"o pomar de cerejeiras"

A comédia de The Cherry Orchard é inerente à própria estrutura da peça. Cada personagem está absorvido em sua própria verdade”, imerso em suas experiências e não percebe aqueles que o rodeiam: sua dor, sua melancolia, suas alegrias e esperanças. Cada um dos personagens está, por assim dizer, representando seu próprio show de um homem só. Essas performances individuais constituem uma ação tão complexa em termos de som que é ao mesmo tempo polifonia (polifonia, um coro especialmente organizado de vozes independentes) e dissonância, um som inconsistente e discordante, onde cada voz. se esforça para ser único.

De onde vem essa auto-absorção dos heróis de The Cherry Orchard? O que os impede de se ouvirem: afinal, são todos pessoas próximas que procuram ajudar, apoiar e receber apoio uns dos outros? Prestemos atenção: cada um dos personagens confessa, mas no final todas essas confissões acabam sendo dirigidas ao público, e não aos seus parceiros de palco. A certa altura, o confessor percebe que não consegue explicar o mais importante. Portanto, Anya nunca entenderá o drama de sua mãe, e a própria Lyubov Andreevna nunca entenderá sua paixão pelas idéias de Petya. O que “não permite” que os personagens da peça se vejam? O fato é que, segundo o plano do autor, cada um deles não é apenas uma pessoa, mas também um intérprete de um determinado papel sócio-histórico: o que pode ser chamado de “refém da História”. Uma pessoa pode, até certo ponto, ajustar sua personalidade e seu relacionamento com os outros. Mas ele não pode mudar seu papel, por mais estranho que seja para ele. A discrepância entre a essência interior do herói e o papel sócio-histórico que ele é forçado a desempenhar é a essência dramática de The Cherry Orchard.

“Uma velha, nada no presente, tudo no passado”, foi como Chekhov caracterizou Ranevskaya em suas cartas a Stanislávski, que encenou a peça. O que há no passado dela? Sua juventude, vida familiar, pomar de cerejeiras florescendo e frutificando - tudo isso terminou há vários anos, terminou tragicamente. O marido morreu, a propriedade caiu em desuso e surgiu uma nova paixão atormentadora. E então o irreparável aconteceu: Grisha morreu - afogado no rio. A morte de um filho é a pior tragédia. Para Ranevskaya, o horror da perda combinava-se com um sentimento de culpa: a paixão pelo amante, a absorção no amor, ao que parece, a afastaram do filho. Talvez a morte absurda pudesse ter sido evitada? Talvez a morte de Grisha seja um castigo para ela, sua mãe, por sua paixão inadmissível? E Ranevskaya foge de casa - do pomar de cerejeiras, das filhas, do irmão, daquele rio onde o filho se afogou - de toda a sua vida anterior, do seu passado, que se transformou num desastre irreparável. Ele corre para nunca mais voltar, corre para poder acabar em algum lugar com sua vida pecaminosa e absurda - após a morte do menino.

Ranevskaya acaba em Paris. A dor aguda diminuiu, a primeira onda de desespero diminuiu. Ranevskaya foi salva pelo amor. Sentimentos por uma pessoa indigna dela, por um canalha... Mas será mesmo que nos é dado escolher a quem amar? Sim, ele é um canalha, seu último amante, ele a roubou e abandonou, e depois voltou - novamente um mendigo. E Lyubov Andreevna sabe tudo sobre ele, entende tudo - e não quer saber nem lembrar. Pois o sentimento em si é valioso, porque para ela não há nada mais elevado na vida do que o amor.

Esta é a única heroína de “The Cherry Orchard” que vive numa aura de amor: não é por acaso que o seu nome é Love. Amores passados ​​​​e presentes estão entrelaçados em sua alma, a capacidade de amar desinteressadamente e de forma imprudente, entregando-se completamente ao sentimento - esta é a “chave” para a imagem de Ranevskaya. “Esta é uma pedra no meu pescoço, vou até o fundo com ela, mas amo essa pedra e não posso viver sem ela.” Qual outra heroína russa foi tão franca?!

Sua atual e estranha existência parisiense é, em essência, vida após vida. Nada do passado foi esquecido. A terrível ferida não sarou e nunca sarará. A conexão com a casa e os entes queridos torna-se cada vez mais ilusória. É cada vez mais impossível tornar-se “um dos nossos” em Paris, ou regressar ao pomar de cerejeiras... A natureza ilusória, o absurdo da existência, a saudade de casa, o sentimento de culpa perante a minha filha e enteada - por partir eles, por desperdiçarem sua fortuna - Lyubov Andreevna está atormentado. E agora, diante de nossos olhos, um passo decisivo foi dado: Ranevskaya volta para casa. Ela rasga telegramas do amante, rasga-os sem ler: acabou com Paris! Ela está feliz: “Quero pular, agitar os braços... Deus sabe, eu amo minha terra natal, amo muito, não pude assistir da carruagem, fiquei chorando”. “Se ao menos eu pudesse tirar a pedra pesada do meu peito e ombros, se ao menos pudesse esquecer o meu passado!”

Ranevskaya retorna para a casa onde todos a amam, onde a esperam - e a esperam fielmente há cinco anos “parisienses”. E onde todos a condenam por alguma coisa: pela “maldade”, pela frivolidade... Ninguém quer aceitá-la como ela é; eles a amam, condenando e rindo. E a própria Ranevskaya sente isso profundamente, aceita a justiça das censuras e constantemente se sente culpada. Mas junto com o sentimento de culpa cresce nela a alienação: por que todos exigem dela algo que ela não pode dar, por que esperam que ela mude, que se torne o que os outros querem que ela seja, que deixe de ser ela mesma?! Quanto mais avançamos, mais claro fica: ela é uma estranha aqui.

Na lista de personagens, Ranevskaya é designada por uma palavra: “proprietário de terras”. Mas esta é uma proprietária de terras que nunca soube administrar sua propriedade, que a amou apaixonadamente - e não conseguiu salvá-la. Sua fuga da propriedade após a morte de Grisha, hipotecando e rehipotecando esta propriedade... Nominalmente, ela é proprietária de terras. Na verdade, ele é filho deste pomar de cerejeiras, incapaz de salvá-lo da ruína e da morte.

O papel do proprietário de terras para Ranevskaya já está “desempenhado” há muito tempo. O papel da mãe também é: Anya parte para uma nova vida, onde não há lugar para Lyubov Andreevna; Varya se organiza à sua maneira... Tendo voltado para ficar para sempre, Ranevskaya apenas encerra sua vida anterior e se convence de que é impossível entrar duas vezes no mesmo rio. Todas as esperanças se transformam em um serviço memorial para a antiga vida: o passado está morto, desapareceu para sempre. Ela viveu todas as “conspirações” possíveis na Rússia. A pátria não aceitou a filha pródiga: o retorno não aconteceu. E a fantasmagórica “vida após vida” parisiense acaba por ser a única realidade. Ranevskaya retorna a Paris - e na Rússia, em seu pomar de cerejeiras, o machado já está batendo.

O elemento de amor, paixões dolorosas, pecado e arrependimento em que vive Ranevskaya é estranho aos outros heróis da comédia. Aqui está o irmão dela e da mesma idade, Gaev. Leonid Andreevich, um homem de meia-idade que já viveu a maior parte da vida, pensa e age como um velho. Mas a juventude inesgotável de Gaev não é como a credulidade e a leveza de sua irmã. Ele é simplesmente infantil. Não foi a juventude com suas paixões rebeldes que permaneceu nele - Gaev, ao que parece, nunca cresceu para isso, nunca cruzou a soleira do berçário. Indefeso, falante, superficial, sem amar realmente nada nem ninguém. “Croise... Amarelo no meio...” O som das bolas de bilhar cura completamente seu sofrimento após a perda do pomar de cerejeiras... Mas mesmo nele, um homem estúpido e espiritualmente subdesenvolvido, Chekhov vê algo doce: ele é um dos excêntricos proprietários de terras do condado, que antigamente adornava a província, dando aos ninhos nobres russos um charme peculiar. Gaev é uma figura nascida em sua época; cômico, ridículo e patético na nova era.

A comédia entrelaça várias histórias. A linha do romance fracassado entre Lopakhin e Varya termina antes de mais ninguém. Baseia-se na técnica favorita de Chekhov: eles falam mais e com mais boa vontade sobre o que não existe, discutem detalhes, discutem sobre ninharias - coisas inexistentes, sem perceber ou silenciar deliberadamente o que existe e é essencial. Aliás, prestemos atenção: Gogol também adora muito essa técnica. Lembremo-nos de como toda a cidade em “Dead Souls” discutiu com bom gosto os camponeses de Chichikov, que não estavam mais no mundo, como eles discutiram sobre como era o “camponês de Chichikov”, se o recém-formado proprietário de terras de Kherson seria capaz de lidar com este camponês. E como o próprio Chichikov, com prazer, quase acreditando na realidade de sua própria invenção, discute os problemas de sua propriedade em Kherson. Mas para Gogol, essa técnica foi projetada para melhorar significativamente a interação das camadas reais e irreais de seu mundo artístico, a fusão da fantasmagoria e da realidade. Tchekhov cerca de conversas intermináveis ​​o inexistente, o aparente, para enfatizar o próprio caráter ilusório dos cálculos sóbrios, dos planos lógicos que seus heróis constroem em um mundo instável e pouco confiável. Convencida, como se já tivesse sido decidida há muito tempo, Ranevskaya fala sobre seu rompimento com “aquele homem” - e parte para ele... Projetos para salvar o jardim são discutidos com segurança... Eles falam sobre o romance de Lopakhin e Varya. Mas por que esse romance não aconteceu? Por que os destinos do trabalhador Varya e do empresário Lopakhin não se uniram? E aqui é permitido perguntar: houve um caso? Foi uma ilusão?

Vamos dar uma olhada mais de perto na imagem de Lopakhin. O próprio Chekhov considerou o seu papel “central” na comédia, escrevendo a Stanislavsky que “se falhar, então toda a peça irá falhar”. Chekhov pediu a Stanislavsky para interpretar o próprio papel de Lopakhin, ele acreditava que nenhum outro ator poderia fazê-lo: ele “ou interpretaria muito pálido, ou representaria, faria de Lopakhin um palhaço... Afinal, este não é um comerciante em; no sentido vulgar da palavra, você tem que entender isso.” No entanto, a equipe do Teatro de Arte de Moscou não atendeu aos pedidos do autor e encenou “The Cherry Orchard” à sua maneira. E, embora a peça tenha sido um grande sucesso, Chekhov ficou extremamente insatisfeito com a produção, respondeu fortemente negativamente, alegando que o teatro não entendeu a peça e falhou em tudo. O teatro tinha direito à sua própria interpretação, mas o que o próprio dramaturgo colocou na comédia, por que não Ranevskaya e Gaeva, como representava Stanislavsky, mas colocou Lopakhin no centro do sistema figurativo.

A figura do comerciante atrai a literatura russa há meio século. Junto com tiranos sombrios e novos ricos absurdos, eles procuravam as características de um novo e inteligente comerciante, um empresário sábio e honesto. É essa combinação de amor altruísta pela beleza - e espírito mercantil, simplicidade camponesa - e uma alma artística sutil que Chekhov se esforça para capturar e incorporar na imagem de Lopakhin.

Lopakhin é o único que oferece um plano real para salvar o pomar de cerejeiras. E este plano é realista, antes de mais nada, porque Lopakhin entende: o jardim não pode ser preservado na sua forma anterior, o seu tempo já passou, e agora o jardim só pode ser salvo reorganizando-o, recriando-o de acordo com os requisitos da nova era.

Na verdade, a horta já foi uma parte importante da economia do proprietário: “Antigamente, há cerca de quarenta a cinquenta anos, as cerejas eram secas, embebidas, em conserva, fazia-se compota e costumava ser...as cerejas secas eram enviados em carroças para Moscou e Kharkov. Havia dinheiro! E as cerejas secas eram macias, suculentas, doces, perfumadas... Eles conheciam o método então...", lembra Firs. Agora este método foi esquecido. Há uma falta catastrófica de dinheiro, mas economizam na comida dos empregados, enquanto não há onde colocar as cerejas, elas caem e desaparecem. O jardim virou símbolo e deixou de ser realidade: para todos, exceto Lopakhin, é a morada dos fantasmas do passado. Aqui Ranevskaya vê sua falecida mãe caminhando pelo jardim. Aqui Petya explica a Anya: “...os seres humanos não olham para você de cada cerejeira do jardim, de cada folha, de cada tronco, você realmente não ouve vozes...”

Lopakhin se esforça para trazer vida de volta ao jardim - mesmo que ele dê uma nova vida a ele, quase anulando a antiga. “Dividir o jardim em chalés de verão - ideia que Lopakhin anda por aí - não é apenas a destruição do pomar de cerejeiras, mas a sua reconstrução, a criação, por assim dizer, de um pomar de cerejeiras acessível ao público Com aquele antigo, luxuoso. jardim, que servia apenas a alguns, este novo, reduzido e acessível a qualquer pessoa a um preço razoável, o jardim Lopakhinsky se correlaciona como a cultura urbana democrática da era de Chekhov com a maravilhosa cultura imobiliária do passado. (Kataev V.B. Conexões literárias de Chekhov. - M.: Editora da Universidade Estadual de Moscou, 1989). V.B. Kataev comenta de maneira muito inteligente e sutil a essência da ideia de Lopakhin. Para ele, filho de camponês, camponês, o jardim de Ranevskaya faz parte de uma cultura aristocrática de elite, sua quintessência. O que era inacessível há vinte anos está agora quase “na estrada”: e esse sentimento embriaga Lopakhin. Por outro lado, o jardim está morrendo - e só ele, Lopakhin, pode salvar esse tesouro. Todas as suas tentativas de salvar o jardim não levaram a nada para Ranevskaya: ela não ouve Lopakhin, não entende seus argumentos simples e claros. Afinal, para Lyubov Andreevna, o pomar de cerejeiras existe apenas na sua forma original, na sua integridade. O jardim, dividido em lotes e entregue às dachas, ainda está perdido e destruído: “...vende-me junto com o jardim...”

Lopakhin convence Ranevskaya e Gaev, explica, prova, oferece dinheiro: ele está sinceramente tentando preservar o jardim para o proprietário. E no final, ele próprio acaba sendo o dono do jardim - inesperadamente, inesperadamente para si mesmo e para aqueles ao seu redor. Ele está ao mesmo tempo feliz - e abatido, desanimado com o ocorrido: “Ei, músicos, toquem, quero ouvir vocês, venham todos ver como Yermolai Lopakhin vai bater no pomar de cerejeiras com um machado, como as árvores vão! caia no chão! Montaremos dachas, e nossos netos e bisnetos verão uma nova vida aqui... Música, toque!.. Por que, por que você não me ouviu, meu pobre querido, você não voltarei agora (Com lágrimas.) Ah, se tudo isso passasse, se você mudasse de alguma forma nossa vida estranha e infeliz.

Pensemos nas últimas palavras desesperadas de Lopakhin. Ele - o único na peça - tem a oportunidade de se aproximar da verdade real, de uma compreensão profunda da essência da época. Lopakhin vê não apenas os pecados e culpas individuais de alguém, mas os problemas profundos de toda a vida moderna: “Devemos dizer francamente, nossa vida é estúpida... Fazemos papel de bobo um ao outro, mas a vida, você sabe, passa. ..” É essa compreensão do absurdo global da vida moderna, sua ilogicidade, a impossibilidade de viver da maneira que se deseja, em harmonia consigo mesmo e com o mundo, que empurra Lopakhin para o lugar central na comédia.

Agora vamos pensar: será que Lopakhin se sentiu atraído por Varya - grisalho, tacanho, preso em cálculos econômicos mesquinhos? Varya ama Lopakhina? Como ela entende o amor? Lembre-se, Petya ainda está com raiva porque Varya está espionando ele e Anya, ele tem medo de que aconteça um caso entre eles, que algo ilegal possa acontecer. E a questão não é que Petya e Anya estejam longe do amor, mas nos princípios e pontos de vista de Varya, em sua percepção mesquinha, racional e pequeno-burguesa de qualquer relacionamento humano - incluindo seu relacionamento com Lopakhin. Varya não se pergunta se ela ama Ermolai Alekseevich e se ele a ama. Ela vê uma combinação adequada (especialmente porque não há outros candidatos para sua mão, mesmo aqueles ao seu redor não têm mais ninguém com quem fofocar). Ela quer se casar. E ela está esperando uma declaração de amor e uma proposta de Lopakhin - e o fato de Lopakhin não pronunciar as tão esperadas palavras, Varya atribui à sua natureza profissional": "Ele tem muito o que fazer, não tem tempo para eu" e "ele está ficando rico, ele está ocupado com negócios... "Varya está esperando por um curso de vida simples e lógico: já que Lopakhin visita frequentemente uma casa onde há meninas solteiras, das quais apenas ela, Varya, é “adequado” para ele, isso significa que ele deve se casar. E só estar ocupado o impede de perceber os méritos dela. Com Varya, nem me ocorre pensar em olhar a situação de forma diferente, pensar se Lopakhin a ama. , ela está interessada nele? Todas as expectativas de Varina são baseadas nas conversas de outras pessoas de que esse casamento seria um sucesso, em fofocas fúteis!

Não é a timidez ou a ocupação que impede Lopakhin de explicar as coisas a Varya. Entendendo o que todos esperam dele e entendendo que Varya é um “par decente” para ele, Ermolai Alekseevich ainda hesita e no final não faz uma oferta. Bem, ele não ama Varya, está entediado com ela! Paralelamente ao suposto caso com Varya, sobre o qual todos falam tanto, outro fio passa por Lopakhin: ele “gosta dos seus, mais do que dos seus”, ama Ranevskaya. Esta linha é perfeitamente revelada por V.B. Kataev: “Isso pareceria impensável, absurdo para Ranevskaya e todos ao seu redor, e ele próprio, aparentemente, não está totalmente ciente de seus sentimentos, mas basta observar como Lopakhin se comporta, digamos, no segundo ato, após Ranevskaya contar. ele para que ele peça Varya em casamento. É depois disso que ele fala com irritação sobre como era bom antes, quando os homens podiam ser fodidos, e começa a provocar Petya sem tato. Tudo isso é resultado de um declínio em seu humor depois que ele claramente. vê aquele Ranevskaya e nem nos ocorre levar seus sentimentos a sério. E mais tarde na peça essa ternura não correspondida de Lopakhin irá surgir várias vezes.

Um jardim moribundo e um amor fracassado, até mesmo despercebido, são dois temas transversais e internamente conectados da peça" (Conexões Literárias de Kataev V.B. Chekhov. - M.: Editora da Universidade Estadual de Moscou, 1989).

Homem, filho de camponês, que deve o sucesso na vida apenas a si mesmo, às suas habilidades e ao seu trabalho árduo, Lopakhin torna-se dono de um pomar de cerejeiras. É a ele que pertence o mais ardente reconhecimento: “...uma propriedade, a mais bela da qual não há nada no mundo”. Nenhum dos personagens da peça falou com mais emoção e entusiasmo sobre o jardim! Homem do povo, ele toma nas próprias mãos o que até então pertencia apenas à aristocracia e o que a aristocracia não conseguiu manter. Chekhov confia em Lopakhin? Sim claro. Mas o autor não se ilude quanto aos novos homens que, como Lopakhin, romperam com o seu círculo. Ao lado de Ermolai Alekseevich está uma figura muito “importante - o lacaio Yasha. Ele é o mesmo filho camponês, também sente a lacuna entre sua posição atual (viveu em Paris! viu a civilização! juntou-se!) e seu passado. , o grosseiro nojento claramente irrita Lopakhin, com toda a sua essência se opõe a ele. Não apenas a Rússia de Ranevskaya e a Rússia de Petya Trofimov se olham, mas também a Rússia de Lopakhin e a Rússia do lacaio Yasha.

"... Lopakhin no final da peça, tendo alcançado o sucesso, é mostrado por Chekhov de forma alguma como um vencedor. Todo o conteúdo de “The Cherry Orchard” reforça as palavras deste herói sobre “uma vida estranha e infeliz” , que “você sabe que está passando”. Na verdade, um homem que é o único capaz de apreciar verdadeiramente o que é um pomar de cerejeiras é forçado (afinal, não há outras saídas para a situação atual) a destruí-lo com os seus próprios. mãos. Com sobriedade impiedosa, Chekhov mostra em “The Cherry Orchard” a discrepância fatal entre as boas qualidades pessoais de uma pessoa e suas boas intenções subjetivas - e os resultados de suas atividades sociais "(Kataev V.B. Conexões literárias de Chekhov. - M.: Editora da Universidade Estadual de Moscou, 1989). E aqui, novamente, não podemos deixar de lembrar as "Almas Mortas" de Gogol. A intriga de "O Pomar de Cerejeiras" reflete a intriga miraculosa de Gogol, que esforçou-se para acumular riqueza e se tornar o mestre. da vida, desmorona absurda e inesperadamente do “ponto mais alto” de cada uma de suas fraudes, quando, ao que parece, a felicidade está a poucos passos de uma propriedade, a mais bela da qual não há nada no mundo”, Lopakhin, que tentava desesperadamente salvá-lo para Ranevskaya.

O inesperado de tal mudança fortalece a opinião dos que o rodeiam de que ele é um comerciante, um avarento, pensando apenas no lucro. E o abismo que separa Lopakhin do resto dos personagens da peça torna-se cada vez mais profundo. Três centros ideológicos e composicionais estão unidos na peça: Ranevskaya, Gaev e Varya - Lopakhin - Petya e Anya. Atenção: entre eles, apenas Lopakhin está absolutamente sozinho. O restante forma grupos estáveis. Já compreendemos os dois primeiros “centros”, agora vamos pensar no terceiro centro - sobre Pete Trofimov e Anya.

Petya certamente desempenha o papel principal. Este número é contraditório, e a atitude do autor da comédia e dos habitantes da herdade para com ele é contraditória. Uma tradição teatral estável forçou-nos a ver Petya como um pensador e activista progressista: isto começou com a primeira produção de Stanislavsky, onde V. Kachalov interpretou Petya como o “petrel” de Gorky. Essa interpretação também foi apoiada na maioria das obras literárias, onde os pesquisadores se basearam nos monólogos de Petya e não os correlacionaram com as ações do herói, com toda a estrutura de seu papel. Entretanto, lembremo-nos que o teatro de Chekhov é um teatro de entonação, não de texto, portanto a interpretação tradicional da imagem de Trofimov é fundamentalmente incorreta.

Em primeiro lugar, as raízes literárias são claramente sentidas na imagem de Petya. Ele está relacionado com o herói de "Novi" Nezhdanov de Turgenev e com o herói da peça "Talentos e Admiradores" de Ostrovsky, Pyotr Meluzov. E o próprio Chekhov passou muito tempo pesquisando esse tipo histórico e social - o tipo de iluminista protestante. Assim são Solomon em "A Estepe", Pavel Ivanovich em "Gusev", Yartsev na história "Três Anos", Doutor Blagovo em "Minha Vida". A imagem de Petya está especialmente ligada ao herói de “A Noiva” Sasha - os pesquisadores notaram repetidamente que essas imagens são muito próximas, que os papéis de Petya e Sasha na trama são semelhantes: ambos são necessários para cativar o jovens heroínas para uma nova vida. Mas o interesse constante e intenso com que Chekhov espreitou este tipo que surgiu na era da intemporalidade, regressando a ele em várias obras, fez com que de heróis secundários e episódicos, na última peça se tornasse um herói central - um dos centrais.

Solitário e inquieto, Petya vagueia pela Rússia. Sem teto, desgastado, praticamente um mendigo... E ainda assim ele é feliz à sua maneira: é o mais livre e otimista dos heróis de O Pomar das Cerejeiras. Olhando para esta imagem, entendemos: Petya vive em um mundo diferente dos outros personagens da comédia - ele vive em um mundo de ideias que existe em paralelo com o mundo das coisas e relacionamentos reais. Ideias, planos grandiosos, sistemas sociais e filosóficos - este é o mundo de Petya, o seu elemento. Uma existência tão feliz em outra dimensão interessou Tchekhov e o fez olhar cada vez mais de perto para esse tipo de herói.

A relação de Petya com o mundo real é muito tensa. Ele não sabe viver nisso, para quem o rodeia ele é absurdo e estranho, ridículo e lamentável: “um cavalheiro maltrapilho”, “um eterno estudante”. Ele não pode concluir o curso em nenhuma universidade - é expulso de todos os lugares por participar de tumultos estudantis. Ele não está em harmonia com as coisas - tudo sempre quebra, se perde, cai. Nem a barba do pobre Petya cresce! Mas no mundo das ideias ele voa alto! Lá tudo acontece com habilidade e suavidade, lá ele capta sutilmente todos os padrões, compreende profundamente a essência oculta dos fenômenos e está pronto e capaz de explicar tudo. E todos os argumentos de Petya sobre a vida da Rússia moderna são muito corretos! Ele fala com verdade e paixão sobre o passado terrível, que ainda influencia vividamente o presente e não abandona seu abraço convulsivo. Lembremos seu monólogo no segundo ato, onde convence Anya a dar um novo olhar ao pomar de cerejeiras e à sua vida: “Para possuir almas viventes - afinal, isso renasceu todos vocês, que viveram antes e são agora vivendo...” Petya está certo! Algo semelhante foi argumentado de forma apaixonada e convincente por A.I. Herzen: no artigo “A Carne da Libertação” ele escreveu que a servidão envenenou as almas das pessoas, que nenhum decreto pode abolir a coisa mais terrível - o hábito de vender a própria espécie... Petya fala da necessidade e inevitabilidade da redenção: “É tão claro que para começar a viver o presente, devemos primeiro redimir o nosso passado, pôr fim a ele, e ele só pode ser redimido através do sofrimento, apenas através de um trabalho extraordinário e contínuo”. E isso é absolutamente verdade: a ideia de arrependimento e expiação é uma das mais puras e humanas, a base da mais elevada moralidade.

Mas então Petya começa a falar não sobre ideias, mas sobre sua real incorporação, e seus discursos imediatamente começam a soar pomposos e absurdos, todo o sistema de crenças se transforma em simples frases: “Toda a Rússia é nosso jardim”, “humanidade está caminhando em direção à verdade mais elevada, em direção à felicidade mais elevada.” , o que só é possível na terra, e eu estou na vanguarda "

Petya fala igualmente superficialmente sobre as relações humanas, sobre o que não está sujeito à lógica, o que contradiz o sistema harmonioso do mundo das ideias. Lembre-se de como são indelicadas suas conversas com Ranevskaya sobre seu amante, sobre seu pomar de cerejeiras, que Lyubov Andreevna anseia e não pode salvar, como soam engraçadas e vulgares as famosas palavras de Petya: “Estamos acima do amor!..” Para ele, o amor é para o passado, para uma pessoa, para um lar, o amor em geral, esse mesmo sentimento, sua irracionalidade, é inacessível. E, portanto, o mundo espiritual de Petya para Chekhov é falho e incompleto. E Petya, por mais correto que tenha raciocinado sobre o horror da servidão e a necessidade de expiar o passado por meio do trabalho e do sofrimento, está tão longe de uma verdadeira compreensão da vida quanto Gaev ou Varya. Não é por acaso que Anya é colocada ao lado de Petya - uma jovem que ainda não tem opinião própria sobre nada, que ainda está no limiar da vida real.

De todos os moradores e convidados da propriedade, apenas Anya conseguiu cativar Petya Trofimov com suas ideias, ela é a única que o leva absolutamente a sério; “Anya é, antes de tudo, uma criança, alegre até o fim, sem conhecer a vida e nunca chorando...” Chekhov explicou aos atores nos ensaios. Então eles caminham aos pares: Petya, hostil ao mundo das coisas, e a jovem, “sem conhecer a vida” Anya. E Petya tem um objetivo - claro e definido: “avançar - para a estrela”.

A ironia de Chekhov é brilhante. Sua comédia capturou de forma surpreendente todo o absurdo da vida russa no final do século, quando o velho havia acabado e o novo ainda não havia começado. Alguns heróis com confiança, na vanguarda de toda a humanidade, dão um passo à frente - em direção à estrela, deixando o pomar de cerejeiras sem arrependimentos. Do que se arrepender? Afinal, toda a Rússia é o nosso jardim! Outros heróis vivenciam dolorosamente a perda do jardim. Para eles, esta é a perda de uma ligação viva com a Rússia e o seu próprio passado, com as suas raízes, sem as quais só poderão de alguma forma viver os anos que lhes são atribuídos, já para sempre infrutíferos e sem esperança... A salvação do jardim reside na sua reconstrução radical, mas vida nova significa, antes de tudo, a morte do passado, e o carrasco acaba por ser aquele que vê mais claramente a beleza do mundo agonizante.

Para um lanche…….. sobre a Imagem do Pomar de Cerejeiras.

O Cherry Orchard é uma imagem complexa e ambígua. Este não é apenas um jardim específico, que faz parte da propriedade de Gaev e Ranevskaya, mas também uma imagem simbólica. Simboliza não apenas a beleza da natureza russa, mas, o mais importante, a beleza da vida das pessoas que cultivaram este jardim e o admiraram, aquela vida que perece com a morte do jardim.

A imagem do pomar de cerejeiras une todos os personagens da peça. À primeira vista, parece que se trata apenas de parentes e velhos conhecidos que, por acaso, se reuniram na fazenda para resolver seus problemas do cotidiano. Mas isso não é verdade. O escritor reúne personagens de diferentes idades e grupos sociais, e eles terão que decidir de uma forma ou de outra o destino do jardim e, portanto, o seu próprio destino.

Os proprietários da propriedade são os proprietários de terras russos Gaev e Ranevskaya. Tanto o irmão quanto a irmã são pessoas educadas, inteligentes e sensíveis. Sabem apreciar a beleza, sentem-na sutilmente, mas por inércia nada podem fazer para salvá-la. Apesar de todo o seu desenvolvimento e riqueza espiritual, Gaev e Ranevskaya são privados de senso de realidade, praticidade e responsabilidade e, portanto, não são capazes de cuidar de si mesmos ou de seus entes queridos. Eles não podem seguir o conselho de Lopakhin e arrendar a terra, apesar do fato de que isso lhes traria uma renda substancial: “Dachas e residentes de verão – é tão vulgar, desculpe”. Eles são impedidos de tomar essa medida por sentimentos especiais que os ligam ao patrimônio. Eles tratam o jardim como uma pessoa viva com quem têm muito em comum. Para eles, o pomar de cerejeiras é a personificação de uma vida passada, de uma juventude passada. Olhando pela janela para o jardim, Ranevskaya exclama: “Oh minha infância, minha pureza! Dormi nesse berçário, olhei o jardim daqui, a felicidade acordava comigo todas as manhãs, e aí ele ficou exatamente igual, nada mudou.” E ainda: “Oh meu jardim! Depois de um outono escuro e tempestuoso e de um inverno frio, você é jovem de novo, cheio de felicidade, os anjos celestiais não o abandonaram...” Ranevskaya fala não apenas sobre o jardim, mas também sobre si mesma. Ela literalmente compara sua vida com um “outono escuro e tempestuoso” e um “inverno frio”. Retornando à sua propriedade natal, ela novamente se sentiu jovem e feliz.

Lopakhin não compartilha dos sentimentos de Gaev e Ranevskaya. O comportamento deles parece estranho e ilógico para ele. Ele se pergunta por que eles não são influenciados pelos argumentos para uma saída prudente de uma situação difícil, que são tão óbvios para ele. Lopa-khin sabe apreciar a beleza: fica encantado com o jardim, “não há nada mais bonito no mundo”. Mas ele é uma pessoa ativa e prática. Ele não pode simplesmente admirar o jardim e sentir pena dele sem tentar fazer algo para salvá-lo. Ele tenta sinceramente ajudar Gaev e Ranevskaya, convencendo-os constantemente: “Tanto o pomar de cerejas quanto o terreno devem ser alugados para dachas, faça isso agora, o mais rápido possível - o leilão está chegando! Entender! Mas eles não querem ouvi-lo. Gaev só é capaz de juramentos vazios: “Pela minha honra, o que você quiser, eu juro, a propriedade não será vendida!... Juro pela minha felicidade!... então me chame de pessoa desprezível e desonesta se eu permitir para ir a leilão! Juro com todo o meu ser!”

No entanto, o leilão ocorreu e Lopakhin comprou a propriedade. Para ele, este acontecimento tem um significado especial: “Comprei uma propriedade onde o meu avô e o meu pai eram escravos, onde não podiam nem entrar na cozinha. Estou sonhando, só estou imaginando isso, só estou parecendo...” Assim, para Lopakhin, a compra de uma propriedade torna-se uma espécie de símbolo de seu sucesso, uma recompensa por muitos anos de trabalho. Ele gostaria que seu pai e seu avô ressuscitassem do túmulo e se alegrassem com o sucesso de seu filho e neto na vida. Para Lopakhin, um pomar de cerejas é apenas um terreno que pode ser vendido, hipotecado ou comprado. Na sua alegria, ele nem considera necessário mostrar um senso básico de tato para com os antigos proprietários da propriedade. Ele começa a cortar o jardim sem nem esperar que eles saiam. De certa forma, ele é semelhante ao lacaio sem alma Yasha, que carece completamente de sentimentos como bondade, amor por sua mãe e apego ao lugar onde nasceu e foi criado. Nisso ele é o oposto direto de Firs, em quem essas qualidades são extraordinariamente desenvolvidas. Firs é a pessoa mais velha da casa. Ele serviu fielmente seus senhores por muitos anos, os ama sinceramente e, como um pai, está pronto para protegê-los de todos os problemas. Talvez Firs seja o único personagem da peça dotado dessa qualidade - devoção. Firs é uma pessoa muito íntegra e essa integridade se manifesta plenamente em sua atitude para com o jardim. Para um velho lacaio, o jardim é um ninho de família, que ele se esforça por proteger tal como os seus senhores.

Petya Trofimov é um representante da nova geração. Ele não se importa nem um pouco com o destino do pomar de cerejeiras. “Estamos acima do amor”, declara, admitindo assim a sua incapacidade de ter sentimentos sérios. Petya vê tudo muito superficialmente: sem conhecer a vida real, tenta reconstruí-la com base em ideias rebuscadas. Exteriormente, Petya e Anya estão felizes. Querem avançar para uma nova vida, rompendo decisivamente com o passado. Para eles, o jardim é “toda a Rússia”, e não apenas este pomar de cerejeiras. Mas é possível amar o mundo inteiro sem amar o seu lar? Ambos os heróis correm para novos horizontes, mas perdem suas raízes. O entendimento mútuo entre Ranevskaya e Trofimov é impossível. Se para Petya não há passado e memórias, então Ranevskaya lamenta profundamente: “Afinal, nasci aqui, meu pai e minha mãe, meu avô moraram aqui, adoro esta casa, sem o pomar de cerejeiras não entendo minha vida ...”

O pomar de cerejeiras é um símbolo de beleza. Mas quem salvará a beleza se as pessoas que são capazes de apreciá-la não puderem lutar por ela, e as pessoas enérgicas e ativas a considerarem apenas como uma fonte de lucro e lucro?

O Cherry Orchard é um símbolo de um passado e de um lar caro ao coração. Mas é possível avançar quando o som de um machado é ouvido atrás de você, destruindo tudo o que antes era sagrado? O pomar de cerejas é um símbolo de bondade e, portanto, expressões como “cortar as raízes”, “pisar na flor” ou “bater na árvore com um machado” soam blasfemas e desumanas.

Refletindo sobre os personagens e ações dos personagens da peça, pensamos no destino da Rússia, que para nós é o “pomar de cerejeiras”.

A nova estrutura lírico-épica de uma obra dramática, descoberta em “A Gaivota”, foi logo aplicada por Chekhov em sua outra peça, “Tio Vânia”, que ele designou simplesmente como “cenas da vida de aldeia”, levando-a além das fronteiras do gênero. . Aqui, ainda mais decisivamente do que antes, ele começou a construir o drama não sobre os acontecimentos, não sobre a luta de vontades opostamente “carregadas”, não sobre o movimento em direção a um objetivo visível, mas sobre o fluxo simples e medido da vida cotidiana.
Se em “A Gaivota” os acontecimentos retirados do palco ainda se inserem de alguma forma no humano

A vida muda de personalidade, então em “Tio Van” nenhum evento acontece nos bastidores. O incidente mais notável é a chegada e partida do casal de professores da capital, os Serebryakovs, para a velha e degradada propriedade, onde tio Vanya e sua sobrinha Sonya habitualmente vivem e trabalham cansadamente. Caminhar na grama e falar sobre a perda do sentido da vida convivem com preocupações com o corte da grama, lembranças do passado são intercaladas com um copo de vodca e o dedilhar de um violão.
A abertura foi concluída. O que é revelado “não é o drama da vida, mas o drama da própria vida”. A vida e os acontecimentos mudam de lugar. Rejeitando o antigo drama construído sobre um acontecimento, Tchekhov desenvolve a ação da peça “fora e à parte dos acontecimentos”. Eventos são apenas incidentes na vida de uma pessoa. “Os eventos vêm e vão, mas a vida cotidiana permanece, testando uma pessoa até a sua morte.” É esta prova da vida quotidiana – a mais difícil de suportar – que constitui a base de um novo tipo de drama.
No ritmo lento da vida na aldeia de verão, o drama gradualmente, a partir de dentro, cresce espontaneamente. Um drama que um olhar superficial só pode confundir com uma tempestade em xícara de chá. Mas para aqueles que se dão ao trabalho de olhar de perto o verdadeiro significado do que está acontecendo, um conflito de amplo conteúdo épico se abrirá aqui. Ela se desenvolve em uma noite abafada e tempestuosa, em meio à insônia, quando Voinitsky de repente entende claramente o quão estupidamente ele “desperdiçou” sua vida.
“A vida está perdida! – Tio Vanya então gritará em desespero. – Sou talentoso, inteligente, corajoso. Se eu tivesse vivido de forma diferente, Schopenhauer e Dostoiévski poderiam ter surgido de mim.” Este grito, ouvido no antigo casarão, revela essencialmente o ponto doloroso da história. A questão não é apenas que a vida de um infeliz Ivan Petrovich Voinitsky foi “desperdiçada”, jogada aos pés de um ídolo inchado, um cracker erudito, esse patético e gotoso Serebryakov, a quem ele reverenciou por 25 anos como um gênio, por quem ele trabalhou humildemente junto com Sonya, espremendo os últimos sucos da propriedade. A rebelião do tio Vanya significa simultaneamente o doloroso processo de demolição das antigas autoridades na realidade russa, naquele preciso momento em que uma grande era histórica estava a terminar e os dogmas que recentemente tinham posto as pessoas em movimento estavam a ser reavaliados. O tema, levantado pela primeira vez por Chekhov em “Ivanov”, como a pré-história do herói, avança agora para o centro da obra.
O culto de Serebryakov, que por muitos anos foi realizado com diligência e eficiência, com total zelo e compreensão, caiu. E tio Vanya, o herói da descrença que se seguiu, atravessa dolorosamente a crise da queda dos velhos valores: “Você arruinou minha vida! Eu não vivi, eu não vivi! Pela tua misericórdia destruí, destruí os melhores anos da minha vida! Você é meu pior inimigo! Depois de deixar escapar esse discurso, Voinitsky atira desajeitadamente em Serebryakov - bam! - claro, ele erra e se pergunta perplexo e confuso: “Ah, o que estou fazendo! O que eu estou fazendo?"
O drama do tio Vanya não termina com este tiro malsucedido. Ele nem será capaz de cometer suicídio. O drama fica mais complicado. “O tiro não é um drama, mas um acidente. o drama virá mais tarde.” - explicou Tchekhov. Na verdade, o drama começou quando uma série de dias cinzentos e escassos recomeçou, preenchidos apenas com a contagem de quilos de trigo sarraceno e óleo vegetal. O casal Serebryakov está de partida. Tio Vanya se reconcilia com o professor e se despede para sempre da bela preguiçosa Elena. Tudo voltará a ser como antes. Nós saímos. Silêncio. O grilo está estalando. A guitarra de Waffle tilinta levemente. O ábaco está clicando. Tudo volta ao normal. Mas como viver o resto da vida, como suportar agora a “prova da vida quotidiana”, agora que a pessoa está privada do propósito e do sentido da vida, da “ideia geral”? Como começar uma “nova vida”? Este é o verdadeiro drama “extra-evento” de Voinitsky. Este é um drama de natureza “impessoal”, porque, no final das contas, nem tudo gira em torno de Serebryakov. O fato é que todo o velho mundo está desmoronando, desmoronando, e suas rachaduras atravessam a alma humana. Voinitsky ainda não entende isso, ele ainda está tentando tapar os buracos com alguma coisa, para “começar uma nova vida”. Mas o doutor Astrov o interrompe com aborrecimento: “Eh, vamos! Que nova vida existe! Nossa situação, a sua e a minha, é desesperadora.” O processo de trágica recuperação, que o tio Vanya acabou de vivenciar dolorosamente, está muito atrás de Astrov. Ele não se engana com miragens salvadoras. Ele honestamente admite que não tem uma “luz à distância”. O doutor Astrov não acredita em nada há muito tempo, ele sente como o “filistinismo desprezível” está envenenando pessoas decentes e inteligentes com seus “fumos podres”, como ele próprio está gradualmente se tornando um cínico, um vulgar, e então ele bebe vodca. Mas ele está livre de ilusões, de admiração por falsos ídolos. Se Voinitsky está no nível de “consciência de massa” da intelectualidade russa média, então Astrov está um degrau acima. Nesse sentido, ele não está fechado pelo entorno, pelo ambiente, pelo tempo. Ele trabalha como ninguém no bairro, sabe plantar florestas e pensar em como elas farão barulho para seus descendentes distantes. Há poesia, um senso de beleza e uma “perspectiva aérea” em sua imagem.
A futura vida semi-corporificada ainda brilha apenas na corrente subterrânea da existência presente. Chekhov permite ouvi-la se aproximar, adivinhar suas dicas. Ele não faz isso diretamente, mas usando uma técnica especial de subtexto. Quando Astrov sai no último acto e diz uma frase aleatória sobre “o calor em África”, um enorme significado que dificilmente pode ser expresso em palavras parece oscilar por baixo dele e não consegue romper a concha das palavras. É por isso que em “Tio Vanya” Chekhov precisava de um “final aberto”: nossa vida não acabou, ela continua. “O que fazer”, diz Sonya, que acaba de se despedir do sonho da felicidade, “é preciso viver. Nós, tio Vanya, viveremos.” O ábaco clica normalmente. Do lado de fora da janela o vigia bate com um martelo. A ação desaparece silenciosamente. E novamente surge o motivo chekhoviano de espera paciente - não tanto submissão ao próprio destino, mas perseverança altruísta, expectativa de misericórdia futura, apelo à eternidade: “Vamos descansar. veremos todo o céu em diamantes.”

1. Chekhov escreveu sobre muitas coisas e coisas diferentes, escreveu muito sobre pessoas “sombrias”, mas não são as suas imagens que confirmam a sua fama mundial, mas sim aquelas obras que falam da fé dos seus heróis...
2. Na literatura russa, muitas vezes os escritores abordavam tópicos relevantes para qualquer época. Questões levantadas pelos clássicos como o conceito de bem e mal, a busca pelo sentido da vida, a influência do meio ambiente...
3. O conteúdo ideológico e temático da peça é determinado pelo momento decisivo em que ocorreu a vida de seus heróis. Todos eles acabam por ser vítimas não de circunstâncias privadas e das suas qualidades pessoais, mas das leis globais da história: activas e enérgicas...
4. Chekhov é o autor de peças sócio-psicológicas nas quais é dada maior atenção aos sentimentos e experiências. Os dramas de Tchekhov são permeados por uma atmosfera de angústia geral; não há pessoas felizes neles. Os heróis estão muito deprimidos com seus próprios problemas e...
5. ARKADINA é a heroína da comédia de A. P. Chekhov “A Gaivota” (1896). “Uma garota vulgar e charmosa”, “um velejador charmoso”, “uma celebridade provinciana presunçosa e autoconfiante” - esta é a avaliação de A. sobre a crítica teatral. A base do caráter de A. é “a vontade de...
6. O poema de A. Blok “Os Doze” foi escrito em 1918. Foi uma época terrível: depois de quatro anos de guerra, o sentimento de liberdade nos dias da Revolução de Fevereiro, da Revolução de Outubro e da chegada dos Bolcheviques ao poder,...
7. A peça “A Gaivota” aborda muitas questões da vida. Ao mesmo tempo, por trás dos detalhes do cotidiano está um lirismo extraordinário. “A Gaivota” não se baseia em uma ação dramática cheia de ação, mas em uma profunda análise psicológica dos personagens. Tchekhov...
8. A prosa de Anton Pavlovich Chekhov se distingue pelo laconicismo, precisão na escolha de vocabulário e metáforas e humor sutil. O escritor é um mestre insuperável do conto. Nas páginas de suas obras, o verdadeiro canta e dança, chora e ri...
9. Como a técnica herdada dos classicistas mudou pode ser vista na incrível história de Chekhov, “O Nome do Cavalo”. Um “ataque frontal” com intermináveis ​​e completamente tradicionais Uzedechkin, Zherebtsov e Korenny, como sabemos,...
10. A Morte de um Oficial é uma das histórias mais engraçadas de Anton Pavlovich Chekhov. Mesmo seu desfecho trágico não ofusca o caráter cômico da obra. No choque do riso e da morte, o riso triunfa. Ele determina o tom geral...
11. Na década de 90 do século XIX, Anton Pavlovich Chekhov escreveu uma das histórias mais significativas - “Ward No. 6” - uma obra relacionada com a obra tardia do escritor. Não há mais ironia nisso...
12. Vimos espectáculos onde espectadores que não tinham lido “O Jardim das Cerejeiras” (há alguns que completaram o ensino secundário) se preparavam para abandonar o auditório depois de as vozes de Anya serem ouvidas atrás do palco...
13. O mundo da prosa de Chekhov é inesgotávelmente diverso. As histórias de Chekhov são lacônicas e concisas, mas quantos personagens vivos nelas se traçam, quantos destinos! Nos acontecimentos mais insignificantes do cotidiano, o escritor vê profundidade interior e psicológica...
14. A imagem da Gaivota é basicamente acompanhada pela imagem da água: em Chekhov é um lago. Conforme indicado na enciclopédia “Mitos dos Povos do Mundo”, a água é um dos elementos fundamentais do universo. Em uma variedade de crenças pagãs, a água...
15. Após a morte de Chekhov, L.N. Tolstoi disse: “A dignidade de seu trabalho é que ele é compreensível e semelhante não apenas a todos os russos, mas a todas as pessoas em geral. E isso é o principal.” Assunto...Em inúmeras histórias desta época, Chekhov volta-se para o estudo da alma do homem moderno, influenciado por diversas ideias sociais, científicas e filosóficas: pessimismo (“Luzes”, 1888), darwinismo social (“Duelo”, 1891 ), populismo radical (“História...
16. Tive a oportunidade de conhecer as obras de Anton Pavlovich Chekhov. Este é um grande mestre e artista das palavras. Ele é capaz de transmitir toda a vida de uma pessoa em uma pequena história, seguindo suas regras e aforismos: “Escrever com talento...
17. Lopakhin, é verdade, é um comerciante, mas um homem decente em todos os sentidos. A. Tchekhov. Das cartas A peça “The Cherry Orchard” foi escrita por Chekhov em 1903, quando grandes mudanças sociais estavam ocorrendo na Rússia. Nobreza...

O símbolo é baseado numa alegoria, mas um símbolo não é uma alegoria inequívoca. E é exatamente isso que é o principal símbolo da peça - a imagem de uma gaivota. Esta imagem está ligada à sombra de Treplev, que prevê que se matará como esta gaivota, e ao destino de Nina, e de Trigorin, que viu na gaivota um enredo para uma história sobre o destino da menina, e o A imagem da gaivota se transforma em um símbolo polissemântico de algo inútil e sem alma esquecido. Este símbolo torna-se dominante na avaliação de toda a vida retratada na peça. O lago também adquire um caráter simbólico - uma espécie de atividade

rosto na peça de Treplev e até do próprio Chekhov: “Oh, o lago das bruxas!” e um palco de teatro construído para a apresentação de Treplev. Nele é lido um monólogo sobre a alma do mundo, palavras sobre o amor foram ouvidas aqui e, daqui, Medvedenko ouve alguém chorando. Foi Nina quem chorou pelas esperanças perdidas.

Assim, (o símbolo da vida) acabou, e seu final é triste. Os diálogos acontecem em alto estágio de tensão emocional. Na cena final da conversa de Treplev com Nina, ele fala diversas vezes sobre cavalos: “Meus cavalos estão parados perto do portão”; “Meus cavalos estão próximos.” E embora entendamos que se trata de detalhes do quotidiano (não há necessidade de se despedir de Nina), a imagem dos cavalos ganha um significado diferente: os cavalos são um símbolo do caminho, do caminho não percorrido. “A Gaivota” não dá a resposta que o espera no final do caminho, pois a própria peça leva em conta a vida como um processo que não tem fim na peça. Ele está em algum lugar fora disso.

Um símbolo interessante é o caráter literário deliberado da peça, que aparece, em particular, em diálogos construídos sobre inúmeras reminiscências, por exemplo na obra de Shakespeare. Assim, Arkady lê repetidamente os monólogos filiais da rainha em Hamlet e responde a ela, como se por diversão, com as falas de Hamlet. A fala de Nina, poética e abrupta, parece ilustrar o esquecimento não tanto de si mesma quanto de seus heróis. Este é um símbolo da mais intensa busca pelo sentido da vida, como para a heroína, que deve ser lembrada na cena de sua última conversa com Treplev.

Das frases confusas e abruptas surge um símbolo - a cruz e a responsabilidade que todos devem assumir. Mas Nina não para por aí. Ela está em busca, como todos os heróis da peça “A Gaivota”, de um símbolo de esperança, vontade e fuga.

Às vezes fica assustador pensar na vida, no seu fluxo e na sua construção. Analisando o dia que está terminando, você de repente chega à conclusão de que a vida é vazia. Realmente, o que você fez durante essas horas únicas da sua existência? Acordei, fiz minha rotina matinal, tomei café da manhã, almocei, jantei, passei um tempo me arrumando na frente do espelho, conversei um pouco com os amigos, fiz alguma coisa. Não descobri nada, não inventei nada. O dia passou em pequenas coisas, igual a ontem e igual a amanhã. O homem está acorrentado a cada detalhe.

É esse aspecto trágico da vida que se torna para Chekhov, por assim dizer, o personagem principal de suas histórias.

Vamos abrir sua coleção aleatoriamente. Aqui está “A Dama com o Cachorro”, um caso “prosaico” de duplo adultério, onde as relações íntimas ficam ao lado de comer melancia, enquanto a mulher chora por hábito. E então uma conexão longa e comum com a busca já comum e até ritual de uma saída para a situação que se desenvolveu em palavras. Senhor, estes são Tristão e Isolda?!

“O menino Vanka Zhukov, de nove anos, enviado para estudar com o sapateiro Alyakin, não foi para a cama na noite anterior ao Natal.” O menino escreve cartas ao avô em Selo, e nessa carta há novamente uma lista de uma série de pequenas coisas que devoram a vida humana e as esperanças de um futuro melhor. O pior é que os mentores de Vanka já experimentaram a mesma ciência e, ao que parece, deveriam ter chegado a certas conclusões e mencionado suas dores...

Embora! A terrível mesquinhez de Belikov se repete dia após dia. Por que ele se tornou um “homem em um caso”? O que distorceu sua personalidade? Afinal, ele não nasceu assim, mas se tornou assim ao longo de muitos anos. Não vejo as razões para o declínio deste homem com medo do Estado. Muitas vezes me parece que foi uma tentativa de escapar de uma vida nojenta que me atraiu com promessas de alegria e depois transformou tudo em uma cadeia de banalidades e mentiras. E na literatura grega antiga havia heróis que se rebelaram contra o próprio destino, ao qual os deuses imortais obedeciam.

E Belikov morreu, e havia uma expressão de alegria em seu rosto. Agora, no final das contas, ele estava livre da vida cotidiana, e Deus, no final das contas, é livre...

Na verdade, noventa e nove por cento da vida de cada pessoa consiste nessas pequenas coisas. Das ações cotidianas e comuns. Isto pode ser uma fonte de tragédia, pode ser uma garantia de felicidade. Deixe-me explicar essa ideia com uma velha parábola.

“O viajante encontrou no caminho um homem que, xingando, empurrava seu carrinho de mão cheio de pedras.

- Você não vê? Eu carrego essas malditas pedras - o infortúnio da minha vida.

- O que você está fazendo, bom homem?

- Você não vê? Tenho uma sorte incrível: estou construindo a Catedral de Colônia, que não será mais magnífica em nenhum país.”

Os personagens de Chekhov não sabiam por que e para onde estavam arrastando sua carga - e cada dia se tornava um desperdício de vida e força. Sabemos para onde estamos puxando nosso carrinho?

2.2 “As dores da criatividade” por Trigorin

Peça da dramaturgia de Chekhov, A Gaivota

Trigorin é muito mais velho que Treplev, pertence a uma geração diferente e em suas visões sobre a arte atua como um antípoda de Treplev. Ele parece ser o pólo oposto dele.

Trigorin é sem dúvida mais significativo e interessante como escritor do que como pessoa. Ele é um escritor conhecido, meio brincando ou meio sério dizem sobre ele que ele não pode ser comparado apenas com Tolstoi e Zola, e muitos o consideram logo depois de Turgenev. Claro, não deve ser comparado seriamente com os clássicos. Pelas pequenas evidências espalhadas pelas páginas da peça, pode-se julgar que Trigorin é realmente talentoso. Porém, para ele a criatividade não é apenas pão, diversão e fãs, como para Arkadina, para ele é ao mesmo tempo uma doença dolorosa e uma obsessão, mas também sinônimo de vida. Trigorin é um dos poucos que percebe a inadequação de seu papel: “Não gosto de mim mesmo como escritor. O pior é que fico meio atordoado e muitas vezes não entendo o que estou escrevendo.” Mas esta consciência não se torna um verdadeiro excesso dramático do seu “eu”.

Como interpretar as conversas de Trigorin logo no início de sua convivência com Nina sobre sua arte de escrever? Eles são conduzidos de forma bastante simples, séria e confidencial. Parece que o autor da peça transmite a Trigorin, Treplev e Nina Zarechnaya seus pensamentos favoritos sobre arte. Mas de alguma forma, à beira da ironia autoral involuntária, permanecem as confissões de Trigorin sobre seus “tormentos de criatividade”: depois dos ataques de inspiração divina que o visitam sabe Deus quando e onde, ele gosta de sentar-se com varas de pescar e não tirar os olhos do flutuador.

E, no entanto, ele, aparentemente ainda uma figura mediana na arte, afirma que é inimigo dos modelos: sabe como ridicularizar causticamente os “lugares-comuns”. Seu estilo de criatividade não é inovador, mas ele também busca novas formas, por exemplo, chama a atenção para o fato de uma nuvem parecer um “piano de cauda”, e mesmo Turgenev não teria ousado fazer tal comparação. O buscador de novas formas, Treplev, percebe com inveja em algumas histórias de Trigorin uma descrição lacônica de uma noite de luar, onde se diz que o gargalo de uma garrafa brilhou na barragem de um moinho - isso é a noite inteira para você.

Trigorin é cego e surdo para tudo, exceto para seus cadernos, ele vê apenas imagens. Ele é Salieri, incapaz de perceber que está destruindo a música como um cadáver. Transformando paisagens em miniaturas talentosas e até engenhosas, ele as transforma em naturezas mortas, natur mort - natureza morta. Mesmo compreendendo as tarefas cívicas do seu trabalho, a responsabilidade da palavra ao leitor, a “função educativa da arte”, ele não sente dentro de si capacidade para fazer nada neste campo - este não é o talento certo. Mas um poeta na Rússia é mais que um poeta.

O sofrimento de Trigorin é mais significativo, profundo e significativo do que o sofrimento de Treplev. Mestre experiente, Trigorin sente dolorosamente o peso do talento que não é inspirado por um grande objetivo. Ele sente seu talento como um núcleo de ferro ao qual está apegado, como um condenado, e não como um “dom divino”.

Chekhov conectou muitos de seus pensamentos pessoais com os escritos de Trigorin. Isto é especialmente sentido naquelas palavras trágicas com que Trigorin responde às delícias da infância de Nina, à sua admiração pelo seu sucesso e fama.

“Que sucesso? - Trigorin está sinceramente surpreso. - Eu nunca gostei de mim mesmo. Não gosto de mim como escritor... Adoro esta água, as árvores, o céu, sinto a natureza, desperta em mim uma paixão, uma vontade irresistível de escrever. Mas não sou apenas um pintor de paisagens, sou ainda um cidadão, amo a minha pátria, o povo, sinto que se sou escritor tenho que falar do povo, do seu sofrimento, do seu futuro, falo sobre ciência, sobre direitos humanos, e assim por diante, e eu falo sobre tudo, estou com pressa, eles estão me empurrando de todos os lados, estão com raiva, estou correndo. de um lado para o outro, como uma raposa caçada por cães, vejo que a vida e a ciência avançam cada vez mais, e continuo ficando para trás e ficando para trás, como um homem que perdeu o trem, e, no final, sinto que só posso pintar uma paisagem, e em todo o resto sou falso, e falso até ao âmago.” Trigorin sente seu dever para com sua terra natal como escritor; sente a necessidade de transmitir elevados sentimentos cívicos às pessoas. Na literatura russa, o tema “poeta e cidadão” é levantado mais ruidosamente por N. A. Nekrasov. Mas a necessidade disso ecoou na alma de cada criador.

Trigorin corre o risco de perder a inspiração criativa, a paixão, o pathos, perigo que surge da falta de uma ideia comum. As dificuldades do artista aparecem na imagem de Trigorin em uma versão muito mais séria do que a versão de Treplev. Treplev não foi atormentado pela busca de uma visão de mundo, pela consciência do dever e da responsabilidade do escritor para com sua pátria e seu povo.

Pelo fato de Trigorin estar em perigo de perder seu fogo criativo, seria, é claro, errado concluir que Trigorin é o artesão frio, o rotinista indiferente que Treplev o apresenta. Um rotinista indiferente sofreria tanto com a consciência das fraquezas e deficiências de sua arte quanto Trigorin sofre?

Outro grande tema que tem atormentado muitos artistas está relacionado com a imagem de Trigorin. A arte absorve e devora Trigorin de tal maneira que, para a vida humana comum, ele não tem vontade nem mesmo capacidade para sentimentos grandes e integrais. Este é o problema geral do artista na sociedade burguesa, na qual, como assinalou Marx, as vitórias da arte são alcançadas à custa de uma certa inferioridade moral do artista. Trigorin reclama com Nina: “...sinto que estou comendo a minha própria vida, que pelo mel que dou a alguém no espaço, tiro o pó das minhas melhores flores, arranco as próprias flores e piso nas suas raízes. Eu não sou louco?

Mas seja como for, Trigorin também não merece o amor profundo e “eterno” pela arte. Ele mesmo deixa esse amor. Apesar de todas as suas vantagens, ele comeu muito Treplev, mas ainda não tem uma alma grande e forte, nem capacidade para sentimentos integrais. E suas possibilidades criativas são limitadas. Ele sente seu talento não como liberdade, mas sim como escravidão, mantendo sua personalidade sob controle.

Análise da história "Kalina Krasnaya" de Vasily Shukshin

A aldeia tornou-se o berço a partir do qual começou a vida criativa de Shukshin, o que impulsionou o desenvolvimento de seus incríveis poderes criativos. A memória e as reflexões sobre a vida levaram-no à aldeia, onde foi aqui que aprendeu a perceber os conflitos mais agudos...

Imagem de gênero do mundo (baseada na prosa de L. Petrushevskaya e M. Weller)

Herói da imagem de Weller Petrushevskaya As obras de M. Weller em nosso país são um fenômeno novo e original. Os enredos são novos, o estilo é incomum, as ações e pensamentos dos personagens são inesperados e aparentemente ilógicos, mas psicologicamente confiáveis. Lendo suas histórias...

O gênero da elegia nas obras de E. Baratynsky

Para resumir tudo o que foi dito acima, podemos dizer o seguinte. No gênero de elegia já existente, como descobrimos, Baratynsky introduziu um desejo de revelação psicológica de sentimentos e filosofia...

A vida e obra de Stephen King

Igor Severyanin - poeta da Idade de Prata

Igor Severyanin (assim o poeta assinava seu nome com mais frequência) tornou-se o fundador do ego-futurismo, além do simples futurismo, proclamando o culto ao individualismo, elevando-se acima da multidão sem rosto de pessoas comuns...

Estudo da obra de A. Platonov. Barsht "Poética da Prosa"

A obra de Andrei Platonov não foi totalmente estudada. As obras de Platonov foram descobertas por uma ampla gama de leitores apenas na década de 1990. Tal é o destino de um verdadeiro artista, porque a glória de um verdadeiro mestre é póstuma...

Letra de Lorca

Esse estado de espírito, atitude, como mencionado acima, permeará toda a coleção, e os motivos tocados neste poema se desenvolverão, e contra o fundo da massa cinzenta sem rosto, aparecerá o único coração vermelho ferido do poeta...

Poesia de Arkady Kutilov

Os poemas de Kutilov se distinguem pelo aumento da emotividade e da avaliação, mesmo no contexto das obras de outros poetas de Omsk, cujo “grau” emocional é visivelmente mais alto do que alguns “russos médios”. Isso se manifesta principalmente...

O mundo poético de Akhmatova

O trabalho de Akhmatova é normalmente dividido em apenas dois períodos - inicial (1910-1930) e final (1940-1960). Não há fronteira intransponível entre eles, e o divisor de águas é uma “pausa” forçada: após a publicação em 1922...

O poeta mais subjetivo do simbolismo antigo é K.D. Balmont

Balmont começou a escrever muito cedo, aos 9 anos, mas “o início da atividade literária esteve associado a muitos tormentos e fracassos”. Durante quatro ou cinco anos nenhuma revista quis publicá-lo. “A primeira coleção dos meus poemas”, diz ele...

Peculiaridades do simbolismo da Europa Ocidental e da Rússia nas obras de Blok e Verlaine

A obra de Alexander Blok, um dos mais proeminentes representantes da Idade da Prata, demonstra a complexidade da busca religiosa e filosófica de seu tempo: Na minha oração supersticiosa / Procuro proteção de Cristo...

O segredo do sucesso das obras de Paulo Coelho a partir do exemplo do conto “O Alquimista”

Já os primeiros livros de Paulo Coelho, “O Diário de um Mágico” (1987) e “O Alquimista” (1988), fizeram dele um dos escritores mais famosos do nosso tempo. Depois vieram “O Freio” (1990), “Valquírias” (1992), “Nas Margens do Rio Pedra Sentei e Chorei” (1996)...

Semântica dos textos de V.V. Mayakovsky na percepção individual (usando o exemplo do poema “Lilichka! Em vez de uma carta”)

Na arte do século XX, V. Mayakovsky é um fenômeno de enorme escala. No seu património criativo encontramos letras e sátiras, poemas e peças de teatro, ensaios e artigos críticos, poemas publicitários e desenhos. Mas a verdadeira grandeza...

Individualidade criativa de A.P. Tchekhov

1860, 17 de janeiro(29). Anton Pavlovich Chekhov nasceu em Taganrog. 1869-1879. Estudando no ginásio. 1877. Primeira visita a Moscou. 1877 - 1878. “Uma peça sem título” (“Fatherless”) 1879. Entrou na faculdade de medicina da Universidade de Moscou. 1880, 9 de março...

O destino criativo de Joseph Brodsky

Aqui está a biografia de Joseph Alexandrovich Brodsky, apresentada na American Encyclopedia. Brodsky, Joseph (1940-1996), é um poeta e ensaísta que ganhou o Prêmio Nobel de Literatura em 1987. Ele nasceu em Leningrado, na União Soviética (hoje São Petersburgo, Rússia) e veio para os EUA em 1972. Em 1991...

Composição

O notável escritor russo Anton Pavlovich Chekhov deu uma contribuição inestimável para o desenvolvimento não apenas do drama doméstico, mas também mundial, e acrescentou novos princípios ao drama. Desde a antiguidade, este tipo de criatividade gravitou em torno da unidade de tempo, lugar e ação, sempre construída sobre discursos e ações; O principal papel de qualquer obra dramática é o conflito. A compreensão do conflito determina a compreensão do drama como um todo. No drama, os personagens muitas vezes se caracterizam por meio de ações e palavras. Cada personagem significativo deve ter uma determinada característica principal. Porém, em “A Gaivota” há um princípio diferente nesta peça não há uma divisão clara entre vilões ou heróis, bons ou maus.

Em “A Gaivota”, como em todas as outras obras dramáticas de Chekhov, existem as chamadas palavras dominantes que definem os principais significados da obra. São palavras como “vida”, “amor”, “arte”. Essas palavras existem em diferentes níveis. O conceito de “vida” para Tchekhov é ao mesmo tempo um problema e uma experiência de seus valores. Chekhov, como criador e como pessoa, estava especialmente consciente da transitoriedade da vida (o escritor sofria de tuberculose). O amor em A Gaivota, como em quase todas as obras dramáticas, é um dos impulsionadores mais importantes da trama.
A arte (para os personagens de “A Gaivota” é principalmente literatura e teatro) constitui uma enorme camada dos ideais dos heróis, é a sua profissão e hobby.
Todos os personagens da peça analisada estão unidos por uma qualidade comum: todos vivenciam seu destino sozinhos e ninguém pode ajudar um amigo. Todos os personagens estão, de uma forma ou de outra, insatisfeitos com a vida, focados em si mesmos, nas suas experiências e aspirações pessoais.
Os dois personagens principais da peça - Arkadina e Zarechnaya - são atrizes, Trigorin e Treplev são escritores, Sorim também sonhava em uma vez conectar sua vida com a literatura, mas não teve sucesso como escritor. Shamraev, embora não seja diretamente uma pessoa da arte, está próximo dela e se interessa por ela, especialmente pela criatividade literária. Dorn também pode ser chamado de "personagem quase literário".
Uma característica de uma obra dramática é a ausência de digressões do autor. E como o criador do drama não tem oportunidade de fazer uma avaliação textual dos personagens e ações de seus heróis, ele o faz por meio de sua fala e sobrenomes. Os nomes dos personagens de “A Gaivota” dizem muito.
O sobrenome Arkadina tem várias fontes. “Arkady” - na gíria teatral significava um nome diminutivo para um ator. Além disso, Arcádia é um país de sonhos ideais, onde a arte esforça e conduz a pessoa. Arkadina está verdadeiramente absorta na arte e no palco, ela não consegue imaginar existir sem esta área da vida; Porém, à medida que a conhecemos cada vez mais, começamos a entender que o principal para essa mulher não é a arte em si, mas apenas como “ela foi recebida”. O sobrenome do filho também tem vários significados. Em primeiro lugar, “conversar” - isto é, mexer, rasgar, perturbar, etc. O segundo significado é “conversar” - falar muito e não direto ao ponto. O terceiro significado desta palavra é “codorna” - o antigo nome do pássaro codorna. Os pesquisadores observam outro significado perdido: tripol é uma pedra siliciosa usada para cortar tripol significa polir, polir algo; Os nomes Sorin e Medvedenko são eloquentes e dispensam comentários. O primeiro personifica a inutilidade, o lixo, o segundo - um caipira rude e tacanho. O sobrenome do segundo personagem principal de “A Gaivota” Zarechnaya significa algo inatingível e cria uma aura de romantismo e sonhos. A garota por quem Treplev está profundamente apaixonado sempre permaneceu inatingível para ele.
As origens do sobrenome Shamraev estão na palavra “Chamra”, cuja tradução literal significa escuridão, escuridão, escuridão. O escritor Trigorin é certamente uma personalidade talentosa. Seu sobrenome simboliza sucesso. O escritor conquistou três picos mais importantes da vida, três montanhas: amor, arte, vida. "Dorn" traduzido do alemão significa espinho, espinho.
Se você se perguntar qual é a força motriz da peça, a resposta será ambígua. Chekhov permaneceu fiel ao seu princípio artístico: não existem santos e canalhas. Os personagens dos personagens não se desenvolvem ao longo da peça, permanecendo inalterados mesmo por muito tempo. Por exemplo, Nina Zarechnaya, que passou por tantos acontecimentos diferentes, em sua maioria tristes, ainda permanece a mesma do início da obra. Contudo, esta imutabilidade não pode ser chamada de estática; é uma qualidade especial diferente. Assim, a trama não é movida por metamorfoses na visão de mundo dos personagens.
Turgenev escreveu que “se houver personagens contraditórios, eles definitivamente formarão um enredo. Quanto à peça “A Gaivota”, é claro que existem contradições entre os personagens. Por exemplo, a discrepância entre os afetos humanos, o amor não correspondido: Masha ama Treplev, Medvedenko a ama, a mãe de Masha está apaixonada pelo Doutor Dorn, assim como sua filha, não correspondida. Treplev ama Nina Zarechnaya, mas Nina tem um sentimento profundo por Trigorin. Treilev também sofre com a frieza de sua mãe para com ele. Arkadina não ama o filho - isso é constantemente enfatizado ao longo da peça. Amor e linhas criativas se cruzam, criando cada vez mais novas colisões. Porém, todas essas contradições não levam a um conflito de personalidades nem provocam uma luta antagônica entre os personagens. Os heróis da peça, em geral, são pessoas de vontade fraca, preguiçosas e sem iniciativa.
E ainda assim o enredo se desenvolve rapidamente. O que os motiva? Muito provavelmente - a própria vida.
Treplev é talvez a personalidade mais completa entre os personagens principais da peça. Para ele, a arte e Nina Zarechnaya estão acima de tudo. O jovem se esforça constantemente para criar novas formas; ele fica gravemente ferido pela negligência indiferente de sua mãe nessas tentativas. E mesmo quando Treplev se tornou um escritor publicado, nem Arkadina nem Trigorin leram fundamentalmente suas obras. Isso mostra sua atitude negativa em relação a tudo que é novo.
Outra característica da peça “A Gaivota” é a fala dos personagens. É comum, as falas muitas vezes são pronunciadas fora do lugar, os diálogos são intermitentes. Os personagens se distraem de vez em quando, muitas vezes criando a impressão de que as frases ditas são aleatórias. A peça contém dominantes de fala. Arkadina - “como joguei...”; para Nina – “Sou uma gaivota, creio...”; para Sorina – estou gravemente doente...”; de Shamraev - “Não posso dar cavalos...”; Dorn – “Eu era, eu queria ser...”; A vida de Medvedenko é difícil…”
Chekhov conseguiu desenvolver com maestria o subtexto mais sutil. As palavras da peça muitas vezes não estão ligadas à ação. O curso da peça quase não é expresso em palavras e ações. O autor enfatiza a normalidade do que está acontecendo.
A peça contém três símbolos icônicos: lago, gaivota, alma do mundo. O lago simboliza a beleza da paisagem da Rússia Central - um elemento importante das peças de Chekhov. Não vemos uma descrição do ambiente urbano. A paisagem torna-se participante de acontecimentos dramáticos. Pôr do sol, lua, lago - tudo isso são projeções da vida espiritual dos heróis.
A gaivota – esta imagem-símbolo – percorre cada personagem. Pessoas sem asas estão ansiosas para voar, para sair da vida cotidiana. O fato de uma gaivota estar empalhada é assustador; a morte de uma gaivota significa a morte da alma, da arte e do amor.
Chekhov usa essa técnica como uma peça dentro de uma peça. No início do drama, Treplev encena uma peça sobre a Alma do Mundo. Esta imagem revela a complexa relação entre o natural e o humano. Treplev procura uma ideia geral que possa explicar as imperfeições da vida. Em cada personagem da peça há uma luta entre os princípios materiais e espirituais.
E por fim, mais um longa da peça “A Gaivota”. Quem leu esta obra involuntariamente se pergunta: o que há de cômico nisso? Parece que o autor nos mostra apenas as tragédias associadas a cada herói. O cômico e o trágico em “A Gaivota” estão intrinsecamente interligados. Cada personagem ao longo da ação se esforça constantemente para alcançar alguma felicidade ideal. Claro, cada um representa o ideal à sua maneira. Mas os heróis estão unidos por essa persistência quase maníaca. Todos desejam ser felizes, encarnar-se na arte, encontrar o amor ideal. Em algum momento, o autor faz com que o leitor e o espectador entendam a simples verdade de que as tentativas de encontrar o seu ideal sem humor, sem a capacidade de olhar a situação do ponto de vista cômico, estão fadadas ao fracasso.
O tiro põe fim a esta vida, que vira peça de teatro.