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Mitkova Anastasia Dmitrievna, Studentin des nach ihr benannten Kasaner Staatlichen Konservatoriums. N. G. Zhiganova [email protected]

Oper von A. S. Arensky „Raphael“ im Kontext der russischen Kunst um die Wende des 19. Jahrhunderts

Anmerkung. A. S. Arenskys Oper „Raphael“ entstand im Auftrag des ersten Allrussischen Kongresses der Künstler und Kunstliebhaber. Der Artikel identifiziert die wichtigsten Stilrichtungen der russischen Kunst um die Wende des 19. Jahrhunderts und ihre Tendenzen, die die Entstehung der Oper beeinflussten. Der Inhalt der Oper „Raphael“ wird im Kontext des Einflusses der Ideen des Symbolismus und des Ästhetizismus betrachtet. Stichworte: Arensky, Oper, Symbolik, Ästhetizismus, Welt der Kunst.

Anton Stepanovich Arensky ist einer der talentiertesten russischen Komponisten Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert. Seine Popularität zu seinen Lebzeiten war außerordentlich. Tschaikowsky sagte über Arensky: „Arensky ist erstaunlich klug in der Musik, irgendwie denkt er alles subtil und richtig durch!“ Das ist eine sehr interessante musikalische Persönlichkeit!“ Neben Tschaikowsky wurde das kompositorische Talent von A. Arensky auch von S. hervorgehoben. Taneyev, G. Konyus, G. Laroche, B. Asafiev. Auch als Pianist war Arensky der Öffentlichkeit bekannt und genoss Anerkennung Durchführung von Aktivitäten Musiker. In der Liste der Studenten von Arensky, Professor am Moskauer Konservatorium in der Klasse Komposition

so berühmte Namen wie S. Rachmaninow, A. Skrjabin, G. Konyus, R. Glier, K. Igumnov, A. Goldenweiser.

Aber als ob er den Worten seines eigenen Lehrers, N.A. Rimsky Korsakov, gehorchen würde: „Er wird bald vergessen sein“, begann zu Beginn des 20. Jahrhunderts der Name des Komponisten, der einst von der großen Aufmerksamkeit seiner Zeitgenossen umgeben war wirklich vergessen werden. Arenskys intime, subtile Texte entsprachen nicht dem Geist der neuen vorrevolutionären Zeit. Auch unter der sowjetischen Herrschaft erneuerte sich das Interesse an seinem Werk aufgrund seines „nicht-ideologischen Charakters“ nicht mehr. Kreatives Erbe Arensky erlitt ein schweres Schicksal: Seine Musik blieb missverstanden und unterschätzt. Inzwischen ist die Sphäre musikalisches Talent A. S. Arensky, der Öffentlichkeit besser bekannt als Autor von „The Singer's Song Behind the Stage“ und „Fantasy on Themes of Ryabinin“, war vielfältiger: Der Komponist schrieb zwei Sinfonien, eine symphonische Fantasie „Marguerite Gautier“ und andere Orchesterwerke . Sein Ballett „Nacht in Ägypten“ (1900) wurde während Diaghilews „Russische Unternehmen“ in Paris (1908) aufgeführt. Seine größten Erfolge feierte der Komponist in kammerlyrischen Ausdrucksformen und seine Romanzen erwiesen sich auch in unserer Zeit als gefragt. Klavierwerke und Kammerensembles. Das Operngenre zog Arensky fast sein ganzes Leben lang an. kreativer Weg. Nachdem er seine Suche als Komponist mit der großen vieraktigen Oper „Traum an der Wolga“ (Anfang der 1880er–1888) begonnen hatte, arbeitete Arensky weiterhin mit unermüdlichem Interesse an diesem Genre. Im Jahr der Uraufführung der Inszenierung „Traum an der Wolga“ (1890) begann Arensky, inspiriert vom Erfolg seiner ersten Oper, mit der Arbeit an der dreiaktigen Oper „Nal und Damayanti“ (1903). Die langjährige Arbeit daran wurde durch die Entstehung der einaktigen Oper „Raphael“ (1894) unterbrochen. Die Oper „Raphael“ wurde im Auftrag für den ersten Allrussischen Kongress der Künstler und Kunstliebhaber geschrieben, der am 24. April 1894 in Moskau stattfand. In dem Artikel „Der erste Kunstkongress in Moskau“ stellt G. Konyus fest, dass „unter den Phänomene, die den ersten Künstlerkongress im vergangenen April kennzeichneten, im Bereich der Musikkunst, besondere Aufmerksamkeit wurde auf das gelenkt, was speziell anlässlich des Kongresses und zweimal bei der Sitzung in den Sälen der Moskauer Adelsversammlung geschrieben wurde Kunstfestival Es wurde eine neue Komposition von A.S. Arensky aufgeführt.“

Dieser Kongress ist geworden wichtige Veranstaltung in der Geschichte der russischen Malerei. Der äußere Grund dafür war die Verlegung in die Stadt Kunstgalerie Pawel und Sergej Tretjakow. In der damals führenden Kunstzeitschrift „Artist“ hieß es: „Diese Galerie ist sozusagen eine Reihe künstlerischer Aufgaben zur Lösung der russischen Malerei in der historischen Periode, die die russische Gesellschaft gerade vor uns erlebt hat.“ Augen." Es sei darauf hingewiesen, dass die russische Kultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts eine komplexe und widersprüchliche Periode in der Entwicklung der russischen Kunst war. Dies ist auf die schnelle Suche nach neuen Wegen zur Kulturentwicklung und damit auf die Vielfalt der Richtungen und Schulen zurückzuführen. In der Kunst der Wende zum 19. Jahrhundert. Der Symbolismus entwickelt sich zu einer der führenden Weltanschauungen in der Kultur. Der russische Symbolismus entstand an der Wende der 80er und 90er Jahre. 19. Jahrhundert als führende ideologische, künstlerische, religiöse und philosophische Bewegung. Es absorbierte alle kulturellen Errungenschaften der Wende zum 19. Jahrhundert und bestimmte damit maßgeblich die größten philosophischen, künstlerischen und indirekt auch wissenschaftlichen und gesellschaftspolitischen Errungenschaften der Zeit Silbernes Zeitalter, einschließlich künstlerische Avantgarde, Russische Religionsphilosophie. Die Apotheose der russischen Symbolik war die Idee einer Synthese von Kunst, Philosophie, Leben und der Schaffung eines „ganzheitlichen Stils“. Der eigentliche Kunstgedanke erweitert sich auf Menschliche Aktivitätüberhaupt. Gleichzeitig basierte die Symbolik weitgehend auf der Position von F. Dostojewski: „Schönheit wird die Welt retten.“ Es wurde von Vl aufgenommen. Solovyov als metaphysische Grundlage seiner Philosophie der Einheit, die zur Grundlage der russischen Symbolik wurde. Die russische Symbolik kann eher als eine Art nie endender kreativer Prozess angesehen werden, der aufgrund seiner aktiven Seite an sich wertvoll ist, und nicht als eine bestimmte konkretes Ergebnis. Von hier aus rückt der Prozess selbst in den Vordergrund künstlerische Kreativität. Konzentrieren Sie sich auf kreative Persönlichkeit und das Phänomen der Theurgie als Verwirklichung des göttlichen Prinzips im Menschen führte zu einem gewissen Personenkult (ein Echo der Renaissance). Unter der Persönlichkeit des Künstlerdichters wird die Persönlichkeit des „Trägers“ verstanden inneres Wort, das Organ der Weltseele, der Signifikant der innigen Verbindung des Daseins, der Seher und geheime Schöpfer des Lebens.“ Er ist eine Art „Transformator“ und „Übersetzer“ der Musik der himmlischen kosmischen Sphären, die für ihn zugänglich und für Normalsterbliche nicht zugänglich ist. Es ist der Künstler, der mit Hilfe von Poesie, Musik und Malerei diese „verschlüsselten Informationen“ durch kreative Offenbarungen, die ein Gedicht, eine Symphonie, ein Gemälde usw. sind, an Normalsterbliche weitergibt. Der kreative Prozess, Kreativität wird zu einem Synonym für Phänomen das Konzept der Schönheit. Hier wird die Idee verkörpert, dass der Zweck der Kunst darin besteht, das Schöne, das Erhabene zu schaffen, sich den Problemen des wirklichen Lebens zu stellen und nicht die umgebende Realität, ihre negativen und akuten Seiten widerzuspiegeln soziale Probleme, wie es vorher war. Ende des 19. Jahrhunderts kam es in den Köpfen russischer Maler zu einem Wandel in der Einstellung zur Rolle der Malerei. Im Gegensatz zu den realistischen Vorstellungen der Peredwischniki Wende des 19. Jahrhunderts Im 20. Jahrhundert entstand der Künstlerverein „World of Art“. Die Künstler dieser Vereinigung versuchten, der beunruhigenden Realität ursprüngliche spirituelle und künstlerische Werte gegenüberzustellen; sie betrachteten das ästhetische Prinzip in der Kunst als vorrangig und wiesen der Kunst die Rolle einer Art Umwandler des Lebens zu. Das Programm „Welt der Kunst“ enthielt viele grundlegende Bestimmungen, die entstand aus den Konzepten des Ästhetizismus und des Symbolismus. Hauptstange neues Programm Das Problem des künstlerischen Individualismus, der Autonomie der Kunstwelt, frei von sozialen und politischen Problemen, wurde zum Problem, und die Ästhetik des Schönen etablierte sich zum ewig wichtigsten Thema künstlerischen Schaffens. In einer Zeit, in der ein ästhetisches Ideal erschöpft ist (die Wanderer) und ein anderes noch nicht geformt ist („Welt der Kunst“), verschärft sich die Weltanschauung des Ästhetizismus. Er bekräftigt den vorherrschenden Wert der Schönheit im Leben und in der Kunst, die Vorherrschaft der schönen Form über den Inhalt. In der Philosophie des Ästhetizismus führt verfeinertes Denken zum Kult oder zur Religion der Schönheit. Noch eine charakteristisch Philosophie des Ästhetizismus: Da alle Formen, unabhängig von ihrem ästhetischen Wert, eine höhere, religiöse Bedeutung erhalten, werden nicht Inhalt und Form wichtiger, sondern die Persönlichkeit des Betrachters, Kenners, Kenners.

IN Im weitem SinneÄsthetizismus ist die Anerkennung der Schönheit als absolut höchstem Wert und ihres Genusses als Sinn des Lebens; Es ist ein Kult der Schönheit in Kunst und Leben. Die Grundlage dieses ästhetischen Konzepts ist die Behauptung der Unabhängigkeit der Schönheit und ihres Hauptbehälters – der Kunst – von Moral, Politik, Religion und anderen Formen spiritueller Aktivität. Gleichzeitig war dies in der russischen Kunst im Laufe ihrer Geschichte nicht der Fall das rein künstlerische, sondern das moralische, ethische Prinzip, die Suche nach der Wahrheit, herrschte vor, was laut dem Akademiker D.S. Likhachev der Kern der gesamten russischen Kultur ist. Dieses Verständnis vom Wesen der Kunst gilt für alle russischen Künstler von A. Rublev bis M. Vrubel. Es manifestierte sich sowohl in der Ikonographie religiöser Asketen – altrussischer Maler – als auch in den Gemälden demokratisch gesinnter Wanderer der zweiten Generation Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert und in den Gemälden von Künstlern des frühen 20. Jahrhunderts. Die Periode des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts in der Entwicklung der russischen Kultur strebt danach, alle Errungenschaften der Kultur zu synthetisieren: Kunst, Philosophie, Religion – alles ist miteinander verbunden.A . Blok nannte diese Integrität des künstlerischen Umfelds „synthetische Kultur“ und glaubte, dass in Russland „Malerei, Musik, Prosa, Poesie, Philosophie, Religion und die Öffentlichkeit untrennbar miteinander verbunden sind und zusammen einen einzigen kraftvollen Strom bilden, der die kostbare Last der nationalen Kultur trägt.“ .“ Diesen Mustern folgend mussten neue Tendenzen in der Malerei um die Wende zum 19. Jahrhundert einen erheblichen ästhetischen Einfluss auf die Musikkunst haben. Wesentliche Änderungen in Musikalische Kunst drückt sich in neuen Trends in der Einstellung zur Kunst und ihrer Rolle im Leben aus. Komponisten der 6070er Jahre folgten einem Prinzip, das den Idealen von „ natürliche Schule„in der Literatur und Wandern in der Malerei. Dieses Prinzip“ Musikalische Wahrheit„An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert wich ein ästhetischer Ansatz, eine Hinwendung zu in der Musik verkörperten philosophischen Konzepten, eine zunehmende Psychologisierung von Helden und eine Erneuerung von Genres und Formen. So wurde in der Musikkunst der 80er und der ersten Hälfte der 90er Jahre neuer Trend– Bestätigung der Schönheit trotz des Leidens und der Unterdrückung der umgebenden Realität. Das Bedürfnis nach einem ästhetisch schönen Anfang manifestiert sich in der Musik der 80er und 90er Jahre auf vielfältige Weise: bei Tschaikowsky – als hymnische Aussage über Liebe und Wahrheit, den Sieg des Lichts über die Dunkelheit (Ballett „Dornröschen“, Oper „Iolanta“ ); bei Glasunow als lyrische, epische und hymnische Darstellung des Schönen im Leben (in der Vierten Symphonie). Bei Rimsky Korsakov verkörperte sich diese Tendenz in den Bildern der sonnigen Verherrlichung der Natur und der Kunst des Volkes (die symphonischen Suiten „Scheherazade“ (1888) und „Capriccio Spanish“ (1887), die Opern „Die Nacht vor Weihnachten“ (1894-1995) und „Sadko“ (1897)). Die Weltanschauung dieses Komponisten ist geprägt von einer Tendenz zur Ästhetik der reinen Kontemplation, zur Bewunderung der Schönheit und vollendeten Form. Diese Tendenzen waren bereits in den 1880er Jahren in den Opern „Das Schneewittchen“ (1881), „Mlada“ (1892) und später in der Oper „Das Schneewittchen“ (1881) deutlich zu erkennen. Die Braut des Zaren„(1899), „Das Märchen vom Zaren Saltan“ (1899-1900) „Das Märchen von der unsichtbaren Stadt Kitezh und der Jungfrau Fevronia“ (1903-1907).

Im gleichen Kontext erscheint A. S. Arenskys Oper „Raphael“, in der das ästhetisch schöne Prinzip mit spiritueller Wahrheit verbunden wird und die Verehrung der allumfassenden Kraft der Schönheit den moralischen Konflikt löst. Die Handlung, die der Aufgabe entsprach, neue künstlerische Strömungen zu verkörpern, war eine Handlung aus dem Leben Italienischer Künstler Renaissance von Raphael Santi. Damit wurde zum ersten Mal in der Geschichte der russischen Oper an die Persönlichkeit des Künstlers, des Schöpfers, appelliert. Die einzige auf der Handlung basierende Oper mit Beteiligung eines Künstlers war Ende des 19. Jahrhunderts komische Oper„Benvenuto Cellini“ (1838) von Hector Berlioz (Libretto von L. de Vailly und O. Barbier nach der Autobiographie des Florentiner Bildhauers Benvenuto Cellini). Die Uraufführung dieser frühen Berlioz-Oper scheiterte. Erst viele Jahre später, 1852, wurde die Oper in Liszts Neuausgabe erfolgreich in Weimar aufgeführt. Die Handlung basierte auf einer Episode über Cellinis abenteuerliche Abenteuer. Am Ende der Oper taucht das Thema der Schöpfung auf, wenn im Finale ein Kunstwerk vor dem bewundernden Publikum erscheint

Die Perseus-Statue und die Arie-Hymne an die Kreativität „Seulpourlutter, seulavecmoncourage“ erklingen. Aber vielleicht aufgrund der Zugehörigkeit zum Comic-Genre tritt das Thema des Schöpfers und der Kunst in dieser Oper in den Hintergrund und ist nicht der Träger des Philosophischen und ästhetischer Inhalt. In Arenskys Oper wurde das ästhetisch schöne Prinzip im Bild von Fornarina – den Musen des Künstlers – verkörpert. Daher die Liebe zur idealen Schönheit. Diese Liebe wird zum Anstoß für Kreativität, gleichgesetzt mit künstlerischer Inspiration. Also zu einer Handlung, die verkörpert hohe Liebe, wird zum kreativen Prozess selbst. Die Erhabenheit der Gefühle der Hauptfiguren wird durch den Vergleich mit der irdischen Leidenschaft hervorgehoben, die die zentrale Episode der Oper (das Liebesduett) von „The Song Singer Behind the Stage“ durchdringt.

So wurde die zentrale Idee der Oper philosophische Ideeüber die Synthese von Liebe und Kunst in der Weltanschauung des Schöpfers; über Kunst und Kreativität als höchste Ausdrucksform der Existenz des Künstlers. Hier verkörpert sich die Idee des Zwecks der Kunst nicht in der Widerspiegelung der umgebenden Realität, ihrer negativen Seiten, akuten sozialen Probleme, sondern darin, das Schöne, das Erhabene zu schaffen und den Problemen des wirklichen Lebens entgegenzuwirken. Dieser Idee folgend lassen sich zwei Leitthemen unterscheiden: das Thema der Kunst und das Thema der Liebe. Das Thema der Kunst taucht erstmals im ersten Abschnitt von Raffaels Werk auf Arioso, gespielt von Solovioline:

Das Thema der Kunst erklingt auch im Trio von Raphael, Fornarina und Kardinal Bibiena und rundet die Oper ab, indem es mit dem Thema der Liebe verschmilzt. Das zweite Leitthema

Thema Liebe. Sie erscheint erstmals in der Szene des Duetts zwischen Raffael und Fornarina. Dies sei „eine wahre Perle musikalischer Schönheit“, bewunderte G. Konyus. Es enthält einen Abgrund liebevoller Zärtlichkeit, poetisierter Verträumtheit, bis zur höchsten Intensität, zur Ekstase.“

Dann erklingt es in dem Moment, in dem Kardinal Bibiena den Vorhang vor dem Gesicht der Madonna zurückzieht. Es ist auch das Hauptthema, auf dem der Schlusschor der Oper aufbaut und die himmlische Schönheit verherrlicht. Mit fortschreitender Handlung erhält das Thema eine umfassendere Bedeutung. Als Thema der Liebe beginnend, erhält es einen umfangreicheren Inhalt und wird zum Thema der Kreativität, wenn die Gefühle des Künstlers für die Muse in der Verliebtheit in ein ideales Beispiel der Schönheit wiedergeboren werden und der Prozess der Kreativität zu seiner Verherrlichung wird Die Entwicklung der Semantik des Themas weist auf eine enge Verbindung zwischen diesen beiden Konzepten in der Weltwahrnehmung des Künstlers hin. Der Abschluss der Handlung findet in dem Moment statt, in dem Kardinal Bibiena den Schleier von Raffaels Werk abzieht und der Chor, erstaunt über das, was er sieht, Loblieder auf die himmlische Schönheit der Madonna singt. Grundlage der Melodie des Schlusschors ist das Thema Liebe und Kreativität, das zunächst im Orchester und dann im Chor erklingt. Unterstützt durch das Tutti des Orchesters erhält es einen hymnischen Klang. Das gleiche Thema beschließt die Oper. Im Orchesterabschluss wird das Thema Kunst im bejahenden, majestätischen Timbre der Trompete in den Klang des Leitthemas Liebe und Kreativität eingewoben, als dessen Abschluss:

So ist in den Werken von A.S. Arensky fand ihre Verkörperung in den markantesten künstlerischen und ästhetischen Ideen des späten 19. Jahrhunderts. A. S. Arensky schuf eine Oper, in der die Idee des Zwecks der Kunst, das Schöne, Erhabene zu schaffen, und die Idee von Kunst und Kreativität als höchste Ausdrucksformen der Existenz des Künstlers ihren Ausdruck fanden.

So verkörperte die einaktige Oper „Raphael“ von A. S. Arensky in konzentrierter Form neue ästhetische Tendenzen in der Kunst der Jahrhundertwende, die sich bereits im 20. Jahrhundert entwickelten.

Oper in einem Akt. Libretto von A. Kryukov.
Premiere: St. Petersburg, Mariinsky-Opernhaus, 13. Dezember 1895.

Figuren:

• Raphael, Künstler (Tenor)
• Fornarina, Model (Sopran)
• Kardinal Bibiena (Bass)
• Backstage-Sänger (Tenor)
• Studenten, Städter

Die Handlung spielt in Florenz zu Beginn des 16. Jahrhunderts.

Geschichte der Schöpfung

Im April 1894 sollte in Moskau ein Ereignis von nicht geringer Bedeutung für die russische Kunst stattfinden: der erste Allrussische Künstlerkongress. Zu diesem Zeitpunkt reichte Arensky bereits aus berühmter Komponist, Autor der Oper „Traum an der Wolga“, zweier Symphonien, eines Klavierkonzerts und Kammerarbeiten wurde eine Oper in Auftrag gegeben. Das für diesen Anlass gewählte Thema war eine der Legenden, die mit dem Namen des großen Renaissance-Künstlers Raphael verbunden sind – über seine Liebe zum jungen Model Margarita, genannt Fornarina (Bäckerin). Das Libretto wurde von einem gewissen A. A. Kryukov geschrieben, über den keine Informationen erhalten sind. Zu dieser Zeit lebten in Moskau zwei hübsche berühmte Person mit folgendem Nachnamen und Initialen: ein unbedeutender Dichter und Journalist, der für eine der Moskauer Zeitungen arbeitete. Wahrscheinlich war einer von ihnen der Autor, ihre Lebensdaten sind jedoch unbekannt.

Natürlich erwies sich das Bild Raffaels im Libretto als sehr weit vom wahren Bild des brillanten Meisters entfernt, was den Komponisten jedoch nicht davon abhielt, mit Begeisterung zu arbeiten. „Raphael“ entstand von ihm sehr schnell – in nur fünf Wochen. Dies wurde dadurch erleichtert, dass die Gattung der einaktigen Oper dem Talent des Komponisten entsprach, eines Lyrikers schlechthin, der kleine Formen bevorzugte. Arensky gab seiner Oper den Untertitel „Musikalische Szenen aus der Renaissance“. Ursprünglich war die Rolle des Raffael für die Mezzosopranistin vorgesehen, später wurde sie jedoch einem Tenor zugewiesen.

Die Oper wurde am 24. und 25. April 1894 auf der Bühne des Saals der Moskauer Adelsversammlung von Studenten des Moskauer Konservatoriums vor den Teilnehmern des Kongresses uraufgeführt, die sie sehr freundlich aufgenommen haben. Tanejew, einer der angesehensten Musiker Russlands, der bei der Premiere anwesend war, war so gerührt, dass er seine Tränen nicht zurückhalten konnte. Auch die Presse äußerte sich positiv. Erste Theateraufführung„Raphael“ wurde im St. Petersburger Mariinski-Theater aufgeführt. Die Uraufführung fand am 13. Dezember 1895 statt.

Handlung

In Raffaels Werkstatt verabschieden sich die Schüler vom Meister und eilen zum Karnevalsspaß. Allein gelassen denkt er über sein Schicksal nach: Kardinal Bibiena, sein Gönner, bietet an, seine Nichte zu heiraten, doch Raphael liebt eine andere – das bescheidene Model Fornarina, die für ihn für das Bild der Madonna posiert. Fornarina erscheint. Voller Inspiration greift der Künstler zum Pinsel. Von der Straße her sind die Geräusche einer jubelnden Menschenmenge zu hören. Jemand singt ein Lied, in dem er die Liebe preist. Nachdem er seine Arbeit unterbrochen hat, kehrt Rafael in Gedanken zu Fornarina zurück – nicht zu einem Model, sondern zu der Frau, die er liebt, und umarmt sie. Plötzlich erscheint der Kardinal. Er beschuldigt den Künstler, die Braut beleidigt zu haben, das Heiligtum mit Füßen getreten zu haben: Schließlich identifizierte er die sündige Fornarina mit der Madonna ... Der Künstler wendet kühn ein: Der Kardinal kann seine Liebe nicht töten! In schrecklicher Wut ruft der Kardinal das Volk dazu auf, den „Sklaven der Sünde“ zu zeigen. Die Werkstatt ist voller fröhlicher Stadtbewohner und verneigt sich vor dem wunderschönen Gemälde, das das Genie seines Schöpfers verherrlicht.

Musik

„Raphael“ zeichnet sich durch eine klare, kompakte Struktur, extreme Lakonizität und Sparsamkeit aus Ausdrucksmittel. Die Musik der Oper ist erlesen, voller Lyrik und zeichnet sich durch Poesie, Träumerei und klare Melodie aus; die lyrischen Szenen werden durch gelungen gelöste Genreszenen untermalt.

Das beliebteste „Lied des Sängers hinter der Bühne“ basiert auf einer authentischen italienischen Volksmelodie, die der Komponist aus der Sammlung „All of Naples“ entlehnt hat.

Heute ist ein Teil des Erbes berühmter russischer Komponisten in Vergessenheit geraten und vom Aussterben bedroht. Viele Werke wurden erst zu Beginn des letzten Jahrhunderts letztmals aufgeführt, von einigen sind keine Aufnahmen überliefert. Ziel des Projekts ist die Wiederherstellung, Bewahrung und Popularisierung verlorener Werke Musikalische Werke, wertvolle Bücher und Noten aus der Orpheus-Radiobibliothek. Die Firma „E.ON Russia“ und Radio „Orpheus“ beginnen das Projekt mit der Restaurierung und Aufnahme der Oper „Raphael“ von A. Arensky.

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Die Oper wurde vom Komponisten 1894 für den ersten Allrussischen Künstlerkongress und anlässlich der Eröffnung geschrieben Tretjakow-Galerie. Das letzte Mal Das Werk wurde in den 20er Jahren aufgeführt und in seiner ursprünglichen Aufführung in den 50er Jahren des 20. Jahrhunderts aufgenommen. Leider ging die Aufnahme verloren und der Name des Autors geriet praktisch in Vergessenheit.

Das Unternehmen E.ON Russland hat zusammen mit dem Radiosender Orpheus die Noten der Oper ausgewählt, restauriert und digitalisiert.

Die Oper wurde in einem Studio aufgenommen Symphonieorchester Radio „Orpheus“, Akademisch Großer Chor„Meister Chorgesang", sowie Solisten der Moskauer Theater.

Die Publikation enthält auch einen Film über das Multimediaprojekt „Reviving the Heritage of Russian Composers“.

Den CDs liegt ein Booklet bei, das die Entstehungsgeschichte der Oper und des Librettos in zwei Sprachen darstellt.

„Ich liebe Musik und ich möchte dafür tun, was ich kann, was in meiner Macht steht“- A. Arensky

„Arensky ist unglaublich klug in der Musik... Er ist ein sehr interessanter Mensch!“- P. Tschaikowsky.

„Von den neuesten ist Arensky der Beste, er ist einfach, melodisch ...“,- L. Tolstoi.

Radio „Orpheus“ lässt das Erbe russischer Komponisten wieder aufleben.

Anton Arensky
RAPHAEL

Oper in einem Akt
Uraufführung 1894
Libretto: A. Kryukov, M. Tschaikowsky

Figuren
Raphael (Tenor) V. Kaluzhsky
Fornarina, Raphaels Vorbild (Sopran) Z. Dolukhanova
Kardinal Bibiena (Bass) A. Korolev
Volkssänger(Tenor) V. Kravtsov
All-Union Radio Chor und Orchester, Dirigent V. Smirnov
1956

Die Aktion spielt in Anfang des XVI Jahrhundert in Rom.
Raffaels Werkstatt in Rom. Der Künstler arbeitet umgeben von Studenten und schickt sie dann nach Hause, denn heute ist der erste Tag des Karnevals.
Raphael selbst hat es jedoch nicht eilig, an der Feier teilzunehmen: Seine Gedanken sind von einem Mädchen beschäftigt, das er kürzlich an einem der Stadtbrunnen getroffen hat. Das Mädchen beeindruckte ihn so sehr mit ihrer Schönheit, dass er, der sich bisher nur mit der großen Kunst der Malerei beschäftigt hatte, erkannte, dass er verliebt war. Leider reagierte Fornarina (so der Name der Schönheit) auf Raphaels Gefühle, indem sie seine Geliebte wurde, und der Mäzen des Künstlers, der allmächtige Kardinal Bibiena, verkündete seine Entscheidung, ihn mit seiner Nichte zu verheiraten.
Fornarina erscheint. Sie sind so glücklich miteinander – das Model und der Künstler, der ihr seine neue Kreation malt –, dass sie die Stimmen von der Straße, die „Maestro Raphael“ auffordern, sich dem allgemeinen Spaß anzuschließen, und das herzliche Lied über alles kaum bemerken – erobernde Liebe, die er mit einer Gitarre auf dem Nachbarplatz als wandernder Sänger vorträgt.
Plötzlich erscheint Kardinal Bibiena in der Werkstatt. Er ist beleidigt darüber, dass er den Künstler, den er bereits als Mitglied seiner Familie betrachtet, allein mit einer unbekannten Schönheit vorgefunden hat, und wirft ihm vor, sein Talent für die eitlen Freuden des Lebens zu verschwenden. Raphael erklärt offen seine tiefe Liebe zu Fornarina, und sie erklärt ihre aufrichtigen Gefühle für die Künstlerin, doch der Kardinal bleibt hartnäckig: Eine solche Liebe erscheint ihm bösartig und Raphaels Genie unwürdig. Ein wütender Bibiena ruft die Bewohner der Stadt in die Werkstatt, um, wie er erklärt, Raphael die „Maske der bösen Heuchelei“ abzureißen und allen von seiner Sündhaftigkeit zu erzählen berühmter Künstler. Nachdem er jedoch den Vorhang von der gerade fertiggestellten Leinwand zurückgezogen hat, kann er seinen Freudenausruf nicht unterdrücken und zieht sich voller Ehrfurcht vor der überirdischen Schönheit zurück, die auf der Leinwand dargestellt ist.
Alle, auch der Kardinal, loben Raffael und seine Kunst. (Entnommen von hier: http://culture.natm.ru/tree4.html?id=7638)

Das lehrreichste Stück der Oper ist das Lied des Sängers hinter der Bühne „Das Herz zittert vor Leidenschaft und Glückseligkeit.“

„...Der zweite Titel des Werkes lautet „Musikalische Szenen aus der Renaissance“. Die Uraufführung fand 1894 statt und wurde von Studenten des Moskauer Konservatoriums durchgeführt. Anlass für die Entstehung des Werkes war der Allrussische Künstlerkongress , für die Arensky die Oper schuf. Raffael ist ein Künstler der Renaissance – wurde sein Held. Die Ereignisse der Oper sind fiktiv, eine Episode aus dem Leben Raffaels ist erfunden. Die Oper wird äußerst selten aufgeführt, aber S. Tanejews Rezension von Es ist bekannt (er war bei der Premiere): „Die Musik hat mich zu Tränen gerührt... die Musik von „Raphael“ ist ideal.“ „Das Lied des Sängers hinter der Bühne“ hat seinen Platz im Konzertrepertoire behalten – a typisch italienische Canzona, unglaublich schön und flexibel...."

MP3
320 kb/ps
83,6 MB
http://narod.ru/disk/8510921000/Arenskiy_Raffaello_Smirnov.rar.html

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Anton Arensky
BACHCHISARAI-BRUNNEN
Musik zum Gedicht (Fragment?)

Zarema - Irina Arkhipova
Chor und Orchester Bolschoi-Theater
Dirigent Melik-Pashayev

MP3
256 kb/ps
40,5 MB
http://narod.ru/disk/8510621000/Arenskiy_fontaine%20bakshisarai.rar.html

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ARENSKY, ANTON STEPANOVITSCH (1861–1906),russischer Komponist und Lehrer; sein Klavier und Kammermusik. Arensky wurde am 30. Juni (12. Juli) 1861 in Nowgorod geboren. Er studierte am St. Petersburger Konservatorium in der Klasse von Rimsky-Korsakow und wurde nach seinem Abschluss als Professor für Harmonielehre und Kontrapunkt an das Moskauer Konservatorium berufen. In seiner Klasse lernten unter anderem A. N. Skrjabin, S. V. Rachmaninow und R. M. Gliere. Im Jahr 1895 wurde Arensky Leiter der St. Petersburger Hofsingkapelle und ersetzte M. A. Balakirev in diesem Amt. Arenskys Vermächtnis umfasst drei Opern: „Traum an der Wolga“ (1888, aufgeführt 1890), „Raphael“ (1894), „Nal und Damayanti“ (1903, aufgeführt 1904); zwei Sinfonien; zwei Streichquartette; Klavierkonzert; Intermezzo für Streichorchester; zwei Klaviertrios; Fantasie über Themen von Rjabinin für Klavier und Orchester; Klavierquintett; Ballett Ägyptische Nächte (nach Puschkin). IN Gesangsgenres Arensky schuf mehrere Kirchenchöre, viele Romanzen, die Kantate „Der Waldkönig“ (nach Goethes Gedicht, übersetzt von Schukowski) und die Ballade für Solist, Chor und Orchester „Der Kelch“ (nach Schillers Gedicht, übersetzt von Schukowski). Arensky ist Autor von mehr als hundert Klavierstücken, zusammengefasst zu Opuszyklen, und vier Suiten für zwei Klaviere.
Arenskys Musik ist überwiegend lyrischer Natur. Der Komponist erlebte starker Einfluss Tschaikowsky, aber man kann in seinen Werken kaum leuchtende nationalrussische Züge erkennen; sie sind vielmehr stilistisch eklektisch. Außerhalb Russlands sind der Walzer aus der Suite für zwei Klaviere Nr. 1, das Klaviertrio in d-Moll und Variationen über ein Thema von Tschaikowsky für Streichorchester am beliebtesten. Arensky starb in Terijoki (damals Finnland - Russisches Reich) 12. (25.) Februar 1906.

Geschichte der Schöpfung

Die Oper wurde von der Moskauer Gesellschaft der Kunstliebhaber bei Arensky nach dem Erfolg seiner ersten Oper „Traum an der Wolga“ in Auftrag gegeben. Uraufgeführt im Jahr 1894 von Studenten des Moskauer Konservatoriums.

Figuren

Zusammenfassung

Raffael entlässt seine Schüler zur Feier des Karnevals. Seine Gedanken sind in Fornarina vertieft, die Schönheit, die er am Brunnen traf. Der Mäzen des Künstlers, Kardinal Bibiena, möchte Raffael jedoch gerne mit seiner Tochter verheiraten.

Die Leute auf der Straße rufen „Maestro Raphael“ und Fornarina, um an den Feierlichkeiten teilzunehmen. Das Liebeslied einer wandernden Sängerin ist zu hören. Plötzlich erscheint der Kardinal. Er wirft dem Künstler vor, dass er, da er fast ein Familienmitglied ist, mit ihm allein gelassen wird unbekannte Frau. Rafael gesteht dem Kardinal, dass er Fornarina liebt. Der wütende Kardinal fordert das Volk auf, Raffael die „Maske der bösen Heuchelei“ abzustreifen und die Sündhaftigkeit des Künstlers zu verurteilen. Wütend reißt er die Leinwand vom gerade fertiggestellten Gemälde ab und zieht sich ehrfurchtsvoll vor das aus Fornarina gemalte Madonnenbild zurück.

Musikalische Nummern

1. Einleitung (Ouvertüre)
2. « Andiam, su compagni al lavor" - Chor der Studenten.
3. Arioso von Raffael « Sohn Libero Alfine!" - Rafael.
4. Duett von Raphael und Fornarina « Oh, Delizia del Cor" - Rafael, Fornarina.
5. Lied vom wandernden Sänger « " - wandernder Sänger (hinter der Bühne).
6. Arie des Kardinals « Gran Dio possente!" - Kardinal.
7. « O Kardinal! Ben puoi Severo" - Trio, Rafael, Fornarina, Kardinal.
8. Finale – Raphael, Fornarina, Cardinal, Chor.

Berühmte Künstler

Lied des wandernden Sängers, „ Ah! Ich wollte, dass meine Liebe zu mir kommt„(in russischer Übersetzung: „ Das Herz zittert vor Leidenschaft und Glückseligkeit") ist ein fester Bestandteil des Repertoires russischer Tenöre. Gleichzeitig erscheint der Interpret dieser berühmtesten Arie der Oper, ein wandernder Sänger, nicht auf der Bühne.

• Der wandernde Sänger hinter der Bühne: I. Kozlovsky, S. Lemeshev, L. Sobinov

Berühmte Audioaufnahmen

• - Dirigent V. Smirnov, Chor und Orchester des All-Union Radio, „Melody“, UdSSR.

Darsteller: Raphael- V. Kaluzhsky (Teil in Tenor transponiert), Fornarina- Z. Dolukhanova, Kardinal- A. Korolev, Wandernder Sänger- V. Kravtsov.

• - Dirigent K. Orbelyan, Chor der spirituellen Wiederbelebung Russlands und Nationales Philharmonisches Orchester, „Delos“, Russland.

Darsteller: Raphael- M. Domashenko (Teil transponiert in Mezzosopran), Fornarina- T. Pawlowskaja, Kardinal- A. Winogradow, Wandernder Sänger- V. Grivnov.

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Anmerkungen

Links

Auszug über Raffael (Oper)

- Nun, er wird es herausfinden, na ja, dein Bruder, Bräutigam!
„Ich habe keinen Verlobten, ich habe abgelehnt“, rief Natasha.
„Das spielt keine Rolle“, fuhr Marya Dmitrievna fort. - Nun, sie werden es herausfinden, warum also es so belassen? Schließlich ist er, dein Vater, ich kenne ihn, wenn er ihn schließlich zu einem Duell herausfordert, wird es dann gut sein? A?
- Oh, lass mich in Ruhe, warum hast du dich in alles eingemischt! Wofür? Wofür? Wer hat dich gefragt? - schrie Natascha, setzte sich auf das Sofa und sah Marya Dmitrievna wütend an.
- Was wolltest du? - Marya Dmitrievna schrie wieder aufgeregt auf, - warum haben sie dich eingesperrt? Nun, wer hat ihn davon abgehalten, zum Haus zu gehen? Warum sollten sie dich wie eine Art Zigeuner mitnehmen? ... Nun, wenn er dich mitgenommen hätte, was glaubst du, wäre er nicht gefunden worden? Dein Vater, Bruder oder Verlobter. Und er ist ein Schurke, ein Schurke, das ist es!
„Er ist besser als ihr alle“, rief Natasha und stand auf. - Wenn du dich nicht eingemischt hättest... Oh mein Gott, was ist das, was ist das! Sonya, warum? Geh weg!... - Und sie fing an zu schluchzen mit solcher Verzweiflung, mit der die Menschen nur solchen Kummer betrauern, den sie selbst als Ursache empfinden. Marya Dmitrievna begann erneut zu sprechen; aber Natascha schrie: „Geh weg, geh weg, ihr alle hasst mich, ihr verachtet mich.“ – Und wieder warf sie sich auf das Sofa.
Marya Dmitrievna ermahnte Natascha noch einige Zeit und überzeugte sie davon, dass dies alles vor dem Grafen geheim gehalten werden müsse, dass niemand etwas herausfinden würde, wenn Natascha es nur auf sich nehmen würde, alles zu vergessen und niemandem zu zeigen, dass etwas passiert sei. Natasha antwortete nicht. Sie weinte nicht mehr, aber sie begann zu frösteln und zu zittern. Marya Dmitrievna legte ihr ein Kissen auf, deckte sie mit zwei Decken zu und brachte ihr selbst Lindenblüten, aber Natascha antwortete ihr nicht. „Nun, lass ihn schlafen“, sagte Marya Dmitrievna und verließ das Zimmer, weil sie dachte, sie schliefe. Aber Natasha schlief nicht und blieb stehen mit offenen Augen Aus ihrem blassen Gesicht blickte sie geradeaus. Die ganze Nacht über schlief Natascha nicht, weinte nicht und sprach nicht mit Sonja, die aufstand und mehrmals auf sie zukam.
Am nächsten Tag traf er zum Frühstück, wie Graf Ilja Andreich versprochen hatte, aus der Region Moskau ein. Er war sehr fröhlich: Der Deal mit dem Käufer lief gut und nichts hielt ihn jetzt in Moskau und in der Trennung von der Gräfin, die er vermisste. Marya Dmitrievna traf ihn und erzählte ihm, dass es Natascha gestern sehr schlecht gegangen sei und dass man einen Arzt holen lassen habe, dass es ihr aber jetzt besser gehe. Natascha verließ an diesem Morgen ihr Zimmer nicht. Mit geschürzten, rissigen Lippen und trockenen, starren Augen saß sie am Fenster und blickte ruhelos auf diejenigen, die die Straße entlanggingen, und blickte hastig auf diejenigen zurück, die den Raum betraten. Sie wartete offensichtlich auf Neuigkeiten über ihn, darauf, dass er kam oder ihr schrieb.
Als der Graf auf sie zukam, drehte sie sich unruhig um, als sie die Schritte seines Mannes hörte, und ihr Gesicht nahm den früheren kalten und sogar wütenden Ausdruck an. Sie stand nicht einmal auf, um ihn zu treffen.
– Was ist los mit dir, mein Engel, bist du krank? - fragte der Graf. Natascha schwieg.
„Ja, ich bin krank“, antwortete sie.
Auf die besorgten Fragen des Grafen, warum sie so getötet wurde und ob ihrem Verlobten etwas zugestoßen sei, versicherte sie ihm, dass nichts falsch sei und bat ihn, sich keine Sorgen zu machen. Marya Dmitrievna bestätigte Nataschas Versicherungen gegenüber dem Grafen, dass nichts passiert sei. Der Graf sah nach der eingebildeten Krankheit, nach der Unordnung seiner Tochter und nach den verlegenen Gesichtern von Sonya und Marya Dmitrievna deutlich, dass in seiner Abwesenheit etwas passieren würde: aber er hatte solche Angst bei dem Gedanken, dass etwas Schändliches passiert war an seine geliebte Tochter. Er liebte seine fröhliche Ruhe so sehr, dass er es vermied, Fragen zu stellen, und immer wieder versuchte, sich zu vergewissern, dass nichts Besonderes passiert war, und nur darüber trauerte, dass ihre Abreise ins Dorf aufgrund ihres schlechten Gesundheitszustands verschoben worden war.

Von dem Tag an, als seine Frau in Moskau ankam, bereitete sich Pierre darauf vor, irgendwohin zu gehen, nur um nicht bei ihr zu sein. Kurz nachdem die Rostows in Moskau angekommen waren, ließ ihn der Eindruck, den Natascha auf ihn machte, beeilen, sein Vorhaben zu verwirklichen. Er ging nach Twer, um die Witwe von Joseph Alekseevich zu besuchen, die ihm vor langer Zeit versprochen hatte, ihm die Papiere des Verstorbenen zu geben.