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Jazz ist eine Musikrichtung, die sich durch eine Kombination aus Rhythmus und Melodie auszeichnet. Eine separate Funktion Jazz ist Improvisation. Die Musikrichtung erlangte ihre Popularität durch ihren ungewöhnlichen Klang und die Kombination mehrerer völlig unterschiedlicher Kulturen.

Die Geschichte des Jazz begann zu Beginn des 20. Jahrhunderts in den USA. Der traditionelle Jazz entstand in New Orleans. In der Folge entstanden in vielen anderen Städten neue Spielarten des Jazz. Trotz aller Klangvielfalt verschiedene Stile Jazzmusik lässt sich aufgrund ihrer charakteristischen Merkmale sofort von einem anderen Genre unterscheiden.

Improvisation

Musikalische Improvisation ist eines der Hauptmerkmale des Jazz, der in all seinen Spielarten präsent ist. Künstler kreieren Musik spontan, ohne vorauszudenken oder zu proben. Das Spielen von Jazz und das Improvisieren erfordern Erfahrung und Geschick in diesem Bereich des Musizierens. Darüber hinaus muss sich ein Jazzspieler Rhythmus und Tonalität merken. Die Beziehung zwischen den Musikern in der Gruppe ist von nicht geringer Bedeutung, denn der Erfolg der resultierenden Melodie hängt vom gegenseitigen Verständnis der Stimmung ab.

Durch Improvisation im Jazz kann man jedes Mal etwas Neues schaffen. Der Klang von Musik hängt nur von der Inspiration des Musikers im Moment des Spielens ab.

Man kann nicht sagen, dass eine Aufführung kein Jazz mehr ist, wenn es keine Improvisation gibt. Aus dieser Art des Musizierens entstand der Jazz Afrikanische Völker. Da die Afrikaner keine Vorstellung von Noten und Proben hatten, wurde Musik nur durch Auswendiglernen ihrer Melodie und ihres Themas aneinander weitergegeben. Und jeder neue Musiker könnte bereits die gleiche Musik auf eine neue Art und Weise spielen.

Rhythmus und Melodie

Das zweite wichtige Merkmal des Jazzstils ist der Rhythmus. Musiker haben die Möglichkeit, spontan Klang zu erzeugen, da durch die ständige Pulsation eine Wirkung von Lebendigkeit, Spiel und Spannung entsteht. Der Rhythmus schränkt auch die Improvisation ein, da er erfordert, dass Klänge gemäß einem vorgegebenen Rhythmus erzeugt werden.

Wie die Improvisation kam auch der Rhythmus aus afrikanischen Kulturen in den Jazz. Aber genau dieses Feature ist es Hauptmerkmal musikalischer Fluss. Die ersten Free-Jazz-Künstler gaben den Rhythmus völlig auf, um völlig frei Musik zu machen. Aus diesem Grund wurde die neue Richtung im Jazz lange Zeit nicht erkannt. Für den Rhythmus sorgen Schlaginstrumente.

Der Jazz hat die Melodie der Musik aus der europäischen Kultur geerbt. Es ist die Kombination aus Rhythmus und Improvisation mit harmonischer und sanfter Musik, die dem Jazz seinen ungewöhnlichen Klang verleiht.

Das Wort „Jazz“ tauchte im frühen 20. Jahrhundert auf. Dabei handelt es sich um eine neue Musikbewegung, die ihren Ursprung in Nordamerika hat und sich später auf der ganzen Welt verbreitete. Die Eltern des Jazz stammen aus Afrika und unterdrückten schwarzen Sklaven.

Im 17. Jahrhundert tauchten in Amerika die ersten Sklaven auf – Afrikaner, die gewaltsam aus ihrer Heimat vertrieben und in die Sklaverei verkauft wurden. Sie hatten großes Heimweh nach ihrem Heimatland, und ihr einziger Trost war Musik. Zunächst sangen die Schwarzen einfach ihre traditionellen Lieder, begleitet von Händeklatschen oder Schlägen auf Holzkisten. Doch mit der Zeit gerieten nationale afrikanische Motive in Vergessenheit und in Negermelodien tauchten Anklänge an Lieder der Weißen auf. Weiße hatten damals Lieder zu religiösen Themen, und Schwarze begannen auch, spirituelle Lieder zu singen, allerdings auf ihre eigene Art, mit charakteristischem Rhythmus und Melodie. Ihre spirituellen Lieder (Spirituals) waren erfüllt von Schmerz und Hoffnung auf Erlösung.

Im 19. Jahrhundert begannen schwarze Sklaven, von Traurigkeit und dekadenter Stimmung durchdrungene Lieder zu singen, die zur Begleitung (Blues) vorgetragen wurden. Die Darsteller spielten mit sich selbst auf selbstgebauten Musikinstrumenten, denn Sie konnten es sich nicht leisten, echte zu kaufen. Außerdem spielten Schwarze sehr gern in einem Orchester, und nach dem Bürgerkrieg von 1861- 1865 . Sie begannen, professionelle Musikinstrumente zu spielen, weil Militärkapellen wurden aufgelöst und Instrumente für ein paar Cent verkauft.

Überall spielten Negerorchester: bei Hochzeiten, Feiertagen und Beerdigungen. Die Musiker wussten nicht, wie man Noten liest, und als sie sich professionelle Musiker ansahen, lernten sie, selbstständig zu spielen. Instrumentalmusik, die die Motive von Spirituals und Blues genau wiedergab, wurde Jazz genannt. Seine Besonderheiten sind ein freier, schwingender Rhythmus (Swing) und Improvisation. Darüber hinaus improvisieren Jazzmusiker sowohl solo als auch kollektiv.

Der Jazz verbreitete sich zunächst rasch in ganz Amerika und dann auf der ganzen Welt und zog immer mehr „weiße“ Musiker und Komponisten an.

Duke Ellington, Louis Armstrong, Glen Miller und Beni Goodman und andere sind Jazzmusiker, die einen großen Beitrag zur Popularisierung der Jazzmusik geleistet haben und heute von der jüngeren Generation von Jazzmusikern geschätzt werden.

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Jazz– ein einzigartiges Phänomen in der Weltmusikkultur. Diese facettenreiche Kunstform entstand um die Jahrhundertwende (19. und 20. Jahrhundert) in den USA. Jazzmusik ist zur Idee der Kulturen Europas und Afrikas geworden, eine einzigartige Verschmelzung von Trends und Formen aus zwei Regionen der Welt. Anschließend verbreitete sich der Jazz über die Vereinigten Staaten hinaus und wurde fast überall populär. Diese Musik basiert auf afrikanischen Volksliedern, Rhythmen und Stilen. In der Entwicklungsgeschichte dieser Jazzrichtung sind viele Formen und Typen bekannt, die mit der Beherrschung neuer Rhythmen und Harmonikmodelle entstanden.

Merkmale des Jazz

Die Synthese zweier Musikkulturen machte Jazz zu einem radikal neuen Phänomen in der Weltkunst. Die Besonderheiten dieser neuen Musik waren:

• Synkopierte Rhythmen, die zu Polyrhythmen führen.
• Das rhythmische Pulsieren der Musik ist der Beat.
• Komplexe Abweichung vom Takt – Swing.
• Ständige Improvisation in Kompositionen.
• Eine Fülle von Harmonien, Rhythmen und Klangfarben.

Die Grundlage des Jazz, insbesondere in den ersten Entwicklungsstadien, war Improvisation gepaart mit einer durchdachten Form (gleichzeitig war die Form der Komposition nicht unbedingt irgendwo festgelegt). Und von der afrikanischen Musik übernahm dieser neue Stil die folgenden charakteristischen Merkmale:

• Jedes Instrument als Schlaginstrument verstehen.
• Beliebte Konversationsintonationen beim Aufführen von Kompositionen.
• Ähnliche Nachahmung von Gesprächen beim Spielen von Instrumenten.

Im Allgemeinen zeichnen sich alle Jazzstile durch ihre eigenen lokalen Besonderheiten aus, daher ist es logisch, sie im Kontext zu betrachten historische Entwicklung.

Die Entstehung von Jazz, Ragtime (1880-1910er Jahre)

Es wird angenommen, dass der Jazz unter schwarzen Sklaven entstand, die im 18. Jahrhundert aus Afrika in die Vereinigten Staaten von Amerika gebracht wurden. Da die gefangenen Afrikaner nicht durch einen einzigen Stamm vertreten waren, mussten sie mit ihren Verwandten in der Neuen Welt eine gemeinsame Sprache suchen. Diese Konsolidierung führte zur Entstehung einer einheitlichen afrikanischen Kultur in Amerika, zu der auch die Musikkultur gehörte. Erst in den 1880er und 1890er Jahren entstand dadurch die erste Jazzmusik. Dieser Stil wurde durch die weltweite Nachfrage nach populärer Tanzmusik vorangetrieben. Da die afrikanische Musikkunst reich an solchen rhythmischen Tänzen war, wurde auf dieser Grundlage eine neue Richtung geboren. Tausende Amerikaner aus der Mittelschicht, die nicht in der Lage waren, die klassischen Tänze der Aristokratie zu erlernen, begannen zu Ragtime-Klavieren zu tanzen. Ragtime führte mehrere zukünftige Grundlagen des Jazz in die Musik ein. So ist der Hauptvertreter dieses Stils, Scott Joplin, der Autor des „3 versus 4“-Elements (überkreuz klingende rhythmische Muster mit 3 bzw. 4 Einheiten).

New Orleans (1910–1920er Jahre)

Der klassische Jazz entstand zu Beginn des 20. Jahrhunderts in den Südstaaten Amerikas und insbesondere in New Orleans (was logisch ist, da der Sklavenhandel im Süden weit verbreitet war).

Hier spielten afrikanische und kreolische Orchester, die ihre Musik unter dem Einfluss von Ragtime, Blues und Liedern schwarzer Arbeiter schufen. Nach dem Erscheinen vieler Musikinstrumente von Militärkapellen in der Stadt begannen Amateurgruppen aufzutreten. Auch der legendäre Musiker aus New Orleans, Gründer seines eigenen Orchesters King Oliver, war Autodidakt. Ein wichtiges Datum in der Geschichte des Jazz war der 26. Februar 1917, als die Original Dixieland Jazz Band ihre erste Schallplatte veröffentlichte. Die Hauptmerkmale des Stils wurden in New Orleans festgelegt: der Takt von Schlaginstrumenten, meisterhafte Soli, Gesangsimprovisation mit Silben – Scat.

Chicago (1910–1920er Jahre)

In den 1920er Jahren, die von Klassikern als die „Roaring Twenties“ bezeichnet wurden, gelangte Jazzmusik allmählich in die Massenkultur und verlor die Bezeichnungen „beschämend“ und „unanständig“. Orchester beginnen in Restaurants aufzutreten und ziehen von den Südstaaten in andere Teile der Vereinigten Staaten. Chicago wird zum Zentrum des Jazz im Norden des Landes, wo kostenlose abendliche Auftritte von Musikern populär werden (bei solchen Shows gab es häufig Improvisationen und externe Solisten). Im Musikstil erscheinen komplexere Arrangements. Die Jazz-Ikone dieser Zeit war Louis Armstrong, der von New Orleans nach Chicago zog. Anschließend begann man, die Stile der beiden Städte zu einem Genre der Jazzmusik zu vereinen – Dixieland. Das Hauptmerkmal dieses Stils war die kollektive Massenimprovisation, die die Grundidee des Jazz zum Absoluten erhob.

Swing und Bigbands (1930er–1940er)

Die weiter steigende Beliebtheit des Jazz führte zu einem Bedarf an großen Orchestern Tanzmelodien. So entstand der Swing, der charakteristische Abweichungen vom Rhythmus in beide Richtungen darstellt. Swing wurde zur Hauptstilrichtung dieser Zeit und manifestierte sich in der Arbeit von Orchestern. Die Aufführung harmonischer Tanzkompositionen erforderte ein koordinierteres Spiel des Orchesters. Von Jazzmusikern wurde erwartet, dass sie gleichmäßig und ohne große Improvisationen mitwirkten (mit Ausnahme des Solisten), sodass die kollektive Improvisation im Dixieland der Vergangenheit angehörte. In den 1930er Jahren entstanden ähnliche Gruppen, die Big Bands genannt wurden. Ein charakteristisches Merkmal der damaligen Orchester war der Wettbewerb zwischen Instrumentengruppen und Sektionen. Traditionell gab es drei davon: Saxophone, Trompeten, Schlagzeug. Die bekanntesten Jazzmusiker und ihre Orchester sind: Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Der letzte Musiker ist berühmt für sein Engagement für schwarze Folklore.

Bebop (1940er Jahre)

Die Abkehr des Swing von den Traditionen des frühen Jazz und insbesondere von klassischen afrikanischen Melodien und Stilen löste bei Geschichtsexperten Unmut aus. Big Bands und Swing-Interpreten, die zunehmend für das Publikum arbeiteten, stießen auf die Jazzmusik kleiner Ensembles schwarzer Musiker. Experimentatoren führten superschnelle Melodien ein, brachten lange Improvisationen, komplexe Rhythmen und eine virtuose Beherrschung des Soloinstruments zurück. Der neue Stil, der sich als exklusiv positionierte, wurde Bebop genannt. Die Ikonen dieser Zeit waren unverschämte Jazzmusiker: Charlie Parker und Dizzy Gillespie. Der Aufstand schwarzer Amerikaner gegen die Kommerzialisierung des Jazz und der Wunsch, dieser Musik Intimität und Einzigartigkeit zurückzugeben, wurden zu einem zentralen Punkt. Von diesem Moment an und von diesem Stil an beginnt der Countdown der Geschichte Moderner Jazz. Gleichzeitig kommen auch Big-Band-Leiter in kleine Orchester, um sich eine Auszeit von den großen Sälen zu gönnen. In Ensembles namens Combos hielten diese Musiker an einem Swing-Stil fest, hatten aber die Freiheit, zu improvisieren.

Cool Jazz, Hard Bop, Soul Jazz und Jazz-Funk (1940er–1960er Jahre)

In den 1950er Jahren begann sich die Musikrichtung Jazz in zwei gegensätzliche Richtungen zu entwickeln. Anhänger der klassischen Musik „kühlten“ den Bebop ab und brachten akademische Musik, Polyphonie und Arrangements wieder in Mode. Cool Jazz wurde für seine Zurückhaltung, Trockenheit und Melancholie bekannt. Die Hauptvertreter dieser Jazzrichtung waren: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Aber die zweite Richtung begann im Gegenteil, die Ideen des Bebop zu entwickeln. Der Hardbop-Stil predigte die Idee einer Rückkehr zu den Wurzeln der schwarzen Musik. Traditionelle Volksmelodien, helle und aggressive Rhythmen, explosive Soli und Improvisationen sind wieder in Mode. Bekannt im Hardbop-Stil sind: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Dieser Stil entwickelte sich organisch zusammen mit Soul Jazz und Jazz-Funk. Diese Stile näherten sich dem Blues und machten den Rhythmus zu einem Schlüsselaspekt der Darbietung. Insbesondere der Jazz-Funk wurde von Richard Holmes und Shirley Scott eingeführt.

GESCHICHTE DER JAZZ-ENTWICKLUNG

Jazz

Es ist unwahrscheinlich, dass irgendjemand es wagen wird zu erklären, was Jazz ist, denn selbst der große Mann in der Geschichte des Jazz, Louis Armstrong, hat dies nicht getan, der sagte, dass man es nur verstehen muss und das ist alles. Tatsächlich sind Jazz, seine Geschichte, Ursprünge, Modifikationen und Zweige zu vielfältig und vielschichtig, um eine einfache umfassende Definition zu geben. Aber es gibt Momente, die das Wesen dieser Musikrichtung verdeutlichen.

Jazz entstand als Kombination mehrerer Musikkulturen und nationale Traditionen. Ursprünglich kam er in den Kinderschuhen aus afrikanischen Ländern, und unter dem Einfluss der entwickelten westlichen Musik und ihrer Bewegungen (Blues, Reg-Times) und der Kombination musikalischer afrikanischer Folklore mit ihnen entstand ein Stil, der bis heute nicht ausgestorben ist Tag - Jazz.

Jazz lebt im Rhythmus, in der Inkonsistenz, in Überschneidungen und in der Nichteinhaltung von Tonarten und Tonhöhen. Alle Musik baut auf Konfrontation und Widerspruch auf, aber in einem Musikstück fügt sich alles harmonisch zusammen und verblüfft durch seine Melodie und besondere Anziehungskraft.

Die ersten Jazzmusiker schufen mit seltenen Ausnahmen die Tradition eines Jazzorchesters, bei dem es um Improvisationen mit Klang, Geschwindigkeit oder Tempo geht, die Möglichkeit besteht, die Anzahl der Instrumente und Interpreten zu erweitern und symphonische Traditionen einzubeziehen. Viele Jazzmusiker haben mit ihrer Kunst zur Entwicklung der Tradition der Spielkunst von Jazzensembles beigetragen.

Nach dem Auftritt des brillanten Interpreten Louis Armstrong, der sein ganzes Leben im Rhythmus des Jazz verbrachte und immer noch eine Legende ist, erblickte die Kunst des Jazz neue und ungewöhnliche Horizonte: Gesangs- oder instrumentale Solodarbietungen werden zum Mittelpunkt des Ganzen Performance, die die Idee des Jazz völlig verändert.

Und hier lässt sich ein weiteres Merkmal des Jazzstils erklären: Dies ist die einzigartige individuelle Leistung eines virtuosen Jazzmusikers, dies ist seine Leistung und sein und die Zuhörer, die ihn im Moment an der Musik genießen. Und der Schlüssel zur ewigen Jugend des Jazz ist die Improvisation. Jazz hat einen Geist, aber kein Skelett, das alles stützt. Sie können das Saxophon durch das Klavier ersetzen oder den Stuhl hinstellen und das Mikrofon nehmen, und wenn das nicht funktioniert, dann gehen Sie zurück zur Trompete und versuchen Sie, etwas zu spielen, das Armstrong und Bechet nicht gespielt haben.

Jazz ist nicht nur eine bestimmte Art der musikalischen Darbietung, sondern auch eine einzigartige, fröhliche Ära.

Ursprünge

Die Frage nach dem Geburtsort des Jazz ist bekannt – das ist Amerika, aber wo hat er seinen Ursprung?

Jazz erscheint als einzigartige Fusion. Und einer seiner Bestandteile, die seinen Ursprung sicherten, gilt als afrikanischer Ursprung. Afrikanische Siedler brachten ihre Kultur mit, die sich vor dem Hintergrund eines starken europäischen und amerikanischen Einflusses entwickelte.

Die Gemeinschaft und ihre Regeln (Verhaltensnormen, Traditionen) liegen den Ankömmlingen im Blut, obwohl die Verbindung zu ihren Vorfahren eigentlich abgebrochen ist. Und Musik als integrale Manifestation der ursprünglichen Kultur wurde zu einem der verbindenden Glieder dieser einheimischen afrikanischen Kultur neues Leben auf einem anderen Kontinent.

Die Vokalmusik der Afroamerikaner, gewürzt mit Rhythmus und Tanz, Körperplastik und Klatschen, hat sich zu einer neuen musikalischen Subkultur entwickelt. Afrikanische Musik unterscheidet sich völlig von europäischen Mustern, sie verfügt nicht über eine Galaxie von Instrumenten, sie hat sich weitgehend den Ritualismus und die Verbindung zu Bräuchen bewahrt.

Ursprünge / Geschichte des Jazz

Diese Sklavenmusik ging schließlich kaputt totalitäre Regime, wo klassische Orchester herrschten, völlig untergeordnet dem Willen des Dirigentenstabs. Laut der Forschung der Geschichts- und amerikanischen Kulturprofessorin Penny Van Eschen versuchte das US-Außenministerium, Jazz als ideologische Waffe gegen die UdSSR und die Ausweitung des sowjetischen Einflusses auf Länder der Dritten Welt einzusetzen. Die Ursprünge des Jazz sind mit dem Blues verbunden.

Jazz entstand Ende des 19. Jahrhunderts als eine Verschmelzung afrikanischer Rhythmen und europäischer Harmonie, seine Ursprünge sollten jedoch im Moment der Einfuhr von Sklaven aus Afrika in das Gebiet der Neuen Welt gesucht werden. Die mitgebrachten Sklaven stammten nicht aus derselben Familie und verstanden sich meist nicht einmal untereinander. Das Bedürfnis nach Konsolidierung führte zur Vereinigung vieler Kulturen und infolgedessen zur Schaffung einer einzigen Kultur (einschließlich Musik) der Afroamerikaner. Die Prozesse der Vermischung afrikanischer und europäischer Musikkultur (die auch in der Neuen Welt gravierende Veränderungen erfuhren) fanden ab dem 18. Jahrhundert statt und führten im 19. Jahrhundert zur Entstehung des „Proto-Jazz“ und dann des allgemein anerkannten Jazz Sinn.

Improvisation spielt im echten Jazz eine grundlegende Rolle. Darüber hinaus zeichnet sich Jazz durch Synkopen (Betonung schwacher Beats und unerwarteter Akzente) und einen besonderen Drive aus. Die letzten beiden Komponenten entstehen im Ragtime und werden dann auf das Spiel von Orchestern (Bands) übertragen, woraufhin das Wort „Jazz“ erscheint, zuerst als „Jass“, dann als „Jasz“ geschrieben und erst seit 1918 erworben sein modernes Aussehen. Darüber hinaus zeichnen sich viele Jazzstile durch eine besondere Aufführungstechnik aus: „Swinging“ oder Swing. Die Wiege des Jazz war der amerikanische Süden und vor allem New Orleans. Am 26. Februar 1917 nahmen fünf weiße Musiker aus New Orleans im New Yorker Studio der Firma Victor die erste Jazzplatte auf. Die Bedeutung dieser Tatsache kann kaum überschätzt werden: Vor der Veröffentlichung dieser Platte blieb Jazz eine Randerscheinung, Musikalische Folklore, und versetzte dann mehrere Wochen lang ganz Amerika in Erstaunen. Die Aufnahme gehörte der legendären „Original Dixieland Jazz Band“.

Ursprünge / Geburt des Jazz

Die Ursprünge dieser Musikrichtung sind in einer Mischung afrikanischer und europäischer Kulturen zu suchen. Seltsamerweise begann der Jazz mit Christoph Kolumbus selbst. Natürlich war der große Reisende und Entdecker nicht der erste Jazzkünstler. Mit der Öffnung Amerikas für Europa markierte Kolumbus den großen Beginn der Durchdringung von Afrika und Europa Musikalische Traditionen.

Bei der Erkundung des amerikanischen Kontinents transportierten die Europäer eine große Anzahl schwarzer Feinde hierher, deren Zahl um 1700 Hunderttausende überstieg. Sklaven wurden von der Westküste Afrikas über den Atlantik transportiert.

Die Europäer konnten nicht einmal ahnen, dass sie zusammen mit den Sklaven die afrikanische Musikkultur, die sich durch einen atemberaubenden Musikrhythmus auszeichnete, nach Amerika transportierten. In Afrika ist Musik seit jeher ein unverzichtbarer Bestandteil verschiedener Rituale. Dabei spielte der musikalische Rhythmus eine große Rolle.

Die europäische Kultur führte Harmonie, Moll- und Dur-Standards, Melodie sowie ein solistisches Melodieprinzip in den Jazz ein.

Gesang im Jazz

Jazzgesang ist nicht mit Singen im allgemeinen Sinne gleichzusetzen. Anfangs gab es im Jazz keine Solostimme, sondern nur ein Instrument, und erst seit den Auftritten von Louis Armstrong (gemeint war sein späteres Werk) gehörte der Gesang zum „Werkzeugkasten“ der Jazzmusiker. Aber noch einmal: Jazz-Gesang, und das ist etwas anderes.

Jazzgesang muss einige Besonderheiten aufweisen, also die Stimme des Interpreten. Betrachtet man die Grundlage des Jazz – Improvisation, das Fehlen von Regeln, muss man verstehen, dass das Gleiche auch für die Stimme des Interpreten gilt: die Fähigkeit, den Umfang eines „normalen“ Liedes zu erweitern, mit der Stimme zu spielen, leicht zu improvisieren, einen guten Tonumfang zu haben . Der Interpret muss sich an den Jazz-Aufführungsstil halten: Phrasierung und „Attack“.

„Scat-Gesang“ – dieser Begriff tauchte auf, als Louis Armstrong auf der Bühne stand, der sowohl sang als auch spielte: Die Klänge seiner Stimme waren den Klängen seiner Trompete sehr ähnlich. Der Jazz-Gesang wird sich etwas später verändern und komplexer werden, wenn der Bop-Stil in Mode kommt. Es ist Zeit für den „Bop“-Sket und die „First Lady des Jazz“ – Ella Fitzgerald – wird zum Star.

Wenn die Verbindung zwischen Jazz und Blues nicht so stark ist, ist die Verbindung zwischen Gesang offensichtlicher. Die Möglichkeiten, Klänge (die Arbeit des Kehlkopfes, Keuchen und Flüstern, Falsett usw.) des Blues zu extrahieren, wurden von den Traditionen des Jazz gerne angenommen.

Die Namen von Sängern, die in der Geschichte des Jazz für ihren Gesang berühmt wurden: Der Gründer ist natürlich Louis Armstrong, gefolgt von Bing Crosby, gefolgt von ihm, einfach „die Stimme“ genannt, Frank Sinatra, Nat King Cole. Frauen leisteten ihren Beitrag, und zwar einen beträchtlichen: Bessie Smith, die den Spitznamen „Kaiserin des Blues“ erhielt, gefolgt von den Namen Billie Holliday, Ella Fitzgerald und der einzigartigen Sängerin Sarah Voen.

Die Ursprünge des Jazz und seiner Stile.

Einführung

Während eines Interviews wurde der Chefredakteur des berühmtesten amerikanischen Jazzmagazins „Down Beat“, das in 124 Ländern vertrieben wird, einmal von einem Reporter gefragt: „Was ist Jazz?“ „Sie haben noch nie einen Mann gesehen, der durch eine so einfache Frage so schnell auf frischer Tat ertappt wurde!“, sagte dieser Redakteur später. Im Gegensatz dazu könnte eine andere Jazz-Persönlichkeit die gleiche Frage beantworten, indem sie zwei Stunden oder länger mit Ihnen über diese Musik spricht, ohne etwas Konkretes zu erklären, da es in Wirklichkeit immer noch keine genaue, prägnante und dann genaue Zeit gibt für eine vollständige und objektive Definition des Wortes und des Konzepts „Jazz“.

Aber es gibt einen großen Unterschied zwischen der Musik von King Oliver und Miles Davis, Benny Goodman und dem Modern Jazz Quartet, Stan Kenton und John Coltrane, Charlie Parker und Dave Brubeck. Viele seiner Komponenten und die ständige Weiterentwicklung des Jazz über 100 Jahre haben dazu geführt, dass selbst die gestrigen genauen Charakteristika heute nicht mehr vollständig anwendbar sind und die Formulierungen von morgen möglicherweise diametral entgegengesetzt sind (z. B. für Dixieland und Bebop, Swing Big). Band und Combo Jazz-Rock).

Die Schwierigkeiten bei der Definition von Jazz liegen auch darin... Der Punkt ist, dass sie immer versuchen, dieses Problem direkt zu lösen und viel über Jazz zu reden, mit wenig Erfolg. Offensichtlich könnte es indirekt gelöst werden, indem man alle Merkmale definiert, die diese musikalische Welt in der Gesellschaft umgeben, und dann wird es einfacher zu verstehen sein, was im Mittelpunkt steht. Darüber hinaus stellt sich die Frage „Was ist Jazz?“ wird ersetzt durch „Was meinst du mit Jazz?“ Und hier entdecken wir, dass dieses Wort am meisten hat unterschiedliche Bedeutungen für verschiedene Menschen. Jede Person füllt diesen lexikalischen Neologismus aus eine bestimmte Bedeutung nach eigenem Ermessen.

Es gibt zwei Kategorien von Menschen, die dieses Wort verwenden. Manche Menschen lieben Jazz, andere interessieren sich nicht dafür. Die meisten Jazzliebhaber verwenden dieses Wort sehr weit, aber keiner von ihnen kann bestimmen, wo Jazz beginnt und endet, da jeder seine eigene Meinung zu diesem Thema hat. Sie können eine gemeinsame Sprache miteinander finden, aber jeder ist überzeugt, dass er Recht hat und weiß, was Jazz ist, ohne auf Details einzugehen. Selbst professionelle Musiker, die Jazz leben und ihn regelmäßig aufführen, definieren diese Musik sehr unterschiedlich und vage.

Die unendliche Vielfalt an Interpretationen gibt uns keine Chance, zu einem einheitlichen und unumstößlichen Schluss zu kommen, was Jazz aus rein musikalischer Sicht ist. Allerdings ist hier auch ein anderer Ansatz möglich, der in der 2. Hälfte der 50er Jahre vom weltberühmten Musikwissenschaftler, Präsidenten und Direktor des New York Institute of Jazz Research Marshall Stearns (1908-1966) vorgeschlagen wurde, der stets grenzenlosen Respekt genoss Jazzkreisen aller Länder der Alten und der Neuen Welt. In seinem hervorragenden Lehrbuch „The History of Jazz“, das erstmals 1956 erschien, definierte er diese Musik aus rein historischer Sicht.

Stearns schrieb: „Zuallererst ist es immer viel einfacher, Jazz zu erkennen, als ihn mit Worten zu beschreiben, wo immer man ihn hört. Aber in allererster Näherung können wir Jazz als eine semi-improvisatorische Musik definieren, die als Ergebnis von 300 entstand.“ Jahre der Vermischung zweier großer Musiktraditionen - westeuropäischer und westafrikanischer - auf nordamerikanischem Boden, also die tatsächliche Verschmelzung der weißen und schwarzen Kultur... Und obwohl musikalisch die europäische Tradition hier eine vorherrschende Rolle spielte, waren es jene rhythmischen Qualitäten, die ausmachten Jazz ist eine so charakteristische, ungewöhnliche und leicht wiedererkennbare Musik, die zweifellos dazu führt, dass „ihre Ursprünge in Afrika liegen. Daher sind die Hauptbestandteile dieser Musik europäische Harmonie, euroafrikanische Melodie und afrikanischer Rhythmus.“

Aber warum entstand der Jazz in Nordamerika und nicht in Süd- oder Mittelamerika, wo es auch genügend Weiße und Schwarze gab? Wenn vom Geburtsort des Jazz die Rede ist, wird Amerika schließlich immer als dessen Wiege bezeichnet, in der Regel ist jedoch das moderne Territorium der Vereinigten Staaten gemeint. Tatsache ist, dass, wenn die nördliche Hälfte des amerikanischen Kontinents historisch gesehen hauptsächlich von Protestanten (Briten und Franzosen) bewohnt war, unter denen es viele religiöse Missionare gab, die Schwarze zum christlichen Glauben bekehren wollten, dann im südlichen und zentralen Teil Auf diesem riesigen Kontinent dominierten Katholiken (die Spanier) und die Portugiesen, die schwarze Sklaven lediglich als Zugtiere betrachteten, ohne sich um die Rettung ihrer Seelen zu kümmern. Daher konnte es keine signifikante und tiefe Durchdringung der Rassen und Kulturen gegeben haben, die wiederum einen direkten Einfluss auf den Erhaltungsgrad der einheimischen Musik afrikanischer Sklaven, vor allem im Bereich ihres Rhythmus, hatte. Bis heute gibt es in den Ländern Süd- und Mittelamerikas heidnische Kulte, geheime Rituale und ausufernde Karnevale werden begleitet von afrokubanischen (oder lateinamerikanischen) Rhythmen abgehalten. Es ist nicht verwunderlich, dass der südliche Teil der Neuen Welt gerade in dieser rhythmischen Hinsicht bereits in unserer Zeit die gesamte Popmusik der Welt spürbar beeinflusst hat, während der Norden etwas anderes zum Schatz der modernen Musikkunst beigetragen hat, z Beispiel Spirituals und Blues.

Folglich, fährt Stearns fort, sei Jazz im historischen Aspekt eine Synthese, die im Original aus sechs grundlegenden Quellen gewonnen werde. Diese beinhalten:

1. Rhythmen Westafrikas;

2. Arbeitslieder (Arbeitslieder, Feldrufe);

3. Neger-Religionslieder (Spirituals);

4. Weltliche Negerlieder (Blues);

5. Amerikanische Volksmusik vergangener Jahrhunderte;

6. Musik von Minnesängern und Straßenblaskapellen.

1. Die Ursprünge des Jazz

Die ersten Festungen der Weißen im Golf von Guinea an der Küste Westafrikas entstanden bereits 1482. Genau 10 Jahre später ereignete sich ein bedeutendes Ereignis – die Entdeckung Amerikas durch Kolumbus. Im Jahr 1620 tauchten auf dem heutigen Territorium der Vereinigten Staaten die ersten schwarzen Sklaven auf, die bequem per Schiff aus Westafrika über den Atlantik transportiert wurden. In den nächsten hundert Jahren wuchs ihre Zahl dort auf einhunderttausend, und bis 1790 verzehnfachte sich diese Zahl.

Wenn wir „afrikanischen Rhythmus“ sagen, müssen wir natürlich bedenken, dass westafrikanische Schwarze nie „Jazz“ als solchen gespielt haben – wir reden über einfach über Rhythmus als integralen Bestandteil ihrer Existenz in ihrer Heimat, wo er durch den rituellen „Trommelchor“ mit seinen komplexen Polyrhythmen und vielem mehr repräsentiert wurde. Doch Sklaven durften keine Musikinstrumente mit in die Neue Welt nehmen, und zunächst war es ihnen in Amerika sogar verboten, selbstgemachte Trommeln herzustellen, von denen Exemplare erst viel später in ethnografischen Museen zu sehen waren. Zudem kommt niemand, egal welcher Hautfarbe, mit einem vorgefertigten Rhythmusgefühl auf die Welt, sondern es geht um Traditionen, d.h. In der Kontinuität der Generationen und der Umwelt wurden daher die Bräuche und Rituale der Neger in den Vereinigten Staaten ausschließlich mündlich und aus dem Gedächtnis von Generation zu Generation afroamerikanischer Schwarzer bewahrt und weitergegeben. Wie Dizzy Gillespie sagte: „Ich glaube nicht, dass Gott jemandem mehr geben kann als anderen, wenn er sich in der gleichen Situation befindet. Man kann jeden Menschen nehmen, und wenn man ihn in die gleiche Situation bringt.“ Umfeld, dann es Lebensweg wird auf jeden Fall ähnlich sein wie unseres.“

Jazz entstand in den Vereinigten Staaten als Ergebnis der Synthese zahlreicher Elemente der umgesiedelten Musikkulturen der Völker Europas einerseits und afrikanischer Folklore andererseits. Diese Kulturen hatten grundsätzlich unterschiedliche Qualitäten. Afrikanische Musik ist improvisatorischer Natur; sie zeichnet sich durch eine kollektive Form des Musizierens mit stark ausgeprägter Polyrhythmik, Polymetrie und Linearität aus. Die wichtigste Funktion darin ist der rhythmische Beginn, die rhythmische Polyphonie, aus der die Wirkung des Kreuzrhythmus entsteht. Das melodische und noch mehr das harmonische Prinzip ist in der afrikanischen Musik weitaus weniger ausgeprägt als in der europäischen Musik. Musik für Afrikaner hat in einem größeren Ausmaß, als für eine europäische, praktische Bedeutung. Es wird oft mit Arbeitsaktivitäten und Ritualen, einschließlich Gottesdiensten, in Verbindung gebracht. Der Synkretismus verschiedener Kunstarten beeinflusst die Natur des Musizierens – es wirkt nicht unabhängig, sondern in Kombination mit Tanz, bildender Kunst, Gebet und Rezitation. Im aufgeregten Zustand der Afrikaner ist ihre Intonation viel freier als die der an eine standardisierte Tonleiter gefesselten Europäer. In der afrikanischen Musik ist die Frage-Antwort-Form des Gesangs (Call & Response) weit verbreitet.

Die europäische Musik hat ihrerseits ihren reichen Beitrag zur künftigen Synthese geleistet: melodische Konstruktionen mit Leitstimme, modale Dur-Moll-Standards, harmonische Möglichkeiten und vieles mehr. Im Allgemeinen kollidierte relativ gesehen die afrikanische Emotionalität, das intuitive Prinzip, mit dem europäischen Rationalismus, der sich insbesondere in der Musikpolitik des Protestantismus manifestierte.

2. „Dritter Strom“

Der Begriff „dritter Strom“ wurde vom Kritiker John Wilson geprägt. Er skizzierte eine Alternative bzw. Möglichkeiten zur Synthese des ersten und zweiten Trends, d. h. akademische Musik und Jazz. Dieser Trend entstand in den 50er Jahren und ist nicht an einen bestimmten Stil gebunden. Die experimentellen Werke verschiedener Musiker erfassten symphonischen Jazz, Jazzrock und Avantgarde-Bewegungen.

Als eine der einzigartigsten Musikarten des 20. Jahrhunderts begann der Jazz nach und nach die ganze Welt zu erobern und erlangte schließlich einen internationalen Charakter. Dies geschah vor allem aufgrund der Tatsache, dass sich seine Komponisten und Interpreten in ihrer Arbeit oft der Musik anderer Länder und Völker zuwandten – indischer, südamerikanischer, arabischer und natürlich ihrer eigenen Folklore. Die wichtigste Quelle Jazzmusiker, die auf der Suche nach neuen Richtungen in der Entwicklung ihres Genres waren, ließen sich auch von den besten Beispielen europäischer klassischer Musik und ihren mehreren populäreren Spielarten inspirieren.

Die historischen Kontakte klassischer Komponisten zum Jazz sind wohlbekannt, und Dutzende berühmter Namen könnten hier als Beispiele genannt werden (Dvorak, Strawinsky, Debussy, Ravel, Milhaud, Honegger, Kshenek sowie Copland, Gershwin und Bernstein), aber ihre Die Versuche waren von dem Wunsch geleitet, nur bestimmte Elemente des Jazz in die akademische Musik einzuführen. Umgekehrt gibt es viel experimentelle Arbeit seitens interessierter Jazzer, die versuchten, bestimmte Prinzipien der symphonischen Entwicklung anzuwenden und die ursprünglichen Prinzipien der klassischen Musik in ihren Jazz-Partituren zu verwenden.

In verschiedenen Jahrzehnten führten solche Experimente manchmal sogar zur Entstehung neuer, wenn nicht Stile, so doch auf jeden Fall eigenständiger Zweige im Stammbaum der Jazzgeschichte – in den 20er Jahren war es beispielsweise „Symphonic Jazz“ ( Paul Whiteman, der „aus dem Jazz eine Dame machen wollte“, in den 40er Jahren – „progressiv“ (Stan Kenton) und in den 60er Jahren – „dritter Satz“.

Der „dritte Satz“ wird in der Jazzgeschichte ausdrücklich erwähnt, weil damals Jazzer und keine Klassiker zu ihm kamen. Dies war eine experimentelle Richtung des modernen Jazz, deren Vertreter versuchten, detaillierte Werke zu schaffen gemischte Kompositionen Orchester, zu denen sowohl akademische Künstler als auch Jazzimprovisatoren gehörten.

Die Kompositionen des „dritten Satzes“ zeichnen sich durch eine organischere Verschmelzung europäischer Kompositionstechniken mit Jazztraditionen aus. Am meisten prominente Vertreter Zu dieser Richtung gehörten in den USA die Musiker und Komponisten Gunther Schuller, John Lewis (Leiter des Modern Jazz Quartet), Gary McFarland, Jimmy Giuffre und andere.

Bekannt sind beispielsweise die gemeinsamen Auftritte (und Aufnahmen) von Duke Ellington mit der Mailänder Scala und dem London Symphony Orchestra. Durch diese Kombination entstehen neue harmonische und instrumentale Nuancen; das Ergebnis ist sozusagen moderne „geistige Musik“. Die Herangehensweise an das Thema ist klassisch, bleibt aber im Kern sehr jazzig. Es ist durchaus möglich, diese beiden Komponenten in einer Musikrichtung zu synthetisieren, die sowohl dem Jazz (Freiheit der Improvisation, Sinn für Swing, die Frische neuer Klangfarben) als auch der Technik „ernsthafter“ Kompositionen (Techniken aus dem Bereich der 12) nahe kommt -Tonmusik, Polyphonie, Polytonalität, Polyrhythmik, allgemeine thematische Entwicklung usw.).

Bedeutender Beitrag zum dritten Satz mit Werken für Jazzquartett und Symphonieorchester beigesteuert von Dave Brubeck. Die Tradition, ein Symphonieorchester und ein Jazzensemble oder sogar ein Orchester zu kombinieren, wird von Wynton Marsalis und seinem Lincoln Center Orchestra fortgeführt.

3. Moderner Blues. Big Bands der Post-Swing-Ära

Historisch gesehen drang der Blues nach und nach in große Industriezentren vor und gewann dort schnell an Popularität. Sie haben sich darin etabliert Eigenschaften, übernommen von der Musik der Afroamerikaner, und die 12-Takt-Form wurde klar definiert (als die typischste) und eine harmonische Begleitung basierend auf der Blues-Tonleiter festgelegt. Einer der berühmtesten Jazz-Blues-Künstler der 50er und 60er Jahre. es gab Jimmy Rushing (1903–1972) und Joe Williams (1918–1999).

In den späten 40er und frühen 50er Jahren entstand eine neue Spielart – „Rhythm and Blues“ – eine urbane Abwandlung des klassischen Blues, die sich in den schwarzen Vierteln der größten US-Städte verbreitete. Unter Verwendung der melodisch-harmonischen Grundmittel des Blues zeichnet sich „R&B“ durch eine deutliche Steigerung der Instrumentalbegleitung, eine ausdrucksstarke Spielweise, schnellere Tempi, einen klar definierten Rhythmus und einen energischen Beat aus, der in Form alternierender Massen erreicht wird und dröhnende Schläge auf dem 1. und 3. Taktschlag mit einem trockenen und abrupten Akzent auf dem 2. und 4. Taktschlag. Die Aufführung zeichnet sich durch unerbittliche emotionale Spannung, lauten Klang, betonte „Blues-Noten“, häufige Übergänge des Sängers zum Falsett, maximale Intensität (Druck, „Drive“) des Klangs aus und basiert auf der Antiphon kurzer „Riffs“ von der Sänger und die Begleitung.

Bis Ende der 40er Jahre. „R&B“ im „Live“-Sound und auf Schallplatten (in einer Reihe sogenannter „Racial Records“) war überwiegend nur der schwarzen Bevölkerung in großen Industriestädten bekannt. Die Favoriten dieses Trends waren in jenen Jahren die Saxophonisten Louis Jordan und Earl Bostic, die Gitarristen „T-Bone“ Walker und Muddy Waters, die Pianisten Jay McShann und etwas später Ray Charles und der Sänger Big Joe Turner.

In den frühen 50er Jahren zeigte sich jedoch auch bei Weißen Interesse an dieser rhythmischen Musik. Allmählich entstand bei weißen Jugendlichen eine wachsende Nachfrage nach R&B-Stücken, und eine Reihe von Musikern wandten sich dieser Richtung zu und wurden in diesen Jahren zu aktiven Förderern des R&B, der dann die Popmusik revolutionierte und zur Entstehung des Rock and Roll führte. Als der weiße Gitarrist Bill Haley am 12. April 1954 mit seiner Band die berühmte Rhythm-and-Blues-Nummer „Rock Around the Clock“ aufnahm, gilt das Datum der Veröffentlichung seitdem als Geburtstag des „Rock and Roll“ und des Themas selbst Hymne.

In diesen Jahren trat ein weißer Discjockey, Alan Freed (1922-1965), bei einem Radiosender in Cleveland auf und begann, regelmäßig Aufnahmen von „Rhythm and Blues“-Künstlern auszustrahlen, und jetzt kann man sagen, dass Freed fast allein dafür verantwortlich ist den gesamten Kurs der amerikanischen Popmusik verändern. Er war es, der schwarze Rhythm-and-Blues-Autoren und -Künstler hinter dem Rassenvorhang hervorholte und sie einem breiten Publikum weißer Teenager vorstellte. In einem Anfall von Inspiration nannte er diese Aufnahmen „Rock and Roll“ und machte den Begriff bei jungen Menschen auf der ganzen Welt populär.

Diese angepasste Version von „R&B“ beschränkte sich auf drei Grundakkorde, ein paar einfache E-Gitarren-„Riffs“ und einen schweren, monotonen Beat mit starken Akzenten auf dem 2. und 4. Taktschlag (d. h. dem „Off-Beat“). Die Harmonie des „Rock and Roll“ basierte jedoch immer noch auf dem 12-Takt-Blues-Schema, sodass ihr Hauptverdienst darin bestand, das grundlegende Konzept des Blues im musikalischen Massenbewusstsein der weißen Amerikaner und nach ihnen der Europäer zu etablieren enormes Potenzial für die Entwicklung von Rhythmus, Melodie und Harmonie. Der Blues belebte nicht nur die Popmusik insgesamt, sondern veränderte auch ihre bisherige „weiße“ europäische Ausrichtung und öffnete die Tür zu einer Vielzahl von Innovationen und Anleihen aus Musikkulturen anderer Bereiche Globus, zum Beispiel lateinamerikanische Musik.

Die schwierigen wirtschaftlichen Bedingungen nach dem Zweiten Weltkrieg und veränderte Interessen der Öffentlichkeit und der Manager hatten für viele Big Bands der Swing-Ära radikale Auswirkungen. Die meisten von ihnen sind für immer verschwunden. In den frühen 50er Jahren begann jedoch eine Wiederbelebung des Genres. Mit Mühe konnten aber die Orchester von Benny Goodman, Count Basie und wenig später das Duke Ellington-Orchester wiederhergestellt werden. Das Publikum wollte wieder Vorkriegshits hören. Trotz der bedeutenden Erneuerung der Besetzungen und der Ankunft junger Musiker stellten die Leiter, den Wünschen der Zuhörer nachkommend, das alte Repertoire wieder her. Von diesen drei Säulen der Swing-Ära war nur Duke Ellington auf dem Weg zur Veränderung. Dies betraf seine weit verbreitete Verwendung der Suite-Form, die während der Kriegsjahre begann. Zu seinem Repertoire gehörten groß angelegte Suiten mit programmatischem Inhalt. Eine bedeutende Etappe war die Entstehung der „Konzerte geistlicher Musik“ (1965–66) für Orchester, Chor, Solisten und Tänzer. Die energiegeladenen Auftritte der Big Band des Vibraphonisten Lionel Hampton gingen weiter und konzentrierten sich vor allem auf die Musikalität und den Charme ihres Anführers.

Nach und nach verwandelten sich einige Orchester in Gedenkformationen, die etablierte Traditionen unterstützen. Als solche können wir das Glenn Miller Orchestra, das 1944 starb, das Count Basie Orchestra nennen, das nach dem Tod des Anführers im Jahr 1984 unter demselben Namen unter der Leitung von Mercer Ellington (Sohn von Duke) und dann von ihm existierte Enkel Paul Mercer Ellington, Duke Ellington Orchestra (gest. 1974).

Progressive Orchester verloren nach und nach ihren Experimentiergeist und erlangten ein relativ standardisiertes Repertoire. Die Orchester von Woody Herman und Stan Kenton, die einige interessante Solisten hervorgebracht hatten, übergaben den Staffelstab an jüngere Kollegen. Unter ihnen sind die Bands hervorzuheben, die einen neuen Sound geschaffen haben, der auf hellen Arrangements, Polystilistik und neuen Klanganwendungen basiert Blechbläser, hauptsächlich Rohre. Solche Zentren des Fortschritts im Orchesterklang waren in den 60er Jahren die Bands der Trompeter Maynard Fergusson und Don Ellis. Im kreativen Labor eines der Gründer der Gruppe, Gil Evans, fand eine konsequente Bewegung in die gewählte Richtung statt. Seine eigenen Auftritte, Aufnahmen mit Miles Davis an der Wende der 50er und 60er Jahre und weitere Experimente mit modaler Musik und Elementen des Jazzrocks in den 70er Jahren waren ein wichtiger individueller Trend in der Jazzgeschichte.

In den 70er Jahren gab ein Orchester, das aus jungen und sehr starken Musikern der New Yorker Jazzszene zusammengestellt wurde, einen starken Impuls für die Bandbewegung. Der Trompeter Thad Jones, ein ehemaliges Mitglied der Basie-Band, und der Schlagzeuger Mel Lewis spielten mit das Orchester Stan Kenton. Ein Jahrzehnt lang galt diese Band dank ihrer großartigen modernen Arrangements und ihres Könnens als die beste hohes Level Instrumentalisten. Das Orchester löste sich aufgrund von Jones‘ Umzug nach Dänemark auf, doch Mel Louis versuchte lange Zeit, es in Zusammenarbeit mit dem Posaunisten und Arrangeur Bob Brookmyer zu unterstützen. Den ersten Platz in der Welthierarchie belegte in den 80er Jahren eine Band, die von der japanischen Pianistin und Arrangeurin Toshiko Akiyoshi zusammen mit ihrem Ehemann, dem Saxophonisten Lew Tabakin, gegründet wurde. Dieses Orchester ist insofern ungewöhnlich, als es von einer Frau gegründet wurde; es spielt hauptsächlich ihre Werke, folgt aber weiterhin den amerikanischen Orchestertraditionen. 1985 wurde das Orchester aufgelöst und Akiyoshi gründete eine neue Band namens „Toshiko Akiyoshi’s New York Jazz Orchestra“.

In den 90er Jahren trocknete das Big-Band-Genre nicht aus, sondern verstärkte sich vielleicht sogar. Gleichzeitig hat sich das Spektrum der Orchesterstilistik erweitert. Der konservative Flügel wird neben den Gedenkorchestern durch das Lincoln Center Orchestra repräsentiert, das von einem der beliebtesten Jazzmusiker der Beamtenschaft, dem talentierten Trompeter und Komponisten Wynton Marsalis, geleitet wird. Dieses Orchester versucht, der Kompositionslinie von Duke Ellington zu folgen. große Form und programmatischer Natur. Vielfältiger ist die Arbeit des sehr starken und moderneren Orchesters namens Charles Mingus (The Mingus Big Band). Diese Band zieht kreativ denkende Musiker an. Radikalere Ideen werden in verschiedenen „Workshops“ vertreten, die vorübergehender Natur sind, und von verschiedenen Bands, die avantgardistischere Ideen vertreten. Zu diesen Orchestern zählen die Bands von Sam Rivers, George Gruntz und zahlreichen europäischen Konglomeraten.

4. Hardbop. Funky

Im Gegensatz zur Raffinesse und Coolness des Cool-Stils, der Rationalität des Progressive an der Ostküste der USA, setzten junge Musiker Anfang der 50er Jahre die Entwicklung des scheinbar erschöpften Bebop-Stils fort. In diesem Trend gespielt bedeutende Rolle das Wachstum des afroamerikanischen Selbstbewusstseins, das die 50er Jahre kennzeichnete. Der Fokus lag erneut darauf, den afroamerikanischen Improvisationstraditionen treu zu bleiben. Gleichzeitig blieben alle Errungenschaften des Bebop erhalten, es kamen jedoch viele Entwicklungen des Coolen hinzu, sowohl im Bereich der Harmonie als auch im Bereich der rhythmischen Strukturen. Den Musikern der neuen Generation ging es in der Regel gut musikalische Ausbildung. Dieser Trend, „Hardbop“ genannt, erwies sich als sehr zahlreich. Darunter waren die Trompeter Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, die Pianisten Thelonious Monk, Horace Silver, der Schlagzeuger Art Blakey, die Saxophonisten Sonny Rollins, Hank Mobley ( Hank Mobley), Cannonball Adderley, der Kontrabassist Paul Chambers und viele andere.

Als bedeutsam für die Entwicklung des neuen Stils erwies sich eine weitere technische Innovation: das Erscheinen von Langspielplatten. Es wurde möglich, lange Soli aufzunehmen. Für Musiker ist dies zu einer Versuchung und einer schwierigen Prüfung geworden, da nicht jeder lange Zeit in der Lage ist, sich vollständig und prägnant zu äußern. Trompeter waren die ersten, die sich diese Vorteile zunutze machten und den Stil von Dizzy Gillespie zu einem ruhigeren, aber tieferen Spiel veränderten. Am einflussreichsten waren die Fats Navarro und Clifford Brown (beide hatten eine zu kurze Lebensdauer). Das Hauptaugenmerk dieser Musiker lag nicht auf virtuosen Hochgeschwindigkeitspassagen im oberen Register, sondern auf durchdachten und logischen Melodielinien.

Die musikalische Komplexität, die beispielsweise Art Blakey erreichte, der komplexe rhythmische Strukturen verwendete, führte nicht zu einem Verlust an Jazz, emotionaler Spiritualität. Gleiches gilt für neue Formen in den Improvisationen von Horace Silver oder in den polyrhythmischen Figurationen in den Soli von Sonny Rollins. Die Musik bekam Schärfe, Schärfe und eine neue Swing-Dimension. Eine besondere Rolle in der Entwicklung des Hardbop spielte Art Blakey, der 1955 das Ensemble Jazz Messengers gründete. Diese Komposition spielte die Rolle einer Schule, in der das Talent zahlreicher Vertreter dieser Richtung erkannt und entfaltet wurde. Dazu gehören die Pianisten Bobby Timmons und Horace Silver, die Saxophonisten Benny Golson, Hank Mobley, die Trompeter Lee Morgan, Kenny Dorham, Wynton Marsalis und viele andere. „Jazz Messengers“ existieren immer noch in der einen oder anderen Form, nachdem sie ihren Anführer (1993) überlebt haben.

Der Tenorsaxophonist Sonny Rollins nimmt in der Galaxie der Hardbop-Musiker einen besonderen Platz ein. Sein Stil bestand aus Parkers Linien und dem breiten Ton von Coleman Hawkins, und seine Innovation war mit seinem Temperament und seiner Spontaneität als Improvisator verbunden. Es zeichnet sich durch eine besondere Freiheit im Einsatz harmonischer Materialien aus. Mitte der 50er Jahre erregte Rollins Aufmerksamkeit durch die Besonderheiten seiner Phrasierung, die großartige polyrhythmische Figuren darstellt, die das harmonische Material des Themas zerreißen. In seinen melodischen Improvisationen treten Klanghärte und musikalischer Sarkasmus auf.

Ein Teil der Musik, die während der „Hardbop“-Zeit erschien, nahm den Blues auf natürliche Weise auf und wurde in langsamem oder mittlerem Tempo mit besonderem Ausdruck verwendet, basierend auf einem ausgeprägten Beat. Dieser Stil wird „funky“ genannt. Das Wort ist umgangssprachlich und bedeutet eine verstärkende Definition eines stechenden, scharfen Geruchs oder Geschmacks. Im Jazz ist es ein Synonym für bodenständige, „echte“ Musik. Das Erscheinen dieses Zweiges ist kein Zufall. In den 50er Jahren begann sich der Jazz von der alten Neger-Essenz des Jazz zu entfernen und es machte sich eine Abschwächung des Jazz-Idioms bemerkbar. Es wurde immer schwieriger zu bestimmen, welche Art von Musik als Jazz wahrgenommen werden sollte. Jazzmusiker experimentierten mit der Folklore verschiedener Nationen, sie fühlten sich vom Impressionismus und Atonalismus angezogen und begannen, sich mit alter Musik zu beschäftigen. Nicht alle fanden diese Prozesse überzeugend genug. Eine Reihe von Musikern wandte sich Kompositionen zu, die stark vom Klang traditioneller Blues- und religiöser Gesänge geprägt waren. Ursprünglich hatte das religiöse Element eher einen dekorativen als einen funktionalen Zweck. Manchmal dienten die altmodischen Schreie der Baumwollfelder als Einführung in ganz traditionelle Bebop-Figuren. Sonny Rollins zeigt Anzeichen dieses Stils, aber sein größter Ausdruck findet sich im Pianisten Horace Silver, der den funkigen Blues kreierte. Die Aufrichtigkeit seiner Musik wurde durch die religiösen Motive verstärkt, die den Musiker leiteten.

Aus dem Funky-Stil erwuchs die Figur von Charles Mingus – Kontrabassist, Komponist und Bandleader, ein Musiker, der nicht in den Rahmen eines bestimmten Stils passte. Mingus hat es sich zur Aufgabe gemacht, beim Zuhörer ganz bestimmte emotionale Empfindungen hervorzurufen. Gleichzeitig wurde die Last zwischen der Komposition selbst und den Musikern verteilt, die improvisieren mussten und genau diese Emotionen erlebten. Mingus kann ohne weiteres als einer der ganz wenigen Jazzkomponisten eingestuft werden. Er betrachtete sich als Anhänger von Duke Ellington und wandte sich demselben Bereich der afroamerikanischen Kultur, der Religiosität und der Mystik zu – einem Bereich, der den Einsatz von Funky-Style-Techniken erforderte.

5. Freejazz

In den frühen 60er Jahren war die nächste Entwicklungsrunde der Jazzstile weitgehend auf die Stärkung des rassischen Selbstbewusstseins schwarzer Musiker zurückzuführen. Unter der Jugend dieser Zeit drückte sich dieser Prozess in sehr radikalen Formen aus, unter anderem im Jazz, der seit jeher ein Ventil für die Kultur der Afroamerikaner darstellt. In der Musik manifestierte sich dies wiederum in dem Wunsch, die europäische Komponente aufzugeben und zu den Urquellen des Jazz zurückzukehren. Im New Jazz wandten sich schwarze Musiker nichtchristlichen Religionen zu, vor allem dem Buddhismus und dem Hinduismus. Andererseits ist diese Zeit durch das Aufkommen von Protestwellen und sozialer Instabilität unabhängig von der Hautfarbe gekennzeichnet (Hippie-Bewegung, Anarchismus, Leidenschaft für östliche Mystik). Der zu dieser Zeit auftauchende „Free Jazz“ vollzog eine scharfe Abkehr vom gesamten Hauptentwicklungsweg des Jazz, vom Mainstream. Die Kombination der Fülle spiritueller und ästhetischer Erfahrungen mit einem grundlegend neuen Ansatz zur Organisation des musikalischen Materials grenzte den New Jazz vollständig vom Bereich der Populärkunst ab. Dies war eine starke Beschleunigung des Prozesses, der von den Boppern eingeleitet wurde.

Dixieland- und Swing-Stylisten schufen melodische Improvisationen, Bebop-, Cool- und Hardbop-Musiker folgten in ihren Soli Akkordstrukturen. Free Jazz war eine radikale Abkehr von früheren Stilen, da der Solist bei diesem Stil nicht verpflichtet ist, einer vorgegebenen Richtung zu folgen oder eine Form nach bekannten Kanonen aufzubauen, sondern er kann in jede unvorhersehbare Richtung gehen. Das Hauptanliegen der Führer des Free Jazz war zunächst eine destruktive Ausrichtung in Bezug auf Rhythmus, Struktur, Harmonie und Melodie. Für sie ging es vor allem um extreme Ausdruckskraft, spirituelle Nacktheit und Ekstase. Die ersten Experimente der neuen Jazzmusiker Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp und Albert Ayler brachen nicht mit den Normen des Mainstreams. Die ersten Free-Jazz-Aufnahmen appellierten noch an harmonische Muster. Allmählich erreicht dieser Prozess jedoch den extremen Punkt des Bruchs mit der Tradition. Als Ornette Coleman den Free Jazz dem New Yorker Publikum vollständig vorstellte (trotz der Tatsache, dass Cecil Taylor früher und recht gut bekannt war), kamen viele Bebop-Musiker und Jazzkenner zu dem Schluss, dass diese Musik nicht nur als Jazz, sondern auch als Jazz bezeichnet werden kann eigentlich auch Musik. So wurden ehemalige Radikale in weniger als 15 Jahren zu Konservativen.

Einer der ersten Kanonzerstörer war Cecil Taylor, der zum Zeitpunkt seiner Volljährigkeit ein sehr ausgebildeter Musiker war. Er schloss sein Studium am Konservatorium ab, kannte sich gut mit Jazz aus und dachte darüber nach, die Prinzipien der Komponistenmusik auf den Improvisationsprozess anzuwenden. 1956 gelang es ihm zusammen mit dem Saxophonisten Steve Lacy, eine Platte mit einigen Ideen des New Jazz herauszubringen. Der früh verstorbene Pianist und Komponist Herbie Nichols folgte ungefähr demselben Weg und ging größtenteils auf Thelonious Monk zurück. Trotz der Schwierigkeit, Musik wahrzunehmen, die keine konventionellen Bezugspunkte enthält, wurde Cecil Taylor bereits 1958 zu einer berühmten Persönlichkeit, was durch seine Auftritte im Five Spot Club erleichtert wurde.

Im Gegensatz zu Taylor verfügte Ornette Coleman, eine andere Begründerin des Free Jazz, bereits über umfangreiche Auftrittserfahrung und spielte gleichzeitig nie „richtig“. Vielleicht wurde Coleman, ohne es zu merken, ein Meister des Primitivismus. Dies wiederum gab ihm die Grundlage für einen einfachen Übergang zur nicht standardisierten Musik, den er gemeinsam mit dem Trompeter, der die Taschentrompete spielte, Don Cherry, vollzog. Die Musiker hatten Glück: Der in der Musikszene einflussreiche Kontrabassist Red Mitchell und der Pianist John Lewis interessierten sich für sie. 1959 veröffentlichten die Musiker das Album „Something Else!!“ und bekam ein Engagement bei Five Spot. Ein Meilenstein für den New Jazz war Ornette Colemans Doppelbesetzung „Free Jazz“ im Jahr 1960.

Free Jazz überschneidet sich häufig mit anderen Avantgarde-Bewegungen, die beispielsweise seine Formgebung und Abfolge rhythmischer Strukturen nutzen können. Seit seiner Gründung ist Free Jazz eine Domäne einer kleinen Anzahl von Menschen geblieben und findet sich meist im Untergrund, hat jedoch den modernen Mainstream stark beeinflusst. Trotz der völligen Ablehnung hat der Free Jazz eine gewisse Normativität entwickelt, die es ermöglicht, ihn von anderen New Jazz-Bewegungen zu unterscheiden. Diese Konventionen beziehen sich auf den Gesamtplan des Stücks, das Zusammenspiel der Musiker, die rhythmische Unterstützung und natürlich die emotionale Ebene. Es ist anzumerken, dass im Free Jazz eine alte Form der kollektiven Improvisation wieder aufgetaucht ist. Zum Free Jazz wurde es charakteristisches Werk mit einer „offenen Form“, die nicht an bestimmte Strukturen gebunden ist. Dieser Ansatz hat sich auch bei Musikern durchgesetzt, bei denen dies nicht der Fall ist reiner Form Free Jazz, wie zum Beispiel die spontanen Improvisationen von Keith Jarrett bei seinen Solokonzerten.

Die Ablehnung des „New Jazz“ aus europäischen Musiknormen führte zu einem enormen Interesse an außereuropäischen Kulturen, vor allem an östlichen. John Coltrane beschäftigte sich sehr intensiv mit indischer Musik, Don Cherry – indonesisch und chinesisch, Farrow Sanders – Arabisch. Darüber hinaus ist diese Ausrichtung nicht oberflächlich, dekorativ, sondern sehr tiefgreifend, mit dem Wunsch, den gesamten Charakter nicht nur der entsprechenden Musik, sondern auch ihres ästhetischen und spirituellen Umfelds zu verstehen und aufzunehmen.

Free-Jazz-Redewendungen wurden oft zu einem integralen Bestandteil polystilistischer Musik. Eine der auffälligsten Manifestationen dieses Ansatzes ist die Arbeit einer Gruppe schwarzer Musiker aus Chicago, die in den 60er Jahren unter der Schirmherrschaft der Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM) auftraten. Später gründeten diese Musiker (Lester Bowie, Joseph Jarman, Rascoe Mitchell, Malachi Favours, Don Moye) das „Chicago Art Ensemble“, das eine Vielzahl von Stilen predigte, von afrikanischen Ritualzaubern und Gospelmusik bis hin zu Free Jazz. Eine andere Seite desselben Prozesses manifestiert sich in der Arbeit des Klarinettisten und Saxophonisten Anthony Braxton, der eng mit dem Chicago Art Ensemble verbunden ist. Seine Musik ist sowohl frei als auch intellektuell. Braxton verwendet in seinen Kompositionen manchmal mathematische Prinzipien, wie etwa die Gruppentheorie, was jedoch die emotionale Wirkung seiner Musik nicht schmälert. Streitigkeiten über die Möglichkeit einer solchen Musik lassen bis heute nicht nach. So bezeichnet Wynton Marsalis, die offizielle Autorität des amerikanischen Jazz-Establishments, Braxton verächtlich als „einen guten Schachspieler“, während Marsalis in den Umfragen der American Association of Jazz Journalists gleichzeitig nach Braxton in der Kategorie „guter Schachspieler“ an zweiter Stelle steht Jazzkomponisten.

Es sei darauf hingewiesen, dass zu Beginn der 70er Jahre das Interesse am Free Jazz begann, kreativ denkende Musiker in Europa zu fesseln, die oft seine Prinzipien der „Freiheit“ mit den Entwicklungen der europäischen Musikpraxis des 20. Jahrhunderts verbanden – Atonalität, serielle Technik , Aleatorik, Sonoristik usw. Auf der anderen Seite wandten sich einige Free-Jazz-Führer vom extremen Radikalismus ab und bewegten sich in den 80er Jahren hin zu einigen Kompromissen, wenn auch Originalversionen der Musik. Darunter sind Ornette Coleman mit dem „Prime Time“-Projekt, Archie Shepp und andere.

6. Entwicklung der Fusion: Jazz-Rock. Verschmelzung ECM. Weltjazz

Die ursprüngliche Definition von „Jazzrock“ war die klarste: eine Kombination aus Jazzimprovisation mit der Energie und den Rhythmen der Rockmusik. Bis 1967 existierten die Welten Jazz und Rock nahezu getrennt. Aber zu diesem Zeitpunkt wird Rock kreativer und komplexer, es entstehen psychedelische Rock- und Soulmusik. Gleichzeitig begannen einige Jazzmusiker, den reinen Hardbop satt zu haben, wollten aber keine schwierige Avantgarde-Musik spielen. Dadurch begannen sich zwei unterschiedliche Redewendungen auszutauschen und ihre Kräfte zu bündeln. Ab 1967 begannen der Gitarrist Larry Coryell, der Vibraphonist Gary Burton und 1969 der Schlagzeuger Billy Cobham mit der Gruppe „Dreams“, in der die Brecker Brothers spielten, neue stilistische Weiten zu meistern. Ende der 60er Jahre hatte Miles Davis das nötige Potenzial für den Übergang zum Jazzrock. Er war einer der Schöpfer des Modal Jazz, auf dessen Grundlage er 8/8 und elektronische Instrumente Mit der Aufnahme der Alben „Bitches Brew“ und „In a Silent Way“ geht Miles einen neuen Schritt. Zu dieser Zeit begleitete ihn eine brillante Galaxie von Musikern, von denen viele später zu Grundfiguren dieser Bewegung wurden – John McLaughlin, Joe Zawinul, Herbie Hancock. Davis‘ charakteristische Askese, Kürze und philosophische Kontemplation erwiesen sich als genau das Richtige für den neuen Stil. In den frühen 1970er Jahren hatte Jazzrock seine eigene Identität als kreativer Jazzstil, obwohl er von vielen Jazzpuristen verspottet wurde. Die Hauptgruppen der neuen Leitung waren „Return To Forever“, „Weather Report“, „The Mahavishnu Orchestra“ und verschiedene Miles Davis-Ensembles. Sie spielten hochwertigen Jazzrock, der eine große Bandbreite an Techniken aus Jazz und Rock kombinierte.

Verschmelzung

Für die Meisten interessante Kompositionen Jazzrock zeichnet sich durch Improvisation gepaart mit kompositorischen Lösungen, der Nutzung harmonischer und rhythmischer Prinzipien der Rockmusik, der aktiven Verkörperung der Melodie und des Rhythmus des Ostens, der kraftvollen Einführung elektronischer Mittel der Klangverarbeitung und -synthese in die Musik aus. In diesem Stil hat sich der Anwendungsbereich modaler Prinzipien erweitert und das Spektrum verschiedener, auch exotischer Modi erweitert. In den 70er Jahren erfreute sich Jazzrock großer Beliebtheit; die aktivsten Musiker schlossen sich ihm an. Jazzrock, der im Hinblick auf die Synthese verschiedener musikalischer Mittel weiter entwickelt ist, wird „Fusion“ (Fusion, Verschmelzung) genannt. Ein zusätzlicher Impuls für „Fusion“ war eine weitere (nicht die erste in der Geschichte des Jazz) Hinwendung zur europäischen akademischen Musik. Tatsächlich setzt Fusion in diesem Stadium die Linie des „dritten Satzes“ der 50er Jahre fort.

Verbindung verschiedener kulturelle Einflüsse wirkt sich sogar auf die Kompositionen der interessantesten Ensembles aus. Ein typisches Beispiel ist Weather Report, zunächst angeführt von dem amerikanisierten österreichischen Keyboarder Joseph Zawinul und dem amerikanischen Saxophonisten Wayne Shorter, die jeweils zu unterschiedlichen Zeiten die Schule von Miles Davis durchliefen. Das Ensemble vereinte Musiker aus Brasilien, der Tschechoslowakei und Peru. Anschließend begannen Instrumentalisten und Sänger aus fast der ganzen Welt mit Zawinul zusammenzuarbeiten. Im Nachfolger von „Weather Report“, dem „Syndicat“-Projekt, erstreckt sich die Geographie der Musiker von Tuva bis Südamerika.

Leider nimmt der Jazzrock im Laufe der Zeit weitgehend die Merkmale kommerzieller Musik an; andererseits gibt der Rock selbst viele der kreativen Entdeckungen auf, die Mitte der 1970er Jahre gemacht wurden. In vielen Fällen wird Fusion tatsächlich zu einer Kombination von Jazz mit konventioneller Popmusik und leichtem Rhythm and Blues; Crossover. Die Ambitionen der Fusionsmusik nach musikalischer Tiefe und Ermächtigung bleiben unerfüllt, auch wenn die Suche in seltenen Fällen weitergeht, etwa bei Gruppen wie Tribal Tech und den Ensembles von Chick Corea.

Elektrischer Jazz

Der Einsatz elektronischer Klangwandler und Synthesizer erweist sich für Musiker, die sich vorwiegend an der Grenze zu Rock- oder kommerzieller Musik bewegen, als äußerst attraktiv. Tatsächlich gibt es in der Masse der elektrischen Musik relativ wenige fruchtbare Beispiele. Beispielsweise gelang Joe Zawinul im Weather Report-Projekt eine sehr wirkungsvolle Verschmelzung ethnischer und tonaler Elemente. Herbie Hancock wurde lange Zeit nicht so sehr zum Idol der Öffentlichkeit als vielmehr der Musiker, indem er in den 70er und 80er Jahren Synthesizer, zahlreiche Keyboards und verschiedene elektronische Tricks einsetzte. In den 90er Jahren verlagerte sich dieser Musikbereich zunehmend in den Nicht-Jazz-Bereich. Dies wird durch die erweiterten Möglichkeiten der Computermusikerstellung erleichtert, die mit gewissen Vorteilen und Fähigkeiten den Anschluss an die Hauptqualität des Jazz – die Improvisation – verliert.

Eine eigene Nische in der Gemeinschaft der Jazzstile besetzte seit den frühen 70er Jahren das deutsche Unternehmen ECM (Edition of Contemporary Music), das nach und nach zum Zentrum einer Vereinigung von Musikern wurde, die sich weniger zu einer Bindung zum Afroamerikaner bekannten Ursprung des Jazz, sondern vielmehr die Fähigkeit, vielfältige künstlerische Aufgaben zu lösen, ohne sich auf einen bestimmten Stil zu beschränken, sondern im Einklang mit dem kreativen Improvisationsprozess. Im Laufe der Zeit entwickelte sich dennoch eine gewisse Persönlichkeit des Unternehmens, die zur Trennung der Künstler dieses Labels in eine groß angelegte und klar definierte Stilrichtung führte. Der Fokus des Labelgründers Manfred Eicher auf die Vereinigung verschiedener Jazz-Idiome, Weltfolklore und neuer akademischer Musik in einem einzigen impressionistischen Sound ermöglichte es, mit diesen Mitteln Tiefe und philosophisches Verständnis der Lebenswerte zu beanspruchen.

Dass sich das Hauptaufnahmestudio des Unternehmens in Oslo befindet, korreliert eindeutig mit der dominierenden Rolle im Katalog der skandinavischen Musiker. Dies sind zunächst einmal die Norweger Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen, Nils Petter Molvaer und Jon Christensen. Die Geographie von ECM erstreckt sich jedoch über die ganze Welt. Hier sind die Europäer John Surman, Dave Holland, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Tomasz Stanko, Mikhail Alperin und Vertreter außereuropäischer Kulturen Egberto Gismonti, Zakir Hussain, Flora Purim, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem und viele andere . Die American Legion ist nicht weniger repräsentativ – Keith Jarrett, Jack DeJohnette, Don Cherry, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie ( John Abercrombie), Leo Smith. Der anfängliche revolutionäre Impuls der Veröffentlichungen des Unternehmens verwandelte sich im Laufe der Zeit in einen meditativen und distanzierten Klang offener Formen mit sorgfältig polierten Klangschichten. Natürlich hat Eicher die unsichtbare Grenze überschritten, die zahlreiche Versuche trennte, Jazz und akademische europäische Musik zu verbinden. Dabei handelt es sich nicht mehr um eine dritte Strömung, sondern einfach um eine Strömung, die nahtlos in die „Neue Serie“ von ECM mit akademischer Musik übergeht, die im Geiste den Jazz-Veröffentlichungen sehr nahe kommt. Die Richtung der Auslandspolitik des Labels Popkultur führte jedoch zu einem Anstieg der Popularität dieser Art von Musik, was als eine Art Paradox angesehen werden kann. Einige Mainstream-Anhänger bestreiten den von den Musikern eingeschlagenen Weg dieses Trends; wie auch immer Jazz ist Weltkultur, entwickelt sich trotz dieser Einwände weiter und bringt sehr beeindruckende Ergebnisse hervor.

Weltjazz

„Weltjazz“ (World Jazz) – ein seltsam klingender Begriff im Russischen, der sich auf eine Fusion von Musik aus der Dritten Welt oder „Weltmusik“ bezieht ( Weltmusik), mit Jazz. Diese sehr verzweigte Richtung kann in mehrere Typen unterteilt werden.

Ethnische Musik, die Jazzimprovisationen wie Latin Jazz umfasst. In diesem Fall wird manchmal nur das Solo improvisiert. Die Begleitung und Komposition sind im Wesentlichen die gleichen wie in der ethnischen Musik selbst;

Jazz, der begrenzte Aspekte nicht-westlicher Musik einbezog. Beispiele hierfür sind Dizzy Gillespies alte „A Night in Tunesien“-Aufnahmen und die Musik auf einigen Quartett- und Quintettplatten von Keith Jarrett, die in den 1970er Jahren auf dem Label Impulse! veröffentlicht wurden und leicht modifizierte Instrumente aus dem Nahen Osten und ähnliche harmonische Techniken verwenden. Dazu gehören einige Musikstücke von Sun Ra aus den 50er bis 90er Jahren, die afrikanische Rhythmen beinhalten, einige von Yusef Lateefs Aufnahmen, bei denen traditionelle islamische Instrumente und Techniken zum Einsatz kamen;

Neu Musikstile, die durch organische Methoden der Kombination von Jazzimprovisation mit den ursprünglichen Ideen und Instrumenten, Harmonien, Kompositionstechniken und Rhythmen der bestehenden ethnischen Tradition entstehen. Das Ergebnis erweist sich als originell und spiegelt deutlich die wesentlichen Aspekte der Ethnizität wider. Beispiele für diesen Ansatz sind zahlreich und umfassen die Ensembles von Don Cherry, Codona und Nu; einige von John McLaughlins Musik aus den 70er bis 90er Jahren, basierend auf indischen Traditionen; etwas Musik von Don Ellis aus den 70er Jahren, der Ideen aus der Musik Indiens und Bulgariens entlehnte; das Werk von Andy Narell in den 90er Jahren, der trinidadische Musik und Instrumente mit Jazz- und Funk-Improvisationen mischte.

Dies ist nicht das erste Mal in der Geschichte des Jazz, dass „World Fusion Jazz“ diesen Weg einschlägt, und dieser Trend selbst gilt nicht ausschließlich für den amerikanischen Jazz. Beispielsweise wurde polynesische Musik zu Beginn des 20. Jahrhunderts mit westlichen Popstilen vermischt, und ihr Sound entstand bei einigen der frühesten Jazzmusikern. Karibische Tanzrhythmen wurden im Laufe des 20. Jahrhunderts zu einem wichtigen Bestandteil der amerikanischen Populärkultur, und da Jazzmusiker häufig über Themen der Popmusik improvisierten, wurden sie fast kontinuierlich gemischt. Django Reinhardt verband bereits in den 30er Jahren in Frankreich die Traditionen der Zigeunermusik, des französischen Impressionismus mit Jazzimprovisation. Die Liste der in der Grenzregion tätigen Musiker kann Hunderte oder Tausende von Namen umfassen. Darunter sind zum Beispiel die folgenden unterschiedliche Leute, wie Al DiMeola von Dead Can Dance, Joe Zawinul von Shakti, Lakshminarayana Shankar, Paul Winter, Trilok Gurtu und viele andere.

7. Pop - Jazz : Funk, Acid Jazz, Crossover, Smooth Jazz

Funk

Unter Modern Funk versteht man populäre Jazzstile der 70er und 80er Jahre, in denen die Begleiter im Stil der Black-Pop-Soul- und Funk-Musik spielen, während ausgedehnte Solo-Improvisationen kreativer und jazziger Natur sind. Anstatt das vielfältige, gesammelte Repertoire an Jazz-Redewendungen moderner Jazz-Saxophonisten (Charlie Parker, Lee Konitz, John Coltrane, Ornette Coleman) zu verwenden, verwenden die meisten Saxophonisten dieses Stils ihre eigenen einfachen Phrasen, die aus Blues-Rufen und Stöhnen bestehen. Sie bauen auf einer Tradition auf, die von Saxofonsolos auf Rhythmus- und Blues-Gesangsaufnahmen von Künstlern wie King Curtis mit den Coasters, Junior Walker mit den Motown-Gesangsgruppen und David Sanborn (Sanborn) mit der „Blues Band“ von Paul Butterfield übertragen wurde. Eine prominente Figur in diesem Genre ist Grover Washington Jr., der oft Solos im Stil von Hank Crawford mit funkartiger Begleitung spielte. So erscheint er auf seinen berühmtesten Aufnahmen, obwohl Washington auch in anderen Jazzstilen Musik spielen kann. Die Mitglieder der Jazz Crusaders Felder Wilton und Joe Sample erlangten große Popularität, indem sie ihr Repertoire in den 70er Jahren erheblich veränderten und das Wort „Jazz“ aus dem Namen des Ensembles entfernten. Ein Großteil der Musik von Michael Brecker, Tom Scott und ihren Schülern folgt diesem Ansatz, obwohl sie genauso gut im Stil von John Coltrane oder Joe Henderson spielen könnten. „Najee“, Richard Elliott und ihre Zeitgenossen arbeiten ebenfalls im Stil des „Modern Funk“. Zwischen 1971 und 1992 leitete Miles Davis Ensembles, die eine anspruchsvolle Variante des Stils aufführten, obwohl die Saxophonisten seiner Gruppen von John Coltrane beeinflusst waren und seine Gitarristen eine moderne Jazz-Mentalität gepaart mit dem Einfluss von Jimi Hendrix an den Tag legten. Ein Großteil des modernen Funk kann auch als „Crossover“ klassifiziert werden.

Acid-Jazz

Viele halten die späteren Kompositionen von Miles Davis für den Begründer dieser Strömung. Der Begriff „Acid Jazz“ wurde einer der Arten der leichten Jazzmusik zugeordnet, hauptsächlich einer Tanzgenre, die durch die Tatsache vereint ist, dass sie teilweise von „lebenden“ Musikern gespielt wird und der Rest entweder in gesampelter Form oder in gesampelter Form aufgenommen wird die Form von Klängen, für deren Herstellung Schallplatten verwendet werden, meist alte Vinyl-Forty-Fives, die für Diskotheken hergestellt werden. Das musikalische Ergebnis kann beliebiger Stilrichtung sein, allerdings mit verändertem Klang. Radikaler „Punk Jazz“, „Soul“, „Fusion“ sind für diese Zwecke vorzuziehen. Acid Jazz hat auch einen radikaleren Avantgarde-Flügel – ein Beispiel ist die Arbeit des britischen Gitarristen Derek Bailey. Was Acid Jazz von der Disco-Version unterscheidet, ist der wesentliche Beitrag des „Live“-Spiels der Musiker. Offenbar hat diese Richtung eine Zukunft, die es ihr ermöglicht, sich weiterzuentwickeln.

Crossover

Mit dem allmählichen Rückgang der Aktivität der Rockmusik (aus künstlerischer Sicht), beginnend in den frühen 70er Jahren, mit einem Rückgang des Ideenflusses aus der Rockwelt, Fusionsmusik (eine Kombination aus Jazzimprovisation mit Rockrhythmen). ) wurde einfacher. Gleichzeitig wurde vielen klar, dass elektrischer Jazz kommerzieller werden könnte, und Produzenten und einige Musiker begannen, nach solchen Stilkombinationen zu suchen, um den Umsatz zu steigern. Es ist ihnen wirklich gelungen, eine Art Jazz zu schaffen, der für den Durchschnittshörer zugänglicher ist. Im Laufe der letzten zwei Jahrzehnte sind viele unterschiedliche Kombinationen entstanden, für die Veranstalter und Publizisten gerne den Begriff „Modern Jazz“ verwenden, der die „Fusionen“ des Jazz mit Elementen aus Pop, Rhythm and Blues und „Weltmusik“ beschreibt. Das Wort „Crossover“ beschreibt jedoch den Kern der Sache genauer. Crossover und Fusion erreichten ihr Ziel, das Publikum für Jazz zu gewinnen, insbesondere bei denen, die andere Stile satt hatten. In einigen Fällen verdient diese Musik Aufmerksamkeit, obwohl der Jazz-Anteil darin in den meisten Fällen auf Null reduziert wird. Für einen Stil, der im Wesentlichen Popmusik mit ein wenig Improvisation ist und die Musik über die Grenzen des Jazz hinausführt, passt der Begriff „Instrumental-Pop“ besser als andere. Beispiele für den Crossover-Stil reichen von den Gesangsaufnahmen von Al Jarreau und George Benson bis hin zu Kenny G, Spyro Gyra und den Rippingtons. In all dem gibt es einen Jazz-Einfluss, aber dennoch passt diese Musik in den Bereich der Pop-Art, der von Gerald Albright, David Benoit, Michael Brecker, Randy Brecker, „The Crusaders“, George Duke und dem Saxophonisten Bill Evans vertreten wird , Dave Grusin, Quincy Jones, Earl Klugh, Hubert Laws, Chuck Mangione Mangione), Lee Ritenour, Joe Sample, Tom Scott, Grover Washington Jr.

Glatt

„Smooth Jazz“ ist ein Produkt des Fusion-Stils, der die sanfte, sanfte Seite der Musik betont. Im Allgemeinen setzt Smooth Jazz eher auf Rhythmen und Melodielinien als auf Improvisation. Es verwendet Klangschichten aus Synthesizern, Funk-Rhythmen, Funk-Bass, elastischen Linien von Gitarre und Trompete, Alt- oder Sopransaxophon. Die Musik ist nicht zerebral wie Hardbop, aber auch nicht übermäßig energisch wie Funky oder Soul Jazz. „Smooth Jazz“-Kompositionen wirken schlicht, oberflächlich und ausgefeilt, mit einem Gesamtklang von höherer Wert als einzelne Teile. Typische Vertreter des Smooth-Stils sind George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman.

Jazz ist eine Musikrichtung, die in den USA im Bundesstaat New Orleans gegründet wurde und sich dann nach und nach über die ganze Welt verbreitete. Die größte Popularität erfreute sich diese Musik in den 30er Jahren; in diese Zeit fiel die Blütezeit dieses Genres, das europäische und afrikanische Kultur vereinte. Mittlerweile können Sie viele Subgenres des Jazz hören, wie Bebop, Avantgarde-Jazz, Soul-Jazz, Cool, Swing, Free Jazz, klassischen Jazz und viele andere.

Jazz vereinte mehrere Musikkulturen und kam natürlich aus afrikanischen Ländern zu uns. Dies lässt sich an dem komplexen Rhythmus und Stil der Aufführung verstehen, aber dieser Stil erinnerte eher an Ragtime, schließlich kombinierte er Ragtime und Blues und die Musiker erhielten ein neues Klang, den sie Jazz nannten. Dank der Verschmelzung von afrikanischem Rhythmus und europäischer Melodie können wir heute Jazz genießen, und virtuose Darbietungen und Improvisationen machen diesen Stil einzigartig und unsterblich, da ständig neue rhythmische Modelle eingeführt und ein neuer Aufführungsstil erfunden wird.

Jazz erfreut sich seit jeher bei allen Bevölkerungsschichten und Nationalitäten großer Beliebtheit und ist auch heute noch für Musiker und Zuhörer auf der ganzen Welt von Interesse. Aber der Pionier in der Verschmelzung von Blues und afrikanischem Rhythmus war das Chicago Art Ensemble; es waren diese Jungs, die den afrikanischen Motiven Jazzformen hinzufügten, was außerordentlichen Erfolg und Interesse bei den Zuhörern hervorrief.

In der UdSSR begann sich in den 20er Jahren eine Jazz-Tournee zu entwickeln (wie auch in den USA) und der erste Schöpfer eines Jazz-Orchesters in Moskau war der Dichter und Theatermann Valentin Parnakh, das Konzert dieser Gruppe fand am 1. Oktober 1922 statt , das als Geburtstag des Jazz in der UdSSR gilt. Natürlich die Einstellung Sowjetmacht Die Einstellung zum Jazz war zweiseitig, einerseits schien man diese Musikrichtung nicht zu verbieten, andererseits wurde der Jazz scharf kritisiert, schließlich haben wir diesen Stil aus dem Westen übernommen und alles Neue und Alien wurde von den Behörden stets scharf kritisiert. Heutzutage finden in Moskau jährlich Jazzmusikfestivals statt, es gibt Clubs, zu denen weltberühmte Jazzbands, Blueskünstler und Soulsänger eingeladen sind, das heißt, für Fans dieser Art von Musik gibt es immer Zeit und Ort, um das zu genießen Lebendiger und einzigartiger Sound-Jazz

Natürlich verändert sich die moderne Welt, und auch die Musik verändert sich, Geschmäcker, Stile und Aufführungstechniken verändern sich. Wir können jedoch mit Sicherheit sagen, dass Jazz ein Klassiker des Genres ist. Ja, der Einfluss moderner Klänge hat den Jazz nicht umgangen, aber dennoch werden Sie diese Noten niemals mit anderen verwechseln, denn dies ist Jazz, ein Rhythmus, der keinen hat Analogien, Rhythmus, der seine eigenen Traditionen hat und zur Weltmusik geworden ist.