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Dieses Jahr gibt es beim NET-Festival kein interpretierendes Theater, sondern nur die Entwicklung neuer Theaterräume und neuer Wege der Kommunikation mit dem Publikum. Es wird drei Tanz-„Kunstwerke“ geben (wie Marina Davydova Jerome Bels Werk Gala nannte, aber auch andere Tanzaufführungen auf NET können so genannt werden): die bereits erwähnte Gala, Climax von Yasmin Godder und „The Returned“ von Victor Karina, Mia Zanetti und Choreograf Miguel.

Unser Team hilft Ihnen bei der Auswahl der Vorstellungen, die Sie unbedingt besuchen möchten. NET-Leitfaden.

URLAUB DER ZUKUNFT

Forced Entertainment/Regie: Tim Etchells (Sheffield, UK)

Was ist das: Zwei Schauspieler (ein Mann und eine Frau) sagen abwechselnd ihre eigenen und die Annahmen anderer über die Zukunft, die alptraumhaftesten oder absurdesten. Manchmal herrscht ein Konkurrenzgefühl zwischen den Darstellern, die jeweils versuchen, eine immer verstörendere und urkomischere Version der Realität darzustellen. Sie sprechen tatsächlich über die Gegenwart – Hoffnungen und Ängste, auch solche über die Zukunft.

Warum Sie zuschauen sollten: Forced Entertainment ist eine Gruppe britischer Künstler, die sich 1984 trafen und begannen, die Struktur von Theatern und der Moderne zu erforschen. Und sie haben keine Angst vor Experimenten. Seit 30 Jahren reist das Unternehmen bereits um die ganze Welt und studiert aktiv im akademischen Bereich der Kunst. Das Theater ist ständig auf der Suche nach neuen Formen der theatralischen und performativen Kunst und forscht unermüdlich weiter modernes Leben in Städten. „Holidays of the Future“ ist ein sehr ironischer Dialog über uns alle.

TIBETISCHES TOTENBUCH

Theatre.doc / Regie: Vasily Berezin (Moskau, Russland)

Was ist das: Ein verlassenes hundert Jahre altes Depot des Kursker Bahnhofs, Graffiti, Schauspieler, Obdachlose ... Die Zuschauer müssen sich vorstellen, dass sie bereits gestorben sind, dass sie nichts mehr zu befürchten haben, und sich Anweisungen darüber anhören, was sie danach erwartet Tod. Es wird keine Traurigkeit oder Trübsinn geben, alles wird mit Humor sein. Und tatsächlich geht es in dem Stück um das Leben und darum, was noch getan werden muss.

Warum Sie zuschauen sollten: Das tibetische Totenbuch ist ein buddhistischer Text darüber, was das menschliche Bewusstsein nach dem Tod und vor der Reinkarnation erwartet. Dieses Buch hatte großer Einfluss zu den Ansichten und wissenschaftlichen Arbeiten von C. G. Jung. Das Thema selbst ist spannend und wird sogar an einem solchen Ort und sogar von Teatr.doc gespielt. Hier sind vielleicht drei wichtige Gründe, warum Sie sich warm anziehen und Ihre Ängste überwinden sollten.

Wo wann: Verlassenes Depot des Bahnhofs Kursk (Zemlyanoy Val St., 9) / 19. November, 20:00 Uhr

10 10 10

Multimedia-Performance / Gruppe Anonymus

Was ist das: 10 Videogeschichten, inspiriert von 10 Werken (Vladimir Nabokov „Die Verteidigung von Luzhin“ / „Camera Obscura“. Franz Kafka „Amerika“, Thomas Mann „Der Zauberberg“, Fjodor Dostojewski „Verbrechen und Sühne“, Virginia Woolf „Jakobs Zimmer“ / „Wellen“, Henry Miller „Tropic of Cancer“, William Burroughs „Naked Lunch“, Joseph Brodsky „Embankment of the Incurable“). Das Thema, das sie alle verbindet, sind die unsichtbaren Bilder eines Hotelzimmers, in dem sich ein Mensch mit seinen Gedanken in einem Vakuum zwischen Vergangenheit und Zukunft befindet.

Warum Sie zuschauen sollten: Anonyme Gruppe- ein kreativer Zusammenschluss von Absolventen der Berliner Bauhaus-Schule. Ihr Tätigkeitsfeld sind multidisziplinäre und multikulturelle Projekte, die Video, Ton, bildende Kunst, Kino und zeitgenössische Choreografie kombinieren. Es ist interessant, dass sie so etwas gefilmt haben, inspiriert von so unterschiedlichen Werken.

Wo wann: Neuer Raum des Theaters der Nationen, 20.–28. November, von 16:00 bis 21:00 Uhr (Eintritt frei)

FLÜCHTLINGSGESPRÄCHE

Produktionsleiter: Konstantin Uchitel, Regisseur: Vladimir Kuznetsov (St. Petersburg, Russland)

Was ist das: Eine Promenadenvorstellung am Leningrader Bahnhof nach dem Stück von Bertolt Brecht, das 1940–41 in Finnland geschrieben wurde. Das Stück ist ein Gespräch zwischen zwei deutschen Flüchtlingen aus dem Zweiten Weltkrieg und spielt im Hauptbahnhof von Helsinki. Der Zuschauer wird durch den Bahnhof Leningradsky wandern und dem Dialog zwischen zwei Akteuren lauschen, die entweder zusammenlaufen oder auseinandergehen. Dadurch hat der Zuschauer die Wahl, welchem ​​Schauspieler er folgen möchte und ob er überhaupt folgen möchte – er kann einfach in jeder gewünschten Richtung um den Bahnhof herumlaufen.

Warum Sie zuschauen sollten: Eine Promenadenaufführung ist für den Zuschauer immer eine Gelegenheit, zum Komplizen der Aufführung zu werden, sein eigenes Theater zu schaffen und den Akt der Theaterschöpfung hier und jetzt zu spüren. Darüber hinaus sind Themen, die in vor 75 Jahren geschriebenen Dialogen auftauchen, auch heute noch relevant. Jeder wird seine eigenen Gemeinsamkeiten finden.

GOLDENER ESEL. OFFENER ARBEITSRAUM

Stanislavsky Electrotheatre, Direktoren: Kreativgruppe von Boris Yukhananov (Moskau, Russland)

Was ist das: Ein neues Genre für Russland ist ein offener Arbeitsraum, d.h. Die Schauspieler lesen ihre Rolle, halten dann inne und kommentieren ihren Auftritt, oder Yukhananov selbst unterbricht den Auftritt und kommentiert ebenfalls. All dies dauert fünf Tage und ist in Tagesvorstellungen (von 14:00 bis 18:00 Uhr) und Abendvorstellungen (19:00 bis 23:00 Uhr) unterteilt. Während der gesamten Projektlaufzeit wird der Text von Apuleius‘ Roman „Metamorphosen oder der goldene Esel“ vollständig gelesen.

Warum Sie zuschauen sollten: Ein neues Genre, fast eine Woche lang angeschaut. Und auch eine komplizierte Komposition: Fünf Tage sind fünf Teile eines Schmetterlings (vier Flügel und ein Körper) – zwei „Shaggy“, zwei „White“ und „City“. Faszinierend und geheimnisvoll, fast wie „The Drillers“.

AUSSTELLUNG „CHRISTOPH SCHLINGENSIEFFS MAUER: ZWISCHEN REALITÄT UND IMAGINATION“

Galerie auf Soljanka

Was ist das: Wand, der Kreativität gewidmet Christoph Schlingensief – Videoausschnitte aus Theaterproduktionen, Fotos von Auftritten, Zitate und Teile eines Interviews mit Schlingensief selbst, einem der originellsten deutschen Künstler. der im postdramatischen Theater, Kino, Oper und Aktionismus gearbeitet hat.

Warum Sie zuschauen sollten: Schlingensief ist im Westen sehr beliebt, hier jedoch nicht. Sie müssen diese Lücke füllen und dorthin gehen, um Ihre eigene Vision dieses Künstlers zu entwickeln.

Regisseur: Pippo Delbono (Italien-Kroatien)

Was ist das: Erinnerungen an kroatische Künstler, die die traumatischen Ereignisse eines brutalen Krieges überlebt haben, der die Geschichte und Grenzen ihres Heimatlandes veränderte, wechseln sich mit Videoaufnahmen aus einem italienischen Flüchtlingslager ab. In Delbonos Darbietungen gibt es keine klar definierten Charaktere, keinen dramatischen Umriss oder gar eine Inszenierung im traditionellen Sinne des Wortes.

Warum Sie zuschauen sollten: Als Pippo Delbono nach Moskau kam, verstanden sie ihn nicht. Jetzt kommt er wieder, allerdings als Star der europäischen Bühne. Vangelo (italienisches Evangelium) ist ein innerer Dialog mit seiner verstorbenen katholischen Mutter, die wollte. damit er das Evangelium auf die Bühne bringen konnte. „Wie kann ich das tun, wenn ich nicht einmal an Gott glaube?“ - sagt der Regisseur zu Beginn der Aufführung. Wir müssen jetzt kommen und sehen, wie er es gemacht hat, und versuchen, es zu verstehen, zumindest dieses Mal.

IST ZURÜCKGEKOMMEN

Projekt von YBW, Regie: Victor Karina, Mia Zanetti, Choreograf: Miguel

Was ist das: Eine immersive Show basierend auf dem Theaterstück „Geister“ von Henrik Ibsen. Die Zuschauer werden Masken aufsetzen und dürfen mehr als drei Stunden lang durch die Villa schlendern, stilisiert als viktorianisches Zeitalter. In jedem Raum wird eine Art Aktion stattfinden, buchstäblich aus der Ferne Armlänge. Natürlich ist es unmöglich, alles auf einmal zu sehen. Jeder wird seinen eigenen Auftritt haben.

Warum Sie zuschauen sollten: Das neue Genre der immersiven Show für Russland wird wie eine atemberaubende Reise sein, voller Geheimnisse und Intrigen. Haben Sie jemals davon geträumt, in einem Film von David Lynch mitzuwirken? Bitte. Wie ein Geist wandert der Betrachter durch die Labyrinthe des Herrenhauses und beobachtet die seltsamen Beziehungen einer Familie.

Wo wann: Dashkov Lane, 5. / 27. November (Vorschau), 1. Dezember, Einzelsitzungen

KARINA UND DRON

Kreativlabor „Ugol“, Direktor: Dmitry Volkostrelov (Kasan, Russland)

Was ist das: ein Stück von Pavel Pryazhko über Schulkinder der Generation 2000, die sich ein Leben ohne Internet und Smartphone nicht vorstellen können. Die Schauspieler sind kasanische Teenager im Alter von 14 bis 16 Jahren, einige sind Theaterschüler und einige sind normale Schulkinder. Neben dem „verbalen Müll“ von Schulkindern enthält das Stück laut Regisseur die Geschichte vom „Gebrüll der Erde“, das ein Vorbote der Apokalypse ist.

Warum Sie zuschauen sollten: Der Dramatiker Pavel Pryazhko verbrachte lange Zeit damit, Minsker Schulkinder zu belauschen, um Material für das Stück zu sammeln. Es lohnt sich, vorbeizukommen und zuzuhören, wie die moderne Jugend lebt, was sie beschäftigt und wie es vom Gründer des St. Petersburger Posttheaters, Dmitri Volkostrelow, dargelegt wurde.

ATEM

Regisseur: Marat Gatsalov (Moskau, Russland)

Was ist das: Duncan MacMillans Stück „Breath“ ist die Reflexion eines Mannes und einer Frau darüber, was ihrem Kinderwunsch zugrunde liegt. Wenn Sie Auto fahren, verwenden Sie Plastiktüten Das heißt, Sie verschmutzen den Planeten auf jede erdenkliche Weise. Wie können Sie Kinder bekommen? Wer wird schneller sterben, der Planet oder die Beziehung zwischen Mann und Frau?

Warum Sie zuschauen sollten: Moskauer sahen dieses von Katie Mitchell inszenierte Stück beim NET-Festival 2014. Jetzt wird dieses Stück vom „jungen, aber sehr erfahrenen“ Regisseur Marat Gatsalov inszeniert, der kürzlich für Folgendes inszeniert hat Neue Szene Alexandrinki. Und die Bühnenbildnerin hier ist Ksenia Peretrukhina, die für viele Preise nominiert wurde.

Konzept und Produktion: Jérôme Bel

Was ist das: Dekonstruktion des akademischen Tanzverständnisses. Der Kampf gegen populäre Vorstellungen über die Selektivität und Exklusivität des Darstellers findet hier in Form einer Gala statt, einer kollektiven Amateurshow, in der die Idee von „ guter Tanz” weicht dem puren Vergnügen, auf der Bühne aufzutreten. Gala erforscht die physische und mentale Plastizität untrainierter Körper und mobilisiert ihren Wunsch nach Selbstdarstellung im Tanz und ihre Fähigkeit, choreografisches Wissen, wenn auch minimal, zu verkörpern. Diese. Nicht-professionelles Galakonzert.

Warum Sie zuschauen sollten: Jérôme Bel ist einer der Anführer der Non-Dance-Bewegung. Aufgeführt mit Preljocaj und Obadiah, Inszenierung der Winterzeremonie mit Decouflé Olympische Spiele(1992). Vor drei Jahren wurde er zum Star des Avignon Festivals mit der Aufführung des Disable Theatre, an der Tänzer mit besonderen Bedürfnissen (Schauspieler des Zürcher Hora Theaters) teilnahmen. Die Inszenierung überraschte auch Marina Davydova)

Choreographie: Yasmin Godder

Was ist das: Sechs Tänzer bilden einen Kreis und schauen sich gegenseitig direkt in die Augen. Sie schließen das Publikum nach und nach aus ihren Reihen aus und übermitteln sich gegenseitig Signale durch Bewegung, Pantomime, Geschrei, Gesang und Stille, manchmal entspannend, manchmal angespannt Climax untersucht die Grenzen sowohl des Tanzes als auch der Performance-Kunst und untersucht zeitgenössische Konzepte kritisch durch den Einsatz von Wiederholungen, synchronisierten Bewegungen und Gruppenbewegungen. Nationalität und Selbstbestimmung.

Warum Sie zuschauen sollten: Yasmin Godder wurde in Jerusalem geboren und studierte an der Martha Graham School und anschließend an der Tisch School of Art der New York University. Im Laufe von 15 Jahren entwickelte sie ihr Tanzvokabular und erforschte Bewegungen. Die Arbeit von Climax erfordert von den Tänzern unglaubliche Hingabe und Ehrlichkeit, die auch an das Publikum weitergegeben werden, das nicht einmal einen Platz zum Sitzen hat.

MEDEA. MATERIAL

Kreativverein ORTA, Direktor: Rustem Begenov (Almaty, Kasachstan)

(Programm AUS)

Was ist das: Ein technologisches Mysterium für sechzehn Modelle, sechs Musiker, vier Bildschirme, drei Kameras und zwei Stimmen an der Schnittstelle von Theater, Performance, einem Konzert moderner akademischer Musik und automatischem Ballett. Es basiert auf den Texten von Heiner Müller „Medea.Material“ und Olzhas Suleimenov „AZ and I“. Dabei handelt es sich um ein Landschaftsmusiktheater, bei dem Musik, Technik, Körper, Szenografie, Kostüm und Text in einem gleichberechtigten Verhältnis und gleicher Präsenzstärke stehen. Wenn immer noch nicht alles klar ist, schauen Sie sich einen Ausschnitt des Videos an (was jedoch nicht viel hilft).

Warum Sie zuschauen sollten: Rustam Begenov, ein Schüler von Boris Yukhananov, arbeitete am Stanislavsky Electrotheater als produzierender Produzent und Assistent. Die Musik des Stücks wurde von Sanzhar Baiterekov geschrieben und vom Igeru-Ensemble aufgeführt, dem ersten kasachischen Ensemble für moderne akademische Musik. Das Bühnenbild wurde von der berühmten kasachischen Filmkünstlerin Yulia Levitskaya entworfen, die gesamte Maschinerie der Aufführung, einschließlich der Roboter-Stimmgabeln, wurde vom Artdepartment-Studio entwickelt und gebaut. Und statt Schauspielern gibt es echte kasachische Models.

Auch innerhalb des Festivalclubs wird es viel Interessantes zu sehen geben, weitere Details auf der Festival-Website: http://netfest.ru

Kann ich es auf dem Festival sehen? „NET – Neues Europäisches Theater“ schreckliche Leistung? Natürlich ja – schon allein deshalb, weil jeder seine eigenen Kriterien für „schön“ und „schrecklich“ hat und jedem vielleicht ein 100-Euro-Schein gefallen wird ( Sogar Charlie Chaplin hat Hasser). Aber es ist absolut sicher, dass es bei NET keine unnötigen, wertlosen, optionalen Aufführungen gibt: Die künstlerischen Leiter des Festivals, Marina Davydova und Roman Dolzhansky, haben ein perfektes Gespür dafür, was lebendiges, zeitgenössisches Theater ist.

NET-2016 eröffnet am 17. November auf unerwartet intime Weise – fast im Stehen Britische Gruppe Zwangsunterhaltung „Feiertage der Zukunft“, ein unterhaltsamer Zukunftskongress für ein intimes Publikum: Künstler aus Sheffield werden darüber sprechen, was uns erwarten könnte Kleine Bühne Theater der Nationen. Aber beeilen Sie sich nicht, sich über das derzeit bescheidene Budget des Festivals zu beschweren, das in den vergangenen Jahren große und teure Produktionen von Superstars nach Moskau brachte – Marthaler und Fabre, Thalheimer und van Hove, Peter Brook, Katie Mitchell, Joseph Naja, Corneille Mundruczo, Declan Donnellan, Philippe Kehn: Die Liste lässt sich beliebig fortsetzen. In den letzten Tagen des Festivals präsentiert die Kompanie der israelischen Choreografin Yasmin Godder die Performance Climax, eines der Hauptereignisse des Wiener Sommerfestivals Wiener Festwochen. Inszeniert wird der herausragende französische Choreograf Jerome Belle große Bühne Theater der Nationen Gala unter Beteiligung von Laientänzern. Und die zweite, inoffizielle Eröffnung von NET wird die Tournee des einzigartigen italienischen Regisseurs Pippo Delbono mit dem Stück sein "Evangelium".

Die Zerstörung der Grenzen zwischen den Künsten ist ein allgemeiner Trend unserer Zeit, den NET aufzeichnet: Neben Auftritten unterschiedlicher Unkonventionalität findet auf dem Festival auch eine Ausstellung des großen deutschen Hooligans statt Christoph Schlingensief (Es wird am 24. November in der Galerie auf Soljanka eröffnet) und Videoinstallationen des Berliner Kollektivs Anonymus „10 10 10“ (vom 20. bis 28. November im Neuen Raum des Theaters der Nationen). Logischer Festivalcode – Höhepunkt Yasmin Godder, eine radikale Mischung aus physischem Theater und zeitgenössischer Kunst, bei der nichts Tänzer und Zuschauer trennt und der politische Kontext aus der Nähe von Beobachtern und Künstlern entsteht.

Doch selbst für das „Evangelium“, das in das übliche Rechteck der Bühne eingeschlossen ist, ist der Begriff der Grenzen relativ. Der Autor, Pippo Delbono, ist ein stämmiger Mann mit bemerkenswerter Plastizität, der nur seinem scheinbar ungelenken Körper vertraut. Ein Schauspieler und Regisseur, der sein Leben, seine Familie, seine Erinnerungen, seine Träume, seine politischen und erotischen Leidenschaften öffentlich macht – in poetischen Essayfilmen und vielfigurigen Theaterkompositionen: Delbonos Truppe ist im Wesentlichen seine Familie und ihr kleiner Soldat – der Taubstumme der 80er-Jahre. Der einjährige Bobo, von Delbono nach 50 Jahren Haft aus einer psychiatrischen Klinik entlassen, ist für Pippo nicht weniger wichtig als seine kürzlich verstorbene Mutter ( Sie fragte einmal den verlorenen, ungläubigen Sohn, warum sollte er das Evangelium nicht dramatisieren?). Im „Evangelium“ verschmilzt, wie immer bei Delbono – wenn auch nein, schärfer als immer – das „Persönliche“ mit dem „Öffentlichen“: Zu den Figuren des Stücks gehören die wahren Helden unserer Zeit, Flüchtlinge aus Syrien, Afghanistan und Afrika, die Bedrohung ( oder hoffen?) altes Europa. Diese Aufführung hat ein „Double“ – einen gleichnamigen Film, der auf gezeigt wird. Pippo hielt das theatralische „Evangelium“, das nur von einem „reinen“, wohlhabenden Publikum gesehen werden kann, für bürgerlich und begab sich, um für sich wieder Klarheit über das Thema und den Sinn des Lebens zu gewinnen, in ein Flüchtlingslager Spielen Sie die gleiche Handlung mit illegalen Einwanderern, die im neuen europäischen Schwebezustand auf die Entscheidung ihres Schicksals warten.

NET eröffnet traditionell neue Theaterräume – im wahrsten Sinne des Wortes: also eines der unvergesslichsten Projekte, eine „Walking“-Performance Englisches Theater dreamthinkspeak „Don’t Look Back“ wurde in den Werkstätten der „Factory“ gespielt: Sie verwandelten sich in das Totenreich, durch das das Publikum wie Orpheus wanderte. Im Jahr 2016 wird NET auch ein eigenes Hades haben – das Teatra.doc-Projekt „Tibetisches Totenbuch“; Es wird in einem verlassenen Depot am Kursky-Bahnhof gespielt. Und daneben steht auf dem Programm eine Aufführung, die sich mit dem gleichen schmerzlichen Thema der erzwungenen Auswanderung befasst – dieser „Gespräche mit Flüchtlingen“ Konstantin Uchitel und Vladimir Kuznetsov „führen“ Bertolt Brechts Stück in den realen Raum ein: In Moskau ist dies der Leningrader Bahnhof.

Zurück zu den Regiestars, ohne die NET undenkbar ist. Ohne Frage kann unser Landsmann Dmitry Volkostrelov zu ihnen gezählt werden. NET bringt die Show „Karina und Drohne“, von ihm nach dem Stück von Pavel Pryazhko im Kasaner Kreativlabor „Ugol“ inszeniert – mit aufstrebenden Schauspielern, im gleichen Alter wie die Helden des Stücks über moderne Teenager, deren Beziehungen und sogar Sprache für viele fremdartig sind. Die Aufführung beginnt mit Karinas Worten „ Ich möchte einen Big Mac essen und große Kartoffeln „, endet mit Drones Bemerkung „ Für Cosplay nicht maßstabsgetreu„, zusammen – 55 Minuten Teenager-Geschwätz, unverständlich, seltsam, lustig und bodenlos. Die meisten Bemerkungen des Dramatikers lauten wie „ küssen, umarmen, sich verabschieden», « Nimmt das Tablet und schreibt neu Hausaufgaben pro Blatt„- der Regisseur reduziert es entweder auf asketische Plastizität ( Die sechs Charaktere kommen nicht in direkten Kontakt und verlassen auch nie die Minipodien entlang der Bühne.), entweder durch das Lichtspiel ersetzt oder es ganz ignoriert. Aber Volkostrelov verwirklicht Pryazhkos Eröffnungsbemerkung über ein lautes, zähes Geräusch, das 2012 aus den Eingeweiden der Erde zu kommen schien: Das Summen, vermischt mit dem üblichen Stadtlärm, ist unaufhörlich. Und es lässt viele Interpretationen zu: Dies ist der Klang des Universums, der nicht rational erklärt werden kann. Und eine mächtige Barriere – zwischen den Helden mit ihren Teenagerangst, mikroskopischen Tragödien, Liebeserklärungen und dem Bedürfnis, sich gegenseitig anzuschreien. Zwischen den Generationen – für die Älteren ist das Publikum verantwortlich, das dem Text aufmerksam zuhören muss. Zwischen Individuen, für die keine neue Zeit das Problem der existenziellen Einsamkeit beseitigen wird. Weltraumthemen, Weltraumperformance.

Eines der hellsten Theaterfestivals in Russland wird das Publikum erneut mit den bahnbrechenden Werken europäischer Dramatiker und kühnen Experimenten der Hausangestellten von Melpomene begeistern.

Seit seiner Gründung im Jahr 1998 hat sich das New European Theatre oder NET fest als „fortgeschrittener Außenposten“ der progressiven westlichen Bühne auf postsowjetischem Boden etabliert. Die Macher des Kunstforums haben sich zum Ziel gesetzt, in die Kulturlandschaft der Hauptstadt – und im weiteren Sinne in die russische – das Gewagteste und Avantgardistischste einzubringen, was die führenden Theater Europas heute leisten. Moskau zu einem internationalen Anziehungspunkt zu machen, wo „neue Wellen“ europäischer und Russische Kunst. Um eine so große Aufgabe zu lösen, nutzt das Neue Europäische Theater die reichhaltigste Genrepalette des modernen Theaters – von einer innovativen Interpretation des klassischen Dramas bis hin zu multimedialer Aufführung.

Die Veranstaltungsorte des NET-Festivals werden jedes Jahr zu den besten Kulturräume Hauptstädte, darunter das Theater der Nationen, das nach ihm benannte Zentrum. Sonne. Meyerhold, Stanislawski-Elektrotheater, Staatsgalerie auf der Soljanka. Gemäß dem Geist innovativer Kreativität, der die konzeptionelle Grundlage von NET bildet, verlässt die Aktion von Festivalshows problemlos die „vertraute“ Theaterbühne. Museumssäle, Nachtclubs oder Moskauer Bahndepots werden zu lebendigen Schauplätzen für Aufführungen und Tanzaufführungen. Zu den Hauptveranstaltungsorten des Theaterfestivals gesellt sich normalerweise das gemütliche Loft „Boyar Chambers“ im Gebäude der Union der Theaterarbeiter Russlands, in dem der NET Festival Club tätig ist.

Die Ticketpreise für das NET-Festival beginnen bei 700 Rubel. Bei einigen Veranstaltungen des Kulturforums ist der Besuch kostenfrei.

Das 18. Festival ist für uns ein Ausgangspunkt weitere Entwicklung nach einer langen Entwicklungsreise. Wir sind ruhiger geworden, aber wir streben immer noch danach, bisher unbekannte Formen zu verstehen.

Auf dem Programm stehen in diesem Jahr: ein britisches utopisches Theaterstück über die dynamischen Formen der Gegenwart und Zukunft („Holidays of the Future“), ein Challenge-Stück des berühmten italienischen Regisseurs Pippo Delbono („Vangelo“), eine Messenger-Inszenierung von Dmitry Volkostrelov über das Leben moderne Teenager(„Karina und Dron“), eine Tanzperformance des Franzosen Jérôme Bel unter Beteiligung von Menschen mit besonderen Bedürfnissen (Gala), das Phänomen des israelischen Tanzes im Werk von Yasmin Godder (Climax), eine auf St. Petersburg basierende Promenadenperformance zum Theaterstück von Bertolt Brecht („Gespräche der Flüchtlinge“); helle Premieren Moskauer Theater: Aufführungen „Tibetisches Totenbuch“, „Atem“ und „Goldener Esel“. Offener Arbeitsbereich“; sowie zwei besondere Projekte – eine Multimedia-Performance basierend auf berühmten Kunstwerke(„10 10 10“) und eine Ausstellung über Kreativität Deutscher Künstler Christoph Schlingensief.

Das OFF-Programm umfasst eine immersive Show, koproduziert von American und Russische Unternehmen(„The Returned“) und die kasachische Pop-Mechanik-Performance von Rustem Begenov („Medea. Material“).

HAUPTPROGRAMM:

„Feiertage der Zukunft“

Der Ibsen-Preis, manchmal auch „Theaterpreis“ genannt Nobelpreis„, ging dieses Jahr an Veteranen des Sprechtheaters Englische Gruppe Zwangsunterhaltung. Eine Gruppe aus der Nicht-Theaterstadt Sheffield, die nicht einmal über einen eigenen Veranstaltungsort verfügt, aber dank ihrer kleinen mobilen Auftritte auf der ganzen Welt bekannt ist. NET zeigt eine der neuesten Premieren, deren Originaltitel einem Lied ähnelt Kultgruppe Samtuntergrund.

„In Zukunft wird es keine Völker und Länder mehr geben...“ Zwei Schauspieler, ein Mann und eine Frau, stehen dem Betrachter mehr als eine Stunde lang gegenüber und fast ohne einander anzusehen, fantasieren über die Zukunft der gesamten Menschheit. „In der Zukunft…“ – beginnt einer, „Oder…“ – der zweite wendet ein... Vielleicht wird es in Zukunft auf jedem Kontinent nur noch einen Menschen geben; oder mehrere Personen verwenden denselben Körper; oder jeder Mensch kann beim Aufwachen am Morgen entscheiden, in welchem ​​Körper er an diesem Tag leben wird; Entweder wird jede Rasse ihren eigenen Kontinent besetzen, oder es wird überhaupt keine Rassen mehr geben. oder Sex wird zu etwas Uninteressantem, einer Aktivität nur für alte Leute ...

Die Einwände wirken oft nur wie ein Streit zwischen Männern und Frauen, fast wie ein Flirt, aber manchmal schlüpfen die Schauspieler geschickt in die Rollen von Konservativen und Liberalen, und dann nehmen die futuristischen Übungen einen aktuellen politischen Ton an. Bei einem dynamischen und witzigen Auftritt von Forced Entertainment geht es natürlich nicht um die Zukunft, sondern um die Gegenwart – um die Hoffnungen und Phobien der Menschen von heute und um die unüberwindliche Angst vor der Zukunft. Es ist kein Zufall, dass der Dialog der Charaktere mit der Annahme endet, dass es einmal so war Menschenleben wird nur eine Stunde dauern.

Das Projekt wird vom British Council in Russland unterstützt.

Eines der wichtigsten und kraftvollsten „dunklen Pferde“ des kommenden Festivalprogramms wird das Stück Vangelo sein, inszeniert vom weltberühmten italienischen Regisseur Pipo Delbono. Ein Wendepunkt in der Theaterkarriere des Künstlers, der oft als „das umstrittenste Genie der modernen italienischen Bühne“ bezeichnet wird, war seine Zusammenarbeit mit Pina Bausch. Damals wurde Delbono klar, dass für ihn der Mensch und sein Körper das Wichtigste waren. In den Darbietungen des Italieners gibt es keine klar definierten Charaktere, keinen dramatischen Umriss oder gar eine Inszenierung im herkömmlichen Sinne des Wortes. Es gibt einen fieberhaften Monolog des Regisseurs selbst – ein großer, stämmiger, kahlköpfiger Mann mit langen Armen, der sich mit Leichtigkeit über die Bühne bewegt, wie ein Kind, dem nie die Kunst des Tanzens beigebracht wurde. Und da sind die Künstler seiner exzentrischen Truppe: der alte Autist Bobo, den Pipo aus einer Nervenheilanstalt gerettet hat, der Down-Transvestit Gianluca ... Mit ihrer Hilfe versucht Delbono, die Künstlichkeit aus der Kunst zu verbannen. Verwandeln Sie ein Bühnenstück in ein Bühnengeständnis. Seine Werke sind von dem Wunsch durchdrungen, das Natürliche und das Falsche einander gegenüberzustellen und so die Konventionen des Theaters zu überwinden, in dem es nicht mehr möglich ist, Rollen zu spielen, sondern nur man selbst zu sein.

Was auch immer Delbono spricht, er meint immer das unstete Chaos, in dem wir alle von Geburt an versunken sind, und die unerschütterliche Grundlage der Existenz, die wir unser ganzes Leben lang zu finden versucht haben.

Die Performance Vangelo (italienisch: „Evangelium“) entstand im Gedenken an die Mutter des Künstlers, die als echte Katholikin ihren Sohn vor ihrem Tod fragte, warum er sich nie religiösen Themen zuwende. Allerdings sollte man keine bekannten Geschichten oder eine kanonische Inkarnation erwarten.

In Italien kommentiert die biblische Ikonographie nach Marx und Pasolini ausnahmslos moderne Geschichten die Leidenden und die Ausgestoßenen.

Foto von Luca Del Pia

„Karina und Drohne“

Die erste Produktion außerhalb der beiden Hauptstädte von Dmitry Volkostrelov (Gründer des St. Petersburger Posttheaters und Gewinner des Nationaltheaterpreises „Goldene Maske“) basiert auf dem Stück seines ständigen Autors Pavel Pryazhko. Der Text sieht aus wie zufällig zusammengesetzte Szenen, die die Sprache moderner Teenager aufzeichnen.

Volkostrelov nahm an der Aufführung der gestrigen Schulkinder teil – im Wesentlichen Muttersprachler dieser Sprache. Gesichter sind fast unsichtbar, Wörter sind oft nicht zu unterscheiden und die Kommunikation der Charaktere selbst erinnert an Chats in sozialen Netzwerken, in denen Rechtschreibung, Zeichensetzung und Syntax instabil sind und sich im Stadium einer neuen Formalisierung befinden. So entstehen neue Kommunikationscodes und der Mensch der Zukunft.

In letzter Zeit Besondere Aufmerksamkeit Theaterschaffende begannen sich für inklusives Theater und Inszenierungen unter Beteiligung von Menschen mit besonderen Bedürfnissen zu interessieren. Der Auftritt des französischen Regisseurs und Choreografen Jerome Bel ist ein hervorragendes Beispiel für die erfolgreiche Arbeit eines herausragenden Choreografen mit professionellen und nicht-professionellen Darstellern. An der Aufführung nehmen 20 professionelle und nicht-professionelle Moskauer Tänzer teil (darunter 2 Balletttänzer, 2 Performer). moderner Tanz, 2 Schauspieler, 2 Kinder 6-10 Jahre alt, 2 Teenager, 3 Rentner, 1 Transgender, 1 Person mit Down-Syndrom, 1 Person mit Zerebralparese).

Im ersten Teil der Performance präsentieren die Performer abwechselnd ihre Interpretation eines der Tanzstile und veranschaulichen damit Jerome Bels These über das Phänomen des sozialen Gedächtnisses. Im zweiten treten sie auf Solotänze die es aus ihrem wissen Alltagsleben, während der Rest der Gala ihre Bewegungen nachspielt. Dadurch wird die Aufführung nach dem Plan des Autors zu einem echten hedonistischen Manifest des Tanzes ohne Einschränkungen und Komplexe.

Die einzige Aufführung des Stücks im Rahmen des Festivals wird auf der großen Bühne des Theaters der Nationen aufgeführt.

Jérôme Bel ist Tänzer, Choreograf und Regisseur, einer der Anführer der „Non-Dance“-Bewegung. Geboren 1964 in Montpellier. Abschluss 1985 Nationales Zentrum zeitgenössischer Tanz in Angers. Teilnahme an Produktionen bedeutender Choreografen in Frankreich und Italien. Er war Philippe Decouflés Assistent bei der Inszenierung der Zeremonien der Olympischen Winterspiele in Albertville (1992). 1994 debütierte er als Choreograf. Er hat Auftritte auf der ganzen Welt gegeben, darunter Pariser Oper Garnier, Lyoner Oper und Brüsseler La Monnaie Theater. Er arbeitet mit berühmten Tänzern zusammen, nach denen er Auftritte benennt (Veronique Doisneau, Isabel Torres, Lutz Forster, Cedric Andrieu). Arbeitet aktiv mit Menschen mit Entwicklungsstörungen.

Das Projekt wird gemeinsam vom NET-Festival, dem Theater der Nationen und dem Französischen Institut in Moskau umgesetzt.

Foto von Herman Sorgeloos

Das Phänomen des zeitgenössischen israelischen Tanzes ist auf der Moskauer Bühne kaum vertreten, und eine seiner Schlüsselfiguren ist Yasmin Godder, geboren in Jerusalem und aufgewachsen in New York. Als Schülerin der Martha Graham Dance School interessierte sich das Mädchen für die Punkszene Manhattans der 1980er Jahre und konzentrierte sich nach ihrem Abschluss an der renommierten Tisch Art School ganz auf Bewegungsstudien.

Eines von Godders neuesten Werken, Climax, wurde vom Petah Tikva Museum of Fine Arts in Auftrag gegeben und ursprünglich für den Ausstellungsraum geschaffen. Durch die Kombination lebender und unbelebter, bildender und darstellender Künste ist es dem Mädchen gelungen, ein scharf politisches Werk zu schaffen, das einerseits das fragile Gemeinschaftsgefühl und den Wunsch nach Sicherheit innerhalb der Gemeinschaft widerspiegelt, die einerseits einem modernen Künstler innewohnen, andererseits aber auch das Gefühl, dass sie in der Gesellschaft lebende und unbelebte, bildende und darstellende Künste vereint in jedem Israeli und gleichzeitig überschattet von einem Gefühl der von außen drohenden Gefahr.

Die Arbeit erfordert von den Darstellern – sechs Tänzern – viel körperliche Anstrengung und beinhaltet ein einzigartiges Tanzvokabular, das Godder in den letzten 15 Jahren entwickelt hat. Im Kreis bildend, einander direkt in die Augen blickend, schließen die Darsteller, zunächst im Publikum, dieses nach und nach aus ihren Reihen aus und übermitteln sich gegenseitig Signale durch Bewegung, Pantomime, Rufen, Gesang und Schweigen, mal entspannend, mal angespannt. Übergänge von einer Existenzweise zur anderen erfolgen schnell und unerwartet.

Climax überschreitet die Grenzen sowohl der Tanz- als auch der Performancekunst und untersucht kritisch zeitgenössische Vorstellungen von nationaler Identität und Selbstbestimmung durch den Einsatz von Wiederholungen, synchronisierten Bewegungen und Gruppenbewegungen.

Foto von Gadi Dagon

„Gespräche mit Flüchtlingen“

Promenadenstück nach dem Theaterstück von Bertolt Brecht, geschrieben 1940-1941 in Finnland. Der Standort ist der Hauptbahnhof Helsinki. Die Aktion findet in den Hallen, Cafés und auf dem Bahnsteig statt. Mit Überwachungsgeräten bewaffnet erhält der Zuschauer die Möglichkeit, ein privates Gespräch zwischen einem gewissen Ziffel und Kalle zu beobachten. Jeder hat das Recht, seine eigene Überwachungsstrategie zu bestimmen: Man kann den Künstlern folgen oder in der Menge verschwinden und seine eigene visuelle Sequenz aufbauen, die spontan dem Tonkanal überlagert wird. Die Helden des Stücks, deren Stimmen den Zuschauer begleiten, sind zwei deutsche Flüchtlinge aus dem Zweiten Weltkrieg, die sowohl globale Weltthemen als auch kleinere alltägliche Unglücke diskutieren. Im Bild von Calle sind die Züge von Brecht selbst zu erkennen. Vielleicht kommt es dem Betrachter so vor, als hätte einiges von dem Gehörten seine Relevanz verloren.

Die Aufführung wurde vom St. Petersburger Festival „Access Point“ ins Leben gerufen, das sich auf ortsspezifische Kunst, insbesondere Theater in nicht-theatralischen Räumen, spezialisiert hat.

MOSKAU-PROGRAMM:

„Tibetisches Totenbuch“

Wassili Berezin, Regisseur des Stücks:

„...Diese Aufführung ist eine Gebrauchsanweisung darüber, was uns alle nach dem Tod erwartet. Die Aktion findet in einem verlassenen Depot des Bahnhofs Kursk statt, das rundherum bemalt ist. Das Gebäude befindet sich neben einem eleganten Büro- und Businesscenter. Und der ganze Gestank reicht bis zur Eisenbahn, zu dem verlassenen Gebäude mit der Inschrift von Kirill Who – „Alles wird von den Decken getragen... Neben den Schauspielern am Set gibt es Obdachlose, die ihre Körper hier zum Schlafen gelassen haben.“ oder Essen. Dank der Einheimischen wurde uns klar, dass es sich um eine Komödie handelte. Sie haben dieses Gefühl – nicht zu verzweifeln, sondern jeden Schicksalsschlag mit Humor zu ertragen. Stellen wir uns nun vor, dass Sie alle bereits gestorben sind und dass Sie in diesem Leben im Allgemeinen nichts zu befürchten haben. Das Stück handelt nicht vom Tod, sondern vom Leben. Im Laufe der Zeit gibt es noch viel zu tun.“

Foto von Alexander Chusov

"Atem"

Das Stück „Breath“ des britischen Dramatikers Duncan Macmillan ist eine Diskussion zwischen einem Mann und einer Frau darüber, was ihrem Kinderwunsch zugrunde liegt. Wenn Sie Auto fahren, Plastiktüten verwenden, das heißt, den Planeten auf jede erdenkliche Weise verschmutzen, wie können Sie dann Kinder bekommen? Wer wird schneller sterben – der Planet oder die Beziehung zwischen Mann und Frau? Einer der meisten interessante Stücke In den letzten Jahren hat es der junge, aber bereits erfahrene Regisseur Marat Gatsalov (in jüngster Vergangenheit Chefregisseur der Neuen Bühne von Alexandrinka) im Theater der Nationen inszeniert.

„Goldener Esel. Offener Arbeitsbereich“

Öffentliche Sitzung des neuen Prozessprojekts der Kreativgruppe von Boris Yukhananov, die der Arbeit am Text von Apuleius gewidmet ist. Das Projekt wurde im Genre des Open Space of Work umgesetzt, das für die heimische Theaterpraxis grundlegend neu ist.

Die Aktion ist eine Reihe von Vorführungen mit Kommentaren und Analysen und eine echte Fortsetzung der Arbeit – allerdings in Anwesenheit von Beobachtern. Der Reiz liegt darin, dass die Öffentlichkeit einen lebendigen, ungeschützten und dennoch ausgewogenen Dialog erlebt und am Lernerlebnis teilnimmt. Der karnevaleske Charakter von Apuleius‘ Text bietet in diesem Fall einen idealen Raum, um Theater in eine performative Praxis zu verwandeln.

BESONDERE PROJEKTE IM RAHMEN DES FESTIVALS:

„10 10 10“

10 Videos, 10 Minuten, 10 Geschichten

Die Gruppe Anonymous präsentiert eine Multimedia-Performance basierend auf:

Vladimir Nabokov „Die Verteidigung von Luschin“ / „Camera Obscura“

Franz Kafka „Amerika“

Thomas Mann „Der Zauberberg“

Fjodor Dostojewski „Verbrechen und Strafe“

Virginia Woolf „Jacob’s Room“/„The Waves“

Henry Miller „Wendekreis des Krebses“

William Burroughs „Naked Lunch“

Joseph Brodsky „Damm des Unheilbaren“

Die Anonymous-Gruppe übernahm die Rolle eines Katalysators und enthüllte die unsichtbaren Bilder, die den Raum jedes Hotelzimmers bevölkern. In einem Hotel ist ein Mensch oft mit sich und seinen Gedanken allein; eine neutrale Umgebung provoziert unerwartete Entscheidungen und Handlungen und sein ganzes Leben wird auf den Kopf gestellt. Dieses seltsame Vakuum, wie eine Art Zwischenstopp zwischen Vergangenheit und Zukunft, hat schon immer Schriftsteller und Künstler angezogen.

So entstanden zehn Videogeschichten, inspiriert von der Atmosphäre der Werke großer Schriftsteller.

Die Anonymous-Gruppe ist ein kreativer Zusammenschluss von Absolventen der Berliner Bauhaus-Schule. Ihr Tätigkeitsfeld sind multidisziplinäre und multikulturelle Projekte, die Video, Ton, bildende Kunst, Kino und zeitgenössische Choreografie kombinieren.

Ausstellung „Christoph Schlingensiefs Mauer: zwischen Realität und Imagination“

Archivausstellung über das Werk von Christoph Schlingensief, eines der originellsten und bedeutendsten für Deutsche Kultur Künstler werden von einem Mann erzählen, der es in 49 Jahren seines Lebens geschafft hat, etwas zu schaffen große Menge wegweisende Werke des postdramatischen Theaters, des Kinos, der Oper und der Aktionskunst.

Schlingensiefs Interdisziplinarität, gepaart mit der vom Künstler bevorzugten Methode der Provokation, trugen zur Entwicklung eines Unikats bei künstlerische Sprache, was es uns ermöglicht, genau und prägnant über die unangenehmsten Erscheinungsformen der menschlichen Natur in der modernen Welt zu sprechen. Indem er bewusst Fakten und imaginäre Details vermischte, stellte Schlingensief alle Besonderheiten einer zivilisierten Gesellschaft auf den Kopf und ironisierte soziale Probleme. Er hatte keine Angst davor, durch die Zurschaustellung seiner eigenen Krankheit Peinlichkeit oder Verurteilung hervorzurufen – der Künstler starb 2010 an Krebs.

Videoausschnitte aus Filmen und Theateraufführungen, Fotografien von Performances, Zitate und Ausschnitte aus Interviews mit Schlingensief selbst, die die „lebende Wand“ der Ausstellung bilden, deuten nur die Schichten der „Wirklichkeit“ des Künstlers an. Und wie es jedem Besucher erscheint, hängt von der individuellen Interpretation dessen ab, was er gesehen hat.

Die Kuratorin der Ausstellung ist Margarita Osepyan. Staatsgalerie auf Soljanka (Soljanka-Str., 1/2, Gebäude 2; Eingang von der Zabelina-Str.). Mit Unterstützung des Goethe-Instituts in Moskau.

PROGRAMM AUS:

Fesselnde Show „The Returned“

Koproduktion: Theatergruppe Jorney Lab (New York, USA) und YesBWork Company (Moskau, Russland).

Regisseure: Victor Karina und Mia Zanetti

Choreograph: Miguel

Produzenten: Vyacheslav Dusmukhametov und Miguel

New Yorker Kritikern zufolge „tauchen die immersiven Shows von Journey Lab den Zuschauer vollständig in kontinuierliche interaktive Action ein und vermischen gekonnt die Ästhetik von David Lynch-Filmen mit der Energie des modernen Theaters, einzigartiger Choreografie und beeindruckenden Spezialeffekten.“

Der Zuschauer findet sich inmitten mysteriöser Ereignisse wieder, die sich gleichzeitig auf dem gesamten Gebiet des antiken Anwesens abspielen. Im Herrenhaus erschienen Dutzende Geheimgänge und Türen, und als Ergebnis sechsmonatiger Proben, die streng vertraulich durchgeführt wurden, konnten russische Schauspieler einzigartige Techniken für die Interaktion mit dem Publikum beherrschen. Die auf Henrik Ibsens Theaterstück „Geister“ basierende Aktion findet auf Distanz statt, bezieht alle Sinne des Publikums ein und das unverzichtbare Attribut der Show – eine Maske – wird ein Gefühl von Anonymität und Geborgenheit erzeugen.

„Medea. Material"

Ein technologisches Mysterium für sechzehn Modelle, sechs Musiker, vier Bildschirme, drei Kameras und zwei Stimmen an der Schnittstelle von Theater, Performance, einem Konzert moderner akademischer Musik und automatischem Ballett. Es basiert auf den Texten von Heiner Müller „Medea.Material“ und Olzhas Suleimenov „AZ and I“.

Die erste Inszenierung in der Geschichte des kasachischen Theaters von Heiner Müller basiert auf der Ästhetik der Landschaft Musiktheater, wo Musik, Technik, Körper, Szenografie, Kostüm und Text in einem gleichberechtigten Verhältnis und gleicher Präsenzstärke stehen.

Regie: Rustem Begenov.

Komponist: Sanzhar Baiterekov.

Szenografie: Yulia Levitskaya.

Kostüme: Aidan Kozhageldin.

Die Musik wird vom Ensemble für zeitgenössische Musik „Igeru“ aufgeführt.

Produktion: Kreativverein ORTA gemeinsam mit dem Goethe-Institut Kasachstan, unter Beteiligung des nach ihm benannten Kasachischen Nationalkonservatoriums. Kurmangazy.

Festivalclub

Im Rahmen von NET 2016 findet erneut der Festival Club statt, über den wir am meisten sprechen werden interessante Veranstaltungen zeitgenössische Kunst und Kultur, über neue Namen des unabhängigen Kinos.

Eines der Hauptziele des Clubs ist die offene Kommunikation in einem informellen Rahmen mit Regisseuren, Choreografen, Komponisten, Theater- und Filmkritikern. Das Clubprogramm wird später bekannt gegeben.

Das Festival wird traditionell mit Unterstützung des Französischen Instituts in Moskau, des Goethe-Instituts in Moskau und des British Council in Russland durchgeführt.

Wir danken der Firma Academservice und der Union der Theaterarbeiter Russlands für ihre langjährige Zusammenarbeit.

Komplementärin des NET-Festivals: Mikhail Prokhorov Foundation.

In diesem Jahr findet das NET International Theatre Festival ( Neues Europäisches Theater) läuft vom 17. November bis 6. Dezember und sein Programm soll zeigen, in welchen neuen Formen und Genres die modernes Theater in Russland und im Ausland. Es erwarten uns die unerwartetsten Formate, darunter etwas zwischen einem Theaterstück, einer Performance, einer Plastikshow ...

Wir haben keinen Zweifel daran, dass NET mit einem solchen Setup die Zuschauer erneut mit unerwarteten und leuchtenden Entdeckungen überraschen wird, und um nichts zu verpassen, bieten wir eine detaillierte Navigation durch das Festivalprogramm von The Vanderlust an.

Feiertage der Zukunft

Forced Entertainment, Regie: Tim Etchells, Großbritannien

Eine Girlande auf der Bühne, ein kleines Holzpodest... Von dort aus sprechen die Helden, ein Mann und eine Frau, über ihre Zukunftsvision. Auf den ersten Blick scheint es, als ob nichts Aufregendes auf Sie wartet, aber je weiter die Charaktere fortschreiten, desto wildere und paradoxere Versionen äußern sie, und das Geschehen wird zu einem Anziehungskampf um das Thema der nicht allzu fernen Perspektiven der Menschheit ...

Es ist lustig, gruselig und unglaublich spannend, und irgendwann ertappt man sich dabei, dass man denkt: Je absurder die nächste Annahme, desto eher sieht sie nach der Wahrheit aus. Die Botschaft ist im Allgemeinen ganz einfach: Die Zukunft hängt von uns ab, aber um das zu verstehen, muss man manchmal eineinhalb Stunden lang Hals über Kopf in die Welt der fiebrigen Fantasien eintauchen ...

Tibetisch Buch der Toten

Regisseur Wassili Berezin, Russland

Ein gewöhnliches Theater beginnt mit einer Garderobe, doch hier bitten die Veranstalter im Gegenteil darum, sich warm anzuziehen: Das verlassene Depot am Kursky-Bahnhof, in dem diese ungewöhnliche Aktion von Theater.doc stattfindet, ist definitiv nicht der wärmste Ort . Graffiti an den Wänden, geheimnisvolle Schatten, unverständliche Charaktere (entweder Schauspieler oder echte Bewohner dieses Raums), jenseitige Geräusche – die Atmosphäre wird für Nervenkitzel sorgen und auf die richtige Weise durchdringen.

Aber das Wichtigste ist, eine ironische Haltung zu bewahren, denn die Macher selbst definieren das Genre ihrer höllischen Idee als Komödie. Wenn man über ein Problem lachen kann, dann ist das kein Problem mehr – mit einer solchen Einstellung lohnt es sich, sich dem „Tibetischen Buch...“ zuzuwenden: Es wird Optimisten unterhalten und erfreuen, und es wird ihnen die Lust am Leben zurückgeben Pessimisten.

10 10 10

Anonymus-Gruppe, Deutschland

Das besondere Projekt des Festivals ist eine multimediale Performance eines kreativen Teams aus Absolventen der berühmten Berliner Bauhaus-Schule, basierend auf den Werken von Burroughs, Brodsky, Wolfe, Dostojewski, Kafka, Mann, Miller und Nabokov. Wie und warum die Werke so vieler verschiedener Autoren in einem Spektakel vereint wurden – auf diese Frage müssen wir nach Antworten suchen.

Wir geben Ihnen einen Hinweis: Das Leitmotiv aller Geschichten wird das Hotel sein. Und es kann gut sein, dass seine Räume nicht nur von Gästen, sondern auch von unsichtbaren Geistern bewohnt werden, die nur auf die Stunde warten, in der sie den Auserwählten ihre Anwesenheit offenbaren ... Die Auserwählten werden natürlich alle sein, die zu sich kommen die Performance.

Wir schauen zu: Neuer Raum des Theaters der Nationen, 20.-28. November von 16:00 bis 21:00 Uhr, Eintritt frei

Gespräche mit Flüchtlingen

Regisseur Vladimir Kuznetsov, Russland

Diese Promenadenaufführung basiert nicht auf aktuellem Dokumentarmaterial, sondern auf einem Theaterstück von Bertolt Brecht, das Anfang der 1940er Jahre in Finnland geschrieben wurde. Die Handlung spielt zwar nicht wie im Original am Bahnhof in Helsinki, sondern am Leningrader Bahnhof in Moskau, doch das Gespräch zwischen den beiden Charakteren erweist sich als mehr als relevant, obwohl die Dialoge vor fast 80 Jahren geschrieben wurden .

Die minimale Aufgabe für den Zuschauer besteht darin, sich mit aufgesetzten Kopfhörern durch den Bahnhofsraum zu bewegen und dem Text aufmerksam zuzuhören. Die größte Aufgabe besteht darin, die Schauspieler in der Menge zu erkennen und ihnen möglicherweise stille Gesellschaft zu leisten. Für welche Promenadenvariante Sie sich entscheiden, bleibt Ihnen überlassen.

Goldener Esel. Offener Arbeitsbereich

Regisseur Boris Yukhananov, Russland

Das fünftägige Projektexperiment umfasst sowohl Tagesshows, bei denen sich die Struktur der Produktion ständig verändert, als auch Abendshows, bei denen das Publikum vorgefertigte Episoden erhält und apulischer Text mit improvisierten Kommentaren der Künstler verknüpft wird. Die Struktur des Projekts ist komplex; die Autoren verglichen seine Zusammensetzung mit der Struktur eines Schmetterlings: den unteren und oberen Teil der Flügel und den Körper in der Mitte.

Um sich nicht zu verwirren, was sich wo befindet, und um den „Schmetterling“ als Ganzes zu sehen, müssen Sie sich fast eine Woche Zeit nehmen oder versuchen, ihn in Teilen kennenzulernen. Ja, ein wichtiger Punkt für Fans antiker Literatur: Der Text von „Der goldene Esel oder die Metamorphosen“ wird hier vollständig und fast ohne Kürzungen verwendet.

Vangelo

Regie: Pippo Delbono, Italien-Kroatien

Ein komplexes Werk, in dem sich Gospelmotive und Moderne, Oper und Choreographie vermischen, zeitgenössische Musik und spiritueller Gesang, seltsamste Charaktere, von maskierten Ballerinas bis hin zu offensichtlichen Freaks, Videos und einem leidenschaftlichen Monolog des Regisseurs selbst, der entweder schreit oder fast von der Bühne flüstert ...

Die Themen Krieg und Erinnerung, Sünde und Vergeltung, persönliche Dramen und Tragödien ganzer Nationen sind hier zu hören, während „Das Evangelium“ (wie der Titel übersetzt wird) eine sehr intime Aussage bleibt, da es der Mutter des Regisseurs gewidmet ist, die vermachte ihrem Sohn die Möglichkeit, sich in seiner Arbeit religiösen Themen zuzuwenden.

Karina und Dron

Regisseur Dmitry Volkostrelov, Russland

Das ist eine Leistung kreatives Tandem Regisseur Volkostrelov und Dramatiker Pryazhko über die Generation Null. Sein junge Helden Sie sind für andere und manchmal sogar für sich selbst unverständlich, sie haben ihre eigene Sprache, Gesten, konventionelle Signale und Symbole, es ist nicht immer klar, was sie wollen und worüber sie sprechen ...

Das alles wird so wörtlich und mit so realistischer Präzision umgesetzt, dass mancher im Publikum ernsthaft irritiert wird: Der Ton sei nicht gebaut, die Schauspieler sprechen zu leise, die Akustik sei schlecht – aber darum geht es gar nicht, alles klingt genau so und es war beabsichtigt. Und in dieses undeutliche „Sprechen“ der nächsten Generation X bricht von Zeit zu Zeit das geheimnisvolle Grollen der Erde ein – ein Vorbote des Weltuntergangs und des Beginns einer neuen Ära.

Atem

Regisseur Marat Gatsalov, Russland

Das Duett von Lyudmila Troshina und Roman Chaliapin spielt ein Stück des Briten Duncan MacMillan unter der Regie von Marat Gatsalov.

Die Handlung ist auf den ersten Blick einfach bis zur Banalität: Ein Paar denkt über seine Bereitschaft nach, Eltern zu werden. Aber wenn man nachforscht, stellt sich heraus, dass es so ist wir reden über um etwas ganz anderes: um den Wunsch eines modernen, fortgeschrittenen und fortschrittlichen Menschen, alles in die Hand zu nehmen, zu berechnen, vorherzusagen, es in den Rahmen eines vorgefertigten Szenarios einzuordnen – und um die Zurückhaltung des Lebens, sich solch vernünftigen und ausgewogene Gewalt über den natürlichen Verlauf der Ereignisse. Realistisches, minimalistisches, philosophisches Werk – für alle, die „darüber nachdenken“. Wichtig ist, dass dies eine Repertoire-Premiere des Theaters der Nationen ist. Wenn Sie es also nicht während des Festivals schaffen, können Sie es später nachholen.

Gala

Regie: Jérôme Bel, Frankreich-Russland

Bewegung, wie wir wissen, Leben, Tanzbewegung – noch mehr, aber was sollen diejenigen tun, die nicht in der Tanzkunst ausgebildet sind? Jérôme Belle beantwortet diese Frage eindeutig: Bewegen und tanzen Sie nach besten Kräften – und bringt nicht nur unprofessionelle Tänzer auf die Bühne, sondern Menschen, die oft tollpatschig, unbeholfen, komisch sind, aber bereit, sich in das Element des Tanzes zu stürzen und alles zu zeigen dass sie mit echter Aufrichtigkeit dazu in der Lage sind.

Im Grunde ist das natürlich Amateurismus sauberes Wasser, aber der Regisseur erhebt es bewusst in den Rang einer Kunst – ihn interessiert sowohl die Wirkung der Einbindung in das „High“ als auch die einzigartige Energie, die als Ergebnis dieses Experiments entsteht.

Höhepunkt

Regie: Yasmin Godder, Israel

Eine innovative Tanzperformance, scharf, leidenschaftlich, schreiend, gleichzeitig anziehend und abstoßend – ein seltsames Ritual, dessen unfreiwillige Zeugen und Teilnehmer wir werden, eine Herausforderung und ein Hilferuf. Das Spektakel ist magisch, schwer zu beschreiben, aber es besteht kein Zweifel daran, dass es sich um ein einzigartiges visuelles Erlebnis und ein neues Wort in der choreografischen Dramaturgie handelt. Wenn wir das auch berücksichtigen Israelische Theater Die Leute besuchen uns nicht oft, also ist es ein Muss.

Ist zurückgekommen

Regisseure Viktor Karina und Mia Zanetti, Russland

Das Genre wird als mystische Show deklariert, die Teaser-Shots erinnern an Tinto Brass‘ „Caligula“, basierend auf Henrik Ibsens Theaterstück „Geister“, das keineswegs skandalös, aber scharf kritisiert wird zeitgenössischer Schriftsteller Moral des 19. Jahrhunderts (heute würden wir es als „Doppelmoral“ definieren), aber tatsächlich haben wir es mit einer neuen immersiven Aufführung zu tun, von der es in naher Zukunft anscheinend immer mehr in Moskau geben wird.

Anstelle eines Theaters gibt es ein Herrenhaus, anstelle von Gesichtern gibt es Masken, anstelle bequemer Stühle gibt es Geheimgänge und geheimnisvolle Räume. Machen Sie sich also bereit für ein echtes Abenteuer voller unerwarteter Wendungen im direkten und indirekten Bereich im übertragenen Sinne, darüber zu reden wäre einfach unehrlich ...

Anschauen: Dashkov Lane, 5, Vorschau am 27. November ab 18:00 Uhr, Premiere am 1. Dezember ab 19:00 Uhr

Es bleibt nur noch hinzuzufügen, dass die Solyanka-Galerie im Rahmen von NET vom 24. November bis Mitte Januar 2017 eine Multimedia-Ausstellung „Die Mauer von Christoph Schlingensief: zwischen Realität und Fantasie“ veranstalten wird, die dem Werk des berühmten deutschen Künstlers gewidmet ist. Regisseur und Schauspieler; und im Rahmen des Festivalprogramms am 10. und 11. Dezember im CIM zeigen sie „ein technogenes Mysterium für sechzehn Models, sechs Musiker, vier Leinwände, drei Kameras und zwei Stimmen“ von kreativer Verein ORTA. Vom 20. bis 27. November wird in den Boyar Chambers auf Strastnoy ein Festivalclub mit eigenem Spezialrepertoire, von Filmvorführungen bis hin zu DJ-Sets und Performances, betrieben. Vollständiger Veranstaltungskalender.

Komplementärin des Festivals: Mikhail Prokhorov Foundation.