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INSTITUIÇÃO DE EDUCAÇÃO DO ORÇAMENTO DO ESTADO FEDERAL

EDUCAÇÃO PROFISSIONAL SUPERIOR

"UNIVERSIDADE DO ESTADO DE RYAZAN NOMEADA APÓS S.A. ESENINA"

Faculdade de Filologia Russa e Cultura Nacional

Direção de formação "Teologia"

Ao controleTrabalho

Na disciplina "Cultura Artística Mundial"

Sobre o tema: "Renascença Veneziana"

Concluído por um aluno do 2º ano

cursos por correspondência:

Kostyukovich V.G.

Verificado por: Shakhova I.V.

Riazan 2015

Plano

• Introdução
• Conclusão
• Bibliografia

Introdução

O termo "Renascimento" (em francês "Renascimento", em italiano "Rinascimento") foi introduzido pela primeira vez por um pintor, arquiteto e historiador de arte do século XVI. Giorgio Vasari, pela necessidade de definir a época histórica, que foi determinada pela fase inicial de desenvolvimento das relações burguesas na Europa Ocidental.

A cultura do Renascimento originou-se na Itália e esteve ligada, em primeiro lugar, ao surgimento das relações burguesas na sociedade feudal e, como resultado, ao surgimento de uma nova visão de mundo. O crescimento das cidades e o desenvolvimento do artesanato, a ascensão do comércio mundial e as grandes descobertas geográficas do final do século XV e início do século XVI mudaram a vida da Europa medieval. A cultura urbana criou novas pessoas e formou uma nova atitude perante a vida. Começou um retorno às conquistas esquecidas da cultura antiga. Todas as mudanças se manifestaram em maior medida na arte. Nessa época, a sociedade italiana começou a ter um interesse ativo pela cultura da Grécia e Roma Antigas, e foram procurados manuscritos de escritores antigos. Várias esferas da vida social estão se tornando cada vez mais independentes - arte, filosofia, literatura, educação, ciência.

O quadro cronológico do Renascimento italiano abrange o período entre a segunda metade do século XIII e a primeira metade do século XVI. Neste período, o Renascimento divide-se em várias etapas: a segunda metade dos séculos XIII-XIV. - Proto-Renascença (pré-renascentista) e Trecento; Século XV - início do Renascimento (Quattrocento); final do século XV - primeiro terço do século XVI. - Alta Renascença (o termo Cinquecento é usado com menos frequência na ciência). Ilyina S. 98 Este trabalho examinará as características do Renascimento em Veneza.

O desenvolvimento da cultura renascentista italiana é muito diversificado, o que se deve aos diferentes níveis de desenvolvimento económico e político das diferentes cidades da Itália, aos vários graus de poder e força da burguesia destas cidades, e aos seus vários graus de ligação com o regime feudal. tradições. Principais escolas de arte na arte do Renascimento italiano no século XIV. foram Siena e Florentina, no século XV. - Florentina, Úmbria, Pádua, Veneziana, no século XVI. - Romano e Veneziano.

A principal diferença entre o Renascimento e a era cultural anterior foi a visão humanística do homem e do mundo ao seu redor, a formação dos fundamentos científicos das humanidades, o surgimento da ciência natural experimental, as peculiaridades da linguagem artística da nova arte, e finalmente, a afirmação dos direitos da cultura secular ao desenvolvimento independente. Tudo isto foi a base para o posterior desenvolvimento da cultura europeia nos séculos XVII e XVIII. Foi o Renascimento que realizou uma síntese ampla e diversificada de dois mundos culturais - o pagão e o cristão, que teve um impacto profundo na cultura dos tempos modernos.

As figuras da Renascença criaram, em contraste com as visões de mundo feudais e escolásticas, uma nova visão de mundo, secular e racionalista. O foco de atenção no Renascimento era a pessoa, por isso a visão de mundo dos portadores dessa cultura é designada pelo termo “humanística” (do latim humanitas - humanidade). Para os humanistas italianos, o principal era o foco da pessoa em si mesma. Seu destino está em grande parte em suas próprias mãos; ele foi dotado por Deus de livre arbítrio.

O Renascimento é caracterizado pelo culto à beleza, especialmente à beleza humana. A pintura italiana retrata pessoas lindas e perfeitas. Artistas e escultores buscaram em seu trabalho a naturalidade, uma recriação realista do mundo e do homem. Durante o Renascimento, o homem volta a ser o tema principal da arte, e o corpo humano é considerado a forma mais perfeita da natureza.

O tema do Renascimento, e em particular do Renascimento em Veneza, é relevante porque a arte do Renascimento desenvolveu-se com base numa síntese de tudo o que de melhor foi criado na arte medieval dos séculos anteriores e na arte do mundo antigo. . A arte do Renascimento marcou uma viragem na história da arte europeia, colocando o homem em primeiro lugar, com as suas alegrias e tristezas, mente e vontade. Desenvolveu uma nova linguagem artística e arquitetónica que mantém o seu significado até hoje. Portanto, o estudo do Renascimento é um elo importante para a compreensão de todo o desenvolvimento da cultura artística da Europa.

Características do Renascimento Veneziano

Em termos de abundância de artesãos talentosos e de abrangência da criatividade artística, a Itália estava à frente no século XV. todos os outros países europeus. A arte de Veneza representa uma versão especial do desenvolvimento da cultura artística do Renascimento em relação a todos os outros centros de arte renascentista na Itália.

Já a partir do século XIII. Veneza era uma potência colonial que possuía territórios nas costas da Itália, da Grécia e das ilhas do Mar Egeu. Ela negociou com Bizâncio, Síria, Egito e Índia. Graças ao comércio intensivo, uma enorme riqueza fluiu para ela. Veneza era uma república oligárquica comercial. Durante muitos séculos, Veneza viveu como uma cidade fabulosamente rica, e seus habitantes não podiam se surpreender com a abundância de ouro, prata, pedras preciosas, tecidos e outros tesouros, mas o jardim do palácio era percebido por eles como o limite extremo de riqueza, já que havia muito pouco verde na cidade. As pessoas tiveram que abandoná-lo em favor de aumentar o seu espaço habitacional, expandindo a cidade, que já estava limitada pela água em todos os lugares. É provavelmente por isso que os venezianos se tornaram muito sensíveis à beleza, e cada estilo artístico atingiu um nível bastante elevado nas suas capacidades decorativas. A queda de Constantinopla nas mãos dos turcos abalou enormemente a posição comercial de Veneza, mas a enorme riqueza monetária acumulada pelos mercadores venezianos permitiu-lhe manter a sua independência e o modo de vida da Renascença durante grande parte do século XVI.

Cronologicamente, a arte do Renascimento desenvolveu-se em Veneza um pouco mais tarde do que na maioria dos outros grandes centros da Itália desta época, mas também durou mais do que em outros centros da Itália. Desenvolveu-se, em particular, mais tarde do que em Florença e na Toscana em geral. O Renascimento em Veneza, como foi dito, tinha características próprias; tinha pouco interesse em pesquisas científicas e escavações de antiguidades antigas. A Renascença Veneziana teve outras origens. A formação dos princípios da cultura artística renascentista nas artes plásticas de Veneza começou apenas no século XV. Isto não foi determinado pelo atraso económico de Veneza, pelo contrário, Veneza, juntamente com Florença, Pisa, Génova e Milão, era um dos centros economicamente mais desenvolvidos da Itália naquela época. Foi o desenvolvimento inicial de Veneza numa grande potência comercial que foi responsável por este atraso, uma vez que um maior comércio e, correspondentemente, uma maior comunicação com os países orientais influenciaram a sua cultura. A cultura de Veneza estava intimamente ligada à magnífica grandeza e ao luxo solene da cultura imperial bizantina e, em parte, à refinada cultura decorativa do mundo árabe. A cultura artística de Veneza no século XIV era um entrelaçamento peculiar de formas magnificamente festivas da arte monumental bizantina, animada pela influência da ornamentação colorida do Oriente e por um repensar peculiarmente elegante dos elementos decorativos da arte gótica madura. É claro que isto também se refletirá na cultura artística veneziana da Renascença. Entre os artistas de Veneza, os problemas da cor vêm à tona; a materialidade da imagem é alcançada por gradações de cor.

A Renascença veneziana foi rica em grandes pintores e escultores. Os maiores mestres venezianos da Alta e Tardia Renascença são Giorgione (1477-1510), Ticiano (1477-1576), Veronese (1528-1588), Tintoretto (1518-1594) “Cultural Studies p. 193.

Principais representantes da Renascença Veneziana

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, apelidado de Giorgione (1477-1510). Um artista típico da Alta Renascença. Giorgione se tornou o primeiro artista mais famoso da Alta Renascença em Veneza. Em sua obra, finalmente vence o princípio secular, que se manifesta no domínio de tramas sobre temas mitológicos e literários. A paisagem, a natureza e o belo corpo humano tornaram-se para ele objeto de arte.

Giorgione desempenhou na pintura veneziana o mesmo papel que Leonardo da Vinci desempenhou na pintura da Itália central. Com senso de harmonia, proporções perfeitas, ritmo linear requintado, pintura com luz suave, espiritualidade e expressividade psicológica de suas imagens e ao mesmo tempo lógica e racionalismo, Giorgione está próximo de Leonardo, que, sem dúvida, o influenciou diretamente quando ele estava viajando de Milão em 1500. para Veneza. Ilyina S. 138 Mas ainda assim, em comparação com a clara racionalidade da arte de Leonardo, a pintura de Giorgione é permeada por um profundo lirismo e contemplação. Giorgione é mais emotivo que o grande mestre milanês; ele se interessa não tanto pela perspectiva linear quanto pela aérea; A cor desempenha um papel importante em suas composições. Cores sonoras, dispostas em camadas transparentes, suavizam os contornos. O artista utiliza com maestria as propriedades da pintura a óleo. A variedade de tonalidades e tons de transição ajuda-o a alcançar a unidade de volume, luz, cor e espaço. A paisagem, que ocupa lugar de destaque na sua obra, contribui para a revelação da poesia e da harmonia das suas imagens perfeitas.

Entre seus primeiros trabalhos, Judith (cerca de 1502) chama a atenção. A heroína, retirada da literatura apócrifa do Antigo Testamento, do Livro de Judite, é retratada como uma jovem e bela mulher tendo como pano de fundo uma natureza tranquila. A artista retratou Judith no momento de seu triunfo com todo o poder de sua beleza e dignidade contida. A modelagem suave em preto e branco do rosto e das mãos lembra um pouco o “sfumato” de Leonard. Ilyina S. 139 Uma bela mulher tendo como pano de fundo uma bela natureza, no entanto, uma nota estranha e perturbadora é introduzida nesta composição aparentemente harmoniosa pela espada na mão da heroína e pela cabeça decepada do inimigo pisoteado por ela. Outras obras de Giorgione merecem destaque “A Tempestade” (1506) e “Concerto Rural” (1508-1510), onde também se pode ver a bela natureza, e claro a pintura “Vénus Adormecida” (cerca de 1508-1510). Infelizmente, Giorgione não teve tempo de concluir o trabalho em “Vênus Adormecida” e, segundo os contemporâneos, o fundo da paisagem do quadro foi pintado por Ticiano.

Ticiano Vecellio (1477? - 1576) é o maior artista do Renascimento veneziano. Embora a data de seu nascimento não esteja claramente estabelecida, ele foi provavelmente um contemporâneo mais jovem de Giorgione e de seu aluno, que superou seu professor, segundo os pesquisadores. Durante muitos anos ele determinou o desenvolvimento da escola veneziana de pintura. A lealdade de Ticiano aos princípios humanísticos, a fé na mente e nas capacidades do homem e o poderoso colorismo conferem às suas obras um grande poder de atração. A sua obra revela finalmente a singularidade do realismo da escola veneziana de pintura. Ao contrário de Giorgione, que morreu cedo, Ticiano viveu uma vida longa e feliz, cheia de trabalho criativo inspirado. Ticiano manteve a percepção poética do corpo nu feminino, retirado do ateliê de Giorgione, e muitas vezes reproduziu literalmente na tela a silhueta quase reconhecível da “Vênus Adormecida”, como na “Vênus de Urbino” (por volta de 1538), mas não em no colo da natureza, mas no interior de casas de um pintor contemporâneo.

Ao longo da sua vida, Ticiano dedicou-se ao retrato, sendo um inovador nesta área. Seu pincel inclui uma extensa galeria de retratos de reis, papas e nobres. Ele aprofunda as características das personalidades que retrata, observando a singularidade da postura, dos movimentos, das expressões faciais, dos gestos e da maneira de vestir o terno. Seus retratos às vezes se transformam em pinturas que revelam conflitos psicológicos e relações entre as pessoas. No seu primeiro retrato “Jovem com Luva” (1515-1520), a imagem de um jovem adquire características individuais específicas e ao mesmo tempo expressa a imagem típica de um homem renascentista, com a sua determinação, energia e sentido da independência.

Se nos seus primeiros retratos, como era habitual, ele glorificou a beleza, a força, a dignidade e a integridade da natureza dos seus modelos, então os seus trabalhos posteriores distinguem-se pela complexidade e inconsistência das imagens. Nas pinturas criadas por Ticiano nos últimos anos de seu trabalho criativo, soa uma verdadeira tragédia na obra de Ticiano, nasce o tema do conflito do homem com o mundo exterior; Perto do fim da vida de Ticiano, sua obra passou por mudanças significativas. Ele ainda escreve muito sobre assuntos antigos, mas se volta cada vez mais para temas cristãos. Suas obras posteriores são dominadas por temas de martírio e sofrimento, discórdia irreconciliável com a vida e coragem estóica. A imagem de uma pessoa neles ainda tem uma força poderosa, mas perde as características do equilíbrio interno harmonioso. A composição é simplificada, baseada na combinação de uma ou mais figuras com fundo arquitetônico ou paisagístico, imersas no crepúsculo. A técnica da pintura também muda, abandonando as cores vivas e jubilosas, passa para tons turvos, metálicos, complexos oliva, subordinando tudo a um tom dourado geral.

Em suas obras posteriores, mesmo as mais trágicas em seu som, Ticiano não perdeu a fé no ideal humanista. Para ele, o homem permaneceu até o fim o valor mais alto, o que pode ser visto no “Autorretrato” (por volta de 1560) do artista, que carregou os brilhantes ideais do humanismo ao longo de sua vida.

No final do século XVI. Em Veneza, as características de uma nova era na arte que se aproxima já são óbvias. Isso pode ser visto na obra de dois grandes artistas, Paolo Veronese e Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, apelidado de Veronese (era de Verona, 1528-1588) foi o último cantor da festiva Veneza do século XVI. Ele começou criando pinturas para palácios de Verona e imagens para igrejas de Verona, mas a fama veio a ele quando em 1553 começou a trabalhar em pinturas para o Palácio Ducal Veneziano. A partir deste momento e para sempre a sua vida está ligada a Veneza. Ele faz murais, mas mais frequentemente pinta grandes pinturas a óleo sobre tela para os patrícios venezianos, imagens de altar para igrejas venezianas por ordem própria ou por ordem oficial da República de Veneza. Tudo o que ele escreveu foram enormes pinturas decorativas da festiva Veneza, onde a elegante multidão veneziana é retratada contra o pano de fundo da paisagem arquitetônica veneziana. Isto também pode ser visto em pinturas sobre temas evangélicos, como “A Festa de Simão, o Fariseu” (1570) ou “A Festa na Casa de Levi” (1573).

Jacopo Robusti, conhecido na arte como Tintoretto (1518-1594) (“tintoretto” significa tintureiro: o pai do artista era tintureiro de seda), ao contrário de Veronese, teve uma atitude trágica, que se manifestou em sua obra. Aluno de Ticiano, apreciou muito as habilidades colorísticas de seu professor, mas procurou combiná-las com o domínio do desenho de Michelangelo. Tintoretto passou muito pouco tempo na oficina de Ticiano, porém, segundo os contemporâneos, o lema estava pendurado nas portas de sua oficina: “Desenho de Michelangelo, coloração de Ticiano”. Eu sou. 146 A maioria das obras de Tintoretto são escritas principalmente sobre temas de milagres místicos; em suas obras, ele frequentemente retratava cenas de multidão com ação dramática intensa, espaço profundo e figuras em ângulos complexos. As suas composições distinguem-se por um dinamismo excepcional e, no período tardio, também por fortes contrastes de luz e sombra. Na primeira pintura que lhe trouxe fama, “O Milagre de São Marcos” (1548), apresenta a figura do santo numa perspectiva complexa, e pessoas num estado de movimento tão violento que seria impossível no clássico arte da Alta Renascença. Tintoretto foi também autor de grandes obras decorativas, um gigantesco ciclo de pinturas que ocupa dois andares do Scuolo di San Rocco, onde trabalhou de 1565 a 1587. No último período da sua obra, Tintoretto trabalha para o Palácio Ducal (composição "Paraíso", depois de 1588), onde Paolo Veronese, que conhecemos, conseguiu trabalhar antes dele.

Falando do Renascimento veneziano, não podemos deixar de lembrar o maior arquiteto que nasceu e trabalhou em Vicenza, perto de Veneza - Andrea Palladio (1508-1580), a partir do exemplo de seus edifícios simples e elegantes, demonstrou como as conquistas da antiguidade e a Alta Renascença poderia ser processada e usada criativamente. Ele conseguiu tornar a linguagem clássica da arquitetura acessível e universal.

As duas áreas mais importantes da sua actividade foram a construção de casas urbanas (palazzos) e residências de campo (villas). Em 1545, Palladio venceu um concurso pelo direito de reconstruir a Basílica de Vicenza. A capacidade de enfatizar a harmonia do edifício, colocando-o habilmente contra o pano de fundo das pitorescas paisagens venezianas, foi-lhe útil no seu trabalho posterior. Isto pode ser visto no exemplo das vilas que construiu em Malcontenta (1558), Barbaro-Volpi em Maser (1560-1570) e Cornaro (1566). A Villa Rotunda (ou Capra) em Vicenza (1551-1567) é considerada o edifício mais perfeito do arquiteto. É um edifício quadrado com pórticos jónicos de seis colunas em cada fachada. Todos os quatro pórticos conduzem a um salão central redondo, coberto por uma cúpula baixa sob um telhado de telhas. No desenho das fachadas de vilas e palácios, Palladio costumava utilizar uma grande encomenda, como pode ser visto no exemplo do Palazzo Chiericati em Vicenza (1550). Enormes colunas erguem-se sobre estilóbatos comuns, como no Palazzo Valmarana (iniciado em 1566) e na inacabada Loggia del Capitanio (1571), ou muito altas, absorvendo completamente o primeiro andar, como no Palazzo Thiene (1556). No final de sua carreira criativa, Palladio voltou-se para a arquitetura de igrejas. Ele é dono da igreja de San Pietro in Castello (1558), bem como de San Giorgio Maggiore (1565-1580) e Il Redentore (1577-1592) em Veneza.

Palladio ganhou imensa fama não só como arquiteto, mas também como autor do tratado "Quatro Livros de Arquitetura", que foi traduzido para vários idiomas. A sua obra teve uma enorme influência no desenvolvimento do movimento classicista na arquitectura europeia dos séculos XVII-XVIII, bem como nos arquitectos russos do século XVIII. Os seguidores do mestre formaram todo um movimento na arquitetura europeia, denominado "Palladianismo".

Conclusão

A era do Renascimento foi marcada na vida da humanidade por um aumento colossal na arte e na ciência. O renascimento que surgiu com base no humanismo, que proclamava o homem como o valor máximo da vida, refletiu-se principalmente na arte. A arte da Renascença lançou as bases da cultura europeia da Nova Era e mudou radicalmente todos os principais tipos de arte. Princípios criativamente revisados ​​do antigo sistema de ordem foram estabelecidos na arquitetura e surgiram novos tipos de edifícios públicos. A pintura foi enriquecida pela perspectiva linear e aérea, pelo conhecimento da anatomia e proporções do corpo humano. O conteúdo terreno penetrou nos temas religiosos tradicionais das obras de arte. O interesse pela mitologia antiga, história, cenas cotidianas, paisagens e retratos aumentou. Junto com pinturas murais monumentais que decoram estruturas arquitetônicas, surgiu a pintura e surgiu a pintura a óleo. A individualidade criativa do artista, via de regra, pessoa universalmente talentosa, ganhou destaque na arte. E todas essas tendências são muito claras e claramente visíveis na arte do Renascimento veneziano. Ao mesmo tempo, Veneza em sua vida criativa diferia significativamente do resto da Itália.

Se na Itália Central durante o Renascimento a arte da Grécia Antiga e de Roma teve uma enorme influência, então em Veneza a influência da arte bizantina e da arte do mundo árabe se misturou a ela. Foram os artistas venezianos que trouxeram cores sonoras e brilhantes às suas obras e foram coloristas insuperáveis, dos quais o mais famoso é Ticiano. Eles prestaram muita atenção à natureza e à paisagem que cercava as pessoas. O inovador nesta área foi Giorgione com a sua famosa pintura "A Tempestade". Ele retrata o homem como parte da natureza, prestando grande atenção à paisagem. Andrea Palladio deu uma enorme contribuição à arquitetura, tornando a linguagem clássica da arquitetura acessível e universal. A sua obra teve consequências de longo alcance sob o nome de "Palladianismo", que se manifestou na arquitetura europeia dos séculos XVII-XVIII.

Posteriormente, o declínio da República de Veneza refletiu-se na obra dos seus artistas, as suas imagens tornaram-se menos sublimes e heróicas, mais terrenas e trágicas, o que é claramente visível na obra do grande Ticiano. Apesar disso, Veneza permaneceu fiel às tradições da Renascença por mais tempo do que outras.

Bibliografia

1. Bragina euM.,Variash SOBRE.E.,Volodarsky EM.M. História da cultura dos países da Europa Ocidental durante o Renascimento. - M.: Ensino Superior, 1999. - 479 p.

2. Gukovsky M.A. Renascença italiana. - L.: Editora da Universidade de Leningrado, 1990. - 624 p.

3. Ilina T.EM. História da arte. Arte da Europa Ocidental. - M.: Ensino Superior, 2000. - 368 p.

4. Culturologia: Livro Didático / Ed. pelos editores A.A.Radugina. - M.: Centro, 2001. - 304 p.

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O Renascimento em Veneza é uma parte separada e distinta do Renascimento italiano. Aqui começou mais tarde, durou mais e o papel das tendências antigas em Veneza foi o menor. A posição de Veneza entre outras regiões italianas pode ser comparada com a posição de Novgorod na Rus' medieval. Era uma república mercantil patrícia rica e próspera que detinha as chaves das rotas comerciais marítimas. Todo o poder em Veneza pertencia ao “Conselho dos Nove”, eleito pela casta dominante. O poder real da oligarquia foi exercido secreta e brutalmente, através de espionagem e assassinatos secretos. O lado exterior da vida veneziana não poderia ter parecido mais festivo.

Em Veneza, havia pouco interesse em escavações de antiguidades antigas; o seu Renascimento teve outras origens; Veneza há muito mantém laços comerciais estreitos com Bizâncio, com o Oriente árabe e negocia com a Índia. A cultura de Bizâncio criou raízes profundas, mas não foi a severidade bizantina que foi instilada aqui, mas o seu colorido e brilho dourado. Veneza reelaborou as tradições góticas e orientais (a renda de pedra da arquitetura veneziana, que lembra a Alhambra mourisca, fala delas).

A Catedral de São Marcos é um monumento arquitetônico inédito, cuja construção teve início no século X. A singularidade da catedral é que ela combina harmoniosamente colunas retiradas de Bizâncio, mosaicos bizantinos, escultura romana antiga e escultura gótica. Tendo absorvido as tradições de diferentes culturas, Veneza desenvolveu um estilo próprio, secular, luminoso e colorido. O curto período do início do Renascimento começou aqui não antes da segunda metade do século XV. Foi então que surgiram pinturas de Vittore Carpaccio e Giovanni Bellini, retratando de forma fascinante a vida de Veneza no contexto de histórias religiosas. V. Carpaccio no ciclo “A Vida de Santa Úrsula” retrata detalhada e poeticamente sua cidade natal, sua paisagem e seus habitantes.

Giorgione é considerado o primeiro mestre da Alta Renascença em Veneza. Sua “Vênus Adormecida” é uma obra de incrível pureza espiritual, uma das imagens mais poéticas do corpo nu na arte mundial. As composições de Giorgione são equilibradas e claras, e seu desenho é caracterizado por uma rara suavidade de linhas. Giorgione tem uma qualidade característica de toda a escola veneziana - o colorismo. Os venezianos não consideravam a cor um elemento secundário da pintura como os florentinos. O amor pela beleza da cor leva os artistas venezianos a um novo princípio pictórico, quando a materialidade da imagem é alcançada não tanto pelo claro-escuro, mas pelas gradações de cor. O trabalho dos artistas venezianos é profundamente emocional; a espontaneidade desempenha aqui um papel mais importante do que entre os pintores de Florença.

Ticiano viveu uma vida lendariamente longa - supostamente noventa e nove anos, sendo seu último período o mais significativo. Tendo se tornado próximo de Giorgione, ele foi influenciado de várias maneiras por ele. Isto é especialmente perceptível nas pinturas “Amor Terrestre e Celestial” e “Flora” - obras de humor sereno e cores profundas. Comparado a Giorgione, Ticiano não é tão lírico e sofisticado, suas imagens femininas são mais “pé no chão”, mas não são menos charmosas. Calmas, de cabelos dourados, as mulheres de Ticiano, nuas ou com trajes ricos, são como a própria natureza imperturbável, “brilhando de beleza eterna” e absolutamente castas em sua franca sensualidade. A promessa de felicidade, a esperança de felicidade e o pleno gozo da vida constituem um dos fundamentos da obra de Ticiano.

Ticiano é intelectual; segundo um contemporâneo, foi “um interlocutor magnífico e inteligente que soube julgar tudo no mundo”. Ao longo de sua longa vida, Ticiano permaneceu fiel aos elevados ideais do humanismo.

Ticiano pintou muitos retratos, e cada um deles é único, pois transmite a singularidade individual inerente a cada pessoa. Na década de 1540, o artista pintou um retrato do Papa Paulo III, principal patrono da Inquisição, com seus netos Alessandro e Ottavio Farnese. Em termos de profundidade de análise do personagem, este retrato é uma obra única. O velho predatório e frágil com manto papal lembra um rato encurralado, pronto para disparar para algum lugar ao lado. Dois jovens comportam-se servilmente, mas esse servilismo é falso: sentimos a atmosfera de traição, engano e intriga. Um retrato que aterroriza pelo seu realismo inabalável.

Na segunda metade do século XVI, a sombra da reacção católica caiu sobre Veneza; embora tenha permanecido um estado formalmente independente, a Inquisição também penetra aqui - e Veneza sempre foi famosa por sua tolerância religiosa e espírito de arte secular e livre. Outro desastre se abate sobre o país: é devastado por uma epidemia de peste (Tiziano também morreu de peste). Em conexão com isso, a visão de mundo de Ticiano também muda; não há vestígios de sua antiga serenidade.

Em suas obras posteriores pode-se sentir profunda tristeza espiritual. Entre eles destacam-se “Maria Madalena Penitente” e “São Sebastião”. A técnica de pintura do mestre em “São Sebastião” foi aperfeiçoada. De perto, parece que todo o quadro é um caos de pinceladas. A pintura do falecido Ticiano deve ser vista à distância. Então o caos desaparece, e na escuridão vemos um jovem morrendo sob flechas, tendo como pano de fundo um fogo ardente. Traços grandes e abrangentes absorvem completamente a linha e resumem os detalhes. Os venezianos, e principalmente Ticiano, deram um novo grande passo, substituindo a estatuária pelo pitoresco dinâmico, substituindo o domínio da linha pelo domínio de uma mancha colorida.

Ticiano é majestoso e rigoroso em seu último autorretrato. Sabedoria, sofisticação completa e consciência do próprio poder criativo respiram neste rosto orgulhoso de nariz aquilino, testa alta e olhar espiritual e penetrante.

O último grande artista da Alta Renascença veneziana é Tintoretto. Pinta muito e rapidamente - composições monumentais, abajures, grandes pinturas, transbordando de figuras em ângulos vertiginosos e com as mais espetaculares construções em perspectiva, destruindo sem cerimônia a estrutura do plano, obrigando os interiores fechados a se afastarem e respirarem o espaço. O ciclo das suas pinturas dedicadas aos milagres de S. Marcos (São Marcos liberta o escravo). Seus desenhos e pinturas são um redemoinho, uma pressão, uma energia ígnea. Tintoretto não tolera figuras frontais e calmas, por isso São Marcos literalmente cai do céu sobre as cabeças dos pagãos. Sua paisagem favorita é tempestuosa, com nuvens tempestuosas e relâmpagos.

A interpretação de Tintoretto do enredo da Última Ceia é interessante. Em sua pintura, provavelmente ocorre em uma taverna mal iluminada e com teto baixo. A mesa é colocada na diagonal e conduz o olhar para as profundezas da sala. Ao ouvir as palavras de Cristo, hostes inteiras de anjos transparentes aparecem sob o teto. Uma bizarra iluminação tripla aparece: o brilho fantasmagórico dos anjos, a luz flutuante de uma lâmpada, a luz dos halos ao redor das cabeças dos apóstolos e de Cristo. Esta é uma verdadeira fantasmagoria mágica: flashes brilhantes no crepúsculo, girando e irradiando luz, o jogo de sombras cria uma atmosfera de confusão.

Renascimento na Itália.

Os períodos da história da cultura italiana são geralmente designados por nomes de séculos: Ducento (século XIII) - Proto-Renascença(final do século), trecento (século XIV) - continuação do Proto-Renascimento, quattrocento (século XV) - Início da Renascença, Cinquicento (século XVI) – Alta Renascença(primeiros 30 anos do século). Até finais do século XVI. continua apenas em Veneza; o termo é mais frequentemente aplicado a este período "final da Renascença".

O período de maturação dos pré-requisitos para a transição para o Alto Renascimento coincide, como no resto da Itália, com o final do século XV. Foi durante estes anos que, paralelamente à arte narrativa de Gentile Bellini e Carpaccio, tomou forma a obra de vários mestres, por assim dizer, de uma nova direção artística: Giovanni Bellini e Cima. Embora trabalhem quase simultaneamente com Gentile Bellini e Carpaccio, representam a próxima etapa na lógica do desenvolvimento da arte do Renascimento veneziano. Estes foram os pintores em cuja arte a transição para uma nova etapa no desenvolvimento da cultura renascentista foi mais claramente delineada. Isso foi especialmente revelado nas obras do maduro Giovanni Bellini,

Veneza, que conseguiu preservar a sua independência, permanece fiel às tradições do Renascimento por mais tempo. Dois grandes artistas do Alto Renascimento veneziano vieram da oficina de Gianbellino: Giorgione e Ticiano. sua riqueza determinou a duração do apogeu da Alta Arte Renascentista na República de Veneza. A viragem para o Renascimento tardio começou em Veneza um pouco mais tarde do que em Roma e Florença, nomeadamente em meados dos anos 40 do século XVI.

Giovanni Bellini é o maior artista da escola veneziana, que lançou as bases da arte da Alta Renascença em Veneza. As primeiras obras dramaticamente nítidas e de cores frias de Giovanni Bellini (“Lamentação de Cristo”, por volta de 1470, Galeria Brera, Milão) do final da década de 1470, sob a influência das pinturas de Piero e Messina, são substituídas por obras harmoniosamente claras pinturas em que as majestosas imagens humanas estão em sintonia com a paisagem espiritual (a chamada “Madona do Lago”, “Festa dos Deuses”). As obras de Giovanni Bellini, incluindo as suas numerosas “Madonas”, distinguem-se pela harmonia suave das cores sonoras e saturadas, como se permeadas pelo sol e pela subtileza das gradações de luz e sombra, solenidade calma, contemplação lírica e poesia clara das imagens. Na obra de Giovanni Bellini, junto com a composição de ordem clássica da pintura do altar renascentista (“Madona entronizada rodeada de santos”, 1505, Igreja de San Zaccaria, Veneza), formou-se um retrato humanístico cheio de interesse pelo homem (retrato de um doge; retrato de um condottiere). Em uma de suas últimas pinturas, “A Intoxicação de Noé”, o artista expressou um compromisso juvenil com os valores da vida e a facilidade de existência. A obra do artista Giovanni Bellini abriu caminho para a pintura veneziana desde o gótico tardio e proto-renascentista até a nova arte da Alta Renascença.

A próxima etapa após a arte de Giovanni Bellini foi a obra de Giorgione - seguidor direto de seu professor e artista típico da Alta Renascença. Ele foi o primeiro em solo veneziano a recorrer a temas literários e mitológicos. A paisagem, a natureza e o belo corpo humano nu tornaram-se para ele objeto de arte e objeto de culto. Com senso de harmonia, proporções perfeitas, ritmo linear primoroso, light painting suave, espiritualidade e expressividade psicológica de suas imagens, Giorgione está próximo de Leonardo, que o influenciou diretamente quando estava de passagem de Milão para Veneza. Mas Giorgione é mais emotivo que o grande mestre milanês e, como artista típico de Veneza, interessa-se não tanto pela perspectiva linear, mas pela perspectiva aérea e principalmente pelos problemas de cor. Já na primeira obra conhecida de “Madonna” ele. aparece como um artista totalmente desenvolvido; A imagem de Nossa Senhora é repleta de poesia, de devaneio pensativo, permeada daquele clima de tristeza que é característico de todas as imagens femininas de Giorgione. Nos últimos cinco anos de sua vida (Giorgione morreu de peste), o artista criou suas melhores obras. A pintura “A Tempestade” retrata o homem como parte da natureza. Uma mulher alimentando uma criança, um jovem com um cajado não estão unidos por nenhuma ação, mas estão unidos nesta paisagem majestosa por um estado de espírito comum, um estado de espírito comum. Giorgione tem uma paleta sutil e rica. A cor verde tem muitos tons: verde-oliva nas árvores, quase preto nas profundezas da água, chumbo nas nuvens. A imagem de “Vênus Adormecida” é permeada de espiritualidade e poesia). O seu corpo é escrito com facilidade, liberdade, graça, não é à toa que os investigadores falam da “musicalidade” dos ritmos de Giorgione; não é sem charme sensual. Mas o rosto de olhos fechados é casto e severo em comparação com ele, as Vênus de Ticiano parecem verdadeiras deusas pagãs; Giorgione não teve tempo de terminar o trabalho em “Sleeping Venus”; Segundo os contemporâneos, o fundo paisagístico do quadro foi pintado por Ticiano, como em outra obra tardia do mestre - “Concerto Rural”. Esta pintura, que representa dois cavalheiros com roupas magníficas e duas mulheres nuas, uma das quais tira água de um poço e a outra toca cachimbo, é a obra mais alegre e vigorosa de Giorgione. Mas esta sensação viva e natural de alegria de ser não está associada a nenhuma ação específica, é repleta de contemplação encantadora e de um clima sonhador. A combinação destas características é tão característica de Giorgione que é “Concerto Rural” que pode ser considerado a sua obra mais típica. A alegria sensual de Giorgione é sempre poetizada e espiritualizada.

Ticiano é o maior artista do Renascimento veneziano. Criou obras sobre temas mitológicos e cristãos, trabalhou no género do retrato, o seu talento colorístico é excepcional, a sua inventividade composicional é inesgotável e a sua feliz longevidade permitiu-lhe deixar uma rica herança criativa que teve uma enorme influência sobre os seus descendentes. Ticiano nasceu em uma pequena cidade no sopé dos Alpes. Seu primeiro trabalho foi pintar celeiros em Veneza junto com Giorgione. Após a morte de Giorgione, Ticiano pintou vários quartos em Pádua. A vida em Pádua apresentou ao artista as obras de Mantegna e Donatello. A fama chegou cedo a Ticiano. Ele se tornou o primeiro pintor da república, a partir dos anos 20 - o artista mais famoso de Veneza, e o sucesso não o abandonou até o fim de seus dias. O duque de Ferrara o encomenda para uma série de pinturas nas quais Ticiano aparece como um cantor da antiguidade, que conseguiu sentir e, o mais importante, encarnar o espírito do paganismo (“Bacchanalia”, “Festa de Vênus”, “Baco e Ariadne ”). Ticiano se torna a figura mais brilhante da vida artística de Veneza. Ricos venezianos, os patrícios encomendaram a Ticiano a criação de retábulos, e ele criou enormes ícones: “A Assunção de Maria”, “Madona de Pesaro”, etc. Pesaro” Ticiano desenvolveu o princípio da composição descentralizadora, que as escolas florentina e romana não conheciam. Ao deslocar a figura de Nossa Senhora para a direita, ele contrastou dois centros: semântico e espacial. Os diferentes esquemas de cores não se contradizem, mas aparecem em unidade harmoniosa com a imagem. Durante este período, Ticiano adorou temas onde pudesse mostrar uma rua veneziana, o esplendor da sua arquitetura e uma multidão festiva e curiosa. É assim que se cria uma de suas maiores composições, “A Apresentação de Maria ao Templo”) - o próximo passo depois de “Madona de Pesaro” na arte de representar uma cena de grupo, em que Ticiano combina habilmente naturalidade vital com grandeza . Ticiano escreve muito sobre assuntos mitológicos, principalmente depois de sua viagem a Roma. É aí que aparecem suas versões de “Danae” Danae é bela de acordo com o antigo ideal de beleza, que o mestre veneziano segue. Em todas estas variantes, a interpretação da imagem feita por Ticiano traz em si um início carnal, terreno, uma expressão da simples alegria de ser. Sua “Vênus” tem composição próxima à de Giorgionev. Mas a introdução de uma cena cotidiana no interior em vez de um fundo paisagístico, o olhar atento dos olhos arregalados da modelo, o cachorro a seus pés são detalhes que transmitem a sensação da vida real na terra, e não no Olimpo.

Ao longo de sua vida, Ticiano se dedicou ao retrato. Seus modelos (especialmente em retratos dos períodos inicial e intermediário da criatividade) sempre enfatizam a nobreza da aparência, a majestade da postura, a contenção da postura e dos gestos, criados por um esquema de cores igualmente nobre e detalhes esparsos e rigorosamente selecionados (retrato de um jovem com luva, retrato de sua filha Lavinia, etc.) Se os retratos de Ticiano sempre se distinguem pela complexidade de seus personagens e pela intensidade de seu estado interno, então nos anos de maturidade criativa ele cria imagens especialmente dramáticas, contraditórias personagens, apresentados em oposição e choque, retratados com poder verdadeiramente shakespeariano (retrato de grupo). Um retrato de grupo tão complexo foi desenvolvido apenas no século XVII do Barroco.

Perto do fim da vida de Ticiano, sua obra passou por mudanças significativas. Ele ainda escreve muito sobre assuntos antigos, mas se volta cada vez mais para temas cristãos, para cenas de martírio, nas quais a alegria pagã e a harmonia antiga dão lugar ao trágico. A última obra de Ticiano, Lamentação, concluída após a morte do artista por seu aluno. A Madona que segura o filho de joelhos está congelada de tristeza, Madalena levanta a mão em desespero, o velho está profundamente triste e pensativo.

49) Ticiano é um pintor italiano da Alta e Tardia Renascença. Estudou em Veneza com Giovanni Bellini, em cuja oficina se aproximou de Giorgione; trabalhou em Veneza, bem como em Pádua, Ferrara, Roma e outras cidades. Ticiano incorporou os ideais humanísticos da Renascença em sua obra. Sua arte de afirmação da vida se distingue por sua versatilidade, amplitude de realidade e revelação dos profundos conflitos dramáticos da época. O interesse pela paisagem, pela poesia, pela contemplação lírica, pelo colorido sutil tornam as primeiras obras de Ticiano (a chamada “Madona Cigana”; “Cristo e o Pecador”) semelhantes à obra de Giorgione; O artista começou a desenvolver um estilo independente após conhecer as obras de Rafael e Michelangelo. As imagens calmas e alegres de suas pinturas foram marcadas nesse período pela vitalidade, sentimentos vívidos, iluminação interior, pureza de cores. Ao mesmo tempo, Ticiano pintou vários retratos, de composição rigorosa e calma, e sutilmente psicológicos (“Jovem com. uma luva”, “Retrato de um homem”). O novo período de criatividade de Ticiano (final da década de 1510 - 1530) está associado à ascensão social e cultural de Veneza, que nesta época se tornou um dos principais redutos do humanismo e das liberdades urbanas na Itália. Nesta época, Ticiano criou retábulos monumentais com pathos.

O final da década de 1530 é o apogeu da arte do retrato de Ticiano. Com uma perspicácia surpreendente, o artista retratou os seus contemporâneos, captando os vários traços, por vezes contraditórios, das suas personagens: hipocrisia e suspeita, confiança e dignidade (“Ippolito de’ Medici”). As telas de Ticiano são caracterizadas pela integridade de caráter e coragem estóica (“Maria Madalena Penitente; “Coroa de Espinhos”). O esquema de cores das obras posteriores de Ticiano é baseado no mais fino cromatismo colorido: o esquema de cores, geralmente subordinado a um tom dourado, é construído em tons sutis de marrom, azul aço, vermelho rosa, verde desbotado.

No período final de sua obra, Ticiano atingiu o auge tanto na habilidade de pintura quanto na interpretação emocional e psicológica de temas religiosos e mitológicos. A beleza do corpo humano, a infinidade do mundo circundante tornaram-se o motivo principal dos trabalhos do artista com temas da mitologia antiga. O estilo de escrita do artista torna-se extremamente livre, a composição, a forma e a cor baseiam-se em modelagens plásticas arrojadas, as tintas são. aplicado na tela não só com pincel, mas também com espátula e até com os dedos. Os esmaltes transparentes não escondem a pintura de base, mas em alguns pontos revelam a textura granulada da tela. Da combinação de traços flexíveis nascem imagens cheias de drama. Na década de 1550, a natureza da obra de Ticiano mudou, cresceu o início dramático em suas composições religiosas (“Martírio de São Lourenço”; “Sepultamento”). Ao mesmo tempo, ele se volta novamente para temas mitológicos, o motivo do florescimento da beleza feminina também está próximo dessas imagens. A chorosa Maria Madalena na pintura de mesmo nome.

Uma virada significativa na obra do artista ocorre na virada das décadas de 1550 para 1560. Escrever composições sobre o tema “Metamorfoses”, permeadas de movimento e vibração de cor, já é um elemento da chamada “maneira tardia”. característica das últimas obras de Ticiano (“São Sebastião”; “Lamentação de Cristo”, etc.) Estas telas distinguem-se por uma estrutura pictórica complexa, fronteiras borradas entre formas e fundo; a superfície da tela parece tecida a partir de pinceladas aplicadas com pincel largo, às vezes esfregadas com os dedos. As sombras se complementam, tons consonantes ou contrastantes formam uma certa unidade da qual nascem formas ou cores suaves e cintilantes. A inovação do “modo tardio” não foi compreendida pelos contemporâneos e só foi apreciada posteriormente.

A arte de Ticiano, que revelou de forma mais completa a originalidade da escola veneziana, teve grande influência na formação dos maiores artistas do século XVII, desde Rubens e Velázquez. A técnica de pintura de Ticiano teve uma influência excepcional no desenvolvimento das artes plásticas mundiais até o século XX.

• 50) Pintura “Violanta. Ticiano consegue encarnar da forma mais plena o ideal de uma pessoa física e espiritualmente bela, dada em toda a plenitude vital do seu ser, num retrato. Ele se voltou para o retrato em seus primeiros anos. Em seguida, foi pintado um retrato de um jovem com uma luva rasgada, bem como um retrato de Mosti, surpreendendo pela pitoresca liberdade de caracterização e nobreza de imagem. Sua “Violanta”, uma menina loira de olhos lindos, cheia de uma graça um tanto fria, também remonta a esse período. Uma espessa onda de pesados ​​​​cabelos dourados cai sobre os ombros abertos e maravilhosos e se transforma em uma penugem transparente e leve, envolvendo suavemente a renda fina e a pele branca como a neve da jovem. Um vestido caro pretende apenas enfatizar mais uma vez a origem nobre.
• 1520 - 1540 - o apogeu da arte do retrato de Ticiano. Durante esses anos, ele criou uma extensa galeria de retratos de seus contemporâneos, incluindo o anônimo “Jovem com Luva”, o humanista Mosti, os Medici e o governante de Mântua. O retrato do advogado Ferrara destaca-se pela sutileza na transmissão do mundo interior individual. Um lugar digno na gloriosa série é ocupado pelo retrato de Francesco Maria, vestido com armadura militar contra o fundo de estandartes e insígnias correspondentes. Com incrível perspicácia, o artista retratou seus contemporâneos, captando os vários traços, às vezes contraditórios, de seus personagens: hipocrisia e suspeita, confiança e dignidade. As telas de Ticiano são caracterizadas pela integridade de caráter e coragem estóica. O esquema de cores das obras posteriores de Ticiano é baseado no mais fino cromatismo colorido: o esquema de cores, geralmente subordinado a um tom dourado, é construído em tons sutis de marrom, azul aço, vermelho rosa, verde desbotado.

“Retrato de Francesco Maria della Rovere” pode criar a sensação de que essa pessoa está em uma posição superior. Essa impressão é criada pelo fato de a imagem estar repleta de energia e tensão interna, a autoconfiança do retratado ser evidente e sua postura ser a de um governante. Ele procura suprimir o espectador com seu olhar. Há muitos atributos na tela - armadura preta com brilho metálico agressivo, várias varinhas, veludo carmesim majestoso - tudo isso indica que Ticiano foi excelente em transmitir o significado social do cliente na pintura.

"Retrato de um jovem com luva." Ticiano consegue encarnar da forma mais plena o ideal de uma pessoa física e espiritualmente bela, dada em toda a plenitude vital do seu ser, num retrato. Este é o retrato de um jovem com uma luva rasgada. Este retrato transmite perfeitamente as semelhanças individuais, mas a atenção principal do artista não se volta para os detalhes particulares da aparência de uma pessoa, mas para o geral, para o que há de mais característico em sua imagem. Ticiano, por assim dizer, revela através deste homem os traços típicos gerais de um homem da Renascença. Ombros largos, mãos fortes e expressivas, pose livre, camisa branca desabotoada casualmente na gola, rosto jovem e moreno onde os olhos se destacam com seu brilho vivo, criam uma imagem cheia de frescor e charme da juventude - é em essas características são as principais qualidades e toda a harmonia única de uma pessoa feliz que não conhece dúvidas dolorosas e discórdias internas.

O retrato dos Médici dá-nos a oportunidade de compreender as profundas mudanças que surgem na década de 1540 na obra de Ticiano. O rosto magro do duque, cercado por uma barba macia, era marcado pela luta com as intrincadas contradições da realidade. Esta imagem ecoa até certo ponto a imagem de Hamlet.

No retrato de Tomaso Mosti, o herói praticamente não expressa emoções. O figurino e os acessórios narram a história para ele. O modelo em si é francamente passivo. Esse efeito é potencializado por tons monocromáticos e cores escuras.

"Retrato de uma jovem com um chapéu com uma pena." Como se lavado pelo orvalho da manhã, o rosto do jovem encantador respira frescor e entusiasmo juvenil. Um chapéu puxado coquete para o lado, olhos curiosos e vivos e um colar de pérolas no pescoço de uma menina - diante de nós está outro retrato feminino do grande mestre italiano. Parece que vai soprar uma leve brisa e as penugens de uma pena de avestruz esvoaçarão obedientemente atrás dela, são tão leves, tão arejadas. Com um pincel magistral, a artista torna quase tangíveis o veludo verde escuro de uma capa, a seda leve de um vestido fino e a pele quente das delicadas mãos femininas.

A pintura veneziana, que se distingue pela sua riqueza e riqueza de cores, atingiu um florescimento especial. A admiração pagã pela beleza física foi combinada aqui com o interesse pela vida espiritual do homem. A percepção sensorial do mundo era mais direta que a dos florentinos e causou o desenvolvimento da paisagem.

Giorgione. O palco da Alta Renascença em Veneza abre com a arte de Giorgio Barbarelli da Castelfranco, apelidado de Giorgione (por volta de 1477-1510), que desempenhou na pintura veneziana o mesmo papel que Leonardo desempenhou na pintura da Itália Central.

Comparada com a clara racionalidade da arte de Leonardo, a pintura de Giorgione está imbuída de profundo lirismo e contemplação. A paisagem, que ocupa lugar de destaque na sua obra, contribui para a revelação da poesia e da harmonia das suas imagens perfeitas. A ligação harmoniosa entre o homem e a natureza é uma característica importante do trabalho de Giorgione. Formado entre humanistas, músicos, poetas e ele próprio um músico extraordinário, Giorgione encontra em suas composições a mais sutil musicalidade dos ritmos. A cor desempenha um papel importante neles. Cores sonoras, dispostas em camadas transparentes, suavizam os contornos. O artista utiliza com maestria as propriedades da pintura a óleo. A variedade de tonalidades e tons de transição ajuda-o a alcançar a unidade de volume, luz, cor e espaço. Entre seus primeiros trabalhos, “Judith” (por volta de 1502, São Petersburgo, Hermitage) atrai com seu devaneio suave e lirismo sutil. A heroína bíblica é retratada como uma jovem e bela mulher tendo como pano de fundo uma natureza tranquila. No entanto, uma nota estranha e alarmante é introduzida nesta composição aparentemente harmoniosa pela espada na mão da heroína e pela cabeça decepada do inimigo pisoteado por ela.

Nas pinturas “A Tempestade” (por volta de 1505, Veneza, Galeria Accademia) e “Concerto Rural” (por volta de 1508-1510, Paris, Louvre), cujos temas permaneceram não identificados, o clima é criado não apenas pelas pessoas, mas também por natureza: pré-tempestade - na primeira e calmamente radiante, solene - na segunda. Tendo como pano de fundo a paisagem, são retratadas pessoas imersas em pensamentos, como se esperassem algo ou tocassem música, formando um todo indissociável com a natureza ao seu redor.

A combinação do ideal e harmonioso com o concreto e individual nas características de uma pessoa distingue os retratos pintados por Giorgione. Atrai com a profundidade de pensamento, nobreza de caráter, devaneio e espiritualidade de Antonio Brocardo (1508–1510, Budapeste, Museu de Belas Artes). A imagem de beleza e poesia perfeita e sublime recebe sua personificação ideal em “Vênus Adormecida” (cerca de 1508-1510, Dresden, Galeria de Imagens). Ela é apresentada tendo como pano de fundo uma paisagem rural, imersa em um sono tranquilo. O ritmo suave dos contornos lineares de sua figura harmoniza-se sutilmente com as linhas suaves das colinas suaves, com a calma pensativa da natureza. Todos os contornos são suavizados, a plasticidade é idealmente bonita, as formas suavemente modeladas são proporcionalmente proporcionais. Nuances sutis de tom dourado transmitem o calor de um corpo nu. Giorgione morreu no auge de seus poderes criativos devido à peste, sem completar sua pintura mais perfeita. A paisagem da pintura foi concluída por Ticiano, que também cumpriu outras encomendas confiadas a Giorgione.

Ticiano. Durante muitos anos, a arte do seu chefe, Ticiano (1485/1490–1576), determinou o desenvolvimento da escola veneziana de pintura. Juntamente com a arte de Leonardo, Rafael e Michelangelo, parece ser o auge da Alta Renascença. A lealdade de Ticiano aos princípios humanísticos, a fé na vontade, razão e capacidades do homem e o poderoso colorismo conferem às suas obras um enorme poder de atração. A sua obra revela finalmente a singularidade do realismo da escola veneziana de pintura. A visão de mundo do artista é pura, seu conhecimento da vida é profundo e multifacetado. A versatilidade do seu talento manifestou-se no desenvolvimento de vários géneros e temas, líricos e dramáticos.

Ao contrário de Giorgione, que morreu cedo, Ticiano viveu uma vida longa e feliz, cheia de trabalho criativo inspirado. Nasceu na cidade de Cadore, viveu toda a sua vida em Veneza e lá estudou - primeiro com Bellini e depois com Giorgione. Por pouco tempo, já tendo alcançado a fama, viajou a convite de clientes para Roma e Augsburgo, preferindo trabalhar no ambiente de sua espaçosa e hospitaleira casa, onde frequentemente se reuniam seus amigos humanistas e artistas, entre eles o escritor Aretino e o arquiteto Sansovino.

A Renascença A Renascença em Veneza é uma parte separada e única da Renascença totalmente italiana. Aqui começou mais tarde, durou mais, o papel das tendências antigas em Veneza foi o menor e a ligação com o desenvolvimento subsequente da pintura europeia foi a mais direta. A Renascença Veneziana pode e deve ser discutida separadamente. A posição de Veneza entre outras regiões italianas pode ser comparada com a posição de Novgorod na Rus' medieval. Era uma república mercantil patrícia, rica e próspera, que detinha as chaves das rotas comerciais marítimas. O leão alado de São Marcos - o brasão de Veneza - reinou sobre as águas do Mar Mediterrâneo, o ouro fluiu de toda a terra para a lagoa veneziana. Veronese e Tiepolo retrataram Veneza na forma de uma magnífica beleza loira, vestida de veludo vermelho e pele de arminho, banhada, como Danaë, por uma chuva dourada. O leão sagrado do apóstolo, humilde e devotamente, como um cachorro, jaz a seus pés.

É especialmente fácil imaginar a alegre Veneza a partir das pinturas de Canaletto, um artista do século XVIII: ele retratou esses carnavais e celebrações tradicionais com precisão documental. Praça de S. A marca está lotada, gôndolas de pássaros pretas e douradas correm pelas águas verdes da lagoa, bandeiras tremulam, dosséis e mantos escarlates brilham intensamente, meias máscaras pretas brilham. A arquitetura fabulosa, rendada, decorada e multicolorida da Catedral de St. ergue-se e domina tudo. Marcos e o Palácio Ducal.

O fruto da ampla sociabilidade de Veneza foi a Catedral de St. Marka é este monumento arquitetônico sem precedentes, onde as camadas de aproximadamente sete séculos, a partir do século X, se combinam em um todo inesperadamente harmonioso e encantadoramente belo, onde colunas retiradas de Bizâncio, mosaicos bizantinos, escultura romana antiga e escultura gótica coexistem pacificamente. . O Palácio Ducal é um edifício não menos caprichoso: é o chamado gótico veneziano, combinando uma arcada gótica pontiaguda na parte inferior com um enorme bloco liso no topo, coberto com um padrão árabe de lajes brancas e vermelhas. Veneza desenvolveu um estilo próprio, vindo de todos os lugares, gravitando em direção ao colorido, ao pitoresco romântico. Como resultado, esta cidade nas ilhas, onde os palácios se estendem ao longo do Grande Canal, refletidos nas suas águas, onde, de facto, a única “terra” vasta é São Petersburgo, Mark, tornou-se como uma caixa lotada com todos os tipos de joias.

Deve-se notar que os artistas venezianos do Cinquecento eram pessoas de um tipo diferente dos mestres de outras regiões da Itália. Não envolvidos no humanismo científico, não eram tão versáteis como os florentinos ou os paduanos - eram profissionais mais restritos na sua arte - a pintura. Grandes patriotas de Veneza, geralmente não se mudavam nem viajavam, permanecendo fiéis à “Rainha do Adriático”, que os recompensava bem. E, portanto, a escola veneziana, apesar da diferença nos indivíduos artísticos, tinha muitos traços genéricos comuns que lhe eram peculiares, e somente a ela, transmitidos de pai para filho, de irmão para irmão em grandes famílias artísticas. O trabalho dos venezianos refletiu-se na estabilidade do ambiente, da vida cotidiana, da paisagem e do tipo. Reconhecemos em todas as suas pinturas a atmosfera de Veneza pela abundância de motivos festivos e festivos, pelas balaustradas dos palácios, pelas vestes de veludo vermelho dos Doges, pelos cabelos dourados das mulheres.

Paolo Veronese pode ser considerado o artista mais típico da Veneza festiva. Ele era um pintor, e apenas um pintor, mas era um pintor até a alma, um leão da pintura, extremamente talentoso e simplório em sua arte com aquela magnífica inocência de um talento generoso que sempre cativa e é capaz de expiar muita coisa que está faltando. Toda a extensão do talento alegre de Veronese é palpável em suas grandes e lotadas composições, que foram chamadas de “As Bodas em Caná da Galiléia”, “A Festa na Casa de Levi”, “A Última Ceia”, mas nada mais eram do que coloridas espetáculos de jantares bêbados e suntuosos em palácios venezianos, com músicos, bufões, cachorros.

Princípios criativamente revisados ​​do antigo sistema de ordem foram estabelecidos na arquitetura e surgiram novos tipos de edifícios públicos. A pintura foi enriquecida pela perspectiva linear e aérea, pelo conhecimento da anatomia e proporções do corpo humano. O conteúdo terreno penetrou nos temas religiosos tradicionais das obras de arte. O interesse pela mitologia antiga, história, cenas cotidianas, paisagens e retratos aumentou. Junto com as pinturas murais monumentais que decoravam as estruturas arquitetônicas, apareceu uma pintura; pintura a óleo originada