Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Pagkamalikhain ng B. Brecht. Epic Theater ng Brecht. "Inang Tapang".

Berthold Brecht(1898-1956) ay ipinanganak sa Augsburg, sa pamilya ng isang direktor ng pabrika, nag-aral sa gymnasium, nag-aral ng medisina sa Munich at na-draft sa hukbo bilang isang maayos. Ang mga kanta at tula ng batang maayos ay nakakuha ng atensyon na may espiritu ng pagkamuhi sa digmaan, para sa militar ng Prussian, at para sa imperyalismong Aleman. Sa mga rebolusyonaryong araw ng Nobyembre 1918, si Brecht ay nahalal na miyembro ng Augsburg Soldiers' Council, na nagpatotoo sa awtoridad ng isang batang makata pa.

Nasa pinakamaagang tula na ng Brecht, nakikita natin ang kumbinasyon ng mga kaakit-akit, agad na kabisado na mga slogan at kumplikadong koleksyon ng imahe na pumukaw ng mga kaugnayan sa klasikal na panitikang Aleman. Ang mga asosasyong ito ay hindi mga imitasyon, ngunit isang hindi inaasahang muling pag-iisip ng mga lumang sitwasyon at diskarte. Mukhang inilipat sila ni Brecht sa modernong buhay, ginagawa silang tumingin sa kanila sa isang bagong paraan, "nakahiwalay". Kaya't nasa pinakamaagang lyrics na, si Brecht ay nangangapa para sa kanyang sikat na (* 224) dramatic device ng "alienasyon". Sa tulang "The Legend of the Dead Soldier", ang mga satirikal na pamamaraan ay nagpapaalala sa romantikismo: ang isang sundalong lumalaban sa kaaway ay matagal nang multo, ang mga taong kasama niya ay mga pilistino na matagal nang inilalarawan ng panitikang Aleman sa pagkukunwari ng mga hayop. At kasabay nito, topical ang tula ni Brecht - naglalaman ito ng intonasyon, mga larawan, at pagkamuhi sa Unang Digmaang Pandaigdig. Militarismo ng Aleman, kinondena ni Brecht ang digmaan, at sa kanyang 1924 na tula na "The Ballad of the Mother and the Soldier" napagtanto ng makata na ang Republika ng Weimar ay malayo sa pagpuksa sa militanteng Pan-Germanism.

Sa mga taon ng Weimar Republic, lumawak ang patula na mundo ni Brecht. Lumilitaw ang realidad sa mga pinaka matinding kaguluhan ng klase. Ngunit hindi kontento si Brecht sa paggawa lamang ng mga larawan ng pang-aapi. Ang kanyang mga tula ay palaging isang rebolusyonaryong apela: tulad ng "Song of the United Front", "The Faded Glory of New York, the Giant City", "Awit ng Class Enemy". Ang mga tula na ito ay malinaw na nagpapakita kung paano, sa pagtatapos ng 1920s, si Brecht ay dumating sa isang komunistang pananaw sa mundo, kung paano ang kanyang kusang pagrerebelde ng kabataan ay lumago sa proletaryong rebolusyonismo.

Ang mga liriko ni Brecht ay napakalawak sa kanilang saklaw, ang isang makata ay maaaring makakuha ng isang tunay na larawan ng buhay ng Aleman sa lahat ng makasaysayang at sikolohikal na konkreto nito, ngunit maaari rin siyang lumikha ng isang meditative na tula, kung saan ang mala-tula na epekto ay nakakamit hindi sa pamamagitan ng paglalarawan, ngunit sa pamamagitan ng katumpakan. at lalim ng pilosopikal na pag-iisip na sinamahan ng pino, hindi nangangahulugang isang malayong alegorya. Para kay Brecht, ang tula ay higit sa lahat ang katumpakan ng pilosopikal at civic na kaisipan. Itinuring ni Brecht ang tula kahit na ang mga pilosopikal na treatise o mga talata ng mga proletaryong pahayagan na puno ng civic pathos (halimbawa, ang estilo ng tula na "Isang mensahe kay kasamang Dimitrov, na nakipaglaban sa Leipzig kasama ang pasistang tribunal" - isang pagtatangka na dalhin ang wika ng tula at pahayagan na magkalapit). Ngunit ang mga eksperimentong ito sa huli ay nakumbinsi si Brecht na ang sining ay dapat magsalita ng pang-araw-araw na buhay na malayo sa pang-araw-araw na wika. Sa ganitong diwa, tinulungan ng lyricist na si Brecht ang playwright na si Brecht.

Noong 1920s, lumipat si Brecht sa teatro. Sa Munich, siya ay naging isang direktor at pagkatapos ay isang playwright ng teatro ng lungsod. Noong 1924, lumipat si Brecht sa Berlin, kung saan nagtrabaho siya sa teatro. Siya ay kumikilos nang sabay-sabay bilang isang manunulat ng dula at bilang isang teoretiko - isang repormador ng teatro. Sa mga taong ito, ang mga aesthetics ni Brecht, ang kanyang makabagong pananaw sa mga gawain ng drama at teatro, ay nabuo sa kanilang mga mapagpasyang tampok. Binalangkas ni Brecht ang kanyang mga teoretikal na pananaw sa sining noong 1920s sa magkahiwalay na mga artikulo at pagtatanghal, na kalaunan ay pinagsama sa koleksyon na Laban sa theatrical Routine at On the Way to Modern Theater. Nang maglaon, noong dekada 30, na-systematize ni Brecht ang kanyang teorya sa teatro, pinipino at pinaunlad (* 225) ito, sa mga treatise na On Non-Aristotelian Drama, New Principles of Acting, Small Organ for Theater, Purchase of Copper at ilang iba pa.

Tinawag ni Brecht ang kanyang aesthetics at drama na "epic", "non-Aristotelian" na teatro; Sa pamamagitan ng pangalang ito, binibigyang-diin niya ang kanyang hindi pagkakasundo sa pinakamahalaga, ayon kay Aristotle, prinsipyo ng sinaunang trahedya, na kalaunan ay nakita sa mas malaki o mas maliit na lawak ng buong tradisyon ng teatro sa mundo. Ang manunulat ng dula ay sumasalungat sa Aristotelian na doktrina ng catharsis. Ang Catharsis ay isang hindi pangkaraniwang, pinakamataas na emosyonal na pag-igting. Ang bahaging ito ng catharsis ay kinilala ni Brecht at napanatili para sa kanyang teatro; emosyonal na lakas, kalunos-lunos, bukas na pagpapakita ng mga hilig, nakikita natin sa kanyang mga dula. Ngunit ang paglilinis ng mga damdamin sa catharsis, ayon kay Brecht, ay humantong sa pagkakasundo sa trahedya, ang kakila-kilabot sa buhay ay naging theatrical at samakatuwid ay kaakit-akit, ang manonood ay hindi mag-iisip na makaranas ng katulad na bagay. Patuloy na sinubukan ni Brecht na iwaksi ang mga alamat tungkol sa kagandahan ng pagdurusa at pasensya. Sa The Life of Galileo, isinulat niya na ang isang taong nagugutom ay walang karapatang magtiis ng gutom, na ang "gutom" ay simpleng hindi kumakain, ngunit hindi nagpapakita ng pasensya na nakalulugod sa langit. mga trahedya na hindi maisip, halimbawa, "isang talakayan tungkol sa pag-uugali ni Haring Lear" at tila hindi maiiwasan ang kalungkutan ni Lear: "laging ganito, ito ay natural."

Ang ideya ng catharsis, na nabuo ng sinaunang drama, ay malapit na nauugnay sa konsepto ng nakamamatay na predeterminasyon ng kapalaran ng tao. Ang mga playwright sa pamamagitan ng kapangyarihan ng kanilang talento ay nagsiwalat ng lahat ng mga motibasyon ng pag-uugali ng tao, sa mga sandali ng catharsis, tulad ng kidlat, pinaliwanag nila ang lahat ng mga dahilan para sa mga aksyon ng tao, at ang kapangyarihan ng mga kadahilanang ito ay naging ganap. Kaya naman tinawag ni Brecht na fatalistic ang Aristotelian theater.

Nakita ni Brecht ang isang kontradiksyon sa pagitan ng prinsipyo ng reinkarnasyon sa teatro, ang prinsipyo ng pag-dissolve ng may-akda sa mga bayani, at ang pangangailangan para sa isang direktang, agitationally visual na pagkakakilanlan ng pilosopikal at pampulitikang posisyon ng manunulat. Kahit na sa pinakamatagumpay at mahilig sa pinakamahusay na kahulugan ng salitang tradisyonal na mga drama, ang posisyon ng may-akda, sa opinyon ni Brecht, ay nauugnay sa mga pigura ng mga nangangatuwiran. Ito ang kaso sa mga drama ni Schiller, na lubos na pinahahalagahan ni Brecht para sa kanyang civic spirit at ethical pathos. Tama ang paniniwala ng playwright na ang mga karakter ng mga bayani ay hindi dapat maging "mga bibig ng mga ideya", na binabawasan nito ang artistikong bisa ng dula: "... sa entablado ng isang makatotohanang teatro, tanging mga buhay na tao, mga tao sa laman at dugo. , kasama ang lahat ng kanilang mga kontradiksyon, mga hilig at mga aksyon, ay may isang lugar. Ang entablado ay hindi isang herbarium o isang museo, kung saan ang mga pinalamanan na mga hayop ay ipinakita ... "

Nakahanap si Brecht ng sarili niyang solusyon sa kontrobersyal na isyung ito: ang pagtatanghal sa teatro, ang aksyon sa entablado ay hindi nag-tutugma sa balangkas ng dula. Ang balangkas, ang kasaysayan ng mga karakter, ay nagambala ng mga direktang komento ng may-akda, mga liriko na digression, at kung minsan ay pagpapakita pa ng mga pisikal na eksperimento, pagbabasa ng mga pahayagan at isang uri ng palaging topical entertainer. Sinira ni Brecht ang ilusyon ng patuloy na pag-unlad ng mga kaganapan sa teatro, sinisira ang mahika ng maingat na pagpaparami ng katotohanan. Ang teatro ay tunay na pagkamalikhain na higit pa sa pagiging mapagkakatiwalaan. Pagkamalikhain para kay Brecht at ang paglalaro ng mga aktor, kung saan ang "natural na pag-uugali sa mga iminungkahing pangyayari" ay ganap na hindi sapat. Sa pagbuo ng kanyang aesthetics, gumagamit si Brecht ng mga tradisyon na nakalimutan na sa pang-araw-araw, sikolohikal na teatro ng huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, ipinakilala niya ang mga koro at zong ng mga kontemporaryong pampulitikang cabarets, mga liriko na digression na katangian ng mga tula, at mga pilosopikal na treatise. Pinahihintulutan ni Brecht ang pagbabago sa komentaryo simula kapag ipinagpatuloy ang kanyang mga dula: minsan ay mayroon siyang dalawang bersyon ng zongs at chorus para sa parehong balangkas (halimbawa, ang mga zong ay naiiba sa mga produksyon ng Threepenny Opera noong 1928 at 1946).

Ang sining ng muling pagkakatawang-tao Brecht ay itinuturing na kinakailangan, ngunit ganap na hindi sapat para sa aktor. Higit na mahalaga, isinasaalang-alang niya ang kakayahang magpakita, upang ipakita sa entablado ang kanyang pagkatao - kapwa sa sibil at sa mga malikhaing termino. Sa laro, ang muling pagkakatawang-tao ay dapat na kinakailangang kahalili, isama sa pagpapakita ng artistikong data (pagbigkas, plasticity, pag-awit), na tiyak na kawili-wili para sa kanilang pagiging natatangi, at, pinaka-mahalaga, sa pagpapakita ng personal na civic na posisyon ng aktor, ang kanyang tao. kredo.

Naniniwala si Brecht na ang isang tao ay nagpapanatili ng kakayahan ng malayang pagpili at responsableng desisyon sa pinakamahihirap na kalagayan. Sa pananalig na ito ng manunulat ng dula, ipinakita ang pananampalataya sa tao, isang malalim na paniniwala na ang lipunang burges, kasama ang lahat ng kapangyarihan ng masasamang impluwensya nito, ay hindi maaaring muling hubugin ang sangkatauhan sa diwa ng mga prinsipyo nito. Isinulat ni Brecht na ang gawain ng "epikong teatro" ay gawin ang madla na "iwanan ... ang ilusyon na ang lahat sa lugar ng bayaning inilalarawan ay kumilos sa parehong paraan." Malalim na nauunawaan ng manunulat ng dulang ang diyalektika ng pag-unlad ng lipunan at samakatuwid ay dumudurog ang bulgar na sosyolohiya na nauugnay sa positivism. Palaging pinipili ni Brecht ang masalimuot, "hindi perpekto" na mga paraan upang ilantad ang kapitalistang lipunan. Ang "Political primitive", ayon sa playwright, ay hindi katanggap-tanggap sa entablado. Nais ni Brecht na ang buhay at pagkilos ng mga tauhan sa mga dula mula sa buhay (* 227) ng isang mapang-angkin na lipunan ay laging magbigay ng impresyon ng hindi likas. Nagbigay siya ng isang napakahirap na gawain para sa pagtatanghal sa teatro: inihahambing niya ang manonood sa isang hydro-builder na "nakikita ang ilog nang sabay-sabay sa aktwal na channel nito, at sa haka-haka na isa kung saan maaari itong dumaloy kung ang slope ng talampas at iba ang lebel ng tubig"...

Naniniwala si Brecht na ang isang makatotohanang paglalarawan ng katotohanan ay hindi limitado lamang sa pagpaparami ng mga kalagayang panlipunan ng buhay, na may mga karaniwang kategorya ng tao na hindi lubos na maipaliwanag ng panlipunang determinismo (ang pag-ibig ng pangunahing tauhang babae ng "Caucasian Chalk Circle" Grusha para sa isang walang pagtatanggol na inabandunang bata, ang hindi mapaglabanan na salpok ni Shen De para sa kabutihan) ... Ang kanilang paglalarawan ay posible sa anyo ng isang mito, isang simbolo, sa genre ng mga dulang parabula o parabolic na dula. Ngunit sa mga tuntunin ng panlipunan at sikolohikal na pagiging totoo, ang dramaturhiya ni Brecht ay maaaring mailagay sa isang par sa mga pinakadakilang tagumpay ng teatro sa mundo. Maingat na sinusunod ng manunulat ng dula ang pangunahing batas ng realismo ng ika-19 na siglo. - ang makasaysayang konkreto ng panlipunan at sikolohikal na motibasyon. Ang pag-unawa sa pagkakaiba-iba ng husay ng mundo ay palaging isang pangunahing gawain para sa kanya. Summing up sa kanyang landas bilang isang playwright, isinulat ni Brecht: "Dapat tayong magsikap para sa isang mas tumpak na paglalarawan ng katotohanan, at ito, mula sa isang aesthetic na pananaw, ay isang mas banayad at mas epektibong pag-unawa sa paglalarawan."

Ang inobasyon ni Brecht ay nagpakita mismo sa katotohanan na nagawa niyang mag-fuse sa isang hindi malulutas na magkakasuwato na buong tradisyonal, mediated na mga pamamaraan ng paglalantad ng aesthetic na nilalaman (mga character, salungatan, plot) na may abstract reflective simula. Ano ang nagbibigay ng kamangha-manghang artistikong integridad sa tila magkasalungat na kumbinasyon ng balangkas at komentaryo? Ang sikat na Brechtian na prinsipyo ng "alienation" - ito ay tumatagos hindi lamang sa komentaryo mismo, ngunit sa buong balangkas. Ang "alienation" ni Brecht ay parehong instrumento ng lohika at mismong tula, puno ng mga sorpresa at kinang. Ginagawa ni Brecht ang "alienation" na pinakamahalagang prinsipyo ng kaalamang pilosopikal sa mundo, ang pinakamahalagang kondisyon para sa makatotohanang pagkamalikhain. Ang pamumuhay sa papel, sa mga pangyayari ay hindi nakakasagabal sa "layunin na anyo" at samakatuwid ay hindi gaanong nagsisilbing realismo kaysa sa "alienasyon". Hindi sumang-ayon si Brecht na ang pamumuhay at muling pagkakatawang-tao ay ang landas sa katotohanan. Si KS Stanislavsky, na iginiit ito, ay, sa kanyang opinyon, "impatient." Para sa pagiging masanay na ito ay hindi makilala sa pagitan ng katotohanan at "layunin hitsura".

Ang epikong teatro ay isang kwento, inilalagay ang manonood sa posisyon ng isang tagamasid, pinasisigla ang aktibidad ng manonood, pinipilit ang manonood na gumawa ng mga desisyon, ipinapakita ang manonood ng isa pang paghinto, pinupukaw ang interes ng manonood sa takbo ng aksyon, umaakit sa isipan ng manonood , at hindi sa puso at damdamin!!!

Sa pangingibang-bansa, sa pakikibaka laban sa pasismo, umunlad ang dramatikong pagkamalikhain ni Brecht. Ito ay napakayaman sa nilalaman at iba-iba ang anyo. Kabilang sa mga pinakatanyag na pag-play ng emigration - "Mother Courage and her children" (1939). Ang mas matalas at mas trahedya ang labanan, mas kritikal, ayon kay Brecht, ang pag-iisip ng isang tao ay dapat. Sa ilalim ng mga kondisyon ng 1930s, ang "Mother Courage" ay tumunog, siyempre, bilang isang protesta laban sa demagogic na propaganda ng digmaan ng mga pasista at itinuro sa bahaging iyon ng populasyon ng Aleman na sumuko sa demagogy na ito. Ang digmaan ay inilalarawan sa dula bilang isang elementong organikong laban sa pag-iral ng tao.

Ang kakanyahan ng "epic theater" ay nagiging lalong malinaw na may kaugnayan sa "Mother Courage". Pinagsasama ng dula ang teoretikal na pagkomento sa isang makatotohanang paraan na walang awa sa pagkakapare-pareho nito. Naniniwala si Brecht na realismo ang pinaka-maaasahang paraan ng impluwensya. Kaya naman sa "Mother Courage" ay may pare-pareho at pare-parehong "totoo" na mukha ng buhay kahit sa maliliit na detalye. Ngunit dapat nating tandaan ang dalawang pronged na katangian ng dulang ito - ang aesthetic na nilalaman ng mga karakter, iyon ay, ang pagpaparami ng buhay, kung saan ang mabuti at masama ay pinaghalo anuman ang ating mga pagnanasa, at ang tinig ni Brecht mismo, ay hindi nasisiyahan. na may ganitong larawan, sinusubukang patunayan ang mabuti. Ang posisyon ni Brecht ay direktang nagpapakita ng sarili sa mga Zong. Bilang karagdagan, tulad ng mga sumusunod mula sa mga tagubilin ng mga direktor ni Brecht sa dula, ang manunulat ng dula ay nagbibigay sa mga teatro ng sapat na pagkakataon upang ipakita ang kaisipan ng may-akda sa tulong ng iba't ibang "alienasyon" (litrato, projection ng pelikula, direktang apela ng mga aktor sa madla).

Ang mga karakter ng mga bayani sa "Mother Courage" ay binalangkas sa lahat ng kanilang masalimuot na kontradiksyon. Ang pinaka-kawili-wili ay ang imahe ni Anna Fierling, binansagang Mother Courage. Ang versatility ng karakter na ito ay nagdudulot ng iba't ibang damdamin sa madla. Ang pangunahing tauhang babae ay umaakit sa isang matino na pag-unawa sa buhay. Ngunit siya ay produkto ng mercantile, malupit at mapang-uyam na espiritu ng Tatlumpung Taon na Digmaan. Ang lakas ng loob ay walang malasakit sa mga dahilan ng digmaang ito. Depende sa mga pagbabago ng kapalaran, nagtayo siya ng isang Lutheran o isang Katolikong banner sa ibabaw ng kanyang van. Ang tapang ay napupunta sa digmaan na umaasa sa malaking kita.

Ang kapanapanabik na salungatan ni Brecht sa pagitan ng praktikal na karunungan at mga etikal na impulses ay nakakaapekto sa buong dula na may hilig ng argumento at lakas ng pangangaral. Sa imahe ni Catherine, iginuhit ng playwright ang antipode ng Mother Courage. Walang mga pagbabanta, o mga pangako, o kamatayan ang nagpilit kay Katrin na talikuran ang desisyon na idinidikta ng kanyang pagnanais na tulungan ang mga tao sa anumang paraan. Ang Talkative Courage ay tinutulan ng mute na si Katrin, ang tahimik na gawa ng dalaga ay tila tinatanggihan ang lahat ng mahahabang argumento ng kanyang ina.

Ang pagiging totoo ni Brecht ay nagpapakita ng sarili sa dula hindi lamang sa paglalarawan ng mga pangunahing tauhan at sa historisismo ng tunggalian, kundi pati na rin sa mahalagang pagiging maaasahan ng mga episodic na tao, sa maraming kulay ni Shakespeare, na nakapagpapaalaala sa "Falstaffian background". Ang bawat karakter, na iginuhit sa dramatikong salungatan ng dula, ay nabubuhay sa kanyang sariling buhay, hulaan natin ang tungkol sa kanyang kapalaran, tungkol sa kanyang nakaraan at hinaharap na buhay, at parang naririnig natin ang bawat tinig sa hindi pagkakatugma na koro ng digmaan.

Bilang karagdagan sa pagbubunyag ng salungatan sa pamamagitan ng sagupaan ng mga karakter, pinupunan ni Brecht ang larawan ng buhay sa dula na may mga sona, kung saan ang direktang pag-unawa sa salungatan ay ibinigay. Ang pinakamahalagang zong ay ang Awit ng Dakilang Kapakumbabaan. Ito ay isang kumplikadong uri ng "alienation", kapag ang may-akda ay kumikilos na parang sa ngalan ng kanyang pangunahing tauhang babae, pinatalas ang kanyang mga maling posisyon at sa gayon ay nakipagtalo sa kanya, na nagbibigay-inspirasyon sa mambabasa na pagdudahan ang karunungan ng "dakilang pagpapakumbaba." Ang lakas ng loob Brecht ay tumugon sa mapang-uyam na kabalintunaan ng ina sa kanyang sariling kabalintunaan. At ang kabalintunaan ni Brecht ay humahantong sa manonood, na ganap na sumuko sa pilosopiya ng pagtanggap ng buhay kung ano ito, sa isang ganap na naiibang pananaw sa mundo, sa isang pag-unawa sa kahinaan at pagkamatay ng mga kompromiso. Ang kanta tungkol sa pagpapakumbaba ay isang uri ng dayuhang katapat na nagbibigay-daan sa isa na maunawaan ang totoo, kabaligtaran ng karunungan ng Brecht. Ang buong dula, na kritikal na naglalarawan sa praktikal at nakakakompromisong "karunungan" ng pangunahing tauhang babae, ay isang patuloy na debate sa "Awit ng Dakilang Kababaang-loob." Hindi nakikita ni Mother Courage ang liwanag sa dula, na nakaligtas sa pagkabigla, natututo siya "tungkol sa kalikasan nito na hindi hihigit sa isang guinea pig tungkol sa batas ng biology." Ang trahedya (personal at makasaysayang) karanasan, na nagpayaman sa manonood, ay hindi nagturo ng kahit ano kay Inang Lakas ng loob at hindi nagpayaman sa kanya kahit man lang. Ang catharsis na kanyang naranasan ay naging ganap na walang bunga. Kaya't iginiit ni Brecht na ang pang-unawa sa trahedya ng katotohanan lamang sa antas ng emosyonal na mga reaksyon sa sarili nito ay hindi kaalaman sa mundo, ito ay hindi gaanong naiiba sa kumpletong kamangmangan.

Bertolt Brecht (1898-1956) nabibilang sa pinakamalaking kultural na figure ng XX siglo. Siya ay isang playwright, makata, manunulat ng prosa, art theorist, pinuno ng isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na grupo ng teatro noong nakaraang siglo.

Si Bertolt Brecht ay ipinanganak sa Augsburg noong 1898. Ang kanyang mga magulang ay medyo mayayamang tao (ang kanyang ama ay ang komersyal na direktor ng isang gilingan ng papel). Dahil dito, nabigyan ng magandang edukasyon ang mga bata. Noong 1917, pumasok si Brecht sa philosophy faculty ng Unibersidad ng Munich, at nag-enrol din bilang isang mag-aaral sa medical faculty at sa theater studies seminar ng pambihirang propesor na si Kucher. Noong 1921 siya ay hindi kasama sa mga listahan ng unibersidad, dahil sa pinangalanang taon ay hindi siya naghiganti sa alinman sa mga faculties. Ibinigay niya ang kanyang karera bilang isang kagalang-galang na burges para sa kapakanan ng kahina-hinalang "pag-akyat sa Valhalla," gaya ng sinasabi ng kanyang ama nang may hindi makapaniwalang ngiti. Mula pagkabata, napapaligiran ng pagmamahal at pag-aalaga, si Brecht, gayunpaman, ay hindi tinanggap ang pamumuhay ng kanyang mga magulang, kahit na pinananatili niya ang mainit na relasyon sa kanila.

Mula sa kanyang kabataan, ang hinaharap na manunulat ay nakikibahagi sa edukasyon sa sarili. Napakalaki ng listahan ng mga librong nabasa niya noong pagkabata at kabataan, bagama't binasa niya ang mga ito ayon sa prinsipyo ng "repulsion": ang hindi lang itinuro o ipinagbabawal sa gymnasium. Ang "Bibliya" na naibigay ng kanyang lola ay may pambihirang kahalagahan para sa pagbuo ng kanyang pananaw sa mundo at pananaw sa mundo, tungkol sa kung saan si Brecht mismo ay paulit-ulit na nagsalita. Gayunpaman, ang hinaharap na manunulat ng dula ay naunawaan ang nilalaman ng Luma at Bagong Tipan sa isang kakaibang paraan. Si Brecht ay sekular ang nilalaman ng Bibliya, na kinikilala ito bilang isang sekular na gawain na may kapana-panabik na balangkas, mga halimbawa ng walang hanggang pakikibaka sa pagitan ng mga ama at mga anak, mga paglalarawan ng mga krimen at mga parusa, mga kuwento ng pag-ibig at mga drama. Ang unang dramatikong karanasan ng labinlimang taong gulang na si Brecht (interpretasyon ng kuwento sa Bibliya tungkol kay Judith), na inilathala sa isang pampanitikan na gymnasium, ay likas na niyang itinayo sa prinsipyo. alienation, kalaunan ay naging depinisyon para sa mature na manunulat ng dula: gusto niyang ibaling ang pinagmulang materyal sa loob at bawasan ito sa materyalistikong kakanyahan na likas dito. Sa Augsburg Fair Theater, si Brecht at ang kanyang mga kasama ay nagtanghal ng mga reworkings ng Oberon, Hamlet, Faust, at Free Strelka kahit sa panahon ng gymnasium.

Hindi nakialam ang mga kamag-anak sa pag-aaral ni Brecht, bagama't hindi nila sila hinihikayat. Kasunod nito, tinasa mismo ng manunulat ang kanyang landas mula sa isang burges na kagalang-galang na paraan ng pamumuhay tungo sa isang bohemian-proletaryong paraan ng pamumuhay: "Nilagyan ako ng mga kwelyo ng aking mga magulang, // Itinayo nila ang ugali ng mga alipin // At itinuro ang sining ng pag-uutos. Ngunit // Nang ako'y lumaki at tumingin sa aking paligid, // Hindi ko gusto ang mga kaklase ko, // Hindi ko ginusto ang pagkakaroon ng mga katulong at nag-uutos // Si Iya ay umalis sa kanyang klase at sumama sa hanay ng mga mahihirap. "

Sa Unang Digmaang Pandaigdig, si Brecht ay na-draft sa hukbo bilang isang maayos. Ang kanyang saloobin sa Social Democratic Party of Germany ay kumplikado at kontradiksyon. Ang pagkakaroon ng pagtanggap sa rebolusyon, kapwa sa Russia at sa Alemanya, na isinailalim ang kanyang sining sa maraming aspeto sa propaganda ng mga ideya ng Marxismo, si Brecht ay hindi kailanman kabilang sa alinman sa mga partido, na pinipili ang kalayaan sa pagkilos at paniniwala. Pagkatapos ng proklamasyon ng republika sa Bavaria, nahalal siya sa Augsburg Council of Soldiers and Workers' Deputies, ngunit ilang linggo pagkatapos ng halalan ay umalis siya sa trabaho, na nag-udyok dito sa paglaon ng katotohanan na "Hindi ako makapag-isip lamang sa mga kategoryang pampulitika ." Ang katanyagan ng playwright at theater reformer ay sumasakop sa mala-tula na kasanayan ni Brecht, kahit na nasa harap na siya ay naging tanyag salamat sa kanyang mga tula at kanta ("Ang Alamat ng Isang Patay na Sundalo"). Bilang isang manunulat ng dula, si Brecht ay nakakuha ng katanyagan pagkatapos ng pagpapalabas ng anti-war na drama na Drums in the Night (1922), na nagdala sa kanya ng Kleist Prize.

Mula noong ikalawang kalahati ng twenties, si Brecht ay kumikilos kapwa bilang isang manunulat ng dulaan at bilang isang teoretiko - isang repormador ng teatro. Sa simula ng 1924, nakaramdam siya ng pagkirot sa "mga lalawigan" - Munich, at lumipat siya sa Berlin kasama si Arnolt Bronnen, isang manunulat ng ekspresyonista, may-akda ng dulang "The Father-killer". Sa simula ng panahon ng Berlin, tumingala si Brecht kay Bronnen sa lahat ng bagay, na nag-iwan sa amin ng maikling paliwanag ng kanilang "karaniwang plataporma": parehong ganap na tinanggihan ang lahat ng naisulat, isinulat, inilathala ng iba hanggang ngayon. Kumpara kay Bronnen, Brecht kahit sa kanyang pangalan (Bertold) ang sulat d pinapalitan ng ha.

Ang simula ng karera ni Brecht ay nahuhulog sa panahon ng rebolusyonaryong pagkasira, pangunahing nakakaapekto sa kamalayan ng publiko sa panahon. Ang digmaan, kontra-rebolusyon, ang kamangha-manghang pag-uugali ng isang "simpleng maliit na tao" na nakatiis sa lahat hanggang sa wakas, ay pumukaw sa pagnanais na ipahayag ang kanyang saloobin sa kung ano ang nangyayari sa isang masining na anyo. Ang simula ng karera ni Brecht ay nahuhulog sa isang oras kapag nasa sining

Expressionism ang nangingibabaw na kalakaran sa Alemanya. Ang ideolohikal na impluwensya ng aesthetics at etika ekspresyonismo karamihan sa mga manunulat ng panahong iyon ay nakatakas - G. Mann, B. Kellerman, F. Kafka. Ang ideolohikal at aesthetic na hitsura ng Brecht ay namumukod-tangi laban sa background na ito. Tinatanggap ng manunulat ng dula ang mga pormal na inobasyon ng mga Expressionist. Kaya, sa disenyo ng entablado ng pagtatanghal na "Drums in the Night" lahat ay deformed, whirled, exploded, hysterical: sa entablado, tagilid at baldado ng hangin at oras, mga lantern, baluktot, halos bumabagsak na mga bahay. Gayunpaman Mariing tinututulan ni Brecht ang abstract ethical thesis ng mga expressionista ng "mabuting tao", laban sa pangangaral ng espirituwal na pagpapanibago at moral na pagpapabuti sa sarili ng tao, anuman ang panlipunan at materyal na kalagayan ng buhay. Isa sa mga sentral na tema ng akda ni Brecht - ang tema ng "mabuting tao" ay bumalik sa polemikong ito sa pagitan ng manunulat ng dula at ng mga ekspresyonista. Nasa unang bahagi na ng kanyang mga dulang "Baal" at "Mga Tambol sa Gabi", nang hindi itinatanggi ang anyo ng dramang ekspresyonista, hinahangad niyang patunayan na ang isang tao ay kung ano ang ginagawa sa kanya ng kanyang mga kondisyon sa buhay: maaaring maging "mabait". Sa katunayan, naglalaman na ito ng pangunahing ideya ng "Mabait na Tao mula sa Sichuan". Ang mga pagmumuni-muni sa etikal na bahagi ng pag-uugali ng tao ay natural na humahantong sa kanya sa isang sosyal na tema. Pagtanghal ng mga dulang "Ano ang kawal na ito" ("Mann ist Mann", 1927), "Threepenny Opera" ("Dreigroschenoper", 1928), "The Rise and Fall of the City of Mahagonny" ("Aufsticg und Fall dcr Stadt Machagonny", 1929 ) nagdudulot ng malaking katanyagan sa B. Brecht. Sa mga taong ito, seryosong bumaling ang manunulat sa pag-aaral ng teoryang Marxista. Ang isang talaan ng panahong ito ay nakaligtas: "Nakarating ako sa Kabisera" hanggang sa aking pandinig. Ngayon kailangan kong alamin ang lahat hanggang sa huli." Tulad ng naalala ni Brecht sa kalaunan, ang pagbabasa ng "Capital" ay ipinaliwanag sa kanya na matagal na niyang hinahangad na malaman kung saan "nagmula ang yaman ng mayayaman." Sa oras na ito, ang manunulat ay dumadalo sa mga lektura na may pamagat na "On the Living and the Dead in Marxism" sa Berlin Marxist workers' school, at nakikibahagi sa mga seminar sa dialectical at historical materialism. Ang lahat ng ito ay natural na humahantong sa kanya sa katotohanan na sinimulan niyang malasahan ang kasaysayan ng sangkatauhan bilang ang kasaysayan ng makauring pakikibaka, at ito naman ay humahantong sa katotohanan na sinasadya niyang isinailalim ang kanyang sining sa gawaing propaganda sa hanay ng mga manggagawa. Ang aktibidad ng posisyon ng buhay ni B. Brecht ay nagpakita mismo sa katotohanan na ngayon para sa kanya

Ito ay hindi sapat na obhetibong ipaliwanag ang mundo, ang pagganap ay dapat, mula sa kanyang pananaw, pasiglahin ang manonood na baguhin ang katotohanan, nais niyang maimpluwensyahan ang kailaliman ng kamalayan ng klase, kung saan sinimulan niyang isulat: "Isang bagong layunin ang itinalaga - pedagogy!"(1929). Ganito ang hitsura ng genre sa gawa ni Brecht "Edukasyon" o "nakapagtuturo" na mga dula, na ang layunin ay ipakita ang maling pag-uugali sa pulitika ng mga manggagawa, at pagkatapos, sa pamamagitan ng paglalaro ng mga modelo ng mga sitwasyon sa buhay, upang hikayatin ang mga manggagawa na gumawa ng tamang aksyon sa totoong mundo ("Ina", " Aksyon"). Sa ganitong mga dula, ang bawat kaisipan ay napagkasunduan hanggang sa wakas, na ipinakita sa publiko sa isang tapos na anyo, bilang isang gabay sa direktang aksyon. Wala silang makatotohanang mga karakter na pinagkalooban ng mga indibidwal na katangian ng tao. Ang mga ito ay pinalitan ng mga maginoo na numero, katulad ng mga simbolo ng matematika, na ginagamit lamang sa kurso ng patunay. Ang karanasan ng mga "pang-edukasyon" na mga dula, na inabandona ng manunulat noong unang bahagi ng thirties, ay gagamitin pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig sa sikat na "Mga Modelo" ng dekada kwarenta.

Pagkatapos mamuno si Hitler sa kapangyarihan, natagpuan ni Brecht ang kanyang sarili sa pagkatapon, "nagpapalit ng mga bansa nang mas madalas kaysa sa mga sapatos," at gumugol ng labinlimang taon sa pagkatapon. Hindi sinira ng pangingibang bansa ang manunulat. Sa mga taong ito ay umunlad ang kanyang dramatikong pagkamalikhain, at ang mga sikat na dula gaya ng "Fear and Despair in the Third Empire", "Mother Courage and Her Children", "The Life of Galileo", "Arturo Ui's Career, Which Could Never Be. ", lumitaw. "Isang mabait na lalaki mula sa Sichuan", "Caucasian chalk circle".

Noong kalagitnaan ng twenties, nagsimulang magkaroon ng hugis ang makabagong aesthetics ng Brecht, teorya ng epikong teatro. Ang teoretikal na pamana ng manunulat ay mahusay. Ang kanyang mga pananaw sa sining ay nakalagay sa mga treatise na On Non-Aristotelian Drama, New Principles of Acting, The Small Organon for Theater, sa theatrical dialogues Buying Copper, atbp. ang relasyon sa pagitan ng manonood at ng teatro, sinikap niyang isama ang nilalaman tipikal ng tradisyonal na teatro sa mga larawang entablado. Nais ni Brecht, gaya ng sinabi niya, na isama sa entablado ang "mga malalaking kababalaghan" ng modernong buhay bilang "digmaan, langis, pera, riles, parlyamento, sahod na paggawa, lupa." Ang bagong nilalaman na ito ay gumawa ng Brecht na maghanap ng mga bagong anyo ng sining, lumikha ng isang orihinal na konsepto ng drama, ang tinatawag na "Epikong teatro". Ang sining ni Brecht ay nagbunga ng mga kontrobersyal na pagtatasa, ngunit walang alinlangan na kabilang ito sa makatotohanang direksyon. Siya mismo ang paulit-ulit na nagpumilit dito.

Brecht. Kaya, sa kanyang akdang "The Breadth and Diversity of the Realistic Method," tinutulan ng manunulat ang dogmatikong diskarte sa makatotohanang sining at ipinagtanggol ang karapatan ng realista sa fiction, convention, upang lumikha ng mga imahe at sitwasyon na hindi kapani-paniwala mula sa punto ng view ng araw-araw. buhay, tulad ng nangyari kina Cervantes at Swift. Ang mga anyo ng akda, sa kanyang palagay, ay maaaring magkakaiba, ngunit ang kumbensyonal na aparato ay nagsisilbing realismo kung ang katotohanan ay wastong naiintindihan at masasalamin. Ang inobasyon ni Brecht ay hindi nagbukod ng isang sanggunian sa klasikal na pamana. Sa kabaligtaran, ayon sa paniniwala ng manunulat ng dula, ang pagpaparami ng mga klasikal na plot ay nagbibigay sa kanila ng isang bagong buhay, napagtanto ang paunang potensyal na likas sa kanila.

Ang teorya ni Brecht ng "epic theater" ay hindi kailanman isang hanay ng mga mahigpit na tuntunin ng normative aesthetics. Nagmula ito sa direktang artistikong kasanayan ng Brecht at patuloy na umuunlad. Inilalagay ang gawain ng panlipunang paliwanag ng manonood sa harapan, nakita ni Brecht ang pangunahing kapintasan ng tradisyonal na teatro sa katotohanan na ito ay isang "hotbed ng mga ilusyon", "isang pabrika ng mga pangarap." Tinutukoy ng manunulat ang dalawang uri ng teatro: dramatic ("Aristotelian") at "epic" ("non-Aristotelian"). Hindi tulad ng tradisyunal na teatro, na umaakit sa damdamin ng manonood at naghahangad na talunin ang kanyang mga damdamin, ang "epiko" ay umaakit sa isip ng manonood, panlipunan at moral na nagbibigay-liwanag sa kanya. Paulit-ulit na tinukoy ni Brecht ang paghahambing na paglalarawan ng dalawang uri ng teatro. Sinabi niya: "1) Ang dramatikong anyo ng teatro: Ang entablado ay naglalaman ng kaganapan. // Isinasama ang manonood sa aksyon at // "Napapagod" ang kanyang aktibidad, // Ginising ang damdamin ng manonood, // inililipat ang manonood sa ibang kapaligiran, // Inilalagay ang manonood sa gitna ng kaganapan at // ginagawa siyang makiramay, // Pinupukaw ang interes ng manonood sa denouement. // Panawagan sa damdamin ng manonood.

2) Epic theater form: Ito ay nagsasabi ng kuwento ng isang pangyayari. // Inilalagay ang manonood sa posisyon ng isang tagamasid, ngunit // Pinasisigla ang kanyang aktibidad, // Pinipilit siyang gumawa ng mga desisyon, // Nagpapakita sa manonood ng ibang setting, // Inihambing ang manonood sa kaganapan at // Ginagawa siyang pag-aaral , // Pinupukaw ang interes ng manonood sa takbo ng aksyon ... // Apela sa isipan ng manonood "(Pinapanatili ang spelling ng may-akda. - T.Sh.).

Patuloy na ikinukumpara ni Brecht ang layunin, ang konsepto ng kanyang makabagong teatro sa tradisyonal, o kung tawagin niya ito. "Ari-

Stotelievsky"Sa teatro. Sa klasikal na sinaunang trahedya ng Griyego, ang pinakamahalagang prinsipyo ng catharsis ay nagdulot ng pagtutol at negatibong saloobin sa manunulat ng dula. Tila kay Brecht na ang epekto ng paglilinis ng mga hilig ay humahantong sa pagkakasundo at pagtanggap ng hindi perpektong katotohanan. Dapat ding patalasin ng epithet na "epiko" ang ating pansin sa polemiko ni Brecht na may mga pamantayan ng sinaunang estetika: mula sa Poetics ni Aristotle na nagmula ang tradisyon ng pagsalungat sa epiko at dramatiko sa sining. Artistic na kamalayan ng XX siglo. nailalarawan sa kabaligtaran ng kanilang interpenetration.

Ang mga inobasyon sa teatro ni Brecht ay nag-aalala rin sa pag-arte ng mga aktor, na hindi lamang kailangang makabisado ang sining ng reinkarnasyon, ngunit kailangan ding hatulan ang kanilang karakter. The playwright even stated that an ad should be posted in his theater: "Hinihiling na kunan mo ang aktor, dahil ginagampanan niya ang papel sa abot ng kanyang makakaya." Gayunpaman, ang pagkamamamayan ng posisyon ay hindi dapat sumalungat sa makatotohanang paglalarawan, dahil ang eksena ay "hindi isang herbarium o isang zoological museum na may mga pinalamanan na hayop."

Ano ang ginagawang posible sa teatro ni Brecht na lumikha ng ganoong distansya sa pagitan ng manonood at ng entablado, kapag ang manonood ay hindi na lamang nakikiramay sa karakter, ngunit matino na sinusuri at hinuhusgahan ang nangyayari? Ang ganitong sandali sa aesthetics ni Brecht ay ang tinatawag na epekto ng alienation (Verfremdungseffekt, V-Effekt). Sa tulong nito, ang playwright, direktor at aktor ay nagpapakita ng TC o iba pang pamilyar na mga banggaan at salungatan sa buhay, mga uri ng tao sa isang hindi inaasahang, hindi pangkaraniwang pananaw, mula sa isang hindi pangkaraniwang punto ng view. Ginagawa nitong hindi sinasadyang magulat ang manonood at kumuha ng kritikal na posisyon na may kaugnayan sa mga pamilyar na bagay at kilalang phenomena. Ang Brecht ay umaapela sa isipan ng manonood, at sa naturang teatro, isang pampulitika na poster, isang slogan, at zone, at direktang apela sa manonood. Ang Brecht Theater ay isang sintetikong teatro ng mass impact, isang pampulitika na panoorin. Malapit ito sa folk theater ng Germany, kung saan pinahintulutan ng kombensiyon ang synthesis ng mga salita, musika, at sayaw. Zongs - mga solong kanta, diumano'y gumanap sa panahon ng aksyon, sa katunayan ay "alienated", naging isang bago, hindi pangkaraniwang bahagi ng kung ano ang nangyayari sa entablado. Partikular na iginuhit ni Brecht ang atensyon ng madla sa bahaging ito ng pagtatanghal. Ang mga Zong ay madalas na ginanap sa harap na entablado, sa ilalim ng espesyal na pag-iilaw, at direktang itinuro sa auditorium.

Paano isinasama ang "alienasyon effect" sa masining na kasanayan? Ang pinakasikat sa repertoire ng Brecht at ngayon ay tinatangkilik "Threepenny Opera" ("Dreigroshenoper", 1928), nilikha niya batay sa dula ng English playwright na si John Gay "The Beggar's Opera". Ang mundo ng lungsod, mga magnanakaw at mga puta, mga pulubi at mga bandido, na muling nilikha ni Brecht, ay may malayong kaugnayan lamang sa mga detalye ng Ingles ng orihinal. Ang mga problema ng "Threepenny Opera" ay direktang nauugnay sa katotohanan ng Aleman noong twenties. Ang isa sa mga pangunahing problema ng gawaing ito ay napakatumpak na nabuo ng pinuno ng gangster gang, si Macheath, na nagtalo na ang "marumi" na mga krimen ng kanyang mga alipores ay walang iba kundi ang ordinaryong negosyo, at ang "dalisay" na mga pakana ng mga negosyante at bangkero. ay tunay at sopistikadong mga krimen. Nakatulong ang "alienation effect" na maihatid ang ideyang ito sa madla. Kaya, ang pinuno ng isang gang ng magnanakaw, na pinaypayan sa klasikal, lalo na sa literatura ng Aleman, na nagsisimula sa Schiller, isang romantikong halo, ay kahawig ng isang middle-class na negosyante sa Brecht. Nakita namin siyang naka-oversleeves na nakayuko sa libro ng kita at gastos. Ito ay dapat, ayon kay Brecht, magbigay ng inspirasyon sa manonood sa thesis na ang bandido ay ang parehong burgis.

Susubukan naming subaybayan ang pamamaraan ng alienation gamit ang halimbawa ng tatlong pinakatanyag na gawa ng manunulat ng dula. Nagustuhan ni Brecht na sumangguni sa pamilyar, tradisyonal na mga paksa. Nagkaroon ito ng espesyal na kahulugan, na nag-ugat sa mismong kalikasan ng "epic theater". Ang kaalaman sa denouement, mula sa kanyang pananaw, ay pinigilan ang random na emosyon ng manonood at pumukaw ng interes sa takbo ng aksyon, at ito naman, ay pinilit ang tao na kumuha ng kritikal na posisyon na may kaugnayan sa kung ano ang nangyayari sa entablado. . Pampanitikan na pinagmulan ng dula "Mother Courage at ang kanyang mga anak" ("Mutter Courage und ihre Kinder», 1938 ) ay ang kuwento ng isang manunulat na napakasikat sa Germany noong Tatlumpung Taong Digmaan, ang Grimmslshausen. Ang gawain ay nilikha noong 1939, iyon ay, sa bisperas ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, at isang babala sa mga mamamayang Aleman na hindi tumutol sa pagsiklab ng digmaan at nagbilang sa mga benepisyo at pagpapayaman mula rito. Ang balangkas ng dula ay isang tipikal na halimbawa ng "alienasyon effect". Ang pangunahing tauhan sa dula ay ang waitress na si Anna Firling, o sa tawag din sa kanya, Mother Courage. Natanggap niya ang kanyang palayaw para sa kanyang desperadong katapangan, dahil hindi siya natatakot sa alinman sa sundalo, o sa kaaway, o sa kumander. Mayroon siyang tatlong anak: dalawang matapang na anak na lalaki at isang piping anak na babae, si Catherine. Ang pagiging pipi ni Katrin ay ang selyo ng digmaan, minsan sa kanyang pagkabata ay natakot siya ng mga sundalo, at nawalan siya ng kakayahang magsalita. Ang dula ay binuo sa end-to-end na aksyon: isang cart na gumulong sa entablado sa lahat ng oras. Sa unang larawan, ang isang van, na puno ng mga napakahusay na produkto, ay inilunsad sa entablado ng dalawang malalakas na anak na si Courage. Sinundan ni Anna Fierling ang Second Finnish Regiment at natatakot sa mundo nang higit sa anupaman. Eksaktong ginagamit ni Brecht ang pandiwang "burst out". Ito ay may espesyal na kahulugan. Ang salitang ito ay karaniwang ginagamit kapag pinag-uusapan ang mga natural na kalamidad. Para kay Mother Courage, ang mundo ay isang malaking sakuna. Sa loob ng labindalawang taon ng digmaan, nawala ang lahat ng inang Courage: kanyang mga anak, pera, mga gamit. Ang mga anak na lalaki ay naging biktima ng mga pagsasamantala ng militar, ang pipi na anak na babae na si Katrin ay namatay, na iniligtas ang mga naninirahan sa lungsod ng Galle mula sa pagkawasak. Sa huling larawan, tulad ng sa una, isang van ang gumulong sa entablado, ngayon lamang ito hinila pasulong ng isang malungkot na matandang babae na pumayat, isang matandang ina na walang anak, isang kahabag-habag na pulubi. Inaasahan ni Anna Fierling na pagyamanin ang sarili sa pamamagitan ng digmaan, ngunit nagbigay ng isang kakila-kilabot na parangal sa walang kabusugan na Moloch na ito. Ang imahe ng isang malungkot na mahirap na babae, na dinudurog ng kapalaran, isang "maliit na lalaki" ay tradisyonal na nagdudulot ng awa at pakikiramay sa mga manonood at mambabasa. Gayunpaman, sinubukan ni Brecht, sa tulong ng "alienation effect", na maghatid ng ibang ideya sa kamalayan ng kanyang madla. Ipinakita ng manunulat kung paanong ang kahirapan, pagsasamantala, kawalan ng batas sa lipunan at panlilinlang ay nagpapabagal sa moral ng "maliit na tao", na nagdulot ng pagkamakasarili, kalupitan, panlipunan at panlipunang pagkabulag sa kanya. Hindi sinasadya na ang paksang ito ay napaka-pangkasalukuyan sa literatura ng Aleman noong 30-40s, dahil ang milyon-milyong gitna, tinatawag na "maliit" na mga Aleman ay hindi lamang hindi sumalungat sa digmaan, ngunit inaprubahan din ang patakaran ni Hitler, umaasa, tulad ni Anna Fierling , upang yumaman sa kapinsalaan ng digmaan, sa kapinsalaan ng pagdurusa ng iba. Kaya, sa tanong ng sarhento mayor sa unang pelikula: "Anong uri ng digmaan ang walang mga sundalo?" Ang lakas ng loob ay mahinahong tumugon: "Hayaan ang mga sundalo ay hindi maging akin." Ang Feldwebel ay natural na nagtatapos: "Hayaan mo, kung gayon, ang iyong digmaan ay kumakain ng usbong, ngunit iluluwa ba nito ang mansanas? Upang ang digmaan ay pakainin ang iyong mga supling - ito ay, mangyaring, ngunit upang mabayaran mo ang upa para sa digmaan, ito ba ay isang tubo? Ang larawan ay nagtatapos sa mga makahulang salita ng sarhento-mayor: "Iniisip mong mabuhay sa digmaan, kailangan mong bayaran ito!" Binayaran ni Mother Courage ang digmaan sa tatlong buhay ng kanyang mga anak, ngunit wala siyang natutunan, hindi natuto sa mapait na aral na ito. At kahit na sa pagtatapos ng dula, na nawala ang lahat, patuloy siyang naniniwala sa digmaan bilang isang "dakilang nars". Ang dula ay binuo sa end-to-end na aksyon - isang patuloy na pag-uulit ng parehong nakamamatay na pagkakamali. Si Brecht ay labis na pinuna dahil sa katotohanan na sa pagtatapos ng dula ay hindi pinamunuan ng may-akda ang kanyang pangunahing tauhang babae sa epiphany at pagsisisi. Dito ay tumugon siya: "Ang madla kung minsan ay walang kabuluhan na umaasa na ang biktima ng isang sakuna ay kinakailangang matuto ng isang aral mula dito ... Ang manunulat ng dula ay hindi mahalaga na ang Katapangan sa dulo ay makikita ang liwanag ... Ito ay mahalaga para sa manonood na malinaw na nakikita ng manonood ang lahat." Ang pagkabulag sa lipunan at kamangmangan sa lipunan ay hindi nagpapahiwatig ng kahirapan sa pag-iisip, ngunit ito ay mabait at tao lamang hangga't ito ay kapaki-pakinabang, hangga't ito ay tumutugma sa karaniwang "common sense" ng karaniwang "maliit na tao", na nagiging isang maingat philistine. Sumuko ang tapang at, gaya ng inaawit sa zongs tungkol sa "Great Surrender," lumakad sa ilalim ng pamilyar na banner na ito sa buong buhay niya. Ang partikular na kahalagahan sa dula ay ang zong tungkol sa "Mga Dakilang Tao", na sa maraming aspeto ay naglalaman ng susi sa ideolohikal na konsepto ng dula at lahat ng mga pangunahing motibo ay nagsasama-sama, lalo na, ang problema ng mabuti at masama sa buhay ng tao ay malutas, ang tanong kung ito ay nasa mga birtud ay ang kasamaan ng buhay ng tao? Tinanggihan ni Brecht ang maginhawang posisyon na ito ng karaniwang "maliit na tao". Gamit ang halimbawa ng gawa ni Katrin, iginiit ng manunulat ng dulang: ang mabuti ay hindi lamang nakapipinsala, ang mabuti ay tao. Ang ideyang ito ay itinuro ni Brecht sa kanyang mga kontemporaryo. Ang pagkilos ni Catherine ay nagpapatibay lamang sa subjective na pagkakasala ng waitress, ngunit malinaw din na inaakusahan ang mga Aleman, na hindi umimik, ngunit tahimik sa bisperas ng isang banta ng militar. Iginiit ni Brecht ang ideya na walang nakamamatay sa kapalaran ng isang tao. Ang lahat ay nakasalalay sa kanyang kamalayan na posisyon sa buhay, sa kanyang pinili.

Kung isasaalang-alang ang programa ng isang epikong teatro, maaaring magkaroon ng impresyon na pinababayaan ni Brecht ang mga damdamin ng manonood. Hindi ito ganoon, ngunit iginiit ng playwright na ang mga partikular na lugar ay dapat magpatawa at mabigla. Sa sandaling si Elena Weigel, asawa ni Brecht at isa sa mga pinakamahusay na gumaganap ng papel ng Courage, ay nagpasya na subukan ang isang bagong aparato sa pag-arte: sa huling eksena, si Anna Fierling, na nasira ng kahirapan, ay nahulog sa ilalim ng mga gulong ng kanyang van. Sa likod ng mga eksena, nagalit si Brecht. Ang gayong pagtanggap ay nagpapatotoo lamang sa katotohanan na ang matandang babae ay pinagkaitan ng lakas, at pumukaw ng pakikiramay sa madla. Sa kabaligtaran, mula sa kanyang pananaw, sa pangwakas, ang mga aksyon ng "hindi mababago na ignoramus" ay hindi dapat makapagpahinga sa mga damdamin ng manonood, ngunit upang pasiglahin ang tamang konklusyon. Napigilan ito ng adaptasyon ni Weigel.

Isa sa pinaka-buhay na buhay sa trabaho ni Brecht ay ang drama Ang Buhay ni Galileo (Leben des Galilei, 1938-1939, 1947, 1955), matatagpuan sa junction ng mga isyung pangkasaysayan at pilosopikal. Siya ay may ilang mga edisyon, at ito ay hindi isang pormal na tanong. Ang mga ito ay nauugnay sa kasaysayan ng konsepto, ang pagbabago ng konsepto ng akda, ang interpretasyon ng imahe ng pangunahing tauhan. Sa unang bersyon ng dula, si Galileo Brecht ay, siyempre, ang nagdadala ng isang positibong prinsipyo, at ang kanyang kasalungat na pag-uugali ay nagpapatotoo lamang sa mga kumplikadong taktika ng mga anti-pasistang mandirigma na naghahangad na ipanalo ang kanilang layunin. Sa interpretasyong ito, ang pagbibitiw ni Galileo ay nakita bilang isang pasulong na taktika ng pakikibaka. 1945-1947 ang tanong tungkol sa mga taktika ng mga anti-pasista sa ilalim ng lupa na mandirigma ay hindi na nauugnay, ngunit ang atomic na pagsabog sa Hiroshima ay pinilit ni Brecht na suriin ang apostasya ni Galileo sa ibang paraan. Ngayon ang pangunahing problema para sa Brecht ay ang moral na responsibilidad ng mga siyentipiko sa sangkatauhan para sa kanilang mga natuklasan. Iniuugnay ni Brecht ang apostasya ni Galileo sa kawalan ng pananagutan ng mga modernong pisiko na lumikha ng bomba atomika. Paano naisasakatuparan ang “alienation effect” sa balangkas ng dulang ito? Sa loob ng maraming siglo, ang alamat ng Galilea, na nagpatunay sa hula ni Copernicus, ay ipinasa mula sa bibig hanggang sa bibig, tungkol sa kung paano, nasira ng pagpapahirap, tinalikuran niya ang kanyang doktrinang erehe, at pagkatapos ay bumulalas: "Ngunit ito ay lumiliko pa rin!" Ang alamat ay hindi nakumpirma sa kasaysayan, hindi kailanman binigkas ni Galileo ang mga sikat na salita, at pagkatapos ng kanyang pagbibitiw ay sumuko siya sa simbahan. Lumilikha si Brecht ng isang akda kung saan ang mga sikat na salita ay hindi lamang hindi binibigkas, ngunit inaangkin din na hindi sila mabigkas. Si Galileo Brecht ay isang tunay na tao sa Renaissance, masalimuot at magkasalungat. Ang proseso ng pag-unawa para sa kanya ay kasama sa isang pantay na katayuan sa tanikala ng mga kasiyahan sa buhay, at ito ay nakababahala. Unti-unti, nagiging malinaw sa manonood na ang ganitong saloobin sa buhay ay may mga mapanganib na panig at kahihinatnan. Kaya ayaw ni Galileo na isakripisyo ang ginhawa, kasiyahan, kahit na sa ngalan ng mas mataas na tungkulin. Kabilang sa iba pa, nakababahala na ang siyentipiko, para sa kita, ay nagbebenta ng isang teleskopyo sa Republika ng Venice, na hindi niya naimbento. Ang motibo para dito ay medyo simple - kailangan niya ng "mga kaldero ng karne": "Alam mo," sabi niya sa kanyang mag-aaral, "Hinahamak ko ang mga tao na ang utak ay hindi kayang punan ang kanilang mga tiyan." Ang mga taon ay lilipas, at si Galileo, na nahaharap sa pangangailangang pumili, ay isasakripisyo ang katotohanan para sa kapakanan ng isang mahinahon at sagana na buhay. Ang problema sa pagpili sa isang paraan o iba pa ay humaharap sa lahat ng mga sikat na bayani ng Brecht. Gayunpaman, sa dulang "The Life of Galileo" ito ay sentro. Sa kanyang akda na "Small Organon" iginiit ni Brecht: "Ang isang tao ay dapat isaalang-alang bilang siya ay maaaring maging." Masigasig na pinananatili ng manunulat ng dulang sa mga manonood ang paniniwala na maaaring lumaban si Galileo sa Inkisisyon, dahil hindi pinahintulutan ng Papa ang pagpapahirap kay Galileo. Ang mga kahinaan ng siyentipiko ay alam ng kanyang mga kaaway, at alam nila na hindi ito magiging mahirap na itakwil siya. Minsan, pinatalsik ang isang alagad, sinabi ni Galileo: "Ang hindi nakakaalam ng katotohanan ay isang ignoramus lamang, ngunit ang sinumang nakakaalam nito at tinawag itong kasinungalingan ay isang kriminal." Ang mga salitang ito ay parang hula sa dula. Hinatulan ang kanyang sarili sa ibang pagkakataon para sa kanyang kahinaan, bulalas ni Galileo, na tinutugunan ang mga siyentipiko: "Ang agwat sa pagitan mo at ng sangkatauhan ay maaaring balang araw ay maging napakalaki na ang iyong mga sigaw ng pagdiriwang tungkol sa ilang pagtuklas ay sasagutin ka ng isang unibersal na sigaw ng kakila-kilabot." Ang mga salitang ito ay naging makahulang.

Ang bawat detalye sa drama ni Brecht ay makabuluhan. Ang tagpo ng pagtatalaga kay Pope Urban VIII ay makabuluhan. May isang uri ng "alienation" ng kanyang pagkatao. Habang nagpapatuloy ang seremonya ng vestment, si Urban, isang lalaking sumasalungat sa interogasyon ni Galileo sa Inquisition, ay naging Urban VIII, na nagpapahintulot sa interogasyon ng isang siyentipiko sa torture hall. Ang Buhay ni Galileo ay madalas na kasama ng mga sinehan sa kanilang mga repertoire. Ang sikat na mang-aawit at aktor na si Ernst Bush ay nararapat na itinuturing na pinakamahusay na tagapalabas ng papel ni Galileo.

Tulad ng alam mo, ang pokus ng pansin ni Brecht ay palaging isang simple, tinatawag na "maliit" na tao, na, mula sa kanyang pananaw, sa pamamagitan ng kanyang pag-iral ay binawi ang mga plano ng mga dakila sa mundong ito. Ito ay sa isang simpleng "maliit" na tao, sa kanyang panlipunang kaliwanagan at moral na pagbabagong-buhay, na iniugnay ni Brecht ang hinaharap. Si Brecht ay hindi kailanman nanligaw sa mga tao, ang kanyang mga bayani ay hindi isang handang modelo para sa panggagaya, lagi silang may mga kahinaan at pagkukulang, kaya laging may pagkakataon para sa pagpuna. Ang katwiran kung minsan ay namamalagi sa pagpukaw ng kritikal na pag-iisip sa manonood.

Ang gawa ni Brecht ay may sariling mga leitmotif. Isa sa kanila - ang tema ng mabuti at masama, nakapaloob, sa katunayan, sa lahat ng mga gawa ng manunulat ng dula. "Ang Mabuting Tao mula sa Sichuan" ("Der gute Mensch von Sezuan" f 1938-1942) - isang dula-dulaan. Nakahanap si Brecht ng isang kamangha-manghang anyo para sa bagay na ito - hindi kapani-paniwala sa kondisyon at sa parehong oras ay konkretong sensual. Napansin ng mga mananaliksik na ang impetus para sa pagsulat ng dulang ito ay ang balada ni Goethe na "Diyos at Bayadera", batay sa alamat ng Hindu tungkol sa kung paano ang diyos na si Magadev, na nagnanais na makaranas ng kabaitan ng tao, ay bumaba sa lupa at gumagala sa lupa sa anyo ng isang pulubi. Walang sinuman ang nagpapapasok ng pagod na manlalakbay sa kanyang tahanan, dahil siya ay mahirap. Tanging ang bayadera lamang ang nagbubukas ng pinto sa gumagala sa kanyang kubo. Kinaumagahan, ang binata na umibig sa kanya ay namatay, at ang bayadera ay kusang-loob, tulad ng isang asawa, na umakyat sa funeral pyre pagkatapos niya. Para sa kabaitan at debosyon, ginagantimpalaan ng Diyos ang bayadere at itinaas siyang buhay sa langit. "I-alienate" ni Brecht ang isang kilalang balangkas. Ang tanong niya: kailangan ba ni Bayadera ang kapatawaran ng Diyos at hindi ba madali para sa kanya ang maging mabait sa langit at kung paano manatiling mabait sa lupa? Ang mga diyos, na nabalisa ng mga reklamo na umaakyat sa langit mula sa mga labi ng mga tao, ay bumaba sa lupa upang makahanap ng kahit isang mabait na tao. Sila ay pagod at mainit, ngunit ang tanging mabait na tao na nakilala sa kanilang paglalakbay, ang tagadala ng tubig na si Wang, ay hindi rin sapat na tapat - ang kanyang mug na may double bottom. Ang mga pintuan ng mga mayayamang bahay ay nakasara sa harap ng mga diyos. Tanging ang pinto lamang ng kawawang batang babae na si Shen De ang nananatiling bukas, at hindi siya maaaring tumanggi na tumulong sa sinuman. Sa umaga, ang mga diyos, na nagbibigay ng gantimpala sa kanya ng mga barya, ay umakyat sa isang kulay-rosas na ulap, nasiyahan na nakahanap sila ng hindi bababa sa isang mabait na tao. Nagbukas ng tindahan ng tabako, nagsimulang tumulong si Shen De sa lahat ng nangangailangan. Pagkaraan ng ilang araw, naging malinaw sa kanya na kung hindi siya magiging masama, hindi siya kailanman makakagawa ng kabutihan. Sa sandaling ito, lumilitaw ang kanyang pinsan: ang kasamaan at pagkalkula na si Shoy Da. Ang mga tao at diyos ay nag-aalala tungkol sa pagkawala ng nag-iisang mabait na tao sa mundo. Sa panahon ng paglilitis, nagiging malinaw na ang pinsan na kinasusuklaman ng mga tao at ang uri ng "anghel ng mga suburb" ay isang tao. Itinuring ni Brecht na hindi ito katanggap-tanggap kapag sa magkahiwalay na mga produksyon sinubukan ng mga nangungunang papel na lumikha ng dalawang magkasalungat na larawan, o Shoy Da at Shen De ay ginampanan ng magkaibang mga performer. Ang Mabuting Tao mula sa Sichuan ay malinaw at madaling sabi: sa likas na katangian ng isang tao ay mabait, ngunit ang buhay at mga kalagayang panlipunan ay tulad na ang mabubuting gawa ay nagdudulot ng kapahamakan, at ang masasamang gawa ay nagdudulot ng kaunlaran. Sa pamamagitan ng pagpapasya na isaalang-alang si Shen De na isang mabuting tao, ang mga diyos ay talagang hindi nalutas ang problema. Sinasadya ni Brecht na hindi ito tapusin. Ang manonood ng epikong teatro ay dapat gumawa ng konklusyon sa kanyang sarili.

Isa sa mga kahanga-hangang dula noong panahon ng post-war ay ang sikat "Caucasian chalk circle" ("Der Kaukasische Kreidekreis", 1949). Nakapagtataka na sa gawaing ito ay "inaalis" ni Brecht ang talinghaga sa Bibliya ni Haring Solomon. Ang kanyang mga bayani ay parehong matatalinong indibidwal at tagapagdala ng karunungan sa Bibliya. Ang mahiyain na pagtatangka ng schoolboy-Brecht na magbasa ng Bibliya sa isang bagong paraan sa play-transcription na "Judith" ay malawakang natanto sa play-parable na "The Caucasian Chalk Circle", tulad ng gagawin ng mga didaktikong gawain ng "educational" na mga dula. mahanap ang kanilang matingkad na embodiment sa mga dula-“modelo”: Antigone-48, Coriolanus, Gouverner, Don Juan. Ang una sa isang serye ng mga "modelo" pagkatapos ng digmaan ay "Antigone", na isinulat noong 1947 sa Switzerland at inilathala sa aklat "Modelo" Antigone-48 " sa Berlin noong 1949. Pinili ang sikat na trahedya ni Sophocles bilang unang "modelo", nagpatuloy si Brecht mula sa mga suliraning panlipunan at pilosopikal nito. Nakita ng manunulat ng dulang ito ang mga posibilidad ng isang aktwal na pagbabasa at muling pag-iisip ng nilalaman mula sa punto ng view ng makasaysayang sitwasyon kung saan natagpuan ng mga Aleman ang kanilang sarili sa mga araw ng pagkamatay ng Reich, at mula sa punto ng view ng mga tanong na iniharap sa kanila ng kasaysayan noong panahong iyon. Alam ng manunulat ng dulang ang katotohanan na ang "mga modelo" ay masyadong malinaw na nauugnay sa mga partikular na pagkakatulad sa pulitika at mga makasaysayang sitwasyon ay hindi nakalaan sa mahabang buhay. Sila ay mabilis na magiging "luma na" sa moral, samakatuwid, upang makita sa bagong German Antigone lamang ang isang antipasista na sinadya para sa playwright na pahirapan ang pilosopikal na tunog hindi lamang ng sinaunang imahe, kundi pati na rin ng "modelo" mismo. Nakaka-curious kung paano, sa kontekstong ito, unti-unting nililinaw ni Brecht ang tema at layunin ng pagtatanghal. Kaya kung sa produksyon ng 1947-1948. ang gawain ng pagpapakita ng "papel ng karahasan sa pagkawatak-watak ng naghaharing elite" ay nauna, at ang mga pahayag ay tumpak na itinuro ang kamakailang nakaraan ng Alemanya ("Berlin.

Abril 1945. madaling araw. Dalawang kapatid na babae ang bumabalik mula sa kanlungan ng bomba sa kanilang mga tahanan "), pagkatapos makalipas ang apat na taon, ang gayong" pagmamahal "at pagiging prangka ay nagsimulang humadlang sa mga direktor ng pagtatanghal. Sa bagong Prologue para sa produksyon ng Antigone noong 1951, iniharap ni Brecht ang ibang moral at etikal na aspeto, ibang tema - "ang dakilang moral na gawa ng Antigone". Kaya, ipinakilala ng playwright ang ideolohikal na nilalaman ng kanyang "modelo" sa lugar ng mga problema ng paghaharap sa pagitan ng barbarismo at humanismo, dignidad ng tao, responsibilidad sa moral ng tao at mamamayan para sa kanilang mga aksyon, katangian ng panitikan ng Aleman noong 1930s at 1940s. .

Sa pagtatapos ng pag-uusap tungkol sa "epic theater" ni Brecht, dapat na muling bigyang-diin na ang mga aesthetic na pananaw ng manunulat ay nabuo at nakonkreto sa buong buhay niya. Binago ang mga prinsipyo ng kanyang "non-Aristotslean" na drama. Ang teksto ng kanyang mga tanyag na dula ay hindi nanatiling hindi nagbabago, palaging "bumaling" sa kaukulang makasaysayang sitwasyon at ang panlipunan at moral na mga pangangailangan ng manonood. "Ang pinakamahalagang bagay ay ang mga tao" - ang gayong testamento ay iniwan ni Bertolt Brecht sa kanyang mga kasama at kahalili.

Ang Berlin Opera ay ang pinakamalaking bulwagan ng konsiyerto sa lungsod. Itong elegante at minimalist na istraktura ay nagmula noong 1962 at idinisenyo ni Fritz Bornemann. Ang nakaraang gusali ng opera ay ganap na nawasak noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Humigit-kumulang 70 opera ang itinatanghal dito taun-taon. Karaniwang pinupuntahan ko ang lahat ng mga produksiyon ni Wagner, ang napakaraming mythical na dimensyon na kung saan ay ganap na inihayag sa entablado ng teatro.

Noong una akong lumipat sa Berlin, binigyan ako ng mga kaibigan ng tiket sa isa sa mga pagtatanghal sa German Theater. Simula noon, isa na ito sa mga paborito kong drama theater. Dalawang bulwagan, iba't ibang repertoire at isa sa pinakamahusay na mga tropa sa pag-arte sa Europa. Bawat season ang teatro ay nagpapakita ng 20 bagong pagtatanghal.

Ang Hebbel am Ufer ay ang pinaka-avant-garde na teatro, kung saan makikita mo ang lahat maliban sa mga klasikal na pagtatanghal. Dito, ang madla ay kasangkot sa aksyon: kusang inanyayahan na maghabi ng mga pangungusap sa diyalogo sa entablado o gumawa ng isang gasgas sa mga turntable. Minsan ang mga aktor ay hindi pumupunta sa entablado, at pagkatapos ay iniimbitahan ang madla na dumaan sa listahan ng mga address sa Berlin upang mahuli ang aksyon doon. Ang HAU ay nagpapatakbo sa tatlong venue (bawat isa ay may sariling programa, focus at dynamics) at isa sa mga pinaka-dynamic na modernong mga sinehan sa Germany.

Ang terminong "epic theater" ay unang ipinakilala ni E. Piscator, ngunit nakakuha ito ng malawak na aesthetic distribution salamat sa direktoryo at teoretikal na mga gawa ni Bertolt Brecht. Muling binigyang-kahulugan ni Brecht ang terminong "epic theater".

Bertolt Brecht (1898-1956) - German playwright, makata, publicist, direktor, theater theorist. Siya ay kalahok sa rebolusyong Aleman noong 1918. Ang unang dula ay isinulat niya noong 1918. Si Brecht ay palaging may aktibong posisyon sa lipunan, na ipinakita sa kanyang mga dula, na puno ng isang anti-burges na espiritu. Ang "Mother Courage and Her Children", "The Life of Galileo", "The Rise of Arthur Ui", "The Caucasian Chalk Circle" ay ang kanyang pinakasikat at repertoire na mga dula. Matapos mamuno si Hitler, lumipat si Brecht mula sa bansa. Siya ay nanirahan sa maraming bansa, kabilang ang Finland, Denmark, USA, na lumilikha ng kanyang mga anti-pasistang gawa sa panahong ito.

Ang mga teoretikal na pananaw ni Brecht ay itinakda sa mga artikulo: "Ang lawak at iba't ibang makatotohanang paraan ng pagsulat", "Nasyonalidad at Realismo", "Maliit na Organ para sa Teatro", "Dialectics sa Teatro", "Mga Round Head at Sharp Heads" at iba pa. Tinawag ni Brecht ang kanyang teorya na "epic theater". Ang pangunahing gawain ng teatro Brecht ay nakita ang kakayahang ihatid sa publiko ang mga batas ng pag-unlad ng lipunan ng tao. Sa kanyang opinyon, ang nakaraang drama, na tinawag niyang "Aristotelian", ay naglinang ng damdamin ng awa at pakikiramay sa mga tao. Bilang kapalit ng mga damdaming ito, nanawagan si Brecht sa teatro upang pukawin ang mga emosyon ng isang kaayusang panlipunan - galit laban sa mga alipin at paghanga sa kabayanihan ng mga mandirigma. Sa halip na drama, na umaasa sa empatiya ng madla, inilalagay ni Brecht ang mga prinsipyo para sa pagbuo ng mga dula na magdudulot ng sorpresa at pagiging epektibo sa publiko, at kamalayan sa mga suliraning panlipunan. Ipinakilala ni Brecht ang isang pamamaraan na tinatawag niyang "alienation effect," na nangangahulugang ang kilalang-kilala ay ipinakita sa publiko mula sa isang hindi inaasahang anggulo. Para magawa ito, sinisikap niyang sirain ang ilusyon sa entablado ng "authenticity." Nakamit niya ang pag-aayos ng atensyon ng manonood sa pinakamahalagang kaisipan ng may-akda sa pamamagitan ng pagpapakilala ng isang kanta (zonga), isang koro sa pagtatanghal. Naniniwala si Brecht na ang pangunahing gawain ng aktor ay pampubliko. Inirerekomenda niya na lapitan ng aktor ang imahe na nilikha ng manunulat ng dula mula sa pananaw ng isang saksi sa korte, na interesadong malaman ang katotohanan (ang pamamaraang "mula sa saksi"), iyon ay, upang komprehensibong pag-aralan ang mga aksyon ng aktor at kanilang mga motibo. Pinapayagan ng Brecht ang muling pagkakatawang-tao ng aktor, ngunit sa panahon lamang ng rehearsal, habang ang imahe ay "ipinapakita" sa entablado. Ang mga Mise-en-scenes ay dapat na lubos na nagpapahayag at puspos - hanggang sa metapora, simbolo. Si Brecht, habang nagtatrabaho sa dula, ay binuo ito sa prinsipyo ng isang frame ng pelikula. Sa layuning ito, ginamit niya ang "modelo" na paraan, iyon ay, ang pag-aayos ng pinakamaliwanag na mise-en-scenes at mga indibidwal na pose ng aktor sa pelikula upang ayusin ang mga ito. Si Brecht ay sumasalungat sa ilusyon na likas na nilikha sa entablado, isang kalaban sa "atmosphere of mood".

Sa teatro ng Brecht ng unang panahon, ang pangunahing paraan ng trabaho ay ang paraan ng induction. Noong 1924, kumilos si Brecht bilang isang direktor sa unang pagkakataon, na nagtanghal ng dulang Life of Edward II ng England sa Munich Chamber Theater. Dito niya ganap na pinagkaitan ang kanyang pagganap ng karangyaan at extrahistoricity, na kaugalian para sa pagtatanghal ng naturang mga klasiko. Puspusan ang talakayan tungkol sa pagtatanghal ng mga klasikal na dula noong panahong iyon sa teatro ng Aleman. Iminungkahi ng mga Expressionist ang radikal na muling paggawa ng mga dula, dahil isinulat ito sa ibang makasaysayang panahon. Naniniwala rin si Brecht na ang modernisasyon ng mga klasiko ay hindi maiiwasan, ngunit naniniwala na ang dula ay hindi maaaring ganap na bawian ng historicism. Binibigyang-pansin niya ang mga elemento ng lugar, folklore theater, sa tulong ng mga ito ay binuhay niya ang kanyang mga pagtatanghal.

Sa dulang "Ang Buhay ni Edward ..." Lumilikha si Brecht ng isang medyo malupit at katamtamang kapaligiran sa entablado. Ang lahat ng mga karakter ay nakasuot ng canvas costume. Kasama ang trono sa plantsa ay isang halos niniting na upuan, at sa tabi nito ay isang dali-daling itinayo na tribune para sa mga tagapagsalita ng English parliament. Si Haring Edward ay kahit papaano ay hindi komportable at hindi komportable sa kanyang upuan, at sa paligid niya ay nakatayo ang mga panginoon, na nagsisiksikan sa isang bunton. Ang pakikibaka ng mga estadista na ito sa dula ay nauwi sa mga iskandalo at pagtatalo, habang ang mga motibo at pag-iisip ng mga aktor ay hindi naman marangal. Bawat isa sa kanila ay gustong agawin ang kanilang kakanin. Si Brecht, isang inveterate materialist, ay naniniwala na ang mga modernong direktor ay hindi palaging isinasaalang-alang ang mga materyal na insentibo sa pag-uugali ng mga karakter. Sa kabaligtaran, nakatuon siya sa kanila. Sa unang produksyong Brechtian na ito, ang pagiging totoo ng pagtatanghal ay isinilang mula sa isang detalyadong, malapit na pagsusuri sa pinakamaliit at hindi gaanong mahalaga (sa unang sulyap) na mga kaganapan at detalye. Ang pangunahing elemento ng disenyo ng pagganap ay isang pader na may maraming mga bintana, na inilagay sa background ng entablado. Nang, sa takbo ng dula, ang galit ng mga tao ay umabot sa kasukdulan nito, lahat ng mga panara sa bintana ay nabuksan, ang mga galit na mukha ay lumitaw sa kanila, ang mga hiyawan at mga pahayag ng galit ay narinig. At ang lahat ng ito ay pinagsama sa isang pangkalahatang dagundong ng galit. Isang tanyag na pag-aalsa ang paparating. Ngunit paano malulutas ang mga eksena ng labanan? Iminungkahi ito kay Brecht ng isang kilalang clown sa kanyang panahon. Tinanong ni Brecht si Valentine - ano ang sundalo sa labanan? At ang payaso ay sumagot sa kanya: "Ang puti ay parang tisa, hindi sila papatay - ito ay magiging buo." Ang lahat ng mga sundalo ng pagtatanghal ay gumanap sa solid puting make-up. Uulitin ni Brech ang matagumpay na pamamaraang ito na natagpuan niya nang maraming beses sa iba't ibang mga pagkakaiba-iba.

Matapos lumipat sa Berlin noong 1924, nagtrabaho si Brecht nang ilang oras sa seksyong pampanitikan ng Deutsches Theater, na nangangarap na magbukas ng kanyang sariling teatro. Samantala, noong 1926, itinanghal niya ang kanyang maagang paglalaro na Baal kasama ang mga batang aktor ng Deutsches Theater. Noong 1931 nagtrabaho siya sa entablado ng "State Steater", kung saan gumawa siya ng isang dula batay sa kanyang dula na "Ano ang sundalo, ano ito", at noong 1932, sa entablado ng Theater am Schiffbau-erdamm, siya itinanghal ang dulang "Ina".

Ang gusali ng teatro sa Schiffbauerdamm embankment ay napunta sa Brecht nang hindi sinasadya. Noong 1928, inupahan ito ng batang aktor na si Ernst Aufricht at nagsimulang tipunin ang kanyang tropa. Ipinakilala ng artist na si Kaspar Neer si Brecht sa nangungupahan ng teatro, at nagsimula silang magtrabaho nang magkasama. Inaanyayahan naman ni Brecht ang direktor na si Erich Engel (1891-1966) sa teatro, kung saan nagtrabaho siya nang magkasama sa Munich at na, kasama si Brecht, ay bumuo ng istilo ng epikong teatro.

Ang Theater am Schiffbauerdam ay nagbukas sa Brecht's Threepenny Opera sa direksyon ni Erich Engel. Ang pagtatanghal, sa paglalarawan ng Yurecht, ay may sumusunod na anyo: "... Sa likod ng entablado ay may isang malaking fairground organ, ang jazz ay matatagpuan sa mga hagdan. Ang mga pintura ni Neer. Sa panahon ng pagtatanghal ng mga kanta, ang kanilang mga pangalan lumitaw sa malalaking titik at ang mga lampara ay bumaba mula sa mga rehas na bakal. Upang paghaluin ang pagkabulok sa bagong bagay, karangyaan at kasiraan, ang kurtina ay isang maliit, hindi masyadong malinis na piraso ng magaspang na calico na gumagalaw sa isang alambre." Nakakita ang direktor ng medyo tumpak na anyo ng teatro para sa bawat episode. Ginamit niya nang husto ang paraan ng pag-edit. Gayunpaman, dinala ni Egnel sa entablado hindi lamang ang mga social mask at ideya, ngunit nakita din ang sikolohikal na motibo ng pag-uugali sa likod ng mga simpleng aksyon ng tao, at hindi lamang ng mga panlipunan. Sa pagtatanghal na ito, mahalaga ang musikang isinulat ni Kurt Weil. Ito ay mga zong, na ang bawat isa ay isang hiwalay na numero at isang "naghiwalay na monologo" ng may-akda ng dula at ng direktor ng dula.

Sa panahon ng pagganap ng zong, ang aktor ay nagsalita para sa kanyang sarili, at hindi sa ngalan ng kanyang karakter. Ang pagganap ay naging matalim, kabalintunaan, maliwanag.

Ang tropa ng teatro ay medyo magkakaiba. Kabilang dito ang mga aktor mula sa iba't ibang background at paaralan. Ang iba ay nagsisimula pa lamang sa kanilang mga artistikong karera, ang iba ay sanay na sa katanyagan at kasikatan. Gayunpaman, lumikha ang direktor ng isang solong acting ensemble sa kanyang pagganap. Lubos na pinahahalagahan ni Brecht ang gawaing ito ni Engel at itinuring ang The Threepenny Opera na isang mahalagang praktikal na sagisag ng ideya ng epikong teatro.

Kasabay ng trabaho sa teatro na ito, sinubukan ni Brecht ang kanyang kamay sa iba pang mga yugto, kasama ang iba pang mga aktor. Sa nabanggit na 1931 na pagtatanghal ng kanyang dula na "Ano ang kawal na ito" inayos ni Brecht ang isang booth sa entablado - na may mga disguises, maskara, mga numero ng sirko. Hayagan niyang ginagamit ang mga pamamaraan ng isang teatro sa peryahan, na naglalahad ng isang talinghaga sa harap ng publiko. "Ang mga higanteng sundalo, na nakabitin na may mga sandata, nakasuot ng tunika, nabahiran ng apog, dugo, at dumi, naglalakad sa paligid ng entablado, humahawak sa alambre upang hindi mahulog sa mga stilts na nakatago sa kanilang pantalon, ay naglalarawan ng isang elepante ... Ang huling eksena ng dula - mula sa naghihiwalay na mga tao hanggang sa unahan na may kutsilyo sa kanyang mga ngipin, nakasabit na may mga granada, sa isang uniporme na mabaho sa putik ng trench, ang mahiyain at mahusay na ibig sabihin ng philistine kahapon, ang makina ngayon para sa pagpatay ng mga tao, "- ito ay kung paano sinabi ng kritiko tungkol sa dula. Inilarawan ni Brecht ang mga sundalo bilang isang non-judgmental na gang. Sila, sa kurso ng pagganap, nawala ang kanilang hitsura ng tao, naging mga pangit na halimaw, na may hindi katimbang na proporsyon ng katawan (mahabang braso). Ayon kay Brecht, ang kawalan ng kakayahang mag-isip at suriin ang kanilang mga kilos ay naging sanhi ng kanilang pagkakahawig ng mga hayop. Ganito ang panahon - ang Weimar Republic ay namamatay sa harap ng lahat. Nauna ang pasismo. Sinabi ni Brecht na pinanatili niya sa kanyang pagganap ang mga palatandaan ng panahon, ipinanganak noong 20s, ngunit pinalakas ang mga ito sa pamamagitan ng paghahambing sa mga ito sa kasalukuyan.

Ang huling gawaing direktoryo ni Brecht sa panahong ito ay isang play-adaptation ng nobelang "Mother" ni Gorky (1932). Ito ay isang pagtatangka na muling isama ang mga prinsipyo ng epikong teatro sa entablado. Ang mga inskripsiyon, mga poster na nagkomento sa takbo ng mga kaganapan, ang pagsusuri ng inilalarawan, ang pagtanggi na masanay sa mga imahe, ang makatwirang pagbuo ng buong pagganap, ay nagsalita tungkol sa direksyon nito - ang pagganap ay hindi umapela sa mga damdamin, ngunit sa ang isip ng manonood. Ascetic ang performance in the pictorial sense, parang ayaw ng director ng kahit ano para pigilan ang audience sa pag-iisip. Nagturo si Brecht - nagturo sa tulong ng kanyang rebolusyonaryong pedagogy. Ang pagtatanghal na ito ay ipinagbawal ng pulisya pagkatapos ng ilang pagtatanghal. Ang censorship ay nagalit sa huling eksena ng dula, nang si Inay na may pulang bandila sa kanyang kamay ay lumakad sa hanay ng kanyang mga kapwa wrestler. Ang hanay ng mga demonstrador ay literal na lumipat patungo sa publiko ... at huminto sa mismong linya ng rampa. Ito ang huling rebolusyonaryong pagganap na ipinakita sa bisperas ng pagbangon ni Hitler sa kapangyarihan. Sa panahon mula 1933 hanggang 1945, mayroong dalawang sinehan sa Alemanya: ang isa ay ang organ ng propaganda ng rehimeng Hitler, ang isa ay ang teatro ng mga destiyero na naninirahan sa mga kaisipan, proyekto at disenyo ng lahat ng mga nahiwalay sa kanilang lupa. Gayunpaman, ang karanasan ng epikong teatro ni Brecht ay pumasok sa treasury ng mga ideya sa teatro noong ika-20 siglo. Magagamit sila ng higit sa isang beses, kasama na sa aming entablado, lalo na sa Taganka Theater.

B. Brecht ay babalik sa East Germany at lilikha doon ng isa sa pinakamalaking sinehan ng GDR - "Berliner Ensemble".

Si Berthold Brecht ay isang natatanging repormador ng Kanluraning teatro, lumikha siya ng isang bagong uri ng drama at isang bagong teorya, na tinawag niyang "epiko".

Ano ang kakanyahan ng teorya ni Brecht? Ayon sa ideya ng may-akda, ito ay dapat na isang drama kung saan ang pangunahing papel ay itinalaga hindi sa aksyon, na siyang batayan ng "klasikal" na teatro, ngunit ang kuwento (kaya tinawag na "epiko"). Sa proseso ng naturang kuwento, ang eksena ay kailangang manatiling isang eksena lamang, at hindi isang "kapanipaniwalang" imitasyon ng buhay, ang karakter - ang papel na ginagampanan ng aktor (kumpara sa tradisyonal na kasanayan ng "reinkarnasyon" ng aktor. sa isang bayani), na itinatanghal - eksklusibong isang sketch sa entablado, espesyal na libre sa ilusyon na "Likeness" ng buhay.

Sa pagsisikap na muling likhain ang "kuwento", pinalitan ni Brecht ang klasikal na paghahati ng drama sa mga aksyon at mga kilos na may komposisyon ng salaysay, ayon sa kung saan ang balangkas ng dula ay lumikha ng magkakaugnay na mga larawan. Dagdag pa rito, iba't ibang komento ang ipinakilala sa "epic drama", na naglalapit din dito sa "kuwento": mga pamagat na naglalarawan sa nilalaman ng mga kuwadro na gawa; mga kanta ("zongs"), na nagpaliwanag din kung ano ang nangyayari sa entablado; apela ng mga aktor sa publiko; mga inskripsiyon na naka-project sa screen, atbp.

Ang tradisyunal na teatro ("dramatiko" o "Aristotelian", tulad ng mga batas nito ay binuo ni Aristotle) ​​ay nagpapaalipin sa manonood, ayon kay Brecht, na may ilusyon ng pagiging totoo, ganap na nilulubog siya sa empatiya, hindi nagbibigay ng pagkakataon na makita kung ano ang nangyayari. mula sa labas. Si Brecht, na may mas mataas na pakiramdam ng sosyalidad, ay isinasaalang-alang ang pangunahing gawain ng teatro upang turuan ang madla sa kamalayan ng klase at kahandaan para sa pakikibakang pampulitika. Ang ganitong gawain, sa kanyang opinyon, ay maaaring isagawa ng isang "epikong teatro", na, bilang kabaligtaran sa tradisyonal na teatro, ay tumutugon hindi sa damdamin ng manonood, ngunit sa kanyang isip. Hindi kumakatawan sa isang embodiment ng mga kaganapan sa entablado, ngunit isang kuwento tungkol sa kung ano ang nangyari na, pinapanatili niya ang isang emosyonal na distansya sa pagitan ng entablado at ng madla, na pinipilit siyang hindi gaanong makiramay sa kung ano ang nangyayari bilang pag-aralan ito.

Ang pangunahing prinsipyo ng epikong teatro ay ang "alienation effect", isang hanay ng mga diskarte kung saan ang isang pamilyar at pamilyar na kababalaghan ay "nahihiwalay", "naalis", iyon ay, hindi inaasahang lumilitaw mula sa isang hindi pamilyar, bagong panig, posisyon na may kaugnayan sa ang mga kaganapang inilalarawan ”, na nag-uudyok para sa panlipunang pagkilos. Ang "epekto ng alienation" sa mga dula (at kalaunan sa mga pagtatanghal ni Brecht) ay nakamit sa pamamagitan ng isang kumplikadong paraan ng pagpapahayag. Ang isa sa mga ito ay isang apela sa mga kilalang plot ("Threepenny Opera", "Mother Courage and Her Children", "The Caucasian Chalk Circle", atbp.), na nakatuon sa atensyon ng manonood hindi sa kung ano ang mangyayari, ngunit sa kung paano ito mangyayari magaganap. Ang isa pa ay zongs, mga kantang ipinakilala sa tela ng dula, ngunit hindi ito pagpapatuloy ng aksyon, ngunit itigil ito. Lumilikha si Zong ng distansya sa pagitan ng aktor at ng karakter, dahil ipinapahayag nito ang saloobin ng hindi karakter sa kung ano ang nangyayari, ngunit ang may-akda at gumaganap ng papel. Kaya naman ang espesyal, "ayon kay Brecht", paraan ng pag-iral ng aktor sa papel, palaging nagpapaalala sa manonood na sa harap niya ay isang teatro, at hindi isang "piraso ng buhay."

Binigyang-diin ni Brecht na ang "epekto ng alienation" ay hindi isang tampok ng kanyang aesthetics lamang, ngunit orihinal na katangian ng sining, na palaging hindi katulad ng buhay. Sa pagbuo ng teorya ng epikong teatro, umasa siya sa maraming probisyon ng aesthetics ng Enlightenment at ang karanasan ng oriental na teatro, sa partikular na Tsino. Ang mga pangunahing tesis ng teoryang ito ay sa wakas ay nabuo ni Brecht sa mga gawa noong 1940s: "Pagbili ng tanso", "Scene ng kalye" (1940), "Maliit na organon" para sa teatro "(1948).

Ang "alienation effect" ay isang pivot na tumagos sa lahat ng antas ng "epic drama": plot, sistema ng mga imahe, artistikong detalye, wika, atbp., hanggang sa tanawin, mga tampok ng acting technique at stage lighting.

Berliner Ensemble

Ang Berliner Ensemble ay aktwal na nilikha ni Bertolt Brecht noong huling bahagi ng taglagas ng 1948. Matapos ang kanyang pagbabalik sa Europa mula sa Estados Unidos, si Brecht at ang kanyang asawa, ang aktres na si Helena Weigel, ay mainit na binati sa silangang sektor ng Berlin pagkatapos ng kanilang pagbabalik sa Europa mula sa Estados Unidos. Teatro sa Schiffbauerdamm, kung saan nanirahan si Brecht at ang kanyang kasamang si Erich Engel noong huling bahagi ng 1920s (sa teatro na ito, partikular, noong Agosto 1928, itinanghal ni Engel ang unang produksyon ng Threepenny Opera nina Brecht at K. Weill, ay inookupahan ng Volksbühne ", Kaninong gusali ay ganap na nawasak, hindi itinuring ni Brecht na posible na mabuhay mula sa Teatro sa Schiffbauerdam, na pinamumunuan ni Fritz Wistenom, at sa susunod na limang taon, ang kanyang tropa ay nakanlungan ng German Theater.

Ang Berliner Ensemble ay nilikha bilang isang studio theater sa German Theater, na di-nagtagal ay pinamunuan ni Wolfgang Langhof, na bumalik mula sa pangingibang-bansa. Ang Studio Theater Project, na binuo nina Brecht at Langhof, ay naisip, sa unang season, na umaakit sa mga kilalang aktor mula sa pangingibang-bansa "sa pamamagitan ng maikling paglilibot", kabilang sina Theresa Giese, Leonard Steckel at Peter Lorre. Sa hinaharap, ito ay dapat na "lumikha sa batayan na ito ng kanilang sariling grupo."

Upang magtrabaho sa bagong teatro, kinuha ni Brecht ang kanyang mga matagal nang kasama - direktor na si Erich Engel, artist na si Kaspar Neer, mga kompositor na sina Hans Eisler at Paul Dessau.

Tungkol sa teatro ng Aleman noon, walang kinikilingan si Brecht: “... Ang mga panlabas na epekto at maling sensitivity ang naging pangunahing trump card ng aktor. Ang mga modelong karapat-dapat gayahin ay pinalitan ng binibigyang-diin na karangyaan, at tunay na pagnanasa - sa pamamagitan ng pagkukunwaring ugali. Itinuring ni Brecht na ang pakikibaka upang mapanatili ang kapayapaan ang pinakamahalagang gawain para sa sinumang artista, at ang kalapati ng kapayapaan, si Pablo Picasso, ay naging sagisag ng teatro, na inilagay sa kurtina nito.

Noong Enero 1949, ang premiere ng dula ni Brecht na Mother Courage and Her Children, isang pinagsamang produksyon ni Erich Engel at ng may-akda; Si Helena Weigel ay gumanap bilang Courage, si Angelica Hurwitz ay gumanap bilang Catherine, si Paul Bildt ay gumanap bilang Cook. ". Sinimulan ni Brecht ang paglalaro sa pagkatapon noong bisperas ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. “Nang sumulat ako,” pag-amin niya nang maglaon, “para sa akin ang babala ng manunulat ng dulang iyan ay lalabas mula sa mga eksena ng ilang malalaking lungsod, isang babala na sinumang gustong mag-almusal kasama ng diyablo ay dapat mag-imbak ng mahabang kutsara. Siguro ako ay walang muwang sa parehong oras ... Ang mga pagtatanghal na pinangarap ko ay hindi naganap. Ang mga manunulat ay hindi maaaring sumulat nang kasing bilis ng pagpapakawala ng mga gobyerno ng mga digmaan: pagkatapos ng lahat, upang makabuo, kailangan mong isipin ... "Si Inang Tapang at ang kanyang mga anak" - ay huli na. Nagsimula sa Denmark, kung saan napilitang umalis si Brecht noong Abril 1939, natapos ang paglalaro sa Sweden noong taglagas ng parehong taon, nang ang digmaan ay nagpapatuloy na. Ngunit, sa kabila ng opinyon ng may-akda mismo, ang pagganap ay isang pambihirang tagumpay, ang mga tagalikha at tagapalabas ng mga pangunahing tungkulin ay iginawad sa Pambansang Gantimpala; noong 1954, "Mother Courage", na may isang na-renew na cast (Si Ernst Busch ang gumanap na kusinero, si Erwin Geschonneck ang gumanap bilang Pari) ay ipinakita sa World Theatre Festival sa Paris at nanalo ng 1st prize - para sa pinakamahusay na play at pinakamahusay na produksyon ( Brecht at Engel).

Noong Abril 1, 1949, gumawa ng desisyon ang SED Politburo: "Upang lumikha ng isang bagong grupo ng teatro sa ilalim ng pamumuno ni Elena Veigel. Ang grupong ito ay magsisimula sa aktibidad nito sa Setyembre 1, 1949 at maglalaro ng tatlong progresibong dula sa panahon ng 1949-1950. Ang mga pagtatanghal ay gaganapin sa entablado ng German Theater o Chamber Theater sa Berlin at isasama sa repertoire ng mga sinehan na ito sa loob ng anim na buwan. Setyembre 1 ang naging opisyal na kaarawan ng Berliner Ensemble; "Tatlong dula ng isang progresibong karakter", na itinanghal noong 1949, ay ang "Mother Courage" at "Mr. Puntila" ni Brecht at "Vassa Zheleznova" ni AM Gorky, kasama si Giese sa title role. Ang Brecht troupe ay nagbigay ng mga pagtatanghal sa entablado ng German Theater, naglibot nang malawakan sa GDR at sa iba pang mga bansa. Noong 1954, kinuha ng kolektibo ang pagtatayo ng Theater sa Schiffbauerdam.

Listahan ng ginamit na panitikan

http://goldlit.ru/bertolt-brecht/83-brecht-epic-teatr

https://ru.wikipedia.org/wiki/Bertolt_Brecht

http://to-name.ru/biography/bertold-breht.htm

http://lib.ru/INPROZ/BREHT/breht5_2_1.txt_with-big-pictures.html

https://ru.wikipedia.org/wiki/Mamasha_Kurazh_and_ her_children

http://dic.academic.ru/dic.nsf/bse/68831/Berliner