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Heute sprechen wir in der Rubrik „Kunst in fünf Minuten“ über den berühmtesten Künstler unserer Zeit – Damien Stephen Hirst. Wir werden mit einem Möbius-Streifen mit einem Hai in Formaldehyd umgehen und herausfinden, wie mittelalterliche Kunst hallt der Diamantschädel wider und lasst uns auf die Übertretung eingehen, um herauszufinden, ob es Leben im Tod gibt.

Referenz: Damien Hirst ist ein englischer Künstler, Unternehmer, Kunstsammler und die berühmteste Figur der Young British Artists-Gruppe, die seit den 1990er Jahren die Kunstszene dominiert. Geboren am 7. Juni 1965 in Bristol, Großbritannien.

Welche zentrales Thema Hirsts Werke?

Kurz: Tod.

Mehr Details: Die grundsätzliche Auseinandersetzung zwischen der Leugnung des Todes und dem Bewusstsein seiner Unausweichlichkeit ist das zentrale Thema des Künstlers. Hirst geht nicht herum, er geht in den Tod selbst hinein. Um sich intensiv mit dem Thema auseinanderzusetzen, ging der Künstler in seiner Jugend ins anatomische Theater, um Skizzen anzufertigen, und arbeitete nebenbei in einer Leichenhalle.

Da Hirst viele Werke mit Bezug zum Tod hat, werden wir uns eine spezifische Installation „A Thousand Years“ aus dem Jahr 1990 ansehen – eines der bedeutendsten Werke des Autors. Es handelt sich um eine Doppelkombinationsbox: Im ersten Gehege befinden sich ein Kuhkopf und eine elektrische Fliegenklatsche, im zweiten sind Larven und Fliegen untergebracht. In die Trennwand zwischen diesen Würfeln sind 4 Löcher geschnitten. Die Fliegen, die in den ersten Würfel flogen, teilten sich sofort in zwei verschiedene Gruppen: Die erste flog direkt auf die Lampen zu und starb sofort, als sie sie berührte, und der zweite Teil der Fliegen versuchte, auf dem Kopf der toten Kuh Platz zu machen.

Der Künstler spricht darüber: „Ich erinnere mich, dass ich einmal mit Gary Hume zusammen saß, als ich an dieser Installation arbeitete, und er fragte: "An was arbeitest du jetzt?" Ich antwortete: „Nun, ich habe eine Glasbox, einen Kuhkopf, Würmer und Fliegen. Ich muss nur eine Fliegenklatsche finden, die sie alle tötet.“ Er sah mich an, als wäre ich verrückt. Und ich dachte: „Großartig. Das ist eine großartige Möglichkeit, es als etwas Verrücktes zu erklären – man erklärt es einfach jemandem, damit er bereits eine Meinung hat. Und das, obwohl er keine Ahnung hat, was es wirklich ist.“ dass sie nicht auf das vorbereitet sein können, was sie sehen.“

Diese Installation verweist uns auf Donald Judd, den Vater des Minimalismus. Der Künstler lehnt traditionelle Schönheit, Bildhaftigkeit und jeglichen sentimentalen Inhalt ab.
In diesem einen Werk hat Hirst eingefangen Lebenszyklus Er zeigte, wie geordnet das Chaos von Leben und Tod ist.

Man muss sagen, dass sich Hirst manchmal hinreißen lässt: Der Brite nannte die New Yorker Terroranschläge vom 11. September 2001 einmal ein Kunstwerk, für das er sich anschließend entschuldigen musste.

Ich werde sterben – und ich möchte ewig leben. Ich kann dem Tod nicht entkommen, und ich kann dem Wunsch zu leben nicht entkommen. Ich möchte zumindest einen flüchtigen Blick darauf werfen, wie es ist, zu sterben.

Hirst der reichste Künstler der Welt?

Kurz: D A.

Weiterlesen: P Zumindest sagen das alle westlichen Publikationen. Das Gesamtvermögen des Künstlers wird auf eine Milliarde Dollar geschätzt. Hirst verkaufte die komplette Sammlung „Beautiful Inside My Head Forever“ bei Sotheby’s für 111 Millionen Pfund (198 Millionen US-Dollar) und brach damit den Rekord für eine Einzelkünstlerauktion. Auf der Liste der reichsten Künstler stehen außerdem Takashi Murakami, Jeff Koons und Jasper Johns. Das ungefähre Gehalt von Hirsts Assistenten beträgt übrigens 32.000 US-Dollar.

Wie heißt der Stil, in dem der Künstler arbeitet?

Kurz: Neokonzeptualismus.

Mehr Details: Neokonzeptualismus oder Postkonzeptualismus ist eine Richtung, die repräsentiert moderne Bühne Entwicklung des Konzeptualismus der 60-70er Jahre. Der Neokonzeptualismus entstand Ende der 1970er Jahre in den Vereinigten Staaten und Europa. Der Neokonzeptualismus ist wie die Konzeptkunst in erster Linie eine Kunst der Fragen. Konzeptuelle Kunst wirft auch heute noch grundlegende Fragen nicht nur zur Definition von Kunst selbst, sondern auch zu Politik, Medien und Gesellschaft auf. Neokonzeptualismus wird vor allem mit den Aktivitäten der Young British Artists in Verbindung gebracht, die sich in den 1990er Jahren lautstark äußerten.

Große Ereignisse

1991: Charles Saatchi finanziert Damien Hirst und nächstes Jahr Die Saatchi Gallery stellt sein Werk „The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living“ aus – einen Hai in Formaldehyd.

1993: Vanessa Beecroft hat ihren ersten Auftritt in Mailand.

1999: Tracey Emin wurde für den Turner-Preis nominiert. Teil ihrer Ausstellung ist die Installation „My Bed“.

2001: Martin Creed gewinnt den Turner-Preis für „The Lights Going On and Off“, einen leeren Raum, in dem Lichter an- und ausgeschaltet werden.

2005: Simon Starling erhält den Turner-Preis für den Shedboatshed, eine Holzkonstruktion, mit der er auf dem Rhein segelte.

Hat Hirst Gemälde?

Kurz: Ja.

Mehr Details: Hirst konzentrierte sich nie auf die Malerei, nicht einmal in seinen frühen Tagen, als er in den 1980er Jahren das bahnbrechende Goldsmiths College besuchte. Im Gegensatz zu anderen Schulen, die Schüler anzogen, die keinen Zugang zu einer echten Hochschule hatten, zog die Goldsmith School viele talentierte Schüler und erfinderische Lehrer an. Goldsmith führte ein innovatives Programm ein, bei dem die Schüler weder zeichnen noch malen mussten.
Aber Hirst hat immer noch drei Verwendungsmöglichkeiten für Farbe.
Erste- das sind Spot Paintings, farbige Kreise, die von Jeff Koons wachsen. Dieses Projekt ist noch im Gange. Eines Tages eröffnete ein Künstler in mehreren Städten auf der ganzen Welt genau die gleichen Ausstellungen, deren gesamter Raum mit Gemälden mit mehrfarbigen Kreisen behangen war.
Zweite- Hierbei handelt es sich um ein Spin-Painting, bei dem ein rotierender Kreis verwendet wird, auf den Farbe gegossen wird, sodass die Farbe selbst eine dynamische Leinwand malt. Die berühmteste Schöpfung in diesem Stil war das gesamte Olympiastadion. Hirst wurde mit der Dekoration der Arena beauftragt und goss Farbe in Form der britischen Flagge, um die Eröffnung der Olympischen Spiele zu feiern. Aber wie wir sehen, ist weder das erste noch das zweite Malen, sondern die Verwendung von Farben ohne Zeichnung.

Wer moderne Kunst kritisiert, vergisst, dass alle Kunst einmal modern war.

Dritte- das sind Werke im Stil von Francis Bacon. Hirst selbst sagte zu Beginn, dass er nicht malen würde, weil seine Bilder völlig zweitrangig wären; er war sich seines eigenen Epigonismus bewusst. Aber aus irgendeinem Grund änderte er seine Meinung und brachte sein Gemälde zur persönlichen Ausstellung „Requiem“, die hier im Pinchuk Art Center im Jahr 2009 gezeigt wurde. Neben alten Werken stellte der Künstler eine neue Gemäldeserie mit dem Titel „Totenkopfgemälde“ aus. Sie wurden zum Hauptziel sarkastischer Beschimpfungen von Kritikern. „Es fühlt sich an, als ob der Betrachter eine von einem Studenten geschaffene Bacon-Stilisierung sieht.“- bemerkte einer von ihnen. Viele der Kritiker zeitgenössische Kunst Es wird angenommen, dass Hirst einst, in den frühen 90er Jahren, der unbestrittene Anführer der neuen britischen Kunst war und allgemein an der Spitze der modernen Kunst stand, aber diese Zeiten sind lange vorbei und jetzt hat sich der Avantgarde-Künstler von gestern zum Lieferanten von entwickelt ultrateuer Kitsch – genau nach dem Geschmack und Geschmack der Köpfe osteuropäischer und asiatischer Oligarchen, und Hirsts Gemälde sind einfach hilflos.

Hirst hat auch ein Gemälde „Für Mama“. Es zeigt Früchte und Blumen, ohne Anspielungen, Erinnerungen oder Rätsel. Nur Früchte und Blumen. Denn seit er Künstler wurde, machte ihm seine Mutter immer wieder Vorwürfe, dass sein Sohn nichts „Normales“ zeichnen könne. Also schrieb er: Was könnte normaler sein als Früchte und Blumen?

Kürzlich kam heraus, dass Hirst sich in seinem Gartenhäuschen einschließt und dort heimlich malt. „Tiere in Formaldehyd schockieren das Publikum nicht mehr; sie sind viel überraschter, wenn man Pinsel und Leinwand in die Hand nimmt und zu den Grundlagen zurückkehrt.“- Er kommentierte seine Schande zeitgenössischer Künstler Klassen.

Genie oder Fiktion?

Kurz: K Wie es in der Heiligen Schrift heißt: „Wenn er stirbt, werden wir es herausfinden.“

Mehr Details: Hirst ist unvorstellbar reich und erfolgreich, außerdem ist er ein Zeitgenosse – eine Idealformel, die viele Diskussionen rund um das Werk des Briten auslöst.

Manche Kritiker halten den Künstler für ein künstlich geschaffenes Phänomen mit einer Tüte Geld statt eines Kopfes. Andere schmähen, wie wir bereits sagten, sein Gemälde und verweisen auf seine Nachahmung von Bacon. Aber Julian Spalding ging am weitesten, er hält Hirst für eine Fiktion und einfach für einen Nicht-Künstler, indem er ihn ironischerweise einen Betrüger nennt, was einerseits von Täuschung spricht, da „con“ auf Englisch „täuschen“ bedeutet, und so weiter Andererseits ist es eine Abkürzung für das Wort „Konzeptualismus“, was lustig ist. Übrigens, „con“ drin Englische Sprache bedeutet eine andere obszöne Bedeutung, etwa „Mitglied“, so wurde Bill Gates in der Schule genannt. Wenn Sie also versuchen, auf Ihrem Desktop einen Ordner mit diesem Namen zu erstellen, werden Sie keinen Erfolg haben. Probieren Sie es jetzt.
Kritiker von der Küste, wo das Gras grüner ist, halten Hirst für ein Genie, das mithilfe von Einfallsreichtum und fortschrittlicher Technologie den reinen Geist der Kunst aus dem Brei des Alltags destilliert. Dafür gibt es viele Argumente, von denen das wichtigste (in Bezug auf den historischen Diskurs) ist, dass er von Anfang an dazu in der Lage war antikes Thema„Tod“, um eine völlig neue Kunst zu schaffen. Andererseits stieg die Besucherzahl während Hirsts Retrospektivausstellung im MOMA um 20 Prozent. Welche weiteren Argumente bedarf es noch?

Der Brite ist so beliebt und umstritten, dass andere Künstler Kunst aus ihm machen. Der spanische Bildhauer Eugenio Merino hat ein Objekt geschaffen, das den Selbstmord von Damien Hirst darstellt: In einer Glasbox kniet eine dem britischen Künstler ähnliche Puppe mit einer Pistole an seine blutige Schläfe. Das Objekt heißt, wie The Daily Telegraph schreibt, „4 the Love of Go(l)d“. Somit spielt es mit dem Namen eines der Meisten Berühmte Werke Hirst – ein mit Diamanten besetzter Schädel („For the Love of God“) und das Wort „Gold“ – „Gold“: Der Brite gilt als einer der meisten liebe Künstler Frieden. Merino behauptet, er sei ein Fan von Hirsts Werken. Er sagt dies über sein Objekt: „Natürlich ist das ein Witz, aber das ist das Paradoxe: Wenn er [Hirst] Selbstmord begeht, werden seine Werke noch teurer.“

Was auch immer die Kritiker dieser Welt sagen mögen, der Korrespondent des Guardian hat es am besten auf den Punkt gebracht: „Im Zeitalter der Schöpfung, in einer Welt, die von Eklektizismus und Geld beherrscht wird, ist Hirst „der Künstler, den wir verdienen.“

Frage von PR-Managerin Anastasia Kosyreva

Was ist der Unterschied zwischen einem Hai in Hursts Formaldehyd und einem Tier in Formaldehyd im Biologieunterricht? Warum ist das erste Kunst und das zweite nicht?

Kurz:„Weil das erste in der Galerie ist und das zweite nicht“ (c) Hirst

Mehr Details: Hirst scherzt natürlich, er ist generell ein sehr lustiger Mensch, das sieht man in all seinen Interviews. Aber wir werden ernsthaft reden.
Die Installation „Tiger Shark in Fomaldehyde“ trägt den Titel „The Physical Impossibility of Death in the Mind of the Living“. Der Hai wurde von einem australischen Fischer gefangen und für 9.500 Dollar an den Künstler verkauft. Und die Installation wurde 2004 für 12 Millionen US-Dollar an den Sammler Steve Cohen verkauft. Als ich in der Nähe dieses Hais war, erinnere ich mich an den Titel von Jonathan Foers Roman „Extrem nah, unglaublich laut“. Das hässliche Maul des Hais ist weit geöffnet, dadurch entsteht die Wirkung eines Knurrens, eines Schreis, als Symbol für den Schmerz des Sterbens. Das aufgerissene Maul des Hais verweist auf die Gemälde von Hirsts Lieblingskünstler Francis Bacon. Im Allgemeinen hätte Hirst jedes Tier mitnehmen können, aber er wählte einen Hai, um die Gesellschaft nicht zu schockieren; ein Hai ist eine Gefahrenquelle und ein Symbol des Todes. Der Hai verdoppelt den Tod: Er selbst ist tot und gleichzeitig der Überbringer des Todes. Das ungewöhnlichste Phänomen bei Haien ist der intrauterine Kannibalismus. Etwa 70 % der Haie sterben bereits im Mutterleib in brutalen Kämpfen.

Aber das Wichtigste in dieser Arbeit ist nicht der Hai oder Formaldehyd. Wichtig ist, dass sich diese Installation in einem sterilen, minimalistischen Raum befindet und damit wiederum die Judd-Tradition fortsetzt. Ein konstruiertes Kontrastschema zwischen der abstrakten und dauerhaften Form der Demonstration und ihrem vorübergehenden objektiven Inhalt. Die Kunst, „in deren Auftrag“ die Form der Vitrine agiert, erfüllt hier ihre traditionelle Funktion – das Anhalten der Zeit.

In dieser Arbeit gibt es auch ein konzeptuelles Spiel, bei dem der Gegenstand des Bildes derselbe ist wie das Bild selbst. Einfach ausgedrückt: Der Tod repräsentiert den Tod. So ein semantischer Möbiusstreifen, wenn sich die Bedeutung eines Werkes in sich selbst schließt, wenn das Werk von sich selbst erzählt.

Hirst sagt über seine Arbeit: „Ich versuche, den Tod zu entschlüsseln. Für Menschen ist es schwierig, ihre eigene Sterblichkeit zu verstehen, und viele meiner Arbeiten handeln davon. Mein Hai ist ein Versuch, dieses Gefühl zu beschreiben, das Gefühl der irrationalen Angst vor dem Tod. Deshalb habe ich verwendet ein echter Hai, so groß, dass er einen ganzen Menschen verschlingen könnte. Und ich habe ihn in einen Behälter mit einer Flüssigkeit gelegt, die so groß ist, dass der Betrachter eine Gänsehaut bekommt. Und das ist kein düsteres Weltbild. Im Gegenteil, Ich hoffte, dass der Tod als Inspiration und Energiequelle für das Publikum dienen würde. Es würde ihnen helfen, die Feier des Lebens zu verwirklichen.“

Frage von Chefredakteurin Evgenia Lipskaya:

Warum wählte er Schmetterlinge als sein Hauptmaterial? Hat er sie getötet oder tot eingesammelt?

Kurz: 1. Ein kurzes Leben Es ist einfacher, den Lebenszyklus eines Schmetterlings darzustellen, und der Tod eines Schmetterlings ist eine sehr deutliche Demonstration sowohl des Schönen als auch des Schrecklichen.

2. Er hat sie nicht mit seinen eigenen Händen getötet, aber er hat sie auch nicht eingesammelt. Schmetterlinge wurden aus „speziellen Gärtnereien“ gebracht und starben dann eigener Tod in der Galerie.

Mehr Details: Die berühmteste Installation des Künstlers, in der Schmetterlinge die Hauptfiguren sind, heißt „Falling in and Falling Out of Love“. Schmetterlinge flogen frei in der Galerie, die auch Schalen mit Blumen und Früchten enthielt. Da Schmetterlinge kurzlebige Lebewesen sind, fielen sie mitten in der Ausstellung tot um. Sie schlagen auf die Gemälde ein und verschmieren sie, wodurch abstrakte Werke entstehen. Die Bilder sind wunderschön und bedrohlich geworden, weil wir reden überüber tote Kreaturen. Dann ging er so weit, echte Flügel toter Schmetterlinge zu verwenden, um Buntglasfenster für gotische Kathedralen anzufertigen. Dass die Schmetterlinge im Laufe der Ausstellung starben, wussten die Besucher zunächst nicht: Jede Woche wurden 400 neue Tiere vorgestellt. Als die Öffentlichkeit erfuhr, dass während der Ausstellung 9.000 Schmetterlinge starben, begann sie, Hirst anzugreifen. Die Gegner des Künstlers betonten insbesondere, dass Schmetterlinge in ihrem natürlichen Lebensraum viel länger leben könnten, nämlich bis zu neun Monate. Allerdings hatten Tate-Vertreter auf alle Vorwürfe eine Antwort: Es wurden Bedingungen für die Schmetterlinge geschaffen, die so nah wie möglich an ihrem Lebensraum liegen. Schmetterlinge wurden übrigens in Kokons mitgebracht, sie wurden auf der Ausstellung geboren und starben dort.

Anfangs handelte es sich dabei um im Raum verstreute Puppen, doch nach Abschluss des Metamorphoseprozesses flogen die geborenen exotischen Schmetterlinge direkt zu den riesigen Leinwänden mit frischen Blumen. Schmetterlinge klebten an klebrigen Leinwänden, starben nach einer Weile und wurden Teil des Bildes. Darüber hinaus auf Rückseite An den riesigen Leinwänden waren riesige Aschenbecher angebracht, die bis zum Rand mit Zigarettenkippen gefüllt waren.

Es gibt auch die Serien „Schmetterlinge“ und „Kaleidoskope“, bei denen im ersten Fall tote Schmetterlinge ohne Klebstoff auf eine frisch bemalte Leinwand geklebt werden und im zweiten Fall fest aneinander geklebt werden, wodurch Muster entstehen, die an erinnern ein Kaleidoskop.

Es sollte gesagt werden, dass Schmetterlinge nicht das einzige Insekt sind, das Hirst in Kunst verwandelt. Er hat einen Job, der ausschließlich aus Fliegen besteht. Das heißt, die Leinwand ist möglichst dicht mit Fliegen bedeckt, sodass der Künstler sein eigenes „schwarzes Quadrat“ geschaffen hat.

Frage von Beauty-Redakteurin Christina Kilinskaya:

Wer hat diesen Schädel gekauft und für wie viel?

Kurz: Ein Konsortium, dem Hirst selbst, sein Manager Frank Dunphy, der Leiter der White Cube-Galerie und der berühmte ukrainische Philanthrop Victor Pinchuk für 100 Millionen Dollar angehören.

Mehr Details: Die Installation trägt den Titel „For the Love of God“ und stellt einen menschlichen Schädel aus Platin dar, der mit Diamanten besetzt ist. Laut Hirst wurde der Name von den Worten seiner Mutter inspiriert, als sie ihn mit den Worten ansprach: „Um Himmels willen, was wirst du als nächstes tun?“ („Sag mir, was wirst du als nächstes tun?“ Aus Liebe zu Gott – wörtlich ein Zitat aus dem ersten Johannesbrief: „Denn das ist die Liebe zu Gott“ (1. Johannes 5,3)). Der Schädel besteht aus Platin, wie eine leicht verkleinerte Version des Schädels eines 35-jährigen Europäers, der zwischen 1720 und 1810 lebte. Der gesamte Bereich des Schädels, mit Ausnahme der ursprünglichen Zähne, ist mit 8.601 Diamanten mit einem Gesamtgewicht von 1.106,18 Karat besetzt. In der Mitte der Stirn befindet sich das Hauptelement der Komposition – ein rosafarbener birnenförmiger Diamant. Die Arbeit kostete Hirst 14 Millionen Pfund.

Im Jahr 2007 kaufte eine Investorengruppe, zu der Hirst selbst, sein Manager Frank Dunphy, der Leiter der White Cube-Galerie und der berühmte ukrainische Philanthrop Victor Pinchuk gehörten, den Schädel zu Investitionszwecken für 50 Millionen Pfund (100 Millionen US-Dollar). . Das ist ein Rekordpreis, der für ein Werk eines lebenden Künstlers gezahlt wird.

„For the Love of the Lord“ – eine Synthese aus Kitsch, Pop Art, Klassikern und ewiges Thema des Todes. Der Totenkopf ist eine äußerst visuelle Umsetzung klassisches Thema Westliche Kunst Vanitas vanitatum – der Künstler zeigt, dass sowohl Geld als auch Luxus Verfall und Eitelkeit sind.

Im Wesentlichen handelt es sich bei diesem Werk um eine ziemlich witzige Erwiderung Hirsts auf seinen eigenen kommerziellen Erfolg: Anstatt ihn schüchtern zu verschleiern, stellt der Künstler ihn zur Schau – indem er 15 Millionen Pfund in die Schaffung eines Objekts investiert. Und die Tatsache, dass es sich bei diesem Objekt um einen Schädel handelt, unterstreicht nur den Siegeszug der Religion des Goldenen Kalbes in der modernen Welt.

Allerdings schätzte die Künstlergemeinschaft den selbstoffenbarenden Aspekt der neuen Werke des englischen Künstlers nicht. In einer Zeit ethisch und politisch besorgter Kunst ist Damien Hirst zu einer abscheulichen Figur geworden, und die richtige Insider-Reaktion auf die Erwähnung seines Namens ist eine Grimasse voller Ironie, Verärgerung und Langeweile.

Hirst selbst sagt das „Dieses Objekt symbolisiert den Reichtum und Wert des Lebens“ und fügt hinzu „Bei Diamantschädeln geht es übrigens auch darum, dass die Dekoration des Todes eine tolle Möglichkeit ist, sich mit dieser Idee auseinanderzusetzen.“

Mein Glaube an die Kunst unterscheidet sich kaum vom religiösen Fanatismus. Wir alle brauchen etwas, um im Dunkeln zu navigieren.

Eine 16,5 Meter hohe Statue eines kopflosen Dämons füllt das Atrium des Palazzo Grassi

Zum ersten Mal in der Geschichte werden beide venezianischen Ausstellungsräume des Sammlers François Pinault einer Ausstellung gewidmet. Und sie waren von niemand anderem als Damien Hirst besetzt, einem der Größten berühmte Künstler Modernität. Die Einzelheiten der Ausstellung wurden bis zur Eröffnung geheim gehalten, nur das war bekannt neues Projekt Der Autor kocht seit 10 Jahren.

Damien Hirst, „Hydra und Kali“ (zwei Versionen) und „Hydra und Kali unter Wasser (Unterwasserfotografie von Christoph Gehrigk).“ Foto: Rudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Am Sonntag, den 9. April, hatte die Öffentlichkeit endlich Gelegenheit, die Venedig-Ausstellung des Briten Damien Hirst zu besuchen. Im letzten Jahrzehnt schuf er unter Geheimhaltung Ausstellungen für sie.

„Kronos verschlingt seine Kinder“
Foto: Andrea Merola / ANSA / AP / Scanpix / LETA

„Schätze aus dem Wrack der Incredible befinden sich in beiden Palästen der Pino-Stiftung – Palazzo Grassi und Punta della Dogana. Dies ist das erste Mal in der Geschichte, dass beide Zentren einem Künstler Raum geben.

Die Ausstellung präsentiert sich als vielschichtiges Labyrinth aus Schätzen eines Schiffes, das vor 2.000 Jahren sank und erst 2008 entdeckt wurde (zufälligerweise das Jahr zuvor, in dem Hirst seinen Karrierehöhepunkt erreichte).

Damien Hirst, „Hydra und Kali“ (Fragment). Foto: Andrea Merola/AP

Damien Hirst

Der 51-jährige Damien Hirst gilt als der reichste lebende Künstler der Welt. Er ist auch der prominenteste Vertreter der Gruppe Young British Artists (Britart), die die Kunst dominiert Nebliges Albion das letzte Vierteljahrhundert.

Hirsts Werk „The Physical Impossibility of Death in the Mind of the Living“ (1991), das einen Tigerhai in einem Aquarium mit Formaldehyd darstellt, ist ein Symbol dieser Vereinigung.

Schätze des Wracks der Unglaublichen: Damien Hirst Ausstellung im Palazzo Grassi und Punta della Dogana Zentrum für zeitgenössische Kunst, Venedig. Foto: Damien Hirst und Science Ltd

„Treasures from the Wreck of the Incredible ist ein vielschichtiges Labyrinth aus Skulpturen, historischen Objekten, Fotografien und Videoaufnahmen der „Entdeckung“ und „Rettung“ der unschätzbaren Fracht.

„Zwei Garudas“

Der Legende nach sank das Schiff vor der Küste Ostafrikas.

„Dämon mit Kelch“
Foto: Andrea Merola / EPA / Scanpix / LETA

An Bord befand sich eine umfangreiche Kunstsammlung eines freigelassenen Sklaven namens Sif Amotan II.

Die Sammlung umfasste Artefakte aller damals bekannten Zivilisationen und wurde auf die Museumsinsel gebracht, wo sie ausgestellt werden sollte. Das Schiff sank und alle seine Wertsachen ruhten bis 2008 ruhig in den Tiefen des Meeres. Jetzt erscheinen diese Schätze vor uns.

Damien Hirst, „Fünf nackte griechische Frauen“, „Fünf antike Torsos“, „Nackte griechische Frau“ (drei Versionen).

Jedes Exponat der Ausstellung wurde in dreifacher Ausfertigung angefertigt. In der ersten Version sieht es aus wie ein Schatz, der daraus hervorgeholt wurde Seetag(„Koralle“ in Hirsts Sprache); im zweiten - als gerettete Reliquie, restauriert von modernen Restauratoren („Schatz“); und im dritten - als Reproduktion eines pseudohistorischen Objekts („Kopie“).

Damien Hirst, „Cyclops Skull“ und „Divers Study Cyclops Skull (Unterwasserfotografie).“
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Damient Hirst, Schädel des Zyklopen.
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd

Damien Hirst, „Ansicht von Katya Ishtar Yo-landi.“
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Es gibt riesige Kriegergöttinnen aus Bronze, einzigartige Marmorbüsten und Zyklopenschädel, Gebetsfiguren, Gräber, Tische, Urnen, Vitrinen mit Schilden, kostbaren Schmuck und Münzen.

Skulptur in der Ausstellung „Schätze des unglaublichen Schiffbruchs“
Foto: Awakening/Getty Images

Hirst verwendete eine Vielzahl teurer Materialien – Malachit, Gold, Lapislazuli und Jade –, um eine museale Sammlung von Artefakten zu schaffen, die an die Antike erinnern.

Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Damien Hirst, Das abgetrennte Haupt der Medusa.
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Damien Hirst, „Trauer“.
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Um die Glaubwürdigkeit zu erhöhen, sind viele Werke mit weißen Würmern und „Korallen“ in unglaublichen Farben verziert. Ergänzt wird das Thema des Schiffsunglücks durch großformatige Fotografien und sehr realistische Videoaufnahmen von Tauchern, die vor der Küste des Sansibar-Archipels arbeiten.

Laut Artnet.com wurden spezielle Rettungsschiffe angeheuert, um die riesigen Bronzestatuen auf den Grund des Indischen Ozeans abzusenken und dann wieder hochzuheben.

Damien Hirst, Hydra und Kali von vier Tauchern entdeckt.
Foto: Christoph Gerigk © Damien Hirst and Science Ltd.

Damien Hirst, „Der Steinkalender“.
Foto: Miguel Medina/AFP/Getty Images

Damien Hirst, „Der unbekannte Pharao“ (Fragment). Vorbild für dieses Werk war eindeutig der amerikanische Sänger, Rapper, Produzent, Musiker und Modedesigner Pharrell Williams. Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Es ist erwähnenswert, dass in all dieser sorgfältig gestalteten Umgebung die Gesichter des Musikers Pharrell Williams, des Models Kate Moss, der Sängerinnen Rihanna und Yolandi Visser aufblitzen ...

Büste von Tadukheppa, jüngere FrauÄgyptischer Pharao Amenophis III
Foto: Miguel Medina / AFP / Scanpix / LETA

Ganz zu schweigen von der Mickey-Mouse-Statue in Punta della Dogana. Damien Hirst selbst erscheint in der Bronzearbeit „Büste des Sammlers Sif Amotan II“ und deutet damit an, dass er nicht nur ein Schöpfer, sondern auch ein Sammler von Kunstwerken ist.

Damien Hirst, „Sphinx“ (Version „Coral“); unten - Damien Hirst, „Sphinx“ (Version „Treasure“).
Beide Fotos: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Nach Angaben der New York Times haben große Händler – wie die Gagosian Gallery oder der White Cube – einige der Werke bereits zu Preisen zwischen 500.000 und 5 Millionen Dollar pro Exemplar gekauft. Allerdings sind diese Informationen, wie die meisten Fakten in der Ausstellung, unter einem Schleier der Geheimhaltung verborgen.

Damien Hirst, Proteus.
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Damien Hirst, „Jade Buddha“.
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Damien Hirsts Ausstellung „Treasures from the Wreck of the Incredible“ wird eines der zentralen Ereignisse der Biennale von Venedig sein und bis zum 3. Dezember 2017 dauern.

Damien Hirst, „Die Überreste von Apollo“.
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Die Gary Tatintsian Gallery hat eine Ausstellung von Damien Hirst eröffnet, einem der teuersten und berühmtesten zeitgenössischen Künstler. Dies ist nicht das erste Mal, dass Hirst nach Russland gebracht wird: Zuvor gab es eine Retrospektive im Russischen Museum, eine kleine Ausstellung in der Triumph Gallery sowie eine Sammlung des Künstlers selbst bei MAMM. Diesmal werden den Besuchern die bedeutendsten Werke des Jahres 2008 präsentiert, die der Künstler selbst im selben Jahr bei Sotheby's persönlich versteigert hat. Buro 24/7 erzählt, warum Schmetterlinge, bunte Kreise und Tafeln so wichtig sind, um Hirsts Werk zu verstehen .

Wie Hirst zum Künstler wurde

Damien Hirst kann durchaus als Personifikation der Young British Artists betrachtet werden – einer Generation nicht mehr junger, aber sehr erfolgreicher Künstler, deren Höhepunkt in den 90er Jahren lag. Unter ihnen sind Tracey Emin mit Neoninschriften, Jake und Dinos Chapman mit einer Vorliebe für kleine Figuren und ein Dutzend anderer Künstler.

YBA vereint nicht nur das Studium renommiertes College Goldsmiths, sondern auch die erste Gemeinschaftsausstellung Freeze, die 1988 in einem leerstehenden Verwaltungsgebäude im Londoner Docklands stattfand. Hirst selbst fungierte als Kurator – er wählte die Werke aus, bestellte den Katalog und plante die Eröffnung der Ausstellung. Freeze erregte die Aufmerksamkeit von Charles Saatchi – Werbemagnat, Sammler und zukünftiger Förderer der Young British Artists. Zwei Jahre später erwarb Saatchi Hirsts erste Installation in seiner Sammlung, A Thousand Years, und bot ihm auch Sponsoring für seine zukünftigen Kreationen an.

Damien Hirst, 1996. Foto: Catherine McGann/Getty Images

Das Thema des Todes, das später zum zentralen Thema von Hirsts Werk wurde, taucht bereits in Tausend Jahre auf. Das Wesen der Installation war ein ständiger Kreislauf: Fliegen schlüpften aus den Eiern der Larven und krochen auf die Verrottung zu Kuhkopf und starb an den Drähten einer elektronischen Fliegenklatsche. Ein Jahr später lieh Saatchi Hirst Geld, um ein weiteres Werk über den Kreislauf des Lebens zu schaffen – den berühmten ausgestopften Hai in Formaldehyd.

„Die physische Unmöglichkeit des Todes im Bewusstsein eines lebenden Menschen“

1991 kaufte Charles Saatchi für Hirst einen australischen Hai für sechstausend Pfund. Heute symbolisiert der Hai die Seifenblase der modernen Kunst. Für Zeitungsleute ist es zu einem festen Bestandteil geworden (z. B. der Sun-Artikel mit dem Titel „50.000 £ für Fish and Chips“) und wurde auch zu einem der Hauptthemen des Buchs des Ökonomen Don Thompson „How to sale a stuffed shark“. für 12 Millionen: Die skandalöse Wahrheit über moderne Kunst und Auktionshäuser.“

Trotz des Lärms kaufte Hedgefonds-Chef Steve Cohen das Werk 2006 für acht Millionen Dollar. Zu den interessierten Käufern gehörte Nicholas Serota, Direktor der Tate Modern Gallery, größtes Museum Sovriska zusammen mit dem New Yorker MoMA und dem Pariser Centre Pompidou. Die Aufmerksamkeit der Installation erregte nicht nur die Liste der Schlüsselnamen der zeitgenössischen Kunst, sondern auch ihre Existenzdauer von 15 Jahren. Im Laufe der Jahre war der Körper des Hais verfault, und Hirst musste ihn ersetzen und auf einen Kunststoffrahmen spannen. „The Physical Impossibility of Death in the Mind of the Living“ war das erste Werk der „Natural History“-Reihe – anschließend legte Hirst auch ein Schaf und zerstückelte Kuhkadaver in Formaldehyd.

Die physische Unmöglichkeit des Todes im Kopf eines lebenden Menschen, 1991

Schwarzes Schaf, 2007

Das Paradoxon der Liebe (Kapitulation oder Autonomie, Getrenntheit als Voraussetzung für Verbindung.), 2007

Die Ruhe der Einsamkeit (für George Dyer), 2006

Rotationen und Kaleidoskope

Hirsts Werke lassen sich in mehrere Genres einteilen. Neben den oben genannten Aquarien mit Formaldehyd gibt es „Rotationen“ und „Spots“ – letztere werden von den Assistenten des Künstlers in seinem Atelier durchgeführt. Schmetterlinge setzen das Thema Leben und Tod fort. Hier ist ein Kaleidoskop, wie ein Buntglasfenster in einer gotischen Kathedrale, und eine grandiose Installation „Falling in or Falling Out of Love“ – Räume, die vollständig mit diesen Insekten gefüllt sind. Um Letzteres zu schaffen, opferte Hirst etwa neuntausend Schmetterlinge: 400 neue Insekten wurden täglich in die Tate Gallery gebracht, wo die Retrospektive stattfand, um die toten zu ersetzen.

Die Retrospektive wurde zur meistbesuchten in der Geschichte des Museums: In fünf Monaten wurde sie von fast einer halben Million Zuschauern gesehen. Neben dem Thema Leben und Tod gibt es auch eine logische „Apotheke“ – beim Betrachten der Dot Paintings des Künstlers entstehen Assoziationen speziell zu Medikamenten. 1997 eröffnete Damien Hirst das Restaurant Pharmacy. Es wurde 2003 geschlossen und der Verkauf von Dekorations- und Einrichtungsgegenständen auf einer Auktion brachte erstaunliche 11,1 Millionen US-Dollar ein. Hirst entwickelte das Thema Medikamente auch auf visuellere Weise weiter – eine eigene Serie des Künstlers widmet sich Schränken mit handgelegten Pillen. Das finanziell erfolgreichste Werk war „Spring Lullaby“ – ein Regal voller Pillen brachte dem Künstler 19 Millionen Dollar ein.

Damien Hirst, Ohne Titel, 1992; Auf der Suche nach Nirvana, 2007 (Installationsfragment)

"Für die Liebe Gottes"

Ein anderer berühmtes Werk Hirst (und in jeder Hinsicht auch teuer) – ein mit mehr als achttausend Diamanten besetzter Schädel. Das Werk erhielt seinen Namen vom ersten Johannesbrief – „Denn das ist die Liebe Gottes.“ Dies verweist uns erneut auf das Thema der Zerbrechlichkeit des Lebens, der Unvermeidlichkeit des Todes und der Diskussionen über das Wesen der Existenz. In der Stirn des Schädels steckt ein Diamant im Wert von vier Millionen Pfund. Die Produktion selbst kostete Hirst 12 Millionen, der Preis für das Werk belief sich letztlich auf rund 50 Millionen Pfund (rund 100 Millionen Dollar). Der Schädel wurde in Amsterdam gezeigt Landesmuseum, und dann über die White Cube-Galerie von Jay Jopling, einem weiteren großen Händler, der mit Hirst zusammenarbeitete, an eine Gruppe von Investoren verkauft.

Damien Hirst, „For this is the love of God“, 2007

Schallplatten, Fakes und das Phänomen des Ruhmes

Obwohl Hirst keine absoluten Rekorde aufstellt, gilt er als einer der teuersten lebenden Künstler. Der Preisanstieg für seine Werke erreichte Ende der 2000er Jahre mit dem Verkauf eines Hais, eines Totenkopfes und anderer Werke seinen Höhepunkt. Eine separate Episode kann als Sotheby's-Auktion auf dem Höhepunkt bezeichnet werden Wirtschaftskrise 2008: Es brachte ihm 111 Millionen Pfund ein, zehnmal mehr als der bisherige Rekord – eine ähnliche Picasso-Auktion im Jahr 1993. Das teuerste Los war das „Goldene Kalb“ – ein in Formaldehyd eingelegter Bullenkadaver, der für 10,3 Millionen Pfund verkauft wurde.

Die Geschichte von Hirsts Entwicklung ist ein Beispiel für ein ideales Szenario für jeden modernen Künstler, in dem kompetentes Marketing fast eine Schlüsselrolle spielte. Sogar lächerliche Geschichten wie der Galeriereiniger Eyestorm, der die Installation des Künstlers in einen Müllsack steckte, oder der Pastor aus Florida, der 2014 wegen des Versuchs, Hirst-Fälschungen zu verkaufen, verurteilt wurde, wirken vor dem Hintergrund der lautstarken Possen des Künstlers selbst unverständlich. Der Rückgang des Interesses an Hirst wurde in den letzten fünf Jahren nach der nächsten Ausstellung im White Cube am deutlichsten- Der Druck der Kritiker wurde deutlicher, Hirsts Einfallsreichtum überraschte das abgestumpfte Publikum nicht mehr und Auktionsrekorde gingen an andere Spieler über - Richter, Koons und Kapoor. Auf die eine oder andere Weise breitet sich Hirsts Ruhm weiterhin auf seine alten Werke aus, die heute in der Tatintsyan-Galerie zu sehen sind. Auch Hirst hat neue Projekte vor sich – am Vorabend der Biennale von Venedig eröffnet der Künstler eine große Ausstellung im Palazzo Grassi und Punta della Dogana. Laut Pressemitteilung sind sie „das Ergebnis einer jahrzehntelangen Arbeit“ – Damien Hirst dürfte wieder in aller Munde sein.

Text: Ksjuscha Petrowa

Heute wird in der Moskauer Galerie von Gary Tatintsyan eröffnet die erste Ausstellung seit 2006 von Damien Hirst, einem britischen Künstler, der nicht umsonst „der Große und Schreckliche“ genannt wird und ihn entweder mit den Genies der Renaissance oder mit den Haien der Wall Street vergleicht. Hirst gilt als der reichste lebende Autor, was die Kontroverse um sein Werk nur noch weiter anheizt. Denn Charles Saatchi starrte im wahrsten Sinne des Wortes mit offenem Mund auf die Installation „A Thousand Years“ – eine spektakuläre und düstere Veranschaulichung von allem Lebensweg von der Geburt bis zum Tod – der Lärm um die kreativen Methoden und den ästhetischen Wert von Hirsts Werken lässt nicht nach, worüber sich der Künstler selbst natürlich nur freut. Wir sagen Ihnen, warum Hirsts Werke die enorme Aufmerksamkeit, die sie erhalten, wirklich verdienen, und wir versuchen zu verstehen innere Welt Künstler - viel mehrdeutiger und subtiler, als es von außen erscheinen mag.

„Weg von der Herde“, 1994

Mittlerweile ist Hirst 51 Jahre alt und hat vor zehn Jahren vollständig mit dem Rauchen, Drogen und Alkohol aufgehört – die Chancen stehen gut, dass seine Karriere noch mehrere Jahrzehnte andauern wird. Gleichzeitig ist es schwer vorstellbar, was der nächste Schritt für einen Künstler dieser Größenordnung sein könnte – Hirst hat sein Land bereits bei der Eröffnungsfeier der Olympischen Spiele in London vertreten, ein Video für die Gruppe Blur gedreht und das Beste daraus gemacht Das teuerste Kunstwerk der Welt (ein mit Diamanten eingelegter Platinschädel) beschäftigt in seinen Werkstätten mehr als 160 Mitarbeiter (Andy Warhol hätte mit seiner „Fabrik“ nie davon geträumt) und sein Vermögen übersteigt eine Milliarde Dollar. Das Bild eines Schlägers, das Hirst in den 1990er-Jahren zusammen mit seiner Serie konservierter Tiere in Alkohol berühmt machte, wich nach und nach einem ruhigeren Bild: Der Künstler liebt zwar immer noch Lederhosen und Ringe mit Totenköpfen, seinen Penis hat er aber nicht gezeigt Er war lange Zeit Fremden, wie er es in seinen „Jahren des militärischen Ruhms“ tat, und sieht immer mehr wie ein erfolgreicher Unternehmer als wie ein Rockstar aus, obwohl er im Wesentlichen beides ist.

Hirst erklärt seinen außergewöhnlichen kommerziellen Erfolg damit, dass er mehr Motivation zum Geldverdienen hatte als die anderen Mitglieder der Young British Artists Association, die er leitete (während seines Studiums an der Goldsmiths University organisierte Hirst). legendäre Ausstellung„Freeze“, das die Aufmerksamkeit bedeutender Galeristen auf junge Künstler lenkte). Hirsts Kindheit kann nicht als wohlhabend und glücklich bezeichnet werden: Er sah seinen leiblichen Vater nie, sein Stiefvater verließ die Familie, als der Junge zwölf Jahre alt war, und seine katholische Mutter wehrte sich verzweifelt gegen die Versuche ihres Sohnes, Teil der damals noch sehr jungen Punk-Subkultur zu werden.

Dennoch unterstützte sie seine künstlerischen Aktivitäten – vielleicht aus Verzweiflung, denn Hirst war ein schwieriger Teenager und alle Fächer, außer Zeichnen, fielen ihm schwer. Damien wurde regelmäßig bei kleinen Ladendiebstählen und anderen unangenehmen Geschichten erwischt, aber gleichzeitig gelang es ihm, im örtlichen Leichenschauhaus Skizzen anzufertigen und medizinische Atlanten zu studieren, die die Inspirationsquelle für seinen Lieblingsautor, den düsteren Expressionisten Francis Bacon, waren. Bacons Gemälde hatten großen Einfluss auf Hirst: Das Grinsen des berühmten, in Alkohol eingelegten Hais erinnert an Bacons wiederkehrendes Motiv seines schreiend geöffneten Mundes, rechteckige Aquarien sind die Käfige und Sockel, die man auf Bacons Leinwänden immer wieder findet.

Vor ein paar Jahren Hirst, der noch nie auf dem Feld gespielt hatte traditionelle Malerei, präsentierte der Öffentlichkeit eine Reihe seiner eigenen Gemälde, die eindeutig von den Werken von Bacon inspiriert waren, und scheiterte kläglich: Kritiker nannten Hirsts neue Werke eine erbärmliche Parodie auf die Gemälde des Meisters und verglichen sie mit „dem Klecks eines Neulings, der nicht zeigt“. viel versprechend.“ Diese vernichtenden Kritiken mochten die Gefühle des Künstlers verletzt haben, aber sie hatten offensichtlich keinen Einfluss auf seine Produktivität: Mit Hilfe von Assistenten, die alle Routinearbeiten erledigen, setzt Hirst seine endlose Serie von Leinwänden mit mehrfarbigen Punkten fort, „rotierende“ Gemälde, die durch Drehen entstanden sind Farbdosen in einer Zentrifuge, Anlagen mit Tabletten und im industriellen Maßstab produzieren gut verkaufte Werke.

← „Ohne Titel AAA“, 1992

Obwohl Hirst immer sagte, dass Geld in erster Linie ein Mittel zur Produktion von Kunst in großem Maßstab sei, lässt sich nicht leugnen, dass er über ein außergewöhnliches Talent zum Unternehmertum verfügte – das dem künstlerischen Talent ebenbürtig, wenn nicht sogar überlegen war. Der Brite, der nicht für seine Bescheidenheit bekannt ist, glaubt, dass alles, was er anfasst, zu Gold wird – und das scheint zu stimmen: Selbst im Krisenjahr 2008 übertraf eine von Hirst selbst organisierte zweitägige Auktion seiner Werke bei Sotheby's alle Erwartungen und brach Picassos Auktionsrekord. Hirst, der wie ein einfacher Kerl aus Leeds aussieht, scheut sich nicht, Geld mit Gegenständen zu verdienen, die der hohen Kunst fremd erscheinen – seien es Souvenir-Skateboards für sechstausend Dollar oder das modische Londoner Restaurant Pharmacy, das im Geiste der „Apotheke“ des Künstlers eingerichtet ist " Serie. Käufer von Hirsts Werken sind nicht nur Oxford-Absolventen gute Familien, aber auch eine neue Schicht von Sammlern – diejenigen, die von unten kamen und wie der Künstler selbst ein Vermögen aus dem Nichts verdienten.

Hirsts Starstatus und die schwindelerregenden Kosten seiner Arbeit machen es oft schwierig, ihr Wesen zu erkennen – was schade ist, denn die darin enthaltenen Ideen sind nicht weniger beeindruckend als zersägte Kuhkadaver in Formaldehyd. Selbst in dem, was hundertprozentig Kitsch zu sein scheint, hat Hirst eine Ironie: Sein berühmter, mit Diamanten besetzter Schädel, der für einhundert Millionen Dollar verkauft wurde, trägt den Titel „Aus Liebe zu Gott“ (ein Ausdruck, der wörtlich übersetzt werden kann als „Aus Liebe zu Gott“) der Name der Liebe Gottes“ wird wie der Fluch eines müden Menschen verwendet: „Gut, um Gottes willen!“). Den Anstoß zu diesem Werk gab der Künstler nach eigenen Angaben durch die Worte seiner Mutter, die einmal gefragt hatte: „Gott sei gnädig, was wirst du als nächstes tun?“ („Um Himmels willen, was wirst du als nächstes tun?“). Zigarettenkippen, mit manischer Pedanterie in einer Vitrine ausgelegt, sind eine Möglichkeit, die Lebenszeit zu berechnen: wie Tiere in Formaldehyd und ein Diamantschädel, der darauf verweist klassische Handlung Memento mori erinnern uns gerauchte Zigaretten an die Zerbrechlichkeit der Existenz, die unser Verstand nicht begreifen kann, egal wie sehr wir es versuchen. Und bunte Tassen, Zigarettenkippen und Regale mit Medikamenten sind ein Versuch, das zu ordnen, was uns vom Tod trennt, um die Schärfe des Seins in diesem Körper und in diesem Bewusstsein auszudrücken, das jeden Moment enden kann.

„Klaustrophobie/Agoraphobie“, 2008

In seinen Interviews sagt Hirst immer häufiger, dass er sich in seiner Jugend ewig gefühlt habe, doch mittlerweile habe das Thema Tod für ihn viele andere Nuancen. „Kumpel, mein ältester Sohn Connor ist sechzehn. Mehrere meiner Freunde sind bereits gestorben und ich werde alt“, erklärt die Künstlerin. „Ich bin nicht mehr derselbe Bastard, der versucht hat, die ganze Welt anzuschreien.“ Als überzeugter Atheist greift Hirst regelmäßig religiöse Themen auf, seziert sie gnadenlos und stellt immer wieder fest, dass die Existenz Gottes ebenso unmöglich sei wie „der Tod im Geiste der Lebenden“.

Eine Reihe von Werken mit lebenden und toten Schmetterlingen verkörpern die Gedanken des Künstlers über Schönheit und ihre Zerbrechlichkeit. Am deutlichsten kommt diese Idee in der Installation „Falling in and Out of Love“ („In and Out of Love“) zum Ausdruck: Mehrere tausend Schmetterlinge schlüpfen aus Kokons, leben und sterben im Galerieraum, und ihre Körper bleiben an den Leinwänden kleben als Erinnerung an die Zerbrechlichkeit der Schönheit. Wie bei den Werken der alten Meister empfiehlt es sich, Hirsts Werke mindestens einmal persönlich zu sehen: Sowohl die Memetik „The Physical Impossibility of Death in the Mind of the Living“ als auch „Mother and Child Separated“ erzeugen einen völlig anderen Eindruck, wenn Du stehst neben ihnen. Diese und andere Werke aus der Natural History-Reihe sind keine Provokation um der Provokation willen, sondern nachdenkliche und lyrische Aussagen zu den Grundfragen der menschlichen Existenz.

Wie Hirst selbst sagt, gibt es in der Kunst, wie in allem, was wir tun, nur eine Idee – die Suche nach einer Antwort auf die Hauptfragen der Philosophie: Wo kommen wir her, wohin gehen wir und macht das Sinn? Ein in Alkohol eingelegter Hai, inspiriert von Hirsts Kindheitserinnerungen an den Horrorfilm „Der Weiße Hai“, konfrontiert unser Bewusstsein mit einem Paradoxon: Warum fühlen wir uns neben dem Kadaver eines tödlichen Tieres unwohl, weil wir wissen, dass es uns nichts anhaben kann? Ist das, was wir empfinden, Teil der irrationalen Angst vor dem Tod, die immer irgendwo am Rande unseres Bewusstseins auftaucht – und wenn ja, wie wirkt es sich auf unser Handeln und unser tägliches Leben aus?

Für seine kreativen Methoden und harten Äußerungen wurde Hirst immer wieder kritisiert: So musste sich der Künstler 2002 öffentlich dafür entschuldigen, dass er den Terroranschlag vom 11. September mit dem künstlerischen Prozess verglichen hatte. Der lebende Klassiker verurteilte Hirst dafür, dass er sein Werk nicht mit seinen eigenen Händen schuf, sondern die Arbeit von Assistenten nutzte, und der Kritiker Julian Spalding prägte sogar den Parodiebegriff „Con Art“, der mit „Konzeptualismus für Trottel“ übersetzt werden kann. Man kann nicht sagen, dass alle empörten Schreie gegen Hirst unbegründet waren: Der Künstler wurde wiederholt des Plagiats beschuldigt, und er wurde auch beschuldigt, die Preise für seine Werke künstlich erhöht zu haben, ganz zu schweigen von den Aussagen der Gesellschaft zum Schutz der Tierrechte, die es gab besorgt über die Bedingungen der Schmetterlingshaltung im Museum. Der vielleicht absurdeste Konflikt, der mit dem Namen des skandalösen Briten verbunden ist, ist seine Konfrontation mit dem sechzehnjährigen Künstler Cartrain, der Collagen mit Fotografien von Hirsts Werk „In the Name of the Love of God“ verkaufte. Der Multimillionär verklagte den Teenager auf zweihundert Pfund, die er mit seinen Collagen verdiente, was bei Vertretern des Kunstmarktes für heftige Empörung sorgte.

← „Enchanted“, 2008

Hirsts Konzeptualismus ist nicht so seelenlos, wie es scheinen mag: Tatsächlich gebiert der Künstler einen Plan, an dessen Umsetzung Dutzende seiner namenlosen Assistenten beteiligt sind – die Praxis zeigt jedoch, dass Hirst das Schicksal seiner Werke wirklich am Herzen liegt. Der Fall desselben in Alkohol eingelegten Hais, der zu zerfallen begann, ist zu einem der beliebtesten Witze der Kunstwelt geworden. Charles Saatchi beschloss, das Werk zu retten, indem er die Haut des leidgeprüften Fisches auf einen künstlichen Rahmen spannte, doch Hirst lehnte das erneuerte Werk ab und sagte, es mache keinen so schrecklichen Eindruck mehr. Daraufhin wurde die bereits beschädigte Installation für zwölf Millionen Dollar verkauft, der Hai jedoch auf Drängen des Künstlers ersetzt.

Hirsts Freund und YBA-Kollege Matt Collishaw beschreibt ihn als „einen Hooligan und einen Ästheten“, und obwohl der Hooligan-Teil klar ist, wird die ästhetische Seite oft vergessen: Vielleicht kann Hirsts außergewöhnliches künstlerisches Gespür nur in Ausstellungen mit Werken aus seinem umfangreichen Werk gewürdigt werden