Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang kontemporaryong Belgian artist na si Debora Missoorten ay ipinanganak at nakatira pa rin sa Antwerp, Belgium, kung saan siya nagtatrabaho bilang isang independiyenteng propesyonal na artist. Nagtapos siya sa Academy of Arts na may degree sa theater costume design.

Mga kontemporaryong artista ng Belgium. Damit ni Jean-claude

Si Jean-Claude ay isa sa ilang mga artista sa ating panahon na, sa pagguhit ng magagandang halimbawa ng nakaraan, ay nagawang baguhin at i-edit ang mga ito alinsunod sa kanyang personal na pananaw. Pinuno niya ang kanyang mga gawa ng mga emosyon sa paraang ibabalik nila ang manonood sa pinagmulan ng emosyonalidad na ito, pinayaman, sa pamamagitan ng mga pagsisikap ng may-akda, na may maingat na binuo na konsepto ng pagpipinta, kulay at pagkakaisa. Ginagawa ito ng artist para ma-enjoy natin ang paglutas ng mga misteryong nakapalibot sa source na ito.

Sinusubukan kong ipakita ang hindi nakikita. Juan maria bolle

Si Juan Maria Bolle ay isang sikat na Flemish (Belgian) na artista, ipinanganak sa Vilvoorde, malapit sa Brussels, Belgium, noong Disyembre 1958. Noong 1976 nagtapos siya sa Royal Athenaeum High School sa kanyang bayan. Noong 1985 natapos niya ang kanyang pag-aaral sa Art Institute St. Lucas sa Brussels.

Ang pagnanasa ay hindi nangangailangan ng isang label. Peter Seminck

Si Peter Seminck ay isang sikat na Belgian artist na ipinanganak sa Antwerp noong 1958. Nag-aral sa Schoten Art Academy, unang nakatanggap ng bachelor's degree at pagkatapos ay master's degree sa fine arts. Sa mga tema ay hindi niya nililimitahan ang kanyang sarili, nagpinta siya ng iba't ibang mga kuwadro na gawa, pangunahin sa langis sa canvas. Siya ay kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Malle, isang suburb ng Antwerp, Belgium.

Kontemporaryong Belgian artist. Debora Missoorten

Ang kontemporaryong Belgian artist na si Debora Missoorten ay ipinanganak at nakatira pa rin sa Antwerp, Belgium, kung saan siya nagtatrabaho bilang isang independiyenteng propesyonal na artist. Nagtapos siya sa Academy of Arts na may degree sa theater costume design.

Mga kontemporaryong artista ng Belgium. Frederic dufoor

Kontemporaryong artista Si Frédéric Dufour ay ipinanganak noong 1943 sa Tournais, Belgium; nag-aral siya sa Saint-Luc Institute sa Tournai at pagkatapos ay sa Academy of Mons. Pagkatapos ng maikling pahinga, siya ay nakatala sa studio ng Louis Van Lint sa Saint-Luc Institute sa Brussels. Mula noong 1967, pagkatapos ng graduation, nagturo siya sa loob ng 10 taon sa Institute of Graphic Communications, at pagkatapos ay kumuha ng isang post sa pagtuturo sa Institute Saint-Luc sa Brussels, kung saan siya nagtrabaho hanggang Disyembre 1998.

Moussin Irjan. Kontemporaryong pagpipinta

Musin Irzhan, moderno pintor, ay ipinanganak sa Alma-Ata, Kazakhstan, noong 1977. Mula 1992 hanggang 1995 nag-aral siya sa art school sa Alma-Ata. Pagkatapos ay pumasok siya at matagumpay na nagtapos noong 1999 mula sa Ilya Repin Academy of Arts sa St. Petersburg. Pagkatapos nito, sa loob ng ilang taon ay nag-aral siya ng moderno pagpipinta sa Art School "RHoK" sa Brussels at sa Academy of Arts sa Antwerp.
Mula noong 2002, paulit-ulit siyang nagpakita at lumahok sa iba't ibang mga kumpetisyon, kung saan paulit-ulit siyang nanalo ng mga premyo at nakatanggap ng mga parangal. Ang kanyang mga painting ay nasa pribadong koleksyon sa England, France, Holland, USA, Colombia, Belgium at Russia. Siya ay kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Antwerp, Belgium.

Pol Ledent. Self-taught kontemporaryong artist. Mga tanawin at bulaklak

Ang pangunahing tema ng mga painting ng artist na ito ay wildlife, mga tanawin at ang mga panahon, ngunit si Paul ay nagtalaga ng maraming trabaho sa lakas, lakas at kagandahan ng katawan ng tao.

Pol Ledent. Self-taught kontemporaryong artist. Mga tao

Ipinanganak si Paul Legent noong 1952 sa Belgium. Ngunit hindi siya kaagad dumating sa pagpipinta, noong 1989 lamang. Nagsimula siya sa mga watercolor, ngunit mabilis na napagtanto na hindi ito ang kailangan niya, ang pagpipinta ng langis ay higit na naaayon sa kanyang paraan ng pag-iisip.
Ang pangunahing tema ng mga pagpipinta ni Paul ay wildlife, mga tanawin at ang mga panahon, ngunit siya ay nakatuon ng maraming trabaho sa lakas, lakas at kagandahan ng katawan ng tao.

Mga kuwago belt Belgian artist. Christiane vleugels

Stephane Heurion. Mga guhit ng watercolor

Ipinanganak si Paul Ledent noong 1952 sa Belgium. Hindi siya kaagad nagpasya na kumuha ng pagpipinta, ngunit pagkatapos lamang ng ilang taon ng pagtatrabaho bilang isang inhinyero, noong 1989. Nagsimula si Paul sa mga watercolor, ngunit mabilis na nadama na ang pagpipinta ng langis ay higit na naaayon sa kanyang paraan ng pag-iisip.

Cedric Leonard Young taga-disenyo mula sa Belgium. Ipinanganak noong 1985. Nagtapos siya sa St. Luc School of the Arts na may BA sa Fine Arts. Di nagtagal, nagsimula siyang magtrabaho sa isang maliit na kumpanya bilang isang webmaster. Siya ay kasalukuyang nagtatrabaho bilang isang freelance designer. Si Cedric ay naghahanap ng pagka-orihinal sa lahat ng kanyang ginagawa at naniniwala sa apela ng mga modernong visual effect.

Mas iba-iba at mas makulay kaysa sa arkitektura at iskultura ng Flemish, ang pagpipinta ng Flemish noong ika-17 siglo ay umuunlad sa kahanga-hangang pamumulaklak nito. Kahit na mas malinaw kaysa sa mga sining na ito, ang walang hanggang Flemish ay lumilitaw dito mula sa pinaghalong hilaga at timog na mga base, bilang isang hindi maaalis na pambansang kayamanan. Ang kanyang kontemporaryong pagpipinta sa walang ibang bansa ay nakakuha ng napakayaman at sari-saring lugar ng mga paksa. Sa mga bago o itinayong muli na mga simbahan, daan-daang mga dambuhalang baroque na altar ang naghihintay ng mga larawan ng mga santo na ipininta sa malalaking canvases. Sa mga palasyo at bahay, ang malalawak na pader ay naghahangad ng mga mitolohiko, alegoriko at genre na mga easel painting; at portrait painting, na binuo noong ika-16 na siglo hanggang sa full-length na portraiture, ay nanatiling isang mahusay na sining sa buong kahulugan ng salita, na pinagsasama ang kamangha-manghang pagiging natural sa maharlika ng pagpapahayag.

Kasama ng malaking pagpipinta na ito, na ibinahagi ng Belgium sa Italya at France, ay umunlad dito, na nagpatuloy sa mga lumang tradisyon, ang orihinal na pagpipinta ng cabinet, karamihan sa mga maliliit na kahoy o tanso na tabla, hindi pangkaraniwang mayaman, niyakap ang lahat ng inilalarawan, hindi nagpabaya sa relihiyon, mitolohiko o alegorikal. mga paksa, na mas pinipili ang pang-araw-araw na buhay ng lahat ng klase ng populasyon, lalo na ang mga magsasaka, taksi, sundalo, mangangaso at mandaragat sa lahat ng mga pagpapakita nito. Ang nabuong landscape o panloob na background ng mga maliliit na larawang ito ay binago sa mga kamay ng ilang mga masters tungo sa independiyenteng landscape at architectural painting. Ang row na ito ay nagtatapos sa mga larawan ng mga bulaklak, prutas at hayop. Ang kalakalan sa ibang bansa ay nagdala ng mga kamangha-manghang flora at fauna sa mga nursery at menageries ng mga naghaharing archduke sa Brussels. Ang kayamanan ng kanilang mga anyo at kulay ay hindi mapapansin ng mga artista na pinagkadalubhasaan ang lahat.

Para sa lahat ng iyon, sa Belgium ay wala nang anumang lupa para sa monumental na pagpipinta sa dingding. Maliban sa mga pagpipinta ni Rubens sa Antwerp Jesuit Church at ilang eklesiastikal na serye ng mga tanawin, ang mga dakilang masters ng Belgium ay lumikha ng kanilang malaki, ipininta sa canvas, dingding at kisame na mga painting para sa mga dayuhang pinuno, at ang pagbagsak ng Brussels tapestry technique, kung saan ang paglahok ni Rubens ay iniulat lamang sa pamamagitan ng isang pansamantalang pagtaas, kaya hindi na kailangang lumahok sa iba pang mga Belgian masters tulad ng mga Jordanian at Teniers. Ngunit ang mga Belgian masters ay kumuha ng isang kilalang, bagaman hindi kasing lalim ng Dutch, pakikilahok sa karagdagang pag-unlad ng ukit at pag-ukit. Ang Dutch sa pamamagitan ng kapanganakan ay kahit na ang pinakamahusay na engraver bago Rubens, at ang pakikilahok ng mga pinakadakilang Belgian pintor: Rubens, Jordans, Van Dyck, Browvers at Teniers sa "pictorial engraving" - pag-ukit, ay bahagyang isang side affair, bahagyang kahit na kahina-hinala.

Ang Antwerp, isang mayamang Low German trading city sa Scheldt, ay higit kailanman, sa buong kahulugan ng salita, ang kabisera ng Lower Dutch painting. Ang pagpipinta ng Brussels, marahil ay naghahanap lamang ng mga independiyenteng landas sa tanawin, ay naging sangay ng sining ng Antwerp; kahit na ang pagpipinta ng lumang Flemish na mga sentro ng sining, Bruges, Ghent at Mecheln, ay nabuhay noong una sa pamamagitan lamang ng kaugnayan nito sa mga workshop sa Antwerp. Ngunit sa bahagi ng Walloon ng Belgium, lalo na sa Luttih, maaaring masubaybayan ng isa ang isang independiyenteng grabitasyon patungo sa mga Italyano at Pranses.

Para sa pangkalahatang kasaysayan ng pagpipinta ng Flemish noong ika-17 siglo, bilang karagdagan sa mga koleksyon ng mga mapagkukunang pampanitikan ng Van Mander, Goubraken, de Bee, Van Gool at Weiermann, ang mga leksikon ng Immerseel, Kramm at Wurzbach, pinagsama-sama, bahagyang luma na, mga aklat ng Micheels, Wahagen, Waters, Rigel at Philipp ... Sa pagtingin sa nangingibabaw na kahalagahan ng sining ng Scheldt, maaari ding pangalanan ang kasaysayan ng Antwerp na sining ng Van den Branden at Rooses, na, siyempre, ay nangangailangan ng mga karagdagan at pagbabago. Ang kaugnay na kabanata ng may-akda ng aklat na ito sa kanyang at ni Woltman na "History of Painting" ay lipas na sa detalye.

Nakamit ng Flemish painting noong ika-17 siglo ang kumpletong kalayaan sa pag-aayos at pagpapatupad ng mga larawan, ang panloob na pagkakaisa ng pagguhit at mga kulay, ang pinaka-makinis na lawak at lakas sa mga malikhaing kamay ng kanyang dakilang master na si Peter Paul Rubens, na ginawa ang Antwerp na sentrong lugar para sa pag-export ng mga pagpipinta para sa buong Europa. Gayunpaman, walang kakulangan ng mga master na tumayo sa paglipat sa pagitan ng luma at bagong direksyon.

Sa pambansang makatotohanang mga industriya, na may maliliit na pigura laban sa backdrop ng isang binuo na tanawin, tanging mga dayandang ng kadakilaan at kamadalian ni Pieter Bruegel the Elder ang nabubuhay pa rin. Ang paglipat ng tanawin sa transisyonal na panahon ay nananatili sa loob ng balangkas ng "estilo ng kurtina" na nilikha ni Gilisse Van Koninkloo kasama ang mala-beam na makahoy na mga dahon nito at nilalampasan ang mga paghihirap ng hangin at linear na pananaw sa pamamagitan ng pagbuo ng hiwalay, papalit-palit, sa iba't ibang paraan. mga kulay na tono. Ang mga tagapagtatag ng kasalukuyang pagpipinta ng landscape, ang mga Antwerpian, ang magkapatid na Matthäus at Paul Brill (1550-1584 at 1554-1626), tungkol sa kung saan ang pag-unlad na halos walang alam, ay nagpatuloy sa tradisyonal na istilong ito. Biglang lumitaw si Matthäus Bril bilang isang pintor ng mga landscape fresco sa Vatican sa Roma. Matapos ang kanyang maagang pagkamatay, si Paul Brill, ang kasama ng kanyang kapatid sa Vatican, ay higit na binuo ang bagong istilo ng landscape ng Dutch. Ilang authentic paintings ni Matthäus ang nakaligtas; lalo pang nagmula kay Paul, na ang mga tanawin ng simbahan at palasyo sa Vatican, sa Lateran, at sa Palazzo Rospigliosi sa Santa Cecilia at sa Santa Maria Maggiore sa Roma, iniulat ko sa ibang lugar. Unti-unti lamang silang pumasa sa ilalim ng impluwensya ng mas malaya, na may higit na pagkakaisa ng mga tanawin ng Annibale Carracci, sa nabanggit na balanseng istilo ng transisyonal. Ang karagdagang pag-unlad ng Brill, na bahagi ng pangkalahatang kasaysayan ng pagpipinta ng landscape, ay makikita sa kanyang marami, bahagyang minarkahan ng mga taon, maliliit na landscape sa mga board (1598 sa Parma, 1600 sa Dresden, 1601 sa Munich, 1608 at 1624 - noong Dresden, 1609, 1620 at 1624 - sa Louvre, 1626 - sa St. Petersburg), sagana, gaya ng dati, mga puno, bihirang nagsusumikap na ihatid ang isang tiyak na lugar. Sa anumang kaso, si Paul Brill ay kabilang sa mga tagapagtatag ng estilo ng landscape kung saan lumago ang sining ni Claude Lorrain.

Sa Netherlands, ang Antwerpian Josse de Momper (1564-1644), pinakamahusay na kinakatawan sa Dresden, ay bumuo ng estilo ng Koninkloo ng mga mabatong tanawin, hindi partikular na mayaman sa mga puno, kung saan ang "tatlong background", kung minsan ay may pagdaragdag ng pang-apat na naliliwanagan ng araw, karaniwang lumilitaw sa lahat ng kayumanggi-berde-kulay-abo-asul na kagandahan.

Ang impluwensya ng mas lumang mga pintura ni Brill ay makikita sa pangalawang anak ni Peter Brueghel the Elder, Jan Brueghel the Elder (1568-1625), na bago siya bumalik sa Antwerp noong 1596, ay nagtrabaho sa Roma at Milan. Sina Kriveli at Mikhel ay nagtalaga ng magkahiwalay na komposisyon sa kanya. Nagpinta siya ng mga maliliit, minsan maliliit na larawan na nagbibigay ng impresyon ng isang tanawin kahit na kinakatawan ng mga ito ang mga tema ng biblikal, alegoriko o genre. Sila ang mahigpit na sumunod sa istilo ng Koninkloo na may mga dahon na hugis bundle, bagama't mas banayad nilang inihahatid ang magkaparehong mga transition ng tatlong background. Ang katangian ng versatility ni Jan Brueghel ay ang pagpinta niya ng mga background ng landscape para sa mga figure painters tulad ng Balen, figure para sa landscape painters tulad ng Momper, flower wreaths para sa mga masters tulad ni Rubens. Kilala sa kanyang bago at banayad na ginawang "The Fall" ng The Hague Museum, kung saan ipininta ni Rubens sina Adam at Eve, at si Jan Brueghel ay nagpinta ng landscape at mga hayop. Ang kanyang sariling mga landscape, na may saganang kagamitan sa isang motley folk life, hindi pa rin partikular na nagpapahayag ng kalangitan kasama ang mga ulap nito, ay higit sa lahat maburol na lugar na irigado ng mga ilog, kapatagan na may windmills, mga lansangan sa nayon na may mga tanawin ng tavern, mga kanal na may mga kakahuyan na pampang, abalang mga kalsada ng bansa sa makahoy na taas at mga kalsada sa kagubatan na may mga magtotroso at mangangaso, malinaw at matapat na sinusunod. Ang mga unang pagpipinta ng kanyang brush ay makikita sa Milanese Ambrosiana. Ito ay pinaka-abundantly kinakatawan sa Madrid, well sa Munich, Dresden, Petersburg at Paris. Ang partikular na kahalagahan sa kahulugan ng paghahanap ng mga bagong paraan ay ang kanyang pagpipinta ng mga bulaklak, na sa pinakamataas na antas ay nakakumbinsi na hindi lamang ang lahat ng kagandahan ng mga anyo at ang ningning ng mga kulay ng mga bihirang kulay, kundi pati na rin ang kanilang kumbinasyon. Ang Madrid, Vienna at Berlin ay nagtataglay ng kanyang mga painting na bulaklak.

Sa kanyang mga collaborator, hindi natin dapat palampasin si Hendrik Van Balen (1575-1632), na ang guro ay itinuturing na pangalawang guro ni Rubens, si Adam Van Noort. Ang kanyang mga altarpieces (halimbawa, sa Church of Jacob sa Antwerp) ay hindi mabata. Naging tanyag siya sa kanyang maliliit, maayos na pagkakasulat, matamis na mga pintura sa mga tabla na may nilalaman pangunahin mula sa mga sinaunang pabula, halimbawa, "Feast of the Gods" sa Louvre, "Ariadne" sa Dresden, "Manna Gathering" sa Braunschweig, ngunit ang kanyang mga pintura. ang ganitong uri ay kulang din sa artistikong pagiging bago at spontaneity.

Gayunpaman, ang istilo ng tanawin ng transisyonal na panahon na inilarawan sa itaas ay nagpatuloy, gayunpaman, sa mga mahihinang tagagaya hanggang sa simula ng ika-18 siglo. Dito, tanging ang pinakamalakas na mga masters ng trend na ito ang mapapansin, na naglipat nito sa Holland, si David Winkboons mula sa Mecheln (1578 - 1629), na lumipat mula Antwerp patungong Amsterdam, nagsulat ng mga sariwang eksena sa kagubatan at nayon, minsan din ang mga biblikal na yugto sa isang landscape setting, ngunit karamihan sa mga kusa sa templo holidays sa harap ng village tavern. Ang kanyang pinakamahusay na mga pagpipinta sa Augsburg, Hamburg, Braunschweig, Munich, Petersburg ay direktang sinusunod at hindi walang puwersa ay pininturahan ng mga makukulay na kulay. Ang Relant Savery ng Courtray (1576 - 1639), kung saan inilaan ni Kurt Erasmus ang isang maibiging nakasulat na pag-aaral, ay nag-aral sa mga bundok na makahoy ng Aleman sa serbisyo ni Rudolf II, pagkatapos nito ay nanirahan siya bilang isang pintor at etcher, una sa Amsterdam, pagkatapos ay sa Utrecht. Ang kanyang permeated na may liwanag, unti-unting pinagsasama ang tatlong eroplano, ngunit medyo tuyo sa pagpapatupad, bulubundukin, mabato at kagubatan landscape, na kung saan ay maaaring mahusay na pamilyar sa Vienna at Dresden, siya nilagyan ng mga live na grupo ng mga ligaw at maamo hayop sa mga eksena sa pangangaso, sa mga imahe. ng paraiso at Orpheus. Isa rin siya sa mga pinakaunang independiyenteng pintor ng bulaklak. Si Adam Villierts ng Antwerp (1577, d. Pagkatapos ng 1649), na lumipat sa Utrecht noong 1611, ay isang kinatawan ng transisyonal na istilong ito ng seascape. Ang mga tanawin sa baybayin at dagat nito (halimbawa, sa Dresden, sa Weber sa Hamburg, sa gallery ng Liechtenstein) ay tuyo pa rin sa pattern ng mga alon, magaspang pa rin sa paglalarawan ng buhay ng barko, ngunit nakakabighani sa katapatan ng kanilang saloobin sa kalikasan. Sa wakas, si Alexander Kerrinks mula sa Antwerp (1600-1652), na naglipat ng kanyang Flemish landscape art sa Amsterdam, ay sinusundan pa rin si Koninksloe sa kanyang mga signature painting, ngunit sa mga susunod na painting ng Braunschweig at Dresden ay halatang naiimpluwensyahan siya ng brownish Dutch tonal painting ni Van Goyen. . Kaya siya ay kabilang sa mga transitional masters sa buong kahulugan ng salita.

Sa ganitong uri ng mga master ng Antwerp, na nanatili sa bahay, natuklasan ni Sebastian Vranks (1573 - 1647) ang walang alinlangan na tagumpay bilang isang pintor ng landscape at kabayo. Inilalarawan din niya ang mga dahon sa anyo ng mga bungkos, madalas na nakabitin, tulad ng sa isang birch, ngunit binibigyan niya ito ng isang mas natural na koneksyon, nagbibigay ng isang mahangin na tono ng bagong kalinawan at alam kung paano ihatid ang isang mahalagang karakter sa mga aksyon na may kumpiyansa at magkakaugnay na nakasulat. mga kabayo at sakay ng kanyang labanan at mga eksenang magnanakaw na makikita halimbawa sa Braunschweig, Aschaffenburg, Rotterdam at Weber sa Hamburg.

Sa wakas, sa pagpipinta ng arkitektura noong ika-16 na siglo, nabuo niya, kasama ang mga landas ng Steenwick the Elder, isang transisyonal na istilo na binubuo ng unti-unting pagpapalit ng literal na pagsunod sa kalikasan na may artistikong kagandahan, ang kanyang anak na si Hendrik Steenwik the Younger (1580 - 1649). ), na lumipat sa London, at sa tabi niya, ang pangunahing Kaya, si Peter Neufs the Elder (1578 - 1656), ang mga panloob na tanawin ng mga simbahan na kung saan ay matatagpuan sa Dresden, Madrid, Paris at St.

Sa pangkalahatan, ang pagpipinta ng Flemish ay malinaw na nasa tamang landas ng pagbabalik sa maliit na sining, nang ang mahusay na sining ni Rubens ay tumaas sa kanya tulad ng araw at dinala siya sa larangan ng liwanag at kalayaan.

Si Peter Paul Rubens (1577 - 1640) ay ang araw kung saan umiikot ang lahat ng sining ng Belgian noong ika-17 siglo, ngunit sa parehong oras ay isa sa mga dakilang luminaries ng all-European na sining ng panahong ito. Taliwas sa lahat ng Italian Baroque painters, siya ang pangunahing kinatawan ng Baroque sa pagpipinta. Ang kapunuan ng mga anyo, kalayaan sa paggalaw, pangingibabaw sa masa, pagbibigay ng kaakit-akit sa istilong baroque ng arkitektura, sa mga pintura ni Rubens ay inabandona ang bigat ng bato at, kasama ang nakalalasing na luho ng mga kulay, tumanggap ng isang malaya, bagong karapatang umiral. Gamit ang kapangyarihan ng mga indibidwal na anyo, ang kadakilaan ng komposisyon, ang namumulaklak na kapunuan ng liwanag at mga kulay, ang hilig ng buhay sa paghahatid ng mga biglaang aksyon, kapangyarihan at apoy sa kaguluhan ng katawan at mental na buhay ng kanyang mataba na lalaki at babae, nakadamit. at hinubad ang mga pigura, nahihigitan niya ang lahat ng iba pang mga panginoon. Kumikinang sa puti ang marangyang katawan ng kanyang mga blond na babae na puno ng pisngi, puno ng labi at masayang ngiti. Pinaso ng araw, kumikinang ang balat ng kanyang mga lalaking bayani, at ang kanilang matapang na nakaumbok na noo ay binuhay ng malakas na kulot ng mga kilay. Ang kanyang mga portrait ay ang pinakasariwa at pinakamalusog, hindi ang pinaka-indibidwal at intimate para sa kanilang oras. Walang nakakaalam kung paano magparami ng mga ligaw at maamo na hayop na kasinglinaw ng ginawa niya, bagaman dahil sa kakulangan ng oras, sa karamihan ng mga kaso, iniwan niya ang mga katulong upang ilarawan ang mga ito sa kanyang mga pintura. Sa tanawin, na ipinagkatiwala din niya sa mga katulong, nakita niya, una sa lahat, ang pangkalahatang epekto dahil sa buhay sa atmospera, ngunit siya mismo ay sumulat, kahit na sa katandaan, mga kamangha-manghang tanawin. Ang kanyang sining ay yumakap sa buong mundo ng espirituwal at pisikal na mga phenomena, lahat ng pagiging kumplikado ng nakaraan at kasalukuyan. Altar paintings at muli ang altar paintings na ipininta niya para sa simbahan. Nagpinta siya ng mga portrait at portrait higit sa lahat para sa kanyang sarili at sa kanyang mga kaibigan. Lumikha siya ng mga mitolohiko, alegoriko, makasaysayang mga imahe at mga eksena sa pangangaso para sa mga dakila sa mundong ito. Ang mga pagpipinta ng landscape at genre ay paminsan-minsang mga side works.

Umulan ng mga order kay Rubens. Hindi bababa sa dalawang libong mga painting ang umalis sa kanyang pagawaan. Ang isang malaking pangangailangan para sa kanyang sining ay naging sanhi ng madalas na pag-uulit ng mga buong pagpipinta o mga indibidwal na bahagi ng mga kamay ng kanyang mga mag-aaral at katulong. Sa kasagsagan ng kanyang buhay, karaniwang iniiwan niya ang kanyang sariling mga pintura upang tumulong sa mga katulong. Mayroong lahat ng mga paglipat sa pagitan ng kanyang sariling sulat-kamay na mga gawa at ang mga kuwadro na gawa ng workshop, kung saan nagbigay lamang siya ng mga sketch. Sa lahat ng pagkakapareho ng mga pangunahing anyo at pangunahing mga mood, ang kanyang sariling mga pagpipinta ay nagpapakita ng mga makabuluhang pagbabago sa estilo, katulad ng sa marami sa kanyang mga kapanahon, mula sa solidong plastic modeling at makapal, mabigat na pagsulat hanggang sa mas magaan, libre, mas magaan na pagpapatupad, hanggang mas buhay na buhay na mga balangkas, sa mas malambot, maaliwalas na pagmomodelo at puno ng mood, na iluminado ng mabulaklak na mga kulay ng tonal painting.

Sa pinuno ng pinakabagong panitikan tungkol kay Rubens ay ang malawak na pinag-isipang kolektibong gawain ni Max Rooses: "The Works of Rubens" (1887 - 1892). Ang pinakamahusay at pinakamahalagang gawa sa talambuhay ay nabibilang kina Rooses at Michel. Ang mga pinagsama-samang gawa, pagkatapos ng Waagen, ay inilathala rin nina Jacob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg at Wilhelm Bode. Sina Ruelens, Woltmann, Riegel, Geller von Ravensburg, Grossmann, Riemans at iba pa ay humarap sa magkakahiwalay na tanong tungkol kay Rubens. Sina Giemans at Voorthelm-Schnevogt ay nakikibahagi kay Rubens bilang isang engraver.

Si Rubens ay ipinanganak sa Siegen, malapit sa Cologne, mula sa iginagalang na mga Antwerpian at nakatanggap ng kanyang unang artistikong edukasyon sa lungsod ng kanyang mga ama mula kay Tobias Verhegt (1561-1631), isang pangkaraniwang pintor ng landscape ng transitional style, pagkatapos ay nag-aral ng apat na taon kasama si Adam Van Noort (1562-1641) isa sa mga karaniwang master ng mannered Italism, na kilala na ngayon, at pagkatapos ay nagtrabaho para sa isa pang apat na taon para kay Otto Van Ven, mayaman sa mga imbensyon, walang laman sa mga form na false classic, kung kanino siya unang malapit na sumali at noong 1598 ay naging guild master. Noong 1908 inilaan ni Haberzwil ang mga detalyadong artikulo sa tatlong guro ng Rubens. Walang kahit isang larawan ng unang bahagi ng panahon ng Antwerp ni Rubens ang maitatatag nang may katiyakan. Mula 1600 hanggang 1608 siya ay nanirahan sa Italya; una sa Venice, pagkatapos ay higit sa lahat sa serbisyo ni Vincenzo Gonzaga sa Mantua. Ngunit na noong 1601 ay sumulat siya sa Roma para sa tatlong altar ng Simbahan ng Santa Croce sa Jeruzalemme na "Paghahanap ng Krus", "Ang Korona ng mga Tinik" at "Pagtataas ng Krus". Ang tatlong mga kuwadro na ito, na ngayon ay kabilang sa kapilya ng ospital sa Grasse, timog France, ay nagpapakita ng istilo ng kanyang unang panahon ng Italyano, naghahanap pa rin ng sarili, nasa ilalim pa rin ng impluwensya ng mga kopya mula sa Tintoretto, Titian at Correggio, ngunit puno na ng isang independiyenteng nagsusumikap para sa lakas at paggalaw. Sa isang atas mula sa kanyang prinsipe, nagpunta ang young master sa Espanya noong 1603. Mula sa mga kuwadro na ipininta niya doon, ang mga pigura ng mga pilosopo na sina Heraclitus, Democritus at Archimedes sa Museo ng Madrid ay nagpapakita pa rin ng magarbo, hindi independiyenteng mga anyo, ngunit isang malakas na impresyon ng sikolohikal na lalim. Pagbalik sa Mantua, nagpinta si Rubens ng isang malaking tatlong bahagi ng altar, kung saan ang gitnang larawan, kasama ang pagsamba ng pamilya Gonzaga ng St. Ang Trinity, na iningatan sa dalawang bahagi sa aklatan ng Mantuan, at mula sa malawak, mayamang larawang mga larawan sa gilid na nagpapakita ng patuloy na lumalagong kapangyarihan ng mga anyo at pagkilos ng masa, "The Baptism of Christ" ay napunta sa Antwerp Museum at ang " Pagbabagong-anyo" sa Museo ng Nancy. Pagkatapos, noong 1606, muling ipininta ng master para sa Chiesa Nuova sa Roma ang isang napakagandang altarpiece ng Assumption of St. Gregory ”, na ngayon ay kabilang sa Grenoble Museum, at sa Roma ay pinalitan na noong 1608 ng tatlong iba pa, hindi sa lahat ng pinakamahusay na mga pagpipinta ng parehong master. Mas malinaw na naaalala ang istilo ng kamangha-manghang "Tuli ni Kristo" ni Caravaggio noong 1607 sa Sant Ambrogio sa Genoa. Gayunpaman, ang mga mananaliksik tulad ng Rooses at Rosenberg ay tumutukoy sa panahon ng Italyano ng master, nang kopyahin niya ang mga gawa ni Titian, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo at Raphael, at isang bilang ng mga pagpipinta sa pamamagitan ng kanyang brush, tila, gayunpaman, nakasulat mamaya. Malaki, na nagmula sa Mantua, malakas sa anyo at kulay, mga alegorya ng pagpapakita at kabutihan sa Dresden, kung hindi sila isinulat, gaya ng iniisip ni Michel sa atin, noong mga 1608 sa Mantua, kung gayon mas aminin natin, kasama si Bode, na sila ay lumitaw pagkatapos. ang pagbabalik ni Rubens sa kanyang tinubuang-bayan kaysa kay Roothers na isinulat sila bago ang kanyang paglalakbay sa Italya sa Antwerp. Ang kumpiyansa na iginuhit at plastic na modelong imahe ni Jerome sa Dresden ay nagpapakita rin ng kakaibang istilong Rubensian, marahil ay masyadong detalyado para sa kanyang panahon ng Italyano, kung saan tinutukoy namin ngayon ang larawang ito. Nang bumalik si Rubens sa Antwerp noong 1608, na noong 1609 siya ay hinirang na pintor ng korte ng Albrecht at Isabella, at ang kanyang istilo, na independyente, ay mabilis na umunlad sa napakalaking lakas at kadakilaan.

Kalat sa komposisyon, hindi mapakali sa mga balangkas, hindi pantay sa mga epekto ng pag-iilaw ay ang kanyang Adoration of the Magi (1609-1610) sa Madrid, na minarkahan, gayunpaman, ng isang malakas na paggalaw. Puno ng buhay at pagsinta, makapangyarihan sa muscular body modeling, ang kanyang sikat na tatlong bahaging imahe na "Exaltation of the Cross" sa Antwerp Cathedral. Ang mas malakas na mga alaala ng Italyano ay makikita sa sabay-sabay na mga mitolohikong eksena tulad ng Venus, Cupid, Bacchus at Ceres sa Kassel, at ang matambok, nakagapos na Prometheus sa Oldenburg. Ang karaniwang mga halimbawa ng malalaking larawan ng panahong ito ay ang mga landscape portrait ng Albrecht at Isabella sa Madrid at ang kahanga-hangang pagpipinta ng Munich, na nagtatanghal sa master mismo kasama ang kanyang batang asawa, si Isabella Brant, na iniuwi niya noong 1609, sa isang gazebo na gawa sa honeysuckle. .pagmamahal.

Ang sining ng Rubens ay nakatuklas ng karagdagang paglipad sa pagitan ng 1611 at 1614. Ang malaking pagpipinta na "Descent from the Cross" na may maringal na "Visit of Mary Elizabeth" at "Introduction to the Temple" sa mga pintuan, sa Antwerp Cathedral, ay itinuturing na unang gawain kung saan dinala ng master ang kanyang mga uri at ang kanyang pamamaraan ng pagsulat sa ganap na pag-unlad. Kahanga-hanga ang madamdaming sigla ng mga indibidwal na paggalaw, mas kahanga-hanga ang matalim na kapangyarihan ng pagpipinta. Ang mga mythological painting tulad ng "Romulus at Remus" sa Capitoline Gallery, "Faun and Faun" sa Schönborn Gallery sa Vienna ay nabibilang din sa mga taong ito.

Ang mga pintura ni Rubens noong 1613 at 1614, na may tiwala sa komposisyon, na may malinaw na tinukoy na mga anyo at kulay, ay kumakatawan sa ilang mga kuwadro na minarkahan bilang isang pagbubukod sa pamamagitan ng kanyang pangalan at taon ng pagpapatupad. Ang mga ito ay - dalisay sa anyo, maganda sa kulay na pagpipinta ng "Jupiter at Callisto" (1613), puno ng mahiwagang liwanag na "Flight into Egypt" sa Kassel, "Frozen Venus" (1614) sa Antwerp, kalunos-lunos na "Lamentation" (1614) sa Sina Vienna at Susanna (1614) sa Stockholm, na ang katawan ay walang alinlangan na mas maganda at mas naiintindihan kaysa sa masyadong marangyang katawan ng kanyang naunang Susanna sa Madrid; sa paraan ng pagpipinta, ang mga kuwadro na ito ay pinagsama ng makapangyarihang simbolikong mga imahe ng malungkot na ipinako sa krus na si Kristo laban sa background ng madilim na kalangitan sa Munich at Antwerp.

Mula noon, natambak na ang mga order sa pagawaan ni Rubens kung kaya't binibigyan niya ng mas kapansin-pansing partisipasyon ang kanyang mga katulong sa pagsasagawa ng kanyang mga painting. Kabilang sa pinakamatanda, bilang karagdagan kay Jan Bruegel, ay kabilang ang natitirang pintor ng mga hayop at prutas na si Frans Snyders (1579-1657), na, ayon kay Rubens mismo, ay nagpinta ng isang agila sa nabanggit na Oldenburg na pagpipinta na may Prometheus, at ang masiglang tanawin. pintor na si Jan Wildens (1586-1653), na nagtrabaho mula 1618 para kay Rubens. Ang pinaka-kahanga-hangang collaborator ay si Anton Van Dyck (1599-1641), na kalaunan ay naging isang malayang pigura. Sa anumang kaso, naging master noong 1618, siya ang kanang kamay ni Rubens hanggang 1620. Ang sariling mga pagpipinta ni Rubens sa mga taong ito ay kadalasang ikinukumpara ang mala-bughaw na penumbra ng katawan na may mapula-pula-dilaw na lugar ng liwanag, habang ang mga kuwadro na may malinaw na itinatag na pakikipagtulungan ng Van Dyck ay nakikilala sa pamamagitan ng pare-parehong mainit na chiaroscuro at mas kinakabahan na pictorial transmission. Kabilang sa mga ito ang anim na malalaking, masigasig na pininturahan na mga imahe mula sa buhay ng Romanong konsul na si Decius Moussa, sa Liechtenstein Palace sa Vienna, ang mga cartoon na ginawa ni Rubens noong 1618 para sa mga habi na mga karpet (ang mga natitirang kopya ay nasa Madrid), at malalaking pandekorasyon na mga kuwadro sa kisame. (napanatili lamang ang mga sketch sa iba't ibang koleksyon), at ang ilan sa mabisang komposisyon, na may maraming larawan ng mga altarpieces ng simbahang ito, "The Miracle of St. Xavier "at" The Miracle of St. Ignatius ”, iniligtas ng museo ng korte ng Vienna. Walang alinlangan tungkol sa pakikipagtulungan ni Van Dyck sa malaking Pagpapako sa Krus sa Antwerp, kung saan si Longinus na nakasakay sa kabayo ay tumusok sa tagiliran ng Tagapagligtas ng isang sibat, sa Madonna kasama ang mga nagsisisi na makasalanan sa Kassel, at ayon kay Bode din sa Munich "Araw ng Trinidad" at sa Berlin "Lazar", ayon kay Rooses ay nasa dramatikong pangangaso ng leon at sa parehong dramatiko, madamdamin at mabilis na pagdukot sa mga anak na babae ni Leucippus sa Munich. Ang lahat ng mga kuwadro na ito ay kumikinang hindi lamang sa matapang na kapangyarihan ng komposisyon ni Rubens, kundi pati na rin sa matalim na katalinuhan ng pakiramdam ng pagpipinta ni Van Dyck. Kabilang sa mga ipinintang sulat-kamay, na isinulat mismo ni Rubens sa mga pangunahing bahagi sa pagitan ng 1615 at 1620, ay ang pinakamahusay na mga relihiyosong pagpipinta - puno ng masigla, nabalisa na mga kilusang masa "The Last Judgment" sa Munich at ang buong panloob na animation ng "Assumption of Our Lady " sa Brussels at sa Vienna, pati na rin ang mga masterful mythological paintings, marangyang "bacchanalia" at mga larawan ng "Phiazos" sa Munich, Berlin, Petersburg at Dresden, kung saan ang kapangyarihan ng nag-uumapaw na senswal na kagalakan ng buhay, isinalin mula sa Roman sa Flemish , tila sa unang pagkakataon ay umabot sa buong ekspresyon ... Ang "Labanan ng mga Amazon" sa Munich (sa paligid ng 1620), isang nilikha na hindi matamo sa kahulugan ng isang kaakit-akit na rendering ng pinakamarahas na tambakan at labanan, bagama't nakasulat sa maliit na sukat, ay magkadugtong dito. Pagkatapos ay mayroong mga batang hubo't hubad, tulad ng napakahusay na putti na may garland ng mga prutas sa Munich, pagkatapos ay mga eksena ng mabagyo na pangangaso, pangangaso ng leon, kung saan ang Munich ang pinakamahusay, at pangangaso ng baboy-ramo, kung saan ang pinakamahusay ay nakabitin sa Dresden. Sinusundan ito ng mga unang landscape painting na may mga mythological na karagdagan, halimbawa, ang buong mood na "Shipwreck of Aeneas" sa Berlin, o may natural na kapaligiran, ano ang maningning na Romanong landscape na may mga guho sa Louvre (sa paligid ng 1615) at ang mga landscape na puno ng buhay na "Summer" at "Winter" (Tungkol sa 1620) sa Windsor. Majestically conveyed, malawak at totoo nakasulat na walang mga pahiwatig ng lumang mannerisms, iluminado sa pamamagitan ng liwanag ng lahat ng uri ng makalangit na manifestations, sila ay nakatayo tulad ng mga haligi ng hangganan sa kasaysayan ng landscape painting.

Sa wakas, ang mga larawan ni Rubens sa limang taong panahon na ito ay malinaw, marilag, malakas. Isang obra maestra ng kanyang self-portrait sa Uffizi, ang kanyang portrait group na "Four Philosophers" sa Palazzo Pitti ay kahanga-hanga. Sa kalakasan ng kanyang kagandahan, ang kanyang asawang si Isabella ay lumilitaw sa mga marangal na larawan ng Berlin at The Hague. Sa paligid ng 1620, isang kamangha-manghang larawan ni Susanna Furman sa isang sumbrero na may isang balahibo ay ipininta, na pinaypayan ng pinaka-pinong chiaroscuro, sa London National Gallery. Ang mga sikat na larawan ng lalaki ng master ng mga taong ito ay makikita sa Munich at sa gallery ng Liechtenstein. Kasing madamdamin na isinalarawan ni Rubens ang mga yugto mula sa sagradong kasaysayan ng daigdig, mga eksena sa pangangaso at maging ang mga tanawin, kalmado rin niyang ipininta ang kanyang mga larawang larawan, na maiparating ang kanilang kabibi ng katawan na may napakalaking kapangyarihan at katotohanan, ngunit hindi sinusubukang ispirituwalize sa loob, nakuha lamang sa pangkalahatan. , mga tampok ng mukha.

Iniwan ni Van Dyck si Rubens noong 1620, at ang kanyang asawang si Isabella Brunt ay namatay noong 1626. Isang bagong impetus para sa kanyang sining ang ikalawang kasal sa magandang batang Helena Furman, noong 1630. Gayunpaman, ang kanyang artistikong at diplomatikong mga paglalakbay sa Paris ( 1622, 1623, 1625), sa Madrid (1628, 1629) at sa London (1629, 1630). Sa dalawang malalaking makasaysayang serye na may mga alegorya, 21 malalaking painting mula sa buhay ni Marie de Medici (isinulat ni Grossman) ay nabibilang na ngayon sa pinakamagagandang dekorasyon ng Louvre. Ipininta ni Rubens, ipininta ng kanyang mga mag-aaral, at kinumpleto ng kanyang sarili, ang mga makasaysayang pagpipinta na ito ay puno ng maraming makabagong mga larawan at alegorikong mga mitolohikong pigura sa diwa ng modernong baroque at kumakatawan sa napakaraming indibidwal na kagandahan at tulad ng artistikong pagkakaisa na sila ay mananatili magpakailanman pinakamahusay na mga gawa ng pagpipinta noong ika-17 siglo. Mula sa isang serye ng mga painting mula sa buhay ni Henry IV ng France, dalawang kalahating tapos na ang napunta sa Uffizi; Ang mga sketch para sa iba ay itinatago sa iba't ibang mga koleksyon. Ang siyam na mga pagpipinta na lumuluwalhati kay James I ng England, kung saan pinalamutian ni Rubens, ilang taon na ang lumipas, ang mga plafond field ng ceremonial hall sa White Hall, na pinaitim ng London soot, ay hindi nakikilala, ngunit sila mismo ay hindi nabibilang sa pinakamatagumpay na gawa ng master. .

Sa mga relihiyosong pagpipinta na isinulat ni Rubens noong dekada bente, ang dakilang nagniningas na Adoration of the Magi sa Antwerp, na natapos noong 1625, ay muling minarkahan ang pagbabago sa kanyang artistikong pag-unlad na may mas maluwag at mas malawak na brush, mas magaan na wika ng mga anyo at mas ginintuang, mahangin. kulay.... Ang magaan at maaliwalas na "Assumption of Mary" ng Antwerp Cathedral ay natapos noong 1626. Sinundan ito ng kaakit-akit, libreng "Adoration of the Magi" sa Louvre at "Education of the Virgin" sa Antwerp. Sa Madrid, kung saan muling pinag-aralan ng master ang Titian, ang kanyang kulay ay naging mas mayaman at mas "mabulaklak". Ang "Madonna" kasama ang mga sumasamba sa mga santo sa simbahan ng Augustinian sa Antwerp ay isang mas Baroque na pag-uulit ng Madonna Frari ni Titian. Ang isang makabuluhang binagong bahagi ng Triumph of Caesar ni Mantegna, na nasa London noong 1629 (ngayon ay nasa National Gallery), ayon sa kanyang liham, ay maaari ding lumitaw pagkatapos lamang ng panahong iyon. Ang dekada na ito ay lalong mayaman sa malalaking larawan ng master. Matanda na, ngunit puno pa rin ng warming cuteness, si Isabella Brant ay lumilitaw sa isang magandang larawan ng Ermita; ang larawan sa Uffizi ay nagpapakita ng mas matalas na mga tampok. Kabilang sa pinakamaganda at pinakamakulay ay ang dobleng larawan ng kanyang mga anak sa gallery ng Liechtenstein. Sikat sa nagpapahayag na larawan ni Kaspar Gevaert sa kanyang writing table sa Antwerp. At ang may edad na master mismo ay lumitaw sa harap namin na may banayad na diplomatikong ngiti sa kanyang mga labi sa isang magandang larawan ng bust ng Aremberg sa Brussels.

Ang huling dekada na nahulog kay Rubens (1631 - 1640) ay nakatayo sa ilalim ng bituin ng kanyang minamahal na pangalawang asawa na si Helena Furman, na pininturahan niya sa lahat ng anyo, at nagsilbi sa kanya bilang isang uri para sa mga relihiyoso at mitolohiko na mga pagpipinta. Ang kanyang pinakamahusay na mga larawan ni Rubens ay nabibilang sa pinakamagagandang larawan ng babae sa mundo: kalahating haba, sa isang mayaman na damit, sa isang sumbrero na may balahibo; life-size, nakaupo, sa isang marangyang damit, bukas sa dibdib; sa isang maliit na anyo, sa tabi ng kanyang asawa para sa paglalakad sa hardin - lumilitaw siya sa Munich Pinakothek; hubo't hubad, bahagyang natatakpan ng balahibo - sa Vienna Court Museum; sa isang suit para sa paglalakad sa bukid - sa Hermitage; kasama ang kanyang panganay na naka-braces, magkaakbay sa kanyang asawa, at gayundin sa kalye, na sinamahan ng isang pahina - sa Baron Alphonse Rothschild sa Paris.

Ang pinaka makabuluhang mga gawa ng simbahan ng namumulaklak, nagliliwanag na huling panahon ng master ay ang marilag at kalmado na komposisyon, na nagniningning sa lahat ng mga kulay ng bahaghari, ang altar ng St. Ildefons na may makapangyarihang mga pigura ng mga donor sa mga pintuan ng Vienna Court Museum at isang napakagandang altarpiece sa sariling libingan ng kapilya ni Rubens sa Church of Jacob sa Antwerp, na may mga santo ng lungsod na pininturahan mula sa mga mukha na malapit sa master. Mas simpleng mga gawa, tulad ng St. Si Cecilia sa Berlin at ang napakagandang Bathsheba sa Dresden ay hindi mababa sa kanila sa tono at kulay. Kabilang sa mahalagang mga mitolohiyang pagpipinta ng panahong ito ay ang kumikinang na mga korte ng Paris sa London at Madrid; at kung anong madamdamin na sigla ang paghinga ni Diana sa Berlin, kung gaano kamangha-mangha ang pagdiriwang ng Venus sa Vienna, isang mahiwagang liwanag ang nagpapaliwanag kina Orpheus at Eurydice sa Madrid!

Ang ilang mga imahe ng genre ng master ay paghahanda para sa ganitong uri ng mga pagpipinta. Kaya, ang karakter ng mythological genre ay nakukuha ang matapang na sensual, life-size, "Oras ng Isang Petsa" sa Munich.

Ang mga prototype ng lahat ng sekular na eksena ng Watteau ay ang sikat, na may lumilipad na mga diyos ng pag-ibig, mga kuwadro na tinatawag na "Gardens of Love", na may mga grupo ng mga mag-asawang may mamahaling pananamit na nagmamahalan sa isang party sa hardin. Ang isa sa mga pinakamahusay na gawa ng ganitong uri ay pag-aari ni Baron Rothschild sa Paris, ang isa pa ay ang Madrid Museum. Ang pinakamahalagang genre ng mga painting na may maliliit na figure mula sa katutubong buhay, na isinulat ni Rubens, ay isang marangal at mahalaga, puro Rubensian peasant dance sa Madrid, isang half landscape tournament sa harap ng castle moat, sa Louvre, at isang fair sa parehong koleksyon, ang mga motibo nito ay katulad na ng mga Teniers.

Karamihan sa mga tunay na landscape ni Rubens ay nabibilang din sa mga huling taon ng kanyang buhay: ganyan ang nagniningning na landscape kasama si Odysseus sa Palazzo Pitti, ganyan ang mga bagong landscape ayon sa disenyo, artistikong nagpapaliwanag gamit ang simple at malawak na imahe ng kapitbahayan na patag na lugar. kung saan matatagpuan ang summer house ni Rubens, at may maringal, puno ng mood transmission na pagbabago sa kalangitan. Kabilang sa pinakamaganda ay ang maapoy na paglubog ng araw sa London at ang mga tanawin ng bahaghari sa Munich at St. Petersburg.

Para sa anumang kinuha ni Rubens, ginawa niyang nagniningning na ginto ang lahat; at ang isa na nakipag-ugnayan sa kanyang sining, bilang isang katuwang o tagasunod, ay hindi na makaalis sa kanyang mabisyo na bilog.

Sa maraming mga alagad ni Rubens, tanging si Anton Van Dyck (1599 - 1641) - na ang liwanag, siyempre, ay tumutukoy sa liwanag ni Rubens, tulad ng buwan sa araw - ang umabot sa langit ng sining na ang kanyang ulo ay naiilaw ng kinang. Bagama't tinuturing na tunay na guro si Balen, si Rubens mismo ang tumawag sa kanya na kanyang estudyante. Sa anumang kaso, ang kanyang pag-unlad ng kabataan, sa pagkakaalam natin, ay nasa ilalim ng impluwensya ni Rubens, kung saan hindi siya ganap na lumihis, ngunit, alinsunod sa kanyang mas nakakaakit na ugali, ay nagiging mas kinakabahan, banayad at banayad sa pagpipinta at hindi gaanong malakas sa paraan ng pagguhit... Maraming taon ng pananatili sa Italya sa wakas ay naging isang pintor at master ng mga pintura. Hindi niya negosyo ang mag-imbento at kapansin-pansing palalain ang live na aksyon, ngunit alam niya kung paano ilagay ang mga figure sa isang malinaw na pinag-isipang relasyon sa isa't isa sa kanyang makasaysayang mga pagpipinta at upang ihatid sa kanyang mga larawan ang banayad na mga tampok ng katayuan sa lipunan na siya ay naging ang paboritong pintor ng mga maharlika sa kanyang panahon.

Ang pinakabagong pinagsama-samang mga gawa tungkol kay Van Dyck ay pag-aari nina Michiels, Giffrey, Kust at Schaeffer. Ang ilang mga pahina ng kanyang buhay at sining ay ipinaliwanag ni Vibiral, Bode, Giemans, Rooses, Lau, Menotti at ang may-akda ng aklat na ito. Kahit ngayon ay pinagtatalunan nila ang pagkakaiba sa pagitan ng iba't ibang panahon ng buhay, na pangunahing nauugnay sa paglalakbay. Ayon sa pinakabagong pananaliksik, nagtrabaho siya hanggang 1620 sa Antwerp, noong 1620 - 1621 sa London, noong 1621 - 1627 sa Italya, pangunahin sa Genoa, na may pahinga mula 1622 hanggang 1623, na isinagawa, tulad ng ipinakita ni Rooses, marahil sa kanyang tinubuang-bayan. , noong 1627 - 1628 sa Holland, pagkatapos ay muli sa Antwerp, at mula 1632 bilang pintor ng korte ni Charles I sa London, kung saan siya namatay noong 1641, at sa panahong ito, noong 1634 - 1635 siya ay nasa Brussels, noong 1640 at 1641 noong Antwerp at Paris.

Halos walang anumang maagang mga gawa ng Van Dyck kung saan hindi napansin ang impluwensya ni Rubens. Kahit na ang kanyang maagang mga serye ng apostoliko ay nagpapakita na ng mga bakas ng ugali ni Rubens. Sa mga ito, ang ilan sa mga orihinal na ulo ay nakaligtas sa Dresden, ang iba sa Althorp. Kabilang sa mga relihiyosong pagpipinta na isinulat ni Van Dyck ayon sa kanyang sariling disenyo, sa kanyang sariling peligro at panganib, mula 1618 hanggang 1620, habang siya ay nasa serbisyo ni Rubens, nabibilang ang "The Martyrdom of St. Sebastian ”, na may makalumang komposisyon na“ Lamentation of Christ ”at“ Bathing Susanna ”sa Munich. "Thomas sa St. Petersburg", "Ang Copper Serpent" sa Madrid. Wala sa mga kuwadro na ito ang maaaring magyabang ng hindi nagkakamali na komposisyon, ngunit ang mga ito ay mahusay na nakasulat at mabulaklak sa mga kulay. Ang Dresden "Jerome" ay kaakit-akit at malalim na nararamdaman sa kaluluwa, na isang malinaw na kaibahan sa kalapit na calmer at mas bastos na isinulat na si Jerome Rubens.

Pagkatapos ay sumusunod: "Desecration of Christ" sa Berlin, ang pinakamakapangyarihan at nagpapahayag ng mga half-Rubens na mga painting na ito, at maganda sa komposisyon, walang alinlangan na sketch ni Rubens, "St. Martin "sa Windsor, nakaupo sa isang kabayo, na iniabot ang isang balabal sa isang pulubi. Ang pinasimple at mas mahinang pag-uulit nitong Martin sa Savetem Church ay mas malapit sa huling istilo ng master.

Si Van Dyck ay isang mahusay na artist sa panahon ni Rubens, lalo na sa kanyang mga portrait. Ang ilan sa kanila, na pinagsasama ang mga kilalang pakinabang ng parehong mga masters, ay iniugnay kay Rubens noong ika-19 na siglo, hanggang sa ibalik sila ni Bode kay Van Dyck. Mas indibidwal sila sa mga indibidwal na katangian, mas kinakabahan sa pagpapahayag, mas malambot at mas malalim sa pagsulat kaysa sa sabay-sabay na mga larawan ni Rubens. Kasama sa pinakamatanda sa mga half-Rubens na larawan ni Van Dyck ang parehong bust portrait ng isang matandang mag-asawa noong 1618 sa Dresden, hanggang sa pinakamaganda ay ang kalahating pigura ng dalawang mag-asawa sa gallery ng Liechtenstein: isang babaeng may gintong lacing sa kanyang dibdib, isang ginoong nagsusuot ng guwantes, at nakaupo sa harap ng isang pulang kurtinang babae na may sanggol na nakaluhod, sa Dresden. Ang kahanga-hangang Isabella Brant ng Hermitage ay pag-aari niya, at mula sa Louvre mayroong isang dobleng larawan ng sinasabing Jean Grussset Richardeau at ang kanyang anak na nakatayo sa tabi niya. Sa mga dobleng larawan, ang mga mag-asawang nakatayo sa malapit ay kilala - ang larawan ni Frans Snyders at ng kanyang asawa na may napakapilit na pose, si Jan de Wael at ang kanyang asawa sa Munich, ang pinakakaakit-akit. Sa wakas, sa mga kabataang self-portraits ng master, na may maalalahanin, may tiwala sa sarili na hitsura, sa St. Petersburg, Munich at London, ang kanyang napaka edad, dalawampung taong gulang, ay nagpapahiwatig ng maagang panahon.

Mga relihiyosong pagpipinta na ipininta ni Van Dyck sa pagitan ng 1621 - 1627 sa Italya, sa timog, may nanatiling maganda, Titian-inspired na eksena kasama ang "Barya ni Pedro" at "Maria kasama ang Bata" sa isang nagniningas na halo, sa Palazzo Bianco, nakapagpapaalaala kay Rubens, "The Crucifixion" sa palasyo ng hari sa Genoa, magiliw na nadama sa isang kaakit-akit at espirituwal na relasyon , Ang Posisyon sa Kabaong ng Borghese Gallery sa Roma, ang matamlay na ulo ni Maria sa Palazzo Pitti, ang kahanga-hangang pamilya na may nagniningning na mga kulay sa Pinacoteca ng Turin at ang makapangyarihang ngunit sa halip mannered altarpiece ng Madonna del Rosario sa Palermo na may pinahabang figure. Sa mga sekular na pagpipinta, babanggitin lamang natin dito ang maganda, sa diwa ni Giorgione, ang pagpipinta na naglalarawan ng tatlong edad ng buhay sa museo ng lungsod sa Vincenza at ang simpleng komposisyon, ngunit nagniningas na pininturahan ang pagpipinta na "Diana at Endimon" sa Madrid.

Kumpiyansa, matatag at sa parehong oras maselan, pagmomodelo sa madilim na chiaroscuro, at malalim, puspos, nagsusumikap para sa pagkakaisa ng mood pangkulay ng master's Italian ulo ay ipinahayag din sa kanyang Italyano, lalo na Genoese portrait. Ipininta mula sa isang matapang na anggulo, halos nakaharap sa manonood, ang equestrian portrait ni Antonio Giulio Brignole Sale, na ikinakaway ang kanyang sumbrero sa kanyang kanang kamay bilang pagbati, sa Palazzo Rossi sa Genoa, ay isang tunay na tagapagpahiwatig ng isang bagong landas. Noble, na may mga baroque column at draperies sa background, nakatayo ang mga portrait ni Signora Jeronima Brignole Sale kasama ang kanyang anak na si Paola Adorio na nakasuot ng dark blue na silk dress na may gintong burda at isang binata na nakasuot ng kasuotan ng isang marangal na tao, ng parehong koleksyon. sa taas ng ganap na portrait art. Ang mga ito ay kadugtong ng mga larawan ng Marquise Durazzo sa isang mapusyaw na dilaw na silk damask na damit, na may mga bata sa harap ng isang pulang kurtina, isang masiglang larawan ng grupo ng tatlong bata na may aso, at isang marangal na larawan ng isang batang lalaki sa isang puting damit na may isang loro, na itinatago sa Palazzo Durazzo Pallavicini. Sa Roma, ang Capitoline Gallery ay may napakabuhay na dobleng larawan nina Luca at Cornelis de Wael; sa Florence, sa Palazzo Pitti, mayroong isang espirituwal na nagpapahayag na larawan ni Cardinal Giulio Bentivoglio. Ang iba pang mga larawan ng panahon ng Italyano ni Van Dyck ay ginawa sa ibang bansa. Ang isa sa mga pinakamahusay ay pag-aari ni Pierpont Morgan sa New York, ngunit maaari din silang matagpuan sa London, Berlin, Dresden at Munich.

Ang limang taon (1627-1632), na ginugol ng master sa kanyang tinubuang-bayan sa kanyang pagbabalik mula sa Italya, ay naging lubhang mabunga. Malaki, puno ng mga altarpiece ng paggalaw, na siyang makapangyarihang mga Pagpapako sa Krus sa Simbahan ng St. Mga asawa sa Dendermonde, sa simbahan ni Michael sa Ghent, at sa simbahan ng Romuald sa Mecheln, at sa katabing "Exaltation of the Cross" sa simbahan ng St. Ang mga asawa sa Courtray ay hindi masyadong kinakatawan gaya ng mga gawang puno ng panloob na buhay, kung saan isinasama namin ang Pagpapako sa Krus kasama ng mga paparating sa Museo ng Lille, "Magpahinga habang nasa byahe" sa Munich at ang mga indibidwal na krusipiho na puno ng damdamin sa Antwerp , Vienna at Munich. Isinasalin ng mga kuwadro na ito ang mga larawan ni Rubens mula sa bayaning wika sa wika ng damdamin. Ang pinakamagagandang mga painting sa panahong ito ay kinabibilangan ng Madonna na may dalawang nakaluhod na donor at mga anghel na nagbubuhos ng mga bulaklak sa Louvre, ang Madonna kasama ang Christ Child na nakatayo sa Munich at ang buong mood ng Lamentation over Christ sa Antwerp, Munich, Berlin at Paris. Ang mga Madonna at pagluluksa ay karaniwang paboritong tema ni Van Dyck. Bihira siyang kumuha ng mga larawan ng mga paganong diyos, bagaman ang kanyang "Hercules sa Crossroads" sa Uffizi, ang mga larawan ng Venus, Vulcan, Vienna at Paris ay nagpapakita na nakayanan niya ang mga ito sa ilang mga lawak. Siya ay nanatiling pangunahing pintor ng portrait. Humigit-kumulang 150 larawan ng kanyang brush ang nakaligtas mula sa limang taong yugtong ito. Ang kanilang mga tampok sa mukha ay mas matalas, sa karaniwang kaaya-aya, laging nakaupo na mga kamay, kahit na mas mababa ang ekspresyon kaysa sa mga Italyano na painting ng parehong uri. Ang isang medyo mas aristokratikong kadalian ay idinagdag sa kanilang postura, at isang mas banayad na pangkalahatang mood ay lumitaw sa isang mas malamig na kulay. Ang mga damit ay kadalasang madaling nahuhulog at malaya, ngunit materyal. Ang pinakamaganda sa kanila, na ipininta sa buong laki, ay kinabibilangan ng mga katangiang larawan ng pinunong si Isabella sa Turin, sa Louvre at sa gallery ng Liechtenstein, Philippe de Roy at ang kanyang asawa sa koleksyon ng Wallace sa London, dobleng larawan ng isang ginoo at isang ginang na may anak sa Louvre at sa Gothic Museum at marami pang larawan ng mga ginoo at kababaihan sa Munich. Kabilang sa pinakanagpapahayag na kalahating haba at generational, kasama namin ang mga larawan nina Bishop Mulderus at Martin Pepin sa Antwerp, Adrian Stevens at kanyang asawa sa St. Petersburg, Count Van den Berg sa Madrid, at Canon Antonio de Tassis sa gallery ng Liechtenstein. Ang organista na si Liberty ay mukhang matamlay, ang iskultor na si Colin de Nole, ang kanyang asawa at ang kanilang anak na babae ay mukhang mapurol sa isang portrait group sa Munich. Ang mga larawan ng isang ginoo at isang babae sa Dresden at ni Maria Louise de Tassis sa gallery ng Liechtenstein ay partikular na nakikilala sa pamamagitan ng kanilang marangal na pictorial bearing. Ang impluwensya ni Van Dyck sa lahat ng larawan ng kanyang panahon, lalo na ang Ingles at Pranses, ay napakalaki; gayunpaman, ang likas na katangian at panloob na katotohanan ng kanyang mga larawan ay hindi maaaring katumbas ng mga larawan ng kanyang mga kontemporaryo na sina Velasquez at Frans Gals, upang hindi pangalanan ang iba.

Minsan, gayunpaman, kumuha din si Van Dijk ng isang ukit na karayom. Nakilala 24 madali at may mahusay na kahulugan ng naisakatuparan sheet ng kanyang trabaho. Sa kabilang banda, inatasan niya ang iba pang mga engraver na magparami ng isang malaking serye ng maliliit na larawan ng mga sikat na kontemporaryo na ipininta niya, na ipininta sa isang kulay-abo na tono. Sa kumpletong koleksyon, ang "Van Dyck Iconography" na ito sa isang daang sheet ay lumitaw lamang pagkatapos ng kanyang kamatayan.

Bilang pintor ng korte ni Charles I, si Van Dyck ay nagsulat ng kaunting relihiyoso at mitolohiyang mga pagpipinta sa huling walong taon ng kanyang buhay. Gayunpaman, ang ilan sa mga pinakamahusay na painting, na ipininta sa kanyang maikling pananatili sa Netherlands, ay nabibilang sa huling oras na ito. Ito ang huli at pinakakaakit-akit na paglalarawan ng "Rest on the Flight to Egypt", na may pabilog na sayaw ng mga anghel at lumilipad na partridge, ngayon ay nasa Hermitage, ang pinaka-mature at pinakamagandang "Lamentation of Christ" sa Antwerp Museum, hindi malinaw lamang, mahinahon at nakakaantig sa komposisyon at matalim na pagpapahayag ng tunay na kalungkutan, ngunit gayundin sa mga kulay, ang magagandang pagkakaisa nito ng asul, puti at madilim na ginto, na kumakatawan sa isang dalubhasa, kaakit-akit na gawain. Sinusundan ito ng napakaraming larawan ng panahon ng Ingles. Totoo, ang kanyang mga ulo ay nagiging, sa ilalim ng impluwensya ng uri ng korte sa London, higit pa at higit na katulad ng mga maskara, ang kanyang mga kamay ay hindi gaanong nagpapahayag; sa kabilang banda, ang mga damit ay mas pino at mas matibay sa pagsulat, ang mga kulay, ang kulay-pilak na tono na unti-unting nagsimulang kumupas, ay nakakakuha ng higit pa sa maselan na kagandahan. Siyempre, nag-set up din si Van Dyck ng workshop sa London na may malaking produksyon, kung saan maraming estudyante ang nakikibahagi. Ang isang larawan ng pamilya sa Windsor, na naglalarawan sa isang nakaupo na mag-asawang hari na may dalawang anak at isang aso, ay isang medyo mahinang bongga. Ang equestrian portrait ng hari sa harap ng triumphal arch, na matatagpuan sa parehong lugar, ay ipininta na may mahusay na lasa, ang kanyang equestrian portrait sa National Gallery ay mas kaakit-akit, isang kasiya-siyang larawan ng hari na bumaba mula sa kanyang kabayo sa isang Ang pangangaso sa Louvre ay talagang kaakit-akit. Sa mga larawan ni Reyna Henrietta Maria ni Van Dyck, na pagmamay-ari ni Lord Northbrook sa London at inilalarawan ang reyna kasama ang kanyang mga dwarf sa terrace ng hardin ay isa sa pinakasariwa at pinakauna, at sa Dresden gallery, para sa lahat ng maharlika nito, isa sa mga pinakamahina at mamaya. Sikat ang iba't ibang larawan ng mga anak ng haring Ingles, na kabilang sa mga pinakakaakit-akit na obra maestra ni Van Dyck. Ang pinakamagagandang larawan ng tatlong maharlikang anak ay nasa Turin at Windsor; ngunit ang pinaka-marangya at pinakamaganda sa lahat ay ang larawan ng Windsor kasama ang limang anak ng hari, na may malalaki at maliliit na aso. Sa iba pang maraming larawan ni Van Dyck sa Windsor, ang larawan ni Lady Venice Digby, kasama ang mga alegorikal na karagdagan nito sa anyo ng mga kalapati at mga diyos ng pag-ibig, ay naglalarawan ng isang bagong panahon, at ang dobleng larawan nina Thomas Killigrew at Thomas Carew ay humanga sa mga relasyon sa buhay na inilalarawan ng hindi pangkaraniwan para sa aming panginoon. Ang larawan ni James Stewart, na may malaking asong nakakapit sa kanya sa Metropolitan Museum sa New York, ay lalong kaaya-aya; ang larawan ng ikinasal, mga anak nina William II ng Orange at Henrietta Mary Stuart, sa museo ng lungsod sa Amsterdam, ay nakakatuwa. Humigit-kumulang isang daang larawan ng panahon ng Ingles ng master ang nakaligtas.

Si Van Dijk ay namatay nang bata pa. Bilang isang artista, tila naipahayag niya ang kanyang sarili nang buo. Siya ay kulang sa versatility, kumpleto, kapangyarihan ng kanyang dakilang guro, ngunit nalampasan niya ang lahat ng kanyang Flemish contemporaries sa subtlety ng isang purong pictorial mood.

Ang iba pang mahahalagang pintor, katuwang at mag-aaral ng Rubens sa Antwerp bago at pagkatapos ng Van Dyck, ay nabubuhay lamang sa mga dayandang ng sining ni Rubens, Maging si Abraham Dipepbeck (1596-1675), Cornelis Schute (1597-1655), Theodore Van Tulden ( 1606-1676), Erasmus Quellinus (1607 - 1678), kapatid ng dakilang iskultor, at ang kanyang apo na si Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) ay hindi gaanong kabuluhan para sa kanila. Ang mga kinatawan ng iba't ibang makatotohanang departamento ng workshop ni Rubens ay higit na may independiyenteng kahalagahan. Nagsimula si Frans Snyders (1579 - 1657) sa isang patay na kalikasan, na gustung-gusto niyang gumanap sa buong sukat, malawak, makatotohanan at pandekorasyon; buong buhay niya ay nagpinta siya ng malaki, puno ng malusog na pagmamasid na mga larawan ng mga gamit sa kusina at prutas, tulad ng makukuha sa Brussels, Munich at Dresden. Sa workshop ni Rubens, natutunan din niyang ilarawan ang masigla at kapana-panabik, halos sa lakas at ningning ng kanyang guro, ang buhay na mundo, mga hayop na kasing laki ng buhay sa mga eksena sa pangangaso. Ang kanyang malalaking pagpipinta sa pangangaso sa Dresden, Munich, Vienna, Paris, Kassel at Madrid ay mga klasiko ng kanilang uri. Minsan ang kanyang bayaw na si Paul de Vos (1590 - 1678) ay may halong Snyders, na ang mga malalaking kuwadro na may mga hayop ay hindi maaaring pantayan ang pagiging bago at init ng mga kuwadro na gawa ng Snyders. Ang isang bagong istilo ng landscape, na binuo sa ilalim ng impluwensya ni Rubens, ay lumilitaw nang mas malinaw sa harap natin, na halos ganap na nag-aalis ng mga lumang tatlong-kulay na backdrop at tradisyonal na mala-beam na mga dahon ng puno, sa mga pagpinta at pag-ukit ni Lucas Van Oudens (1595- 1672), isang katulong sa huling panahon ng master sa larangan ng landscape. Ang kanyang marami, ngunit karamihan ay maliliit na landscape painting, kung saan ang siyam ay nakabitin sa Dresden, tatlo sa Petersburg, dalawa sa Munich, ay simple, natural na nakunan ng mga larawan ng magagandang lokal na hangganang landscape sa pagitan ng Brabant maburol na rehiyon at ng Flemish plain. Malawak at maselan ang pagpapatupad. Ang kanyang mga kulay ay nagsusumikap na ihatid hindi lamang ang natural na impresyon ng mga berdeng puno at parang, kayumangging lupa at mala-bughaw na maburol na mga distansya, kundi pati na rin ang bahagyang maulap, maliwanag na kalangitan. Ang maaraw na mga gilid ng mga ulap at mga puno nito ay kadalasang kumikislap na may mga dilaw na batik ng liwanag, at sa ilalim ng impluwensya ni Rubens, kung minsan ay lumilitaw din ang mga ulap ng ulan at isang bahaghari.

Nagdulot din ng rebolusyon ang sining ni Rubens sa pag-ukit ng tansong Dutch. Maraming mga engraver, na ang mga gawa ay sinuri niya mismo, ay nasa kanyang serbisyo. Ang pinakamatanda sa kanila, ang Antwerpian Cornelis Halle (1576-1656) at ang Dutch na si Jacob Matam (1571-1631) at Jan Müller, ay isinalin pa rin ang kanyang istilo sa isang mas lumang wika ng mga anyo, ngunit ang mga Rubens school engravers, na ang ilan ay binuksan ni Peter Soutman mula sa Harlem (1580- 1643), at patuloy na nagniningning sa mga pangalang tulad ni Lucas Forsterman (b. 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boethius at Shelte. Bolsworth, Pieter de Jaudet ang mas bata, at higit sa lahat ang mahusay na chiaroscuro engraver Jan Witdök (ipinanganak 1604) pinamamahalaang upang punan ang kanilang mga sheet ng Rubensian lakas at paggalaw. Ang bagong pamamaraan ng mezzotinto, na nagbigay ng magaspang na ibabaw sa plato sa pamamagitan ng isang grabsticht upang maalis ang isang guhit dito sa malambot na masa, ay, kung hindi naimbento, pagkatapos ay unang malawak na inilapat ni Vallerand Vaillant ng Lille (1623 - 1677). ), isang mag-aaral ng estudyante ni Rubens na si Erasmus Quellinus, isang kilalang mahusay na pintor ng portrait at isang pintor ng isang patay na kalikasan. Dahil, gayunpaman, pinag-aralan ni Vaillant ang sining na ito hindi sa Belgium, ngunit sa Amsterdam, kung saan siya lumipat, ang kasaysayan ng sining ng Flemish ay maaari lamang banggitin siya.

Ang ilang mahahalagang guro ng Antwerp sa panahong ito, na walang direktang pakikipag-ugnayan kay Rubens o sa kanyang mga estudyante, na sumali sa Caravaggio sa Roma, ay bumuo ng isang grupong Romano. Ang mga malilinaw na balangkas, plastik na pagmomodelo, mabibigat na anino ng Caravaggio ay lumalambot lamang sa kanilang mga huling pagpipinta ng isang mas malaya, mas mainit, mas malawak na pagsulat na nagsasalita tungkol sa impluwensya ni Rubens. Ang pinuno ng pangkat na ito ay si Abraham Janssens Van Nuessen (1576-1632), na ang mag-aaral na si Gerard Zegers (1591-1651) sa kanyang mga pagpipinta sa ibang pagkakataon ay walang alinlangan na lumipat sa Rubens channel, at si Theodore Rombouts (1597-1637) ay nagpapakita ng impluwensya ng Caravaggio sa kanyang genre, sa life-size, na may makintab na metal na mga pintura at itim na anino, mga painting sa Antwerp, Ghent, Petersburg, Madrid at Munich.

Ang pinakamatanda sa mga pintor ng Flemish noon na hindi pa nakapunta sa Italya, si Caspar de Crayer (1582-1669), ay lumipat sa Brussels, kung saan, nakikipagkumpitensya kay Rubens, hindi siya lumampas sa eclecticism na kinuha niya. Ang mga ito ay pinamumunuan ni Jacob Jordaens (1583-1678), isang mag-aaral at manugang ni Adam Van Noort, ang pinuno ng tunay na independiyenteng Belgian realists ng panahon, isa sa mga pinaka makabuluhang Flemish natitirang pintor ng ika-17 siglo kasama Rubens at Van Dyck. Inialay din ni Rooses ang isang malawak na sanaysay sa kanya. Mas magaspang kaysa kay Rubens, siya ay mas direkta at orihinal kaysa sa kanya. Ang kanyang mga katawan ay mas malalaki at mataba kaysa kay Rubens, ang kanilang mga ulo ay mas bilugan at mas karaniwan. Ang kanyang mga komposisyon, kadalasang paulit-ulit, na may kaunting pagbabago para sa iba't ibang mga pagpipinta, ay kadalasang mas walang sining, at madalas na overload, ang kanyang brush, para sa lahat ng kasanayan, mas tuyo, mas makinis, minsan mas siksik. Para sa lahat ng iyon, siya ay isang kahanga-hanga, orihinal na colorist. Sa una ay sariwa at mabilis siyang nagpinta, hindi maganda ang pagmomodelo sa puspos na mga lokal na kulay; pagkaraan ng 1631, nadala ng mga alindog ni Rubens, lumipat siya sa isang mas pinong chiaroscuro, sa mas matalas na mga intermediate na kulay at sa isang brownish na tono ng pagpipinta, kung saan ang mayaman at malalim na mga pangunahing tono ay epektibong lumiwanag. Inilarawan din niya ang lahat ng inilalarawan. Utang niya ang kanyang pinakamagagandang tagumpay sa mga alegoriko at genre na pagpipinta na kasing laki ng buhay, sa karamihan ng mga kaso sa tema ng mga katutubong kasabihan.

Ang pinakaunang kilalang pagpipinta ni Jordaens na "The Crucifixion" noong 1617 sa simbahan ng St. Inihayag ni Paul sa Antwerp ang impluwensya ni Rubens. Si Jordaens ay siya mismo noong 1618 sa The Adoration of the Shepherds in Stockholm at sa isang katulad na larawan sa Braunschweig, at lalo na sa mga unang paglalarawan ng isang satyr na bumisita sa isang magsasaka, kung saan siya ay nagsasabi ng isang hindi kapani-paniwalang kuwento. Ang pinakamaagang pagpipinta ng ganitong uri ay pag-aari ni G. Celst sa Brussels; sinundan ng mga kopya sa Budapest, Munich at Kassel. Kasama rin sa mga sinaunang pagpipinta ng relihiyon ang mga nagpapahayag na larawan ng mga Ebanghelista sa Louvre at Ang mga Disipulo sa Libingan ng Tagapagligtas sa Dresden; ng mga maagang mythological painting na "Meleager at Atlanta" sa Antwerp ay nararapat na banggitin. Ang pinakaunang nakaligtas na mga grupo ng larawan ng pamilya (circa 1622) ay nabibilang sa Madrid Museum.

Ang impluwensya ni Ruben ay makikita muli sa mga pintura ng Jordaens, na ipininta pagkatapos ng 1631. Sa kanyang panunuya, ang magsasaka sa Brussels ay mayroon nang kapansin-pansing pagliko. Ang kanyang mga tanyag na paglalarawan ng The Bean King, kung saan si Kassel ang may pinakamaagang kopya - ang iba ay nasa Louvre at Brussels - pati na rin ang kanyang hindi mabilang na pag-uulit ng salawikain na "As the old sing, the little ones squeak," an Antwerp copy of which ay may petsang 1638. mas sariwa pa ang kulay kaysa sa Dresden, na ipininta noong 1641 - ang iba sa Louvre at Berlin - ay nabibilang sa mas makinis at malambot na istilo ng master.

Hanggang sa 1642, mayroon ding mga ipininta na magaspang na mga larawang mitolohiya na "Procession of Bacchus" sa Kassel at "Ariadne" sa Dresden, mabilis na mahusay na mga larawan ni Jan Wirth at ng kanyang asawa sa Cologne; pagkatapos, hanggang 1652, ang mga kuwadro na gawa, na animated sa labas at panloob, sa kabila ng mga mas kalmadong linya, tulad ng St. Ivo sa Brussels (1645), isang napakagandang larawan ng pamilya sa Kassel at isang makulay na Bean King sa Vienna.

Noong 1652, ang master ay nasa buong puwersa nang siya ay inanyayahan sa The Hague upang makilahok sa dekorasyon ng "Forest Castle", kung saan ang "Deification of Prince Friedrich Heinrich" at "The Victory of Death over Envy" ni Jordaens ibigay ang kanyang imprint, at noong 1661 isang imbitasyon sa Amsterdam, kung saan pininturahan niya ang mga nakaligtas, ngunit ngayon ay halos hindi na makilala, mga kuwadro na gawa para sa bagong town hall.

Ang pinakamaganda at relihiyosong pagpipinta ng kanyang mga huling taon ay ang "Jesus among the scribes" (1663) sa Mainz; marangya sa mga kulay na "Introduction to the Temple" sa Dresden at ang "Huling Hapunan" na natatakpan ng liwanag sa Antwerp.

Kung ang Jordaens ay masyadong bastos at hindi pantay para mailagay sa pinakadakila sa mga dakila, kung gayon, tulad ng Antwerp burgher-pintor at pintor ng mga burgher, siya ay sumasakop sa isang lugar ng karangalan sa tabi ni Rubens, ang prinsipe ng mga pintor at pintor ng mga prinsipe. Ngunit tiyak dahil sa kanyang pagka-orihinal, hindi siya lumikha ng anumang kahanga-hangang mga mag-aaral o tagasunod.

Ang isang master, tulad ng Jordaens, na nakapag-iisa na sumunod sa nakaraan ng Flemish bago ang Rubensian, ay si Cornelis de Vos (1585 - 1651), lalo na namumukod-tangi bilang isang pintor ng portrait, na nagsusumikap para sa walang sining na katotohanan at katapatan na may kalmado, madamdamin na paraan ng larawan, isang kakaibang kislap ng mga mata ng kanyang mga pigura at isang kulay na puno ng liwanag. Ang pinakamahusay na grupo ng portrait ng pamilya, na may nakakarelaks na komposisyon, ay kabilang sa Brussels museum, at ang pinakamalakas na solong larawan ng guild master na si Grapheus ay kabilang sa Antwerp. Ang kanyang dobleng larawan ng mag-asawa at ang kanyang mga anak na babae sa Berlin ay karaniwan din.

Sa kaibahan sa purong Flemish na istilo nito na may pinaghalong Italyano, na ginanap na may higit o mas kaunting mga paglihis ng karamihan sa mga pintor ng Belgian noong ika-17 siglo, ang paaralang Luttich Walloon, na pinag-aralan ni Gelbir, ay bumuo ng istilong Romano-Belgian ng Poussin trend na sumunod sa French. Ang pinuno ng paaralang ito ay si Gerard Duffet (1594 - 1660), isang mapanlikhang akademiko na may detalyadong pagpipinta, na pinakamainam mong makikilala sa Munich. Isang alagad ng kanyang mag-aaral na si Bartollet Flemall o Flemal (1614 - 1675), isang matamlay na tagatulad ng Poussin, si Gerard Leresse (1641 - 1711), na lumipat na sa Amsterdam noong 1667, ay inilipat ang istilong pang-akademiko na ginagaya ang Pranses mula Luttich hanggang Holland, na isinagawa niya hindi lamang bilang isang pintor at etter ng mga paksang mitolohiya, kundi pati na rin sa panulat sa kanyang aklat, na may makabuluhang impluwensya. Siya ay isang matinding reaksyonaryo at higit sa lahat, sa pagpasok ng siglo, ay nag-ambag sa pagliko ng malusog na pambansang kalakaran ng Dutch painting sa Romanesque channel. Sina Seleucus at Antiochus sa Amsterdam at Schwerin, Parnassus sa Dresden, Ang Pag-alis ni Cleopatra sa Louvre ay nagbibigay ng sapat na pang-unawa sa kanya.

Sa wakas ay ibinalik tayo ni Leres mula sa malaking Belgian na pagpipinta hanggang sa maliit; at ang huli na ito, walang alinlangan, ay naranasan pa rin sa maliliit na larawan na may mga landscape o arkitektura na background ang mature national heyday ng ika-17 siglo, na direktang lumago mula sa lupang inihanda ng mga masters ng transition period, ngunit nakamit ang kumpletong kalayaan sa paggalaw salamat sa ang makapangyarihang Rubens, sa ilang mga lugar ay salamat din sa mga bagong impluwensya. French at Italian, o kahit na ang epekto ng mga batang Dutch art sa Flemish art.

Isang tunay na pagpipinta ng genre, at ngayon, tulad ng dati, ay gumanap ng unang papel sa Flanders. Kasabay nito, ang isang medyo matalim na hangganan ay kapansin-pansin sa pagitan ng mga master na naglalarawan ng buhay ng mga matataas na klase sa mga sekular na eksena o maliliit na larawan ng grupo, at ang mga pintor ng katutubong buhay sa mga tavern, fairs at mga kalsada sa bansa. Gumawa si Rubens ng mga specimen ng parehong genera. Ang mga sekular na pintor, sa diwa ng Rubens' Gardens of Love, ay naglalarawan ng mga kababaihan at mga ginoo na nakadamit ng seda at pelus, naglalaro ng mga baraha, nagkakaroon ng kapistahan, masayang musika o sayawan. Isa sa mga una sa mga pintor na ito ay si Christian Van der Lamen (1615 - 1661), na kilala sa kanyang mga pagpipinta sa Madrid, Gotha, lalo na sa Lucca. Ang kanyang pinakamatagumpay na estudyante ay si Jeroom Janssens (1624-1693), na ang "Mananayaw" at mga eksena sa sayaw ay makikita sa Braungschweig. Sa itaas niya, bilang isang pintor, nakatayo si Gonzales Kokvec (1618-1684), isang master ng aristokratikong maliliit na larawan ng grupo na naglalarawan sa mga miyembro ng pamilya na nagkakaisa sa bahay sa Kassel, Dresden, London, Budapest at The Hague. Ang mga Tenier ay ang pinaka-prolific Flemish na naglalarawan ng katutubong buhay ng mga mas mababang uri. Sa malaking pamilya ng mga artistang ito, namumukod-tangi si David Teniers the Elder (1582-1649) at ang kanyang anak na si David Teniers the Younger (1610-1690). Ang matanda ay malamang na isang mag-aaral ni Rubens, ang nakababatang Rubens ay malamang na nagbigay ng magiliw na payo. Parehong malakas sa landscape at genre. Gayunpaman, hindi posible na paghiwalayin ang lahat ng mga gawa ng matanda mula sa mga pagpipinta ng kabataan ng nakababata. Walang alinlangan, ang matanda ay kabilang sa apat na mythological landscape ng Vienna Court Museum, abala pa rin sa paghahatid ng "tatlong plano", "The Temptation of St. Anthony "sa Berlin," Mountain Castle "sa Braunschweig at" Mountain Gorge "sa Munich.

Dahil si David Teniers the Younger ay naimpluwensyahan ng dakilang Adrien Brower ng Udenard (1606-1638), binibigyan namin ng kalamangan ang huli. Si Browver ang tagalikha at tagapanguna ng mga bagong landas. Si Art at ang kanyang buhay ay masusing inimbestigahan ni Bode. Sa maraming paraan, siya ang pinakadakilang Dutch na pintor ng katutubong buhay at sa parehong oras ay isa sa mga pinaka madamdamin na Belgian at Dutch na mga pintor ng landscape. Ang impluwensya ng Dutch painting sa Flemish painting noong ika-17 siglo ay sa unang pagkakataon sa kanya, isang estudyante ng Frans Hals sa Haarlem, bago pa ang 1623. Sa kanyang pagbabalik mula sa Holland, nanirahan siya sa Antwerp.

Kasabay nito, ang kanyang sining ay nagpapatunay na ang pinakasimpleng epithets mula sa buhay ng mga karaniwang tao ay maaaring makakuha, salamat sa pagganap, ang pinakamataas na artistikong kahalagahan. Mula sa Dutch, kinuha niya ang kamadalian ng pang-unawa sa kalikasan, isang kaakit-akit na pagganap, masining sa sarili nito. Bilang isang Dutchman, ipinahayag niya ang kanyang sarili na may mahigpit na paghihiwalay sa paghahatid ng mga sandali ng iba't ibang mga pagpapakita ng buhay, bilang isang Dutch na may mahalagang katatawanan, itinatampok niya ang mga eksena ng paninigarilyo, mga away, mga laro sa pagsusugal at pag-inom sa pub.

Ang pinakaunang mga kuwadro na ipininta niya sa Holland, pag-inom ng magsasaka, pakikipag-away, sa Amsterdam, ay nagpapakita sa kanilang mga bastos, ilong na mga character ang mga tugon ng Old Flemish transitional art. Ang kanyang Antwerp na "Card Players" at ang mga eksena sa tavern ng Stadel Institute sa Frankfurt ay naging mga obra maestra sa panahong ito. Ang karagdagang pag-unlad ay lilitaw nang husto sa "Stabbing" at "Village Bath" ng Munich Pinakothek: dito ang mga aksyon ay kapansin-pansing malakas na nang walang hindi kinakailangang mga side figure; ang pagpapatupad sa lahat ng mga detalye ay kaakit-akit na naisip; mula sa golden chiaroscuro ng kulay, red at yellow tones pa rin ang glow. Sinusundan ito ng mature late period ng master (1633-1636), na may mas maraming indibidwal na figure, isang mas malamig na tono ng kulay, kung saan namumukod-tangi ang berde at asul na lugar ng pintura. Kabilang dito ang 12 sa kanyang labing-walong Munich painting at ang pinakamahusay sa kanyang apat na Dresden painting. Nagdagdag si Schmidt-Degener sa kanila ng ilang mga painting mula sa mga pribadong koleksyon ng Paris, ngunit ang kanilang pagiging tunay, tila, ay hindi palaging tiyak na itinatag. Ang pinakamagagandang tanawin ng Brower, kung saan ang pinakasimpleng motibo ng kalikasan mula sa paligid ng Antwerp ay pinapaypayan ng mainit, maningning na paghahatid ng hangin at magaan na phenomena, ay nabibilang din sa mga taong ito. Ang "Dunes" sa Brussels, isang pagpipinta na may pangalan ng master, ay nagpapatunay sa pagiging tunay ng iba. Mayroon silang mas modernong pakiramdam kaysa sa lahat ng iba pang Flemish landscape niya. Kabilang sa mga pinakamahusay ay ang moonlight painting at ang pastoral landscape sa Berlin, ang red-roofed dune landscape sa Bridgewater Gallery, at ang makapangyarihang Rubens-attributed landscape na may paglubog ng araw sa London.

Ang mga pagpipinta ng genre sa huling dalawang taon ng buhay ng master ng malalaking sukat ay mas gusto ang magaan, may kulay na pagsulat at isang mas malinaw na subordination ng mga lokal na kulay sa isang pangkalahatan, kulay-abo na tono. Ang mga umaawit na magsasaka, ang mga sundalong naglalaro ng dice at ang mag-asawang panginoon sa inuman ng Munich Pinakothek ay kadugtong ng malalakas na mga pintura na naglalarawan ng mga operasyon sa Stedel Institute at sa Louvre na "The Smoker". Ang orihinal na sining ni Brower ay palaging ganap na kabaligtaran ng lahat ng akademikong kombensiyon.

Si David Teniers the Younger, isang paboritong genre na pintor ng marangal na mundo, na inimbitahan noong 1651 ng court painter at gallery director ng Archduke Leopold Wilhelm mula Antwerp hanggang Brussels, kung saan siya namatay sa kanyang mga advanced na taon, ay hindi maihahambing kay Browver sa kamadalian ng ang paghahatid ng buhay, sa emosyonal na karanasan ng katatawanan, ngunit iyon ang dahilan kung bakit ito ay nalampasan ito sa panlabas na pagiging sopistikado at sa urban na kahulugan ng stylization ng katutubong buhay. Gustung-gusto niyang ilarawan ang mga aristokratikong mamamayan sa kanilang relasyon sa mga taong nayon, kung minsan ay nagpinta siya ng mga sekular na eksena mula sa buhay ng aristokrasya at naghatid pa ng mga relihiyosong yugto sa istilo ng kanyang mga pagpipinta sa genre, sa loob ng mga silid na pinalamutian nang napakaganda o sa mga totoong sinusunod, ngunit pandekorasyon. mga landscape. Ang tukso ni St. Si Antonia (sa Dresden, Berlin, Petersburg, Paris, Madrid, Brussels) ay kabilang sa kanyang mga paboritong paksa. Higit sa isang beses, nagpinta rin siya ng piitan na may larawan ni Peter sa background (Dresden, Berlin). Kabilang sa mga mythological tema sa estilo ng kanyang genre paintings, kami ay pangalanan ang "Neptune at Amphitrite" sa Berlin, ang allegorical painting "Five Senses" sa Brussels, tula - labindalawang mga painting mula sa "Jerusalem Liberated" sa Madrid. Ang kanyang mga kuwadro na kumakatawan sa mga alchemist (Dresden, Berlin, Madrid) ay maaari ding maiugnay sa genre ng mataas na lipunan. Ang karamihan sa kanyang mga ipininta, kung saan mayroong 50 sa Madrid, 40 sa St. Petersburg, 30 sa Paris, 28 sa Munich, 24 sa Dresden, ay nagpinta sa kapaligiran ng mga taganayon na nagsasaya sa kanilang oras ng paglilibang. Inilalarawan niya silang nagpipista, umiinom, sumasayaw, naninigarilyo, naglalaro ng baraha o dice, sa isang party, sa isang shank o sa kalye. Ang kanyang liwanag at malaya sa pagiging natural nitong wika ng mga anyo, pagwawalis at kasabay ng malumanay na pagsulat ay nakaranas ng mga pagbabago lamang sa kulay. Isang mabigat, ngunit malalim at malamig na tono ng kanyang "Temple feast in the half-light" noong 1641 sa Dresden. Pagkatapos ay bumalik siya sa kayumangging tono ng kanyang mga unang taon, na mabilis na naging maapoy na ginintuang tono sa mga pagpipinta gaya ng piitan noong 1642 sa St. Petersburg, ang "Workshop pub" noong 1643 sa Munich at "The Prodigal Son" noong 1644. sa Louvre, na sumiklab nang higit at higit sa tulad ng "The Dance" ng 1645 sa Munich at "The Dice Players" ng 1646 sa Dresden, pagkatapos, bilang ang "Smokers" ng 1650 sa Munich ay unti-unting nagiging kulay abo at, sa wakas , noong 1651, sa The Peasant Wedding sa Munich ay binago sa isang sopistikadong kulay-pilak na tono at sinamahan ng mas magaan at mas makinis na pagsulat na nagpapakilala sa mga pintura ni Teniers mula sa mga limampu, tulad ng kanyang Sentry Room noong 1657 sa Buckingham Palace. Sa wakas, pagkatapos ng 1660 ang kanyang brush ay nagiging mas kumpiyansa, ang kulay ay muli mas kayumanggi, tuyo at maulap. Ang Munich ay nagmamay-ari ng isang pagpipinta na kumakatawan sa isang alchemist, na may mga kakaibang katangian ng isang sulat mula sa isang may edad na master noong 1680.

Kabilang sa mga mag-aaral ng Brower ay si Joos Van Kreesbeek (1606-1654), kung saan ang mga pagpipinta ay nagtatapos kung minsan ay malungkot; sa mga mag-aaral ng Teniers the Younger, kilala si Gillis Van Tilborch (circa 1625-1678), na nagpinta rin ng mga larawan ng grupo ng pamilya sa istilo ni Coques. Kasama nila ang mga miyembro ng pamilyang Ricavert ng mga pintor, kung saan lalo na si David Ricaert III (1612-1661) ay tumaas sa isang tiyak na latitude ng kalayaan.

Kasama ang pambansang Flemish small-figure painting, mayroong isang sabay-sabay, bagaman hindi katumbas, Italianizing trend, na ang mga masters ay pansamantalang nagtrabaho sa Italya at inilalarawan ang buhay ng Italyano sa lahat ng mga manifestations nito. Gayunpaman, ang pinakamalaki sa mga ito, na nabighani ni Raphael o Michelangelo, ang mga miyembro ng "komunidad" ng Dutch sa Roma ay ang mga Dutch, kung kanino tayo babalik sa ibaba. Si Peter Van Laer ng Haarlem (1582-1642) ay ang tunay na tagapagtatag ng kilusang ito, na naiimpluwensyahan ang parehong mga Italyano tulad ng Cherkvozzi at mga Belgian tulad ni Jan Mils (1599-1668). Hindi gaanong independyente sina Anton Goubau (1616 - 1698), na pinunan ang mga guho ng Romano ng makulay na buhay, at si Peter Van Blemen, na binansagang Standard (1657 - 1720), na mas gusto ang mga Italian horse fairs, mga labanan ng mga kabalyerya at mga eksena sa kampo. Mula sa panahon ng mga masters na ito, ang Italian folk life ay nanatiling isang lugar na taun-taon ay nakakaakit ng mga pulutong ng mga hilagang pintor.

Sa kabaligtaran, ang pagpipinta ng landscape ay nabuo sa pambansang diwa ng Flemish, na may mga tema ng labanan at pagnanakaw, na katabi ni Sebastian Vranks, na ang mag-aaral na si Peter Snyers (1592-1667) ay lumipat mula sa Antwerp patungong Brussels. Ang mga unang pagpipinta ni Snyers, tulad ng sa Dresden, ay nagpapakita sa kanya sa isang ganap na kaakit-akit na track. Nang maglaon, bilang isang pintor ng labanan ng bahay ng mga Habsburg, binigyan niya ng higit na kahalagahan ang topographical at strategic fidelity kaysa sa pictorial, gaya ng ipinakita ng kanyang malalaking painting sa Brussels, Vienna at Madrid. Ang kanyang pinakamahusay na estudyante ay si Adam Frans Van der Meulen (1631-1690), ang pintor ng labanan ni Louis XIV at isang propesor sa Paris Academy, na inilipat sa Paris ang estilo ng Snyers, na pinino niya sa hangin at magaan na pananaw. Sa Palasyo ng Versailles at sa Hotel des Invalides sa Paris, nagpinta siya ng malalaking serye ng mga kuwadro na gawa sa dingding, hindi nagkakamali sa kanilang mga kumpiyansa na anyo at ang impresyon ng isang nakamamanghang tanawin. Ang kanyang mga kuwadro na gawa sa Dresden, Vienna, Madrid at Brussels na may mga kampanya, pagkubkob sa mga lungsod, mga kampo, mga matagumpay na pagpasok ng dakilang hari ay nakikilala rin sa pamamagitan ng kanilang magaan na pictorial subtlety of perception. Si Cornelis de Wael (1592-1662), na nanirahan sa Genoa, ay nagdala ng New Netherlandish battle painting na ito sa Italya, at, sa pagkakaroon ng mas perpektong brush at isang mainit na lasa, sa lalong madaling panahon ay lumipat sa paglalarawan ng buhay katutubong Italyano.

Sa Belgian landscape painting na wasto, na inilarawan ng may-akda ng aklat na ito nang mas detalyado sa History of Painting (kaniya at kay Woltmann), ang isa ay lubos na malinaw na nakikilala ang isang orihinal, katutubong direksyon, bahagyang naantig lamang ng mga impluwensya sa timog, mula sa pseudo- klasikal na direksyon na katabi ng Poussin sa Italya. Ang pagpipinta ng landscape ng Pambansang Belgian ay pinanatili, kumpara sa Dutch, na iniiwan ang Rubens at Brower sa isang tabi, isang tampok ng medyo panlabas na dekorasyon; na may ganitong katangian siya ay lumitaw sa dekorasyon ng mga palasyo at simbahan na may pandekorasyon na serye ng mga pagpipinta sa kasaganaan na wala kahit saan. Si Paul Brill mula sa Antwerp ang nagtanim ng ganitong uri ng pagpipinta sa Roma; nang maglaon ay pinalamutian ng mga Pranses na Pranses na sina François Millet at Philippe de Champagne ang mga simbahan ng Paris na may mga landscape painting. Ang may-akda ng aklat na ito ay nagsulat ng isang hiwalay na artikulo tungkol sa mga tanawin ng simbahan noong 1890.

Kabilang sa mga masters ng Antwerp, dapat una sa lahat banggitin ang Caspar de Witte (1624-1681), pagkatapos ay si Peter Spirinks (1635-1711), na nagmamay-ari ng mga landscape ng simbahan sa koro ng Augustinian church sa Antwerp, at lalo na kay Jan Frans Van Blömen (1662 - 1748), na tumanggap ng palayaw na "Horizonte" para sa kalinawan ng mga asul na hanay ng bundok ng kanyang matagumpay, malakas na nakapagpapaalaala sa Dughet, ngunit mahirap at malamig na mga kuwadro na gawa.

Ang Belgian national landscape painting ng panahong ito ay umunlad pangunahin sa Brussels. Ang ninuno nito ay si Denis Van Alsloot (mga 1570 - 1626), na, mula sa transisyonal na istilo, sa kanyang semi-rural, semi-urban na mga pagpipinta, ay nakabuo ng mahusay na lakas, katatagan at kalinawan ng pagpipinta. Ang kanyang dakilang alagad na si Lucas Achtsellinks (1626-1699), na naimpluwensyahan ni Jacques d'Artois, ay lumahok sa pagdekorasyon sa mga simbahan ng Belgian na may mga tanawin ng Bibliya na may malalagong madilim na berdeng puno at asul na maburol na mga distansya, sa isang malawak na libre, medyo malawak na paraan. Si Jacques de Artois (1613 - 1683), ang pinakamahusay na pintor ng landscape ng Brussels, isang alagad ng halos hindi kilalang Jan Mertens, ay pinalamutian din ang mga simbahan at monasteryo na may malalaking landscape, ang mga eksena sa Bibliya na ipininta ng kanyang mga kaibigan, mga makasaysayang pintor. Ang mga tanawin nito ay ang kapilya ng St. Nakita ng may-akda ng aklat na ito ang mga asawa ng Brussels cathedral sa sakristan ng simbahang ito. Ang mga eklesiastikal na tanawin ay, sa anumang kaso, din ang kanyang malalaking painting ng Court Museum at ang Liechtenstein gallery sa Vienna. Sa pamamagitan ng maliliit na panloob na mga pintura, na kumakatawan sa luntiang kagubatan ng kapaligiran ng Brussels, kasama ang mga naglalakihang berdeng puno, dilaw na mabuhangin na mga kalsada, asul na maburol na mga distansya, maliliwanag na ilog at lawa, maaari mong pinakamahusay na makilala sa Madrid at Brussels at mahusay din sa Dresden, Munich at Darmstadt. Sa pamamagitan ng isang marangyang saradong komposisyon, malalim, puspos ng maliliwanag na kulay, na may malinaw na hangin na may mga ulap, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng ginintuang dilaw na iluminado na mga gilid, perpektong inihahatid nila ang pangkalahatan, ngunit pa rin ang pangkalahatang katangian ng lugar. Goldish, mas mainit, mas pandekorasyon, kung gugustuhin mo, mas Venetian ang kulay kaysa kay d Artois, ang kanyang pinakamahusay na alagad na si Cornelis Huysmans (1648 - 1727), na ang pinakamagandang tanawin ng simbahan ay "Christ in Emmaus" ng Church of St. Women in Mecheln.

Sa seaside city ng Antwerp, natural na umunlad din ang marina. Ang pagnanais para sa kalayaan at pagiging natural noong ika-17 siglo ay natanto dito sa mga pagpipinta na kumakatawan sa mga labanan sa baybayin at pandagat nina Andries Artvelt o Van Ertvelt (1590-1652), Buonaventur Peters (1614-1652) at Hendrik Mindergout (1632-1696), na , gayunpaman, ay hindi maaaring katumbas ng pinakamahusay na Dutch craftsmen sa parehong industriya.

Sa pagpipinta ng arkitektura, na kusang-loob na naglalarawan sa loob ng mga simbahang Gothic, ang mga Flemish masters tulad ni Peter Neufs the Younger (1620-1675), na halos hindi kailanman lumampas sa magaspang na istilo ng transisyon, ay kulang din sa panloob, baha, at larawang kagandahan ng mga imaheng Dutch. ng mga simbahan.

Ang higit na kabastusan at ningning na dinala ng mga Belgian sa mga larawan ng mga hayop, prutas, patay na kalikasan at mga bulaklak. Gayunpaman, kahit na si Jan Fit (1611 - 1661), isang pintor ng mga suplay at prutas sa kusina, na maingat na isinagawa at pandekorasyon na pinagsama ang lahat ng mga detalye, ay hindi lumayo kaysa kay Snyders. Ang pagpipinta ng bulaklak ay hindi rin napunta sa Antwerp, kahit na sa sarili nitong, higit pa kay Jan Brueghel na nakatatanda. Kahit na ang mag-aaral ni Bruegel sa lugar na ito, si Daniel Segers (1590 - 1661), ay nalampasan lamang siya sa lawak at luho ng pandekorasyon na kaayusan, ngunit hindi sa pag-unawa sa kagandahan ng mga anyo at pag-apaw ng mga kulay ng mga indibidwal na kulay. Sa anumang kaso, ang bulaklak ni Seger na mga korona sa Madonnas ng mga dakilang makasagisag na pintor at ang kanyang bihirang, independiyenteng mga paglalarawan ng mga bulaklak, tulad ng pilak na plorera sa Dresden, ay nagpapakita ng malinaw na malamig na liwanag ng walang kapantay na pagpapatupad. Ang Antwerp noong ika-17 siglo ay ang pangunahing lugar ng Dutch na pagpipinta ng mga bulaklak at prutas, gayunpaman, hindi niya gaanong utang sa mga lokal na panginoon kundi sa dakilang Utrecht Jan Davids de Gay (1606-1684), na lumipat sa Antwerp at dito itinaas ang kanyang anak na lalaki, na ipinanganak sa Leiden, Cornelis de Geem (1631 - 1695), nang maglaon ay naging master din ng Antwerp. Ngunit ito ay sila, ang pinakadakila sa lahat ng mga pintor ng mga bulaklak at prutas, na nakikilala sa pamamagitan ng walang katapusang pag-ibig para sa dekorasyon ng mga detalye at ang kapangyarihan ng pagpipinta, na may kakayahang panloob na pagsamahin ang mga detalyeng ito, tulad ng mga masters ng Dutch, hindi Belgian type.

Nakita namin na may makabuluhang koneksyon sa pagitan ng Flemish painting at Dutch, Italian, French art. Pinahahalagahan ng mga Fleming ang direkta, matalik na pang-unawa ng Dutch, ang kalunus-lunos na biyaya ng Pranses, ang pandekorasyon na karangyaan ng mga anyo at kulay ng mga Italyano, ngunit iniiwan ang mga defectors at nakahiwalay na mga phenomena, palagi silang nanatili sa kanilang sining sa pamamagitan ng ang kanilang mga sarili ay isang-kapat lamang, para sa kabilang quarter sila ay panloob na romanisado at panlabas na Germanic Dutch, na alam kung paano maunawaan at magparami ng kalikasan at buhay na may malakas at mapusok na sigasig, at sa isang pandekorasyon na kahulugan na may mood.

L. Aleshina

Isang maliit na bansa na nagbigay sa mundo sa nakaraan ng isang bilang ng mga pinakadakilang artista - sapat na upang pangalanan ang magkapatid na van Eyck, Bruegel at Rubens - Belgium sa simula ng ika-19 na siglo. nakaranas ng mahabang pagwawalang-kilos ng sining. Ang isang tiyak na papel dito ay nilalaro ng pampulitika at pang-ekonomiyang posisyon ng Belgium, na hanggang 1830 ay hindi nagtataglay ng pambansang kalayaan. Lamang kapag, mula sa simula ng bagong siglo, ang pambansang kilusan ng pagpapalaya ay bubuo ng higit at higit pa, ang sining ay muling nabuhay, na sa lalong madaling panahon ay nakakuha ng isang napakahalagang lugar sa buhay kultural ng bansa. Ito ay nagpapahiwatig ng hindi bababa sa na, kung ihahambing sa ibang mga bansa sa Europa, ang bilang ng mga artista sa maliit na Belgium na may kaugnayan sa populasyon ay napakalaki.

Sa pagbuo ng kulturang artistikong Belgian noong ika-19 na siglo. malaking papel ang ginampanan ng mga dakilang tradisyon ng pambansang pagpipinta. Ang koneksyon sa mga tradisyon ay ipinahayag hindi lamang sa direktang imitasyon ng maraming mga artista sa kanilang mga natitirang nauna, bagaman ito ay katangian ng pagpipinta ng Belgian, lalo na sa kalagitnaan ng siglo. Ang impluwensya ng mga tradisyon ay nakaimpluwensya sa mga detalye ng Belgian art school ng modernong panahon. Isa sa mga partikular na tampok na ito ay ang pangako ng mga Belgian artist sa layunin ng mundo, sa tunay na laman ng mga bagay. Kaya ang mga tagumpay ng makatotohanang sining sa Belgium, ngunit samakatuwid ay isang tiyak na limitasyon sa interpretasyon ng realismo.

Ang isang katangian ng artistikong buhay ng bansa ay ang malapit na pakikipag-ugnayan sa buong siglo ng kultura ng Belgian sa kultura ng France. Ang mga batang artista at arkitekto ay pumupunta doon upang pagbutihin ang kanilang kaalaman. Sa turn, maraming mga French masters ay hindi lamang bumisita sa Belgium, ngunit nakatira din dito sa loob ng maraming taon, na nakikilahok sa artistikong buhay ng kanilang maliit na kapitbahay.

Sa simula ng ika-19 na siglo, naghari ang klasisismo sa pagpipinta, eskultura at arkitektura sa Belgium, tulad ng sa maraming iba pang mga bansa sa Europa. Ang pinakadakilang pintor ng panahong ito ay si François Joseph Navez (1787-1869). Nag-aral muna siya sa Brussels, pagkatapos mula 1813 sa Paris kasama si David, na sinamahan niya sa paglipat sa Brussels. Sa mga taon ng kanyang pagkatapon sa Belgian, ang kahanga-hangang French master ay nagtamasa ng pinakadakilang prestihiyo sa mga lokal na artista. Si Navez ay isa sa mga paboritong disipulo ni David. Ang kanyang pagkamalikhain ay hindi pantay. Ang mga mythological at biblical compositions, kung saan sinunod niya ang mga canon ng classicism, ay walang buhay at malamig. Ang mga portrait na bumubuo sa isang malaking bahagi ng kanyang legacy ay lubhang kawili-wili. Sa kanyang mga larawan, ang malapit at matulungin na pagmamasid at pag-aaral ng kalikasan ay pinagsama sa isang napakahusay na ideya ng pagkatao ng tao. Ang pinakamahusay na mga tampok ng pamamaraan ng klasiko - malakas na istraktura ng komposisyon, kapunuan ng plastik na anyo - maayos na pinagsama sa mga larawan ng Navez na may pagpapahayag at katangian ng imahe ng buhay. Ang pinakamataas na artistikong kalidad ay ang larawan ng pamilyang Hemptinne (1816; Brussels, Museum of Modern Art).

Ang mahirap na gawain ng isang portrait na may tatlong mga character ay matagumpay na nalutas ng artist. Ang lahat ng mga miyembro ng batang pamilya - isang mag-asawa na may isang maliit na anak na babae - ay inilalarawan sa masigla, nakakarelaks na mga poses, ngunit may pakiramdam ng isang malakas na panloob na koneksyon. Ang scheme ng kulay ng portrait ay nagpapatotoo sa pagnanais ni Navez na maunawaan ang mga klasikal na tradisyon ng Flemish painting, mula pa noong van Eyck. Ang mga dalisay at nagniningning na kulay ay nagsasama sa isang masayang harmonic accord. Ang napakahusay na larawan ng pamilyang Hemptinne ay malapit sa plastik nitong kapangyarihan, katumpakan ng dokumentaryo sa mga huling larawang gawa ni David, at lyricism, ang pagnanais na ihatid ang panloob na buhay ng kaluluwa ay nauugnay sa umuusbong na romantikismo. Ang self-portrait ni Navez sa murang edad (1810s; Brussels, pribadong koleksyon), kung saan inilarawan ng artist ang kanyang sarili na may lapis at sketchbook sa kanyang mga kamay, malinaw at masinsinang nakatingin sa isang bagay sa kanyang harapan, ay tila mas malapit sa romantikismo. Malaki ang papel ni Navez bilang isang guro. Maraming mga artista ang nag-aral sa kanya, na kalaunan ay nabuo ang core ng makatotohanang direksyon sa pagpipinta sa Belgium.

Ang paglago ng rebolusyonaryong damdamin sa bansa ay nag-ambag sa tagumpay ng romantikong sining. Ang pakikibaka para sa pambansang kalayaan ay humantong sa isang rebolusyonaryong pagsabog noong tag-araw ng 1830, bilang isang resulta kung saan ang Belgium ay pinutol ang ugnayan sa Netherlands at bumuo ng isang malayang estado. Ang sining ay may mahalagang papel sa mga pangyayari. Ito ay pumukaw ng damdaming makabayan, nag-alab ng mapaghimagsik na damdamin. Tulad ng alam mo, ang direktang dahilan ng rebolusyonaryong pag-aalsa sa Brussels ay ang pagganap ng opera ni Aubert na Mute mula sa Portici.

Sa bisperas ng rebolusyon, ang isang makabayan na kalakaran sa makasaysayang genre ay nahuhubog sa pagpipinta ng Belgian. Ang pinuno ng trend na ito ay ang batang artist na si Gustave Wappers (1803-1874), na nagpakita noong 1830 ng pagpipinta na "The Self-Sacrifice of Burgomaster van der Werf at the Siege of Leiden" (Utrecht, Museum). Ang pag-awit ng mga kabayanihan ng kanilang mga ninuno, ang mga masters ng trend na ito ay bumaling sa romantikong wika ng mga anyo. Ang kalunos-lunos na elevation ng makasagisag na sistema, ang tumaas na makulay na tunog ng kulay ay napagtanto ng mga kontemporaryo bilang isang muling pagbabangon ng primordially national pictorial na mga tradisyon, na pinakamatingkad na kinakatawan ni Rubens.

Noong 30s. Ang pagpipinta ng Belgian, salamat sa mga canvases ng makasaysayang genre, ay nakakakuha ng pagkilala sa European art. Ang pagiging programmatic at makabayan nito, na nagsilbi sa mga pangkalahatang gawain ng pag-unlad ng bansa, ang nagpasiya sa tagumpay na ito. Wappers, Nicaez de Keyser (1813-1887), Louis Galle ang ilan sa mga pinakasikat na artista sa Europe. Gayunpaman, sa lalong madaling panahon ang direksyon na ito ay nagsiwalat din ng mga limitadong aspeto nito. Ang pinakamatagumpay ay yaong mga gawa na sumasalamin sa mga kalunos-lunos ng pambansang kilusang pagpapalaya ng mga tao, na inspirasyon ng mga kabayanihan ng nakaraan at kasalukuyang mga laban para sa kalayaan. Hindi nagkataon na ang pinakamalaking tagumpay ay nahulog sa lot ng pagpipinta ni Wappers na "The September Days of 1830" (1834-1835; Brussels, Museum of Modern Art). Ang artist ay lumikha ng isang makasaysayang canvas batay sa mga modernong materyales, inihayag ang kahalagahan ng mga rebolusyonaryong kaganapan. Ipinakita ang isa sa mga yugto ng rebolusyon. Ang aksyon ay nagaganap sa gitnang plaza ng Brussels. Ang mabagyo na pagsabog ng popular na kilusan ay inihatid ng isang hindi balanseng diagonal na komposisyon. Ang pag-aayos ng mga grupo at ilan sa mga figure ay nagpapaalala sa pagpipinta ni Delacroix na "Liberty Leading the People", na isang hindi mapag-aalinlanganang modelo para sa artist. Kasabay nito, ang mga Wapper sa canvas na ito ay medyo panlabas at deklaratibo. Ang kanyang mga imahe ay bahagyang nailalarawan sa pamamagitan ng theatrical Effectiveness, demonstrativeness sa pagpapahayag ng mga damdamin.

Di-nagtagal pagkatapos na makamit ng Belgium ang kalayaan, ang makasaysayang pagpipinta ay nawawala ang lalim ng nilalaman nito. Ang mga tema ng pambansang pagpapalaya ay nawawala ang kanilang kaugnayan, ang kanilang panlipunang batayan. Ang makasaysayang larawan ay nagiging isang napakagandang costume show na may nakakaaliw na plot. Dalawang uso ang na-kristal sa makasaysayang pagpipinta; sa isang banda, ito ay mga monumental na magarbong canvases; ang iba pang direksyon ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang genre na interpretasyon ng kasaysayan. Ang mga tradisyon ng pambansang pagpipinta ay naiintindihan nang napakababaw - bilang isang kabuuan ng mga pamamaraan at paraan na hindi nakondisyon ng impluwensya ng panahon. Lumilitaw ang maraming artista na nakikita ang kanilang buong bokasyon sa mga genre ng pagpipinta, tulad ng "mga master ng ika-17 siglo," o mga makasaysayang eksena, "tulad ni Rubens."

Si Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) ay mapagpanggap ngunit hindi matagumpay na naglalayong pagsamahin ang mga nagawa nina Michelangelo at Rubens sa kanyang malalaking makasaysayan at simbolikong mga canvases. Si Hendrik Leis (1815-1869) ay unang nagsulat ng maliliit na genre-historical na mga pagpipinta, na ginagaya ang kulay ng Rembrandt. Mula noong 60s. lumipat siya sa malawak na multi-figured na komposisyon na may mga pang-araw-araw na eksena mula sa Northern Renaissance, sa paraan ng pagpapatupad kung saan sinusunod niya ang walang muwang na katumpakan at detalye ng mga master sa panahong ito.

Kabilang sa maraming makasaysayang pintor ng kalagitnaan ng siglo, si Louis Galle (1810-1887) ay nararapat na banggitin, na ang mga kuwadro ay nakikilala sa pamamagitan ng pagpigil at laconic na komposisyon, at ang mga imahe ay kilala sa kanilang panloob na kahalagahan at maharlika. Ang isang tipikal na halimbawa ay ang pagpipinta na "Huling karangalan sa mga labi ng mga Bilang ng Egmont at Horn" (1851; Tournai, Museo, pag-uulit ng 1863 - Pushkin Museum). Ang parehong mga katangian ay higit na likas sa kanyang mga pagpipinta sa genre, tulad ng "The Fisherman's Family" (1848) at "Slavonets" (1854; pareho - ang Hermitage).

Unti-unti, ang makasaysayang pagpipinta ng Belgium ay nawawala ang nangungunang papel nito sa sistema ng mga genre, at sa harapan mula noong mga 60s. Ang pagpipinta sa bahay ay inilalagay sa harap. Ang mga pintor ng genre sa kalagitnaan ng siglo ay may kaugaliang gayahin ang mga pintor noong ika-17 siglo sa pamamagitan ng paglikha ng mga nakakaaliw na eksena sa mga tavern o maginhawang interior ng bahay. Ganito ang marami sa mga painting ni Jean Baptiste Madoux (1796-1877). Si Hendrik de Brackeler (1840-1888) ay napakatradisyunal sa kanyang mga paksa, na naglalarawan ng mga malungkot na pigura sa isang tahimik na trabaho sa mga interior na baha sa liwanag. Ang kanyang merito ay nakasalalay sa paglutas ng problema ng pag-iilaw at maaliwalas na kapaligiran sa pamamagitan ng modernong pagpipinta.

Ang kapitalistang pag-unlad ng bansa, na naganap pagkatapos ng pananakop ng kalayaan sa napakabilis na bilis, ay nasa 60s na. Nagdulot ng mga bagong problema para sa sining. Nagsisimula nang salakayin ng modernidad ang artistikong kultura ng Belgium nang higit pa at mas aktibong. Ang nakababatang henerasyon ng mga artista ay nagtataguyod ng slogan ng realismo, na nagpapakita ng mga katangiang aspeto ng nakapaligid na buhay. Sa kanilang mga adhikain, umasa sila sa halimbawa ng Courbet. Noong 1868, itinatag ang Free Society of Fine Arts sa Brussels. Ang pinakamahalaga sa mga kalahok nito ay sina Charles de Grue, Constantin Meunier, Félicien Rops, Louis Dubois. Lahat sila ay lumabas na may slogan ng realismo, na may panawagan na labanan ang lumang sining, na may mga tema na malayo sa buhay at hindi napapanahong wikang masining. Ang tagapagbalita ng mga aesthetic na pananaw ng lipunang ito ay ang magazine na "Free Art", na nagsimulang lumitaw noong 1871. Si Charles de Grue (1825-1870), isang aktibong kalahok sa Free Society of Fine Arts (1825-1870), ay nasa huling bahagi na ng 1940s. naging tanyag sa mga pagpipinta mula sa buhay ng mababang saray ng lipunan. Ang kanyang paraan ng pagsulat ay malapit sa Courbet. Ang pangkulay ay pinananatili sa madilim, pinipigilang mga kulay, emosyonal na tumutugma sa masakit na kadiliman ng inilalarawan. Ito ang pagpipinta ng Roaster for Coffee (60s; Antwerp, Museum); ito ay nagpapakita ng mga mahihirap na nagpainit sa isang madilim, malamig na araw ng taglamig sa labas ng isang brazier kung saan ang mga butil ng kape ay inihaw. Ang malalim na pakikiramay para sa mga mahihirap ay nagpapakilala sa gawa ng artista.

Ang pagiging totoo sa Belgium sa lalong madaling panahon ay nakakuha ng isang malakas na posisyon sa lahat ng mga genre ng sining. Lumilitaw ang isang buong kalawakan ng mga pintor ng landscape, sa totoo lang at sa parehong oras, iba't ibang sumasalamin sa kanilang katutubong kalikasan - ang tinatawag na Tervuren school (pagkatapos ng pangalan ng isang lugar na matatagpuan sa isang kagubatan malapit sa Brussels). Ang pinuno ng paaralan, si Hippolyte Boulanger (1837-1874), ay nagpinta ng banayad, medyo mapanglaw na mga tanawin ng kagubatan, na katulad ng kulay sa mga taong Barbizon. Si Louis Artan (1837-1890) ay mas energetically nakikita ang kalikasan. Kadalasan, inilarawan niya ang mga tanawin ng dagat at baybayin. Ang kanyang pahid ay pabago-bago at nababanat; hinahangad ng artist na ihatid ang nababagong kapaligiran, ang mood ng tanawin.

Sinakop ni Felicien Rops (1833-1898) ang isang espesyal na lugar sa sining ng Belgian. Sa kabila ng katotohanan na ang master ay gumugol ng isang makabuluhang bahagi ng kanyang malikhaing buhay sa France, siya ay isang aktibong kalahok sa proseso ng artistikong Belgian. Ang medyo iskandaloso na katanyagan ng artista bilang mang-aawit ng mga cocotte ng Paris ay madalas na sumasalamin sa kanyang napakahalagang papel sa buhay kultural ng Belgium. Si Rops ay isa sa mga tagapagtatag ng magasing pampanitikan at sining na "Ulenspiegel" (itinatag sa Brussels noong 1856) at ang unang ilustrador ng sikat na nobela ni Charles de Coster (1867). Ang mga guhit na ginawa sa pamamaraan ng pag-ukit ay nagbibigay ng matalas at kawili-wiling pagkakatawang-tao ng mga larawan ng mga pangunahing tauhan ng nobela. Si Rops ay isang napakatalino na master ng pagguhit at isang matulungin na tagamasid ng modernong buhay, bilang ebidensya ng marami sa kanyang mga gawa.

Ang arkitektura ng Belgian hanggang sa katapusan ng ika-19 na siglo. hindi lumikha ng anumang bagay na makabuluhan. Sa unang kalahati ng siglo, ang ilang mga gusali ay itinayo pa rin sa estilo ng klasiko, na minarkahan ng mahigpit na lasa (ang Academy Palace sa Brussels -1823-1826, arkitekto Charles van der Straten; mga greenhouse sa Botanical Garden ng Brussels - 1826- 1829, ang mga arkitekto na sina F.-T. Seis at P.-F. Ginest). Mula noong kalagitnaan ng siglo, ang walang pigil na eclecticism at ang pagnanais na lumikha ng malalagong magarbong mga gusali ay lumalaki sa arkitektura. Karaniwan, halimbawa, ang pagtatayo ng stock exchange sa Brussels (1873-1876, arkitekto L. Seis), ang gusali ng Museo ng Sinaunang Sining sa parehong lugar (1875-1885, arkitekto A. Bala). Ang isang umuunlad na kapitalismo ng Belgian ay naglalayong lumikha ng isang monumento sa kapangyarihan nito. Ito ay kung paano lumilitaw ang gusali ng Palasyo ng Hustisya sa Brussels (1866-1883, arkitekto na si J. Poulart - isa sa pinaka engrande sa laki ng mga istraktura sa Europa, na nailalarawan sa pamamagitan ng mapagpanggap at katawa-tawa na pagtatambak at paghahalo ng lahat ng uri ng mga anyo ng arkitektura. Kasabay nito, ang stylization ay gumaganap ng isang mahalagang papel sa arkitektura ng Belgium. Maraming simbahan ang itinatayo, ang town hall at iba pang pampublikong gusali na ginagaya ang Gothic, Flemish Renaissance, Romanesque na mga istilo.

Belgian sculpture hanggang sa huling quarter ng ika-19 na siglo. nahuhuli sa pagpipinta sa pag-unlad nito. Noong 30s. sa ilalim ng impluwensya ng mga makabayang ideya, maraming mga kagiliw-giliw na estatwa ang nilikha. Una sa lahat, dapat tandaan dito ang mga gawa ni Willem Gefs (1805-1883 - ang kanyang lapida ni Count Frederic de Meraudet, na nahulog sa mga rebolusyonaryong labanan sa Brussels (1837, Brussels, Cathedral of St. Gudula), at ang estatwa ng Heneral Belliard, nakatayo sa isa sa mga parisukat ng kabisera (1836) Ang kalagitnaan ng siglo sa Belgium, tulad ng sa maraming iba pang mga bansa, ay minarkahan ng paghina ng sining ng iskultura.

Sa mahihirap na taon na ito para sa monumental na sining, nabuo ang gawa ng pinakamalaking Belgian artist na si Constantin Meunier (1831-4905). Sinimulan ni Meunier ang kanyang pag-aaral sa Brussels Academy of Arts sa isang sculpture class. Dito sa kalagitnaan ng siglo nanaig ang konserbatibong sistemang pang-akademiko; ang mga guro sa kanilang trabaho at sa kanilang pagtuturo ay sumunod sa isang pattern at nakagawiang, hinihingi ang pagpapaganda ng kalikasan sa ngalan ng isang abstract ideal. Ang mga unang gawang plastik ng Meunier ay napakalapit pa rin sa direksyong ito ("Garland"; ay ipinakita noong 1851, ay hindi nakaligtas). Gayunpaman, hindi nagtagal, iniwan niya ang iskultura at bumaling sa pagpipinta, at naging estudyante ng Navez. Ang huli, kahit na sa mga taong iyon ay isang simbolo ng hindi napapanahong klasisismo, ay maaaring magturo ng tiwala na kasanayan sa pagguhit, paghubog ng plastik ng mga form sa pagpipinta, at pag-unawa sa mahusay na istilo. Ang isa pang stream ng mga impluwensya sa batang master sa oras na ito ay nauugnay sa pakikipagkaibigan kay Charles de Grue, na may kakilala sa mga gawa ng mga French realists - Courbet at Millet. Ang Meunier ay naghahanap ng malalim na makabuluhang sining, ang sining ng mga mahuhusay na ideya, ngunit sa una ay hindi lumiliko sa isang modernong tema, ngunit sa relihiyoso at makasaysayang pagpipinta. Partikular na kawili-wili ang pagpipinta na "Isang Episode mula sa Digmaang Magsasaka noong 1797" (1875; Brussels, Museo ng Modernong Sining). Pinipili ng artista ang isa sa mga huling eksena ng pag-aalsa, na nagtapos sa pagkatalo. Inilarawan niya ang nangyari bilang isang pambansang trahedya at kasabay nito ay nagpapakita ng hindi matitinag na kalooban ng mga tao. Ang pagpipinta ay ibang-iba sa iba pang mga gawa ng Belgian historical genre ng mga taong iyon. Dito ay may ibang diskarte sa pag-unawa sa kasaysayan, at pagiging totoo sa paglalarawan ng mga tauhan, at ang taos-pusong emosyonalidad ng inilalarawan, at ang pagpapakilala ng tanawin bilang isang aktibong tunog na kapaligiran.

Noong huling bahagi ng dekada 70. Natagpuan ni Meunier ang kanyang sarili sa "itim na bansa" - ang mga pang-industriyang rehiyon ng Belgium. Dito niya binuksan ang isang ganap na bagong mundo na hindi pa nakikita sa sining. Ang mga phenomena sa buhay na may ganap na magkakaibang mga aspeto ng kagandahan ay nagdidikta ng isang bagong masining na wika, ang kanilang sariling espesyal na lasa. Lumilikha si Meunier ng mga kuwadro na nakatuon sa gawain ng mga minero, nagpinta siya ng mga uri ng mga minero at mga babaeng minero, nakukuha ang mga tanawin ng "itim na bansa" na ito. Ang pangunahing tala sa kanyang mga pagpipinta ay hindi pakikiramay, ngunit ang lakas ng mga taong nagtatrabaho. Ito ang tiyak na makabagong kahulugan ng gawain ni Meunier. Ang mga tao ay hindi bilang isang bagay ng awa at pakikiramay, ang mga tao bilang isang tagalikha ng mga dakilang halaga ng buhay, sa gayon ay humihingi ng isang disenteng saloobin sa kanilang sarili. Sa ganitong pagkilala sa malaking kahalagahan ng mga taong nagtatrabaho sa buhay ng lipunan, si Meunier ay may layunin na tumaas sa isang antas na may mga pinaka-advanced na mga palaisip sa panahon.

Sa kanyang mga pagpipinta, ginamit ni Meunier ang wika ng paglalahat. Nililok niya ang hugis na may kulay. Ang pangkulay nito ay mahigpit at pinipigilan - isa o dalawang maliliwanag na makukulay na mga spot ay interspersed sa gray earthy tones, na ginagawa ang buong malupit na sukat na tunog. Ang komposisyon nito ay simple at napakalaki, ginagamit nito ang ritmo ng simple, malinaw na mga linya. Ang katangian ay ang pagpipinta na Return from the Mine (c. 1890; Antwerp, Museum). Tatlong manggagawa, na parang naglalakad sa kahabaan ng canvas, ay iginuhit sa isang malinaw na silweta laban sa background ng mausok na kalangitan. Ang paggalaw ng mga figure ay umuulit sa bawat isa at sa parehong oras ay nag-iiba sa pangkalahatang motibo. Ang ritmo ng grupo at ang ritmo ng espasyo ng larawan ay lumikha ng isang maayos na balanseng solusyon. Ang mga figure ay inilipat sa kaliwang gilid ng larawan, sa pagitan ng mga ito at ang kanang bahagi ng frame ay isang bukas na libreng piraso ng espasyo. Ang kalinawan at pangkalahatan ng silweta ng grupo, ang laconicism ng imahe ng bawat figure ay nagbibigay sa komposisyon ng katangian ng halos plastic bas-relief. Bumaling sa bagong paksa na nakaakit sa kanya, hindi nagtagal ay naalala ni Meunier ang kanyang orihinal na bokasyon. Ang generalization, laconicism ng mga paraan ng wika ng mga plastik ay maaaring gamitin sa pinakamahusay na paraan na posible upang luwalhatiin ang kagandahan ng paggawa ng tao. Mula noong kalagitnaan ng 80s. isa-isa, lumilitaw ang mga estatwa at relief ng Meunier, na niluluwalhati ang kanyang pangalan, na bumubuo ng isang panahon sa pag-unlad ng plastik noong ika-19 na siglo. Ang pangunahing tema at imahe ng iskultor ay paggawa, mga taong nagtatrabaho: mga martilyo, mga minero, mangingisda, mga batang babae-miner, mga magsasaka. Ang mga tao ng paggawa ay pumasok sa iskultura, na dati ay limitado sa isang makitid na bilog ng maginoo na mga plot at mga figure na malayo sa modernidad, na may isang mabigat, tiwala na lakad. Ang plastik na wika, na ganap na nabura noon, ay muling nakakuha ng mabigat na puwersa, malakas na panghihikayat. Ipinakita ng katawan ng tao ang mga bagong posibilidad ng kagandahang nakatago dito. Sa kaluwagan na "Industry" (1901; Brussels, Meunier Museum), ang pag-igting ng lahat ng mga kalamnan, nababanat na kakayahang umangkop at lakas ng mga numero, igsi ng paghinga, pagpunit sa dibdib, mabibigat na nakaumbok na mga kamay - lahat ng ito ay hindi nakakapinsala sa isang tao, ngunit nagbibigay natatanging kapangyarihan at kagandahan niya. Si Meunier ay naging tagapagtatag ng isang kahanga-hangang bagong tradisyon - ang tradisyon ng paglalarawan ng uring manggagawa, ang tula ng proseso ng paggawa.

Ang mga taong inilalarawan ni Meunier ay hindi gumagamit ng napakaganda o tradisyonal na klasikong pose. Ang mga ito ay nakikita at ipinakita ng iskultor sa isang tunay na tunay na estado. Ang kanilang mga paggalaw ay bastos, tulad ng, halimbawa, sa malakas na bastos na "Otkatchitsa" (1888; Brussels, Museum Meunier), kung minsan kahit na clumsy ("Puddlinger", 1886; Brussels, Museum of Ancient Art). Sa paraan ng pagtayo o pag-upo ng mga figure na ito, nararamdaman mo ang imprint na inilagay ng paggawa sa kanilang hitsura at karakter. At kasabay nito, ang kanilang mga pose ay puno ng nakakaakit na plastik na kagandahan at lakas. Ito ay isang iskultura sa totoong kahulugan ng salita, naninirahan sa kalawakan, inaayos ito sa paligid mismo. Inihayag ng katawan ng tao sa kamay ni Meunier ang lahat ng nababanat nitong kapangyarihan at matinding tense na dinamika.

Ang plastik na wika ni Meunier ay pangkalahatan at laconic. Kaya, sa estatwa na "Loader" (c. 1905; Brussels, Meunier Museum), hindi gaanong larawan ang nilikha bilang isang pangkalahatang uri, at ito ang nagbibigay dito ng mahusay na panghihikayat. Tinatanggihan ni Meunier ang maginoo na mga tela ng akademiko, ang kanyang manggagawa ay nagsusuot, kaya sabihin, "mga oberol", ngunit ang mga damit na ito ay hindi dumudurog o gumiling ng mga anyo. Ang malalawak na ibabaw ng tissue ay tila dumidikit sa mga kalamnan, ilang indibidwal na fold ang nagbibigay-diin sa paggalaw ng katawan. Ang isa sa mga pinakamahusay na gawa ni Meunier ay ang Antwerp (1900; Brussels, Meunier Museum). Pinili ng iskultor ang hindi anumang abstract na mga alegorya bilang personipikasyon ng isang masipag at aktibong lungsod, ngunit isang napaka-espesipikong imahe ng isang manggagawa sa daungan. Naka-sculpted na may sukdulang laconism, ang mabagsik at matapang na ulo ay matatag na nakalagay sa maskuladong mga balikat. Pagkanta sa trabaho, hindi ipinipikit ni Meunier ang kanyang mga mata sa bigat nito. Ang isa sa kanyang pinakakahanga-hangang mga gawa sa plastik ay ang grupong Mine Gas (1893; Brussels, Museum of Ancient Art). Ito ay isang tunay na modernong bersyon ng lumang tema ng pagluluksa ng ina para sa kanyang namatay na anak. Kinukuha nito ang kalunos-lunos na resulta ng sakuna sa minahan. Isang nagdadalamhating pigura ng babae na nakayuko sa pigil na pipi na kawalan ng pag-asa sa nanginginig na hubad na katawan.

Ang pagkakaroon ng paglikha ng hindi mabilang na mga uri at larawan ng mga nagtatrabahong tao, si Meunier ay naglihi noong 90s. monumental na monumento sa Paggawa. Dapat itong isama ang ilang mga kaluwagan na lumuluwalhati sa iba't ibang uri ng paggawa - "Industriya", "Pag-aani", "Port", atbp., pati na rin ang isang bilog na iskultura - mga estatwa na "Maghahasik", "Pagiging Ina", "Manggagawa", atbp. Ang planong ito ay hindi kailanman natagpuan ang pangwakas na sagisag nito dahil sa pagkamatay ng master, ngunit noong 1930 ito ay isinagawa sa Brussels batay sa orihinal na mga orihinal ng iskultor. Ang monumento sa kabuuan ay hindi gumagawa ng monumental na impresyon. Ang mga indibidwal na fragment nito ay mas nakakumbinsi. Ang pagsasama-sama ng mga ito sa bersyon ng arkitektura na iminungkahi ng arkitekto na si Horta ay naging panlabas at fractional.

Ang gawa ni Meunier sa kakaibang paraan ay nagbubuod sa pag-unlad ng sining ng Belgian noong ika-19 na siglo. Ito pala ang pinakamataas na tagumpay ng realismo sa bansang ito sa panahong sinusuri. Kasabay nito, ang kahalagahan ng makatotohanang pananakop ni Meunier ay lumampas sa mga limitasyon ng pambansang sining lamang. Ang mga kahanga-hangang gawa ng iskultor ay nagkaroon ng napakalaking epekto sa pag-unlad ng sining ng plastik sa mundo.

ang kultura

Mga artistang Belgian

Ang rurok ng pamumulaklak ng pagpipinta sa Belgium ay bumagsak sa panahon ng pamamahala ng Burgundian noong ika-15 siglo. Sa panahon ng Renaissance, ang mga artista ay nagpinta ng mga larawan na may masalimuot na mga detalye. Ang mga ito ay parang buhay at di-idealized na mga pagpipinta, kung saan sinubukan ng mga artista na makamit ang pinakamataas na pagiging totoo at kalinawan. Ang istilo ng pagpipinta na ito ay dahil sa impluwensya ng bagong paaralang Dutch.

Para sa pagpipinta ng Belgian, ang ika-20 siglo ay ang pangalawang ginintuang edad. Ngunit ang mga artista ay umalis na sa mga prinsipyo ng realismo sa pagpipinta at bumaling sa surrealismo. Si René Magritte ay naging isa sa mga artistang ito.

Ang pagpipinta ng Belgian ay may mga sinaunang tradisyon na makatarungang ipinagmamalaki ng mga Belgian. Matatagpuan ang Rubens House Museum sa Antwerp, at ang Royal Museum of Fine Arts sa Brussels. Naging manipestasyon sila ng malalim na paggalang ng mga Belgian sa kanilang mga artista at sinaunang tradisyon sa pagpipinta.

Flemish primitivists

Sa pagtatapos ng Middle Ages sa Europa, binigyang pansin nila ang pagpipinta sa Flanders at Brussels. Binago ni Jan Van Eyck (circa 1400-1441) ang sining ng Flemish. Siya ang unang gumamit ng langis sa paggawa ng mga permanenteng pintura, at upang paghaluin ang mga pintura sa canvas o kahoy. Ang mga pagbabagong ito ay naging posible upang mapanatili ang mga kuwadro na gawa nang mas matagal. Sa panahon ng Renaissance, nagsimulang kumalat ang panel painting.

Si Jan Van Eyck ay naging tagapagtatag ng paaralan ng Flemish primitivism, na naglalarawan ng buhay sa maliliwanag na kulay sa kanyang mga canvases, sa paggalaw. Sa Ghent Cathedral mayroong isang altar-polyptych na "Adoration of the Lamb", na nilikha ng sikat na artista at ng kanyang kapatid.

Ang Flemish primitivism sa pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng partikular na makatotohanang mga larawan, kalinawan ng pag-iilaw at maingat na paglalarawan ng damit at mga texture ng mga tela. Ang isa sa mga pinakamahusay na artista na nagtatrabaho sa direksyon na ito ay ang Rogierde la Pasture (Rogier van der Weyden) (circa 1400-1464). Isa sa mga sikat na painting ni Rogierde la Pasture ay ang The Descent from the Cross. Pinagsama ng artist ang kapangyarihan ng relihiyosong damdamin at pagiging totoo. Ang mga pintura ni Rogierde la Pasture ay nagbigay inspirasyon sa maraming Belgian artist na nagmana ng bagong pamamaraan.

Ang mga kakayahan ng bagong teknolohiya ay pinalawak ng Dirk Bouts (1415-1475).

Ang huling Flemish primitivist ay itinuturing na Hans Memling (circa 1433-1494), na ang mga kuwadro ay naglalarawan ng ika-15 siglong Bruges. Ang mga unang kuwadro na naglalarawan sa mga pang-industriyang lungsod sa Europa ay ipininta ni Joachim Patinir (circa 1475-1524).

Ang dinastiyang Bruegel

Noong unang bahagi ng ika-16 na siglo, ang sining ng Belgian ay lubos na naimpluwensyahan ng Italya. Ang pintor na si Jan Gossart (circa 1478-1533) ay nag-aral sa Roma. Upang magpinta ng mga larawan para sa naghaharing dinastiya ng mga duke ng Brabant, pinili niya ang mga paksang mitolohiya.

Sa 16-17 siglo. ang pamilya Brueghel ay may pinakamalaking impluwensya sa sining ng Flemish. Isa sa pinakamagaling na pintor ng Flemish school ay si Pieter Brueghel the Elder (circa 1525-1569). Dumating siya sa Brussels noong 1563. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa ay mga canvases na naglalarawan ng mga komiks na pigura ng mga magsasaka. Nagbibigay sila ng pagkakataong makapasok sa mundo ng Middle Ages. Isa sa mga sikat na painting ni Pieter Bruegel the Younger (1564-1638), na sumulat ng mga canvases sa mga relihiyosong tema, ay ang The Census in Bethlehem (1610). Si Jan Bruegel the Elder (1568-1625), na tinatawag ding Bruegel the Velvet, ay nagpinta ng complex still lifes na naglalarawan ng mga bulaklak sa background ng velvet draperies. Si Jan Brueghel the Younger (1601-1678) ay nagpinta ng mga magagandang tanawin at naging pintor ng korte.

Mga artista sa Antwerp

Ang sentro ng pagpipinta ng Belgian noong ika-17 siglo ay lumipat mula Brussels patungong Antwerp - ang sentro ng Flanders. Sa isang malaking lawak, ito ay naiimpluwensyahan ng katotohanan na ang isa sa mga unang sikat na pintor ng Flemish sa mundo, si Peter Paul Rubens (1577-1640), ay nanirahan sa Antwerp. Si Rubens ay nagpinta ng mga magagandang tanawin, mga kuwadro na may mitolohiyang balangkas at naging pintor ng korte. Ngunit ang kanyang pinakasikat na mga canvases na naglalarawan ng mga mapuputot na babae. Ang katanyagan ng Rubens ay napakahusay na ang mga Flemish weavers ay lumikha ng isang malaking koleksyon ng mga tapiserya na naglalarawan sa kanyang mga kahanga-hangang mga pintura.

Ang estudyante ni Rubens, pintor ng portrait ng korte na si Antwerp Van Dyck (1599-1641), ang naging pangalawang artist mula sa Antwerp na nakamit ang katanyagan sa buong mundo.

Si Jan Brueghel the Elder ay nanirahan sa Antwerp, at ang kanyang manugang na si David Teniers II (1610-1690) ay nagtatag ng Academy of Arts sa Antwerp noong 1665.

impluwensyang Europeo

Noong ika-18 siglo, nanatili pa rin ang impluwensya ni Rubens sa sining, kaya walang makabuluhang pagbabago sa pag-unlad ng sining ng Flemish.

Mula sa simula ng ika-19 na siglo, nagsimulang madama ang malakas na impluwensya ng iba pang mga paaralan sa Europa sa sining ng Belgium. Si François Joseph Navez (1787-1869) ay nagdagdag ng neoclassicism sa Flemish painting. Mas gusto ni Constantin Meunier (1831-1905) ang realismo. Si Guillaume Vogels (1836-1896) ay sumulat sa istilo ng impresyonismo. Ang isang tagasuporta ng romantikong direksyon sa pagpipinta ay ang pintor ng Brussels na si Antoine Wirtz (1806-1865).

Ang mga nakakagambala, nakabaluktot at malabong mga painting ni Antoine Wirtz, tulad ng Hasty Cruelty, na isinagawa noong 1830, ang simula ng pag-usbong ng surrealismo sa sining. Si Fernand Knopff (1858-1921), na kilala sa kanyang mga nakakatakot na larawan ng mga kahina-hinalang babae, ay itinuturing na isang maagang tagapagtaguyod ng Belgian school of Symbolism. Ang kanyang trabaho ay naimpluwensyahan ni Gustav Klimt, isang romantikong Aleman.

Si James Ensor (1860-1949) ay isa pang pintor na lumipat mula sa realismo patungo sa surrealismo. Sa kanyang mga canvases, madalas na inilalarawan ang mahiwaga at katakut-takot na mga kalansay. Society of Artists "LesVingt" (LesXX) noong 1884-1894. nag-organisa ng isang eksibisyon ng mga gawa ng mga sikat na dayuhang avant-garde artist sa Brussels, sa gayon ay muling nagpapasigla sa kultural na buhay sa lungsod.

Surrealismo

Mula sa simula ng ika-20 siglo, ang impluwensya ni Cézanne ay nadama sa sining ng Belgian. Sa panahong ito, lumitaw ang mga Fauves sa Belgium, na naglalarawan ng mga maliliwanag na tanawin na basang-basa sa araw. Ang isang kilalang kinatawan ng Fauvism ay ang iskultor at pintor na si Rick Wauters (1882-1916).

Noong kalagitnaan ng twenties ng ika-20 siglo, lumitaw ang surrealismo sa Brussels. Si Rene Magritte (1898-1967) ay naging isang kilalang kinatawan ng kalakaran na ito sa sining. Nagsimulang umunlad ang surrealismo noong ika-16 na siglo. Ang mga Phantasmagoric na painting ni Pieter Bruegel the Elder at Bosch ay ipininta sa ganitong istilo. Walang mga palatandaan sa mga canvases ni Magritte; tinukoy niya ang kanyang surrealistic na istilo bilang "pagbabalik mula sa pamilyar sa dayuhan".

Si Paul Delvaux (1897-1989) ay isang mas mapangahas at emosyonal na artista, ang kanyang mga canvases ay naglalarawan ng kakaiba, eleganteng interior na may malabo na mga pigura.

Ang kilusang CoBrA noong 1948 ay nabalisa ang abstract art. Ang abstractionism ay pinalitan ng konseptwal na sining, na pinamumunuan ni Marcel Brudthaers (1924-1976), isang master sa pag-install. Ang mga Brudthaer ay naglalarawan ng mga pamilyar na bagay tulad ng isang kasirola na puno ng tahong.

Mga tapiserya at puntas

Ang Belgian tapestries at lace ay itinuturing na isang luxury sa loob ng anim na raang taon. Noong ika-12 siglo, ang mga tapiserya ay nagsimulang gawin sa pamamagitan ng kamay sa Flanders, nang maglaon ay nagsimula silang gawin sa Brussels, Tournai, Oudenaard at Mechelen.

Mula sa simula ng ika-16 na siglo, ang sining ng paggawa ng puntas ay nagsimulang umunlad sa Belgium. Ang mga puntas ay hinabi sa lahat ng mga lalawigan, ngunit ang mga tali mula sa Brussels at Bruges ay higit na pinahahalagahan. Kadalasan ang pinaka-mahusay na lacemaker ay tinatangkilik ng mga aristokrata. Para sa maharlika, ang mga pinong tapiserya at katangi-tanging puntas ay itinuturing na tanda ng kanilang posisyon. Sa 15-18 siglo. ang mga puntas at tapiserya ay ang pangunahing mga kalakal na pang-export. At ngayon ang Belgium ay itinuturing na lugar ng kapanganakan ng pinakamahusay na mga tapiserya at puntas.

Ang Flemish na mga lungsod ng Tournai at Arras (na matatagpuan ngayon sa France) ay naging sikat na European weaving center sa simula ng ika-13 siglo. Ang mga likha at kalakalan ay binuo. Ang pamamaraan ay naging posible na gumawa ng mas maselan at mahal na trabaho, ang mga thread ng tunay na pilak at ginto ay nagsimulang idagdag sa lana, na nagpapataas ng halaga ng mga produkto nang higit pa.

Ang rebolusyon sa paggawa ng tapiserya ay ginawa ni Bernard Van Orly (1492-1542), na pinagsama ang Flemish realism at Italian idealism sa mga guhit. Nang maglaon, ang mga Flemish masters ay naakit sa Europa, at sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ang lahat ng kaluwalhatian ng Flemish tapestries ay naipasa sa pabrika ng Paris.

Belgium sa buong taon

Ang klima ng Belgian ay tipikal sa hilagang Europa. Ito ay para sa kadahilanang ito na ang mga pista opisyal ay maaaring isagawa kapwa sa kalye at sa bahay. Ang mga kondisyon ng panahon ay perpektong nagbibigay-daan sa mga metropolitan artist na magtanghal, kapwa sa mga stadium at sa mga sinaunang gusali. Alam ng mga tao ng Belgium kung paano gamitin ang nagbabagong panahon. Halimbawa, sa panahon ng tag-araw, isang pagdiriwang ng bulaklak ang nagbubukas sa kabisera. Ang Grand Place ay natatakpan ng milyun-milyong bulaklak tuwing ikalawang Agosto. Ang pagbubukas ng dance, film at theater season ay nagaganap sa Enero. Dito, naghihintay sa kanilang mga manonood ang mga premiere mula sa "mga sinehan ng kotse" hanggang sa mga lumang abbey.

Sa Brussels, maaari mong panoorin ang pagpasa ng iba't ibang mga pagdiriwang sa buong taon. Dito makikita ang marangya, puno ng mga makasaysayang prusisyon ng buhay. Ang mga ito ay isinaayos bawat taon mula noong panahon ng medieval. Ang pinakabagong pang-eksperimentong sining ng Europa ay ipinapakita dito.

Mga Piyesta Opisyal

• Bagong Taon - Enero 1
• Pasko ng Pagkabuhay - lumulutang na petsa
• Maundy Monday - floating date
• Araw ng Paggawa - Mayo 1
• Ascension - lumulutang na petsa
• Trinity Day - lumulutang na petsa
• Pabango Lunes - lumulutang na petsa
• Pambansang Araw ng Belgium noong Hulyo 21
• Dormisyon - Agosto 15
• All Saints Day - Nobyembre 1
• Truce - Nobyembre 11
• Araw ng Pasko - Disyembre 25

Habang humahaba ang mga araw ng tagsibol sa Belgium, muling nabubuhay ang kultural na buhay. Nagsisimula nang magpunta rito ang mga turista. Ang mga pagdiriwang ng musika ay nagaganap sa mismong kalye. Kapag namumulaklak ang mga parke ng lungsod, ang mga tropikal na greenhouse ng Lyken, na kilala sa buong mundo, ay bukas sa mga bisita. Para sa makabuluhang holiday ng Pasko ng Pagkabuhay, ang mga Belgian na tsokolate ay abala sa paghahanda ng lahat ng uri ng matamis.

• International Fantasy Film Festival (ika-3 at ika-4 na linggo). Ang mga mahilig sa mga himala at kakaiba ay makakahanap ng mga bagong pelikula sa mga sinehan sa buong kabisera.
• Ars Music (kalagitnaan ng Marso - kalagitnaan ng Abril). Ang holiday na ito ay isa sa mga pinakamahusay na European festival. Dumating dito ang mga sikat na performer. Ang mga konsyerto ay madalas na gaganapin sa Museum of Old Masters. Lahat ng mga eksperto sa musika ay naroroon sa pagdiriwang na ito.
• Euroantika (noong nakaraang linggo). Ang Eisele Stadium ay puno ng mga bisita at nagbebenta na naghahanap upang bumili o magbenta ng mga antique.
• Pasko ng Pagkabuhay (Linggo ng Pasko ng Pagkabuhay). May ganoong paniniwala na bago ang Pasko ng Pagkabuhay, lumilipad ang mga kampana ng simbahan patungo sa Roma. Pagbalik nila, nag-iiwan sila ng mga Easter egg sa mga bukid at kagubatan lalo na para sa mga bata. Kaya, bawat taon ay nagtatago ang mga nasa hustong gulang ng higit sa 1000 pininturahan na mga itlog sa King's Park, at ang mga bata mula sa buong lungsod ay nagtitipon upang hanapin ang mga ito.

Abril

• Spring Baroque at Sablon (3rd week). Ang mga batang Belgian talento ay nagtitipon sa sikat na Place de la Grande Sablon. Nagpatugtog sila ng musika noong ika-17 siglo.
• Royal Greenhouses sa Lyken (12 araw, iba-iba ang petsa). Kapag nagsimulang mamukadkad ang cacti at lahat ng uri ng kakaibang halaman, ang mga pribadong greenhouse ng Belgian royal family ay nagbubukas lalo na para sa publiko. Ang lugar ay gawa sa salamin at tapos sa bakal. Ang isang malaking bilang ng lahat ng mga uri ng mga bihirang halaman ay itinatago dito mula sa masamang panahon.
• Flanders Festival (kalagitnaan ng Abril - Oktubre) Ang festival na ito ay isang musical feast na pinaghalo ang lahat ng uri ng istilo at uso. Mahigit sa 120 sikat na orkestra at koro ang gumaganap dito.
• "Mga eksena sa screen". (ika-3 linggo - pagtatapos). Ang mga bagong pelikula sa Europa ay ipinakita araw-araw lalo na para sa madla.

• Pagdiriwang ng Araw ng Europa (Mayo 7-9). Dahil sa katotohanan na ang Brussels ay ang kabisera ng Europa, ito ay muling binibigyang diin sa holiday. Halimbawa, kahit ang Mannequin Peace ay magbibihis ng asul na suit na pinalamutian ng mga dilaw na bituin.
• Künstein Arts Festival (Mayo 9-31). Ang mga batang aktor at mananayaw sa teatro ay nakikibahagi sa pagdiriwang na ito.
• Queen Elizabeth Competition (Mayo - kalagitnaan ng Hunyo). Pinagsasama-sama ng kompetisyong ito ng musika ang mga tagahanga ng mga klasiko. Ang kumpetisyon na ito ay tumatakbo nang higit sa apatnapung taon. Ang mga batang pianista, biyolinista at mang-aawit ay gumaganap doon. Pinipili ng mga sikat na konduktor at soloista ang pinakakarapat-dapat na mga performer sa kanila.
• 20 km race sa Brussels (noong Linggo). Pagtakbo ng jogging sa kabisera, kung saan higit sa 20,000 mga baguhan at propesyonal na runner ang aktibong bahagi.
• Jazz rally (huling araw na walang pasok). Nagpe-perform ang maliliit na jazz band sa mga bistro at cafe.

Sa Hulyo, ang panahon ng kagandahan ng korte ay bubukas sa Ommengang. Ito ay isang medyo lumang kaugalian. Isang malaking prusisyon ang gumagalaw sa kahabaan ng Grand Place at sa mga nakapaligid na kalye. Sa napakagandang oras na ito ng taon, maririnig mo ang musika ng iba't ibang istilo. Ang mga performer ay maaaring magpatugtog ng musika sa iba't ibang lugar, tulad ng malaking King Baudouin stadium sa Eisele o maliliit na café bar. Sa araw ng pagdiriwang ng Araw ng Kalayaan, lahat ng Belgian ay pumupunta sa Midi fair. Nagaganap ito sa lugar kung saan naka-install ang mga trays at ginagawa ang mga landas.

• Brussels Summer Festival (unang bahagi ng Hunyo - Setyembre). Ang mga konsyerto ay ginaganap sa mga sikat na lumang gusali.
• Festival sa Wallonia (Hunyo - Oktubre). Ang isang serye ng mga gala concert sa Brussels at Flanders ay nagbibigay-daan sa madla na ipakilala ang pinaka-talentadong kabataang Belgian na soloista at orkestra sa madla.
• Festival cafe "Cooler" (noong nakaraang linggo). Sa loob ng tatlong araw, isang napaka-istilong programa ang nagaganap sa itinayong muli na bodega ng Tour-e-Taxi. Tatangkilikin ng manonood ang mga African drummer, salsa, ethnic music at acid jazz.
• Music Festival (huling araw na walang pasok). Sa loob ng dalawang linggong magkakasunod, ang mga pagtatanghal ng benepisyo at konsiyerto ay gaganapin sa mga bulwagan ng lungsod at museo na nakatuon sa musika sa mundo.

• Ommegang (1st weekend ng Hulyo). Dumating ang mga turista mula sa buong mundo upang makita ang aksyon na ito. Ang pagdiriwang na ito ay ginanap sa Brussels mula noong 1549. Ang prusisyon na ito (o, kung tawagin, "bypass") ay umiikot sa Grand Place, lahat ng mga kalye na katabi nito, at gumagalaw nang pabilog. Mahigit 2000 kalahok ang nakikilahok dito. Binabago sila ng mga kasuotan sa mga naninirahan sa lungsod ng Renaissance. Ang parada ay dinadaanan ng mga matataas na opisyal ng Belgian. Dapat i-book nang maaga ang mga tiket.
• Jazz-folk festival na "Brosella" (ika-2 araw na walang pasok). Nagaganap ang pagdiriwang sa Osseghem Park. Lahat ng sikat na musikero mula sa Europa ay pumupunta dito.
• Summer Festival sa Brussels (Hulyo - Agosto). Sa oras na ito ng taon, tumutugtog ang mga musikero ng mga klasikal na piyesa sa Lower at Upper Towns.
• Midi Fair (kalagitnaan ng Hulyo - kalagitnaan ng Agosto). Nagsasagawa ng isang perya sa sikat na istasyon ng Brussels na Gardu-Midi. Ang kaganapang ito ay nagaganap sa loob ng isang buong buwan. Gustong-gusto ito ng mga bata. Ang fair na ito ay itinuturing na pinakamalaking sa Europa.

• Belgium Day (Hulyo 21). Parada ng militar bilang parangal sa Araw ng Kalayaan, na ipinagdiriwang mula noong 1831, na sinundan ng mga paputok sa Brussels Park.
• Mga Open Day sa Royal Palace (huling linggo ng Hulyo - ika-2 linggo ng Setyembre). Ang mga pintuan ng Royal Palace ay bukas para sa mga bisita. Ang kaganapang ito ay nagaganap nang anim na linggo nang magkakasunod.

• Maypole (Mayboom) (Agosto 9). Ang pagdiriwang na ito ay nagsimula noong 1213. Ang mga kalahok sa aksyon na ito ay nagbibihis ng malalaking kasuotan - mga manika. Nagaganap ang prusisyon sa Lower Town. Huminto ito sa Grand Place, pagkatapos ay may inilagay na maypole doon.
• Flower carpet (kalagitnaan ng Agosto, bawat 2 taon). Ang holiday na ito ay nagaganap sa isang taon. Ito ay isang pagkilala sa floriculture ng Brussels. Ang buong Grand Place ay natatakpan ng mga sariwang bulaklak. Ang kabuuang lugar ng naturang karpet ay humigit-kumulang 2000 m².

taglagas

Sa taglagas, ang mga aktibidad sa libangan ng mga Belgian ay inilipat sa ilalim ng bubong - sa mga cafe o sentro ng kultura, kung saan maaari kang makinig sa modernong musika. Sa mga Araw ng Pamana, ang publiko ay may pagkakataon na tamasahin ang arkitektura sa pamamagitan ng pagbisita sa mga pribadong bahay na sarado sa mga bisita sa ibang pagkakataon, at pag-inspeksyon sa mga koleksyong matatagpuan doon.

Setyembre

• Kaarawan ng Mannequin Peace (huling araw na walang pasok).
• Ang sikat na sculpture ng isang umiihi na batang lalaki ay binibihisan ng isa pang suit na donasyon ng ilang mataas na ranggo na dayuhang bisita.

• Festival "Maligayang Lungsod" (unang araw na walang pasok).
• Sa oras na ito, humigit-kumulang 60 mga konsyerto ang gaganapin sa tatlong dosenang mga pinakamahusay na cafe sa Brussels.
• Botanical Nights (noong nakaraang linggo).
• Sa sentro ng kultura ng Pransya na "Le Botanic", na matatagpuan sa dating mga greenhouse ng Botanical Garden, isang serye ng mga konsyerto ang gaganapin, na magpapasaya sa lahat ng mga mahilig sa jazz music.
• Mga araw ng pamana (ika-2 o ika-3 araw na walang pasok).
• Sa loob ng ilang araw, maraming mga binabantayang gusali at pribadong bahay, pati na rin ang mga saradong koleksyon ng sining, ang nagbubukas ng kanilang mga pinto sa mga bisita.

• Audi Jazz Festival (kalagitnaan ng Oktubre - kalagitnaan ng Nobyembre).
• Ang mga tunog ng jazz ay naririnig sa buong bansa, na nagpapalabnaw sa pagkabagot sa taglagas. Ang mga lokal na performer ay naglalaro, ngunit ang ilang European star ay madalas na gumaganap sa Palais des Beaux-Arts sa Brussels.

Sa taglamig, kadalasang umuulan at niyebe sa Belgium, kaya halos lahat ng aktibidad sa panahong ito ay inililipat sa ilalim ng bubong. Ang mga art gallery ay nagho-host ng mga eksibisyon ng pandaigdigang kahalagahan, at sa Brussels Film Festival, makikita mo ang gawa ng parehong mga kilalang artista at mga batang talento. Bago ang mga pista opisyal ng Pasko, ang Lower Town ay iluminado ng maliwanag na pag-iilaw, at sa Pasko ang mga mesa ng mga Belgian ay pinalamutian ng mga tradisyonal na pagkain.

• Sablon's Nocturne (last weekend). Ang lahat ng mga tindahan at museo sa Place de la Grande Sablon ay hindi nagsasara hanggang hating-gabi. Ang mga cart na hinihila ng kabayo ay nagmamaneho sa paligid ng perya, naghahatid ng mga customer, at sa pangunahing plaza ay makakatikim ng tunay na mulled na alak ang lahat.

• St. Nicholas Day (Disyembre 6).
• Ayon sa alamat, sa araw na ito ang patron saint ng Pasko Santa Claus ay dumarating sa lungsod, at lahat ng mga batang Belgian ay tumatanggap ng mga matamis, tsokolate at iba pang mga regalo.
• Pasko (Disyembre 24-25).
• Gaya sa ibang mga Katolikong bansa, ang Pasko sa Belgium ay ipinagdiriwang sa gabi ng ika-24 ng Disyembre. Ang mga Belgian ay nagpapalitan ng mga regalo, at sa susunod na araw ay pumunta sila upang bisitahin ang kanilang mga magulang. Lahat ng uri ng Christmas trappings ay nagpapalamuti sa mga lansangan ng kabisera hanggang ika-6 ng Enero.

• Araw ng Hari (Enero 6).
• Sa araw na ito, ang mga espesyal na almond na "royal cake" ay inihanda, at lahat ay naghahanap ng isang gisantes na nakatago doon. Ang nakahanap sa kanya ay idineklarang hari para sa buong gabi ng kapistahan.
• Brussels Film Festival (kalagitnaan - katapusan ng Enero).
• Premiere screening ng mga bagong pelikula na may partisipasyon ng European film stars.

• Antique Fair (ika-2 at ika-3 linggo).
• Ang Palais des Beaux-Arts ay nagtitipon ng mga antique dealers mula sa buong mundo.
• International Comics Festival (ika-2 at ika-3 linggo).
• Dumadagsa ang mga may-akda at artist ng komiks sa maimpluwensyang lungsod ng pagguhit ng komiks upang magbahagi ng mga karanasan at magpakita ng bagong gawa.

Kabilang sa mga ito, makikita mo rin ang larawan ng isa sa mga pinakasikat na master ng Flanders noong panahong iyon, si Adrian Brouwer. (1606-1632) , na ang mga painting ay kinolekta mismo ni Rubens (may labing pito sa kanila sa kanyang koleksyon)... Ang bawat piraso ni Brower ay isang hiyas ng pagpipinta. Ang artista ay pinagkalooban ng isang malaking talento para sa kulay. Ang tema ng kanyang trabaho, pinili niya ang pang-araw-araw na buhay ng mga mahihirap na Flemish - mga magsasaka, pulubi, palaboy - nanlulumo sa monotony at kawalan nito, kasama ang kaawa-awang libangan, kung minsan ay nababagabag ng pagsiklab ng mga hilig ng ligaw na hayop. Ipinagpatuloy ni Brower ang mga tradisyon nina Bosch at Brueghel sa sining sa kanyang aktibong pagtanggi sa kapahamakan at kapangitan ng buhay, ang katangahan at kabastusan ng hayop ng kalikasan ng tao, at sa parehong oras ay isang matalim na interes sa natatanging katangian. Hindi ito naglalayong magbuka ng malawak na background ng buhay panlipunan para sa manonood. Ang lakas nito ay nakasalalay sa paglalarawan ng mga partikular na sitwasyon ng genre. Siya ay lalo na nagtataglay ng kakayahang ipahayag sa mga ekspresyon ng mukha ang iba't ibang epekto ng mga damdamin at sensasyong nararanasan ng isang tao. Kabaligtaran nina Rubens, van Dyck at maging kay Jordanes, hindi niya iniisip ang anumang mga mithiin at marangal na hilig. Sarcastic niyang pinagmamasdan ang isang tao kung ano siya. Sa museo makikita mo ang kanyang pagpipinta na "Drinking Companions", kapansin-pansin para sa pinong liwanag na kulay nito, na kapansin-pansing nagbibigay ng ilaw at mga kondisyon ng atmospera. Ang karumal-dumal na tanawin ng lungsod malapit sa kuta, kasama ang mga roaming na manlalaro, ay nagdudulot ng isang mapanglaw na puso sa kaluluwa. Ang mood ng artist mismo, na pinag-uusapan ang mapurol na kawalan ng pag-asa ng pagkakaroon, ay tiyak na malalim na dramatiko.

Frans Hals

Ang Dutch painting department ay medyo maliit, ngunit naglalaman ito ng mga canvases nina Rembrandt, Jacob Ruisdael, Little Dutchmen, masters of landscape, still life, genre scenes. Isang kakaibang larawan ng mangangalakal na si Willem Heitheissen, ang gawa ng mahusay na Dutch artist na si Frans Hals (1581/85-1666) ... Si Heitheissen ay isang mayaman ngunit makitid ang isip at lubhang walang kabuluhang tao. Sa likas na katangian, siya ay nagsusumikap na maging maharlika sa mga maharlikang aristokrata na may kagandahang tila pinapayagang makuha ang kanyang kayamanan. Ang mga pagpapanggap ng upstart na ito ay katawa-tawa at alien sa Khals. Samakatuwid, kaya patuloy, na may isang tiyak na halaga ng panunuya, ginagawa niyang hindi maliwanag ang larawang larawan. Una naming napansin ang nakakarelaks na postura ni Heitheissen, ang kanyang mayaman na matalinong suit, isang sumbrero na may napakainam na gilid ng labi, at pagkatapos - isang walang ekspresyon, maputla, nasa katanghaliang-gulang na mukha na may mapurol na hitsura. Ang prosaic na kakanyahan ng taong ito ay lilitaw, sa kabila ng lahat ng mga trick upang itago ito. Ang panloob na hindi pagkakapare-pareho at kawalang-tatag ng imahe ay ipinahayag higit sa lahat sa pamamagitan ng orihinal na nalutas na komposisyon ng larawan. Si Heitheissen, na may latigo sa kanyang kamay, na parang pagkatapos ng pagsakay sa kabayo, ay nakaupo sa isang upuan, na tila siya ay nag-uugoy. Iminumungkahi ng pose na ito na mabilis na inaayos ng artist ang estado ng modelo sa maikling panahon. At ang parehong pose ay nagbibigay sa imahe ng isang ugnayan ng ilang panloob na pagpapahinga at pagkahilo. May isang bagay na kaawa-awa sa taong ito na sinusubukang itago sa kanyang sarili ang hindi maiiwasang pagkalanta, kawalang-kabuluhan ng mga pagnanasa at panloob na kahungkagan.

Lucas Cranach

Ang napakatalino na gawa ni Lucas Cranach the Elder ay namumukod-tangi sa German painting section ng Brussels Museum. (1472-1553) ... Ito ay larawan ni Dr. Johann Schering, na may petsang 1529. Ang imahe ng isang malakas na kalooban, malakas na tao ay tipikal ng sining ng German Renaissance. Ngunit ang Cranach sa bawat oras ay kinukuha ang mga indibidwal na katangian ng isip at karakter at inilalantad ang mga ito sa pisikal na anyo ng modelo, na malinaw na nakuha ng pagiging natatangi nito. Sa mabagsik na tingin ni Shering, sa kanyang mukha ay may isang uri ng malamig na pagkahumaling, tigas at hindi sumusuko. Ang kanyang imahe ay magiging hindi kasiya-siya kung ang napakalaking panloob na lakas ay hindi pumukaw ng isang pakiramdam ng paggalang sa kakaibang katangian ng taong ito. Ang virtuosity ng graphic skill ng artist ay kapansin-pansin, kaya acutely conveying ang pangit malalaking facial features at maraming maliliit na detalye ng portrait.

Mga koleksyon ng Italyano at Pranses

Ang koleksyon ng mga painting ng mga Italian artist ay maaaring pukawin ang interes ng mga bisita sa museo, dahil naglalaman ito ng mga gawa ni Tintoretto, ang mahusay na pintor, ang huling titan ng Italian Renaissance. “Ang pagbitay kay St. Si Mark ”ay isang canvas ng cycle na nakatuon sa buhay ng santo. Ang larawan ay napuno ng mabagyong drama, madamdaming kalunos-lunos. Hindi lamang mga tao, pati na rin ang langit sa mga gutay-gutay na ulap at ang rumaragasang dagat ay tila nagluluksa sa pagkamatay ng isang tao.

Ang mga obra maestra ng French collection ay ang larawan ng binata na si Mathieu Le Nain at ang tanawin ni Claude Lorrain.

Sa seksyon nito ng lumang sining, kasalukuyang mayroong higit sa isang libong daang gawa ng sining, na marami sa mga ito ay may kakayahang maghatid ng malalim na aesthetic na kasiyahan sa manonood.

Jacques Louis David

Ang ikalawang bahagi ng Royal Museum of Fine Arts ay isang koleksyon ng ika-19 at ika-20 siglong sining. Ang mga ito ay pangunahing naglalaman ng mga gawa ng Belgian craftsmen. Ang pinaka-namumukod-tanging gawain ng paaralang Pranses na itinatago sa museo ay ang The Death of Marat ni Jacques Louis David (1748-1825) .

Si David ay isang tanyag na pintor ng France, ang pinuno ng rebolusyonaryong klasisismo, na ang mga makasaysayang pagpipinta ay gumanap ng malaking papel sa paggising sa kamalayang sibiko ng kanyang mga kontemporaryo sa mga taon bago ang rebolusyong burges na Pranses. Karamihan sa mga pre-revolutionary painting ng artist ay isinulat sa mga plot mula sa kasaysayan ng Ancient Greece at Rome, ngunit ang rebolusyonaryong katotohanan ay pinilit si David na bumaling sa modernidad at hanapin dito ang isang bayani na karapat-dapat na maging perpekto.

“Marat si David. Ikalawang taon ”- ganyan ang laconic inscription sa larawan. Ito ay itinuturing bilang isang epitaph. Si Marat - isa sa mga pinuno ng Rebolusyong Pranses - ay pinatay noong 1793 (sa rebolusyonaryong termino sa ikalawang taon) royalistang si Charlotte Corday. Ang "Kaibigan ng mga tao" ay inilalarawan sa oras ng kamatayan, kaagad pagkatapos ng suntok. Isang duguang kutsilyo ang itinapon malapit sa medicinal bath kung saan siya nagtrabaho sa kabila ng kanyang pisikal na paghihirap. Isang malupit na katahimikan ang bumalot sa larawan, na tila isang requiem para sa isang nahulog na bayani. Ang kanyang pigura ay malakas na nililok sa chiaroscuro at inihahalintulad sa isang estatwa. Ang itinapon sa likod na ulo at ang nahulog na kamay ay tila nagyelo sa walang hanggang solemne na kapayapaan. Ang komposisyon ay humanga sa higpit ng pagpili ng mga bagay at ang kalinawan ng mga linear na ritmo. Ang pagkamatay ni Marat ay nakita ni David bilang isang heroic drama ng kapalaran ng isang mahusay na mamamayan.

Isang disipulo ni David, na nabuhay sa mga huling taon ng kanyang buhay sa pagkatapon at Brussels, ay ang Belgian Francois Joseph Navez. (1787-1863) ... Hanggang sa katapusan ng kanyang buhay, si Navez ay nanatiling tapat sa tradisyon na nilikha ng kanyang guro, lalo na sa larawan, kahit na ipinakilala niya ang isang tiyak na ugnayan ng romantikong interpretasyon ng imahe sa genre na ito. Ang isa sa mga sikat na gawa ng artist na "Portrait of the Emptinn Family" ay isinulat noong 1816. Ang manonood ay hindi sinasadyang ipinarating na ang bata at magandang mag-asawa ay pinagsama ng mga damdamin ng pagmamahal at kaligayahan. Kung ang imahe ng isang babae ay puno ng mahinahon na kagalakan, kung gayon ang isang lalaki ay nagtatago ng ilang romantikong misteryo at isang bahagyang lilim ng kalungkutan.

Pagpipinta ng Belgian noong ika-19 at ika-20 siglo

Sa mga bulwagan ng museo makikita mo ang mga gawa ng pinakamalaking Belgian na pintor noong ika-19 na siglo: Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger. Itinampok si Jan Stobbarts sa isa sa kanyang pinakamahusay na mga painting, The Farm at Kreiningen, na tapat na naglalarawan sa paggawa ng magsasaka sa Belgium. Kahit na ang pintor ay itinuro sa sarili, ang larawan ay napakahusay na pagkakagawa ng komposisyon at kapansin-pansin sa mataas na kalidad ng pagpipinta. Ang tema nito ay maaaring hango sa pagpipinta ni Rubens na The Return of the Prodigal Son. Si Stobbarts ay isa sa mga unang pintor ng ika-19 na siglo na nagpahayag ng mga prinsipyo ng realismo.

Ang simula ng kanyang artistikong karera ay mahirap. Sanay sa romantikong konsepto ng masining na imahe, tinanggihan ng publiko ng Antwerp ang kanyang tunay na mga pintura nang may galit. Napakalakas ng antagonismong ito kaya napilitan si Stobbarts na lumipat sa Brussels.

Ang museo ay may dalawampu't pitong canvases ng sikat na Belgian artist na si Henri de Braqueler (1840-1888) , na pamangkin at estudyante ni A. Leys, isang natatanging pintor sa kasaysayan. Ang tumaas na interes ni De Brackeler sa pambansang kasaysayan ng Belgium, ang mga tradisyon, paraan ng pamumuhay, at kultura nito na sinamahan ng kakaibang pakiramdam ng pagmamahal, puno ng bahagyang panghihinayang at pananabik sa nakaraan. Ang kanyang mga eksena sa genre ay puno ng mga alaala ng nakaraan, ang kanyang mga karakter ay nakapagpapaalaala sa mga tao noong nakalipas na mga siglo, na napapalibutan ng mga antique at bagay. Walang alinlangan na may sandali ng stylization sa gawa ni de Braqueler. Sa partikular, ang kanyang pagpipinta na "The Geographer" na nakapagpapaalaala sa mga Dutch masters ng XVII century na sina Metsu G. at N. Masa. Sa pagpipinta, nakita namin ang isang matandang lalaki na nakaupo sa isang 17th century velvet stool, na nalubog sa pagmumuni-muni ng isang lumang pininturahan na satin.

Pagpinta ni James Ensor (1860-1949) "Ang Babae sa Asul" (1881) may mga bakas ng malakas na impluwensya ng French impressionism. Ang kaakit-akit na hanay ay binubuo ng asul, maasul na kulay abo at berdeng mga tono. Ang isang masigla at libreng pahid ay nagpapadala ng vibration at paggalaw ng hangin.

Ang nakalarawang interpretasyon ng larawan ay ginagawang isang makatang eksena ang pang-araw-araw na motibo. Ang mas mataas na pictorial perception ng artist, isang pagkahilig sa pantasya, isang patuloy na pagnanais na baguhin ang kanyang nakita sa isang bagay na hindi karaniwan ay makikita sa kanyang makikinang na still lifes, ang pinakamatagumpay na halimbawa nito ay ang Brussels Scat. Ang mga isda sa dagat ay napakaganda sa kanyang malupit na kulay rosas na kulay at ang kanyang tila malabong hugis, at mayroong isang bagay na hindi kasiya-siya at nakakabahala sa kanyang nakakabighaning matalim na titig na direktang nakadirekta sa manonood.

Si Ensor ay nabuhay ng mahabang buhay, ngunit ang aktibidad ng kanyang trabaho ay bumagsak mula 1879 hanggang 1893. Ang kabalintunaan ni Ensor, ang pagtanggi sa mga pangit na katangian ng kalikasan ng tao na may walang awa na panunuya ay makikita sa maraming mga painting na naglalarawan ng mga maskara ng karnabal, na makikita rin sa Brussels Museum. Hindi maikakaila ang pagpapatuloy ni Ensor sa sining ng Bosch at Bruegel.

Ang pinakamahusay na colorist at matalinong iskultor na namatay sa World War I, si Rick Wouters (1882-1916) kinakatawan sa museo sa pamamagitan ng parehong mga painting at sculptural works. Naranasan ng artista ang pinakamalakas na impluwensya ni Cezanne, sumali sa trend ng tinatawag na "Brabant Fauvism", ngunit gayunpaman ay naging isang malalim na orihinal na master. Ang kanyang temperamental na sining ay puno ng isang masigasig na pag-ibig sa buhay. Sa The Lady with the Yellow Necklace, nakilala namin ang kanyang asawa, si Nel, na nakadapo sa isang upuan. Ang maligaya na tunog ng dilaw na kulay ng mga kurtina, ang pula - checkered plaid, berdeng mga garland sa wallpaper, asul - ang damit ay nagdudulot ng isang pakiramdam ng kagalakan ng pagiging, pagkuha ng buong kaluluwa.

Ang museo ay naglalaman ng ilang mga gawa ng natitirang Belgian na pintor na si Permeke (1886-1952) .

Si Constant Permeke ay malawak na kilala bilang pinuno ng Belgian Expressionism. Ang Belgium ang pangalawang bansa pagkatapos ng Germany kung saan nagkaroon ng malaking impluwensya ang kilusang ito sa masining na kapaligiran. Ang mga bayani ng Permeke, karamihan ay mga tao mula sa mga tao, ay inilalarawan na may sadyang kabastusan, na, ayon sa ideya ng may-akda, ay dapat magbunyag ng kanilang likas na lakas at kapangyarihan. Ang Permeke ay gumagamit ng pagpapapangit, isang pinasimple na scheme ng kulay. Gayunpaman, sa kanyang "Betrothed" ang isang tao ay maaaring makaramdam ng isang uri ng monumentalidad, kahit na mga primitive na imahe, isang pagnanais na ipakita ang karakter at relasyon ng mandaragat at ng kanyang kasintahan.

Kabilang sa mga masters ng makatotohanang direksyon ng ika-20 siglo, namumukod-tangi sina Isidor Opsomer at Pierre Polyus. Ang una ay kilala bilang isang kahanga-hangang pintor ng portrait ("Larawan ni Jules Destre"), ang pangalawa - bilang isang artista na nakatuon sa kanyang trabaho, tulad ni K. Meunier, sa paglalarawan ng mahirap na buhay ng mga minero ng Belgian. Ang mga bulwagan ng museo ay nagpapakita rin ng mga gawa ng Belgian artist na kabilang sa iba pang mga uso sa kontemporaryong sining, pangunahin ang surrealismo at abstractionism.