Mga publikasyon ng seksyong Arkitektura

Arkitektura sa mga pintura ng mga domestic artist

Panorama ng mga lansangan ng kabisera, mga monumento ng arkitektura, mga gusaling wala na, mga bangkang kahoy na dumadaloy sa Neva at sa Ilog ng Moscow - lahat ng ito ay makikita sa mga kuwadro na gawa ng mga masters ng urban landscape noong huling bahagi ng ika-18 - unang kalahati ng ika-20 siglo. Mga 10 artist ng genre na ito - sa materyal ng portal na "Culture.RF".

Fedor Alekseev. View ng Resurrection at Nikolsky Gates at ang Neglinny Bridge mula sa Tverskaya Street sa Moscow (fragment). 1811. State Tretyakov Gallery, Moscow

Fedor Alekseev. Red Square sa Moscow (detalye). 1801. State Tretyakov Gallery, Moscow

Fedor Alekseev. Tingnan ang Spit ng Vasilievsky Island mula sa Peter at Paul Fortress (fragment). 1810. State Russian Museum, St. Petersburg

Sinimulan ni Fedor Alekseev ang kanyang karera sa mga cityscapes ng Venice, kung saan siya nanirahan bilang isang pensiyonado mula sa Academy of Arts. Pagbalik sa Russia, nagpinta siya ng mga tanawin ng Crimea, Poltava, Orel, ngunit naging tanyag siya sa kanyang mga kuwadro na naglalarawan sa Moscow at St. Ang pinakasikat na canvases ng kanyang Moscow cycle - "Red Square in Moscow" at "View of the Resurrection and Nikolsky Gates and the Neglinny Bridge from Tverskaya Street in Moscow" - ay nakatago na ngayon sa Tretyakov Gallery. Ang pangunahing mga pagpipinta ng St. Petersburg ng artist - "View of the Spit of Vasilievsky Island mula sa Peter and Paul Fortress" at "View of the English Embankment" ay maaaring matingnan sa koleksyon ng Russian Museum.

Ang mga kuwadro na gawa ni Alekseev ay kawili-wili hindi lamang mula sa isang masining na pananaw, kundi pati na rin mula sa isang makasaysayang pananaw: halimbawa, ang pagpipinta noong 1800s na "View of the Church of Nikola the Big Cross on Ilyinka" ay naglalarawan ng isang baroque na simbahan noong huling bahagi ng ika-17 siglo. , na na-demolish noong 1933. At salamat sa pagpipinta na "View of the Kazan Cathedral", matututunan ng isa na sa una ay mayroong isang kahoy na obelisk sa harap ng simbahang ito ng St. Sa paglipas ng panahon, nahulog ito sa pagkasira, at noong 1820s ito ay inalis mula sa plaza.

Maxim Vorobiev. View ng Moscow Kremlin (mula sa gilid ng Ust'insky bridge) (fragment). 1818. State Tretyakov Gallery, Moscow

Maxim Vorobiev. Tingnan ang Kazan Cathedral mula sa kanluran (fragment). Unang kalahati ng 1810s. State Russian Museum, St. Petersburg

Maxim Vorobiev. Peter at Paul Fortress (fragment). Katapusan ng 1820s. State Russian Museum, St. Petersburg

Inilarawan din niya ang iba pang mga suburb sa Petersburg - Peterhof, Pavlovsk, Gatchina at, sa katunayan, ang Petersburg mismo. Kabilang sa mga gawa ng artist ay ang "Apollo's Cascade and the Palace", "View of the Kamennoostrovsky Palace", "View of the Big Pond Island sa Tsarskoye Selo Gardens", "Countryside Courtyard sa Tsarskoye Selo". At kahit na si Semyon Shchedrin ay isang master ng urban landscape, pininturahan niya ang mga bagay sa arkitektura sa halip na may kondisyon. Ang pangunahing pansin ng artist ay binayaran sa kalikasan - itinuturing siya ng mga kritiko ng sining na isang tagapagbalita ng lyrical landscape ng Russia.

Stepan Galaktionov. Tingnan ang Neva mula sa gilid ng Peter at Paul Fortress (fragment). 1821. All-Russian Museum of A.S. Pushkin, St. Petersburg

Stepan Galaktionov. Fountain sa parke. (fragment). 1820. Sevastopol Art Museum na pinangalanang P.M. Kroshitsky, Sevastopol

Stepan Galaktionov. Dacha sa parke (detalye). 1852. Tyumen Museum of Fine Arts, Tyumen

Si Stepan Galaktionov ay hindi lamang isang pintor at watercolorist, kundi isang napakatalino na engraver: isa siya sa mga una sa Russia na nakabisado ang pamamaraan ng lithography - pag-ukit sa bato. Ang pangunahing pinagmumulan ng inspirasyon para sa Galaktionov ay ang mga monumento ng arkitektura ng St. Lumahok siya sa paglikha ng album ng mga lithograph na "Views of the Suburbs and Suburbs of St. Petersburg", na pinangangasiwaan ng artist na si Semyon Shchedrin noong 1805. Kasama sa koleksyon na ito ang kanyang mga gawa: "View ng palasyo ng Stone Island mula sa dacha ng Count Stroganov" at "View ng Monplaisir Palace" sa Peterhof, "View ng Temple of Apollo na may Cascade sa hardin ng Pavlovsky Palace " at "Tingnan ang isang bahagi ng palasyo mula sa gilid ng isang malaking lawa sa lungsod ng Gatchina" ... Kasunod nito, nakibahagi siya sa gawain sa koleksyon na "Views of St. Petersburg and the Environs", na inilathala noong 1825 ng Society for the Encouragement of Artists.

Vasily Sadovnikov. View ng dike at ang Marble Palace (fragment). 1847. State Hermitage, St. Petersburg

Vasily Sadovnikov. Tingnan ang Neva at ang Peter at Paul Fortress. 1847. State Hermitage, St. Petersburg

Vasily Sadovnikov. View ng Neva at ang Peter at Paul Fortress (fragment). 1847. State Hermitage, St. Petersburg

Pininturahan ng self-taught artist na si Vasily Sadovnikov ang arkitektura ng St. Petersburg, habang siya ay serf pa rin ni Princess Natalia Golitsyna. Nang matanggap ang kanyang kalayaan, pumasok siya sa Academy of Arts, kung saan naging guro niya si Maxim Vorobyov.

Maraming mga tanawin ng Winter Palace ang kilala, na ipininta ni Sadovnikov sa ngalan ng mga emperador na sina Nicholas I at Alexander II. Ngunit ang pinakasikat na gawain ng artist ay ang 16-meter watercolor na "Panorama of Nevsky Prospekt", kung saan nagtrabaho siya ng 5 taon - mula noong 1830. Dito, ang pangunahing kalye ng St. Petersburg ay iginuhit sa magkabilang direksyon - mula Admiralteyskaya Square hanggang Anichkov Bridge. Inilarawan ng artist nang detalyado ang bawat bahay sa Nevsky Prospekt sa larawan. Nang maglaon, ang publisher na si Andrei Prevo ay naglabas ng hiwalay na mga bahagi ng panorama na ito sa anyo ng mga lithograph, ang serye ay binubuo ng 30 mga sheet.

Kabilang sa iba pang mga capital painting ng artist - "View ng dike at ang Marble Palace", "Court exit mula sa pangunahing pasukan ng Grand Palace sa Peterhof", "Field Marshal Hall". Sa gawaing "Pag-alis ng Stagecoach mula sa St. Isaac's Square", ang katedral ay inilalarawan kahit na sa yugto ng pagtatayo.

Bilang karagdagan sa St. Petersburg, pininturahan ni Sadovnikov ang mga tanawin ng lungsod ng Moscow, Vilnius, Helsinki. Isa sa mga huling gawa ng artist ay isang panorama ng St. Petersburg mula sa Pulkovo Heights.

Andrey Martynov. Tingnan ang palasyo ni Peter I sa Summer Garden (detalye). 1809-1810. State Hermitage, St. Petersburg

Andrey Martynov. Tingnan ang Gulpo ng Finland mula sa balkonahe ng Oranienbaum Palace (fragment). 1821-1822. Ermita ng Estado, St. Petersburg

Andrey Martynov. View ng Nevsky Prospekt mula sa Fontanka hanggang sa Admiralty (fragment). 1809-1810. Ermita ng Estado, St. Petersburg

Kabilang sa mga unang independiyenteng gawa ng master ng landscape painting na si Andrei Martynov ay ang mga tanawin ng Italyano. Matapos makapagtapos mula sa Academy of Arts, ang artista ay nanirahan bilang isang pensiyonado sa Roma. Pagbalik mula sa Italya sa kanyang tinubuang-bayan, ipininta ni Martynov ang mga tanawin ng St. Petersburg, gamit ang iba't ibang pamamaraan, kabilang ang mga watercolor at ukit. Binuksan pa ni Martynov ang kanyang sariling lithographic workshop upang mag-print ng mga ukit.

Kabilang sa mga sikat na gawa ng artist - "The Shore of the Bolshoi Embankment sa St. Petersburg mula Liteynaya hanggang Summer Garden", "Sa kahabaan ng Summer Garden hanggang sa mga gusali ng Marble Palace", "Mula sa Moshkov Lane kasama ang mga gusali ng Palasyo ng Taglamig".

Maraming naglakbay si Martynov, kasama ang embahador ng Russia na binisita niya sa Beijing. Nang maglaon, naglabas ang artist ng isang lithographic album na "A Picturesque Journey from Moscow to the Chinese Border." Sa kanyang paglalakbay, si Martynov ay gumuhit ng mga ideya para sa kanyang mga kuwadro na gawa, nakuha din niya ang mga tanawin ng Crimea at Caucasus. Ang mga gawa ng artist ay makikita sa mga koleksyon ng State Tretyakov Gallery, ang State Russian Museum at ang A.S. Pushkin.

Karl Beggrov. Sa Summer Garden (detalye). ika-1820. State Russian Museum, St. Petersburg

Karl Beggrov. Arch of the General Staff (fragment). 1822. All-Russian Museum of A.S. Pushkin, St. Petersburg

Karl Beggrov. Triumphal Gates (detalye). ika-1820. State Russian Museum, St. Petersburg

Si Karl Beggrov ay nagpinta ng mga landscape, gayunpaman, hindi katulad ng anak ng marine pintor na si Alexander Beggrov, hindi siya nagpinta ng dagat, ngunit ang mga tanawin ng lungsod. Isang estudyante ng Maxim Vorobyov, nagpinta siya ng malaking bilang ng mga watercolor at lithograph na may mga landscape ng St.

Noong 1821-1826, lumikha si Karl Beggrov ng isang serye ng mga lithograph, na kasama sa koleksyon na "Views of St. Petersburg and the Environs". Kabilang sa mga ito, halimbawa, "View of the Arch of the General Staff." Matapos ang paglalathala ng album na ito, mas nagtrabaho si Beggrov sa pamamaraan ng watercolor, ngunit nagpinta pa rin siya pangunahin sa Petersburg - halimbawa, "Sa Summer Garden" at "Triumphal Gates". Ngayon, ang mga gawa ni Karl Beggrov ay itinatago sa State Tretyakov Gallery, State Russian Museum, State Hermitage Museum at mga museo sa ibang mga lungsod.

Alexander Benois. Greenhouse (detalye). 1906. State Tretyakov Gallery, Moscow

Alexander Benois. Frontispiece para sa The Bronze Horseman ni Alexander Pushkin (detalye). 1905. State Museum of Fine Arts na pinangalanang A.S. Pushkin, Moscow

Alexander Benois. Oranienbaum (detalye). 1901. State Russian Museum, St. Petersburg

Noong 1902 sa magazine na "World of Art"

Mstislav Dobuzhinsky. Petersburg (fragment). 1914. State Tretyakov Gallery, Moscow

Mstislav Dobuzhinsky. Bahay sa St. Petersburg (fragment). 1905. State Tretyakov Gallery, Moscow

Mstislav Dobuzhinsky. Sulok ng St. Petersburg (fragment). 1904. State Tretyakov Gallery, Moscow

Si Mstislav Dobuzhinsky ay isang maraming nalalaman na pintor - siya ay nagdisenyo ng mga pagtatanghal sa teatro, naglarawan ng mga libro at magasin. Ngunit ang gitnang lugar sa kanyang trabaho ay inookupahan ng tanawin ng lunsod, lalo na gustung-gusto ng artista na ilarawan ang Petersburg - doon ginugol ni Dobuzhinsky ang kanyang pagkabata.

Kabilang sa kanyang mga gawa - "Corner of Petersburg", "Petersburg". Ang mga tanawin ng Petersburg ay makikita sa aklat na "Petersburg noong 1921", sa mga guhit sa "White Nights of Dostoevsky" at "Petersburg of Dostoevsky" ni Nikolai Antsiferov. Noong 1943, lumikha si Dobuzhinsky ng isang siklo ng mga haka-haka na tanawin ng kinubkob na Leningrad.

Tulad ng isinulat ng kritiko ng sining na si Erich Hollerbach: "Hindi tulad ni Ostroumova-Lebedeva, na pangunahing nakakuha ng kagandahan ng arkitektura ng St. Petersburg sa kanyang mga ukit at lithograph, ang artista ay tumingin din sa mababang lupain ng buhay sa lungsod, na niyayakap ng kanyang pagmamahal hindi lamang ang monumental na karilagan ng arkitektura ng St. Petersburg, kundi pati na rin ang kahabag-habag na kahabag-habag ng maruming labasan." Matapos umalis sa bansa, nagpatuloy si Dobuzhinsky sa pagpinta ng mga landscape, ngunit sa pagkakataong ito sa Lithuania at USA.

Anna Ostroumova-Lebedeva. Petersburg, Moika (fragment). 1912. Pribadong koleksyon

Anna Ostroumova-Lebedeva. Pavlovsk (fragment). 1953. Pribadong koleksyon

Anna Ostroumova-Lebedeva. Petrograd. Mga pulang hanay (detalye). 1922. State Russian Museum, St. Petersburg

Isa sa mga pangunahing graphic artist at engraver ng unang kalahati ng ika-20 siglo. Sa mga woodcuts - woodcuts, lithographs at watercolors - higit sa lahat ay inilalarawan niya ang mga tanawin ng St. Kabilang sa kanyang mga gawa ay mga guhit para sa mga aklat na "Petersburg" nina Vladimir Kurbatov at Nikolai Antsiferov "The Soul of Petersburg", watercolor na "Field of Mars", "Autumn in Petrograd", mga ukit na "Petersburg. Hardin ng Tag-init sa Taglamig "," Petersburg. Mga Rostral Columns at ang Exchange ”at iba pa.

Hindi iniwan ng artista ang kanyang katutubong Leningrad kahit na sa panahon ng pagkubkob: “Madalas akong nagsulat sa banyo. Maglalagay ako ng drawing board sa lababo at maglalagay ng inkwell dito. Sa unahan sa istante ay isang smokehouse. Dito, ang mga suntok ay mas mahina ang tunog, ang sipol ng mga lumilipad na shell ay hindi masyadong naririnig, mas madaling mangolekta ng nakakalat na mga kaisipan at idirekta ang mga ito sa tamang landas. Ang mga gawa ng panahong ito - "Summer Garden", "Rostral Column" at iba pa - ay nai-publish sa anyo ng mga postkard.

V Lagi bang mas gusto ng isang pintor na purihin ang kalikasan, kung masasabi ko, sa pinakadalisay nitong anyo, nang walang mga gusaling arkitektura? Hindi laging. Pagkatapos ng lahat, binubuhay ito ng mga gusali, nagbibigay ng bagong kahulugan. Kahit na hindi isang makasaysayang at masining na halaga, sila, sa pagkakaisa sa nakapaligid na lugar, ay nakakakuha ng isang espesyal na pagpapahayag, ay itinuturing na isang mahalaga, at kung minsan ang pangunahing link ng komposisyon.

Ang iba pang mga masters ay inspirasyon ng urban landscape, kapag ang pangunahing lugar ay kabilang sa pagpipinta, sketch, pagguhit hindi sa kalikasan, ngunit sa mga gusali ng arkitektura.

Maraming mga istrukturang kahoy at bato ang maganda sa anumang panahon. Ngunit sa taglamig sila ay higit na "nakikita" - hindi sila natatakpan ng mga puno at palumpong, ang takip ng niyebe ay nagtatago ng lahat ng mga nakakagambalang detalye.

Gayunpaman, mahirap magtrabaho sa labas sa oras na ito ng taon: ito ay malamig o kahit na mayelo. Nag-freeze ang mga kamay, lumakapal ang mga kulay. Gayunpaman, alam namin ang maraming magagandang gawa kung saan inaawit ang mga landscape ng taglamig. Totoo, hindi lahat ng mga ito ay nilikha sa bukas na hangin, ngunit isinulat sa studio batay sa mga sketch, mula sa memorya o mula sa isang window.

Ang canvas ni S. Svetoslavsky ay tinatawag na "Mula sa Window ng Moscow School of Painting". Ito ay ginawa, gaya ng sinasabi nila, nang buo: ang mga volume, kulay, texture ng mga bagay ay naihatid nang may sukdulang katumpakan. Ang bubong ng kampanilya ng tolda, mga berdeng bombilya ng simbahan, mga tambol na pinalamutian ng stucco molding, maluwag na niyebe, puting pader ng mga bahay ay malinaw na nakasulat. Para sa lahat ng iyon, ang larawan ay hindi nangangahulugang naturalistic. Naglalaman ito ng mga tula ng isang tahimik na araw ng taglamig, kapag ang bughaw na kalangitan ay nagniningning sa pamamagitan ng nagyeyelong ulap, at ang mga sinag ng mababang araw ay ginintuan ang mga bubong na natatakpan ng niyebe. Kapag ang kulay abong manipis na ulap ay kulot mula sa mga tubo at ang distansya ay nalunod sa isang malamig na ulap. Isang tanawin na puno ng kalawakan, hangin, ang pintor ay pinapanood mula sa bintana araw-araw, ngunit pininturahan niya ito nang sariwa, maringal at makulay, na parang nakita niya ito sa unang pagkakataon.

Kung ang canvas ni Svetoslavsky ay nagbibigay ng ideya ng sukat ng Moscow, ang hitsura nito isang siglo na ang nakalilipas, kung gayon ang pagpipinta ni N. Goncharova ay dadalhin ang manonood sa lungsod ng simula ng ating siglo, sa mga sangang-daan ng makitid na maginhawang mga kalye. Ang bagong bumagsak na niyebe ay ginawang ulap ng mga ulap ang mga puno, maingat na tinakpan ang mga bubong, mga simento at mga langitngit sa ilalim ng mga tumatakbo.

Ito ay hindi na isang natural na tanawin, ngunit isang pagpipinta na ginawa mula sa isang impresyon. Ito ay pandekorasyon, tabas, nakasulat sa isang pangkalahatang paraan, nang walang pagpaliwanag ng mga detalye. Gamit lamang ang ilang mga kulay, nalampasan ni Goncharova
pansin sa aerial perspective, tonal at color nuances - mahalaga para sa kanya na makuha ang pangkalahatang impression ng kanyang nakita, upang lumikha ng isang imahe ng taglamig ng Moscow.

Ang pagpipinta ni P. Konchalovsky "Pharmacy on Sadovaya" ay nalutas sa isang ganap na naiibang paraan. Ang diskarte sa kalikasan dito ay plein air: ang artista ay naghahatid ng mga epekto na katangian ng isang bukas na espasyo - isang kayamanan ng mga kulay at lilim, ang pakiramdam ng pagbuhos mula sa lahat ng panig ng mundo. Ito ay isang sketch sa pamamaraan ng alla prima - nilikha kaagad, sa isang pag-upo, sa isang hininga.

Gayunpaman, hindi inilarawan ng artista ang unang bagay na nakakuha ng kanyang mata. Naakit siya sa sulok ng lumang lungsod, ang liriko ng isang taglamig na hindi masikip na kalye na may mga hubad na puno at maliliit na squat na bahay. Ang lumang gusali, kung saan matatagpuan ang parmasya, ay sumasakop sa isang sentral na lugar sa komposisyon. Ang mga puno sa foreground ay nagpapahusay sa kahulugan ng lalim ng espasyo, nagsisilbing tuning fork para sa mga setting ng tonal at kulay, para sa pagtukoy sa laki ng mga gusali.

Upang makabisado ang lapis at pintura, kapaki-pakinabang na maingat na pag-aralan ang mga gawa ng mga masters. Sa paggalang na ito, maraming masasabi ang sketch ni Konchalovsky: paano nagtrabaho ang artist gamit ang isang brush? Ano
mas madilim - mga bubong at kalye na nababalutan ng niyebe o maulap na kalangitan? Ito ba ay whitewash painted snowdrifts lamang? Paano niya itinuro ang brush kapag naglalarawan siya ng mga puno - mula sa itaas hanggang sa ibaba o mula sa ibaba hanggang sa itaas? At ano ang una mong inilalarawan - ang langit o ang mga puno?

Ihambing ang gawa ni P. Konchalovsky sa pagpipinta ni K. Yuon "Morning of Industrial Moscow". Sila ba ay ganap na naiiba, hindi ba? Ang una ay silid sa kalikasan, ang tanawin ay limitado sa isang maliit na espasyo. At ang pagpipinta ni Yuon ay isang maringal na panorama.

Bago sa amin ay ang kabisera ng mga unang taon pagkatapos ng digmaan. Ang mahigpit na mga silhouette ng mga tsimenea, mga gusali ng pabrika, mga hangar ay sinasabayan ng mga masiglang pigura ng mga manggagawa. Maraming mga patayong linya ang sumasalungat sa mga pahalang, na lumilikha ng isang balanseng plastik. Ang mga usok ay tila nagiging mga tupa ng ulap at nakakalat sa kalangitan. Ang mga matataas na puno sa kanan at kaliwa, kumbaga, ay nagkakaisa sa itaas at ibabang bahagi ng komposisyon at sa parehong oras, kasama ang mga kakaibang balangkas ng mga sanga, ay binibigyang diin ang kalubhaan ng pang-industriya na tanawin.

Kino-frame ni Yuon ang imahe upang magsimula ito sa pangalawa plano: nagbibigay-daan ito sa iyo na maiwasan ang pagpapakita ng mga hindi kinakailangang detalye at ituon ang atensyon ng manonood sa pangunahing bagay. Ang araw sa umaga ay nagbukas ng isang fan ng ginintuang sinag sa ibabaw ng kalawakan, na nagdadala ng solemnidad sa tanawin. Kung hindi pinili ng master ang counter- openwork lighting, na ginagawang ang mga gusali at figure ng mga tao ay parang mga silhouette, at ginustong side lighting, na tumutuon sa mga volume at mga katangian ng kulay ng mga bagay, ang impresyon ng canvas ay magiging mas malakas. Ngayon ito ay tunay na monumental - salamat sa mahigpit na komposisyon, na natatakpan ng isang malinaw, malinaw na ritmo, ang katatagan ng karamihan sa mga bagay, ang mataas na abot-tanaw, at ang kalmadong pagtula ng mga stroke. At sa likas na katangian ng pagpipinta ito ay kahawig ng isang mosaic.

Sariling, kakaibang paraanmga liham mula kay V. Byalynitsky-Birul. Ang kanyang mga tanawin ay patula, puno ng tahimik na kalungkutan. Tila sila ay nababalot ng isang magaan, banayad na ambon, kung saan ang mga balangkas at hugis ng mga bagay, ang mga kaibahan ng liwanag at anino, ang ningning ng mga kulay ay lumambot. Ngunit ang pagpipinta ay tumatagal ng isang espesyal na kabuuan, pagkakumpleto.

Inilarawan ng artista ang bahay kung saan nakatira ang dakilang Lenin hanggang kamakailan. Parehong ang gusali at lahat ng bagay sa paligid nito ay mukhang kasama nito. Isang bahay na itinayo sa istilo ng klasikong Ruso noong huling bahagi ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo, isang malaking parang na natatakpan ng niyebe, liwanag- ang kulay abong kalangitan ay pinananatili sa isang katulad na sukat ng kulay at tono, ang tunog nito ay pinahusay ng mga madilim na lugar ng mga puno ng fir. Ang puno ng puno sa harapan ay parang laso ng pagluluksa. Isipin ang isang komposisyon na walang detalyeng ito - mawawala ang spatial depth, integridad, expressiveness.

Minsan ang mga baguhan na artista ay nagtatanong: kung saan hahanapin ang mga kagiliw-giliw na motibo? Sa pagkakataong ito, ang pintor ng Moscow na si I. Sorokin ay nagsabi: "Sa maraming paglalakbay sa buong bansa, natanto ko na ang aking pangunahing tema ay
gitnang guhit ng Russia. Ang mga lumang lungsod ng Russia, pati na rin ang mga kalapit na nayon, nayon, ay ganap na pinupuno at binihag ang aking malikhaing imahinasyon. Ngayon kahit papaano ay hindi ito humihila sa malalayong lupain. Kanina parang may makikita kang kakaiba doon. Pero parang ganun lang. At lahat ng hindi pangkaraniwan, kawili-wili ay malapit sa amin, kasama namin, kailangan lang itong makita."

Ang tanawin ng Sorokin na "Winter in Suzdal" ay naglalaman ng kagandahan ng lungsod kasama ang maraming sinaunang monumento, maraming kulay na dome, bubong at dingding. Ang mga snowdrift, mga gusali, mga puno ay nililok nang matatag, na may matapang, libreng mga stroke. Mahusay na napili ang viewpoint ng Nativity Cathedral at mga nakapalibot na gusali. Ang pananaw ng kalye, mga bakod, mga puno ay iginuhit ang aming tingin sa gitnang bahagi
ang sinaunang lungsod at sa parehong oras ay pinapanatili ang buong komposisyon. Ang kaliwang bahagi ng canvas ay biswal na mas puno kaysa sa kanan, na nagbibigay sa tanawin ng higit na kasiglahan at pagiging natural.

Paano nakamit ng artist ang gayong pagkakapare-pareho ng lahat ng elemento ng imahe? Una sa lahat, nakita niya ang kalikasan sa pagkakaisa sa kapaligiran, agad na niyakap ang buong tingin nito, agad na inihambing ang mga proporsyon, volume, kulay.

Ang mga gusali ng arkitektura ay maaaring hindi lamang isang mahalagang bahagi ng tanawin - kanayunan, lunsod o bayan, pang-industriya. Sa maraming mga pagpipinta, nauugnay ang mga ito sa isang eksena sa genre. Halimbawa, ang akda ni V. Telin na "The House Was Empty" ay nagpapakita ng kaugnayan sa pagitan ng isang tao at ng kanyang tahanan, na tungkol sa
maraming masasabi. Tungkol sa kung ano ang itinayo ng mga masters ng kanilang craft. At pinalamutian ng pagmamahal at panlasa. Na ito ay nagsilbi sa mga tao sa mahabang panahon. Ngunit ang mga may-ari ay wala na, ang luma, okay pa rin, ang matibay na bahay ay walang laman - at ang mga bintana na may magagandang inukit na mga platband ay pinupukpok ng mga tabla ...

Mayroong isang walang katapusang bilang ng mga halimbawa ng pinaka magkakaibang mga solusyon sa landscape ng arkitektura. Kung kayo, mahal na mga batang artista, ay nadadala sa paksang ito - at imposibleng hindi madala - pagkatapos ay sa
Sa una, gumuhit gamit ang isang lapis, pintura gamit ang mga watercolor at langis sa mga gusali na hindi masyadong kumplikado sa hugis at palamuti. Subukan munang maunawaan ang istraktura ng gusali, ang ratio ng mga volume nito at mga nakapalibot na bagay. Kapag naglalarawan ng isang lumang simbahan, mga silid, mga pader ng kuta, bigyang-pansin ang kanilang pagsasama inumin hawakan natin ito - ang mga sinaunang arkitekto ay palaging nakikita ang arkitektura sa pagkakaisa sa kalikasan.

Ang sarili nitong tula sa mga gusali ng pabrika, ang elevator ng sakahan ng estado, ang thermal power station na may mga squat cooling tower nito at mga payat na tubo. Pumili ng punto ng view na pinakamahusay na nakakakuha ng mga katangian ng arkitektura. Ito ay kagiliw-giliw na gumuhit at umihi ng parehong motibo sa iba't ibang oras ng taon at sa ilalim ng iba't ibang mga kondisyon ng pag-iilaw.

Habang nagtatrabaho, hindi ka lamang nakakabisado ng mga graphic at pictorial skills - tila nakapasok ka sa plano ng arkitekto at, tulad niya, nagtayo ng mga dingding at bubong sa papel o canvas, pinalamutian ang istraktura ng mga ukit o stucco molding.

Sikaping maiparating ang katatagan, ang bigat ng gusali o ang adhikain paitaas, ang kahangin. Tingnan ang harapan ng gusali - isipin ang mga dingding sa gilid at likod nito, at ilapat ang mga stroke o stroke, na isinasaalang-alang ang istraktura, mga tampok ng brickwork, mga log, reinforced concrete blocks.

Ang arkitektura ay nakapaligid sa amin sa lahat ng dako. Tayo, maaaring sabihin, ay nabubuhay sa mundo ng arkitektura na dumating sa atin mula noong sinaunang panahon at patuloy na nagbabago ng hitsura nito. Ang ilarawan ang mundong ito ay isang lubhang kapana-panabik na gawain,
kapana-panabik. Sa bawat kaso, mayroon itong sariling mga katangian at sariling solusyon.

Nais ka naming malikhaing tagumpay!

A. Alekhin

Magazine "Young Artist" # 12, 1987

Isa pang master class

Sa pamamagitan ng malambot na materyales dito ang ibig sabihin namin ay mga lapis 3B at mas malambot, pinindot na uling, sanguine, sarsa, sepia, chalk, pastel. Kung mas malambot ang materyal, mas malambot ang dapat itong hawakan ang papel. Mas mainam na burahin ang mga nabigong lugar sa simula gamit ang isang napkin o isang nug, pagkatapos ay may isang pambura. Ang ilan sa mga materyales na ito ay maaaring gamitin sa basang papel: sarsa, sanguine, sepya. Maaari din silang i-rubbed sa alikabok, diluted na may tubig sa anumang proporsyon at nagtrabaho sa isang brush. Ang mga halimbawa ng mga tiyak na paraan ng trabaho ay ibibigay sa ibaba.
Hindi karaniwan para sa mga nagsisimula na magkaroon ng hindi magandang pag-uugali sa mga materyales, halimbawa, na may limitadong oras sa isang malaking sheet ng papel, ang pagguhit ay ginagawa gamit ang isang matigas na lapis. Sa kawalan ng karanasan, ang proseso ng trabaho ay nagiging mahirap at ang buong resulta ay nagiging hindi matamo. Ang malalaking sketch ay may positibong epekto sa pagbuo ng isang pakiramdam ng pagiging buo, at natural na gawin ang mga ito gamit ang nababaluktot, naitataas na mga materyales tulad ng sanguine, charcoal, sepia, atbp. Ang ganitong malalaking sketch ay ginagawa sa haba ng braso.

Panloob na pagguhit.

Ang imahe ng mga interior mula sa kalikasan ay may sariling mga katangian. Una, kasama sa interior ang mga spatial plan. Ang draftsman ay dapat makahanap ng isang punto upang ang arkitektura sa pagguhit ay nababasa at may tamang proporsyon ng pangkalahatan at detalye. Kasabay nito, para sa napakalaking mga puwang kinakailangan na "iwasto" ang nakikitang pananaw sa paraang may mas kaunting pagbaluktot. Upang gawin ito, posible "sa pamamagitan ng mata" na bumuo ng isang malawak na anggulo na pananaw na may tatlo o higit pang mga nawawalang punto sa abot-tanaw, at ang mga vertical ay iginuhit nang mahigpit na parallel. Ang mga interior ng silid ay inilalarawan mula sa isang normal na pananaw. Ang lokasyon ng horizon line ay napakahalaga - sa antas ng mata ng isang nakatayong tao, o isang nakaupong tao. Sa mga bihirang kaso, ang isang horizon line ay ginawa malapit sa sahig, upang magbigay ng isang espesyal na monumentality sa bagay. Pangalawa, ang interior ay may iba't ibang mga mapagkukunan ng ilaw at kung minsan ay maraming mga light point na "gumagana". Sa anumang kaso, kailangan mong bantayan ang aerial na pananaw na umaakma sa linear. Ang foreground ay ginawang pinakakabaligtaran, habang lumalayo ka, ang liwanag ay itinatanghal na mas madilim, ang mga anino ay mas magaan, at lahat ng iba pang mga tonal na relasyon ay lumalapit. Pangatlo, ang mga bagay sa interior ay naiiba sa kulay (mula puti hanggang itim) at texture (kahoy, marmol, metal)
Para sa mga cursory sketch, gumamit ng linya. Ngunit ang linya, tulad nito, ay kondisyon lamang na tumutukoy sa mga hangganan ng bagay, nang hindi nagbibigay ng ideya ng kulay at mga katangian ng texture nito. Samakatuwid, ayon sa unang linear sketch, maaari mong agad na maglagay ng isang magaan na tono na may isang balahibo o suede, na sinubukan ito dati sa isang palette. Limitado din ang mga kakayahan ng linya sa paglilipat ng totoong volume. Alam namin ang napakatalino na mga linear na guhit ng mga interior ng mga arkitekto tulad ng Voronikhin, Thomas de Thomon, Cameron, Zholtovsky, Noakovsky.
Ang itim-at-puting pagguhit ay nagpapahayag hindi lamang sa kondisyong katangian ng pag-iilaw, ngunit higit pa. Bago gumawa ng gayong pagguhit, kailangan mong pag-isipan kung paano gamitin ang pag-iilaw sa interior nang mas epektibo, kung paano pinakahayag na ihayag ang mga light plan. Kung ang liwanag ay dumaan sa mga bintana, o ito ba ay nakakalat na liwanag, kung ang liwanag ay nagmumula sa mga chandelier - sa bawat kaso, isang qualitatively bagong solusyon sa disenyo ay kinakailangan. Para sa mga panloob na guhit, mainam na gumamit ng tinted na papel, na may inaasahan na sa huling yugto ng trabaho na may tisa upang gumawa ng mga suntok sa mga punto ng liwanag.
Ang isang napakatalino na halimbawa ng black-and-white interior designs ay ang mga drawing nina Gonzago, Premazzi at Piranesi.

Pagguhit ng landscape na may arkitektura.

Kinakailangan na gumuhit sa hangin sa iba't ibang panahon at sa iba't ibang oras - pagkatapos ay makikita natin ang parehong arkitektura sa iba't ibang pag-iilaw, at mas madaling mahuli ang pangunahing bagay. Dito kinakailangan din na bumuo ng isang imahe sa pananaw, na tumutukoy sa kaugnayan ng mga spatial na plano sa abot-tanaw at ang nawawalang punto at ang posisyon ng lahat ng mga bagay sa kalawakan. Subukan munang balangkasin ang mismong hugis ng mga gusali, na hindi nakasalalay sa pag-iilaw. Sa takbo ng araw, magbabago ito sa lahat ng oras at kailangan mong tandaan at mabilis na ayusin ang pinaka-kanais-nais na posisyon sa sheet, o mula sa simula ay ipinapalagay mo ang nagkakalat na pag-iilaw mula sa isang maulap na kalangitan. Una sa lahat, gumawa ng malalaking plano, magpasakop at iugnay ang mas maliliit na porma at detalye sa kanila. Maipapayo na gumuhit sa iba't ibang laki ng papel upang ang arkitektura ay lumilitaw na nasa ibang sukat. Mas madaling magsimula sa mga cityscape sa isang maaraw na araw, kapag ang ilaw ay mas matatag at ang cut-off ratio ay bahagyang nagbabago. Ang mga halimbawa ng naturang mga gawa ay mga guhit ni M. Vorobiev, F. Alekseev, I. Charlemagne at iba pa.

Pagguhit ng arkitektura sa isang landscape (mula sa sarili kong karanasan).


Pinipili ko ang format ng papel at agad na i-sketch ang komposisyon sa sheet sa sepia (nang walang lapis): kung magkano ang lupa, magkano ang arkitektura at kung magkano ang kalangitan. Kadalasan ang lugar ng langit sa sheet ay mas malaki kaysa sa lupa (masama ito kapag lumabas ito pareho). Sa unang yugto, ang mga problema sa pag-iilaw at mga ugnayan ng tonal ay "pinananatili sa isip" - ang mismong hugis ng lupa at arkitektura ay inilarawan sa pamamagitan ng mga pinasimpleng anyo na walang mga detalye - isang eroplano, isang prisma, isang silindro, atbp. Para sa kalinawan ng komposisyon, ang unang sketch ay dapat na maliwanag ngunit magaan.
Pagkatapos ay magsisimula ang pag-aaral ng mga pangunahing detalye at ang pagpapaliwanag ng pangkalahatang anyo sa tono. Maaari mong i-type ang grated sepia na may blending o suede at madali, nang walang rubbing ito sa papel, ilapat sa mga lugar na kinakailangan para sa komposisyon. Sa diffused lighting, ito ay, una sa lahat, mga pagbubukas, na may sikat ng araw - din ang mga pangkalahatang hangganan ng kanilang sariling mga anino. Ang mid-tone ng earth ay karaniwang mas madilim kaysa sa mid-tone ng architecture. Ang karagdagang pagdedetalye at pagpapaliwanag sa tono ay isinasagawa alinsunod sa isang linear at aerial na pananaw. Sa parehong oras, mas mabuti sa isang pagkakataon, ang kalangitan ay ginagawa: ang estado ng mga ulap sa pananaw at pag-iilaw, at ang arkitektura ay kinukumpleto laban sa background ng kalangitan. Sa buong trabaho, ang arkitektura ay nananatiling pangunahing elemento ng komposisyon. Laging ipinapayong gawin sa huling yugto na gumawa ng isa o dalawa sa pinakamaliwanag na lugar at isa o dalawa sa pinakamadilim, habang pinapataas ang mga contrast sa harapan. Mas malapit sa mga gilid ng sheet, ang mga kaibahan ay humina. Ang entourage (kalikasan, mga tao) sa naturang mga guhit ay katamtaman sa tono at higit pa o mas karaniwan, iyon ay, ito ay "naglalaro kasama" sa arkitektura. Ang linear stage at mga detalye ay ginagawa lamang gamit ang isang sharply honed sepia stick. Para sa halos lahat ng mga paksa, ang papel ay maaaring kunin na may isang magaspang na texture. Pagkatapos ang malayong mga plano ay ginawa gamit ang isang balahibo, at ang foreground ay mababaw, upang ihatid ang isang magaspang na texture (bark ng puno, mga dingding ng mga boulder, lupa, atbp.). Kung kukuha ka ng tinted na papel - madilaw-dilaw, kulay-abo, kayumanggi, atbp. - pagkatapos sa huling yugto, maraming mga accent ang ginawa gamit ang chalk o likidong whitewash na may brush. Ang puti ay ginagamit sa dalawang paraan: alinman bilang isang highlight, o bilang isang light plane. Ang liwanag na nakasisilaw ay hindi gaanong mahalaga sa lugar, ngunit maliwanag sa intensity. Ang mga magaan na eroplano ay hindi gaanong maliwanag, ngunit mas malaki ang lugar. Sa parehong mga kaso, ang mga light spot na ito ay naiiba sa intensity at isa sa mga ito ang ginawang pinakamaliwanag. Ang pangkalahatang tono ng kalangitan ay may posibilidad na maging mas magaan kaysa sa anupaman.

Pagguhit ng isang tanawin na may mga elemento ng arkitektura.

Maaari naming lalo na isaalang-alang ang mga guhit ng landscape, kung saan ang arkitektura sa komposisyon ay gumaganap lamang ng isang accent na nagbibigay-diin sa kagandahan ng landscape. Sa ganitong mga guhit, ang sukat ng isang elemento ng arkitektura at landscape ay lalong mahalaga. Ang gawain dito ay upang ipakita kung gaano kaganda ang arkitektura na umaangkop sa kalikasan at sa parehong oras ay naiiba mula dito. Ang texture ng kalikasan ay walang katapusan na iba-iba: langit, mga dahon, mga puno, lupa, mga bato, atbp. sa kaibahan sa higit pa o mas kaunting texture sa arkitektura. Ang mga detalye ng arkitektura ay gumaganap ng isang espesyal na papel dito. Ang ganitong mga guhit ay ginawa, bilang panuntunan, sa isang malalim na tono - mula sa puti hanggang sa pinakamadilim, ngunit ipinapayong wala kahit saan na maabot ang ganoong antas ng kadiliman kapag ang materyal ay hindi na "gumagana".

mga tanawin ng arkitektura, mga obra maestra ng pagpipinta sa mundo, mga pagpipinta ng mga artista ng nakaraan

Tulad ng alam mo, ang arkitektura at pagpipinta ay nauugnay sa pagsilang ng pagpipinta ng langis, dahil ang sining ng arkitektura ay mas matanda. Ang mga sinaunang Griyego na arkitekto ay nakipaglaban para sa katumpakan at kahusayan ng pagkakayari na mga tanda ng sining ng Griyego sa pangkalahatan. Ang mga pormula na kanilang naimbento noong ika-anim na siglo BC ay nakaimpluwensya sa arkitektura ng nakalipas na dalawang milenyo. Sapat na itong alalahanin ang dalawang pangunahing mga order sa Archaic at Classical Greek architecture - ang Doric order at ang Ionic order. Ang arkitektura ng buong Kanlurang mundo ay nakakuha ng inspirasyon mula sa mga klasikong Griyego. Maraming mga artista sa ika-19 na siglo ang umibig sa Romano at Griyegong mga canon ng kagandahang arkitektura (mga pantasyang arkitektura ni Thomas Cole), hinangaan ang kanyang kontemporaryong arkitektura, o mahilig sa kakaibang Islamic (Alberto Pasini, Jerome Jean-Leon at iba pa) at arkitektura ng India (Lord Edwin Weeks at iba pang mga artista) ... Ang seksyong ito ay naglalaman ng isang maliit na bahagi ng mga obra maestra ng pagpipinta ng mundo na nakatuon sa arkitektura. Ang mga pagpipinta na may arkitektura ay palaging hindi lamang mga obra maestra ng sining, kundi isang pagkakataon din na bumagsak sa kasaysayan, tulad ng naisip ng mga artista ng mga nakaraang siglo.

Architectural Dreams, Thomas Cole (USA)

1840, x, m,

pintor: Thomas Cole

[antigong arkitektura, gusali, bahay]

mga larawan sa seksyon:

Ito ay kawili-wili:

Mga uri ng regalo

Ang isa sa mga pinakamahusay na elite na regalo ay itinuturing na larawan ng may-akda o isang mahusay na ginawang kopya, sa ibaba ay isang artikulo sa mga uri ng mga regalo: symbolic, author's, comic, universal, monetary, atbp.

Ang iniharap na regalo ay nagpapahayag, una sa lahat, ng pansin sa taong pinagkalooban. Kasabay nito, ang pagnanais na gumawa ng isang kaaya-ayang regalo ay higit na mahalaga kaysa sa kabutihang-loob na ipinakita.

Ang lahat ng mga regalo ay maaaring halos nahahati sa ilang mga uri:

1. Simbolikong mga regalo.

Noong sinaunang panahon, itinuturing na ipinag-uutos na malaman ang mga simbolikong kahulugan ng anumang mga regalo. Pagkatapos ay kaugalian na iharap bilang mga regalo ang mga semiprecious at mahalagang bato, mga kulot ng buhok, mga bouquet ng ilang mga species ng halaman, mga pitaka na may burda na mga kuwintas, atbp. Ngayon, ang gayong simbolismo ay hindi na uso at ang kahulugan ng pagtatanghal ay nakasalalay sa mga pangyayari . Kapag nagtatanghal, sulit na maghanda ng isang kasamang talumpati o isang postkard nang maaga upang agad na maunawaan ng tatanggap ang kahulugan.

2. Mga regalo sa komiks.

Ang mga presentasyong ito ay nagbibigay sa tatanggap ng maraming kaaya-ayang minuto, ngunit dapat silang maingat na piliin. Ang mga cool na regalo ay maaaring hindi naaangkop kung ang taong niregalo ay walang sense of humor o kung hindi sila tumutugma sa setting kung saan ginaganap ang pagdiriwang. Ang mga regalo sa komiks ay iniharap sa mga malapit na kaibigan o kamag-anak, ngunit mas mahusay na maiwasan ang mga bulgar na pahiwatig.

Kasama sa ganitong uri ang mga bagay na ginawa ng kamay: pagbuburda, niniting na damit, mga produktong gawa sa kahoy, mga huwad na panloob na bagay, atbp. Ang lahat ng mga katangian ng regalo ay nakasalalay lamang sa mga kakayahan ng may-akda. Kamakailan, ang mga naka-print na produkto, halimbawa, isang kalendaryo na may larawan ng tatanggap, ay nagsimulang maiugnay sa mga presentasyon ng may-akda. Mas mainam na ilakip ang isang postkard na may pagbati sa gayong regalo.

4. Mga bagay na kailangan.

Kasama sa gayong mga regalo ang mga bagay na kailangan sa pang-araw-araw na buhay, halimbawa, isang bag, damit na panloob, sapatos, mga pampaganda. Ang mga ito ay ipinakita lamang ng mga kamag-anak at malalapit na kaibigan. Hindi ka dapat magbigay ng gayong mga regalo sa mga hindi pamilyar na tao, dahil maaari silang maging sanhi ng isang pakiramdam ng awkwardness, bilang karagdagan, maaari kang magkamali sa laki.

5. Regalo ng isang panaginip.

Para sa bawat tao, ang pinaka-kanais-nais na regalo ay ang katuparan ng isang minamahal na pangarap, ngunit bihirang sinuman ang tumatalakay sa mga naturang paksa, kahit na sa mga malapit na tao. Kinakailangan lamang na magbigay ng gayong regalo kung lubos kang sigurado na ang partikular na bagay na ito ang gustong matanggap ng tatanggap. Sa panahon ng pagtatanghal, dapat kang gumawa ng isang talumpati na inihanda nang maaga, habang ipinapahayag ang pag-asa na ang natanggap na bagay ay talagang malulugod.

6. Isang unibersal na regalo.

Kasama sa iba't ibang ito ang isang pangkat ng mga neutral na item na ipinakita bilang isang regalo sa mga kaso kung saan ang kagustuhan ng tatanggap ay hindi alam. Kabilang dito ang mga souvenir, bulaklak, plorera, ashtray, baso ng alak, mga kagamitan sa hapunan, notebook, at kendi.

7. Isang cash na regalo.

Hindi pa katagal, nakaugalian na ang pagbibigay ng pera bilang regalo para sa isang kasal, ngunit ngayon ang gayong mga regalo ay ibinibigay din sa iba pang mga pagdiriwang. Ang isang cash na regalo ay partikular na nauugnay para sa mga taong nakakaranas ng ilang materyal na kahirapan. Sa kasong ito, ang mga perang papel na ipinakita bilang isang regalo ay dapat na malaki ang denominasyon at bago. Inilagay nila ang mga ito sa isang blangkong sobre o isang espesyal na postcard na may bulsa.

Anuman ang uri ng regalo ay pinili, dapat mong isipin ito nang maaga, kung hindi man sa huling sandali ang kinakailangang bagay ay maaaring hindi matagpuan.

Na-upload ni: VolkovaMarina

Ang tema ng landscape bilang isang genre ng fine art ay ang lokalidad. Ang salitang "landscape" ay isinalin mula sa French bilang "locality, country". Pagkatapos ng lahat, ang isang tanawin ay hindi lamang ang imahe ng kalikasan na pamilyar sa atin. Ang tanawin ay maaari ding urban (arkitektural, halimbawa). Sa urban landscape, ang isang dokumentaryo na tumpak na imahe ay nakikilala - "lead".

At kung pinag-uusapan natin ang natural na tanawin, mayroong isang hiwalay na seascape, na tinatawag na "seascape" (ayon dito, ang mga artist na naglalarawan sa dagat ay tinatawag na "seascape painters"), space (ang imahe ng makalangit na espasyo, mga bituin at mga planeta).
Ngunit ang mga landscape ay naiiba din sa mga tuntunin ng oras: moderno, makasaysayang, futuristic na mga landscape.
Gayunpaman, sa sining, anuman ang tanawin (totoo o kathang-isip) ay palaging isang masining na imahe. Kaugnay nito, mahalagang maunawaan na ang bawat artistikong istilo (classicism, baroque, romanticism, realism, modernism) ay may sariling pilosopiya at aesthetics ng landscape painting.
Siyempre, unti-unting umunlad ang genre ng landscape, tulad ng pag-unlad ng agham. Tila, ano ang karaniwan sa pagitan ng landscape at agham? Maraming pagkakapareho! Upang lumikha ng isang makatotohanang tanawin, ang isa ay dapat magkaroon ng kaalaman sa linear at aerial na pananaw, proporsyonalidad, komposisyon, chiaroscuro, atbp.
Samakatuwid, ang genre ng landscape ay itinuturing na isang medyo batang genre sa pagpipinta. Sa loob ng mahabang panahon, ang landscape ay isa lamang "auxiliary" na ibig sabihin: ang kalikasan ay inilalarawan bilang isang background sa mga portrait, icon, sa mga eksena sa genre. Kadalasan siya ay hindi totoo, ngunit idealized, pangkalahatan.
At kahit na ang tanawin ay nagsimulang umunlad sa sinaunang sining ng Silangan, nakakuha ito ng isang independiyenteng kahalagahan sa sining ng Kanlurang Europa simula noong mga siglo XIV.
At magiging lubhang kawili-wiling malaman kung bakit nangyari ito. Sa katunayan, sa oras na ito, alam na ng isang tao kung paano maayos na ilarawan ang mga abstract na ideya, ang kanyang hitsura, kanyang buhay, mga hayop sa mga graphic na simbolo, ngunit nananatili siyang walang malasakit sa kalikasan sa loob ng mahabang panahon. At ngayon lang niya sinusubukan na maunawaan ang kalikasan at ang kakanyahan nito, dahil upang ilarawan - kailangan mong maunawaan.

Ang pag-unlad ng landscape sa European painting

Ang interes sa landscape ay naging maliwanag, simula sa pagpipinta ng Early Renaissance.
Italyano na pintor at arkitekto Giotto(circa 1267-1337) bumuo ng isang ganap na bagong diskarte sa paglalarawan ng espasyo. At kahit na sa kanyang mga pagpipinta ang tanawin ay isang pantulong na paraan lamang, mayroon na siyang independiyenteng semantic load, ang flat, two-dimensional na espasyo ng icon na si Giotto ay naging three-dimensional, na lumilikha ng ilusyon ng lalim gamit ang chiaroscuro.

Ang "Flight into Egypt" ni Giotto (Simbahan ng San Francesco sa Assisi)
Ang pagpipinta ay naghahatid ng payapang tagsibol na kalagayan ng tanawin.
Ang tanawin ay nagsimulang gumanap ng isang mas mahalagang papel noong High Renaissance (ika-16 na siglo). Ito ay sa panahong ito na ang paghahanap para sa mga posibilidad ng komposisyon, pananaw at iba pang mga bahagi ng pagpipinta ay nagsimulang ihatid ang nakapaligid na mundo.
Ang mga masters ng Venetian school ay may mahalagang papel sa paglikha ng landscape genre ng panahong ito: Giorgione (1476/7-1510), Titian (1473-1576), El Greco (1541-1614).

El Greco "Tingnan sa Toledo" (1596-1600). Metropolitan Museum (New York)
Ang Espanyol na lungsod ng Toledo ay inilalarawan sa ilalim ng madilim na mabagyong kalangitan. Kitang-kita ang kaibahan ng langit at lupa. Ang tanawin ng lungsod ay ibinibigay mula sa ibaba, ang skyline ay itinaas nang mataas, ang phantasmagoric na ilaw ay ginagamit.
Sa pagkamalikhain Pieter Bruegel (ang Matanda) ang tanawin ay nakakakuha na ng lawak, kalayaan at katapatan. Sumulat siya nang simple, ngunit sa pagiging simple na ito ay makikita ng isang tao ang maharlika ng kaluluwa, na nakakaalam kung paano makita ang kagandahan sa kalikasan. Alam niya kung paano ihatid kapwa ang maliit na mundo sa ilalim ng paa, at ang kalawakan ng mga bukid, bundok, langit. Wala siyang patay, walang laman na mga lugar - lahat ay nabubuhay sa kanya at humihinga.
Dinadala namin sa iyong pansin ang dalawang pagpipinta ni P. Bruegel mula sa cycle na "Seasons".

P. Bruegel (ang Matanda) "Ang Pagbabalik ng kawan" (1565). Kunsthistorisches Museum (Vienna)

P. Bruegel (ang Elder) "Mga Mangangaso sa Niyebe" (1565). Kunsthistorisches Museum (Vienna)
Sa mga pintura ng artistang Espanyol D. Velazquez ang paglitaw ng plein air ( plein hangin- mula kay fr. en plein air - "sa open air") pagpipinta. Ang kanyang obra na "View of the Medici Villa" ay naghahatid ng pagiging bago ng halaman, mainit na lilim ng liwanag na dumudulas sa mga dahon ng mga puno at matataas na pader na bato.

D. Velazquez "Tingnan sa hardin ng Villa Medici sa Roma" (1630)
Rubens(1577-1640), nagpapatibay sa buhay, pabago-bago, katangian ng gawa ng artistang ito.

P. Rubens "Landscape na may bahaghari"
Mula sa isang Pranses na artista Francois Boucher(1703-1770) ang mga tanawin ay tila hinabi mula sa asul, rosas, pilak na lilim.

F. Boucher "Landscape na may water mill" (1755). National Gallery (London)
Ang mga impresyonistang artista ay nagsumikap na bumuo ng mga pamamaraan at pamamaraan na naging posible na pinaka natural at malinaw na makuha ang totoong mundo sa kadaliang kumilos at pagbabago nito, upang maihatid ang kanilang mga panandaliang impression.

Auguste Renoir "Frog". Metropolitan Museum (New York)
Ang mga post-impressionist artist ay bumuo ng mga tradisyon ng mga impresyonista sa kanilang pagpipinta.

Vincent Vag Gogh Starry Night (1889)
Noong XX siglo. ang genre ng landscape ay ginamit ng mga kinatawan ng iba't ibang uri ng artistikong uso: Fauvists, Cubists, Surrealists, Abstractionists, Realists.
Narito ang isang halimbawa ng tanawin ng isang Amerikanong artista Helen (Helen) Frankenthaler(1928-2011), na nagtrabaho sa estilo ng abstract art.

Helene Frankenthaler Mountains and Sea (1952)

Ang ilang mga uri ng landscape

Landscape ng arkitektura

Tinawag ni N. V. Gogol ang arkitektura na "ang salaysay ng mundo", dahil siya, sa kanyang opinyon, "nagsasalita kahit na ang mga kanta at alamat ay tahimik na ...". Wala kahit saan ang karakter at istilo ng panahon na ipinakita nang matalinghaga at malinaw tulad ng sa arkitektura. Tila, ito ang dahilan kung bakit nakuha ng mga masters ng pagpipinta ang landscape ng arkitektura sa kanilang mga canvases.

F. Ya. Alekseev "Tingnan ang Stock Exchange at ang Admiralty mula sa Peter at Paul Fortress" (1810)
Ang pagpipinta ay naglalarawan sa Spit ng Vasilyevsky Island. Ang compositional center ng architectural ensemble nito ay ang Stock Exchange building. Sa harap ng Stock Exchange ay may kalahating bilog na parisukat na may granite na pilapil. Sa dalawang gilid nito ay may mga haligi na nagsisilbing mga beacon. Sa paanan ng mga haligi ay may mga eskultura ng bato na sumasagisag sa mga ilog ng Russia: Volga, Dnieper, Neva at Volkhov. Sa tapat ng bangko ng ilog, makikita ang Winter Palace at ang mga gusali ng Admiralty, Senate Square. Ang pagtatayo ng Stock Exchange, na dinisenyo ni Tom de Thomon, ay tumagal mula 1804 hanggang 1810. Nang dumating si Pushkin sa St. Petersburg noong 1811, ang Stock Exchange ay naging sentro ng arkitektura ng Strelka ng Vasilievsky Island at ang pinaka-abalang lugar sa port city.
Ang Veduta ay isang uri ng landscape ng arkitektura. Sa katunayan, ang tanawin na ito ng F. Alekseev ang nangunguna.

Veduta

Ang Veduta ay isang genre ng European painting, lalo na sikat sa Venice noong ika-18 siglo. Ito ay isang pagpipinta, pagguhit o pag-ukit na nagdedetalye ng isang pang-araw-araw na urban landscape. Kaya, ang Dutch artist Jan Vermeer eksaktong inilalarawan ang kanyang katutubong lungsod ng Delft.

Jan Vermeer "Tingnan ng Delft" (1660)
Ang mga masters ay nagtrabaho sa maraming mga bansa sa Europa, kabilang ang Russia (M. I. Makhaev at F. Ya. Alekseev). Ang ilang mga lead na may mga pananaw sa Russia ay ginawa ni Giacomo Quarenghi.

Marina

Ang Marina ay isang genre ng pagpipinta, isang uri ng landscape (mula sa Latin na marinus - dagat), na naglalarawan ng tanawin ng dagat o isang eksena ng isang labanan sa dagat, pati na rin ang iba pang mga kaganapan na nagaganap sa dagat. Ang marina ay lumitaw bilang isang independiyenteng uri ng landscape painting sa simula ng ika-17 siglo. sa Holland.
Ang Marinist (fr. Mariniste) ay isang pintor na nagpinta ng mga marina. Ang pinakamaliwanag na kinatawan ng genre na ito ay ang Englishman William Turner at Russian (Armenian) artist Ivan Constantinovich Aivazovski, na sumulat ng humigit-kumulang 6,000 mga pintura sa tema ng dagat.

W. Turner "Ang huling paglalakbay ng" Matapang "

I. Aivazovsky "Rainbow"
Ang bahaghari na lumitaw sa mabagyong dagat ay nagbibigay ng pag-asa para sa pagliligtas ng mga tao mula sa nasirang barko.

Makasaysayang tanawin

Ang lahat sa loob nito ay medyo simple: upang ipakita ang nakaraan sa pamamagitan ng makasaysayang setting, natural at arkitektura na kapaligiran. Dito natin maaalala ang mga larawan N.K. Roerich, mga larawan ng Moscow noong ika-17 siglo. A.M. Vasnetsova, Russian baroque noong ika-18 siglo. SIYA. Lancer, A.N. Benoit, sinaunang K.F. Bogaevsky at iba pa.

N. Roerich "Mga Panauhin mula sa Ibang Bansa" (1901)
Ito ay isang larawan mula sa cycle na “The Beginning of Rus. Mga Slav". Sa artikulong "Sa daan mula sa mga Varangian hanggang sa mga Griyego" (1899) inilarawan ni Roerich ang isang haka-haka na mala-tula na larawan: "Ang mga bisita sa hatinggabi ay naglalayag. Ang malumanay na sloping coast ng Gulf of Finland ay umaabot sa isang magaan na guhit. Ang tubig ay tila puspos ng asul ng malinaw na kalangitan ng tagsibol; umaalingawngaw ang hangin sa kahabaan nito, na nagtutulak sa mapurol na mga guhit na lilang at bilog. Ang isang kawan ng mga seagull ay lumubog sa mga alon, walang ingat na umindayog sa kanila, at sa ilalim lamang ng kilya ng front boat ay kumikislap ang kanilang mga pakpak - isang bagay na hindi pamilyar, hindi pa nagagawa, nakaalarma sa kanilang mapayapang buhay. Ang isang bagong stream ay bumagsak sa walang tubig na tubig, ito ay tumatakbo sa siglo-lumang buhay ng Slavic, ito ay dadaan sa mga kagubatan at latian, gumulong sa isang malawak na bukid, itaas ang mga Slavic clans - makikita nila ang mga bihirang, hindi pamilyar na mga bisita, sila ay namangha sa kanilang mahigpit na labanan, sa kanilang kaugalian sa ibang bansa. Ang mga rook ay pumunta sa isang mahabang hilera! Ang maliwanag na kulay ay nasusunog sa araw. Ang mga busog ay tanyag na nakabalot, na nagtatapos sa isang mataas, payat na ilong."

K. Bogaevsky "Consular Tower sa Sudak" (1903). Feodosia Art Gallery na pinangalanang I.K. Aivazovsky

Futuristic (nakamamanghang) landscape

Belgian artist painting Jonas De Ro ay mga epic canvases ng bago, hindi pa na-explore na mga mundo. Ang pangunahing bagay ng imahe ni Jonas ay malawak na mga larawan ng post-apocalyptic na mundo, futuristic, kamangha-manghang mga imahe.
Bilang karagdagan sa hinaharap ng ganap na tunay na mga lungsod, gumuhit din si Jonas ng ganap na orihinal na mga larawan ng inabandunang lungsod.

J. De Ro "Abandoned Civilization"

Landscape na pilosopiya

Ano ito?
Sa gitna ng pagpipinta ng landscape ay palaging ang tanong ng kaugnayan ng isang tao sa kapaligiran - ito man ay isang lungsod o kalikasan. Ngunit ang kapaligiran ay mayroon ding sariling kaugnayan sa tao. At ang relasyong ito ay maaaring magkatugma at magkatugma.
Isaalang-alang ang tanawin ng Evening Bell.

I. Levitan "Evening Bells" (1892). State Tretyakov Gallery (Moscow)
Ang pagpipinta na "Evening Bells" ay naglalarawan ng isang monasteryo sa liko ng ilog at iniilaw ng mga sinag ng araw sa gabi. Ang monasteryo ay napapalibutan ng isang kagubatan ng taglagas, ang mga ulap ay lumulutang sa kalangitan - at ang lahat ng ito ay makikita sa parang salamin na ibabaw ng mahinahong umaagos na ilog. Sa pagkakaisa, ang magaan na kagalakan ng kalikasan at ang espirituwal na mundo ng pagiging at ang damdamin ng mga tao ay pinagsama. Gusto mong tingnan ang larawang ito at tingnan, pinapakalma nito ang kaluluwa. Ito ay napakaligaya, napakagandang kagandahan.
At narito ang isa pang tanawin ng parehong artist - "Above Eternal Peace".

I. Levitan "Above Eternal Peace" (1894). State Tretyakov Gallery (Moscow)
Si Levitan mismo ay sumulat tungkol sa larawang ito tulad ng sumusunod: "... nasa lahat ako, kasama ang lahat ng aking pag-iisip, kasama ang lahat ng aking nilalaman ...". Sa isa pang liham: "Kawalang-hanggan, isang kakila-kilabot na kawalang-hanggan, kung saan ang mga henerasyon ay nalunod at malulunod pa ... Anong kakila-kilabot, anong takot!" Ito ay tungkol sa kakila-kilabot na kawalang-hanggan na ang larawan ni Levitan ay nagpapaisip sa iyo. Ang tubig at langit sa pagkuha ng larawan, humanga sa isang tao, gumising sa pag-iisip ng kawalang-halaga at transience ng buhay. Sa isang matarik na mataas na bangko ay may isang malungkot na kahoy na simbahan, sa tabi ng isang sementeryo na may mga tabing krus at mga abandonadong libingan. Inaalog ng hangin ang mga puno, itinataboy ang mga ulap, iginuhit ang manonood sa walang katapusang hilagang kalawakan. Ang madilim na kadakilaan ng kalikasan ay sinasalungat lamang ng isang maliit na liwanag sa bintana ng simbahan.
Ang artist, marahil, ay nais na sagutin sa kanyang pagpipinta ang tanong tungkol sa relasyon sa pagitan ng tao at kalikasan, tungkol sa kahulugan ng buhay, laban sa walang hanggan at makapangyarihang mga puwersa ng kalikasan sa isang mahina at panandaliang buhay ng tao. Ito ay isang napakalaking trahedya.