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Wie viel kostet zeitgenössische Kunst? Welcher der lebenden Künstler genießt die größte Anerkennung, deren Maß Banknoten sind? Die Artnet-Website beantwortete diese Frage, indem sie die Ergebnisse der Auktionen von 2011 bis 2015 analysierte und eine Liste erstellte meistverkaufte zeitgenössische Künstler. Leider waren keine YouTuber aus Russland auf der Liste.

10. Ed Rusha

In den 60er Jahren des letzten Jahrhunderts nahm Ed zusammen mit so berühmten Künstlern wie Andy Warhol und Jim Dine an der historischen Veranstaltung „New Image“ teil gewöhnliche Gegenstände" Es war eine der ersten Ausstellungen des aufkommenden Pop-Art-Stils in Amerika. Für das unerleuchtete Auge ähneln Rusheis Gemälde eher schablonierten Inschriften vor dem Hintergrund von Landschaften oder fröhlichen Blumentupfern. Allerdings wurden seine Kreationen innerhalb von 4 Jahren für insgesamt 5,00 Euro verkauft 129.030.255 $.

9. Richard Prince

Richard machte sich einen Namen, indem er Bilder aus Printanzeigen neu fotografierte, sie in zufälliger Reihenfolge bearbeitete und mit prägnanten Slogans verschönerte. Marlboro-Cowboys, Prominente, Pornostars, Krankenschwestern und Biker-Freundinnen haben alle unter seinen Händen gelitten. Er lackiert auch Motorhauben. Die Öffentlichkeit schätzte seine Werke 146.056.862 $– für genau diesen Betrag wurden mehrere Werke des Künstlers verkauft.

8. Yayoi Kusama

Der psychisch kranke Künstler bedeckt gerne Oberflächen mit Farbpunkten – sogenannten „Unendlichkeitsnetzen“. Es gelang ihr, sowohl diese Erbse als auch ihre eigene Krankheit zu einem Markenzeichen zu machen und ist heute die meistverkaufte zeitgenössische Künstlerin der Welt ( 152.768.689 $).

7. Peter Doig

Einer der Vertreter des Traditionellen Landschaftsmalerei. Sein Werk erfreut sich ständiger Beliebtheit bei Betrachtern, die der hyperironischen Postmoderne überdrüssig sind – schließlich ist es nach den Inschriften, Fotocollagen und gepunkteten Stühlen so angenehm, den Blick auf die tropische Nachtlandschaft zu richten. Im Laufe von 4 Jahren wurden Gemälde für verkauft 155.229.785 $.

6. Fan Zeng

Auch kalligraphische Inschriften, transparente Aquarelllandschaften und Porträts im traditionellen chinesischen Stil verkaufen sich gut – 176.718.242 $ von 2011 bis 2015.

5. Cui Ruzhou

Dieser zeitgenössische chinesische Künstler ist berühmt für seine Tuschegemälde mit Blumen, Vögeln und Landschaften. Jedoch gewöhnliche Menschen Unfähig, die mächtige Kraft der Kunst zu verstehen – und im Jahr 2012 warf eine Putzfrau im Grand Hayatt Hotel versehentlich eines seiner Werke im Wert von 3,7 Millionen US-Dollar in den Müll. Cui Ruzhous Werke wurden in den letzten vier Jahren verkauft 223.551.382 $.

4. Zeng Fanzhi

Komplexe mehrfarbige Werke eines anderen chinesischen Künstlers, in denen Lebewesen und Objekte entweder in einem Netz verwickelt sind oder sich in einem Winterwald verlieren, sowie unheilvolle Pioniere mit blutigen Händen, verkauften sich von 2011 bis 2015 ebenfalls gut – für 267.949.220 $.

3. Christopher Wool

Christophers Markenzeichen sind riesige weiße Leinwände mit schwarzer Beschriftung. Vier dieser Buchstaben mit dem Wort „Riot“ wurden bei Sotheby’s für 29,9 Millionen US-Dollar verkauft. Und in nur 4 Jahren wurden die Werke des Künstlers für einen Betrag von verkauft 323.997.854 $.

2. Jeff Koons

Der ehemalige Ehemann von Pornostar Cicciolina arbeitet bevorzugt im Neo-Pop-Genre. Besonders berühmt ist er für seine Stahlskulpturen, die Spielzeuge aus länglichen Luftballons imitieren. Für eines der Werke (einen stahlorangefarbenen Hund) wurden bei Christie's Auktion 58,4 Millionen US-Dollar gezahlt. Jeff plant außerdem, vor dem Los Angeles Museum of Art einen Kran zu installieren, an dem eine Dampflokomotive aufgehängt wird, so dass sie stößt und Rauchwolken ausstößt. Von 2011 bis 2015 verkaufte Koons Werke für einen Gesamtwert von 379.778.439 $.

1. Gerard Richter

An erster Stelle im Ranking der Künstler mit den meistverkauften Gemälden steht ein Meister, der sich selbst nicht einmal für einen solchen hält. Laut Gerard schuf er lange Zeit etwas, das nichts mit Kunst, Komposition, Farbe, Kreativität usw. zu tun hatte. Er bedeckte nämlich Leinwände mit Farbflecken mithilfe von Schabern und Spachteln. Eines dieser Gemälde mit dem Titel „Abstraktes Bild“, das am ehesten an eine qualvoll verendete Wassermelone erinnert, wurde bei Sotheby’s mit einem Schätzwert von 100.000 Dollar versteigert 43,6 Millionen US-Dollar, und die Werke des Künstlers wurden für einen bescheidenen Betrag verkauft 1.165.527.419 $.

Nr. 20. 75.100.000 $. „Royal Red and Blue“, Mark Rothko, verkauft im Jahr 2012.

Die majestätische Leinwand war eines von acht Werken, die der Künstler für seine bahnbrechende Einzelausstellung im Art Institute of Chicago handverlesen hat.

Nr. 19. 76.700.000 $. „Massaker der Unschuldigen“, Peter Paul Rubens, geschaffen 1610.

Das Gemälde wurde im Juli 2002 von Kenneth Thompson bei Sotheby's in London gekauft. Hell und dramatisches Werk Rubens könnte um den Titel des „unerwartetsten Erfolgs“ konkurrieren. Christie's bewertete dieses Gemälde mit nur 5 Millionen Euro.

Nr. 18. 78.100.000 $. „Bal in der Moulin de la Galette“, Pierre-Auguste Renoir, gemalt 1876.

Das Werk wurde 1990 verkauft und galt damals als das zweitteuerste jemals verkaufte Gemälde der Welt. Der Besitzer des Meisterwerks war Ryoei Saito, Vorsitzender der Daishowa Paper Manufacturing Co. Er wollte, dass die Leinwand nach seinem Tod bei ihm eingeäschert wird, doch das Unternehmen geriet mit seinen Kreditverpflichtungen in finanzielle Schwierigkeiten, so dass das Gemälde als Sicherheit dienen musste.

Nr. 17. 80 Millionen Dollar. „Turquoise Marilyn“, Andy Warhol, gemalt 1964, verkauft 2007.

Gekauft von Herrn Steve Cohen. Der Preis wurde nicht bestätigt, diese Zahl wird jedoch allgemein als wahr angesehen.

Nr. 16. 80 Millionen Dollar. „False Start“ von Jasper Johns, geschrieben 1959

Das Gemälde gehörte David Geffen, der es an den CEO der Citadel-Investmentgruppe, Kenneth S. Griffin, verkaufte. Es gilt als das teuerste Gemälde, das zu Lebzeiten des Künstlers, Kultmeisters Jasper Johns, verkauft wurde.

Nr. 15. 82.500.000 $. „Porträt von Doktor Gachet“, Vincent Van Gogh, 1890.

Der japanische Geschäftsmann Ryoei Saito erwarb das Gemälde 1990 auf einer Auktion. Damals war es das teuerste Gemälde der Welt. Als Reaktion auf den in der Gesellschaft entstandenen Aufschrei über Saitos Wunsch, das Kunstwerk nach seinem Tod mit einzuäschern, erklärte der Geschäftsmann, dass er damit seine selbstlose Zuneigung zu dem Gemälde zum Ausdruck bringe.

Nr. 14. 86.300.000 $. „Triptychon“, Francis Bacon, 1976.

Dieses dreiteilige Meisterwerk von Bacon brach den bisherigen Rekord für seine verkauften Werke (52,68 Millionen US-Dollar). Das Gemälde wurde vom russischen Milliardär Roman Abramovich gekauft.

Nr. 13. 87.900.000 $. „Bildnis Adele Bloch-Bauer II“, Gustav Klimt, 1912.

Das einzige von Klimt zweimal abgebildete Modell, das wenige Monate nach der ersten Version verkauft wurde. Dies ist ein Porträt von Bloch-Bauer, eines von vier Gemälden, die 2006 einen Gesamtpreis von 192 Millionen US-Dollar erzielten. Der Käufer ist unbekannt.

Nr. 12. 95.200.000 $. „Dora Maar mit Katze“, Pablo Picasso, 1941.

Ein weiteres Picasso-Gemälde, das zu einem sagenhaften Preis unter den Hammer kam. Im Jahr 2006 wurde es von einer mysteriösen anonymen russischen Person erworben, die gleichzeitig Werke von Monet und Chagall im Wert von insgesamt 100 Millionen Dollar kaufte.

Nr. 11. 104.200.000 $. „Junge mit Pfeife“, Pablo Picasso, 1905.

Dies ist das erste Gemälde, das 2004 die 100-Millionen-Dollar-Grenze durchbrach. Seltsamerweise wurde der Name der Person, die ein so großes Interesse an Picassos Porträt zeigte, nie veröffentlicht.

Nr. 10. 105.400.000 $. „Silver Car Crash (Double Disaster)“, Andy Warhol, 1932.

Dies ist das teuerste Werk der berühmten Pop-Art-Legende Andy Warhol. Das Bild wurde zum Star zeitgenössische Kunst, kommt bei Sotheby's unter den Hammer.

Nr. 9. 106.500.000 $. „Akt, grüne Blätter und Büste“, Pablo Picasso, 1932.

Dieses sinnliche und farbenfrohe Meisterwerk wurde zum teuersten Werk Picassos, das jemals auf einer Auktion verkauft wurde. Das Gemälde befand sich in der Sammlung von Frau Sidney F. Brody und wurde seit 1961 nicht mehr öffentlich ausgestellt.

Nr. 8. 110 Millionen Dollar „Flag“, Jasper Johns, 1958.

„Flagge“ ist am meisten berühmtes Werk Jasper Johns. Der Künstler malte 1954–55 seine erste amerikanische Flagge.

Nr. 7. 119.900.000 $. „Der Schrei“, Edvard Munch, 1895.

Dies ist ein einzigartiges und farbenfrohstes Werk der vier Versionen von Edvard Munchs Meisterwerk „Der Schrei“. Nur einer von ihnen bleibt in Privatbesitz.

Nr. 6. 135.000.000 $. „Bildnis Adele Bloch-Bauer I“, Gustav Klimt.

Maria Altman beantragte vor Gericht das Recht, das Gemälde zu besitzen, da Adele Bloch-Bauer es vermachte StaatsgalerieÖsterreich und ihr Ehemann stornierten die Spende später inmitten der Ereignisse des Zweiten Weltkriegs. Nachdem Maria Altman die Rechte übernommen hatte, verkaufte sie das Porträt an Ronald Lauder, der es in seiner Galerie in New York ausstellte.

Nr. 5. 137.500.000 $. „Frau III“, Willem de Kooning.

Ein weiteres Gemälde wurde 2006 von Geffen verkauft, doch diesmal war der Käufer der Milliardär Stephen A. Cohen. Diese seltsame Abstraktion war Teil einer Serie von sechs Meisterwerken von Kooning, die zwischen 1951 und 1953 entstanden.

Nummer 4. 140.000.000 $. „Nr. 5, 1948“, Jackson Pollock.

Wie die New York Times berichtete, verkaufte der Filmproduzent und Sammler David Geffen das Gemälde an David Martinez, geschäftsführender Gesellschafter von FinTech Advisory, obwohl dieser die Informationen nicht bestätigte. Die Wahrheit ist in Geheimnisse gehüllt.

Das Portal Artprice veröffentlicht jedes Jahr eine Liste der teuersten Künstler der Welt, deren Werke für irrsinnige Summen versteigert werden. In dieser Bewertung sind in der Regel die Namen berühmter Maler und Bildhauer enthalten, deren Preise Ihnen schwindelig machen können. Zu den Top Ten der „Artprcie“-Bewertung gehörten Meister wie: Claude Monet, Qi Baishi, Alberto Giacometti und Jeff Koons. Im Jahr 2014 wurden Werke von zehn der teuersten Künstler und Bildhauer für satte 2,7 Milliarden US-Dollar versteigert. Das teuerste Werk, die Skulptur „Chariot“ von Giacometti, kam für 90 Millionen Dollar unter den Hammer. Möchten Sie wissen, wer zu den fünf teuersten Künstlern der Welt gehört? Lesen Sie unseren Beitrag.

10 FOTOS

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1. Den fünften Platz unter den teuersten Künstlern der Welt belegt Mark Rothko, ein amerikanischer Künstler, ein Vertreter des abstrakten Expressionismus und auch der Schöpfer der „Farbfeldmalerei“. Im vergangenen Jahr wurden seine Werke für insgesamt 249,2 Millionen Dollar versteigert, das teuerste davon kam für 59 Millionen Dollar unter den Hammer. (Foto: Getty Images).
2. Das teuerste Gemälde von Mark Rothko ist „Orange, Rot, Gelb“ (im Bild), das im Mai 2012 bei Christie’s für 77,5 Millionen US-Dollar verkauft wurde. (Foto: Jeremy Yoder/flickr.com). 3. Gerhard Richter belegte im Ranking den vierten Platz – er ist der einzige lebende Künstler, der zu den fünf teuersten Meisterwerken der Welt zählt. Dabei überrascht er nicht so sehr mit seiner hohen Platzierung im Ranking, sondern vielmehr mit seiner Kreativität, die sich generell nur schwer einordnen lässt. Daher ist es nicht verwunderlich, dass seine Werke sich großer Beliebtheit erfreuen und bei Auktionen immer höhere Preise erzielen. (Foto: Getty Images).
4. Im Jahr 2014 wurden insgesamt 258 Werke von Gerhard Richter im Gesamtwert von 254,3 Millionen US-Dollar verkauft. Sein teuerstes Werk war das Gemälde „Abstraktes Bild“ (im Bild) von 1989 Auktions Haus Christie's wurde für 28,7 Millionen Dollar verkauft.
5. Den dritten Platz unter den teuersten Künstlern der Welt belegte Francis Bacon, ein autodidaktischer irischer Künstler. Im vergangenen Jahr wurden 122 Gemälde für 270 Millionen Dollar verkauft. (Foto: Getty Images).
6. Das teuerste Gemälde von Francis Bacon war das Triptychon „Drei Skizzen für ein Porträt von Lucian Freud“ (1969), das 2013 für 142,4 Millionen US-Dollar versteigert wurde. Es ist derzeit das teuerste Kunstwerk in der Geschichte des Auktionsmarktes. (Foto: Garrett Bithell/flickr.com).
7. An zweiter Stelle im Ranking der teuersten Künstler der Welt steht Pablo Picasso, dessen Werke letztes Jahr für 375 Millionen Dollar verkauft wurden. (Foto: Getty Images).
8. Das teuerste Werk von Pablo Picasso und das dritte auf der Liste der teuersten Gemälde der Welt ist „Akt, grüne Blätter und Büste“ (im Bild) 1932, 2010 für 106,5 Millionen US-Dollar verkauft. (Foto: James R. fauxtoes/flickr.com).
9. Basierend auf den Ergebnissen des Jahres 2014 wurde Andy Warhol zum teuersten Künstler der Welt. Seine Gemälde wurden für 569,5 Millionen Dollar verkauft. Zum Vergleich: Der gesamte französische Kunstauktionsmarkt konnte im vergangenen Jahr kein solches Verkaufsvolumen erzielen. (Foto: Getty Images).
10. Im Jahr 2014 war „Elvis Triple“ (1963) das teuerste Gemälde von Andy Warhol, das für 81,9 Millionen US-Dollar versteigert wurde. (Foto: lar3/flickr.com).

Bewertung der Auktionsergebnisse russischer Kunstwerke

1. Zur Teilnahme wurden nur Ergebnisse öffentlicher Auktionen akzeptiert.
2. Die Zugehörigkeit zu russischen Künstlern wurde durch den Geburtsort bestimmt. Geboren im Russischen Reich oder in der UdSSR – das heißt, er ist ein russischer Künstler, ohne Rücksicht auf seine ethnische Herkunft oder Rückschlüsse auf die weitere Entwicklung seines Schicksals. Beispielsweise ist die Tatsache, dass Kandinsky zu unterschiedlichen Zeiten sowohl die russische als auch die deutsche Staatsbürgerschaft besaß und mit der französischen Staatsbürgerschaft starb, kein Grund, daran zu zweifeln, dass der Künstler Russe ist.
3. Regel: ein Künstler – ein Gemälde. Das heißt, eine Situation, in der streng genommen alle ersten Plätze den Werken von Mark Rothko zugeteilt werden müssten, wird folgendermaßen gelöst: Wir lassen nur das teuerste Werk übrig und ignorieren alle anderen Ergebnisse für die Gemälde dieses Künstlers .

Die Bewertung basiert auf Ergebnissen unter Berücksichtigung der Käuferprämie, ausgedrückt in Dollar (die bei europäischen Auktionen angezeigten Zahlen, d. h. in Pfund oder Euro, werden zum Wechselkurs am Handelstag in Dollar umgerechnet). Daher weder „Die Spanische Grippe“ von Gontscharowa, das am 2. Februar 2010 für 6,43 Millionen Pfund verkauft wurde, noch das Gemälde „Blick auf Konstantinopel und den Bosporus“ von Aivazovsky, für das am 24. April 2012 3,23 Millionen Pfund bezahlt wurden. wurden nicht in die Transaktionswährung einbezogen, d. h. In Pfund ausgedrückt sind sie teurer als die Gemälde, die einen Platz in der Rangliste belegten, aber mit dem Dollar-Wechselkurs hatten sie kein Glück.

1. 86,88 Millionen US-Dollar Mark Rothko. Orange, Rot, Gelb (1961)

Einer der meisten geheimnisvolle Künstler Modernität. Sein Lebensweg wie aus Widersprüchen gewoben – in kreativen Suchen, in Handlungen, in Gesten... Rothko galt als einer der Ideologen und natürlich als Schlüsselfigur des amerikanischen abstrakten Expressionismus und konnte es nicht ertragen, wenn seine Werke als abstrakt bezeichnet wurden. Da er in der Vergangenheit genau wusste, was es heißt, von der Hand in den Mund zu leben, gab er seinen Kunden einst trotzig einen absolut fantastischen Vorschuss für das heutige Geld zurück und hinterließ ein fast vollständig abgeschlossenes Werk. Nachdem er fast fünfzig Jahre lang auf seinen Erfolg und die Möglichkeit gewartet hatte, von der Malerei zu leben, lehnte er mehr als einmal Menschen ab, die seine Karriere zerstören könnten, wenn sie wollten. Zumindest ein Sozialist im Herzen, der die Ideen von Marx teilte und den Reichen und Reichen feindlich gegenüberstand, wurde Rothko schließlich zum Autor der teuersten Gemälde der Welt, was tatsächlich zu einem Attribut des hohen Status von wurde ihre Besitzer. (Es ist kein Scherz, das rekordverdächtige „White Center“, das für 65 Millionen Dollar verkauft wurde, stammte von der Familie Rockefeller.) Er träumte von der Anerkennung durch das Massenpublikum und wurde schließlich zum Schöpfer von Gemälden, die immer noch nur einem Kreis wirklich verständlich sind von Intellektuellen und Kennern. Schließlich beendete der Künstler, der durch die Musik seiner Gemälde das Gespräch mit Gott suchte, der Künstler, dessen Werke zum zentralen Element in der Gestaltung der Kirche aller Religionen wurden, sein Leben mit einem völlig verzweifelten Akt des Kampfes gegen Gott. ..

Rothko, der sich an die Pale of Settlement und die Kosaken erinnerte, wäre vielleicht überrascht gewesen, dass sie auch stolz auf ihn als russischen Künstler sind. Allerdings gab es in den 1930er Jahren in Amerika reichlich Antisemitismus – es war kein Zufall, dass der Künstler den Familiennamen Rotkovich „abkürzte“. Aber wir nennen ihn nicht ohne Grund Russisch. Zunächst einmal basierend auf der Tatsache der Geburt. Das lettische Dwinsk, das heutige Daugavpils, war zur Zeit der Geburt von Marcus Rotkowitsch Teil Russlands und wird es bis zum Zusammenbruch des Reiches, bis 1918, bleiben. Zwar wird Rothko die Revolution nicht mehr erleben. 1913 wurde der Junge in die USA gebracht, die Familie zog nach Portland, Oregon. Das heißt, ich habe meine Kindheit und Jugend in Russland verbracht, wo meine Lebensauffassung und -anschauung geformt wurde. Wir stellen fest, dass Rothko nicht nur hier geboren wurde, sondern auch mit Russland in Verbindung gebracht wird, sowohl ideologische Themen als auch Konflikte. Es ist bekannt, dass er die Werke Dostojewskis schätzte. Und selbst die Laster, denen sich Rothko hingab, werden aus irgendeinem Grund in der Welt mit Russen in Verbindung gebracht. Aus irgendeinem Grund wird Depression im Westen als „russische Krankheit“ bezeichnet. Das ist natürlich kein Argument, sondern ein weiterer Hinweis auf die Integrität des russischen Künstlercharakters.

Rothko brauchte 15 lange Jahre, um innovative Entdeckungen in der Malerei zu machen. Nachdem er viele figurative Hobbys betrieben hatte, darunter Surrealismus und figurativer Expressionismus, vereinfachte er Mitte der 1940er Jahre die Struktur seiner Gemälde extrem und beschränkte die Ausdrucksmittel auf wenige farbige Blöcke, die die Komposition bilden. Die intellektuelle Grundlage seiner Arbeit ist fast immer eine Frage der Interpretation. Rothko gab normalerweise keine direkten Antworten und rechnete mit der Beteiligung des Betrachters am Verständnis des Werkes. Das Einzige, worauf er definitiv zählte, war die emotionale Arbeit des Zuschauers. Seine Bilder dienen nicht der Ruhe, nicht der Entspannung und nicht der „visuellen Massage“. Sie sind auf Empathie ausgelegt. Manche sehen sie als Fenster, die einen Blick in die Seele des Betrachters ermöglichen, andere sehen sie als Türen zu einer anderen Welt. Es gibt eine Meinung (die der Wahrheit vielleicht am nächsten kommt), dass seine Farbfelder metaphorische Bilder Gottes sind.

Die dekorative Kraft der „Farbfelder“ erklärt sich durch eine Reihe spezieller Techniken, die Rothko verwendet. Seine Bilder vertragen keine massiven Rahmen – höchstens dünne Ränder in der Farbe der Leinwand. Der Künstler hat die Bildränder bewusst in einem Farbverlauf getönt, sodass das Bildfeld seine Grenzen verliert. Die unscharfen Grenzen der inneren Quadrate sind auch eine Technik, eine Möglichkeit, ohne Kontrast den Effekt des Zitterns, der scheinbaren Überlappung von Farbblöcken, des Pulsierens von Punkten zu erzeugen, wie das Flackern des Lichts elektrischer Lampen. Diese sanfte Auflösung der Farbe in der Farbe wurde insbesondere in Ölfarben erreicht, bis Rothko Ende der sechziger Jahre auf undurchsichtiges Acryl umstieg. Und der gefundene Effekt der elektrischen Pulsation verstärkt sich, wenn man die Gemälde aus nächster Nähe betrachtet. Nach dem Plan des Künstlers ist es für den Betrachter optimal, drei Meter große Leinwände aus einer Entfernung von nicht mehr als einem halben Meter zu betrachten.

Heute sind Rothkos Gemälde der Stolz jedes berühmten Museums für moderne Kunst. So gibt es in der englischen Tate Gallery einen Rothko-Saal, in dem neun Gemälde leben, die im Rahmen eines Vertrags mit dem Restaurant Four Seasons gemalt wurden. Mit diesem Projekt ist eine Geschichte verbunden, die sehr bezeichnend für Rothkos Charakter ist. Im Jahr 1959 wurde der Künstler auf Empfehlung der Besitzer des angesagten Restaurants „Seasons“ kontaktiert, das im ungewöhnlichen New Yorker Wolkenkratzer Seagram Building (benannt nach der Firma, die den Alkohol herstellte) eröffnete. Die Vertragssumme belief sich in heutiger Währung auf fast 3 Millionen US-Dollar – selbst für einen etablierten, anerkannten Künstler wie Rothko damals ein sehr bedeutendes Honorar. Als die Arbeiten jedoch fast abgeschlossen waren, gab Rothko den Vorschuss unerwartet zurück und weigerte sich, ihn dem Kunden auszuhändigen. Als einen der Hauptgründe für die plötzliche Tat sahen Biographen die Zurückhaltung, der herrschenden Klasse zu gefallen und die Reichen beim Abendessen zu unterhalten. Es gibt auch die Meinung, dass Rothko verärgert war, als er erfuhr, dass seine Bilder von normalen Mitarbeitern, die im Gebäude arbeiteten, nicht gesehen werden würden. Allerdings sieht die neueste Version zu romantisch aus.

Fast zehn Jahre später schenkte Rothko einige der für die Vier Jahreszeiten vorbereiteten Leinwände der Tate Gallery in London. In einer bitteren Ironie des Schicksals wurde der Künstler am 25. Februar 1970, dem Tag, an dem die Kartons mit den Gemälden den englischen Hafen erreichten, tot in seinem Atelier aufgefunden – mit durchtrennten Adern und (offenbar als Garantie) einer riesigen Dosis Schlaftabletten darin sein Magen.

Heute erfährt Rothkos Werk eine weitere Welle aufrichtigen Interesses. Es werden Seminare abgehalten, Ausstellungen eröffnet, Monographien veröffentlicht. Am Ufer der Daugava, im Heimatland des Künstlers, wurde ein Denkmal errichtet.

Rothkos Werke sind auf dem Markt keine Seltenheit (wie zum Beispiel Malewitschs Gemälde). Jährlich kommen allein von ihm etwa 10–15 Gemälde auf Auktionen zur Versteigerung, Grafiken nicht mitgerechnet. Das heißt, es gibt keinen Mangel, aber es werden Millionen und Abermillionen Dollar dafür bezahlt. Und solche Preise sind kein Zufall. Es ist vielmehr eine Hommage an seine Innovation, ein Wunsch, neue Bedeutungsebenen zu eröffnen und sich dem kreativen Phänomen eines der mysteriösesten russischen Künstler anzuschließen.

Am 8. Mai 2012 wurde bei der Auktion für Nachkriegs- und zeitgenössische Kunst bei Christie’s das Gemälde „Orange, Rot, Gelb“ von 1961 für 86,88 Millionen US-Dollar inklusive Provision versteigert. Das Werk stammt aus der Sammlung des Kunstmäzens David Pincus aus Pennsylvania. David und seine Frau Gerry kauften das 2,4 × 2,1 Meter große Werk von der Marlborough Gallery und verliehen es anschließend für längere Zeit als Leihgabe an das Philadelphia Museum of Art. Das Gemälde „Orange, Rot, Gelb“ wurde nicht nur zum teuersten Werk eines Künstlers russischer Herkunft, sondern auch zum teuersten Werk der Nachkriegs- und zeitgenössischen Kunst, das auf einer offenen Auktion verkauft wurde.

2. 60,00 Millionen Dollar. Suprematistische Komposition (1916)

Für mein langes Leben Zunächst zusammen mit Robert und allein nach seinem Tod im Jahr 1941 konnte Sonya viele Genres in der Kunst ausprobieren. Sie beschäftigte sich mit Malerei, Buchillustration, Theaterskizzen(insbesondere entwarf sie die Kulissen für Diaghilews Ballett „Kleopatra“), Kleidungsdesign, Innenarchitektur, Textilmuster und sogar Autotuning.

Sonia Delaunays frühe Porträts und Abstraktionen aus den 1900er-10er Jahren sowie Werke aus der Serie „Color Rhythms“ aus den 1950er-60er Jahren erfreuen sich auf internationalen und nationalen französischen Auktionen großer Beliebtheit. Ihre Preise erreichen oft mehrere hunderttausend Dollar. Der Hauptrekord des Künstlers wurde vor mehr als 10 Jahren aufgestellt – am 14. Juni 2002 bei der Calmels Cohen Pariser Auktion. Dann wurde das abstrakte Werk „Markt in Minho“, das 1915 zu Lebzeiten des Ehepaars Delaunay in Spanien (1914–1920) entstand, für 4,6 Millionen Euro verkauft.

32. 4,30 Millionen US-Dollar. Vision für den jungen Bartholomäus (1922)

Wenn wir unsere Künstler auf einer besonderen Skala des „Russseins“ bewerten, kann Michail Wassiljewitsch Nesterow (1862–1942) sicher irgendwo am Anfang der Liste platziert werden. Seine Gemälde, die Heilige, Mönche und Nonnen in einer lyrischen „Nesterow“-Landschaft darstellen, ganz im Einklang mit der hochspirituellen Stimmung der Helden, wurden zu einem einzigartigen Phänomen in der Geschichte der russischen Kunst. In seinen Gemälden sprach Nesterov über das Heilige Russland, über seinen besonderen spirituellen Weg. Der Künstler vermied in seinen eigenen Worten „die Darstellung starker Leidenschaften und zog ihnen eine bescheidene Landschaft vor, einen Menschen, der ein inneres spirituelles Leben in den Armen unserer Mutter Natur führt.“ Und laut Alexander Benois war Nesterow neben Surikow der einzige russische Künstler, der den erhabenen göttlichen Worten „Der Idiot“ und „Karamasow“ zumindest teilweise nahe kam.

Der besondere Stil und die Religiosität von Nesterovs Gemälden sind auf viele Faktoren zurückzuführen. Beeinflusst wurde er auch durch seine Erziehung in einer patriarchalischen, gläubigen Kaufmannsfamilie in der Stadt Ufa mit ihren typisch russischen Landschaften und durch seine Studienjahre bei den Wanderern Perow, Sawrasow und Prjanischnikow an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur (ab 1930). bei ihnen übernahm er die Idee einer Kunst, die Geist und Herz berührt) und von Pavel Chistyakov an der Akademie der Künste (hier übernahm er die Technik des akademischen Zeichnens) und Reisen nach Europa zur Inspiration und einem tiefen persönlichen Drama ( der Tod seiner geliebten Frau Maria einen Tag nach der Geburt ihrer Tochter Olga).

Infolgedessen hatte Nesterov bereits in den späten 1880er und frühen 1890er Jahren sein Thema gefunden, und zu dieser Zeit schrieb er „Vision to the Youth Bartholomew“ (1889–1890). Die Handlung des Bildes ist dem Leben des Heiligen Sergius entnommen. Der junge Bartholomäus (der zukünftige Sergius von Radonesch) traf einen Engel in der Gestalt eines Mönchs und erhielt von ihm Gottes Segen, um die Heilige Schrift zu verstehen und seine Brüder und Kollegen zu übertreffen. Das Bild ist von einem Gefühl des Wunderbaren durchdrungen – nicht nur und nicht so sehr in den Figuren von Bartholomäus und dem Heiligen Alten, sondern auch in der umgebenden Landschaft, die besonders festlich und spirituell ist.

In seinen letzten Jahren bezeichnete der Künstler „Bartholomäus“ mehr als einmal als sein Hauptwerk: „... wenn er dreißig, fünfzig Jahre nach meinem Tod noch etwas zu den Menschen sagt, bedeutet das, dass er lebt, das bedeutet, dass ich lebe.“ Das Gemälde erregte auf der 18. Ausstellung der Wanderer eine Sensation und machte den jungen Ufa-Künstler (Nesterow war damals noch keine dreißig Jahre alt) sofort berühmt. P. M. Tretjakow erwarb „Vision...“ für seine Sammlung, trotz der Versuche, ihn von, wie Nesterow es ausdrückte, „orthodoxen Wanderern“ abzubringen, die in dem Werk richtig erkannten, dass die „rationalistischen“ Grundlagen der Bewegung untergraben wurden. Allerdings hatte der Künstler bereits einen eigenen künstlerischen Weg eingeschlagen, der ihn schließlich berühmt machte.

Mit dem Aufkommen der Sowjetmacht brachen für Nesterov mit seiner religiösen Malerei nicht die besten Zeiten an. Der Künstler wandte sich dem Porträt zu (glücklicherweise hatte er die Gelegenheit, nur Menschen zu malen, die ihm sehr gefielen), wagte aber nicht, über seine bisherigen Sujets nachzudenken. Als jedoch Anfang der 1920er Jahre das Gerücht über die Vorbereitung einer großen Ausstellung russischer Kunst in Amerika aufkam, entschloss sich Nesterov schnell, daran teilzunehmen, in der Hoffnung, daran teilzunehmen neues Publikum. Er schrieb mehrere Werke für die Ausstellung, darunter die vom Autor verfasste Wiederholung von „Vision to the Youth Bartholomew“ (1922), die in der amerikanischen Presse „Vision to St. Sergius in adoleszenz“ hieß. Die neue Fassung hat ein kleineres Format (91 × 109) im Vergleich zur Tretjakow-Fassung (160 × 211), der Mond ist am Himmel erschienen, die Farben der Landschaft sind etwas dunkler und das Gesicht des Bildes wirkt ernster Jugend Bartholomäus. Nesterov fasst mit diesem Bild sozusagen die großen Veränderungen zusammen, die seit der Niederschrift der ersten „Vision...“ stattgefunden haben.

Nesterovs Gemälde gehörten zu den wenigen, die auf der Russischen Kunstausstellung 1924 in New York gekauft wurden. „Vision to the Youth Bartholomew“ landete in der Sammlung berühmter Sammler und Förderer von Nicholas Roerich – Louis und Nettie Horsch. Von da an bis 2007 wurde die Arbeit in dieser Familie durch Erbschaft weitergegeben. Und schließlich wurde das Gemälde am 17. April 2007 bei der russischen Auktion von Sotheby’s mit einem Schätzwert von 2 bis 3 Millionen US-Dollar angeboten und übertraf diesen deutlich. Der Endpreis des Hammers, der für Nesterov zum Rekord wurde, betrug 4,30 Millionen US-Dollar. Mit diesem Ergebnis gelangte er in unsere Bewertung.

33. 4,05 Millionen US-Dollar. Spieler (1919)

Vera Nikolaevna Rokhlina (Schlesinger) ist eine weitere wunderbare Künstlerin der russischen Emigration, die neben Natalia Goncharova, Tamara Lempitskaya und Sonia Delaunay in unsere Bewertung aufgenommen wurde. Informationen über das Leben der Künstlerin sind sehr rar; ihre Biografie wartet noch auf ihre Erforschung. Es ist bekannt, dass Vera Shlesinger 1896 in Moskau in eine russische Familie und eine Französin aus Burgund hineingeboren wurde. Sie studierte in Moskau bei Ilya Mashkov und war fast seine Lieblingsschülerin, und nahm dann Unterricht in Kiew bei Alexandra Exter. 1918 heiratete sie den Anwalt S.Z. Rokhlin und ging mit ihm nach Tiflis. Von dort zog das Paar Anfang der 1920er Jahre nach Frankreich, wo Vera begann, aktiv im Herbstsalon, im Salon der Unabhängigen und im Salon der Tuilerien auszustellen. In ihrem Malstil orientierte sie sich zunächst an den Ideen des Kubismus und des Postimpressionismus, entwickelte jedoch bereits Anfang der 1930er Jahre einen eigenen Stil, den eine französische Zeitschrift als „künstlerische Balance zwischen Courbet und Renoir“ bezeichnete. In diesen Jahren lebte Vera bereits getrennt von ihrem Mann in Montparnasse und hatte den Modeschöpfer Paul Poiret zu ihren Fans. Hauptthema in der Malerei wählte sie weibliche Porträts und Akte, was möglicherweise durch ihre Bekanntschaft mit Zinaida Serebryakova erleichtert wurde (sogar ein Porträt einer nackten Serebryakova von Rokhlina ist erhalten geblieben), und die Künstlerin fand in Pariser Galerien persönliche Ausstellungen statt. Doch im April 1934 beging die 38-jährige Vera Rokhlina Selbstmord. Was eine Frau in ihren besten Jahren, die im kreativen Bereich bereits viel erreicht hatte, dazu brachte, sich das Leben zu nehmen, bleibt ein Rätsel. Ihr früher Tod wurde als der größte Verlust in der Pariser Kunstszene dieser Jahre bezeichnet.

Rokhlinas Vermächtnis liegt hauptsächlich im Ausland, wo Vera die letzten 13 Jahre ihres Lebens verbrachte und ihr Talent voll zur Geltung kam. In den 1990er und frühen 2000er Jahren begannen französische Museen und Galerien, Einzelausstellungen von Rokhlina zu veranstalten und ihre Arbeiten in Gruppenausstellungen von Künstlern der Pariser Schule zu integrieren. Sammler erfuhren von ihr, ihre Werke wurden auf Auktionen verkauft, und zwar recht gut. Der Höhepunkt der Verkäufe und Preise ereignete sich in den Jahren 2007–2008, als etwa hunderttausend Dollar für ein großformatiges Gemälde von Rokhlina alltäglich wurden. Und so wurde am 24. Juni 2008 bei der Abendauktion von Impressionisten und Modernisten bei Christie's in London unerwartet das vor der Emigration im Jahr 1919 gemalte kubistische Gemälde „Gamblers“ von Vera Rokhlina für das Achtfache der Schätzung verkauft – für 2,057 Millionen Pfund ( 4,05 Millionen US-Dollar) mit einer Schätzung von 250–350.000 £.

34. 4,02 Millionen US-Dollar. Nacht in der Normandie (1861)

35. 3,97 Millionen Dollar. Östliche Stadt. Buchara (1912)

Für Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878–1968), Sohn eines Ikonenmalers aus der Stadt Saratow, Absolvent der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur (wo er bei Arkhipov, Serov und Korovin studierte), einer der Organisatoren des Vereins „Blaue Rose“ war der Osten eines der Hauptthemen und sicherlich auch das bekannteste Thema der Kreativität in der Öffentlichkeit. Als Pavel Kuznetsovs erste symbolistische Periode des 20. Jahrhunderts mit halbfantastischen Bildern von „Brunnen“, „Erwachen“ und „Geburten“ erschöpft war, begab sich der Künstler auf der Suche nach Inspiration in den Osten. Er erinnerte sich, wie er als Kind seinen Großvater in der Transwolga-Steppe besuchte und das Leben der Nomaden beobachtete. „Plötzlich erinnerte ich mich an die Steppe und ging zu den Kirgisen“, schrieb Kusnezow. Von 1909 bis 1914 verbrachte Kusnezow mehrere Monate in der kirgisischen Steppe unter den Nomaden, lernte deren Lebensweise kennen und akzeptierte sie als seine verwandte, „skythische“ Seele. In den Jahren 1912–1913 reiste der Künstler durch die Städte Zentralasiens und lebte in Buchara, Samarkand und den Ausläufern des Pamirs. In den 1920er Jahren wurde die Erforschung des Ostens in Transkaukasien und auf der Krim fortgesetzt.

Das Ergebnis dieser Reisen in den Osten war eine Reihe atemberaubender Gemälde, in denen man die „Goluborozovsky“-Liebe zur blauen Palette und die Symbolik von Ikonen und Tempelfresken spüren kann, die dem Künstler seit seiner Kindheit nahe stehen, sowie die wahrgenommene Erfahrung dieser Künstler wie Gauguin, Andre Derain und Georges Braque, und natürlich die ganze Magie des Ostens. Kusnezows orientalische Gemälde fanden nicht nur in Russland großen Anklang, sondern auch auf Ausstellungen in Paris und New York.

Groß kreatives Glück wurde der 1912 in Buchara geschriebene Gemäldezyklus „Eastern City“. Eines der größten Gemälde der Serie „Eastern City“. Bukhara“ wurde im Juni 2014 bei MacDougall’s mit einer Schätzung von 1,9–3 Millionen Pfund versteigert. Die Herkunft und Ausstellungsgeschichte des Werks ist einwandfrei: Es wurde direkt vom Künstler erworben; hat seinen Wohnort seit Mitte der 1950er Jahre nicht verändert; nahm an den Ausstellungen „World of Art“, der Ausstellung sowjetischer Kunst in Japan sowie an allen wichtigen Retrospektiven zu Lebzeiten und posthum des Künstlers teil. Infolgedessen wurde für Kusnezow ein Rekordpreis für das Gemälde gezahlt: 2,37 Millionen Pfund (3,97 Millionen US-Dollar).

36. 3,82 Millionen US-Dollar. Helden des ersten Fünfjahresplans (1936)

37. 3,72 Millionen US-Dollar. Der Hirte der Hügel (1920)

Boris Dmitrijewitsch Grigorjew (1886–1939) emigrierte 1919 aus Russland. Er wurde zu einem der berühmtesten russischen Künstler im Ausland, doch gleichzeitig geriet er in seiner Heimat jahrzehntelang in Vergessenheit und seine ersten Ausstellungen in der UdSSR fanden erst Ende der 1980er Jahre statt. Doch heute ist er einer der gefragtesten und am höchsten geschätzten Autoren auf dem russischen Kunstmarkt; seine Werke, sowohl Gemälde als auch Grafiken, werden für Hunderttausende und Millionen Dollar verkauft.

Der Künstler war äußerst effizient; 1926 schrieb er an den Dichter Kamensky: „Jetzt bin ich der erste Meister der Welt.<…>Ich entschuldige mich nicht für diese Sätze. Sie müssen wissen, wer Sie sind, sonst wissen Sie nicht, was Sie tun sollen. Ja, und mein Leben ist heilig von überdurchschnittlicher Arbeit und überdurchschnittlichen Gefühlen, und meine 40 Jahre beweisen das. Ich fürchte keine Konkurrenz, keine Ordnung, kein Thema, keine Größe und keine Geschwindigkeit.“

Am berühmtesten sind wohl seine Zyklen „Race“ und „Faces of Russia“, die im Geiste sehr ähnlich sind und sich nur dadurch unterscheiden, dass der erste vor der Emigration entstand und der zweite bereits in Paris. In diesen Zyklen wird uns eine Galerie von Typen („Gesichtern“) der russischen Bauernschaft präsentiert: Alte Männer, Frauen und Kinder blicken düster direkt auf den Betrachter, sie ziehen den Blick an und stoßen ihn gleichzeitig ab. Grigoriev neigte keineswegs dazu, diejenigen, die er malte, zu idealisieren oder zu verschönern, im Gegenteil, manchmal bringt er Bilder ins Groteske. Zu den bereits im Exil gemalten „Gesichtern“ zählen neben den Bauernporträts auch Porträts von Zeitgenossen Grigorjews – Dichter, Schauspieler Kunsttheater sowie Selbstporträts. Das Bild der bäuerlichen „Rasse“ erweiterte sich zu einem allgemeinen Bild eines verlassenen, aber nicht vergessenen Mutterlandes.

Eines dieser Porträts – das Bild eines Hirten des Dichters Nikolai Klyuev – wurde zum teuersten Gemälde von Boris Grigoriev. Bei der Sotheby’s-Auktion am 3. November 2008 wurde das Werk „The Shepherd of the Hills“ aus dem Jahr 1920 für 3,72 Millionen US-Dollar mit einer Schätzung von 2,5–3,5 Millionen US-Dollar verkauft. Das Porträt ist die Kopie eines verlorenen Porträts aus dem Jahr 1918.

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Das Ranking der teuersten Werke lebender Künstler ist eine Konstruktion, die viel weniger über die Rolle und den Platz des Künstlers in der Kunstgeschichte als vielmehr über Alter und Gesundheit aussagt

Die Regeln für die Erstellung unserer Bewertung sind einfach: Erstens werden nur Transaktionen mit Werken lebender Autoren berücksichtigt; zweitens werden nur öffentliche Auktionen berücksichtigt; und drittens wird die Regel „ein Künstler – ein Werk“ beachtet (wenn in der Rangliste der Werke zwei Datensätze zu Jones gehören, bleibt nur der teuerste übrig, der Rest wird nicht berücksichtigt). Die Rangfolge erfolgt in Dollar (zum Wechselkurs am Verkaufsdatum).

1. JEFF KOONS Kaninchen. 1986. 91,075 Millionen US-Dollar

Je länger Sie die Auktionskarriere von Jeff Koons (1955) verfolgen, desto mehr werden Sie davon überzeugt, dass für Pop-Art nichts unmöglich ist. Sie können die Skulpturen von Koons in Form von Ballonspielzeugen bewundern oder sie für kitschig und geschmacklos halten – Ihr Recht. Eines lässt sich nicht leugnen: Die Installationen von Jeff Koons kosten wahnsinnig viel Geld.

Jeff Koons begann seinen Weg zum weltweit erfolgreichsten lebenden Künstler im Jahr 2007, als seine riesige Metallinstallation „Hanging Heart“ für 23,6 Millionen US-Dollar bei Sotheby's gekauft wurde. Das Werk wurde von Larry Gagosians Galerie gekauft, die Koons die Presse vertritt schrieb, dass die Galerie im Interesse des ukrainischen Milliardärs Victor Pinchuk nicht nur eine Installation, sondern tatsächlich ein Schmuckkunstwerk erworben habe, obwohl das Werk nicht aus Gold bestand (das Material war Edelstahl) und dies der Fall war deutlich größer als ein gewöhnlicher Anhänger (die Skulptur ist 2,7 m hoch und wiegt 1.600 kg), hat aber einen ähnlichen Zweck. Mehr als sechseinhalbtausend Stunden wurden für die Herstellung der Komposition mit einem mit Zehn bedeckten Herzen aufgewendet Infolgedessen wurde viel Geld für die spektakuläre „Dekoration“ ausgegeben.

Als nächstes folgte am 30. Juni 2008 der Verkauf von „Balloon Flower“ in Lila für 12,92 Millionen Pfund (25,8 Millionen US-Dollar) bei der Londoner Auktion von Christie’s. Interessanterweise kauften die Vorbesitzer von „Flower“ das Werk sieben Jahre zuvor für 1,1 Millionen US-Dollar. Das lässt sich in dieser Zeit leicht berechnen Marktpreis fast 25-fach erhöht.

Der Rückgang des Kunstmarkts von 2008 bis 2009 gab Skeptikern Anlass zu der Klage, dass die Modeerscheinung von Koons vorbei sei. Doch sie lagen falsch: Mit dem Kunstmarkt erwachte auch das Interesse an Koons‘ Werken wieder. Andy Warhols Nachfolger als König der Pop-Art aktualisierte seinen persönlichen Rekord im November 2012 mit dem Verkauf einer mehrfarbigen Skulptur „Tulips“ aus der „Celebration“-Serie bei Christie's für 33,7 Millionen US-Dollar, einschließlich Provision.

Aber „Tulpen“ waren im wahrsten Sinne des Wortes „Blumen“. im übertragenen Sinne. Nur ein Jahr später, im November 2013, folgte der Verkauf der Edelstahlskulptur „Balloon Dog (Orange)“: Der Zuschlagspreis betrug ganze 58,4 Millionen US-Dollar! Eine sagenhafte Summe für einen lebenden Künstler. Ein Werk eines zeitgenössischen Autors wurde zum Preis eines Gemäldes von Van Gogh oder Picasso verkauft. Das waren schon Beeren...

Mit diesem Ergebnis stand Koons mehrere Jahre lang an der Spitze der Rangliste der lebenden Künstler. Im November 2018 wurde er kurzzeitig von David Hockney überholt (siehe Platz zwei in unserem Ranking). Doch nur ein halbes Jahr später normalisierte sich alles wieder: Am 15. Mai 2019 wurde in New York bei der Auktion für Nachkriegs- und zeitgenössische Kunst bei Christie's eine Lehrbuchskulptur für Koons aus dem Jahr 1986 zum Verkauf angeboten – eine silberne „ „Kaninchen“ aus Edelstahl, das einen Ballon ähnlicher Form imitiert.

Insgesamt hat Koons drei solcher Witze plus eine Originalkopie erstellt. Die Auktion umfasste ein Exemplar von „Rabbit“ Nummer 2 – aus der Sammlung des Kultverlegers Cy Newhouse, Miteigentümer des Conde Nast-Verlags (Magazine Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ usw.). Das silberne „Rabbit“ wurde 1992 vom „Vater des Glamours“ Cy Newhouse für eine für damalige Verhältnisse beeindruckende Summe gekauft: 1 Million US-Dollar. Nach 27 Jahren im Kampf von 10 Bietern lag der Zuschlagspreis der Skulptur beim 80-fachen des vorherigen Verkaufspreises. Und unter Berücksichtigung der Käuferprämie betrug das Endergebnis 91,075 Millionen US-Dollar, ein Rekord für alle lebenden Künstler.

2. DAVID HOCKNEY Porträt des Künstlers. Pool mit zwei Figuren. 1972. 90.312.500 $

David Hockney (1937) ist einer der bedeutendsten britischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Im Jahr 2011 wurde David Hockney laut einer Umfrage unter Tausenden professionellen britischen Künstlern und Bildhauern zum einflussreichsten britischen Künstler aller Zeiten gewählt. Gleichzeitig schlug Hockney Meister wie William Turner und Francis Bacon. Sein Werk wird üblicherweise der Pop-Art zugeordnet, obwohl er sich in seinen frühen Werken eher dem Expressionismus im Geiste von Francis Bacon zuwandte.

David Hockney ist in England, in der Grafschaft Yorkshire, geboren und aufgewachsen. Die Mutter des zukünftigen Künstlers hielt die Familie in puritanischer Strenge, und sein Vater, ein einfacher Buchhalter, der ein wenig Amateur zeichnete, ermutigte seinen Sohn, sich mit der Malerei zu beschäftigen. In seinen Zwanzigern zog David nach Kalifornien, wo er insgesamt etwa drei Jahrzehnte lebte. Er hat dort noch zwei Werkstätten. Hockney machte die Helden seiner Werke zu reichen Einheimischen, ihren Villen, Schwimmbädern und Rasenflächen, die von der kalifornischen Sonne durchtränkt waren. Eines seiner berühmtesten Werke aus der amerikanischen Zeit – das Gemälde „Splash“ – zeigt ein Bündel Spritzer, die aus einem Pool aufsteigen, nachdem ein Mann ins Wasser gesprungen ist. Um diese Garbe darzustellen, die nicht länger als zwei Sekunden „lebt“, hat Hockney zwei Wochen lang gearbeitet. Dieses Gemälde wurde übrigens 2006 bei Sotheby’s für 5,4 Millionen Dollar verkauft und galt einige Zeit als sein teuerstes Werk.

Hockney (1937) ist bereits über achtzig, aber er arbeitet immer noch und erfindet mithilfe technischer Innovationen sogar neue künstlerische Techniken. Einst kam er auf die Idee, riesige Collagen aus Polaroids anzufertigen, druckte seine Werke auf Faxgeräten aus und heute meistert der Künstler mit Begeisterung das Zeichnen auf dem iPad. Auf einem Tablet gezeichnete Gemälde nehmen in seinen Ausstellungen einen würdigen Platz ein.

Im Jahr 2005 kehrte Hockney schließlich aus den USA nach England zurück. Jetzt malt er unter freiem Himmel und im Atelier riesige (oft aus mehreren Teilen bestehende) Landschaften aus heimischen Wäldern und Ödland. Laut Hockney war er während der 30 Jahre, die er in Kalifornien verbrachte, so ungewohnt an den einfachen Wechsel der Jahreszeiten, dass er ihn wirklich faszinierte und faszinierte. Ganze Zyklen seiner neueren Werke widmen sich beispielsweise der gleichen Landschaft zu unterschiedlichen Jahreszeiten.

Im Jahr 2018 überstiegen die Preise für Hockneys Gemälde mehrfach die 10-Millionen-Dollar-Marke. Und am 15. November 2018 verzeichnete Christie’s einen neuen absoluten Rekord für das Werk eines lebenden Künstlers – 90.312.500 US-Dollar für das Gemälde „Porträt eines Künstlers (Pool mit zwei Figuren)“.

3. GERHARD RICHTER Abstraktes Gemälde. 1986. 46,3 Millionen US-Dollar

Wohnklassiker Gerhard Richter (1932) belegt in unserem Ranking den zweiten Platz. Der deutsche Künstler war der Spitzenreiter unter seinen lebenden Kollegen, bis Jeff Koons den 58-Millionen-Rekord brach. Doch dieser Umstand dürfte Richters ohnehin eiserne Autorität auf dem Kunstmarkt kaum erschüttern. Ende 2012 übertraf der jährliche Auktionsumsatz des deutschen Künstlers nur Andy Warhol und Pablo Picasso.

Viele Jahre lang ließ nichts den Erfolg erahnen, der Richter jetzt widerfahren ist. Der Künstler nahm jahrzehntelang einen bescheidenen Platz auf dem Markt der zeitgenössischen Kunst ein und strebte keineswegs nach Ruhm. Wir können sagen, dass ihn der Ruhm von selbst überholt hat. Als Ausgangspunkt sehen viele den Ankauf einer Werkreihe Richters „18. Oktober 1977“ durch das New Yorker Museum des MoMA im Jahr 1995. Das amerikanische Museum zahlte 3 Millionen Dollar für 15 Gemälde in Grautönen und begann bald darüber nachzudenken, eine umfassende Retrospektive des deutschen Künstlers zu veranstalten. Die grandiose Ausstellung wurde sechs Jahre später, im Jahr 2001, eröffnet und seitdem ist das Interesse an Richters Werk sprunghaft gewachsen. Von 2004 bis 2008 verdreifachten sich die Preise für seine Gemälde. Im Jahr 2010 brachten Richters Werke bereits 76,9 Millionen US-Dollar ein, im Jahr 2011 brachten Richters Werke laut Artnet-Website auf Auktionen insgesamt 200 Millionen US-Dollar ein und im Jahr 2012 (laut Artprice) 262,7 Millionen US-Dollar – mehr als jedes andere Werk lebender Künstler.

Während beispielsweise der überwältigende Erfolg von Jasper Johns bei Auktionen hauptsächlich mit einhergeht frühe Arbeiten Eine solch scharfe Trennung ist für Richters Werke nicht typisch: Ebenso stabil ist die Nachfrage nach Dingen aus unterschiedlichen Schaffensperioden, von denen es in Richters Schaffen sehr viele gab. In den letzten sechzig Jahren hat sich dieser Künstler in fast allen traditionellen Genres der Malerei versucht – Porträt, Landschaft, Marine, Akt, Stillleben und natürlich Abstraktion.

Die Geschichte von Richters Auktionsaufzeichnungen begann mit einer Reihe von Stillleben „Kerzen“. 27 fotorealistische Bilder von Kerzen aus den frühen 1980er-Jahren, während ihrer Entstehungszeit, kosteten pro Werk nur 15.000 Deutsche Mark (5.800 US-Dollar). Doch noch immer kaufte niemand „Kerzen“ bei ihrer ersten Ausstellung in der Galerie Max Hetzler in Stuttgart. Damals hieß das Thema der Gemälde altmodisch; „Kerzen“ gilt heute als ein Werk für alle Zeiten. Und sie kosten Millionen von Dollar.

Im Februar 2008 erschien „Candle“, geschrieben im Jahr 1983, wurde unerwartet für £ gekauft 7,97 Millionen (16 Millionen US-Dollar). Dieser persönliche Rekord dauerte dreieinhalb Jahre. Dann im Oktober 2011 noch eine „Kerze“ (1982) kam bei Christie's für £ unter den Hammer 10,46 Millionen (16,48 Millionen US-Dollar). Mit dieser Platte gelangte Gerhard Richter erstmals in die Top 3 der erfolgreichsten lebenden Künstler und platzierte sich damit hinter Jasper Johns und Jeff Koons.

Dann begann der Siegeszug von Richters „Abstrakten Gemälden“. Der Künstler malt ähnliche Werke mit einer einzigartigen proprietären Technik: Er trägt eine Mischung aus einfache Farben und schmiert sie dann mit einem langen Schaber von der Größe einer Autostoßstange über die Leinwand. Dadurch entstehen komplizierte Farbübergänge, Flecken und Streifen. Die Untersuchung der Oberfläche seiner „Abstract Paintings“ gleicht einer Ausgrabung: Auf ihnen sind durch die Lücken zahlreicher Farbschichten Spuren verschiedener „Figuren“ sichtbar.

9. November 2011 bei Sotheby’s eine groß angelegte Auktion zeitgenössischer Kunst und Nachkriegskunst „Abstrakte Malerei (849-3)“ 1997 kam unter den Hammer 20,8 Millionen US-Dollar (13,2 Millionen Pfund). Und sechs Monate später, 8. Mai 2012 bei der Auktion von Nachkriegs- und zeitgenössischer Kunst bei Christie's in New York „Abstrakte Malerei (798-3)“ 1993 wurde rekordverdächtig 21,8 Millionen US-Dollar(einschließlich Provision). Fünf Monate später - ein weiterer Rekord: „Abstrakte Malerei (809-4)“ aus der Sammlung des Rockmusikers Eric Clapton kam am 12. Oktober 2012 bei Sotheby’s in London für £ unter den Hammer 21,3 Millionen (34,2 Millionen US-Dollar). Die 30-Millionen-Grenze hat Richter mit einer solchen Leichtigkeit überwunden, als handele es sich nicht um moderne Malerei, sondern um Meisterwerke, die bereits hundert Jahre alt sind – nicht weniger. Allerdings scheint es im Fall von Richter so zu sein, dass die Aufnahme in das Pantheon der „Großen“ bereits zu Lebzeiten des Künstlers erfolgte. Die Preise für die Arbeit des Deutschen steigen weiter.

Richters nächste Aufnahme gehörte zu einem fotorealistischen Werk – Landschaft „Domplatz, Mailand“ 1968. Das Werk wurde verkauft 37,1 Millionen bei Sotheby's Auktion 14. Mai 2013. Die Ansicht des schönsten Platzes wurde 1968 von einem deutschen Künstler im Auftrag von Siemens Electro speziell für das Mailänder Büro des Unternehmens gemalt. Zum Zeitpunkt seiner Niederschrift war es Richters größtes figuratives Werk (mit einer Größe von fast drei mal drei Metern).

Der Rekord am Cathedral Square hielt fast zwei Jahre, bis 10. Februar 2015 unterbrach ihn nicht "Abstraktes Gemälde" ( 1986): Zuschlagspreis erreicht £ 30,389 Millionen (46,3 Millionen US-Dollar). Das bei Sotheby’s zur Auktion gestellte „Abstrakte Gemälde“ im Format 300,5 × 250,5 cm ist eines von Richters ersten großformatigen Werken in der für ihn besonderen Autorentechnik des Abkratzens von Farbschichten. IN das letzte Mal 1999 wurde dieses „Abstrakte Gemälde“ für 607.000 US-Dollar versteigert (von diesem Jahr bis zur aktuellen Auktion war das Werk im Ludwig-Museum in Köln ausgestellt). Bei der Auktion am 10. Februar 2015 erzielte ein amerikanischer Kunde in Auktionsschritten von 2 Millionen Pfund einen Zuschlagspreis von 46,3 Millionen Dollar. Das heißt, seit 1999 hat sich der Preis des Werkes um mehr als das 76-fache erhöht!

4. CUI ZHUZHO „Große schneebedeckte Berge“. 2013. 39,577 Millionen US-Dollar.

Wir haben die Entwicklungen auf dem chinesischen Kunstmarkt lange Zeit nicht genau verfolgt, um unsere Leser nicht mit zu vielen Informationen über „nicht unsere“ Kunst zu überfordern. Mit Ausnahme des Dissidenten Ai Weiwei, der nicht einmal so teuer, sondern ein resonanter Künstler ist, schienen chinesische Autoren zu zahlreich und zu weit entfernt von uns zu sein, um sich mit dem Geschehen auf ihrem Markt zu befassen. Aber Statistiken sind, wie man so schön sagt, seriös, und wenn wir über die erfolgreichsten lebenden Autoren der Welt sprechen, dann können wir immer noch nicht auf eine Geschichte über die herausragenden Vertreter der zeitgenössischen Kunst im Himmlischen Reich verzichten.

Beginnen wir mit dem chinesischen Künstler Cui Ruzhuo. Der Künstler wurde 1944 in Peking geboren und lebte von 1981 bis 1996 in den USA. Nach seiner Rückkehr nach China begann er dort zu unterrichten Nationale Akademie Künste Cui Ruzhuo interpretiert den traditionellen chinesischen Stil der Tuschemalerei neu und schafft riesige Rollbilder, die chinesische Geschäftsleute und Beamte einander gerne schenken. Im Westen ist sehr wenig über ihn bekannt, obwohl sich viele an die Geschichte der 3,7-Millionen-Dollar-Schriftrolle erinnern, die versehentlich von Reinigungskräften in einem Hotel in Hongkong weggeworfen wurde, weil sie sie für Müll hielten. Es war also die Schriftrolle von Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo ist bereits über 70 und der Markt für seine Arbeiten floriert. Mehr als 60 Werke dieses Künstlers haben die 1-Millionen-Dollar-Marke überschritten. Allerdings waren seine Werke bisher nur auf chinesischen Auktionen erfolgreich. Cui Ruzhuos Rekorde sind wirklich beeindruckend. Zuerst er „Landschaft im Schnee“ bei Poly Auction in Hongkong 7. April 2014 erzielte einen Zuschlagspreis von 184 Millionen HK$ ( 23,7 Millionen US-Dollar).

Genau ein Jahr später 6. April 2015, bei einer speziellen Poly-Auktion in Hongkong, die ausschließlich den Werken von Cui Ruzhuo gewidmet ist, Serie „Die große Schneelandschaft des Jiangnan-Gebirges“(Jiangnan ist eine historische Region in China und liegt am rechten Ufer des Unterlaufs des Jangtsekiang) von acht Landschaften in Tusche auf Papier erreichte einen Zuschlagspreis von 236 Millionen HK$ ( 30,444 Millionen US-Dollar).

Ein Jahr später wiederholte sich die Geschichte erneut bei Cui Ruzhuos Einzelauktion bei Poly Auctions in Hongkong. 4. April 2016 sechsteiliges Polyptychon „Große schneebedeckte Berge“ 2013 wurde ein Zuschlagspreis (einschließlich Auktionshausprovision) von 306 Mio. HKD erzielt (39,577 Millionen US-Dollar)). Bisher ist dies ein absoluter Rekord unter asiatischen lebenden Künstlern.

Laut dem Kunsthändler Johnson Chan, der seit 30 Jahren mit chinesischer zeitgenössischer Kunst arbeitet, besteht ein unbedingter Wunsch, die Preise für die Arbeit dieses Autors zu erhöhen, aber das alles geschieht auf einem Preisniveau, das erfahrene Sammler wahrscheinlich nicht wollen irgendetwas kaufen. „Die Chinesen wollen die Bewertungen ihrer Künstler erhöhen, indem sie die Preise ihrer Werke auf großen internationalen Auktionen wie der von Poly in Hongkong in die Höhe treiben, aber es besteht kein Zweifel, dass diese Bewertungen völlig erfunden sind“, kommentiert Johnson Chan Cui Ruzhuos neueste Platte.

Dies ist natürlich nur die Meinung eines einzelnen Händlers, aber wir haben einen echten Eintrag, der in allen Datenbanken erfasst ist. Also werden wir ihn berücksichtigen. Cui Ruzhuo selbst ist seinen Aussagen nach zu urteilen weit entfernt von der Bescheidenheit Gerhard Richters, wenn es um seine Auktionserfolge geht. Es scheint, dass ihn dieses Rennen um Rekorde ernsthaft fasziniert. „Ich hoffe, dass die Preise für meine Werke in den nächsten 5 bis 10 Jahren die Preise für Werke westlicher Meister wie Picasso und Van Gogh übertreffen werden. Das ist der chinesische Traum“, sagt Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Flagge. 1983. 36 Millionen US-Dollar

Der dritte Platz im Ranking der lebenden Künstler geht an einen Amerikaner Jasper Johns (1930). Der aktuelle Rekordpreis für Jones' Arbeit liegt bei $ 36 Millionen. Sie haben so viel für seinen Ruhm bezahlt "Flagge" bei Christie's Auktion 12. November 2014.

Die Serie der „Flaggen“-Gemälde, die Jones Mitte der 1950er Jahre begann, unmittelbar nachdem der Künstler aus der Armee zurückgekehrt war, wurde zu einem der zentralen Gemälde seines Schaffens. Schon in seiner Jugend interessierte sich der Künstler für die Idee des Readymades, der Verwandlung eines Alltagsgegenstandes in ein Kunstwerk. Die Flaggen von Jones waren jedoch nicht echt, sie waren in Öl auf Leinwand gemalt. Dadurch erlangte das Kunstwerk die Eigenschaften einer Sache aus dem alltäglichen Leben; es war zugleich Abbild der Flagge und der Flagge selbst. Eine Reihe von Arbeiten mit Flaggen brachten Jasper Johns Weltruhm. Aber seine abstrakten Werke erfreuen sich nicht weniger großer Beliebtheit. Viele Jahre lang stand sein Abstract an der Spitze der nach den oben genannten Regeln zusammengestellten Liste der teuersten Werke "Fehlstart". Bis 2007 galt der Preis dieses sehr hellen und dekorativen Gemäldes, das Jones 1959 gemalt hatte, für einen lebenden Künstler (selbst für einen lebenslangen Klassiker) nahezu unzugänglich – $ 17 Millionen. So viel haben sie dafür in Gold für den Kunstmarkt bezahlt 1988.

Interessanterweise war die Amtszeit von Jasper Johns als Rekordhalter nicht kontinuierlich. 1989 wurde er durch die Arbeit seines Kollegen Willem de Kooning unterbrochen: Die zwei Meter lange Abstraktion „Blending“ wurde bei Sotheby's für 20,7 Millionen Dollar verkauft. Doch 8 Jahre später, 1997, starb de Kooning. und „False Start“ von Jones belegte erneut fast zehn Jahre lang den ersten Platz in der Auktionsrangliste lebender Künstler.

Doch 2007 änderte sich alles. Das False Start-Album wurde erstmals von den Werken der jungen und ehrgeizigen Damien Hirst und Jeff Koons in den Schatten gestellt. Dann gab es einen Rekordverkauf für 33,6 Millionen US-Dollar für das Gemälde „Der Inspektor für Schlafgeld“ von Lucien Freud (inzwischen verstorben und daher nicht an dieser Bewertung beteiligt). Dann begannen die Aufzeichnungen von Gerhard Richter. Generell liegt Jasper Johns, einer der Meister der amerikanischen Nachkriegskunst an der Schnittstelle von Neo-Dadaismus, abstraktem Expressionismus und Pop-Art, mit einem aktuellen Rekord von bisher 36 Millionen auf dem ehrenvollen dritten Platz.

6. ED RUSHEY Zerschlagen. 1963. 30,4 Millionen US-Dollar

Der plötzliche Erfolg des Gemäldes „Smash“ eines amerikanischen Künstlers Edward Rushay (geb. 1937) bei der Auktion Christie's 12. November 2014 brachte diesen Autor in die Reihe der teuersten lebenden Künstler. Der bisherige Rekordpreis für das Werk von Ed Rusha (der Nachname Ruscha wird auf Russisch oft als „Rusha“ ausgesprochen, die korrekte Aussprache ist jedoch Rusha) betrug „nur“ 6,98 Millionen US-Dollar: So viel wurde für sein Gemälde „Das brennende Gas“ gezahlt Station“ im Jahr 2007. Sieben Jahre später "Zerschlagen" mit einer Schätzung von 15–20 Millionen US-Dollar erreichte den Zuschlagspreis 30,4 Millionen US-Dollar. Es ist offensichtlich, dass der Markt für die Werke dieses Autors ein neues Niveau erreicht hat – nicht umsonst schmückt Barack Obama das Weiße Haus mit seinen Werken, und Larry Gagosian selbst stellt ihn in seinen Galerien aus.

Ed Ruscha fühlte sich nie vom Nachkriegs-New York mit seiner Begeisterung für den abstrakten Expressionismus angezogen. Stattdessen suchte er mehr als 40 Jahre lang nach Kalifornien, wo er im Alter von 18 Jahren aus Nebraska zog. Der Künstler stand am Ursprung einer neuen Kunstrichtung, der Pop-Art. Zusammen mit Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud und anderen Sängern Popkultur Edward Rushey nahm 1962 an der ersten Ausstellung „New Image of Ordinary Things“ im Pasadena Museum teil Museumsausstellung Amerikanische Pop-Art. Allerdings mag es Ed Rusha selbst nicht, wenn sein Werk der Pop-Art, dem Konzeptualismus oder einer anderen Kunstrichtung zugeordnet wird.

Sein einzigartiger Stil nennt sich „Textmalerei“. Ab Ende der 1950er Jahre begann Ed Ruscha, Worte zu malen. So wie für Warhol eine Dose Suppe zum Kunstwerk wurde, waren es für Ed Rushay gewöhnliche Wörter und Phrasen, entweder von einer Werbetafel oder einer Verpackung in einem Supermarkt oder aus dem Abspann eines Films (Hollywood war für ihn immer „in der Nähe“) Rushay, und im Gegensatz zu vielen seiner Künstlerkollegen respektierte Rushey die „Traumfabrik“). Die Worte auf seinen Leinwänden nehmen die Eigenschaften dreidimensionaler Objekte an; es handelt sich um echte Wortstillleben. Beim Betrachten seiner Leinwände fällt einem zunächst die visuelle und akustische Wahrnehmung des gemalten Wortes ein und erst dann die semantische Bedeutung. Letzteres ist in der Regel nicht eindeutig zu entziffern; Rushays Wort- und Phrasenwahl kann unterschiedlich interpretiert werden. Das gleiche leuchtend gelbe Wort „Smash“ auf einem tiefblauen Hintergrund kann als aggressiver Aufruf wahrgenommen werden, etwas oder jemanden in Stücke zu schlagen; als einsames Adjektiv, das aus dem Kontext gerissen wurde (z. B. Teil einer Schlagzeile in einer Zeitung) oder einfach als separates Wort, das im städtischen Fluss visueller Bilder gefangen ist. Ed Ruscha genießt diese Ungewissheit. „Ich hatte immer großen Respekt vor seltsamen, unerklärlichen Dingen … Erklärungen töten gewissermaßen die Sache“, sagte er in einem Interview.

7. CHRISTOPHER WOOL Ohne Titel (RIOT). 1990. 29,93 Millionen US-Dollar

Amerikanischer Künstler Christopher Wool(1955) schaffte es 2013 erstmals in die Rangliste der lebenden Künstler – nachdem er das Werk „Apocalypse Now“ für 26,5 Millionen US-Dollar verkaufte. Dieser Rekord brachte ihn sofort auf eine Stufe mit Jasper Johns und Gerhard Richter. Der Betrag dieser historischen Transaktion – mehr als 20 Millionen US-Dollar – überraschte viele, da die Preise für die Werke des Künstlers zuvor nicht über 8 Millionen US-Dollar lagen. Das schnelle Wachstum des Marktes für die Werke von Christopher Wool war jedoch bereits zu diesem Zeitpunkt erkennbar: der des Künstlers Die Erfolgsbilanz umfasste 48 Auktionstransaktionen mit Beträgen über 1 Million US-Dollar, 22 davon (fast die Hälfte) fanden im Jahr 2013 statt. Zwei Jahre später erreichte die Zahl der für mehr als eine Million US-Dollar verkauften Werke von Chris Wool 70, und ein neuer persönlicher Rekord ließ nicht lange auf sich warten. Bei der Auktion Sotheby’s 12. Mai 2015 Werk „Untitled (RIOT)“ wurde für $ verkauft 29,93 Millionen inklusive Käuferaufgeld.

Christopher Wool ist vor allem für seine großformatigen Arbeiten mit schwarzen Schriftzügen auf weißen Aluminiumblechen bekannt. Sie sind es, die bei Auktionen in der Regel Rekorde aufstellen. Das sind alles Dinge aus den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren. Der Legende nach spazierte Wool eines Tages abends durch New York und sah plötzlich Graffiti in schwarzen Buchstaben auf einem neuen weißen Lastwagen – die Worte Sex und Luv. Dieser Anblick beeindruckte ihn so sehr, dass er sofort in die Werkstatt zurückkehrte und mit den gleichen Worten seine eigene Version schrieb. Es war 1987 und die weitere Suche des Künstlers nach Wörtern und Phrasen für seine „Buchstaben“-Werke spiegelt den widersprüchlichen Geist dieser Zeit wider. Dies ist der Slogan „Verkaufe das Haus, verkaufe das Auto, verkaufe die Kinder“, den Wool aus dem Film „Apocalypse Now“ übernommen hat, und das Wort „FOOL“ („Narr“) in Großbuchstaben und das Wort „RIOT“. („Rebellion“), oft in Schlagzeilen der damaligen Zeitungen zu finden.

Wool trug mithilfe von Schablonen mit Alkyd- oder Emailfarben Wörter und Sätze auf Aluminiumbleche auf und hinterließ dabei bewusst Tropfen, Schablonenspuren und andere Spuren des kreativen Prozesses. Der Künstler teilte die Worte so auf, dass der Betrachter die Bedeutung nicht sofort verstand. Zuerst sehen Sie nur eine Ansammlung von Buchstaben, das heißt, Sie nehmen das Wort als visuelles Objekt wahr, und erst dann lesen und entschlüsseln Sie die Bedeutung der Phrase oder des Wortes. Wool verwendete eine Schriftart, die vom amerikanischen Militär nach dem Zweiten Weltkrieg verwendet wurde und den Eindruck eines Befehls, einer Anweisung, eines Slogans verstärkt. Diese „Buchstaben“-Werke werden als Teil der Stadtlandschaft wahrgenommen, wie illegales Graffiti, das die Sauberkeit der Oberfläche eines Straßenobjekts beeinträchtigt. Diese Werkreihe von Christopher Wool gilt als einer der Höhepunkte der sprachlichen Abstraktion und wird daher von Liebhabern zeitgenössischer Kunst sehr geschätzt.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. 28,81 Millionen US-Dollar

britisch Peter Doig(1959) wählte, obwohl er zur Generation der Postmodernisten Koons und Hirst gehörte, ein völlig traditionelles Landschaftsgenre, das lange Zeit bei fortgeschrittenen Künstlern nicht beliebt war. Mit seinem Werk lässt Peter Doig das schwindende Interesse der Öffentlichkeit an figurativer Malerei wieder aufleben. Seine Werke erfreuen sich sowohl bei Kritikern als auch bei Laien großer Beliebtheit, was sich auch an den rasant steigenden Preisen seiner Werke zeigt. Kosteten seine Landschaften Anfang der 1990er Jahre noch mehrere tausend Dollar, so kosten sie heute Millionen.

Doigs Werk wird oft als magischer Realismus bezeichnet. Aufgrund echte Landschaften er schafft fantasievolle, geheimnisvolle und oft düstere Bilder. Der Künstler liebt es abzubilden von Menschen verlassen Objekte: ein heruntergekommenes Gebäude von Le Corbusier mitten im Wald oder ein leeres weißes Kanu auf der Oberfläche eines Waldsees. Neben Natur und Fantasie lässt sich Doig von Horrorfilmen, alten Postkarten, Fotografien, Amateurvideos usw. inspirieren. Doigs Gemälde sind farbenfroh, komplex, dekorativ und nicht provokativ. Es ist eine Freude, ein solches Gemälde zu besitzen. Das Interesse der Sammler wird auch durch die geringe Produktivität des Autors befeuert: Der in Trinidad lebende Künstler schafft nicht mehr als ein Dutzend Gemälde pro Jahr.

In den frühen 2000er Jahren wurden einzelne Landschaften des Künstlers für mehrere hunderttausend Dollar verkauft. Gleichzeitig wurden Doigs Werke in die Saatchi Gallery, auf die Whitney Museum Biennial und in die Sammlung des MoMA aufgenommen. Im Jahr 2006 wurde die Auktionsschwelle von 1 Million US-Dollar überschritten und im darauffolgenden Jahr kam es zu einem unerwarteten Durchbruch: Das am 7. Februar 2007 bei Sotheby's angebotene Werk „White Canoe“ wurde mit einer Schätzung von 0,8 bis 1,2 Millionen US-Dollar verfünffacht übertraf die vorläufige Schätzung und wurde für 5,7 Millionen Pfund (11,3 Millionen US-Dollar) verkauft. Das war damals ein Rekordpreis für Werke eines lebenden europäischen Künstlers.

Im Jahr 2008 hatte Doig Einzelausstellungen in der Tate Gallery und im Museum of Modern Art in Paris. Preise in Höhe von mehreren Millionen Dollar für Doigs Arbeit sind zur Norm geworden. Peter Doigs persönliche Bestleistung In letzter Zeit begann mehrmals im Jahr aktualisiert zu werden – wir haben nur Zeit, das Bild und den Platz dieses Künstlers in unserer Bewertung der lebenden Autoren zu ändern.

Peter Doigs bislang teuerstes Werk ist die Schneelandschaft „Rosedale“ aus dem Jahr 1991. Interessanterweise wurde der Rekord nicht bei Sotheby’s oder Christie’s aufgestellt, sondern bei der Auktion zeitgenössischer Kunst im Auktionshaus Phillips. Dies geschah am 18. Mai 2017. Ein Blick auf das verschneite Torontoer Viertel Rosedale wurde für 28,81 Millionen US-Dollar an einen Telefonkäufer verkauft, etwa 3 Millionen US-Dollar mehr als der bisherige Rekord (25,9 Millionen US-Dollar für „Swallowed by the Mire“). „Rosedale“ nahm 1998 an Doigs Schlüsselausstellung in der Whitechapel Gallery in London teil, und im Allgemeinen war dieses Werk frisch für den Markt und daher ist der Rekordpreis wohlverdient.

9. FRANK STELLA Kap der Kiefern. 1959. 28 Millionen Dollar

Frank Stella ist ein prominenter Vertreter der postmalerischen Abstraktion und des Minimalismus in der Kunst. Ab einem bestimmten Punkt wird er als Vertreter des Hard-Edge-Malstils eingestuft. Zunächst kontrastierte Stella die strenge Geometrie, das asketische Monochrom und die Struktur seiner Bilder mit der Spontaneität und dem Chaos der Gemälde abstrakter Expressionisten wie Jackson Pollock.

Ende der 1950er-Jahre wurde der Künstler vom berühmten Galeristen Leo Castelli auf ihn aufmerksam und erhielt erstmals den Zuschlag für eine Ausstellung. Darauf präsentierte er die sogenannten „Black Paintings“ – mit parallelen schwarzen Linien übermalte Leinwände mit dünnen Zwischenräumen unbemalter Leinwand dazwischen. Die Linien bilden geometrische Formen, die ein wenig an optische Täuschungen erinnern, dieselben Bilder, die flackern, sich bewegen, sich drehen und bei längerem Betrachten ein Gefühl von Weite erzeugen. Stella führte das Thema paralleler Linien mit dünnen Trennstreifen in seinen Arbeiten auf Aluminium und Kupfer fort. Die Farben, die Bildbasis und sogar die Form der Gemälde veränderten sich (unter anderem stechen Werke in der Form der Buchstaben U, T, L hervor). Das Hauptprinzip seiner Malerei war jedoch immer noch die Klarheit der Umrisse, die Monumentalität, die einfache Form und die Monochromie. In den folgenden Jahrzehnten entfernte sich Stella von dieser geometrischen Malerei hin zu glatten, natürlichen Formen und Linien und von monochromatischen Gemälden hin zu hellen und vielfältigen Farbübergängen. In den 1970er Jahren war Stella von den riesigen Mustern fasziniert, mit denen Schiffe bemalt wurden. Der Künstler nutzte sie für riesige Gemälde mit Assemblage-Elementen – er integrierte Stücke von Stahlrohren oder Drahtgeflecht in die Werke.

In seinen frühen Interviews spricht Frank Stella offen über die Bedeutung, die seinen Werken beigemessen wird, oder vielmehr über deren Fehlen: „Was Sie sehen, ist, was Sie sehen.“ Ein Gemälde ist ein eigenständiges Objekt und keine Reproduktion von etwas. „Es ist eine flache Oberfläche mit Farbe darauf und sonst nichts“, sagte Stella.

Nun, unterzeichnet von Frank Stella, könnte diese „Oberfläche mit Farbe darauf“ heute Millionen von Dollar wert sein. Mit dem Verkauf des Werks „Crossing the Delaware“ (1961) für 13,69 Millionen US-Dollar inklusive Provision gelangte Frank Stella 2015 erstmals in die Rangliste der lebenden Künstler.

Vier Jahre später, 15. Mai 2019 Neuer Eintrag Das Frühwerk „Cape of Pines“ (1959) machte den Anfang: Der Zuschlagspreis lag bei über 28 Millionen US-Dollar, inklusive Provision. Dies ist eines der 29 „schwarzen Gemälde“ – dieselben, mit denen Stella bei seiner ersten Ausstellung in New York debütierte. Frank Stella, Absolvent der Princeton University, war damals 23 Jahre alt. Für Ölfarben für Künstler fehlte ihm oft das Geld. Der junge Künstler verdiente sein Geld mit Reparaturarbeiten, ihm gefielen die reinen Farben der Farbe sehr und so entstand die Idee, mit dieser Farbe auf Leinwand zu arbeiten. Mit schwarzer Emailfarbe malt Stella parallele Streifen und lässt dazwischen dünne Linien ungrundierter Leinwand. Außerdem schreibt er ohne Lineale, nach Augenmaß, ohne Vorskizze. Stella wusste nie genau, wie viele schwarze Linien es in einem bestimmten Gemälde geben würde. Auf dem Gemälde „Cape of Pines“ waren es beispielsweise 35 Stück. Der Titel des Werkes bezieht sich auf den Namen des Kaps in der Massachusetts Bay – Point of Pines. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war es ein großer Vergnügungspark und heute ist es einer der Stadtteile von Revere.

10. YOSHITOMO NARA Messer hinter seinem Rücken. 2000. 24,95 Millionen US-Dollar

Yoshitomo Nara (1959) ist eine der Schlüsselfiguren der japanischen Neo-Pop-Art. Japanisch – weil sein Werk trotz Weltruhm und langjähriger Arbeit im Ausland immer noch von einer ausgeprägten nationalen Identität geprägt ist. Naras Lieblingsfiguren sind Mädchen und Hunde im Stil japanischer Manga- und Anime-Comics. Die von ihm erfundenen Bilder gehen seit vielen Jahren „unter die Leute“: Sie werden auf T-Shirts gedruckt, Souvenirs und verschiedene „Merch“-Artikel werden daraus hergestellt. Er wurde in eine arme Familie weit weg von der Hauptstadt hineingeboren und wird nicht nur wegen seines Talents geliebt, sondern auch als Selfmademan geschätzt. Der Künstler arbeitet schnell und ausdrucksstark. Es ist bekannt, dass einige seiner Meisterwerke buchstäblich über Nacht fertiggestellt wurden. Die Gemälde und Skulpturen von Yoshitomo Nara sind in der Regel sehr lakonisch und sogar geizig in ihren Ausdrucksmitteln, aber sie tragen immer eine starke emotionale Ladung in sich. Naras Teenager-Mädchen schauen den Betrachter oft mit einem unfreundlichen Blick an. In ihren Augen gibt es Kühnheit, Herausforderung und Aggression. In seinen Händen - entweder ein Messer oder eine Zigarette. Es besteht die Meinung, dass die dargestellten Verhaltensperversionen eine Reaktion auf die unterdrückende soziale Moral, verschiedene Tabus und die von den Japanern übernommenen Bildungsprinzipien sind. Fast mittelalterliche Strenge und Scham treiben die Probleme ins Innere und schaffen den Boden für eine verzögerte emotionale Explosion. „The Knife Behind Your Back“ spiegelt prägnant eine der Hauptideen des Künstlers wider. In diesem Werk sieht man den hasserfüllten Blick eines Mädchens und eine bedrohlich hinter ihrem Rücken platzierte Hand. Bis 2019 erreichten Gemälde und Skulpturen von Yoshitomo Nara bereits mehr als einmal die Millionengrenze oder sogar mehrere Millionen. Aber zwanzig Millionen sind das erste Mal. Nara ist einer der berühmtesten in Japan geborenen Künstler der Welt. Und jetzt der teuerste der Welt. Am 6. Oktober 2109 nahm er bei Sotheby’s in Hongkong diesen Titel von Takashi Murakami entgegen und setzte sich deutlich gegen die 90-jährige Avantgarde-Künstlerin Yayoi Kusama durch (die maximalen Auktionspreise für ihre Gemälde liegen bereits bei fast 9 Millionen US-Dollar).

11. ZENG FANZHI Das letzte Abendmahl. 2001. 23,3 Millionen US-Dollar

Bei Sotheby's-Auktion in Hongkong 5. Oktober 2013 Jahr großformatige Leinwand "Das letzte Abendmahl" Pekinger Künstler Zeng Fanzhi (1964) wurde für den Rekordbetrag von 160 Millionen HK$ verkauft - 23,3 Millionen US-Dollar USA. Die endgültigen Kosten für Fanzhis Werk, das natürlich unter dem Einfluss der Arbeit von Leonardo da Vinci verfasst wurde, waren doppelt so hoch wie die vorläufige Schätzung von etwa 10 Millionen US-Dollar. Der bisherige Preisrekord von Zeng Fanzhi lag bei 10 Millionen US-Dollar 9,6 Millionen, im Mai 2008 bei Christie’s Hongkong-Auktion für das Werk bezahlt „Maskenserie. 1996. Nein. 6".

„Das letzte Abendmahl“ ist das größte (2,2 × 4 Meter) Gemälde von Fanzhi in der „Masken“-Serie und deckt den Zeitraum von 1994 bis 2001 ab. Der Zyklus ist der Entwicklung der chinesischen Gesellschaft unter dem Einfluss gewidmet Wirtschaftsreformen. Einführung von Elementen durch die chinesische Regierung Marktwirtschaft führte zu Urbanisierung und Uneinigkeit der Chinesen. Fanzhi zeigt Bewohner moderner chinesischer Städte, die um einen Platz an der Sonne kämpfen müssen. Die bekannte Komposition von Leonardos Fresko erhält in Fanzhis Lesung eine ganz andere Bedeutung: Der Handlungsort wird von Jerusalem in ein Klassenzimmer einer chinesischen Schule mit typischen Hieroglyphentafeln an den Wänden verlegt. „Christus“ und die „Apostel“ sind zu Pionieren mit scharlachroten Krawatten geworden, und nur „Judas“ trägt eine goldene Krawatte – dies ist eine Metapher dafür, dass der westliche Kapitalismus die gewohnte Lebensweise in einem sozialistischen Land durchdringt und zerstört.

Zeng Fanzhis Werke stehen stilistisch dem europäischen Expressionismus nahe und sind gleichermaßen dramatisch. Aber gleichzeitig sind sie voller chinesischer Symbolik und Besonderheit. Diese Vielseitigkeit zieht sowohl chinesische als auch westliche Sammler für die Werke des Künstlers an. Ein direkter Beweis dafür ist die Provenienz von „Das letzte Abendmahl“: Das Werk wurde versteigert berühmter Sammler Chinesische Avantgarde der 1980er – Anfang der 1990er Jahre – vom belgischen Baron Guy Ullens.

12. ROBERT RYMAN Brücke. 1980. 20,6 Millionen US-Dollar

Bei der Auktion Christie's 13. Mai 2015 abstrakte Arbeit "Brücke" 85-jähriger amerikanischer Künstler Robert Ryman(Robert Ryman) wurde verkauft 20,6 Millionen US-Dollar unter Berücksichtigung der Provision - doppelt so teuer wie der untere Kostenvoranschlag.

Robert Ryman(1930) war sich nicht sofort bewusst, dass er Künstler werden wollte. Im Alter von 23 Jahren zog er von Nashville, Tennessee, nach New York, um Jazz-Saxophonist zu werden. Bis er ein berühmter Musiker wurde, musste er als Sicherheitsbeamter im MoMA arbeiten, wo er Sol LeWitt und Dan Flavin traf. Der erste arbeitete im Museum als Nachtsekretär, der zweite als Wachmann und Aufzugsführer. Beeindruckt von den Werken abstrakter Expressionisten, die er im MoMA sah – Rothko, De Kooning, Pollock und Newman – begann Robert Ryman 1955 selbst zu malen.

Ryman wird oft als Minimalist bezeichnet, aber er nennt sich lieber „Realist“, weil es ihm nicht darum geht, Illusionen zu erzeugen, sondern nur die Qualitäten der von ihm verwendeten Materialien zu demonstrieren. Die meisten seiner Werke sind mit Farben in allen möglichen Farbtönen bemalt Weiß(von gräulich oder gelblich bis hin zu strahlendem Weiß) basierend auf einer lakonischen quadratischen Form. Im Laufe seiner Karriere probierte Robert Ryman viele Materialien und Techniken aus: Er malte in Öl, Acryl, Kasein, Emaille, Pastell, Gouache usw. auf Leinwand, Stahl, Plexiglas, Aluminium, Papier, Wellpappe, Vinyl, Tapeten usw. Sein Sein Freund, der professionelle Restaurator Orrin Riley, beriet ihn über die Korrosivität der Materialien, die er verwenden wollte. Wie der Künstler einmal sagte: „Ich habe nie eine Frage Was schreibe, Hauptsache Wie schreiben". Es geht um die Textur, die Art der Striche, die Grenze zwischen der Farboberfläche und den Kanten des Untergrunds sowie die Beziehung zwischen dem Werk und der Wand. Ein besonderes Element seiner Arbeit sind seit 1975 die Halterungen, die Ryman selbst entwirft und bewusst sichtbar lässt, um zu betonen, dass seine Arbeiten „so real sind wie die Wände, an denen sie hängen“. Ryman gibt seinen Werken lieber „Namen“ als „Titel“. Der „Name“ hilft dabei, ein Werk von einem anderen zu unterscheiden, und Ryman benennt seine Werke oft nach Farbmarken, Unternehmen usw., und der „Titel“ behauptet Anspielungen und tief verborgene Bedeutungen, die in seinen Werken vorhanden sind der Künstler bestreitet regelmäßig. Nichts zählt außer Material und Technik.

13. DAMIEN HURST Verschlafener Frühling. 2002. 19,2 Millionen US-Dollar

An den englischen Künstler Damien Hirst (1965) war dazu bestimmt, im Streit mit dem lebenden Klassiker Jasper Johns als Erster den ersten Platz in dieser Wertung zu belegen. Das bereits erwähnte Werk „False Start“ hätte lange Zeit ein unsinkbarer Anführer bleiben können, wenn 21. Juni 2007 Installation durch den damals 42-jährigen Hirst „Verschlafener Frühling“(2002) wurde bei Sotheby's nicht für £ verkauft 9,76 Millionen, also für 19,2 Millionen Dollar. Das Werk hat übrigens ein eher ungewöhnliches Format. Einerseits gibt es eine Vitrine mit Pillenattrappen (6.136 Pillen), im Grunde eine klassische Installation. Andererseits wird diese Vitrine flach (10 cm tief) hergestellt, in einen Rahmen gestellt und wie ein Plasmabildschirm an die Wand gehängt, wodurch der für Gemälde typische Besitzkomfort voll und ganz gewährleistet ist. Im Jahr 2002 wurde die Schwester dieser Installation, Sleepy Winter, für 7,4 Millionen US-Dollar verkauft, mehr als die Hälfte des Preises. Jemand „erklärte“ den Preisunterschied damit, dass die Tabletten im Winter stärker ausbleichen. Es ist jedoch klar, dass diese Erklärung absolut unbegründet ist, da der Preismechanismus für solche Dinge nicht mehr mit ihrem dekorativen Charakter zusammenhängt.

Im Jahr 2007 erkannten viele Hirst als Autor des teuersten Werks unter den lebenden Künstlern an. Die Frage stammt jedoch aus der Kategorie „Je nachdem, wie man zählt“. Tatsache ist, dass Hirst für teure Pfund verkauft wurde und Jones für jetzt billigere Dollar, und das sogar vor zwanzig Jahren. Aber selbst wenn wir zum Nennwert rechnen, ohne die 20-jährige Inflation zu berücksichtigen, dann war Hirsts Werk in Dollar teurer und das von Jones in Pfund. Die Situation war grenzwertig und jeder konnte frei entscheiden, wer als der Liebste galt. Aber Hearst hielt sich nicht lange auf dem ersten Platz. Im selben Jahr 2007 wurde er mit seinem „Hanging Heart“ von Koons vom ersten Platz verdrängt.

Gerade am Vorabend des weltweiten Preisverfalls für zeitgenössische Kunst unternahm Hirst einen beispiellosen Schritt junger Künstler Unterfangen – eine Einzelauktion seiner Werke, die am 15. September 2008 in London stattfand. Die am Vortag verkündete Nachricht von der Insolvenz der Bank Lehman Brothers verdorben den Liebhabern zeitgenössischer Kunst keineswegs den Appetit: Von den 223 bei Sotheby's angebotenen Werken fanden nur fünf keinen neuen Besitzer (einer der Käufer übrigens). Viktor Pinchuk). Arbeiten „Goldener Stier“- ein riesiger ausgestopfter Stier in Formaldehyd, gekrönt mit einer goldenen Scheibe - brachte so viel 10,3 Millionen Pfund (18,6 Millionen US-Dollar). Dies ist Hirsts bestes Ergebnis, wenn es in Pfund (der Währung, in der die Transaktion durchgeführt wurde) berechnet wird. Da wir jedoch in Dollar rangieren, werden wir (möge das Goldene Kalb uns verzeihen) „Sleepy Spring“ immer noch als Hirsts besten Verkauf betrachten.

Seit 2008 hat Hirst keinen Umsatz mehr auf dem Niveau von „Sleepy Spring“ und „The Golden Calf“ erzielt. Neue Rekorde der 2010er Jahre – für die Werke von Richter, Jones, Fanzhi, Wool und Koons – brachten Damien auf den sechsten Platz in unserem Ranking. Aber lassen Sie uns kein kategorisches Urteil über das Ende der Hearst-Ära fällen. Laut Analysten ist Hirst als „Superstar“ bereits in die Geschichte eingegangen, was bedeutet, dass er noch sehr lange gekauft werden wird; Der größte Wert wird jedoch für die Zukunft den Werken vorhergesagt, die in der innovativsten Phase seiner Karriere, nämlich in den 1990er Jahren, entstanden sind.

14. MAURIZIO CATTELAN Ihn. 2001. 17,19 Millionen US-Dollar

Der Italiener Maurizio Cattelan (1960) kam zur Kunst, nachdem er als Wachmann, Koch, Gärtner und Möbeldesigner gearbeitet hatte. Der Autodidakt ist mit seinen ironischen Skulpturen und Installationen weltberühmt geworden. Er ließ einen Meteoriten auf den Papst fallen, verwandelte die Frau eines Kunden in eine Jagdtrophäe, bohrte Löcher in den Boden des Museums für Alte Meister, zeigte der Mailänder Börse einen riesigen Mittelfinger und brachte einen lebenden Esel zur Frieze-Messe. Cattelan verspricht, in naher Zukunft eine goldene Toilette im Guggenheim Museum zu installieren. Letztendlich fanden die Eskapaden von Maurizio Cattelan breite Anerkennung in der Kunstwelt: Er wurde zur Biennale von Venedig eingeladen (die Installation „Others“ im Jahr 2011 – ein Schwarm von zweitausend Tauben, die aus all den Rohren und Balken bedrohlich auf die Menschenmassen blicken Besucher, die unten vorbeikamen), arrangierten, dass er eine Retrospektive im Guggenheim Museum in New York erhielt (November 2011) und schließlich eine Menge Geld für seine Skulpturen erhielt.

Seit 2010 ist Maurizio Cattelans teuerstes Werk eine Wachsskulptur eines Mannes, der aus einem Loch im Boden blickt und im Aussehen dem Künstler selbst ähnelt (Ohne Titel, 2001). Diese Skulptureninstallation, die in drei Exemplaren plus der Kopie des Autors existiert, wurde erstmals im Boijmans van Beuningen Museum in Rotterdam gezeigt. Dann blickte dieser schelmische Charakter aus einem Loch im Boden des Saals mit Gemälden niederländischer Maler des 18. bis 19. Jahrhunderts. In diesem Werk verbindet sich Maurizio Cattellan mit einem mutigen Kriminellen, der mit Gemälden großer Meister in den heiligen Raum einer Museumshalle eindringt. Damit möchte er der Kunst den Heiligenschein der Heiligkeit nehmen, den Museumswände ihr verleihen. Das Werk, bei dem jedes Mal Löcher im Boden sichtbar sind, wurde bei Sotheby’s für 7,922 Millionen US-Dollar verkauft.

Der Rekord hielt bis zum 8. Mai 2016, als Cattelans noch provokativeres Werk „Him“, das einen knienden Hitler darstellt, für 17,189 Millionen Dollar versteigert wurde. Der Name ist seltsam. Die Wahl eines Charakters ist riskant. Wie alles von Cattelan. Was bedeutet er? „Seine“ oder „Seine höllische Majestät“? Es ist klar, dass es hier definitiv nicht um eine Verherrlichung des Führerbildes geht. Hitler erscheint in diesem Werk eher in einer hilflosen, mitleiderregenden Form. Und absurd – die Inkarnation Satans ist so groß wie ein Kind, gekleidet in ein Schuljungenkostüm und kniend mit bescheidenem Gesichtsausdruck. Für Cattelan ist dieses Bild eine Einladung, über die Natur des absoluten Bösen nachzudenken und eine Möglichkeit, Ängste abzubauen. Übrigens ist die Skulptur „Him“ dem westlichen Publikum gut bekannt. Ihre Brüder aus der Serie wurden mehr als zehn Mal in führenden Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter im Centre Pompidou und im Solomon Guggenheim Museum.

15. MARK GROTJAN Ohne Titel (S III veröffentlicht nach Frankreich, Gesicht 43,14). 2011. 16,8 Millionen US-Dollar

Am 17. Mai 2017 erschien eines der eindrucksvollsten Gemälde von Mark Grotjahn, die jemals zur Auktion kamen, bei der Abendauktion von Christie’s in New York. Das Gemälde „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“ wurde vom Pariser Sammler Patrick Seguin mit einer Schätzung von 13–16 Millionen US-Dollar ausgestellt, und da der Verkauf des Loses durch eine dritte Partei garantiert war, war niemand sonderlich überrascht durch die Aufstellung eines neuen persönlichen Auktionsrekords des 49-jährigen Künstlers. Der Zuschlagspreis von 14,75 Millionen US-Dollar (einschließlich der Käuferprämie von 16,8 Millionen US-Dollar) übertraf Grotjahns bisherigen Auktionsrekord um mehr als 10 Millionen US-Dollar und zählte ihn damit zum Kreis der lebenden Künstler, deren Werke für achtstellige Beträge verkauft werden. In der Auktionskasse von Mark Grotjahn befinden sich bereits etwa dreißig siebenstellige Ergebnisse (Verkäufe über 1 Million US-Dollar, aber nicht mehr als 10 Millionen US-Dollar).

Mark Grotjahn (1968), in dessen Werk Experten den Einfluss von Modernismus, abstraktem Minimalismus, Pop- und Op-Art sehen, kam Mitte der 1990er Jahre zu seinem charakteristischen Stil, nachdem er mit seinem Freund Brent Peterson nach Los Angeles zog und dort eine Galerie eröffnete „Raum 702“ Wie sich der Künstler selbst erinnert, begann er zu dieser Zeit darüber nachzudenken, was für ihn in der Kunst an erster Stelle stand. Er suchte nach einem Motiv, mit dem er experimentieren konnte. Und mir wurde klar, dass er sich schon immer für Linien und Farben interessiert hatte. Experimente im Geiste des Rayonismus und Minimalismus mit linearer Perspektive, zahlreichen Fluchtpunkten und vielfarbigen abstrakten Dreiecksformen brachten Grotjahn schließlich Weltruhm.

Von abstrakten, farbenfrohen Landschaften mit mehreren Horizontlinien und Fluchtpunkten aus der Perspektive gelangte er schließlich zu dreieckigen Formen, die an Schmetterlingsflügel erinnern. Grotjahns Gemälde 2001–2007 Das nennen sie „Schmetterlinge“. Heute gilt das Verschieben des Fluchtpunkts oder die gleichzeitige Verwendung mehrerer räumlich voneinander entfernter Fluchtpunkte als eine der wirkungsvollsten Techniken des Künstlers.

Die nächste große Werkserie hieß „Gesichter“; In den abstrakten Linien dieser Serie erkennt man die Züge eines menschlichen Gesichts, vereinfacht zur Maske im Geiste von Matisse, Jawlensky oder Brancusi. Wenn man über die extreme Vereinfachung und Stilisierung von Formen spricht, über die kompositorische Lösung der Gemälde, wenn die verstreuten Konturen von Augen und Mündern aus dem Walddickicht auf uns zu schauen scheinen, stellen Forscher den Zusammenhang zwischen Grotjans „Gesichtern“ und der Kunst von fest die primitiven Stämme Afrikas und Ozeaniens, während der Künstler selbst einfach „die Augen mag, die aus dem Dschungel herausschauen“. Manchmal stellte ich mir die Gesichter von Pavianen oder Affen vor. Ich kann nicht sagen, dass ich bewusst oder unbewusst von der primitiven afrikanischen Kunst beeinflusst wurde; vielmehr wurde ich von Künstlern beeinflusst, die davon beeinflusst wurden. Picasso ist das offensichtlichste Beispiel.“

Die Werke der „Faces“-Reihe werden als brutal und elegant bezeichnet, erfreuen das Auge und erfreuen den Geist. Im Laufe der Zeit verändert sich auch die Textur dieser Werke: Um den Effekt eines inneren Raums zu erzeugen, verwendet der Künstler breite Striche dicker Farbe, sogar Spritzer im Stil von Pollock, aber die Oberfläche des Gemäldes ist geebnet, so dass es bei genauer Betrachtung sichtbar ist erscheint absolut flach. Das Gemälde „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“, das einen Auktionsrekord aufstellte, gehört genau zu dieser berühmten Serie von Mark Grotjahn.

16. TAKASHI MURAKAMI Mein einsamer Cowboy. 15,16 Millionen US-Dollar

japanisch Takashi Murakami (1962) ist mit Skulptur in unsere Bewertung eingestiegen „Mein einsamer Cowboy“, im Mai 2008 bei Sotheby's für $ verkauft 15,16 Millionen. Mit diesem Verkauf galt Takashi Murakami lange Zeit als erfolgreichster lebender asiatischer Künstler – bis er durch den Verkauf von Zeng Fanzhis „Das letzte Abendmahl“ in den Schatten gestellt wurde.

Takashi Murakami arbeitet als Maler, Bildhauer, Modedesigner und Animator. Murakami wollte etwas wirklich Japanisches als Grundlage für seine Arbeit nehmen, ohne westliche oder andere Anleihen. Während seiner Studienzeit war er von der Tradition fasziniert japanische Malerei Nihonga, später durch die populäre Kunst Anime und Manga ersetzt. So entstand der psychedelische Mr. DOB, Muster aus lächelnden Blumen und leuchtend glänzenden Glasfaserskulpturen, als kämen sie direkt aus den Seiten japanischer Comics. Manche halten Murakamis Kunst für Fast Food und die Verkörperung von Vulgarität, andere nennen den Künstler den Japaner Andy Warhol – und in dessen Reihen gibt es, wie wir sehen, viele sehr reiche Leute.

Den Namen für seine Skulptur entlehnte Murakami dem Andy-Warhol-Film „Lonely Cowboys“ (1968), den die Japaner, wie er selbst zugab, nie gesehen hatten, die Wortkombination gefiel ihm aber sehr gut. Murakami erfreute Fans erotischer japanischer Comics und lachte sie mit einer Skulptur aus. In der Größe vergrößert und auch dreidimensional verwandelt sich der Anime-Held in einen Fetisch der Massenkultur. Diese künstlerische Aussage steht ganz im Geiste der klassischen westlichen Pop-Art (erinnern Sie sich an das Möbelset von Allen Jones oder Koons‘ „Der rosarote Panther“), hat aber einen nationalen Touch.

17. KAWS. Album von KAWS. 2005. 14.784.505 $

KAWS ist das Pseudonym des amerikanischen Künstlers Brian Donnelly aus New Jersey. Er ist der jüngste Teilnehmer in unserem Ranking, Jahrgang 1974. Donelly begann als Animator bei Disney (er malte Hintergründe für den Zeichentrickfilm „101 Dalmatiner“ usw.). Schon in seiner Jugend interessierte er sich für Graffiti. Sein charakteristisches Design war zunächst ein Totenkopf mit „X“ anstelle der Augenhöhlen. Die Werke des jungen Schriftstellers waren bei Persönlichkeiten des Showbusiness und der Modebranche beliebt: Er gestaltete das Cover für das Album von Kanye West und veröffentlichte Kollaborationen mit Nike, Comme des Garçons und Uniqlo. Im Laufe der Zeit entwickelte sich KAWS zu einer bekannten Persönlichkeit in der Welt der zeitgenössischen Kunst. Seine charakteristische Figur, die an Mickey Mouse erinnert, hat in Museen, öffentlichen Räumen und Privatsammlungen Fuß gefasst. Es war einmal, als KAWS zusammen mit der Marke My Plastic Heart eine limitierte Auflage von Vinylspielzeugen herausbrachte, und diese stießen plötzlich auf großes Sammlerinteresse. Einer der leidenschaftlichen Sammler dieser „Spielzeuge“ ist der Gründer Schwarzer Stern Rapper Timati: Er hat die gesamte „Cavs Companions“-Reihe fast vollständig gesammelt.

Die Arbeit von KAWS stellte bei der Sotheby's-Auktion in Hongkong am 1. April 2019 einen Rekord für die Arbeit des Künstlers auf: 14,7 Millionen US-Dollar. Zuvor befand sie sich in der Kollektion des japanischen Modedesigners Nigo. Meter-Leinwand The KAWS Album – Hommage an das Cover des berühmten Albums Die Beatles„Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ 1967. Nur sind statt Menschen Kimpsons drauf – stilisierte Charaktere aus der Zeichentrickserie Die Simpsons mit „X“ statt Augen.

18. JIN SHANI Tadschikische Braut. 1983. 13,89 Millionen US-Dollar

Unter den relativ jungen und zeitgenössischen chinesischen Künstlern, die allesamt zur sogenannten „neuen Welle“ der späten 1980er Jahre in der chinesischen Kunst gehören, befand sich in unserer Bewertung völlig unerwartet ein Vertreter einer völlig anderen Generation und einer anderen Schule. Jin Shangyi, heute über 80, ist einer der prominenten Vertreter der ersten Künstlergeneration im kommunistischen China. Die Ansichten dieser Künstlergruppe wurden zu einem großen Teil unter dem Einfluss ihres engsten kommunistischen Verbündeten – der UdSSR – geformt.

Die offizielle sowjetische Kunst, der sozialistische Realismus und die Ölmalerei, die damals für China ungewöhnlich war (im Gegensatz zur traditionellen chinesischen Tuschemalerei), waren in den 1950er Jahren auf dem Höhepunkt ihrer Popularität, und der sowjetische Künstler Konstantin kam, um an der Kunstuniversität Peking zu unterrichten für drei Jahre (von 1954 bis 1957). Jin Shani, der damals der Jüngste in der Gruppe war, landete in seiner Klasse. Der Künstler erinnerte sich immer mit großer Wärme an seinen Lehrer und sagte, dass es Maksimov war, der ihm beigebracht hatte, ein Modell richtig zu verstehen und darzustellen. K. M. Maksimov bildete eine ganze Galaxie chinesischer Realisten aus, die heute Klassiker sind.

Im Werk von Jin Shan spürt man den Einfluss beider sowjetischer „ harscher Stil", und die Europäische Schule der Malerei. Der Künstler widmete viel Zeit dem Studium des Erbes der Renaissance und des Klassizismus, während er es für notwendig hielt, den chinesischen Geist in seinen Werken zu bewahren. Das 1983 entstandene Gemälde „Tadschikische Braut“ gilt als allgemein anerkanntes Meisterwerk, ein neuer Meilenstein im Werk von Jin Shan. Es wurde im November 2013 von China Guardian versteigert und um ein Vielfaches über der Schätzung verkauft – für 13,89 Millionen US-Dollar inklusive Provision.

19. BANKSY zersetzte das Parlament. 2008. 12,14 Millionen US-Dollar

Ab Ende der 1990er Jahre tauchten Wandgemälde mit Banksy-Tags erstmals auf Stadtmauern auf (zuerst in Großbritannien und dann auf der ganzen Welt). Seine philosophischen und zugleich ergreifenden Graffiti widmeten sich den Problemen des staatlichen Angriffs auf die Freiheiten der Bürger, Verbrechen gegen die Umwelt, verantwortungslosem Konsum und der Unmenschlichkeit des illegalen Migrationssystems. Im Laufe der Zeit erlangten Banksys Mauer-„Vorwürfe“ eine beispiellose mediale Popularität. Tatsächlich wurde er zu einem der Hauptvertreter der öffentlichen Meinung, die die Heuchelei von Staaten und Unternehmen verurteilte, die zu wachsender Ungerechtigkeit im kapitalistischen System führte.

Die Bedeutung von Banksy, das Gespür für den „Nerv der Zeit“ und die Genauigkeit seiner Metaphern wurden nicht nur von Zuschauern, sondern auch von Sammlern geschätzt. In den 2010er Jahren wurden Hunderttausende oder sogar mehr als eine Million Dollar für seine Werke gespendet. Es kam so weit, dass Banksys Graffiti herausgebrochen und zusammen mit Teilen der Wände gestohlen wurden.

Im Zeitalter der fortschrittlichen digitalen Überwachung schafft es Banksy immer noch, seine Anonymität zu wahren. Es gibt eine Version, dass es sich nicht mehr um eine Person handelt, sondern um eine Gruppe mehrerer Künstler, an deren Spitze eine talentierte Frau steht. Das würde einiges erklären. Und die äußerliche Unähnlichkeit der Autoren, gefangen in den Objektiven von Zeugenkameras, und die unpersönliche Schablonenanwendungsmethode (sorgt für hohe Geschwindigkeit und erfordert keine direkte Beteiligung des Autors) und die rührende Romantik der Motive der Gemälde ( Bälle, Schneeflocken usw.). Wie dem auch sei, die Leute vom Banksy-Projekt, einschließlich seiner Assistenten, wissen, wie man den Mund hält.

Im Jahr 2019 wurde Banksys teuerstes Werk unerwartet die vier Meter große Leinwand Devolved Parliament („degradiertes“, „verfallenes“ oder „devolviertes“ Parlament). Schimpansen, die im Unterhaus streiten, scheinen das Publikum im Jahr des skandalösen Brexit zu verspotten. Es ist überraschend, dass das Gemälde 10 Jahre vor diesem historischen Wendepunkt gemalt wurde, und deshalb hält es jemand für prophetisch. Bei einer Sotheby's-Auktion am 3. Oktober 2019 kaufte ein unbekannter Käufer dieses Öl im Rahmen heftiger Gebote für 12.143.000 US-Dollar – sechsmal teurer als die vorläufige Schätzung.

20. JOHN CURREN „Süß und einfach.“ 1999. 12,007 Millionen US-Dollar

Amerikanischer Künstler John Curran (1962) bekannt für seine satirischen figurativen Gemälde provokativer sexueller und sexueller Gewalt gesellschaftliche Themen. In Currens Werken gelingt es, die Maltechniken der alten Meister (insbesondere Lucas Cranach d.Ä. und der Manieristen) mit Modefotografien aus Hochglanzmagazinen zu verbinden. Um eine größere Groteske zu erzielen, verzerrt Curren häufig die Proportionen des menschlichen Körpers, vergrößert oder verkleinert seine einzelnen Teile und stellt Helden in gebrochenen, manierierten Posen dar.

Curren begann 1989 mit Porträts von Mädchen, die aus einem Schulalbum nachgezeichnet wurden; Fortsetzung in den frühen 1990er Jahren mit Gemälden vollbusiger Schönheiten, inspiriert von Fotos aus Cosmopolitan und Playboy; 1992 erschienen Porträts wohlhabender älterer Damen; und 1994 heiratete Curren die Bildhauerin Rachel Feinstein, die für viele Jahre seine wichtigste Muse und sein Vorbild wurde. In den späten 1990er Jahren verschafften ihm Currens technische Meisterschaft, gepaart mit dem Kitsch und der Groteske seiner Gemälde, Popularität. Im Jahr 2003 übernahm Larry Gagosian die Aufgabe, den Künstler zu promoten, und wenn ein Händler wie Gagosian den Künstler übernimmt, ist der Erfolg garantiert. Im Jahr 2004 fand im Whitney Museum eine Retrospektive von John Curran statt.

Etwa zu dieser Zeit wurden seine Werke für sechsstellige Beträge verkauft. Der aktuelle Rekord für ein Gemälde von John Curren gehört dem Werk „Sweet and Simple“, das am 15. November 2016 bei Christie's für 12 Millionen US-Dollar verkauft wurde. Das Gemälde mit zwei Akten übertraf nur knapp die untere Schätzung von 12 bis 18 Millionen US-Dollar. Für John Curran, der jetzt über 50 ist, ist dies definitiv ein Durchbruch in meiner Karriere. Sein bisheriger Rekord lag 2008 bei 5,5 Millionen US-Dollar (bezahlt wurde er übrigens für das gleiche Werk „Sweet and Simple“).

21. BRYCE MARDEN Die Anwesenden. 1996–1999 10,917 Millionen US-Dollar

Ein weiterer lebender amerikanischer abstrakter Künstler in unserem Ranking ist Bryce Marden (1938). Mardens Werke im Stil des Minimalismus und seit den späten 1980er Jahren der gestischen Malerei zeichnen sich durch ihre einzigartige, leicht gedämpfte Farbpalette aus. Die Farbkombinationen in Mardens Werken sind von seinen Reisen um die Welt inspiriert – Griechenland, Indien, Thailand, Sri Lanka. Zu den Autoren, die Mardens Entwicklung beeinflussten, gehören Jackson Pollock (in den frühen 1960er Jahren arbeitete Marden als Wachmann im Jüdischen Museum, wo er mit eigenen Augen Zeuge von Pollocks „Tropfen“ wurde), Alberto Giacometti (kannte seine Werke in Paris) und Robert Rauschenberg (einige Marden arbeiteten eine Zeit lang als sein Assistent). Die erste Phase von Mardens Werk war klassischen minimalistischen Leinwänden gewidmet, die aus farbigen rechteckigen Blöcken (horizontal oder vertikal) bestanden. Im Gegensatz zu vielen anderen Minimalisten, die die ideale Qualität von Werken suchten, die so aussahen, als wären sie von einer Maschine gedruckt und nicht von einem Menschen gezeichnet worden, bewahrte Marden Spuren der Arbeit des Künstlers und kombinierte verschiedene Materialien (Wachs- und Ölfarben). Seit Mitte der 1980er Jahre wurde unter dem Einfluss der orientalischen Kalligraphie die geometrische Abstraktion durch gewundene, mäanderartige Linien ersetzt, deren Hintergrund dieselben monochromen Farbfelder waren. Eines dieser „bedeutungsvollen“ Werke, „The Attended“, wurde im November 2013 bei Sotheby’s für 10,917 Millionen US-Dollar inklusive Provision verkauft.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23. Dezember 1959. 10,6 Millionen US-Dollar

23. ZHANG XIAOGAN Ewige Liebe. 10,2 Millionen US-Dollar

Ein weiterer Vertreter der modernen chinesischen Kunst – Symbolist und Surrealist Zhang Xiaogang (1958). Bei Sotheby's-Auktion in Hongkong 3. April 2011, wo chinesische Avantgardekunst aus der Sammlung des belgischen Barons Guy Ullens, ein Triptychon von Zhang Xiaogang, verkauft wurde "Ewige Liebe" wurde für $ verkauft 10,2 Millionen. Zu dieser Zeit war dies ein Rekord nicht nur für den Künstler, sondern für die gesamte zeitgenössische chinesische Kunst. Sie sagen, dass Xiaogangs Werk von der Milliardärsfrau Wang Wei gekauft wurde, die plant, ihr eigenes Museum zu eröffnen.

Zhang Xiaogang, der sich für Mystik und östliche Philosophie interessiert, schrieb die Geschichte der „ewigen Liebe“ in drei Teilen – Leben, Tod und Wiedergeburt. Dieses Triptychon wurde 1989 in die ikonische Ausstellung „China/Avantgarde“ im Nationalmuseum aufgenommen Kunstmuseum. Ebenfalls 1989 wurden Studentendemonstrationen auf dem Platz des Himmlischen Friedens vom Militär brutal niedergeschlagen. Nach diesem tragischen Ereignis begann das Anziehen der Schrauben – eine Ausstellung in Nationalmuseum wurde zerstreut, viele Künstler wanderten aus. Als Reaktion auf den von oben aufgezwungenen sozialistischen Realismus entstand die Richtung des zynischen Realismus, zu deren Hauptvertreter Zhang Xiaogang gehörte.

24. BRUCE NAUMAN Hilfloser Henry Moore. 1967. 9,9 Millionen US-Dollar

amerikanisch Bruce Nauman (1941), Gewinner des Hauptpreises der 48. Biennale von Venedig (1999), brauchte lange, um seinen Rekord zu erreichen. Nauman begann seine Karriere in den sechziger Jahren. Kenner bezeichnen ihn neben Andy Warhol und Joseph Beuys als eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Die intensive Intellektualität und der völlige Mangel an dekorativem Charakter einiger seiner Werke verhinderten jedoch offensichtlich seine schnelle Anerkennung und seinen Erfolg in der breiten Öffentlichkeit. Nauman experimentiert oft mit Sprache und entdeckt unerwartete Bedeutungen in vertrauten Phrasen. Worte werden zentrale Charaktere viele seiner Werke, darunter Neon-Pseudoschilder und -tafeln. Nauman selbst bezeichnet sich selbst als Bildhauer, obwohl er sich in den letzten vierzig Jahren in ganz anderen Genres versucht hat – Skulptur, Fotografie, Videokunst, Performances, Grafik. Anfang der neunziger Jahre äußerte Larry Gagosian prophetische Worte: „Wir müssen den wahren Wert von Naumans Werk noch erkennen.“ So ist es passiert: 17. Mai 2001 bei Christie's, Naumans Werk von 1967 „Hilfloser Henry Moore (Rückansicht)“(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) stellte einen neuen Rekord im Segment der Nachkriegskunst auf. Ein Abdruck von Naumans auf dem Rücken gefesselten Händen aus Gips und Wachs kam für $ unter den Hammer 9,9 Millionen zur Sammlung des französischen Tycoons Francois Pinault (nach anderen Quellen der Amerikanerin Phyllis Wattis). Der Kostenvoranschlag für die Arbeit betrug nur 2 bis 3 Millionen US-Dollar, sodass das Ergebnis für alle eine echte Überraschung war.

Vor diesem legendären Verkauf hatten nur zwei von Naumans Werken die Millionen-Dollar-Marke überschritten. Und in seiner gesamten Auktionskarriere wurden bisher neben „Henry Moore...“ nur sechs Werke für siebenstellige Beträge versteigert, deren Erlöse aber immer noch nicht mit neun Millionen zu vergleichen sind.

„Helpless Henry Moore“ gehört zu einer Reihe polemischer Werke Naumans über die Figur von Henry Moore (1898–1986), einem britischen Künstler, der in den sechziger Jahren als einer der größten Bildhauer des 20. Jahrhunderts galt. Junge Autoren, die im Schatten des anerkannten Meisters standen, attackierten ihn daraufhin mit heftiger Kritik. Naumans Werk ist eine Antwort auf diese Kritik und zugleich eine Reflexion über das Thema Kreativität. Der Titel der Arbeit wird zu einem Wortspiel, da er zwei Bedeutungen des englischen Wortes „bounded“ vereint – „bounded“ (im wörtlichen Sinne) und „doomed to a bestimmtes Schicksal“.

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