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Mesmo aquelas obras-primas da pintura que nos parecem familiares têm seus segredos.

Nós estamos em local na rede Internet Acreditamos que em quase todas as obras de arte significativas existe um mistério, um “fundo duplo” ou uma história secreta que se deseja revelar. Hoje vamos compartilhar alguns deles.

112 provérbios em uma imagem

Pieter Bruegel, o Velho, "Provérbios Holandeses", 1559

Pieter Bruegel, o Velho, retratou uma terra habitada por imagens literais de provérbios holandeses daquela época. A pintura contém aproximadamente 112 expressões idiomáticas reconhecíveis. Algumas delas são utilizadas até hoje, como por exemplo: “nadar contra a corrente”, “bater a cabeça na parede”, “armado até os dentes” e “peixe grande come peixe pequeno”.

Outros provérbios refletem a estupidez humana.

Subjetividade da arte

Paul Gauguin, "Aldeia Bretã na Neve", 1894

A pintura de Gauguin, "Aldeia Bretã na Neve", foi vendida após a morte do autor por apenas sete francos e, além disso, sob o nome de "Cataratas do Niágara". O homem que realizava o leilão pendurou acidentalmente a pintura de cabeça para baixo porque viu uma cachoeira nela.

A mensagem de Malevich

Kazimir Malevich, “Quadrado Suprematista Negro”, 1915

Especialistas da Galeria Tretyakov descobriram a inscrição do autor na famosa pintura de Malevich. A inscrição diz: “A batalha dos negros na caverna escura”. Esta frase refere-se ao título de uma pintura humorística do jornalista, escritor e artista francês Alphonse Allais, “A Batalha dos Negros em uma Caverna Escura na Calada da Noite”, que era um retângulo completamente preto.

Imagem oculta

Pablo Picasso, "Quarto Azul", 1901

Em 2008, a radiação infravermelha revelou que escondida sob a Sala Azul havia outra imagem - o retrato de um homem vestido de terno com gravata borboleta e apoiando a cabeça na mão. “Assim que Picasso teve uma ideia nova, ele pegou seu pincel e deu vida a ela. Mas ele não tinha a oportunidade de comprar uma tela nova cada vez que uma musa o visitava”, explica a historiadora de arte Patrícia Favero uma possível razão para isso.

Insight espontâneo

Valentin Serov, “Retrato de Nicolau II com jaqueta”, 1900

Por muito tempo, Serov não conseguiu pintar um retrato do czar. Quando o artista desistiu completamente, ele pediu desculpas a Nikolai. Nikolai ficou um pouco chateado, sentou-se à mesa, esticando os braços à sua frente... E então o artista percebeu - aqui está a imagem! Um simples militar com jaqueta de oficial e olhos claros e tristes. Este retrato é considerado a melhor representação do último imperador.

Outro empate

© Fedor Reshetnikov

A famosa pintura “Deuce Again” é apenas a segunda parte de uma trilogia artística.

A primeira parte é “Cheguei de férias”. Obviamente uma família rica, férias de inverno, um excelente aluno alegre.

A segunda parte é “Um empate de novo”. Uma família pobre da periferia da classe trabalhadora, no auge do ano letivo, um idiota abatido que novamente tirou nota ruim. No canto superior esquerdo você pode ver o quadro “Chegou de Férias”.

A terceira parte é “Reexame”. Uma casa rural, verão, todo mundo anda, um ignorante malicioso, que foi reprovado no exame anual, é obrigado a sentar-se entre quatro paredes e amontoar-se. No canto superior esquerdo você pode ver a pintura “Deuce Again”

Como nascem as obras-primas

Joseph Turner, Chuva, Vapor e Velocidade, 1844

Em 1842, a Sra. Simon viajou de trem pela Inglaterra. De repente, começou uma forte chuva. O senhor idoso sentado à sua frente levantou-se, abriu a janela, colocou a cabeça para fora e ficou olhando por cerca de dez minutos. Incapaz de conter a curiosidade, a mulher também abriu a janela e começou a olhar para frente. Um ano depois, descobriu o quadro “Rain, Steam and Speed” numa exposição na Royal Academy of Arts e conseguiu reconhecer nele o mesmo episódio do comboio.

Essas pinturas são conhecidas até por quem está longe do mundo da arte, porque são verdadeiras obras-primas. E cada um deles esconde algum segredo que não pode ser visto a olho nu.

E parece que cada traço já foi estudado por dentro e por fora, no entanto, os cientistas estão constantemente descobrindo algo novo nessas pinturas antigas. Seus autores deixaram aos seus descendentes enigmas inusitados que eles conseguiram resolver!

Os editores da InPlanet prepararam uma lista de 12 pinturas lendárias que guardaram segredos por muitos anos e até séculos!

Retrato do casal Arnolfini / Jan van Eyck (1434)

Este retrato foi o primeiro na história europeia a retratar um casal. É um excelente exemplo do início do Renascimento. Os historiadores ainda discutem sobre quem está representado na tela e o que está acontecendo ali. Muitos têm certeza de que se trata de um casamento, como indicam algumas placas na foto.

Mas o fragmento mais interessante está praticamente escondido - no reflexo do espelho na parede você pode ver os contornos de quatro pessoas. É vagamente claro que há um homem e uma mulher, e a assinatura é “Jan van Eyck esteve aqui”. Os críticos de arte acreditam que o artista retratou a si mesmo e sua esposa.

A Última Ceia / Leonardo da Vinci (1495-1498)

Este afresco é uma das obras mais famosas de Leonardo da Vinci e também esconde muitos segredos. O mistério mais interessante está escondido na superfície - nas imagens de Jesus e Judas.

O artista pintou as imagens restantes com facilidade, mas essas duas faces foram as mais difíceis para ele. Para o rosto de Jesus, ele procurava a personificação do bem e teve sorte - no coro da igreja conheceu uma jovem cantora. Mas a última mancha não escrita permaneceu Judas, e da Vinci passou horas sentado em restaurantes para selecionar a personificação ideal do mal. E finalmente ele teve sorte - em uma vala ele encontrou um bêbado que mal conseguia ficar de pé. A partir dele ele pintou a imagem de Judas, mas no final ficou surpreso.

Este homem se aproximou dele e disse que já haviam se conhecido. Há vários anos ele era cantor de um coral e já havia posado para Leonardo nesta foto. Então, um homem começou a personificar o bem e o mal.

Retrato de Lady Lisa del Giocondo / Leonardo da Vinci (1503-1505)

Talvez a pintura mais misteriosa já pintada seja a Mona Lisa. Durante vários séculos, tem assombrado críticos e historiadores de arte, dando origem a ideias cada vez mais selvagens e intrigantes para a sua criação.

Quem é essa mulher com um sorriso misterioso e sem sobrancelhas? Tradicionalmente, acredita-se que esta seja a esposa do comerciante Francesco Giocondo. Mas existem várias outras teorias que têm o direito de existir. Por exemplo, que a Mona Lisa é um autorretrato do próprio Leonardo. Existe também a possibilidade de que esta pintura tenha sido pintada por Da Vinci para si mesmo, e a pintura real tenha sido descoberta em Aizerloot há 100 anos. Esta Mona Lisa corresponde mais de perto à descrição da pintura feita pelos contemporâneos de Leonardo.

E mais recentemente, os cientistas sugeriram que o sorriso misterioso da menina na tela se devia ao fato de ela não ter dentes. Aliás, a radiografia mostrou que ela tinha sobrancelhas, mas as restaurações as danificaram significativamente.

Criação de Adão / Michelangelo (1511)

Outro gênio da Renascença, Michelangelo, criou seu afresco para a Capela Sistina, onde permanece até hoje. O tema desta parte da pintura era uma cena do Gênesis chamada a criação de Adão. E há muitos símbolos criptografados no afresco.

Por exemplo, se você olhar atentamente para o Criador que criou Adão, você poderá ver... o cérebro humano. Os especialistas acreditam que desta forma o artista fez uma analogia do Criador com a fonte da inteligência, ou simplesmente o cérebro. Essa teoria é confirmada pelo fato de Michelangelo gostar de anatomia e realizar constantemente experimentos em cadáveres.

Madona Sistina / Rafael (1513-1514)

Esta enorme tela, pintada por Rafael, é um exemplo da arte mais elevada do Renascimento. A pintura foi encomendada pelo Papa Júlio II e estava localizada no mosteiro de Piacenza. Alguns historiadores da arte acreditam que esta obra-prima foi pintada para o funeral do papa.

Rafael criptografou muitos sinais na tela, que os historiadores conseguiram descobrir. Um dos segredos óbvios da Madona Sistina é que, ao fundo, o artista retratou os rostos da nuvem na forma de rostos de anjos. Alguns historiadores acreditam que se trata de almas não nascidas.

Cena da Costa / Hendrick van Antonissen (1641)

A pintura do famoso pintor marinho holandês Hendrik van Antonissen há muito atrai a atenção dos críticos de arte. Esta pintura do século XVII retrata uma paisagem marinha aparentemente comum. Mas os especialistas ficaram confusos com o grande número de pessoas que se reuniram na costa sem motivo aparente.

A verdade foi estabelecida com a ajuda de um estudo de raios X, que constatou que na realidade a pintura representava uma baleia. Mas o artista decidiu que as pessoas ficariam entediadas olhando a carcaça morta da baleia, então refez a pintura. E com uma baleia, a tela fica muito mais impressionante!

O último dia de Pompéia / Karl Bryullov (1830-1833)

O artista russo Karl Bryullov ficou impressionado com a história de Pompéia enquanto visitava o Vesúvio em 1828. Ele era uma pessoa muito reservada por natureza, mas Karl ficou simplesmente dominado pelas emoções, ficou quatro dias na cidade destruída e depois de alguns anos começou a pintar sua famosa pintura.

Há um segredo especial na tela - se você olhar de perto, no canto esquerdo poderá ver um autorretrato do próprio artista. Ele também capturou sua amada, a condessa Yulia Samoilova, com quem teve um longo relacionamento pelo menos três vezes, possivelmente mais. Ela pode ser vista como uma mãe segurando as filhas contra o peito, como uma menina com um jarro na cabeça e como uma menina deitada no chão.

Auto-retrato com cachimbo / Vincent van Gogh (1889)

Todo mundo conhece a história da orelha cortada do extravagante artista Vincent van Gogh. Ele até pintou seu autorretrato com a orelha enfaixada, o que gerou acalorado debate entre os críticos de arte. Ainda não se sabe ao certo se ele cortou completamente a orelha ou a machucou.

Por muito tempo, os especialistas ficaram confusos com o fato de Van Gogh ser retratado na pintura com um curativo na orelha direita, mas machucou a esquerda. Mas o segredo foi revelado - o artista holandês pintou autorretratos olhando no espelho, então houve confusão na imagem devido à imagem espelhada.

Quarto Azul / Pablo Picasso (1901)

Agora os nomes desses artistas são conhecidos de todos, mas no início de suas carreiras eles tiveram que pintar vários quadros em uma tela - não tinham dinheiro para comprar tecido. É por isso que muitas obras-primas têm o chamado fundo duplo, por exemplo, a pintura “O Quarto Azul” de Pablo Picasso.

Usando raios X, foi possível descobrir que o retrato de um homem foi desenhado sob a imagem. Os historiadores da arte determinam quem era essa pessoa. Segundo uma versão, Picasso pintou um autorretrato.

O Velho Pescador / Tivadar Kostka Chontvari (1902)

O artista húngaro Tivadar Kostka Csontvary criou muitas pinturas durante sua vida, mas era pouco conhecido. Ele sofria de crises de esquizofrenia, mas ainda sonhava com a fama de Rafael. Tivadar ficou famoso após sua morte, quando foi decifrada a pintura “O Velho Pescador”, que agora se tornou muito popular. Foi criada em 1902 e é considerada uma das obras mais misteriosas do artista.

À primeira vista, a tela retrata um homem velho, como se acreditou durante muitos anos. Até que um dia ocorreu a alguém olhar a imagem espelhada das duas metades do rosto do velho. Então foi revelado o principal segredo desta tela - nela o mestre retratou Deus e o Diabo, que existem em cada pessoa.

Retrato de Adele Bloch-Gower / Gustav Klimt (1907)

Esta pintura é uma das obras mais famosas de Gustav Klimt. Em 2006, a Golden Adele foi comprada por uma quantia fabulosa – US$ 135 milhões. A bela mulher retratada nele foi na verdade pintada por uma questão de... vingança.

Em 1904, toda Viena, incluindo seu marido Ferdinand, falava sobre o romance entre Adele Bloch-Gower e Gustav Klimt. Ele inventou uma vingança incomum e contratou o artista para pintar um retrato de sua amada esposa. Ferdinand foi muito exigente e Klimt fez mais de 100 esboços. Nessa época, o artista ficou entediado com sua amante, cuja representação era tão difícil, e o romance deles acabou.

Quadrado Negro / Kazimir Malevich (1915)

Uma das pinturas russas mais famosas e controversas é “Quadrado Negro”, de Kazemir Malevich. Poucos compreendem o significado oculto desta pintura provocativa. Mas talvez valha a pena começar pelo fato de que o quadrado não é quadrado e nem mesmo preto!

A radiografia ajudou a determinar que sob o “Quadrado Negro” há outra obra de Malevich, sobre a qual ele pintou sua obra-prima. Para ele, preparou uma composição especial de tintas foscas e brilhantes, entre as quais, aliás, não havia tonalidade preta. E, apesar de os lados do chamado quadrado terem 79,5 cm de comprimento, a figura não possui um único ângulo reto.

De uma forma ou de outra, a Mona Lisa continua sendo uma das pinturas mais misteriosas do nosso tempo. Talvez nunca saberemos o que este ou aquele artista quis nos dizer, ou talvez até todos os sinais sejam apenas uma coincidência...

Existe uma superstição de que pintar um retrato pode trazer azar à modelo. Na história da pintura russa houve várias pinturas famosas que desenvolveram uma reputação mística.

"Ivan, o Terrível e seu filho Ivan, 16 de novembro de 1581." Ilya Repin

Ilya Repin tinha a reputação de “pintor fatal”: muitos daqueles cujos retratos ele pintou morreram repentinamente. Entre eles estão Mussorgsky, Pisemsky, Pirogov, o ator italiano Mercy d'Argenteau e Fyodor Tyutchev.

A pintura mais sombria de Repin é "Ivan, o Terrível, mata seu filho". Um fato interessante: ainda não se sabe se Ivan IV matou seu filho ou se essa lenda foi realmente inventada pelo enviado do Vaticano, Antonio Possevino.

A imagem causou uma impressão deprimente nos visitantes da exposição. Casos de histeria foram registrados e, em 1913, o pintor de ícones Abram Balashov rasgou a pintura com uma faca. Mais tarde, ele foi declarado louco.

Uma estranha coincidência: o artista Myasoedov, de quem Repin pintou a imagem do czar, logo quase matou seu filho Ivan em um acesso de raiva, e o escritor Vsevolod Garshin, que se tornou babá para o czarevich Ivan, ele enlouqueceu e cometeu suicídio.

"Retrato de M. I. Lopukhina." Vladímir Borovikovsky

Maria Lopukhina, descendente da família Tolstói, tornou-se modelo da artista aos 18 anos, logo após seu próprio casamento. A garota incrivelmente linda era saudável e cheia de força, mas morreu 5 anos depois. Anos mais tarde, o poeta Polonsky escreveria “Borovikovsky salvou sua beleza...”.

Correram rumores sobre a ligação da pintura com a morte de Lopukhina. Nasceu uma lenda urbana de que não se deve olhar para um retrato por muito tempo - a “modelo” sofreria o triste destino.

Alguns alegaram que o pai da menina, um Mestre da Loja Maçônica, capturou o espírito de sua filha no retrato.

80 anos depois, a pintura foi adquirida por Tretyakov, que não teve medo da reputação do retrato. Hoje a pintura faz parte do acervo da Galeria Tretyakov.

"Desconhecido." Ivan Kramskoy

A pintura “Desconhecido” (1883) despertou grande interesse entre o público de São Petersburgo. Mas Tretyakov recusou-se terminantemente a comprar a pintura para sua coleção. Assim, “The Stranger” iniciou o seu percurso por coleções particulares. Logo coisas estranhas começaram a acontecer: a esposa do primeiro dono o abandonou, a casa do segundo pegou fogo, o terceiro faliu. Todos os infortúnios foram atribuídos ao quadro fatal.

O próprio artista não escapou de problemas; logo depois de pintar o quadro, os dois filhos de Kramskoy morreram.

A pintura foi vendida no exterior, onde continuou a trazer apenas infortúnio aos seus proprietários, até que a pintura retornou à Rússia em 1925. Quando o retrato foi parar no acervo da Galeria Tretyakov, os infortúnios cessaram.

"Troika". Vasily Perov

Por muito tempo, Perov não conseguiu encontrar um modelo para o menino central, até que conheceu uma mulher que estava viajando por Moscou em peregrinação com seu filho Vasya, de 12 anos. O artista conseguiu convencer a mulher a deixar Vasily posar para a foto.

Alguns anos depois, Perov se encontrou novamente com essa mulher. Acontece que um ano depois de pintar Vasenka morreu, e sua mãe veio especialmente ao artista para comprar a pintura com seu último dinheiro.

Mas a tela já havia sido comprada e exposta na Galeria Tretyakov. Quando a mulher viu a Troika, ela caiu de joelhos e começou a orar. Comovida, a artista pintou um retrato do filho para a mulher.

"Demônio derrotado." Mikhail Vrubel

O filho de Vrubel, Savva, morreu repentinamente logo depois que o artista completou o retrato do menino. A morte de seu filho foi um golpe para Vrubel, então ele se concentrou em sua última pintura, “O Demônio Derrotado”.

A vontade de terminar a pintura tornou-se uma obsessão. Vrubel continuou a terminar a pintura mesmo quando ela foi enviada para a exposição.

Sem prestar atenção aos visitantes, o artista chegou à galeria, pegou os pincéis e continuou a trabalhar. Parentes preocupados contataram o médico, mas já era tarde demais - a medula espinhal de Tabes levou Vrubel ao túmulo, apesar do tratamento.

"Sereias". Ivan Kramskoy

Ivan Kramskoy decidiu pintar um quadro baseado na história de N.V. "Noite de Maio ou a Mulher Afogada" de Gogol. Na primeira exposição na Associação dos Itinerantes, o quadro foi pendurado ao lado da pastoral “As Torres Chegaram”, de Alexei Savrasov. Logo na primeira noite, o quadro “Torres” caiu da parede.

Logo Tretyakov comprou as duas pinturas, “As Torres Chegaram” ocupou um lugar no escritório e “Sereias” foi exibida no salão. A partir desse momento, os criados e membros da casa de Tretyakov começaram a reclamar do canto triste que vinha do salão à noite.

Além disso, as pessoas começaram a notar que ao lado da pintura sofreram um colapso.

O misticismo continuou até que a velha babá aconselhou retirar as sereias da luz para o outro lado do corredor. Tretyakov seguiu o conselho e a estranheza cessou.

"Sobre a morte de Alexandre III." Ivan Aivazovsky

Quando o artista soube da morte do imperador Alexandre III, ficou chocado e pintou o quadro sem qualquer ordem. Segundo Aivazovsky, a pintura deveria simbolizar o triunfo da vida sobre a morte. Mas, terminada a pintura, Aivazovsky escondeu-a e não a mostrou a ninguém. A pintura foi exposta ao público pela primeira vez apenas 100 anos depois.

A pintura está dividida em fragmentos; a tela representa uma cruz, a Fortaleza de Pedro e Paulo e a figura de uma mulher vestida de preto.

O estranho efeito é que, de certo ângulo, a figura feminina se transforma em um homem risonho. Alguns veem esta silhueta como Nicolau II, enquanto outros veem Pakhom Andreyushkin, um daqueles terroristas que falharam na tentativa de assassinato do imperador em 1887.

Tatiana Kolyuchkina

Postagem original e comentários em

O artista vê o mundo à sua maneira. Impulsionado pela providência divina, oferece ao espectador pinturas de ilusões cheias de vontade de mostrar o óbvio. O engano óptico ou, cientificamente falando, a ilusão de ótica é um fenômeno onipresente e pode ser observado indefinidamente, percebendo o mundo ao nosso redor e até mesmo objetos comuns.

A efemeridade é especialmente evidente quando se trata da arte e das obras dos grandes mestres do pincel, das suas telas misteriosas, que valem a pena quebrar a cabeça...

Mistérios de Leonardo da Vinci: fraudes espelhadas de um gênio

Leonardo da Vinci é uma pessoa misteriosa e, sem dúvida, beijada por Deus. Suas criações estavam muito à frente de seu tempo e até hoje obrigam as pessoas a resolver quebra-cabeças que o mestre criptografou em suas pinturas. Outra tentativa de compreender a genialidade foi feita por membros da Fundação Mundial “O Espelho das Sagradas Escrituras e Pinturas WorldFoundation”.

Segundo os pesquisadores, eles conseguiram compreender a mensagem do maior artista com a ajuda de espelhos. Imagens sagradas são o que o gênio quis mostrar ao mundo. Uma das pinturas mais famosas do grande fraudador sugere claramente a presença do Senhor do Antigo Testamento. O jovem João Batista retratado no desenho não está olhando para Maria ou Santa Ana. Seu olhar passa sobre o Jesus recém-nascido. Ele está olhando para a face de Deus! Foi sua imagem bizarra que atraiu a atenção do menino.

A ideia de criar pinturas, cuja imagem aparece sob certas condições, pertence a Leonardo da Vinci. Esse tipo de arte é chamado anamórfico. Sua Mona Lisa esconde um rosto incrível. Pode ser visto na área da mão direita da Mona Lisa, a “Última Ceia” esconde o Graal invertido, e João Batista mantém a imagem de uma criatura fantástica, insinuando o processo de criação. Um dos primeiros desenhos anamórficos foi a imagem da cabeça de uma criança, que só pode ser vista de um determinado ângulo.

Pinturas anamórficas de Istvan Orosz

Truques e enigmas tornaram-se populares na Idade Média. O início da transformação ocorreu no século XIX. Hoje István Orós brilha.

"A Ilha Misteriosa" - o anamorfo mais famoso de Istvan Oros

As encantadoras pinturas misteriosas do artista gráfico húngaro baseiam-se nas leis da física, pelo que para reforçar a sua percepção terá de estudar pelo menos um curso escolar. A imaginação do criador literalmente não conhece limites.

O mágico esconde em suas pinturas as coisas e fenômenos mais incríveis, obrigando o espectador não só a admirar o que viu, mas também a pensar. Para obter uma imagem anamórfica, Oros utiliza objetos espelhados cilíndricos, piramidais ou em forma de cone. Basta colocá-los no lugar certo e a imagem correta aparece sob uma luz evidente.

Ilusões 3D de Alessandro Diddi

Nenhuma das pinturas caras do passado se compara às imagens “ao vivo” do artista italiano.

Olhando para eles, quero entender como ele consegue, usando apenas papel e lápis, criar milagres que enganam o cérebro humano.

Diddy tem o talento de soprar a centelha de Deus em cada desenho. Seus personagens são tão reais que até assustam com sua presença. Ele explica seu segredo de forma simples, sugerindo que tentemos compreender a arte anamórfica. Em seguida é uma questão de tecnologia.

Gráficos de Maurits Cornelis Escher

O extraordinário holandês é um dos artistas mais famosos do mundo da ilusão de ótica.

Ele ficou famoso por sua visão de mundo especial e capacidade de lidar com as leis comuns da lógica do espaço. As pinturas fantasmagóricas de Escher são chamadas de ilustrações gráficas da teoria da relatividade. Este tipo de imagens ilusórias visa obter um efeito estéreo. Amostras dessas imagens são criadas usando câmeras especiais (invenção de Ivan Aleksandrovsky, 1854).

Os gráficos são baseados na renderização dupla da cena (filmagem com duas câmeras). Você só poderá ver esses esboços bizarros se conhecer técnicas especiais.

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Hieronymus Bosch, "O Jardim das Delícias Terrenas", 1500-1510

Quase toda obra de arte significativa tem um mistério, um “fundo duplo” ou uma história secreta que você deseja descobrir. Hoje nós vamos compartilhar vários deles.

Música nas nádegas

Fragmento do lado direito do tríptico

As disputas sobre os significados e significados ocultos da obra mais famosa do artista holandês não diminuíram desde o seu surgimento. A ala direita do tríptico intitulado “Inferno Musical” retrata pecadores que são torturados no submundo com a ajuda de instrumentos musicais. Um deles tem notas musicais estampadas nas nádegas. A estudante da Universidade Cristã de Oklahoma, Amelia Hamrick, que estudou a pintura, traduziu a notação do século 16 em um toque moderno e gravou “uma canção do inferno de 500 anos”.

A vingança de Salvador Dali

A pintura “Figura em uma janela” foi pintada em 1925, quando Dali tinha 21 anos. Naquela época, Gala ainda não havia entrado na vida do artista, e sua musa era sua irmã Ana Maria. A relação entre irmão e irmã se deteriorou quando ele escreveu em uma das pinturas “às vezes cuspo no retrato da minha própria mãe e isso me dá prazer”. Ana Maria não poderia perdoar um comportamento tão chocante.

Em seu livro de 1949, Salvador Dali pelos olhos de uma irmã, ela escreve sobre seu irmão sem qualquer elogio. O livro enfureceu Salvador. Por mais dez anos depois disso, ele se lembrou dela com raiva em todas as oportunidades. E assim, em 1954, apareceu a pintura “Uma jovem virgem entregando-se ao pecado da sodomia com a ajuda dos chifres de sua própria castidade”. A pose da mulher, seus cachos, a paisagem fora da janela e o esquema de cores da pintura ecoam claramente “Figura na Janela”. Há uma versão que Dali se vingou de sua irmã por causa do livro dela.

Danae de duas caras

Rembrandt Harmens van Rijn, "Danae", 1636 - 1647

Muitos segredos de uma das pinturas mais famosas de Rembrandt foram revelados apenas na década de 60 do século XX, quando a tela foi iluminada com raios X. Por exemplo, o tiroteio mostrou que numa versão inicial o rosto da princesa, que teve um caso de amor com Zeus, era semelhante ao rosto de Saskia, a esposa do pintor, que morreu em 1642. Na versão final da pintura, ela passou a se assemelhar ao rosto de Gertje Dirks, amante de Rembrandt, com quem o artista conviveu após a morte de sua esposa.

O quarto amarelo de Van Gogh

Vincent van Gogh, "Quarto em Arles", 1888 - 1889

Em maio de 1888, Van Gogh adquiriu um pequeno estúdio em Arles, no sul da França, para onde fugiu de artistas e críticos parisienses que não o compreendiam. Em um dos quatro cômodos, Vincent monta um quarto. Em outubro, tudo está pronto e ele decide pintar “O Quarto de Van Gogh em Arles”. Para o artista, a cor e o conforto do ambiente eram muito importantes: tudo deveria evocar pensamentos de relaxamento. Ao mesmo tempo, a imagem é desenhada em tons amarelos alarmantes.

Os pesquisadores da obra de Van Gogh explicam isso pelo fato de o artista ter tomado dedaleira, remédio para epilepsia, que provoca sérias alterações na percepção das cores do paciente: toda a realidade circundante é pintada em tons de verde e amarelo.

Perfeição desdentada

Leonardo da Vinci, “Retrato de Lady Lisa del Giocondo”, 1503 - 1519

A opinião geralmente aceita é que a Mona Lisa é perfeita e seu sorriso é lindo em seu mistério. No entanto, o crítico de arte americano (e dentista em tempo parcial) Joseph Borkowski acredita que, a julgar pela sua expressão facial, a heroína perdeu muitos dentes. Ao estudar fotografias ampliadas da obra-prima, Borkowski também descobriu cicatrizes ao redor da boca. “Ela “sorri” assim justamente pelo que aconteceu com ela”, acredita o especialista. “Sua expressão facial é típica de pessoas que perderam os dentes da frente.”

Major em controle de rosto

Pavel Fedotov, “Major Matchmaking”, 1848

O público, que viu pela primeira vez o quadro “Major’s Matchmaking”, riu muito: o artista Fedotov encheu-o de detalhes irônicos e compreensíveis para o público da época. Por exemplo, o major claramente não conhece as regras da etiqueta nobre: ​​apareceu sem os buquês exigidos para a noiva e sua mãe. E seus pais comerciantes vestiram a própria noiva com um vestido de baile noturno, embora fosse dia (todas as lâmpadas da sala estavam apagadas). A menina obviamente experimentou pela primeira vez um vestido decotado, fica sem graça e tenta fugir para o quarto.

Por que a Liberdade está nua?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, "Liberdade nas Barricadas", 1830

Segundo o crítico de arte Etienne Julie, Delacroix baseou o rosto da mulher na famosa revolucionária parisiense, a lavadeira Anne-Charlotte, que foi para as barricadas após a morte de seu irmão nas mãos dos soldados reais e matou nove guardas. O artista a retratou com os seios nus. Segundo o seu plano, este é um símbolo de destemor e altruísmo, bem como do triunfo da democracia: o peito nu mostra que a Liberdade, como plebeu, não usa espartilho.

Quadrado não quadrado

Kazimir Malevich, “Quadrado Suprematista Negro”, 1915

Na verdade, “Quadrado Preto” não é preto nem quadrado: nenhum dos lados do quadrilátero é paralelo a qualquer um dos seus outros lados, e a nenhum dos lados da moldura quadrada que enquadra a imagem. E a cor escura é o resultado da mistura de várias cores, entre as quais não havia preto. Acredita-se que não se tratou de negligência do autor, mas sim de uma posição de princípio, do desejo de criar uma forma dinâmica e comovente.

Velho pescador

Em 1902, o artista húngaro Tivadar Kostka Csontvary pintou o quadro “O Velho Pescador”. Parece que não há nada de incomum na imagem, mas Tivadar colocou nela um subtexto que nunca foi revelado durante a vida do artista.
Poucas pessoas pensaram em colocar um espelho no meio da imagem. Em cada pessoa pode haver Deus (o ombro direito do Velho é duplicado) e o Diabo (o ombro esquerdo do Velho é duplicado).

Melodrama da Mona Lisa austríaca

Gustav Klimt, “Retrato de Adele Bloch-Bauer”, 1907

Uma das pinturas mais significativas de Klimt retrata a esposa do magnata austríaco do açúcar Ferdinad Bloch-Bauer. Toda Viena discutia o romance tempestuoso entre Adele e o famoso artista. O marido ferido queria se vingar de suas amantes, mas escolheu um método muito incomum: decidiu encomendar a Klimt um retrato de Adele e forçá-lo a fazer centenas de esboços até que o artista começasse a vomitar dela.

Bloch-Bauer queria que o trabalho durasse vários anos, para que o modelo pudesse ver como os sentimentos de Klimt estavam desaparecendo. Ele fez uma oferta generosa ao artista, que não pôde recusar, e tudo saiu de acordo com o cenário do marido enganado: a obra foi concluída em 4 anos, os amantes já haviam esfriado um com o outro. Adele Bloch-Bauer nunca soube que seu marido sabia de seu relacionamento com Klimt.

A pintura que trouxe Gauguin de volta à vida

Paul Gauguin, “De onde viemos? Quem somos nós? Para onde vamos?", 1897-1898

A pintura mais famosa de Gauguin tem uma peculiaridade: ela é “lida” não da esquerda para a direita, mas da direita para a esquerda, como os textos cabalísticos pelos quais o artista se interessou. É nesta ordem que se desenrola a alegoria da vida espiritual e física humana: desde o nascimento da alma (uma criança adormecida no canto inferior direito) até a inevitabilidade da hora da morte (um pássaro com um lagarto nas garras em canto inferior esquerdo).

A pintura foi pintada por Gauguin no Taiti, onde o artista escapou diversas vezes da civilização. Mas desta vez a vida na ilha não deu certo: a pobreza total o levou à depressão. Terminada a tela, que se tornaria o seu testamento espiritual, Gauguin pegou numa caixa de arsénico e foi morrer nas montanhas. Porém, ele não calculou a dose e o suicídio falhou. Na manhã seguinte, ele cambaleou até sua cabana e adormeceu e, ao acordar, sentiu uma sede esquecida de vida. E em 1898, seu negócio começou a melhorar e um período mais brilhante começou em seu trabalho.

Monalisa nua

A famosa “La Gioconda” existe em duas versões: a versão nua chama-se “Monna Vanna”, foi pintada pelo pouco conhecido artista Salai, que foi aluno e babá do grande Leonardo da Vinci. Muitos historiadores da arte têm certeza de que foi ele o modelo para as pinturas de Leonardo “João Batista” e “Baco”. Há também versões de que Salai, vestido com vestido de mulher, serviu de imagem da própria Mona Lisa.

Duplas na Última Ceia

Leonardo da Vinci, "A Última Ceia", 1495-1498

Quando Leonardo da Vinci escreveu A Última Ceia, atribuiu particular importância a duas figuras: Cristo e Judas. Ele passou muito tempo procurando modelos para eles. Finalmente, conseguiu encontrar um modelo para a imagem de Cristo entre os jovens cantores. Leonardo não conseguiu encontrar um modelo para Judas durante três anos. Mas um dia ele encontrou na rua um bêbado que estava caído na sarjeta. Ele era um jovem que envelheceu devido ao consumo excessivo de álcool. Leonardo o convidou para uma taverna, onde imediatamente começou a pintar Judas dele. Quando o bêbado recobrou o juízo, disse ao artista que já havia posado para ele uma vez. Há vários anos, quando cantava no coro da igreja, Leonardo pintou Cristo dele.

A história inocente do "gótico"

Grant Wood, Gótico Americano, 1930

A obra de Grant Wood é considerada uma das mais estranhas e deprimentes da história da pintura americana. A foto do pai e da filha sombrios é repleta de detalhes que indicam a severidade, o puritanismo e o caráter retrógrado das pessoas retratadas. Na verdade, o artista não pretendia retratar nenhum horror: durante uma viagem a Iowa, notou uma casinha em estilo gótico e decidiu retratar aquelas pessoas que, em sua opinião, seriam ideais como habitantes. A irmã de Grant e seu dentista são imortalizados como os personagens pelos quais os habitantes de Iowa ficaram tão ofendidos.

"Vigilância Noturna" ou "Vigilância Diurna"?

Rembrandt, "Ronda Noturna", 1642

Uma das pinturas mais famosas de Rembrandt, “O Desempenho da Companhia de Rifles do Capitão Frans Banning Cock e do Tenente Willem van Ruytenburg”, ficou pendurada em salas diferentes por cerca de duzentos anos e foi descoberta por historiadores da arte apenas no século XIX. Como as figuras pareciam aparecer contra um fundo escuro, foi chamada de “Ronda Noturna” e com esse nome entrou no tesouro da arte mundial. E só durante o restauro realizado em 1947, foi descoberto que no salão a pintura conseguiu ficar coberta por uma camada de fuligem, que distorceu a sua cor. Depois de limpar a pintura original, foi finalmente revelado que a cena representada por Rembrandt realmente se passa durante o dia. A posição da sombra na mão esquerda do Capitão Kok mostra que a duração da ação não passa de 14 horas.

Barco virado

Henri Matisse, "O Barco", 1937

A pintura "O Barco" de Henri Matisse foi exibida no Museu de Arte Moderna de Nova York em 1961. Só depois de 47 dias alguém percebeu que a pintura estava pendurada de cabeça para baixo. A tela mostra 10 linhas roxas e duas velas azuis sobre fundo branco. O artista pintou duas velas por um motivo: a segunda vela é um reflexo da primeira na superfície da água. Para não se enganar na forma como o quadro deve ser pendurado, é preciso estar atento aos detalhes. A vela maior deve ficar no topo da pintura, e o pico da vela da pintura deve ficar no canto superior direito.

Decepção no autorretrato

Vincent van Gogh, Auto-retrato com um cachimbo, 1889

Há lendas de que Van Gogh supostamente cortou a própria orelha. Agora, a versão mais confiável é que Van Gogh machucou a orelha em uma pequena briga envolvendo outro artista, Paul Gauguin. O autorretrato é interessante porque reflete a realidade de forma distorcida: o artista é retratado com a orelha direita enfaixada porque usou um espelho para trabalhar. Na verdade, foi a orelha esquerda que foi afetada.

Dois "Cafés da Manhã na Grama"

Édouard Manet, Almoço na Grama, 1863

Claude Monet, Almoço na Grama, 1865

Os artistas Edouard Manet e Claude Monet às vezes se confundem - afinal, ambos eram franceses, viveram na mesma época e trabalharam no estilo do impressionismo. Monet até pegou emprestado o título de uma das pinturas mais famosas de Manet, “Almoço na Grama”, e escreveu seu próprio “Almoço na Grama”.

Ursos alienígenas

Ivan Shishkin, “Manhã na floresta de pinheiros”, 1889

A famosa pintura não pertence apenas a Shishkin. Muitos artistas amigos muitas vezes recorriam à “ajuda de um amigo”, e Ivan Ivanovich, que pintou paisagens durante toda a vida, temia que seus tocantes ursos não saíssem do jeito que ele queria. Portanto, Shishkin recorreu a seu amigo, o artista animal Konstantin Savitsky.

Savitsky pintou talvez os melhores ursos da história da pintura russa, e Tretyakov ordenou que seu nome fosse apagado da tela, pois tudo no quadro “do conceito à execução, tudo fala da maneira de pintar, do método criativo peculiar a Shishkin.”