, você precisa ficar ao lado desses artistas, aprender mais sobre eles.”

Michael Darling, curador, Museu de Arte de Seattle (Seattle)

E em um belo momento, percebemos. Esta ideia era tão óbvia que não conseguíamos compreender como não nos tinha ocorrido antes. Ao contrário de outros criadores, os artistas não têm agentes nem gestores – em suma, ninguém que resolva problemas de negócios para eles. Eles têm que fazer tudo sozinhos (pelo menos até que chegue o reconhecimento generalizado). Em geral, o papel de agente que atua no interesse do artista deverá ser desempenhado pela galeria. No entanto, nem todo mundo faz isso. E mesmo os melhores deles têm de se equilibrar na linha tênue que existe entre os interesses do artista e os desejos dos colecionadores, e resolver conflitos de interesses inéditos em outras áreas da arte. Achamos que seria bom escrever um livro que explicasse aos artistas o que e como eles deveriam fazer para vender seu trabalho, e que respondesse a todas as perguntas que sempre nos fazem. Compreendemos muito bem que a única forma de criar um quadro completo e objetivo era deixar que todos os participantes do processo se manifestassem. Conversamos com quase cem pessoas em todo o país. Conversamos com galeristas e curadores, contadores e advogados e, claro, com os próprios artistas. E então, durante quase um ano inteiro, reunimos todas as suas opiniões e julgamentos (sem esquecer, porém, dos nossos) sob a capa do livro aberto à sua frente.

Passeio turístico pelo mundo da arte

O mundo da arte está repleto de pessoas cujo papel na vida de um artista é muito grande. Depende deles como sua obra será criada, mostrada, compreendida, vendida e armazenada na memória humana. Em primeiro lugar, estas são, claro, todas aquelas pessoas que o ajudam a crescer, a criar, a concretizar as suas ideias e a atingir os seus objetivos: outras artistas, antigo professores, funcionários organizações, supervisionando programas de residência.

Ainda existe molduradores, impressoras e muitos outros profissionais Produção, cujos meandros você precisa entender (ou mesmo dominar) para concluir o que começou.

Aqueles que selecionam seu trabalho para uma exposição coletiva ou individual são chamados curadores. Geralmente são pessoas com ensino superior que possuem formação científica em história da arte ou atividades curatoriais. Se o curador trabalhar em um museu ou em alguma organização sem fins lucrativos, ele curador em tempo integral.

Ter sucesso é o desejo de muitas pessoas, e não é à toa que os livros de D. Carnegie, N. Hill e muitos outros autores que escrevem sobre maneiras de obter riqueza e reconhecimento de outras pessoas são vendidos nessas circulações. Afinal, o bem-estar material, a oportunidade de fazer o que você ama, a fama são componentes indispensáveis ​​​​do sucesso e da felicidade.

Os artistas são pessoas especiais, veem o mundo de forma diferente, sua expressão na criatividade lhes traz satisfação, mas muitas vezes esse ofício não proporciona receitas que possam cobrir despesas com as necessidades mais simples. Como se tornar um artista, um mestre de sucesso, não só para criar, mas também para ganhar dinheiro?

Paciência e um pouco de esforço

Primeiro de tudo, você precisa ser um bom profissional. Isso significa que você precisa sempre aprimorar sua técnica de desenho, aprimorando e aprimorando constantemente suas habilidades. Mesmo que você tenha uma técnica, ferramentas e temas de desenho preferidos, vale a pena reservar um tempo para trabalhos de outro tipo: trocar pincéis por lápis, estilo clássico por moderno ou surrealismo, aulas de estúdio por plein air.

A comunicação com colegas artesãos também contribui para o desenvolvimento: um único artista pode ser incrivelmente talentoso, mas para conhecer o sabor do sucesso na vida é preciso conhecer as tendências da moda. Tenha a oportunidade de comparar seu trabalho não só com o dos gênios do passado, mas também com o de seus contemporâneos. Além disso, as críticas de estranhos o ajudarão a chamar a atenção para as deficiências de seu trabalho. O elogio e a apreciação lhe darão fé e força para seguir em frente, mesmo que nem tudo corra bem no início de sua jornada criativa.

Você precisa escrever com o coração. Isso significa que os enredos e temas das pinturas devem agradar, emocionar e ser interessantes para o próprio artista. Por mais místico que pareça, apenas uma tela na qual a alma do artista está investida é capaz de encantar o público. Portanto, você não deve “pisar na garganta da sua própria música” e escrever apenas aquilo pelo que é pago. As pinturas pintadas “para si” certamente encontrarão seu conhecedor e comprador.

Praticidade e artista – dois conceitos incompatíveis?

É geralmente aceito que o comercialismo é estranho às pessoas criativas. Portanto, muitos grandes artistas foram pobres durante a sua vida, embora as suas obras tenham sido posteriormente avaliadas em grandes somas e se tenham tornado propriedade da cultura mundial. No entanto, algumas celebridades puderam receber louros merecidos e bem-estar financeiro durante a vida (Picasso, Dali, etc.). O exemplo deles sugere que, seguindo algumas regras simples, você pode se tornar um artista famoso e bem-sucedido, é claro, desde que tenha talento. Para isso você precisará de:

1. Portfólio. Você deve guardar suas pinturas não apenas no estúdio. É útil fazer um álbum com imagens de boa qualidade do seu trabalho. Pode ser impresso ou em cartão flash;
2. Exposições. Para que seu trabalho seja visto pelo maior número de pessoas possível, você precisa participar de exposições, por isso a filiação a algum sindicato profissional de artistas é muito importante para o desenvolvimento do sucesso. Afinal, são precisamente essas comunidades que muitas vezes organizam exposições de pinturas, atraindo espectadores através da mídia;
3. Galerias. Muitos grandes artistas começaram oferecendo suas pinturas a galerias. Com alguma persistência (e qualidade dos trabalhos, claro), mais cedo ou mais tarde pelo menos uma pintura será aceite, o que significa que foi dado mais um passo no caminho do reconhecimento e do sucesso;
4. Oferta. Hoje em dia você pode vender suas pinturas não apenas em shoppings e lojas de souvenirs. A Internet atinge um público maior que uma loja, por isso vale a pena oferecer obras em sites especializados ou abrir sua própria loja online;
5. Vender ou doar suas pinturas para pessoas e organizações famosas. Graças ao fato de tais presentes serem divulgados pela imprensa, o nome do artista torna-se conhecido. E esta circunstância incentivará a galeria ou os fundadores de futuras exposições a ter uma visão mais favorável da participação de um artista já conhecido nelas.

Se sua natureza delicada não permite que você faça marketing, entre em contato com negociantes de arte. Um acordo detalhado com um revendedor de pintura profissional permitirá que você não se distraia com promoções e vendas, mas concentre toda a sua energia na criatividade.

Que tipo de pessoa você acha que costuma se tornar artistas de sucesso? Compartilhe sua opinião, e talvez experiência, nos comentários deste artigo.

Boa sorte e até o próximo artigo.

Oh, quantos talentos maravilhosos foram desperdiçados em nossas escolas de arte. O desenho acadêmico quebrou muitos destinos. Porém, os integrantes desta seleção provam pelo próprio exemplo que não é necessário saber desenhar para se autodenominar “artista” e até vender suas criações por milhões de dólares. Você pode, por exemplo, simplesmente jogar lixo no chão e chamar isso de arte.

Portanto, se você decidiu firmemente fazer parte do mundo da arte erudita, mas não descobriu nenhum talento criativo em si mesmo, não importa. Agora vamos lhe ensinar como se tornar um “artista” legal, mesmo que seus desenhos sejam do nível de crianças em idade pré-escolar. Tudo que você precisa lembrar é apenas uma palavra: instalação.

Uma instalação pode ser qualquer coisa. Você pode encontrar uma árvore caída por uma tempestade na floresta, arrastá-la para a galeria e chamá-la de instalação

Se for muito longe para entrar na floresta e você estiver com preguiça, caminhe até o supermercado mais próximo. Compre algumas frutas redondas, dobre-as em forma de pirâmide, bata e sua instalação está pronta

Se você não gosta de frutas, dobre as malas lado a lado, por que não?

Ou você pode simplesmente trazer da aldeia o velho lavatório do seu avô. Você ficará surpreso, mas os idiotas modernos das galerias podem até confundir isso com arte

No entanto, se suas mãos ainda buscam a tinta e o desenho ainda fica torto e horrível, não fique chateado. Compre um modelo de esqueleto para treinamento, cubra-o com tinta e seu primeiro trabalho para sua exposição já está pronto

Se você tiver muito tempo e paciência, pode pintar o ambiente de alguma cor e decorá-lo com círculos regulares. Sim, sim, isso também é arte agora

Porém, aí você pelo menos tinha que desenhar. Aqui está outro exemplo de arte moderna. Esta também é uma “instalação”

Para quem tem vergonha de a arte ser tão fácil e acessível, existe um caminho um pouco mais difícil: comprar várias centenas de bancos e colá-los em ordem aleatória. Será longo, mas interessante

Você também pode pegar longos caules de bambu e dobrá-los um pouco

Ou apenas pendure camisetas... por que não?

Embora, e quanto às camisetas, pendure copos de papel

Ou morangos, por exemplo. Pelo menos parece engraçado

E aqui está uma “instalação” em que vivem todos os dias os mesmos indivíduos que bebem espinheiro. Mas este objeto de arte em particular foi vendido por US$ 4 milhões

Aqui está outra ideia legal: pegue um monte de fotos antigas e pendure-as na parede de uma forma caótica.

Uma instalação para quem gosta de criatividade; para isso você vai precisar de uma sala, várias dezenas de tocos e 20 mil litros de água.

"Rio dos livros." Sim, este também é um objeto de arte. Então, depois de espalhar livros pela sala, você já pode se chamar com orgulho de “artista”

Você pode encontrar várias dessas “instalações” em todas as casas após o Ano Novo. Parabéns amigos, agora vocês também são “artistas”

Bem, pelo menos eles se preocuparam e gastaram tempo construindo esse “exército”

Instalação "dentes do siso". Adorável, não é? Na nossa aldeia costumava haver muitos crânios de todos os tipos de vacas, cavalos e ovelhas em aterros sanitários. Eu poderia arrancar dentes deles, colocá-los no chão e abrir uma exposição

Não importa os dentes, você não precisa se preocupar em nada: pegue o lixo que tiver, dobre-o com cuidado e pronto. O principal é dizer a todos que neste lixo você expressa sua visão extraordinária do mundo, caso contrário a instalação não funcionará

Em 2012, o Museu de Arte Moderna de Nova York acolheu uma exposição sobre o nascimento da arte abstrata. "Inventing Abstraction: 1910–1925" apresentou o afastamento radical de mais de 80 artistas das tradições das belas-artes. Logo no início, os visitantes conheceram uma rede interativa que mostrava se os artistas se conheciam. Você pode conhecê-la online. No centro da rede estão Pablo Picasso e Wassily Kandinsky, os artistas mais bem relacionados.

Uma das curadoras da exposição foi Leah Dickerman (hoje diretora de estratégia editorial do museu). Foi ela quem propôs a ideia dessa rede, inspirada em um curso da Columbia School. O professor Paul Ingram ensinou aos curadores como usar conexões profissionais para alcançar o sucesso.

Ingram ajudou a desenvolver uma iteração inicial da rede dos primeiros pioneiros da abstração e mais tarde organizou o estudo. Ingram e seu colega Mitali Banerjee usaram informações da exposição para compreender o papel que o talento e as conexões desempenham para os artistas. Eles apresentaram os resultados em um artigo de 2018.

Estudar

Ingram e Banerjee começaram seu estudo quantificando a fama, a criatividade e a rede social dos artistas em Inventando a Abstração. Para determinar a fama de cada artista, consultaram o banco de dados do Google.

Como a maioria dos artistas abstratos vivia nos Estados Unidos e na França, os pesquisadores registraram o número de menções em textos históricos em inglês e francês. Eles viam a fama como algo mencionado fora de seus círculos sociais. “Se escreverem sobre você, significa que você é famoso”, esclarece Ingram.

Para determinar seu círculo social, recorreram a pesquisas no Museu de Arte Moderna. Com base nas biografias e cartas dos artistas, os autores determinaram as conexões sociais. Foram também tidos em conta a nacionalidade, o género, a idade e as escolas onde os artistas estudaram. Segundo Igram, não levaram em conta as exposições e o mercado de obras. No entanto, a investigação futura de Banerjee abrangerá também este fragmento.

O mais difícil foi determinar a “criatividade” das obras dos artistas abstratos. Para fazer isso, Ingram e Banerjee usaram dois métodos. Em primeiro lugar, foram utilizados para analisar e avaliar a criatividade da arte. O programa avaliou o quão únicas as obras eram em comparação com uma seleção de obras do século XIX.

Ingram e Banerjee também pediram a quatro críticos de arte que avaliassem as mesmas pinturas. Os pesquisadores ficaram agradavelmente surpresos ao ver que tanto a máquina quanto as pessoas deram notas altas aos mesmos artistas.

O que encontramos

Estudos anteriores mostraram que existe uma ligação entre talento e fama. Em contraste, Ingram e Banerjee descobriram que não existia tal correlação entre estes artistas. O principal fator para os abstracionistas era uma rica rede de conhecidos. Quanto maior e mais diversificada for a rede, mais famoso será o artista, independentemente da criatividade do seu trabalho.

O preditor mais importante da fama de um artista era sua rede de conhecidos de diferentes países. Ingram acredita que os artistas eram cosmopolitas e tiveram a oportunidade de desenvolver ideias inspiradas em culturas estrangeiras. “O elo central da rede”, acrescenta Ingram, era Kandinsky. Outro detalhe importante: a fama tem correlação com a idade. Isto provavelmente aconteceu porque os artistas mais antigos já eram famosos quando a arte abstrata apareceu.

Mas os pesquisadores tiveram problemas quando se tratava de talento. Nem um computador nem avaliações de especialistas são indicadores da fama de um artista. Em outras palavras, um artista talentoso não será necessariamente famoso.

“Este trabalho levou a uma conclusão importante: as redes são importantes para mais do que apenas difundir ideias. Quanto mais popular você for entre seus colegas, mais famoso você será entre as outras pessoas.”

O que isto significa

No ambiente atual, as descobertas de Ingram e Banerjee não são surpreendentes. Somos obrigados a conhecer novas pessoas constantemente e ampliar nosso círculo de amizades no âmbito profissional. No entanto, este trabalho lembra-nos que não nos tornaremos famosos no vácuo.

Para ilustrar os resultados, os pesquisadores deram o exemplo de duas artistas: Vanessa Bell e Suzanne Duchamp. Origem, presença de parentes famosos (Virginia Woolf e Marcel Duchamp, respectivamente) e talento - tudo isso coincide. No entanto, Bell é mais famoso. Por que é que?

“Vanessa fazia parte do grupo Bloomsbury e Suzanne fazia parte da sociedade dadaísta. No entanto, o círculo social de Duchamp terminou com os dadaístas. Em contraste, o mundo social de Vanessa Bell incluía o Grupo Bloomsbury, o grupo de artistas que fazia parte do Grupo de Londres, e assim por diante. Em última análise, o círculo de namoro mais diversificado de Bell está correlacionado com sua fama."

E embora o estudo tenha se concentrado num campo específico de um século atrás, Ingram prevê que os resultados soam verdadeiros para os artistas contemporâneos.

O plano padrão consiste em desejo, ganho de contexto e ação. O artista moderno é um híbrido, combinando igualmente as qualidades de um antropólogo e de um alpinista, por isso tem a formação adequada.

A conversa terá que começar do final para melhor indicar a distância. Ou seja, a partir de ações.

1. Ações

A arte contemporânea é uma comunidade e um conjunto de atividades: criação de obras, exposições, palestras, ensaios críticos, teoria, vendas, bolsas, etc. Não fica suspenso no vácuo, como o objeto ideal socrático; ocorre no momento em que é tratado. Estas actividades estão unidas pelo facto de terem lugar, novamente, no contexto da arte contemporânea - e se os fundamentos da lógica formal sugerem aqui uma tautologia, então isso é justo. A arte é um conceito autodefinido.

Em outras palavras, você se torna um artista contemporâneo atuando no contexto da arte contemporânea. É por isso que quando Michael Heitzer constrói monumentos de concreto armado no meio do deserto de Nevada, isso tem algo a ver com arte moderna, mesmo que ninguém veja - mas vender xícaras de cerâmica no Etsy ainda não tem, mesmo que façam bem.

As portas do contexto estão abertas para qualquer um que bata - e o espectador comum muitas vezes percebe isso como uma permissão para a permissividade, a coprofagia e o canibalismo. Isso não é inteiramente verdade.

A contextualidade, como critério, é tanto um filtro democrático quanto um meio de autodefesa contra impostores.

Fotógrafos de casamento e fotógrafos de paisagens de motéis costumam reclamar que seu trabalho não é comprado por museus ou que as galerias de arte não estão interessadas. Seria fácil presumir que as grandes instituições não estão interessadas em tais coisas porque todos os locais foram vendidos há muito tempo a canibais e coprófagos - mas é difícil explicar por que razão as pequenas galerias, cujos curadores claramente organizam exposições apenas por amor, não estão interessado neles também.

A razão está no contexto. A inconsistência no discurso sempre se destacará tanto no artista quanto em sua obra, e é determinada não por um conjunto de conhecimentos, mas por um método incorreto de estudo. É impossível saber tudo e ninguém exige isso. Mas o método é algo que não pode ser confundido.

Ou seja, o problema do pintor paisagista de motel não é ele não ter ido à última exposição de Kiefer e ser, portanto, um otário e um plebeu. O problema é que o seu trabalho demonstra uma ignorância sistémica das camadas culturais de épocas e continentes inteiros. Veja bem, o curador da galeria quer dizer sobre esse assunto: a história da arte não se importa se você gosta ou não da arte do século XX. Eu também posso não gostar do século XVIII, com seus bolos, pratas coloniais e cupidos de porcelana. Mas tenho de contar com eles, e você tem de contar com o que aconteceu no século XX.

Você pode não gostar de abstração, performance, teoria queer e pop art. Mas uma compreensão distorcida deles não é uma opinião. Este é um erro de método. A arte contemporânea não só não permite erros de método, mas também separa você do contexto, e o contexto separa você das ações.

Isto é um teste. Não na frente de alguém responsável por todas as artes. Em frente de. E sim, abre caminho para a conjuntura, mas esse problema foge ao escopo da nossa pergunta.

2. Encontrando o contexto

Agora que delineamos a dependência das ações da integração no discurso, podemos passar para a parte prática, ou seja, de onde vem essa integração.

Basicamente, você pode apenas dizer “pós-graduação” e seguir em frente.

A importância da pós-graduação não pode ser exagerada. O bacharelado pouco significa, pois a inteligibilidade de uma pessoa permanece praticamente nula até os 25 anos, e somente pelo nível de ambição em alguns casos é possível determinar se uma pessoa continuará a se dedicar à arte após receber o diploma. A maioria não continua. Alguns vão para o comércio, pois sua alma foi o comércio desde o início. Alguns entram no comércio porque as entranhas são pequenas.

Isso ocorre porque a pós-graduação, idealmente, se compromete a corrigir todos os bugs de uma pessoa justamente no nível do método. Para colocar na sua cabeça o seu eurocentrismo raivoso e o sonho de uma vida artística parisiense, para trazer de volta as suas tentativas de fazer sob a década de 1860, e sob a década de 1890, e sob o formalismo zumbi, e sob os conceitualistas, e sob o ready-made, e sobre as minorias, e sobre o ambiente, e sobre tudo o resto. A última coisa que uma boa escola precisa são desenhistas dominicais, que em alguns anos abrirão um café e ensinarão bordados étnicos no YouTube.

Além disso, a pós-graduação também demonstra que sentar no porão e desenhar não vai funcionar para você. Seu envolvimento no processo consiste em muitos fatores, entre os quais o trabalho teórico: redação de ensaios, críticas, declarações do autor. A arte sempre foi um trabalho não só com forma, mas também com significado, e agora isso significa trabalhar com texto. Ignorar esta parte do trabalho como se ela não lhe interessasse é tanto um erro metodológico quanto uma cegueira cultural consistente.

É por isso que você precisa escolher bem sua pós-graduação. Este não é o fator determinante final, e você não precisa necessariamente “entrar” na melhor universidade e na que mais lhe convier. Mas você precisa evitar cair em uma situação ruim.

A boa definição de Dave Hickey de uma boa escola de pós-graduação era que a universidade deveria estar localizada em uma grande cidade portuária. Isto implica uma história de longa acumulação de bagagem cultural e um fluxo de pessoas de diferentes profissões. E se tudo ficar claro com a acumulação cultural, então a multidisciplinaridade também terá que ser discutida separadamente.

A multidisciplinaridade está crescendo. A arte contemporânea penetrou em todas as esferas da vida em geral, então com quase cem por cento de probabilidade no futuro você precisará trabalhar não apenas com outros artistas, mas com músicos, arquitetos, migrantes, industriais, cientistas, financistas, programadores, políticos , animais. Quanto mais escolas de pós-graduação oferecerem essas oportunidades, melhor.

E sim, tudo isso implica que a pós-graduação é melhor realizada nos EUA ou na Europa. Triste mas verdadeiro. Onde você estudou antes - como eu já disse, não é tão importante, o principal é que o portfólio introdutório esteja de acordo com o padrão.

E não, este não é um critério absoluto. Você pode ser um artista sem concluir a pós-graduação e provar seu compromisso com o discurso de outras maneiras. Mas esse é o método padrão e, embora tenha seus próprios problemas especiais, não é um método ruim.

Então, vamos resumir.

Ser artista é trabalhar no campo da arte. Os critérios de aprovação são contextuais. O contexto é desenvolvido através da educação formal ou informal. Só resta descobrir uma coisa: como evitar a morte no processo.

Seu desejo deve ser suficiente para dedicar toda a sua vida a isso. Imagine que se você tem, digamos, 15 anos e pensa que quer ser um artista, provavelmente só começará a ser um artista por volta dos 30 anos. Até então, você estará apenas, bem... fazendo alguma coisa. Pintar. Esculpir. Você pode até vender alguma coisa. Isto simplesmente não é suficiente.

Porque, em última análise, querer ser artista é querer fazer parte de um grande diálogo. Pesquise o tema, siga o caminho e não deixe espaços em branco. Não olhe para dois metros quadrados de espaço familiar desde a infância e afirme que todo o resto não existe. A precisão da forma exige dedicação total, e o caminho para a dedicação total é longo.