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Das Programm des Einakter-Ballettabends im Bolschoi-Theater besteht aus drei Aufführungen, die sich in Form und Inhalt, Choreografie und Gestaltung völlig unterscheiden. Der gewagte und beängstigende „Cage“, inspiriert vom Amerikaner D. Robbins, von der düsteren Musik Strawinskys, die „Carmen Suite“ inszeniert von A. Alons und die Ode an den Tanz in „Etudes“ des Choreografen H. Lander werden den Betrachter nicht verlassen gleichgültig. An einem Abend können Ballettliebhaber eine unglaubliche Bandbreite an Emotionen erleben und eine Reise durch die Geschichte des Tanzes unternehmen.

Ballett „Carmen Suite“

Das Einakter-Ballett „Carmen Suite“ zieht seit mehreren Jahrzehnten ununterbrochen die Aufmerksamkeit des Zuschauers auf sich. Vertont Sowjetischer Komponist Rodion Shchedrin, er wurde einst von der großartigen Ballerina Maya Plisetskaya verherrlicht. Später glänzten weitere Stars des Primaballetts darin.

In der gekürzten Fassung ist die Aufführung der „Carmen Suite“ für den Zuschauer verständlicher und der Autor der Inszenierung kann sich eine eigene Interpretation leisten klassisches Werk. Die Geschichte einer freien und launischen Zigeunerin im Rahmen eines einaktigen Balletts entwickelt sich dynamisch und rasant.

Liebe, Eifersucht, Schicksal – all diese eine Zeile zieht am Betrachter vorbei. Umso interessanter ist es, Bilder und Charaktere in den Gesten, der Mimik und den Bewegungen der Tänzer zu lesen. Im Ballett ist alles, was passiert, sehr symbolisch und manchmal scheint es, als würde Carmens Schicksal seinen fatalen Lauf nehmen. Aber der Stierkampf mit seinem unvermeidlichen und traditionellen Ende bringt den Zuschauer zurück in die Realität

Die Uraufführung dieser strahlenden, von Liebesleidenschaft durchdrungenen Aufführung fand im Frühjahr 1967 statt. 2005 wurde es nach längerer Pause wieder aufgenommen. Seitdem gehört das Ballett zum Repertoire des Bolschoi-Theaters. I. Nioradze, I. Kuznetsov, D. Matvienko glänzen in Albert Alonsos Inszenierung der „Carmen Suite“ 2018.

Ballett „Käfig“

Die Premiere des Stücks „The Cage“ im Bolschoi wurde im März 2017 gezeigt, aber auch diejenigen, die bereits das Glück hatten, die Choreografie der Inszenierung von Jerome Robbins zu sehen und zu schätzen, kommen in dieser Saison zurück, um alles noch einmal zu sehen. Hell, grotesk, manchmal seltsam und unverständlich, aber durchdringend und beeindruckend – „The Cage“ 2018 lässt niemanden gleichgültig.

Was auf der Bühne passiert, kultiviert nicht die positivsten Emotionen. Spinnenartige Plastizität widerspricht dem klassischen Ballett, wilde Aggressivität, durchdrungen von Feminismus und Verleugnung von allem, was sich der weiblichen Kontrolle entzieht, löst ein seltsames Gefühl der Ablehnung aus, aber exzellente Choreografie bringt alles wieder an seinen Platz. Das Stück „Der Käfig“ ist ein Spektakel, über das man sagt: „Wir bitten die schwachen Nerven, den Saal zu verlassen.“

Robbins wurde 1951 von der Musik Strawinskys zu der Inszenierung inspiriert. Im siebten Jahrzehnt seines Bestehens klingt es in dieser Aufführung in der Interpretation des Dirigenten-Produzenten Igor Dronov anders. Anastasia Stashkevich, die die Rolle des New Girl tanzte, erhielt besonderes Lob von Vertretern der Robbins Foundation. Das Stück „Der Käfig“ im Bolschoi-Theater dauert nur 14 Minuten, bleibt dem Zuschauer aber lange im Gedächtnis, weil es Zeit braucht, es zu verstehen und zu begreifen, was passiert.

Ballett „Etüden“

Die Performance „Etudes“ ist eine Reise durch die Welt der Ballettchoreografie. Es wurde zur Musik des Komponisten Karl Czerny geschaffen. Die klassische Harmonie dieses Balletts wurde 1948 vom Choreografen Harald Lander in seiner ersten Inszenierung für das Königlich Dänische Theater „geschrieben“. Dieses Ballett hat keine Handlung, vielmehr erzählt es von der 300-jährigen Geschichte der Tanzkunst.

Die Produktion demonstriert Ballettschritte in der Reihenfolge ihrer Komplexität, angefangen bei den ersten einfachen Fußpositionen bis hin zu einer Parade komplexer Drehungen und Sprünge sowie anspruchsvoller Balletttechniken. Am Ende des Stücks „Etüden“ führen die Primatänzer bereits Elemente vor, die Männer oft beherrschen, und letztere führen Frauenfouettés vor. Manchmal scheint es, als würde Lander sich über alles und jeden lustig machen, aber das ist nur eine Illusion; tatsächlich findet der Große Tanz auf der Bühne statt.

Die Uraufführung des Einakters „Etüden“ im Bolschoi-Theater fand im März 2017 statt. Nach der Aufführung stellten viele Kritiker fest, dass die Interpretation von Harald Lander für unsere Tänzer, die an eine völlig andere Ballettschule gewöhnt sind, komplex und manchmal körperlich einfach unerträglich ist. Aber um sich zu diesem Thema eine eigene Meinung zu bilden, müssen Sie das Ballett mit eigenen Augen sehen. Auf jeden Fall ist alles, was auf der Bühne passiert, wunderbar.

Tickets für die Einakter-Ballette „Carmen Suite“, „Cage“, „Etudes“

In der vergangenen Saison erfreuten sich einaktige Ballette großer Beliebtheit beim Publikum, was Anlass zu der Annahme gibt, dass „Carmen Suite“, „The Cage“ und „Etudes“ 2018 nicht weniger gefragt sein werden. Unsere Agentur ist seit mehr als 10 Jahren im Bereich des Ticketverkaufs für alle Veranstaltungen in Moskau tätig, sodass wir die Qualität der erbrachten Dienstleistungen garantieren können. Auf unserer Website können Sie Tickets für „Carmen Suite“, „Cage“ und „Etudes“ kaufen und bequem bezahlen:

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Einaktige Ballette sind ein Spektakel, das echten Ballettkennern würdig ist

Es lohnt sich auf jeden Fall, die Einakter-Ballette „Carmen Suite“, „The Cell“ und „Etudes“ in Moskau zu sehen. Dies ist ein Tanzfest, das starke Emotionen hervorruft. Dies wird auch durch die Tatsache bestätigt, dass nach der Premiere von „The Cage“ niemand gleichgültig blieb und das Publikum nach dem Anschauen von „Etudes“ die Künstler nicht losließ und den Saal des Bolschoi-Theaters mit anhaltendem Applaus überflutete.

"Zelle". Das neue Mädchen ist Anastasia Stashkevich. Foto – Damir Jussupow

Der amerikanische Choreograf Jerome Robbins inszenierte 1951 „The Cage“ und ließ sich von der Musik Strawinskys inspirieren, in der er den Kampf zwischen Unterdrückung und Unterwerfung, zwischen Mensch und Natürlichkeit hörte.

In dem vierzehnminütigen Opus initiiert eine bestimmte weibliche Gemeinschaft (entweder weibliche Gottesanbeterinnen, von denen bekannt ist, dass sie Männer nach der Paarung töten, oder rasende Amazonen) das Neue Mädchen und zieht sie in einen finsteren Kult hinein: den rituellen Mord an Männern. Oder Männer? Man kann Robbins' Idee wörtlich interpretieren, aber „The Cage“ macht heutzutage einen leicht komischen Eindruck.

Es ist aber auch möglich im übertragenen Sinne– zum Beispiel als eine von versteckter Ironie überzogene Geschichte über die Extreme des Feminismus. Oder eine Analyse unserer inneren tierischen Aggression, die hin und wieder danach strebt, herauszukommen und die fragilen Barrieren des Menschen zu durchbrechen.

Robbins arbeitete in „The Cage“ mit klassischen Tänzern und konzentrierte sich dabei insbesondere auf jene Ballettschritte, die bis zur Raserei „aufgeblasen“ werden können (z. B. scharfe Batmans – hohe Beinbewegungen). Und außerdem füllte er Plastik mit allerlei „Hässlichkeit“.

Der Choreograf sprach davon, „einem Tiger in einem Käfig zuzusehen, der unermüdlich mit dem Schwanz peitscht“, von den Schrecken, die er sah, als „Arme, Hände, Finger sich in Krallen, Tentakel, Antennen verwandelten“.

Eine Gruppe von Frauen (oder Kreaturen?) mit sträubenden Haaren und Zickzackmustern in Ballett-„Trikots“ läuft in Spinnenplastik, öffnet den Mund zu einem stummen Schrei, geht mit raschelnden, halb gebeugten Schritten, streckt die Hüften aus und wirft den scharfen Kopf in die Luft Ellenbogen. Als sich die Heldin in einem „vorsichtigen“ Duett beinahe in einen Sexualfeind verliebt hätte, handelt sie schließlich nach den Regeln des Stammes und bricht ihrem Partner das Genick, indem sie seinen Kopf zwischen ihren gekreuzten Beinen hält (alles vor dem Hintergrund eines farbiges Netz) - das Bild bestätigt sicherlich die Worte des Regisseurs:

„The Cell“ ist nichts anderes als der zweite Akt von „Giselle“ in moderner Darstellung. Nur Giselle mit ihrer alles vergebenden Liebe ist nicht da, sondern nur die rücksichtslosen Killer der Willis.

Der Dirigent Igor Dronov interpretierte Strawinskys Konzert für Streichorchester in D-Dur, als wäre es nicht Strawinsky. Wo ist die herbe Verbindung von Geschmeidigkeit und Ungestüm, Schärfe und Geschmeidigkeit? Wo sind die Akzente und Synkopen? Der rhythmisch und klanglich wandelbare Reichtum vermischt sich zu einem Brei, als würden die Füße von Tänzern und Ballerinas darin stecken.

Die Truppe spielte „The Cage“ zu klassisch, fast ohne die dramatische Aufregung, die man – in Aufnahmen – bei den amerikanischen Interpreten, Trägern des Stils, sehen kann, die „The Cage“ unter Robbins tanzten. Sogar Anastasia Stashkevich (New Girl), die intelligent tanzte und von Vertretern der Robbins Foundation anerkannt wurde, wurde sogar deutlich „milder“. Und es ist ihr noch nicht gelungen, den von der Choreografin geforderten Effekt zu erzielen: eine Ähnlichkeit mit „einem unbeholfenen jungen Fohlen, das dabei ist, sich in ein Vollblutpferd zu verwandeln.“

Ganz anders ist das Ballett „Etudes“. Es basiert auf der Musik von Karl Czerny, diesen Namen kennt jeder Student Musikschule, über Klavierstudien grübelnd.

Das 1948 in Dänemark vom Choreografen Harald Lander geschaffene Ballett bedeutet keine Verletzung der klassischen Harmonie; im Gegenteil, es betont sie auf jede erdenkliche Weise. „Etudes“ – eine handlungslose Reise um die Welt Klassischer Tanz, mit Besuchen in romantischer Stil und ein Führer durch dreihundert Jahre Ballettgeschichte.

Die Reise beginnt mit einer einfachen Auf-Ab-Tonleiter und einem einsamen Ballettmädchen auf dem Proszenium, das die Grundlagen zeigt – die fünf grundlegenden Beinpositionen im klassischen Stil und im Plie (tiefe Kniebeugen).

Die „Etüden“ enden mit einer feierlichen Generalapotheose, wenn sich die Ballerinas in schwarz-weißen „Tutus“ zusammen mit ihren Herren in Kolonnen aufstellen. Dazwischen liegen die Tempokontraste im Allegro und im Adagio. Solos, Duette und Pas de trois.

Erste Bewegungen an der Ballettstange im Unterricht – und eine Parade gut trainierter Profis, die sowohl bei großen Sprüngen und Drehungen als auch bei subtilen Ballett-Kleinigkeiten beeindruckend sind. Demonstration der Reinheit des Tanzes, „Stahlfuß“, richtige Platzierung der Hände und ein entspannter Körper.

Landers akademische Schritte haben oft den Beigeschmack von Varieté-Verspieltheit, aber es ist auch notwendig, die lyrische Palette zu beherrschen. Der Premierminister spinnt Frauenfouettés, und Ballerinas müssen es haben männliche Stärke und Ausdauer. Der Bösewicht Lander macht wie zum Spott immer mehr Kombinationen. Am Ende des Balletts erstickt die Truppe – wer auch immer – aufgrund dieser wütenden Übungen vor Erschöpfung.

„Etüden“ sollen in einem einzigen Impuls vorgetragen werden und dabei technisches Equipment und Musikalität gekonnt verbinden. Das ist im Allgemeinen schwierig – und doppelt schwierig für unsere Tänzer, die größtenteils mit einem anderen Repertoire aufgewachsen sind, wenig oder nicht ausreichend an die feine Balletttechnik gewöhnt sind, an all diese Spitzen-„Ligatur“ mit Füßen (ein Zeichen des Dänische Schule), von denen die „Etüden“ voll sind.

Zudem dauerten die Proben im Theater nur 20 Tage, was für eine solche Choreografie weniger als nötig ist. Dadurch ist der Eindruck halbherzig. Es war klar, dass sowohl der eingeladene Regisseur aus Dänemark als auch der Leiter der Balletttruppe des Bolschoi-Theaters, Mahar Vaziev, von den Tänzern strikt verlangten, dass sie sich an die Ausweichpositionen, klare Posen und gut geschliffene Füße halten. Der verzweifelte Wunsch, alles richtig wiederzugeben, stand vielen Rednern ins Gesicht geschrieben. Was kann man tun, wenn dieses höllisch schwierige, technisch „anspruchsvolle“ Ballett trotz allem wie etwas Leichtes wirken soll, als ob es keine nennenswerte körperliche Anstrengung erfordert?

Mühelose Virtuosität – Stichworte für Interpreten von „Etüden“. Die Premieren Olga Smirnova, Ekaterina Krysanova (zweite Besetzung), Semyon Chudin und Artem Ovcharenko tanzten im Großen und Ganzen wie eine Premiere, wenn auch mit einigen Flecken.

Für die anderen Solisten war es komplizierter. Manche Menschen versuchen, beim Drehen umzufallen, manche werden schnell müde, und das kann man sehen, manche stellen die Füße krumm oder strecken sie nicht, gehen falsch in die Hocke oder schlagen die Beine beim Schleudern übereinander, nicht ohne „Schmutz“. Ganz zu schweigen vom Ungleichgewicht der Synchronizität. Kleine „Dissonanzen“, die hier und da auftraten, häuften sich nach und nach und bedrohten die Harmonie des Gesamtgefüges.

Unter diesen Umständen kann die Idee, die Premiere im Kino zu übertragen, nicht als erfolgreich bezeichnet werden. Es stellte sich heraus, dass die „rohen“ Teile der ersten Show auf der ganzen Welt reproduziert wurden. Aber wie der Direktor des Bolschoi-Theaters Wladimir Urin sagte, hat das Theater nicht immer die Möglichkeit, im Kino zu zeigen, was es möchte: Das Problem des Urheberrechts stört. Genau das ist hier der Fall.

Die ersten Ankündigungen aus russischen Kinos versprachen ein ganz anderes Programm. Es hat nicht geklappt. Aber jetzt Balletttruppe Der große und ehrgeizige künstlerische Leiter Vaziev muss sich, wenn er seinen Ruf wertschätzt, an die Technik erinnern. Ein paar Monate harter Proben – und wahrscheinlich wird alles klappen.

„Cage, Etudes, Carmen Suite“ – ein faszinierendes Ballett in diesem Stil moderner Tanz. Für Liebhaber choreografische Kunst Es werden drei einaktige Ballette präsentiert musikalische Begleitung verschiedene Komponisten. Das Ballett „The Cage“ wurde von Jerome Robbins mit musikalischer Begleitung von I. Strawinsky inszeniert. Dies ist eines der ältesten Ballette, es wurde erstmals 1951 aufgeführt, wird aber auch heute noch vom Publikum verehrt. Auf der Bühne werden alle Feinheiten der ethnischen Rituale der Amazonen offenbart. Unter der Leitung der Königin wird die gesamte Veranstaltung für ein junges Mädchen durchgeführt, das etwas über ihren Körper lernt. Die Aufführung „Russische Jahreszeiten“ verherrlicht Slawische Kultur. Das Publikum wird mit verschiedenen Kalenderereignissen konfrontiert, die verloren gegangen sind und den Menschen heute kaum noch bekannt sind. Dies hindert das Ballett jedoch nicht daran, interessant und unterhaltsam zu sein. „Etüden“ – Ballett von H. Lander mit musikalischer Begleitung von K. Czerny. Hier gibt es alles, was charakterisiert klassisches Ballett- weiße Tutus, Anmut, helle Soloauftritte.

Ein Ballettabend im Bolschoi-Theater bietet dem Publikum die Möglichkeit, eine wunderbare Aufführung von Tanzpartien im modernen Stil zu genießen. Es wird allen Liebhabern hoher choreografischer Kunst empfohlen, zum Ballett zu kommen. UND Tickets zu kaufen auf unserer Website möglich.

Das Bolschoi-Ballett präsentierte zwei Premieren. Künstlerische Verdienste„Cages“, choreografiert von Jerome Robbins, steht außer Zweifel, „Etudes“ von Harald Lander kann man jedoch als Misserfolg der renommierten Truppe bezeichnen – sowohl die Wahl der Aufführung als auch deren Präsentation sind problematisch.

Im Jahr 1948 veranstaltete der dänische Choreograf und Lehrer Harald Lander einen Kurs, den Tänzer nutzen, um sich jeden Tag in Form zu halten. Der Regisseur bezog alle Stufen der Ballettausbildung in die Aufführung ein – von den einfachsten Bewegungen an der Stange bis hin zu den komplexesten Drehungen und Sprüngen. Die Uraufführung von „Etudes“ fand in Landers Heimat Royal Danish Ballet statt, und dann reiste das Werk zu Truppen auf der ganzen Welt. Im Jahr 2004 erreichte ich Mariinski-Theater Damals wurde es von Mahar Vaziev geleitet, dem heutigen Leiter des Bolschoi-Balletts. „Etudes“ ist sein erstes großes Projekt in seiner neuen Position.

Während Sie zuschauen, wird die Überzeugung stärker, dass der Regisseur entschlossen ist, die Lücken in der Ausbildung seiner Schützlinge zu schließen. Und zwar in der Öffentlichkeit. Dieser unterscheidet sich von einem gewöhnlichen Unterricht – einige geben ihr Bestes, andere haben keinen Erfolg – ​​dieser unterscheidet sich durch die Beleuchtung, die zeremoniellen Kostüme und die Anwesenheit von Klackerern, die mechanisch ihr „Bravo!“ rufen. Und natürlich ist die Musik nicht wie Lander unter den Begleitern des Bolschoi-Theaters Guter Geschmack. Igor Dronov, der bei der Premiere am Steuer stand, sollte sein Beileid aussprechen. Es besteht der Verdacht, dass der Maestro noch nie mit einem so schwachen Ergebnis zu kämpfen hatte.

Über den Originalautor Karl Czerny kann man sich nicht beschweren. Er schrieb seine Übungen für Schüler, die sich die Grundlagen des Klavierspiels aneignen sollten, und setzte sich keine künstlerischen Ziele. Der Komponist Knudage Riisager, der die Etüden orchestrierte, ging von der Qualität des Materials aus und gab sich keine Mühe, es zu verfeinern – die Blechbläser in ihrer Darbietung scheppern, die Streicher kreischen, das Tutti fällt mit der Last eines Vorschlaghammers auf den unschuldigen Zuhörer, individuell Polytonale Momente, scheinbar zu Parodiezwecken eingeführt, verwandeln sich in eine unanständige Kakophonie.

Maestro Dronov, so scheint es, beschloss, diesen Albtraum schnell loszuwerden, und ließ die Partitur eineinhalb Mal schneller durchgehen, als das Metronom es tun sollte. Die Künstler folgten seiner Initiative nicht, aber nicht, weil sie sich mit den Details der Choreografie beschäftigten, sondern weil ihre Choreografie größtenteils nicht tanzbar war. Ich kann mich nicht erinnern, dass die Bolschoi-Tänzer, darunter auch die Solisten, in irgendeinem Uraufführungsballett so viele Fehler gemacht hätten.

Dafür gibt es wahrscheinlich viele Gründe – eine geringe Anzahl von Proben und die Kluft, die die freie Moskauer Schule von der gewissenhaften dänischen Schule trennt, und die mangelnde Bereitschaft, das Handwerk direkt dort zu verfeinern Auditorium. All dies kann im Laufe der Zeit korrigiert werden – die Frage ist, warum?

In einem Meisterwerk wie „La Sylphide“ können Sie sich mit dänischen Werten vertraut machen: in Kommt groß raus Regie: Johann Kobborg. Wenn der Wunsch besteht, eine Ballettklasse auf die Bühne zu bringen, hat das Theater seinen eigenen Stolz – „Klassenkonzert“ von Asaf Messerer, wieder aufgenommen von seinem Neffen Mikhail. Diese Apotheose des Großen Sowjetischer Stil Umrahmt von den festlichen Fanfaren von Dmitri Schostakowitsch ist es neben all seinen Vorzügen auch ein sehr musikalisches Spektakel.

Man kann die pädagogischen Gründe des Leiters verstehen Bolschoi-Ballett, aber aus der Sicht künstlerische Ästhetik Die Aufnahme von „Etüden“ in das Repertoire ist ein mehr als seltsamer Schachzug. Ein Pianist, der beschließt, seine Technik zur Schau zu stellen, wird nicht mit Czerny an die Öffentlichkeit gehen, sondern Etüden von Chopin, Skrjabin oder Glass spielen – das gleiche Genre, aber auf einem qualitativ anderen Niveau. Die Kunst des Balletts hat auch ihre eigenen „Studien“ – inspirierte Hymnen an reine Meisterschaft, die nicht an die Stange und andere Trainingsphasen gebunden sind.

Warum Tänzer Lander beherrschen, wenn sie Balanchine (spärlich, aber im Repertoire des Bolschoi-Theaters vertreten) und Forsythe (nicht im Programm des Bolschoi-Theaters) haben, ist dem Autor dieser Zeilen ein Rätsel. Nun, der Autor ... „Ich kann nicht in die Ecken und Winkel des Ballettgeistes vordringen“, beschwerte sich Diaghilew, der das Ballett und seine Vertreter gründlich studiert zu haben schien, bei Strawinsky.

Übrigens zu Strawinsky. Der kleine, viertelstündige Auftritt zu seiner Musik wurde zu einem angenehmen Erlebnis des Abends. Der Titel des Opus lautet „The Cell“. Der Choreograf ist Balanchines Kollege Jerome Robbins, einem breiten Publikum als Schöpfer der West Side Story bekannt. Das Ballett hat seinen ursprünglichen Protest gegen den aggressiven Feminismus längst verloren, und heute kann seine Handlung – ein Stamm Amazonasspinnen lockt männliche Fremde in ein Netz und frisst sie – als ironischer Thriller interpretiert werden.

Die Bolschoi-Truppe hat bereits Erfahrung darin, Geschichten aus dem Leben von Insekten zu erzählen. 2009 inszenierte der britische Choreograf Wayne McGregor Chroma in Moskau. Der Regisseur bestand jedoch darauf, dass seine Interpretation des Physischen auf das Unpersönliche zurückgeht Computergrafik, erwies sich aber tatsächlich als geborener Entomologe. Allerdings waren die Tänzer des Bolschoi-Theaters in diesem athletischen Powerballett zu akademisch und auf ihre eigene Schönheit fixiert. In Robbins‘ trotz seiner „Steifheit“ elegantem Ballett waren diese Qualitäten gefragt und passten gut zum eleganten „Klang“ des Basler Konzerts für Streichorchester.

Nun, der Höhepunkt des Abends war „Russische Jahreszeiten“, das seit 2008 im Bolschoi läuft, von Leonid Desyatnikov und Alexei Ratmansky. Die Besetzung wurde zur Hälfte erneuert, die Freude an diesem musikalischen und choreografischen Meisterwerk ist jedoch unverändert.

„The Cage“ ist eines der größten Ballette von Robbins. Als das Ballett 1951 ins Leben gerufen wurde, waren die Kritiker von seiner wilden Wut verblüfft. In Holland wurde es von den Behörden zunächst sogar verboten – als „pornografisch“.
J. Homans, „Apollos Engel“

Im Frühjahr 1951 kehrte Robbins zum New York City Ballet zurück und wandte seiner Aussage nach jene rein technischen Entdeckungen, die er im Musical „The King and I“* realisierte, in seinem polemischen Ballett „The Cage“ an. Er selbst sagte, dass die überaus ausgedehnten siamesischen Bewegungen und Gesten, die er in verwendete Broadway Show, lief über und spritzte hinaus ins Ballett. Zur düsteren Musik von Strawinskys Streichkonzert in D-Dur geht es in dem Ballett darum, dass weibliche Insekten männliche Insekten „vergewaltigen“ und dann töten. Als Erklärung schlug die Sendung „einen Wettbewerb oder eine Sekte“ vor. Und laut Robbins, Ursprünglicher Plan ging zurück zu den mythologischen Amazonen. Doch schon bei den ersten Proben verwandelte es sich, so dass sich die „Amazonen“ in Insekten ähnlich der Gottesanbeterin verwandelten und ihrem Kult frönten. Robbins nutzte etwas von den Spinnen, von der ungezügelten Kraft der Tierwelt, um etwas zu erschaffen, das er selbst als „natürliches Phänomen“ bezeichnete.

Die Idee, „The Cell“ zu inszenieren, kam ihm erstmals in den Sinn, als er die Schallplatte mit Strawinskys „Apollo Musagete“ umblätterte. Rückseite Er sah das Konzert von 1946. „Was für eine dramatische Sache!“ - das war seine Reaktion. Er beschrieb diese Musik als „furchtbar aufregend, überwältigend und unterwerfend“ und stellte sich die drei Teile des Konzerts als dramatische Struktur vor, die später zur Grundlage seines Balletts wurde. Robbins überlagerte den Tanz mit einer endlosen Anzahl von Ideen und Bildern, die er während der Arbeit am Ballett fand und in sich aufnahm, angefangen bei den glatten, nassen Haaren von Nora Kaye**, die aus der Dusche kam, bis hin zur unermüdlichen Beobachtung eines Tigers in einem Käfig mit dem Schwanz peitschen. Er deutete auch an, dass er sich von den besonderen jugendlichen Merkmalen des Tanzes von Tanaquil Le Clerc inspirieren ließ, die er sorgfältig beobachtete (er verglich sie mit einem ungeschickten jungen Fohlen, das im Begriff war, sich in ein Vollblutpferd zu verwandeln). Er selbst sprach über diesen imaginären Prozess der Absorption wie folgt: „Ich hatte einen besonderen Blick, der auf das Material gerichtet war. Dieser „besondere Look“ ist typisch für jeden, der arbeitet kreative Arbeit, ob er Künstler, Dramatiker, Dichter, Komponist oder Choreograf ist. Dieser „Blick“ wird zu einer Art Geigerzähler, der im Gehirn zu klicken beginnt oder Emotionen auslöst, wenn man sich einem Gegenstand nähert, der für die eigene Arbeit von Wert sein könnte.“

In diesem Fall würde die Person wahrscheinlich überrascht die Augenbrauen hochziehen, da das Ballett bewusst bedrohlich und gewalttätig war. Robbins fasste alles zusammen, was darin passiert: „Dies ist die Geschichte eines Stammes, eines Stammes von Frauen.“ Ein junges Mädchen, eine Konvertitin, muss sich einem Übergangsritus unterziehen. Sie kennt ihre Pflichten und Befugnisse als Mitglied des Stammes noch nicht und ist sich auch ihrer natürlichen Instinkte nicht bewusst. Sie verliebt sich in einen Mann und befreundet sich mit ihm. Aber die Regeln, nach denen der Stamm lebt, erfordern seinen Tod. Sie weigert sich, ihn zu töten, wird jedoch (von der Stammeskönigin) erneut angewiesen, ihre Pflicht zu erfüllen. Und wenn tatsächlich sein Blut vergossen wird, übernehmen tierische Instinkte die Oberhand. Sie selbst eilt vorwärts, um das Opfer zu vollenden. Ihre Gefühle folgen den Instinkten ihres Stammes.

Und tatsächlich wurden unter der Führung der Stammeskönigin (Yvonne Munsey) zwei Außenseiter (Nicholas Magallanes, Michael Maul) einer nach dem anderen durch die wütenden Schläge der Hände und Füße der Frauen getötet. Wenn „Free as Air“***** die klassische „Silbe“ um eine Kombination aus Pirouetten und Saltos erweiterte, dann sollte „The Cage“ mit seiner grotesken Art die Grenzen der klassischen Form noch weiter verschieben. „Ich hätte mich nicht ausschließlich auf menschliche Bewegungen beschränken sollen, also auf Bewegungen, die auf die Art und Weise ausgeführt werden, die wir in Betracht ziehen dem Menschen innewohnend, erinnerte sich Robbins. „An der Art und Weise, wie ihre Finger arbeiteten, an der Neigung des Körpers zum Boden oder an der Bewegung des Arms, hatte ich die Möglichkeit zu sehen, was ich komponieren wollte. Manchmal verwandelten sich Arme, Hände, Finger in Krallen, Tentakel, Antennen.“<…>

Das Ballett wurde am 4. Juni 1951 im Stadtzentrum uraufgeführt. Der Designer Jean Rosenthal beleuchtete die leere, netzartige Struktur aus ineinander verschlungenen Seilen, und Ruth Sobotka kleidete die Darsteller in provokante „Spinnen“-Outfits. Zu Beginn des Balletts wird das oben hängende Seilnetz unheimlich angespannt, ein Detail, das Robbins hinzufügte, als wollte er vor dem bevorstehenden Geschehen warnen. Aber diese weniger als vierzehnminütige Aufführung zerschlägt sofort alle Annahmen des Publikums.<…>

Die kritische Reaktion war sehr laut, aber überwiegend zugunsten von Robbins. John Martin****** schrieb: „Dies ist ein wütendes, fragmentiertes und gnadenloses Werk, dekadent in seiner Besessenheit von Frauenfeindlichkeit und Missachtung der Reproduktion. Sie kann den Fragen nicht ausweichen, aber mit ihren scharfen und starken Schlägen dringt sie zum Kern des Problems vor. Die Charaktere sind Insekten, ohne Herz und Gewissen, und ihre Meinung über die Menschheit ist nicht sehr hoch. Aber trotz aller Macht der Leugnung ist es ein großartiges kleines Ding, das den Stempel des Genies trägt.“ Im Herald Tribune kommt Walter Terry zu dem Schluss, dass „Robbins ein verblüffendes, eindringliches, aber insgesamt faszinierendes Stück geschaffen hat.“<…>

Clive Barnes beschrieb „The Cage“ später als „ein abstoßendes Stück schlecht ausgedrückter Genialität“. Als wollte er Robbins vor dem Vorwurf der Frauenfeindlichkeit verteidigen, nannte Lincoln Kernstein ******* es „das Manifest der Frauenbefreiungsbewegung, das zwanzig Jahre vor ihrem Beginn geschrieben wurde“. Damals war Robbins über diese harsche Reaktion sehr verletzt und gab sogar ein „Dement“ ab: „Ich verstehe nicht, warum irgendjemand von The Cage so schockiert ist.“ Wenn man genau hinschaut, wird einem klar, dass es sich um nichts anderes als den zweiten Akt der Giselle in moderner Darstellung handelt.“ Und obwohl er später erklärte, dass seine Aussage ironisch gemeint war, wurde er ständig an die Wilis „erinnert“, die rachsüchtigen Geister in weiblicher Gestalt, die Hilarion und Albert in der berühmten Friedhofsszene brutal angriffen. Doch in „The Cage“ gibt es keinen Hinweis auf die alles verzehrende Macht der Liebe, die Giselle dabei hilft, ihren untreuen Prinzen zu retten. Robbins machte sein Ballett unendlich düster und gnadenlos: Seine beiden Außenseiter mussten sterben, ohne auf ein Anzeichen menschlicher Emotionen von ihren Mördern zu warten. Was dem Rat von Balanchine entsprach, der laut dem Biographen Bernard Taper Robbins nach dem Durchlauf sagte: „Lassen Sie ihn klinisch seelenlos.“

Auszug aus dem Buch „Dancing with Demons: The Life of Jerome Robbins“ von H. Lawrence
Übersetzung von N. Shadrina

* „The King and I“ ist ein Musical, das auf dem Roman „Anna und der König von Siam“ basiert und 1951 von J. Robbins am Broadway inszeniert wurde.
** Nora Kay ist die erste Darstellerin der Rolle des Konvertiten.
*** Tanaquil Le Clerc ist eine Ballerina der New York City Ballet-Truppe, die bald nach den beschriebenen Ereignissen die Frau von J. Balanchine wurde.
**** Imagist – dem Imagismus innewohnend ( literarische Leitung im englischsprachigen Raum).
***** „Free as Air“ ist eines der beliebtesten berühmte Ballette J. Robbins (1944).
****** John Martin, Walter Terry und Clive Barnes sind die größten amerikanischen Ballettkritiker.
******* Lincoln Kerstein – Philanthrop, Kunstkenner, Schriftsteller, Impresario, Mitbegründer des New York City Ballet.

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