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TEXTO: Oleg Sobolev

COMO EM QUALQUER OUTRA ÁREA DA ARTE CLÁSSICA No mundo ocidental, na história da música acadêmica existem inúmeras esquecidas, mas dignas de uma história sobre si mesmas mulheres. Principalmente na história da arte do compositor. Mesmo agora, com o número de notáveis ​​compositoras crescendo a cada ano, as obras escritas por mulheres raramente são incluídas nas programações sazonais das orquestras mais famosas e nos programas de concertos dos intérpretes mais famosos.

Quando uma obra de uma compositora se torna objeto de atenção do público ou do jornalismo, a notícia disso vem necessariamente acompanhada de tristes estatísticas. Aqui está um novo exemplo: nesta temporada, o Metropolitan Opera interpretou o gênio Love from Afar de Kaia Saariaho - a primeira ópera, escrita por uma mulher, exibida neste teatro desde 1903. É reconfortante que as composições de Saariaho - como, por exemplo, a música de Sofia Gubaidulina ou Julia Wolf - sejam executadas com bastante frequência, mesmo sem esses feeds de notícias.

Selecionar algumas heroínas musicais menos conhecidas de uma longa lista de nomes femininos é uma tarefa difícil. As sete mulheres, das quais falaremos agora, têm uma coisa em comum - elas, em um grau ou outro, não se encaixavam no mundo ao seu redor. Alguém apenas por causa de seu próprio comportamento, destruindo fundamentos culturais, e alguém - por meio de sua música, que não pode ser combinada com um análogo.

Louise Farranc

Nascida Jeanne-Louise Dumont, ela se tornou famosa no mundo da música europeia nas décadas de 1830 e 1840 como pianista. Além disso, a reputação de performance da garota era tão alta que em 1842 Farranc foi nomeado professor de piano no Conservatório de Paris. Ela ocupou este cargo pelos próximos trinta anos e, apesar da carga pedagógica, conseguiu se destacar como compositora. Porém, era mais provável que ela não “conseguisse mostrar”, mas “não pudesse deixar de mostrar”. Farranc veio da mais famosa dinastia de escultores e cresceu entre as melhores pessoas da arte parisiense, então o ato de auto-expressão criativa para ela foi extremamente natural.

Durante sua vida, tendo publicado cerca de cinquenta composições, principalmente instrumentais, Madame Professor recebeu críticas elogiosas sobre sua música de Berlioz e Liszt, mas em sua terra natal Farranc era considerada uma compositora abertamente não francesa. Na França, todo primeiro autor promissor escreveu óperas de horas de duração, e o lacônico e inspirado parisiense pela música da era do classicismo realmente contrariava a moda da época. Errado: seus melhores trabalhos - como a Terceira Sinfonia em Sol menor -, para dizer o mínimo, não se perdem no pano de fundo dos mastodontes da época como Mendelssohn ou Schumann. Sim, e Brahms, com suas tentativas de traduzir o classicismo para a linguagem da era romântica, Farranck evitou por dez, ou mesmo vinte anos.

Dora Pejacevic

Representante de uma das mais nobres famílias nobres dos Bálcãs, neta de um dos proibidos (leia-se - os governadores) da Croácia e filha de outro, Dora Pejacevic passou sua infância e adolescência exatamente como na cultura pop mundial as pessoas gostam de retratam a vida de jovens e cuidadosamente guardados por uma família de jovens aristocratas ... A menina cresceu sob a supervisão estrita de governantas inglesas, quase não se comunicava com seus pares e, em geral, foi criada por seus pais com o objetivo de mais um casamento bem-sucedido para a família, ao invés de uma infância feliz.

Mas algo deu errado: Dora, quando adolescente, pegou fogo com as ideias do socialismo, começou a entrar em conflito constante com sua família e, como resultado, aos vinte e tantos anos, ela foi isolada do resto dos Peyachevichs até a fim de sua vida. Isso, no entanto, só beneficiou seu outro hobby: no alvorecer da Primeira Guerra Mundial, a nobre rebelde se estabeleceu como a figura mais significativa da música croata.

As composições de Dora, igualmente inspiradas por Brahms, Schumann e Strauss, soavam extremamente ingênuas para os padrões do mundo ao seu redor - por exemplo, na época da estreia de seu antigo concerto para piano em Berlim e Paris, eles já estavam ouvindo Pierrot Lunar e Primavera Sagrada. Mas se nos abstrairmos do contexto histórico e ouvirmos a música de Pejacevich como uma sincera declaração de amor aos românticos alemães, então será fácil perceber seu expressivo melodismo, feito em alto nível de orquestração e cuidadoso trabalho estrutural.

Amy Beach

O episódio mais famoso da biografia de Amy Beach pode ser recontado da seguinte maneira. Em 1885, quando ela tinha 18 anos, os pais de Amy a casaram com um cirurgião de Boston de 42 anos. Mesmo assim, a menina era uma virtuose de tocar piano e esperava continuar seus estudos musicais e carreira artística, mas seu marido decidiu o contrário. O Dr. Henry Harris Audrey Beach, preocupado com o status de sua família e guiado pelas idéias da época sobre o papel das mulheres na sociedade secular da Nova Inglaterra, proibiu sua esposa de estudar música e limitou suas apresentações como pianista a um concerto por ano.

Para Amy, que sonhava com salas de concerto e recitais esgotados, isso acabou sendo equivalente à tragédia. Mas, como sempre acontece, a tragédia deu lugar ao triunfo: embora Beach tenha sacrificado sua carreira artística, ela começou a se dedicar cada vez mais à escrita e agora é inequivocamente definida pela maioria dos pesquisadores como a melhor compositora americana da era romântica tardia. Duas de suas obras principais - a Gaelic Symphony publicada em 1896 e o ​​concerto para piano que se seguiu três anos depois - são realmente belas, ainda que para os padrões daqueles anos sejam completamente desprovidas de originalidade. O mais importante é que na música de praia, como se poderia supor, não há lugar para o provincianismo e o paroquialismo.

Ruth Crawford Seeger

Ruth Crawford Seeger é muito mais famosa nos círculos de admiradores sérios, pesquisadores e simplesmente amantes da música folk americana do que no mundo da música acadêmica. Porque? Há duas razões principais: primeiro, ela era a esposa do musicólogo Charles Seeger e, portanto, ancestral do clã Seeger, uma família de músicos e cantores que fez mais para popularizar o folk americano do que qualquer outra pessoa. Em segundo lugar, nos últimos dez anos de sua vida, ela trabalhou de perto na catalogação e arranjo de canções gravadas em inúmeras viagens por John e Alan Lomax, os maiores folcloristas e colecionadores de música folk americanos.

Surpreendentemente, até o início de sua vida juntos, Ruth e Charles Seeger foram compositores de um sentido extremamente moderno, aplicando a palavra "folclore" à sua música com grande dificuldade. Em particular, as obras de Ruth Crawford no início dos anos 30 só podem ser comparadas com as obras de Anton Webern - e mesmo assim, apenas em termos de drama habilmente construído e material musical laconicamente concentrado. Mas se as tradições de Webern brilham em cada nota - não importa se a música austríaca ou renascentista - então as obras de Seeger existem como se estivessem fora da tradição, fora do passado e fora do futuro, fora da América e fora do resto do mundo. Por que um compositor com um estilo tão individual ainda não está incluído no repertório canônico modernista? Mistério.

Lily Boulanger

Ao que parece, que tipo de música uma francesa eternamente doente, profundamente religiosa e patologicamente modesta da alta sociedade poderia compor no início do século passado? Isso mesmo - uma que poderia servir como uma boa trilha sonora para o Dia do Juízo. As melhores composições de Lily Boulanger são escritas em textos religiosos, como salmos ou orações budistas, muitas vezes executadas como se por um coro indevidamente ajustado a um acompanhamento musical rasgado, não melódico e alto. Você não consegue encontrar uma analogia para essa música na hora - sim, ela é parcialmente semelhante às primeiras obras de Stravinsky e às composições especialmente ardentes de Honegger, mas nem um nem outro alcançaram tais profundezas de desespero e não caíram em tal fatalismo extremo. Quando o compositor Gabriel Fauré, amigo da família Boulanger, estabeleceu que Lily, de três anos, tinha afinação perfeita, seus pais e a irmã mais velha dificilmente poderiam imaginar que esse dom seria corporificado em algo tão não angélico.

A propósito, sobre minha irmã. Nadia Boulanger acabou se tornando uma figura muito mais significativa na história da música. Por quase meio século - dos anos 20 aos 60 - Nádia foi considerada uma das melhores professoras de música do planeta. Tendo visões muito específicas tanto sobre a música que era nova para aquela época, quanto sobre a música no sentido literal da palavra, clássica, dura, irreconciliável e que exauria seus alunos nas tarefas mais difíceis, Nádia, mesmo para seus oponentes ideológicos, permaneceu uma exemplo de inteligência musical de memória e poder sem precedentes. Talvez ela pudesse ter se tornado uma compositora tão importante quanto se tornou uma professora. De qualquer forma, ela começou exatamente como compositora - mas, como ela mesma admite, após a morte de Lily, algo se quebrou dentro de Nádia. Tendo vivido 92 anos, a irmã mais velha nunca atingiu o ápice das poucas obras da mais jovem, queimada pela doença de Crohn aos 24 anos.

Elizabeth Maconkey

Ralph Vaughan Williams, o maior compositor britânico do século passado, foi um campeão apaixonado das tradições musicais nacionais. Assim, ele retrabalhou canções folclóricas com entusiasmo, escreveu obras corais suspeitamente semelhantes aos hinos anglicanos e, com sucesso variável, repensou a obra de compositores ingleses da Renascença. Ele também ensinou composição no Royal College of Music de Londres, onde sua aluna favorita na década de 1920 foi uma jovem irlandesa chamada Elizabeth Maconkey. Décadas mais tarde, ela contará que foi Vaughan Williams, mesmo sendo um tradicionalista, que a aconselhou a nunca ouvir ninguém e a compor músicas para focar apenas em seus interesses, gostos e pensamentos.

O conselho foi decisivo para Maconca. Sua música sempre permaneceu intocada pelas tendências globais da vanguarda acadêmica e pelo eterno amor inglês-céltico pelo folclore rural. Apenas em seus anos de estudante, que descobriu Bela Bartok por si mesma (uma compositora, aliás, que também trabalhou fora de quaisquer tendências óbvias), Makonki em suas obras partiu naturalmente da música madura do grande húngaro, mas ao mesmo tempo , ela desenvolveu consistentemente seu próprio estilo, muito mais íntimo e introspectivo. Exemplos vívidos da originalidade e evolução da imaginação do compositor de Makonka são seus treze quartetos de cordas, escritos de 1933 a 1984 e juntos formando um ciclo de literatura de quarteto, de forma alguma inferior aos de Shostakovich ou Bartok.

Vitezslava Kapralova

Alguns anos antes da Primeira Guerra Mundial, um discreto compositor e pianista concertista tcheco Vaclav Kapral fundou uma escola particular de música para pianistas novatos em sua cidade natal, Brno. A escola continuou a existir após a guerra, ganhando logo a reputação de uma das melhores do país. O fluxo de quem quer estudar, e estudar especificamente do próprio Cabo, ainda que por pouco tempo, fez com que o compositor pensasse em parar com todas as demais atividades em favor do ensino.

Felizmente, sua filha Vitezslava, que naquela época ainda não havia comemorado seu décimo aniversário, de repente começou a demonstrar um talento extraordinário para a música. A menina tocava piano melhor do que muitos adultos profissionais, memorizou todo o repertório de canções clássicas e até começou a escrever pequenas peças. O cabo desenvolveu um plano surpreendente no grau de arrogância, estupidez e comercialismo: fazer crescer de Vitezslava um verdadeiro monstro da música, capaz de substituí-lo como o principal professor da escola da família.

Claro, nada disso aconteceu. O ambicioso Vitezslava, que queria se tornar um compositor e maestro, aos quinze anos ingressou em duas faculdades correspondentes no conservatório local ao mesmo tempo. Para que uma mulher queira conduzir - isso não era visto na República Tcheca dos anos 30 antes de Kapralova. E conduzir e compor ao mesmo tempo - geralmente era impensável. Foi para compor música que o aluno recém-matriculado começou - e de tal qualidade, tal variedade estilística e em volumes que não há realmente ninguém para comparar.

Veronika Dudarova, Sofia Gubaidulina, Elena Obraztsova são nomes conhecidos não só na Rússia, mas também no exterior. Relembrando as grandes mulheres músicas do século XX.

Veronica Dudarova

Veronica Dudarova. Foto: classicalmusicnews.ru

Veronica Dudarova. Foto: south-ossetia.info

Veronika Dudarova nasceu em Baku em 1916. Em 1938, ela se formou no departamento de piano da escola de música do Conservatório de Leningrado e tomou uma decisão incomum para a época - tornar-se regente. Naquela época, não havia mulheres na URSS que decidissem ingressar em uma orquestra sinfônica. Veronica Dudarova tornou-se aluna de dois mestres - Leo Ginzburg e Nikolai Anosov.

Ela fez sua estreia como regente no Central Children's Theatre em 1944. Em seguida, ela trabalhou no estúdio de ópera do Conservatório de Moscou.

Em 1947, Veronika Dudarova tornou-se regente da Orquestra Sinfônica do Estado de Moscou e, em 1960, assumiu o cargo de regente-chefe e diretora artística dessa orquestra. O repertório de Dudarova gradualmente incluiu um grande volume de obras - de Bach e Mozart a Alfred Schnittke, Mikael Tariverdiev, Sofia Gubaidulina.

Em uma entrevista, ela falou várias vezes sobre ensaios sangrentos, sobre o fato de que às vezes você tem que "atingir severamente resultados". Em 1991, Dudarova organizou e chefiou a Orquestra Sinfônica do Estado da Rússia. Seu nome está inscrito no Guinness Book of Records: ela se tornou a primeira mulher no mundo a trabalhar com orquestras sinfônicas em mais de 50 anos.

Festival dedicado a Veronika Dudarova:

Sofia Gubaidulina

Sofia Gubaidulina. Foto: remusik.org

Sofia Gubaidulina. Foto: tatarstan-symphony.com

A compositora Sofia (Sania) Gubaidulina nasceu em 1931 em Chistopol. Seu pai era um agrimensor, sua mãe era professora primária. Logo após o nascimento de sua filha, a família mudou-se para Kazan. Em 1935, Sofia Gubaidulina começou a estudar música. Em 1949, ela se tornou uma aluna do departamento de piano do Conservatório de Kazan. Mais tarde, a pianista decidiu escrever música sozinha e ingressou no departamento de composição do Conservatório de Moscou - primeiro na classe de Yuri Shaporin, depois em Nikolai Peyko, e depois na pós-graduação sob a direção de Vissarion Shebalin.

Colegas de Sofia Gubaidulina notaram que já nas primeiras obras ela se voltou para as imagens religiosas. Isso é especialmente notável nas partituras das décadas de 1970 e 1980: "De profundis" para acordeão de botão, concerto para violino "Offertorium" ("Sacrifice"), "Seven Words" para violoncelo, acordeão de botão e cordas. Isso também foi manifestado em obras posteriores - "Paixão segundo João", "Páscoa segundo João", "Oração Simples".

“Meu objetivo sempre foi ouvir o som do mundo, o som da minha própria alma e estudar sua colisão, contraste ou, ao contrário, semelhanças. E quanto mais caminho, mais claro fica para mim que todo esse tempo estive procurando o som que corresponderia à verdade da minha vida. "

Sofia Gubaidulina

No final da década de 1980, Sofia Gubaidulina tornou-se uma compositora de renome internacional. Desde 1991 ela mora na Alemanha, mas vem com frequência para a Rússia. Hoje, festivais a ela dedicados realizam-se em diversos países, com a qual colaboram os melhores grupos musicais e solistas.

Documentário sobre Sofia Gubaidulina:

Elena Obraztsova

Elena Obraztsova. Foto: classicalmusicnews.ru

Elena Obraztsova nasceu em 1939 em Leningrado. Quando chegou a hora de entrar na universidade, a menina escolheu o departamento vocal do Conservatório de Leningrado, embora seu pai insistisse que sua filha estudasse engenharia de rádio. Em 1962, um aluno de Obraztsova foi o vencedor do Concurso Vocal Glinka All-Union. Logo a jovem cantora fez sua estreia no Teatro Bolshoi - seu primeiro papel foi Marina Mnishek em "Boris Godunov" de Modest Mussorgsky.

O repertório russo da cantora também inclui Martha da ópera "Khovanshchina" de Mussorgsky, Lyubasha de "A Noiva do Czar" de Nikolai Rimsky-Korsakov, Helen Bezukhova de "Guerra e Paz" de Sergei Prokofiev. Elena Obraztsova interpretou o papel da Condessa em A Rainha de Espadas de Pyotr Tchaikovsky ao longo de toda a sua carreira musical. A cantora disse: “Posso cantar por até cem anos, desde que a voz soe. E está coberto de vegetação e de novas cores ".

Um dos papéis mais famosos do repertório estrangeiro de Obraztsova foi Carmen na ópera de Bizet. Não apenas ouvintes soviéticos, mas também espanhóis a reconheceram como a melhor intérprete desta parte.
Os sócios da Obraztsova eram Placido Domingo, Luciano Pavarotti, Mirella Freni. Um acontecimento importante na vida da cantora foi o encontro com o compositor Georgy Sviridov: ele lhe dedicou várias composições vocais.

Programa Life Line com Elena Obraztsova:

Eliso Virsaladze

Eliso Virsaladze. Foto: archive.li

Eliso Virsaladze. Foto: riavrn.ru

Eliso Virsaladze nasceu em Tbilisi em 1942. Sua avó, a famosa pianista georgiana Anastasia Virsaladze, era sua professora na escola e no conservatório. Em 1962, Eliso conquistou o terceiro lugar no II Concurso Internacional Tchaikovsky. Em 1966, depois de se formar no Conservatório de Tbilisi, ela ingressou na escola de pós-graduação do Conservatório de Moscou na classe de Yakov Zak.

Desde 1967, Eliso Virsaladze leciona no Conservatório de Moscou. Entre os graduados de sua turma estão os laureados de competições internacionais Boris Berezovsky, Alexey Volodin, Dmitry Kaprin.

No repertório do pianista, um lugar especial é ocupado pelas obras de Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Robert Schumann, Tchaikovsky, Prokofiev. Ela costuma se apresentar em conjunto com a violoncelista Natalia Gutman.

"Este é um artista em grande escala, talvez a pianista mais forte do momento.", - isso é o que Svyatoslav Richter disse sobre Virsaladze.

Hoje Eliso Virsaladze se apresenta muito com programas de solo e de câmara, freqüentemente toca com orquestras. Ela fala dos concertos como um sacramento: "Você sobe no palco e pertence ao compositor que está apresentando e ao público para o qual toca.".

Programa "Collection of Performances" e concerto de Eliso Virsaladze:

Natalia Gutman

Natalia Gutman. Foto: classicalmusicnews.ru

A futura violoncelista nasceu em Kazan em 1942 e recebeu as primeiras aulas de violoncelo de seu padrasto, Roman Sapozhnikov. Em seguida, ela estudou na Escola Central de Música do Conservatório de Moscou. Em 1964, Natalia se formou no Conservatório de Moscou, classe de Galina Kozolupova, e em 1968 ela se formou no Conservatório de Leningrado, onde seu líder era Mstislav Rostropovich.

De volta aos seus anos de conservatório, Natalia foi laureada em vários concursos, incluindo o II Concurso Internacional Tchaikovsky. Em 1967 ela começou a lecionar no Conservatório de Moscou.

“Se eu apenas balançar o arco profissionalmente e pensar no meu próprio - ele será ouvido imediatamente! Para mim, o automatismo da execução, a indiferença é um fracasso terrível! " Ela diz.

Agora Natalia Gutman ensina jovens músicos em muitas cidades europeias, organiza grandes festivais e continua a fazer digressões.

Discurso nas "noites de dezembro" no Museu Estadual de Belas Artes Pushkin:

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Na era da formação de vocais líricos para cantoras, as condições não eram tão favoráveis. No entanto, isso não retardou muito o processo global, e conhecemos muitos nomes de verdadeiras estrelas - divas da ópera, nem vou listá-las. Mas aqui estão as mulheres que escreveram música ... ou não havia condições, ou não havia tanto talento ... Em qualquer caso, nenhum dos nomes de mulheres compositoras brilhavam tanto quanto, digamos, os nomes de Beethoven, ou! E ainda, vamos ver: o que temos aqui? :)

• Hildegard Bingen

Mesmo que os nomes femininos não tenham conquistado a mesma fama no mundo da escrita musical que os masculinos, existe um nome que é muito significativo do ponto de vista da história da música. Esta é Hildegard de Bingen, uma das primeiras compositoras medievais a deixar um registro de suas obras. Bem, está claro quais composições, afinal, estamos no século 12! Provavelmente, o ouvinte moderno precisa ser um grande fã para gostar de ouvir os cânticos da igreja medieval. No entanto, essas são puramente teóricas minhas invenções - ainda não fui capaz de ouvir algo de Hildegard. Até agora eu só encontrei isso na Internet, mas aí você deve primeiro se tornar um membro do clube, e só depois ouvir. A mudança ainda não chegou a esse ponto, embora haja planos :). Mas nesta história, talvez, algo mais seja mais importante: a própria personalidade da freira, que o Papa canonizou oficialmente em 2012. E ele também escreveu sobre ela com muita emoção:

Sua história parece ainda mais marcante quando você começa a refletir sobre quais, provavelmente, as dificuldades estavam associadas àquela época não apenas com a existência de uma mulher-compositora - Senhor, isso não é um assunto fácil até agora - mas, o que há, a existência de uma mulher, PELO MENOS ALGO REPRESENTANDO VOCÊ MESMO.

Vamos tirar um retrato de Hildegard em uma mão e uma taça cheia de vinho na outra, mostrar-nos um close-up 1179 e vamos brindar a sua musicalidade excêntrica e caprichosa.

• Barbara Strozzi

Posso, claro, parecer um ignorante, mas também não ouvi a música dessa senhora e ... por algum motivo acho que esse nome também deixou um rastro mais histórico do que musical. A saber: Barbara Strozzi foi uma das primeiras a publicar os seus trabalhos não em colecções, mas como se costuma dizer - a solo, e isto já é, vejam, uma aplicação! Ela viveu e trabalhou no meu amado e amado país - Itália. Ela tinha o apelido de “The Most Virtuoso”, mas novamente parece que essa avaliação estava mais relacionada a Strozzi - a cantora. E como compositora - ela poderia competir com os muitos autores brilhantes que viveram naquela época? Em qualquer caso, Monteverdi, Bach, Vivaldi, Purcell, Handel são mundiais. Mas o nome de Barbara Strozzi não é ouvido com tanta frequência. Porém, bastante esperteza, agora, junto com você, irei escutar sua composição pela primeira vez:

Bem, como você gosta? Eu escutei muito lindo!

• Clara Schumann

Portanto, neste caso, quero apenas dizer: sim, Clara era a esposa do compositor Robert Schumann. Isso é, por assim dizer, um derivado de um nome masculino conhecido. Mas na verdade, na verdade, ao invés disso, Klara “promoveu” o marido, foi ela a primeira intérprete de suas obras. Assim como a música de Brahms, o público a ouviu pela primeira vez executada por Klara. A propósito, essas são as frases-chave - execução... Como Clara era uma pianista virtuosa, na verdade ela era uma criança prodígio, suas apresentações e turnês começaram na infância. E Clara deu seu último show aos 71 anos. Como pianista - sim, ela era famosa e bem-sucedida. Como compositora na época, eles simplesmente não a levavam a sério (isso não é negócio de mulher!). E agora a obra de Clara Schumann é interessante, mas suas obras não são executadas com muita frequência.

Como em qualquer outra área da arte clássica ocidental, existem inúmeras mulheres esquecidas, mas dignas, na história da música acadêmica.

Principalmente na história da arte do compositor.

Mesmo agora, com o número de notáveis ​​compositoras crescendo a cada ano, as obras escritas por mulheres raramente são incluídas nas programações sazonais das orquestras mais famosas e nos programas de concertos dos intérpretes mais famosos.

Quando uma obra de uma compositora se torna objeto de atenção do público ou do jornalismo, a notícia disso vem necessariamente acompanhada de tristes estatísticas.

Aqui está um novo exemplo: nesta temporada, o Metropolitan Opera interpretou o gênio Love from Afar de Kaia Saariaho - a primeira ópera, escrita por uma mulher, exibida neste teatro desde 1903. É reconfortante que as composições de Saariaho - como, por exemplo, a música de Sofia Gubaidulina ou Julia Wolf - sejam executadas com bastante frequência, mesmo sem esses feeds de notícias.

Selecionar algumas heroínas musicais menos conhecidas de uma longa lista de nomes femininos é uma tarefa difícil. As sete mulheres, das quais falaremos agora, têm uma coisa em comum - elas, em um grau ou outro, não se encaixavam no mundo ao seu redor.

Alguém apenas por causa de seu próprio comportamento, destruindo fundamentos culturais, e alguém - por meio de sua música, que não pode ser combinada com um análogo.

Louise Farranc (1804-1875)

Nascida Jeanne-Louise Dumont, ela se tornou famosa no mundo da música europeia nas décadas de 1830 e 1840 como pianista. Além disso, a reputação de performance da garota era tão alta que em 1842 Farranc foi nomeado professor de piano no Conservatório de Paris.

Ela ocupou este cargo pelos próximos trinta anos e, apesar da carga pedagógica, conseguiu se destacar como compositora. Porém, era mais provável que ela não “conseguisse mostrar”, mas “não pudesse deixar de mostrar”.

Farranc veio da mais famosa dinastia de escultores e cresceu entre as melhores pessoas da arte parisiense, então o ato de auto-expressão criativa para ela foi extremamente natural.

Durante sua vida, tendo publicado cerca de cinquenta composições, principalmente instrumentais, Madame Professor recebeu críticas elogiosas sobre sua música de Berlioz e Liszt, mas em sua terra natal Farranc era considerada uma compositora abertamente não francesa.

Na França, todo primeiro autor promissor escreveu óperas de horas de duração, e o lacônico e inspirado parisiense pela música da era do classicismo realmente contrariava a moda da época.

Errado: seus melhores trabalhos - como a Terceira Sinfonia em Sol menor -, para dizer o mínimo, não se perdem no pano de fundo dos mastodontes da época como Mendelssohn ou Schumann. Sim, e Brahms, com suas tentativas de traduzir o classicismo para a linguagem da era romântica, Farranck evitou por dez, ou mesmo vinte anos.

Dora Pejacevic (1885-1923)

Representante de uma das mais nobres famílias nobres dos Bálcãs, neta de um dos proibidos (leia-se - os governadores) da Croácia e filha de outro, Dora Pejacevic passou sua infância e adolescência exatamente como na cultura pop mundial as pessoas gostam de retratam a vida de jovens e cuidadosamente guardados por uma família de jovens aristocratas ...

A menina cresceu sob a supervisão estrita de governantas inglesas, quase não se comunicava com seus pares e, em geral, foi criada por seus pais com o objetivo de mais um casamento bem-sucedido para a família, ao invés de uma infância feliz.

Mas algo deu errado: Dora, quando adolescente, pegou fogo com as ideias do socialismo, começou a entrar em conflito constante com sua família e, como resultado, aos vinte e tantos anos, ela foi isolada do resto dos Peyachevichs até a fim de sua vida.

Isso, no entanto, só beneficiou seu outro hobby: no alvorecer da Primeira Guerra Mundial, a nobre rebelde se estabeleceu como a figura mais significativa da música croata.

As composições de Dora, igualmente inspiradas por Brahms, Schumann e Strauss, soavam extremamente ingênuas para os padrões do mundo ao seu redor - por exemplo, na época da estreia de seu antigo concerto para piano em Berlim e Paris, eles já estavam ouvindo Pierrot Lunar e Primavera Sagrada.

Mas se nos abstrairmos do contexto histórico e ouvirmos a música de Pejacevich como uma sincera declaração de amor aos românticos alemães, então será fácil perceber seu expressivo melodismo, feito em alto nível de orquestração e cuidadoso trabalho estrutural.

Praia Amy (1867-1944)

O episódio mais famoso da biografia de Amy Beach pode ser recontado da seguinte maneira. Em 1885, quando ela tinha 18 anos, os pais de Amy a casaram com um cirurgião de Boston de 42 anos. Mesmo assim, a menina era uma virtuose de tocar piano e esperava continuar seus estudos musicais e carreira artística, mas seu marido decidiu o contrário.

O Dr. Henry Harris Audrey Beach, preocupado com o status de sua família e guiado pelas idéias da época sobre o papel das mulheres na sociedade secular da Nova Inglaterra, proibiu sua esposa de estudar música e limitou suas apresentações como pianista a um concerto por ano.

Para Amy, que sonhava com salas de concerto e recitais esgotados, isso acabou sendo equivalente à tragédia. Mas, como sempre acontece, a tragédia deu lugar ao triunfo: embora Beach tenha sacrificado sua carreira artística, ela começou a se dedicar cada vez mais à escrita e agora é inequivocamente definida pela maioria dos pesquisadores como a melhor compositora americana da era romântica tardia.

Duas de suas obras principais - a Gaelic Symphony publicada em 1896 e o ​​concerto para piano que se seguiu três anos depois - são realmente belas, ainda que para os padrões daqueles anos sejam completamente desprovidas de originalidade. Mais importante ainda, na música de Beach, como se poderia supor, não há lugar para provincianismo e paroquialismo.

Ruth Crawford Seeger (1901-1953)

Ruth Crawford Seeger é muito mais famosa nos círculos de admiradores sérios, pesquisadores e simplesmente amantes da música folk americana do que no mundo da música acadêmica. Porque?

Há duas razões principais: primeiro, ela era a esposa do musicólogo Charles Seeger e, portanto, ancestral do clã Seeger, uma família de músicos e cantores que fez mais para popularizar o folk americano do que qualquer outra pessoa.

Em segundo lugar, nos últimos dez anos de sua vida, ela trabalhou de perto na catalogação e arranjo de canções gravadas em inúmeras viagens por John e Alan Lomax, os maiores folcloristas e colecionadores de música folk americanos.

Surpreendentemente, até o início de sua vida juntos, Ruth e Charles Seeger foram compositores de um sentido extremamente moderno, aplicando a palavra "folclore" à sua música com grande dificuldade. Em particular, as obras de Ruth Crawford no início dos anos 30 só podem ser comparadas com as obras de Anton Webern - e mesmo assim, apenas em termos de drama habilmente construído e material musical laconicamente concentrado.

Mas se as tradições de Webern brilham em cada nota - não importa se a música austríaca ou renascentista - então as obras de Seeger existem como se estivessem fora da tradição, fora do passado e fora do futuro, fora da América e fora do resto do mundo.

Por que um compositor com um estilo tão individual ainda não está incluído no repertório canônico modernista? Mistério.

Lily Boulanger (1893-1918)

Ao que parece, que tipo de música uma francesa eternamente doente, profundamente religiosa e patologicamente modesta da alta sociedade poderia compor no início do século passado? Isso mesmo - uma que poderia servir como uma boa trilha sonora para o Dia do Juízo.

As melhores composições de Lily Boulanger são escritas em textos religiosos, como salmos ou orações budistas, muitas vezes executadas como se por um coro indevidamente ajustado a um acompanhamento musical rasgado, não melódico e alto. Você não consegue encontrar uma analogia para essa música na hora - sim, ela é parcialmente semelhante às primeiras obras de Stravinsky e às composições especialmente ardentes de Honegger, mas nem um nem outro alcançaram tais profundezas de desespero e não caíram em tal fatalismo extremo.

Quando o compositor Gabriel Fauré, amigo da família Boulanger, estabeleceu que Lily, de três anos, tinha afinação perfeita, seus pais e a irmã mais velha dificilmente poderiam imaginar que esse dom seria corporificado em algo tão não angélico.

A propósito, sobre minha irmã. Nadia Boulanger acabou se tornando uma figura muito mais significativa na história da música. Por quase meio século - dos anos 20 aos 60 - Nádia foi considerada uma das melhores professoras de música do planeta. Tendo visões muito específicas tanto sobre a música que era nova para aquela época, quanto sobre a música no sentido literal da palavra, clássica, dura, irreconciliável e que exauria seus alunos nas tarefas mais difíceis, Nádia, mesmo para seus oponentes ideológicos, permaneceu uma exemplo de inteligência musical de memória e poder sem precedentes.

Talvez ela pudesse ter se tornado uma compositora tão importante quanto se tornou uma professora. De qualquer forma, ela começou exatamente como compositora - mas, como ela mesma admite, após a morte de Lily, algo se quebrou dentro de Nádia. Tendo vivido 92 anos, a irmã mais velha nunca atingiu o ápice das poucas obras da mais jovem, queimada pela doença de Crohn aos 24 anos.

Elizabeth Maconkey (1907-1994)

Ralph Vaughan Williams, o maior compositor britânico do século passado, foi um campeão apaixonado das tradições musicais nacionais. Assim, ele retrabalhou canções folclóricas com entusiasmo, escreveu obras corais suspeitamente semelhantes aos hinos anglicanos e, com sucesso variável, repensou a obra de compositores ingleses da Renascença.

Ele também ensinou composição no Royal College of Music de Londres, onde sua aluna favorita na década de 1920 foi uma jovem irlandesa chamada Elizabeth Maconkey.

Décadas mais tarde, ela contará que foi Vaughan Williams, mesmo sendo um tradicionalista, que a aconselhou a nunca ouvir ninguém e a compor músicas para focar apenas em seus interesses, gostos e pensamentos.

O conselho foi decisivo para Maconca. Sua música sempre permaneceu intocada pelas tendências globais da vanguarda acadêmica e pelo eterno amor inglês-céltico pelo folclore rural. Apenas em seus anos de estudante, que descobriu Bela Bartok por si mesma (uma compositora, aliás, que também trabalhou fora de quaisquer tendências óbvias), Makonki em suas obras partiu naturalmente da música madura do grande húngaro, mas ao mesmo tempo , ela desenvolveu consistentemente seu próprio estilo, muito mais íntimo e introspectivo.

Exemplos vívidos da originalidade e evolução da imaginação do compositor de Makonka são seus treze quartetos de cordas, escritos de 1933 a 1984 e juntos formando um ciclo de literatura de quarteto, de forma alguma inferior aos de Shostakovich ou Bartok.

Vitezslava Kapralova (1915-1940)

Alguns anos antes da Primeira Guerra Mundial, um discreto compositor e pianista concertista tcheco Vaclav Kapral fundou uma escola particular de música para pianistas novatos em sua cidade natal, Brno. A escola continuou a existir após a guerra, ganhando logo a reputação de uma das melhores do país.

O fluxo de quem quer estudar, e estudar especificamente do próprio Cabo, ainda que por pouco tempo, fez com que o compositor pensasse em parar com todas as demais atividades em favor do ensino.

Felizmente, sua filha Vitezslava, que naquela época ainda não havia comemorado seu décimo aniversário, de repente começou a demonstrar um talento extraordinário para a música. A menina tocava piano melhor do que muitos adultos profissionais, memorizou todo o repertório de canções clássicas e até começou a escrever pequenas peças.

O cabo desenvolveu um plano surpreendente no grau de arrogância, estupidez e comercialismo: fazer crescer de Vitezslava um verdadeiro monstro da música, capaz de substituí-lo como o principal professor da escola da família.

Claro, nada disso aconteceu. O ambicioso Vitezslava, que queria se tornar um compositor e maestro, aos quinze anos ingressou em duas faculdades correspondentes no conservatório local ao mesmo tempo. Para que uma mulher queira conduzir - isso não era visto na República Tcheca dos anos 30 antes de Kapralova.

E conduzir e compor ao mesmo tempo - geralmente era impensável. Foi para compor música que o aluno recém-matriculado começou - e de tal qualidade, tal variedade estilística e em volumes que não há realmente ninguém para comparar.

É compreensível que na série de TV Mozart in the Jungle seja Kapralova quem se torna o modelo para a heroína Lizzie, que não pode ficar parada perto: Vitezslava morreu de tuberculose aos 25 anos - mas, ao mesmo tempo, o número de as composições de sua autoria ultrapassam os catálogos de muitíssimos autores.

É lógico supor, no entanto, que essa garota fenomenal não viveu para ver o triunfo de seu compositor final.

Apesar de toda a sua qualidade formal, as composições de Kapralova são estilisticamente muito semelhantes à música do principal compositor tcheco da época, Boguslav Martin, que também era um grande amigo da família de cabos, que conheceu Vitezslava desde a infância e até conseguiu se apaixonar por ela pouco antes da morte da menina.

"É mais provável que um homem dê à luz um filho do que uma mulher escreva boa música", disse certa vez o compositor alemão Johannes Brahms. Um século e meio depois, as compositoras reúnem as maiores salas de concerto do mundo, escrevem músicas para filmes e desenvolvem importantes iniciativas sociais.

1. Cassia de Constantinopla

A freira grega Cassia nasceu em uma família rica de Constantinopla em 804 ou 805. Hoje ela é conhecida não apenas como a fundadora do convento de Constantinopla, mas também como uma das primeiras mulheres hinógrafas e compositoras.

Cássia era muito bonita e, segundo algumas fontes, em 821 até participou do show de noivas do imperador Teófilo. A menina não estava destinada a se tornar a esposa do imperador, e logo Cássia foi tonsurada freira para passar toda a vida no mosteiro por ela fundado. Lá, Cássia compôs hinos e cânones religiosos, e uma análise de suas obras contendo referências a obras de autores antigos permite tirar uma conclusão sobre a boa educação laica da menina.

Cassia de Constantinopla é um dos primeiros compositores cujas obras podem ser executadas por músicos contemporâneos.

2. Hildegarda de Bingen

A freira alemã Hildegard Bingen foi uma pessoa extraordinária não só quando se tratava de escrever música - ela também trabalhou em obras de ciências naturais e medicina, escreveu livros místicos de visões, bem como poesia espiritual.

Hildegarda nasceu no final do século 11 e foi a décima criança em uma família nobre. Aos oito anos, a menina foi criada por uma freira e aos 14 passou a viver em um mosteiro, onde estudou arte e liturgia.

A menina começou a compor música para seus próprios versos quando criança, e já na idade adulta ela colecionou suas obras em uma coleção chamada "Sinfonia Harmoniosa de Revelações Celestiais." A coleção inclui cantos, combinados em várias partes sobre temas litúrgicos.

3. Barbara Strozzi

A compositora italiana Barbara Strozzi, mais tarde apelidada de "o virtuoso", era filha ilegítima do poeta Giulio Strozzi, que mais tarde a adotou. A própria Bárbara teve quatro filhos ilegítimos de homens diferentes. A menina nasceu em 1619 em Veneza e estudou com o compositor Francesco Cavalli.

Strozzi escreveu cantatas, ariette, madrigais, e seu pai Giulio escreveu os textos para as obras de sua filha. Bárbara se tornou a primeira compositora a publicar suas obras não em coleções, mas uma de cada vez. A música de Barbara Strozzi é tocada e reeditada hoje.

4. Clara Schumann

Nasceu Clara Wieck em 1819 em Leipzig, na família do famoso professor de piano Friedrich Wieck na cidade e no campo. Desde cedo a menina aprendeu a tocar piano com o pai, e já aos 10 anos começou a se apresentar com sucesso em público.

Junto com seu pai, Clara fez uma turnê pela Alemanha, depois deu vários shows em Paris. Na mesma época, a jovem Clara começou a escrever música - seus primeiros trabalhos foram publicados em 1829. Ao mesmo tempo, o jovem Robert Schumann tornou-se aluno de Friedrich Wieck, cuja admiração pela talentosa filha do professor transformou-se em amor.

Em 1940, Clara e Robert se casaram. A partir de então, a menina começou a executar músicas escritas pelo marido, sendo muitas vezes a primeira a apresentar ao público novas composições de Robert Schumann. O compositor Johannes Brahms, amigo íntimo da família, também confiou a Clara a estreia das suas obras.

Os próprios escritos de Clara Schumann destacaram-se pela modernidade e foram considerados um dos melhores exemplos da escola romântica. Robert Schumann também apreciou muito os escritos de sua esposa, que, no entanto, insistiu que sua esposa se concentrasse na vida familiar e em seus oito filhos.
Após a morte de Robert Schumann, Clara continuou a atuar com suas obras, e o interesse por sua própria obra irrompeu com renovado vigor em 1970, quando as gravações das obras de Clara apareceram pela primeira vez.

5. Amy Beach

A americana Amy Marcy Cheney Beach é a única mulher do chamado "Boston Six" de compositores, que, além dela, incluíam os músicos John Knowles Payne, Arthur Foote, George Chadwick, Edward McDowell e Horatio Parker. Acredita-se que os compositores dos Six tiveram uma influência decisiva na formação da música acadêmica americana.

Amy nasceu em 5 de setembro de 1867 em uma família rica de New Hampshire. Desde cedo, a menina estudou música sob a orientação de sua mãe, e depois que a família se mudou para Boston, ela começou a estudar composição. O primeiro concerto solo de Amy Beach aconteceu em 1883 e foi um grande sucesso. Dois anos depois, a menina se casou e, por insistência do marido, praticamente parou de se apresentar, se concentrando em compor.

Com obras próprias, posteriormente se apresentou em turnê pela Europa e América, e hoje Amy Beach é considerada a primeira mulher que conseguiu fazer uma carreira de sucesso na alta arte da música.

6. Valentina Serova

A primeira compositora russa, nee Valentina Semyonovna Bergman, nasceu em 1846 em Moscou. A menina não conseguiu se formar no Conservatório de São Petersburgo devido a um conflito com o diretor, após o qual Valentina começou a ter aulas com o crítico musical e compositor Alexander Serov.

Em 1863, Valentina e Alexander se casaram, e dois anos depois o casal teve um filho, o futuro artista plástico Valentin Serov. Em 1867, os Serovs começaram a publicar a revista Music and Theatre. O casal manteve relações amigáveis ​​com Ivan Turgenev e Polina Viardot, Leo Tolstoy, Ilya Repin.

Valentina Serova estava bastante preocupada com o trabalho de seu marido e, após sua morte, publicou quatro volumes de artigos sobre seu marido e também concluiu sua ópera O poder do inimigo.

Serova é autora das óperas “Uriel Acosta”, “Maria D“ Orval ”,“ Miroed ”,“ Ilya Muromets ”. Além da música, ela também escreveu artigos sobre a arte de compor, publicou memórias sobre seus encontros com Leo Tolstoi e as memórias de seu marido e filho.

7. Sofia Gubaidulina

Hoje, a compositora russa Sofia Gubaidulina vive e trabalha na Alemanha, mas em seu Tartaristão natal, competições de música e festivais dedicados ao famoso nativo da república são realizados anualmente.

Sofia Gubaidulina nasceu na cidade de Chistopol em 1931. Quando menina, ela se formou no Ginásio de Música de Kazan e depois entrou no Conservatório de Kazan, onde estudou composição. Tendo se mudado para Moscou, Gubaidulina continuou seus estudos no Conservatório de Moscou e, após a formatura, recebeu uma palavra de despedida importante para si mesma do compositor Dmitry Shostakovich: "Desejo que você siga seu próprio caminho" errado "."

Junto com Alfred Schnittke e Edison Denisov, Sofia Gubaidulina fez parte da trindade dos compositores de vanguarda de Moscou. Gubaidulina trabalhou muito para o cinema e escreveu música para filmes como "Vertical", "Man and His Bird", "Mowgli", "Scarecrow".

Em 1991, Sofia Gubaidulina recebeu uma bolsa alemã e desde então vive na Alemanha, vindo regularmente à Rússia com concertos, festivais e várias iniciativas sociais.

“Na Grécia antiga, todos os harpistas eram homens e agora é um instrumento“ feminino ”. Os tempos estão mudando, e as palavras de Brahms de que “um homem prefere ter um filho do que uma mulher escrever boa música” parecem frívolas ”, disse Sofia Asgatovna em uma entrevista.