Berühmte Künstler des 19. und 20. Jahrhunderts. „Akt vor dem Hintergrund einer Büste und grünen Blättern“
Die russische Malerei hebt sich zu Recht von der Welt ab künstlerische Künste. Tatsache ist, dass bis zum 17. Jahrhundert ausschließlich häusliche Malerei in Verbindung gebracht wurde religiöses Thema. Die Situation änderte sich mit der Machtübernahme des Reformzaren Peter des Großen. Dank seiner Reformen begannen russische Meister, sich der weltlichen Malerei zu widmen, und die Ikonenmalerei wurde als eigenständige Richtung abgegrenzt. Das 17. Jahrhundert ist die Zeit von Künstlern wie Simon Uschakow und Joseph Wladimirow. Dann auf Russisch Kunstwelt Das Porträt war geboren und erfreute sich schnell großer Beliebtheit. Im 18. Jahrhundert traten die ersten Künstler auf, die von hier aus zogen Porträtgemälde zur Landschaft. Auffällig ist die ausgeprägte Sympathie der Künstler für Winterpanoramen. Das 18. Jahrhundert ist auch für die Entstehung der Alltagsmalerei bekannt. Im 19. Jahrhundert gewannen in Russland drei Strömungen an Popularität: Romantik, Realismus und Klassizismus. Nach wie vor wandten sich russische Künstler weiterhin an Porträtgenre. Damals erschienen die weltberühmten Porträts und Selbstporträts von O. Kiprensky und V. Tropinin. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts stellten Künstler zunehmend das einfache russische Volk in seinem unterdrückten Zustand dar. Der Realismus wird zur zentralen Strömung der Malerei dieser Zeit. Zu diesem Zeitpunkt erschienen die Wanderkünstler, die nur das wirkliche Leben darstellten. Nun, das 20. Jahrhundert ist natürlich die Avantgarde. Die damaligen Künstler beeinflussten sowohl ihre Anhänger in Russland als auch auf der ganzen Welt maßgeblich. Ihre Gemälde wurden zu Vorläufern der abstrakten Kunst. Die russische Malerei ist riesig wunderbare Welt talentierte Künstler, die Russland mit ihren Kreationen verherrlichten
„Kartenspieler“
Autor
Paul Cezanne
Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1839–1906
Stil Post-Impressionismus
Der Künstler wurde im Süden Frankreichs in der Kleinstadt Aix-en-Provence geboren, begann aber in Paris zu malen. Echter Erfolg gelang ihm nach einer persönlichen Ausstellung, die vom Sammler Ambroise Vollard organisiert wurde. 1886, 20 Jahre vor seiner Abreise, zog er an den Rand seiner Heimatstadt. Junge Künstler nannten Reisen zu ihm „eine Pilgerreise nach Aix“.
130x97 cm
1895
Preis
250 Millionen Dollar
verkauft in 2012
bei Privatauktion
Cezannes Arbeit ist leicht zu verstehen. Die einzige Regel des Künstlers war die direkte Übertragung eines Objekts oder einer Handlung auf die Leinwand, sodass seine Bilder den Betrachter nicht verwirren. Cezanne kombinierte in seiner Kunst zwei Hauptthemen Französische Traditionen: Klassizismus und Romantik. Mit Hilfe bunter Texturen verlieh er den Formen von Objekten eine erstaunliche Plastizität.
Die Serie von fünf Gemälden „Kartenspieler“ entstand in den Jahren 1890–1895. Ihre Handlung ist die gleiche – mehrere Leute spielen begeistert Poker. Die Werke unterscheiden sich lediglich in der Anzahl der Spieler und der Größe der Leinwand.
Vier Gemälde werden in Museen in Europa und Amerika aufbewahrt (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation und Courtauld Institute of Art), und das fünfte war bis vor kurzem eine Zierde der Privatsammlung des griechischen Milliardärsreeders Georg Embirikos. Kurz vor seinem Tod, im Winter 2011, beschloss er, es zum Verkauf anzubieten. Potenzielle Käufer von Cezannes „kostenlosem“ Werk waren der Kunsthändler William Acquavella und der weltberühmte Galerist Larry Gagosian, der dafür etwa 220 Millionen US-Dollar bot. Infolgedessen ging das Gemälde für 250 Millionen an die königliche Familie des arabischen Staates Katar. Der größte Kunstdeal in der Geschichte der Malerei wurde im Februar 2012 abgeschlossen. Dies berichtete die Journalistin Alexandra Pierce in Vanity Fair. Sie erfuhr den Preis des Gemäldes und den Namen des neuen Besitzers, und dann gelangten die Informationen in die Medien auf der ganzen Welt.
Das Arabische Museum wurde 2010 in Katar eröffnet. zeitgenössische Kunst und das Nationalmuseum von Katar. Jetzt wachsen ihre Sammlungen. Vielleicht hat der Scheich zu diesem Zweck die fünfte Version von „Die Kartenspieler“ erworben.
Am meistenteures Gemäldein der Welt
Eigentümer
Scheich Hamad
bin Khalifa al-Thani
Die al-Thani-Dynastie regiert Katar seit mehr als 130 Jahren. Vor etwa einem halben Jahrhundert wurden hier riesige Öl- und Gasvorkommen entdeckt, die Katar schlagartig zu einer der reichsten Regionen der Welt machten. Dank des Exports von Kohlenwasserstoffen verfügt dieses kleine Land über das größte Pro-Kopf-BIP. Scheich Hamad bin Khalifa al-Thani übernahm 1995 mit Unterstützung von Familienmitgliedern die Macht, während sein Vater in der Schweiz war. Das Verdienst des derzeitigen Machthabers liegt Experten zufolge in einer klaren Strategie für die Entwicklung des Landes und in der Schaffung eines erfolgreichen Staatsbildes. Katar hat jetzt eine Verfassung und einen Premierminister, und Frauen haben das Recht, bei Parlamentswahlen zu wählen. Übrigens war es der Emir von Katar, der den Nachrichtensender Al-Jazeera gründete. Die Behörden des arabischen Staates legen großen Wert auf die Kultur.
2
"Nummer 5"
Autor
Jackson Pollock
Ein Land USA
Lebensjahre 1912–1956
Stil Abstrakter Expressionismus
Jack the Sprinkler – so wurde Pollock von der amerikanischen Öffentlichkeit wegen seiner besonderen Maltechnik genannt. Der Künstler verzichtete auf Pinsel und Staffelei und goss Farbe über die Oberfläche der Leinwand oder Faserplatte, während er sich ständig um sie herum und in ihnen bewegte. Schon in jungen Jahren interessierte er sich für die Philosophie von Jiddu Krishnamurti, deren Hauptbotschaft darin besteht, dass die Wahrheit während einer freien „Ausgießung“ offenbart wird.
122x244cm
1948
Preis
140 Millionen Dollar
verkauft in 2006
auf der Auktion Sotheby's
Der Wert von Pollocks Arbeit liegt nicht im Ergebnis, sondern im Prozess. Es ist kein Zufall, dass der Autor seine Kunst „Action Painting“ nannte. Mit seiner leichten Hand wurde es zum wichtigsten Kapital Amerikas. Jackson Pollock mischte Farbe mit Sand, Glasscherben, sondern schrieb mit einem Stück Pappe, einem Spachtel, einem Messer, einer Schaufel. Der Künstler war so beliebt, dass es in den 1950er Jahren sogar in der UdSSR Nachahmer gab. Das Gemälde „Nummer 5“ gilt als eines der seltsamsten und teuersten der Welt. Einer der Gründer von DreamWorks, David Geffen, kaufte es für eine Privatsammlung und verkaufte es 2006 bei Sotheby's für 140 Millionen Dollar an den mexikanischen Sammler David Martinez. Die Anwaltskanzlei veröffentlichte jedoch bald im Namen ihres Mandanten eine Pressemitteilung, in der es hieß, dass David Martinez nicht der Eigentümer des Gemäldes sei. Nur eines ist sicher: Der mexikanische Finanzier hat in der Tat in letzter Zeit Werke moderner Kunst gesammelt. Es ist unwahrscheinlich, dass ihm ein so „großer Fisch“ wie Pollocks „Nummer 5“ entgangen wäre.
3
„Frau III“
Autor
Willem de Kooning
Ein Land USA
Lebensjahre 1904–1997
Stil Abstrakter Expressionismus
Der gebürtige Niederländer wanderte 1926 in die Vereinigten Staaten aus. 1948 fand die persönliche Ausstellung des Künstlers statt. Kunstkritiker schätzten die komplexen, nervösen Schwarz-Weiß-Kompositionen und erkannten ihren Autor als großen Künstler der Moderne an. Die meiste Zeit seines Lebens litt er unter Alkoholismus, doch die Freude am Schaffen neuer Kunst ist in jedem Werk spürbar. De Kooning zeichnet sich durch die Impulsivität seiner Malerei und die breiten Striche aus, weshalb das Bild manchmal nicht in die Grenzen der Leinwand passt.
121x171 cm
1953
Preis
137 Millionen Dollar
verkauft in 2006
bei Privatauktion
In den 1950er Jahren tauchten auf de Koonings Gemälden Frauen mit leeren Augen, riesigen Brüsten und hässlichen Gesichtszügen auf. „Frau III“ wurde letzter Job aus dieser Serie nehmen an der Auktion teil.
Seit den 1970er Jahren wurde das Gemälde im Teheraner Museum für Moderne Kunst aufbewahrt, aber nach der Einführung strenger moralischer Regeln im Land versuchte man, es loszuwerden. 1994 wurde das Werk aus dem Iran exportiert und 12 Jahre später verkaufte sein Besitzer David Geffen (derselbe Produzent, der Jackson Pollocks „Nummer 5“ verkaufte) das Gemälde für 137,5 Millionen US-Dollar an den Millionär Steven Cohen. Es ist interessant, dass Geffen ein Jahr später begann, seine Gemäldesammlung zu verkaufen. Dies führte zu vielen Gerüchten: Beispielsweise beschloss der Produzent, die Zeitung „Los Angeles Times“ zu kaufen.
In einem der Kunstforen wurde eine Meinung über die Ähnlichkeit von „Frau III“ mit dem Gemälde „Dame mit Hermelin“ von Leonardo da Vinci geäußert. Hinter dem strahlenden Lächeln und der formlosen Figur der Heldin sah der Kenner der Malerei die Anmut einer Person königlichen Blutes. Davon zeugt auch die schlecht gezeichnete Krone, die den Kopf der Frau krönt.
4
„Porträt von AdeleBloch-Bauer I"
Autor
Gustav Klimt
Ein Land Österreich
Lebensjahre 1862–1918
Stil modern
Gustav Klimt wurde als zweites von sieben Kindern in die Familie eines Graveurs hineingeboren. Drei Söhne von Ernest Klimt wurden Künstler, doch nur Gustav erlangte weltweite Berühmtheit. Die meiste Zeit seiner Kindheit verbrachte er in Armut. Nach dem Tod seines Vaters übernahm er die Verantwortung für die gesamte Familie. Zu dieser Zeit entwickelte Klimt seinen Stil. Jeder Betrachter erstarrt vor seinen Gemälden: Unter den dünnen Goldstrichen ist die offene Erotik deutlich zu erkennen.
138 x 136 cm
1907
Preis
135 Millionen Dollar
verkauft in 2006
auf der Auktion Sotheby's
Das Schicksal des Gemäldes, das als „Österreichische Mona Lisa“ bezeichnet wird, könnte leicht zur Grundlage eines Bestsellers werden. Die Arbeit des Künstlers löste einen Konflikt zwischen einem ganzen Staat und einer älteren Dame aus.
So zeigt „Porträt von Adele Bloch-Bauer I“ eine Aristokratin, die Frau von Ferdinand Bloch. Ihr letzter Wunsch war die Schenkung des Gemäldes an die Österreichische Staatsgalerie. Bloch hob die Schenkung jedoch in seinem Testament auf und die Nazis enteigneten das Gemälde. Später kaufte die Galerie mit Mühe die Goldene Adele, doch dann erschien eine Erbin – Maria Altman, die Nichte von Ferdinand Bloch.
Begonnen im Jahr 2005 lauter Prozess„Maria Altmann gegen die Republik Österreich“, woraufhin der Film mit ihr nach Los Angeles „abreiste“. Österreich ergriff beispiellose Maßnahmen: Es wurden Kreditverhandlungen geführt, die Bevölkerung spendete Geld für den Kauf des Porträts. Das Gute hat das Böse nie besiegt: Altman erhöhte den Preis auf 300 Millionen Dollar. Sie war zum Zeitpunkt des Verfahrens 79 Jahre alt und ging als die Person in die Geschichte ein, die Bloch-Bauers Testament zugunsten persönlicher Interessen änderte. Das Gemälde wurde von Ronald Lauder, dem Besitzer der New Gallery in New York, gekauft, wo es bis heute verbleibt. Nicht für Österreich, für ihn reduzierte Altman den Preis auf 135 Millionen Dollar.
5
"Schrei"
Autor
Edward Munch
Ein Land Norwegen
Lebensjahre 1863–1944
Stil Expressionismus
Munchs erstes, weltberühmtes Gemälde „Das kranke Mädchen“ (es gibt fünf Exemplare) ist der Schwester des Künstlers gewidmet, die im Alter von 15 Jahren an Tuberkulose starb. Munch interessierte sich schon immer für das Thema Tod und Einsamkeit. In Deutschland löste seine schwere, manische Malerei sogar einen Skandal aus. Doch trotz der depressiven Motive haben seine Bilder eine besondere Anziehungskraft. Nehmen wir zum Beispiel „Scream“.
73,5 x 91 cm
1895
Preis
119,992 Millionen US-Dollar
verkauft 2012
auf der Auktion Sotheby's
Der vollständige Titel des Gemäldes lautet „Der Schrei der Natur“. Das Gesicht eines Menschen oder eines Außerirdischen drückt Verzweiflung und Panik aus – dieselben Emotionen, die der Betrachter beim Betrachten des Bildes empfindet. Einer von Schlüssel funktioniert Der Expressionismus warnt vor Themen, die in der Kunst des 20. Jahrhunderts aktuell geworden sind. Einer Version zufolge schuf der Künstler es unter dem Einfluss einer psychischen Störung, unter der er sein ganzes Leben lang litt.
Das Gemälde wurde zweimal aus verschiedenen Museen gestohlen, aber zurückgegeben. Nach dem Diebstahl leicht beschädigt, wurde „The Scream“ restauriert und konnte 2008 wieder im Munch-Museum ausgestellt werden. Für Vertreter der Popkultur wurde das Werk zu einer Inspirationsquelle: Andy Warhol erstellte eine Reihe gedruckter Kopien davon, und die Maske aus dem Film „Scream“ wurde nach dem Bild und Abbild des Helden des Bildes angefertigt.
Munch schrieb vier Versionen des Werks zu einem Thema: Die Version, die sich in einer Privatsammlung befindet, ist in Pastell gehalten. Der norwegische Milliardär Petter Olsen hat es am 2. Mai 2012 versteigert. Käufer war Leon Black, der für „Scream“ keinen Rekordbetrag gespart hat. Gründer von Apollo Advisors, L.P. und Lion Advisors, L.P. bekannt für seine Liebe zur Kunst. Black ist Schirmherr des Dartmouth College, des Museum of Modern Art, des Lincoln Art Center und des Metropolitan Museum of Art. Es verfügt über die größte Sammlung von Gemälden zeitgenössischer Künstler und klassische Meister vergangene Jahrhunderte.
6
„Akt vor dem Hintergrund einer Büste und grünen Blättern“
Autor
Pablo Picasso
Ein Land Spanien, Frankreich
Lebensjahre 1881–1973
Stil Kubismus
Er ist spanischer Herkunft, aber seinem Geist und seinem Wohnort nach ist er ein echter Franzose. Picasso eröffnete bereits im Alter von 16 Jahren sein eigenes Kunstatelier in Barcelona. Dann ging er nach Paris und verbrachte dort den größten Teil seines Lebens. Deshalb hat sein Nachname einen doppelten Akzent. Der von Picasso erfundene Stil basiert auf der Ablehnung der Idee, dass ein auf Leinwand dargestelltes Objekt nur aus einem Blickwinkel betrachtet werden kann.
130x162 cm
1932
Preis
106,482 Millionen US-Dollar
verkauft in 2010
auf der Auktion Christie's
Während seiner Arbeit in Rom lernte der Künstler die Tänzerin Olga Khokhlova kennen, die bald seine Frau wurde. Er beendete die Landstreicherei und zog mit ihr in eine luxuriöse Wohnung. Zu diesem Zeitpunkt hatte der Held bereits Anerkennung gefunden, aber die Ehe war zerstört. Einer der meisten teure Gemälde Die Welt entstand fast durch Zufall – aus großer Liebe, die, wie immer bei Picasso, nur von kurzer Dauer war. 1927 begann er sich für die junge Marie-Therese Walter zu interessieren (sie war 17 Jahre alt, er war 45). Heimlich vor seiner Frau reiste er mit seiner Geliebten in eine Stadt in der Nähe von Paris, wo er ein Porträt malte, das Marie-Therese im Bild von Daphne darstellte. Die Leinwand wurde vom New Yorker Händler Paul Rosenberg gekauft und 1951 an Sidney F. Brody verkauft. Die Brodys zeigten das Gemälde der Welt nur einmal und nur, weil der Künstler 80 Jahre alt wurde. Nach dem Tod ihres Mannes ließ Mrs. Brody das Werk im März 2010 bei Christie’s versteigern. In sechs Jahrzehnten ist der Preis um mehr als das 5.000-fache gestiegen! Ein unbekannter Sammler kaufte es für 106,5 Millionen Dollar. Im Jahr 2011 fand in Großbritannien eine „Ausstellung eines Gemäldes“ statt, wo es zum zweiten Mal ausgestellt wurde, der Name des Besitzers ist jedoch noch unbekannt.
7
„Acht Elvis“
Autor
Andy Warhole
Ein Land USA
Lebensjahre 1928-1987
Stil
Pop-Art
„Sex und Partys sind die einzigen Orte wo erscheinen soll sich selbst„- sagte der Kult-Pop-Art-Künstler, Regisseur, einer der Gründer des Interview-Magazins und Designer Andy Warhol. Er arbeitete mit Vogue und Harper's Bazaar zusammen, entwarf Plattencover und entwarf Schuhe für die Firma I.Miller. In den 1960er Jahren erschienen Gemälde mit Symbolen Amerikas: Campbells Suppe und Coca-Cola, Presley und Monroe – was ihn zur Legende machte.
358 x 208 cm
1963
Preis
100 Millionen Dollar
verkauft in 2008
bei Privatauktion
Die Warhol 60er Jahre waren die Bezeichnung für die Ära der Pop-Art in Amerika. 1962 arbeitete er in Manhattan im Factory-Studio, wo sich alle Bohemiens von New York versammelten. Seine prominenten Vertreter: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote und andere berühmte Persönlichkeiten der Welt. Gleichzeitig testete Warhol die Technik des Siebdrucks – die wiederholte Wiederholung eines Bildes. Diese Methode nutzte er auch bei der Entstehung von „The Eight Elvises“: Der Betrachter scheint Filmmaterial aus einem Film zu sehen, in dem der Star zum Leben erwacht. Hier gibt es alles, was der Künstler so sehr liebte: ein Win-Win-Bild in der Öffentlichkeit, silberne Farbe und eine Vorahnung des Todes als Hauptbotschaft.
Es gibt heute zwei Kunsthändler, die Warhols Werk auf dem Weltmarkt bewerben: Larry Gagosian und Alberto Mugrabi. Ersterer gab 2008 200 Millionen Dollar aus, um mehr als 15 Werke von Warhol zu erwerben. Der zweite kauft und verkauft seine Bilder wie Weihnachtskarten, nur zu einem höheren Preis. Aber es waren nicht sie, sondern der bescheidene französische Kunstberater Philippe Segalot, der dem römischen Kunstkenner Annibale Berlinghieri half, „Acht Elvis“ für einen für Warhol rekordverdächtigen Betrag von 100 Millionen Dollar an einen unbekannten Käufer zu verkaufen.
8
"Orange,Rot Gelb"
Autor
Mark Rothko
Ein Land USA
Lebensjahre 1903–1970
Stil Abstrakter Expressionismus
Einer der Schöpfer der Farbfeldmalerei wurde in Dvinsk, Russland (heute Daugavpils, Lettland) geboren große Familie Jüdischer Apotheker. 1911 wanderten sie in die USA aus. Rothko studierte an der Kunstfakultät der Yale University und gewann ein Stipendium, doch antisemitische Gefühle zwangen ihn, sein Studium abzubrechen. Trotz allem vergötterten Kunstkritiker den Künstler und Museen verfolgten ihn sein ganzes Leben lang.
206 x 236 cm
1961
Preis
86,882 Millionen US-Dollar
verkauft in 2012
auf der Auktion Christie's
Rothkos erste künstlerische Experimente waren surrealistisch orientiert, doch im Laufe der Zeit vereinfachte er die Handlung zu Farbflecken und beraubte sie dadurch jeglicher Objektivität. Anfangs hatten sie helle Farbtöne, in den 1960er-Jahren wurden sie braun und violett und verdichteten sich bis zum Tod des Künstlers zu Schwarz. Mark Rothko warnte davor, in seinen Bildern nach einer Bedeutung zu suchen. Der Autor wollte genau das sagen, was er sagte: nur die Farbe, die sich in der Luft auflöst, und nichts weiter. Er empfahl, die Werke aus einem Abstand von 45 cm zu betrachten, damit der Betrachter wie in einen Trichter in die Farbe „gezogen“ werde. Seien Sie vorsichtig: Das Betrachten nach allen Regeln kann zur Wirkung der Meditation führen, das heißt, das Bewusstsein der Unendlichkeit, das völlige Eintauchen in sich selbst, Entspannung und Reinigung stellen sich allmählich ein. Die Farbe in seinen Bildern lebt, atmet und hat den stärksten Einfluss. emotionale Wirkung(Man sagt, manchmal ist es heilsam). Der Künstler erklärte: „Der Betrachter sollte beim Betrachten weinen“, und solche Fälle kamen tatsächlich vor. Nach Rothkos Theorie erleben die Menschen in diesem Moment die gleiche spirituelle Erfahrung wie er, als er an dem Gemälde arbeitete. Wenn Sie es auf einer so subtilen Ebene verstehen konnten, werden Sie nicht überrascht sein, dass diese Werke der abstrakten Kunst von Kritikern oft mit Ikonen verglichen werden.
Das Werk „Orange, Rot, Gelb“ bringt die Essenz der Malerei von Mark Rothko zum Ausdruck. Der Erstpreis bei der Christie’s-Auktion in New York liegt bei 35–45 Millionen US-Dollar. Ein unbekannter Käufer bot einen Preis an, der doppelt so hoch war wie der Schätzwert. Der Name des glücklichen Besitzers des Gemäldes wird, wie so oft, nicht bekannt gegeben.
9
"Triptychon"
Autor
Francis Bacon
Ein Land
Großbritannien
Lebensjahre 1909–1992
Stil Expressionismus
Die Abenteuer von Francis Bacon, einem vollständigen Namensvetter und entfernten Nachkommen des großen Philosophen, begannen, als sein Vater ihn verstieß, da er die homosexuellen Neigungen seines Sohnes nicht akzeptieren konnte. Bacon ging zunächst nach Berlin, dann nach Paris, und dann verwirrten sich seine Spuren in ganz Europa. Zu seinen Lebzeiten wurden seine Werke in führenden Kulturzentren der Welt ausgestellt, darunter im Guggenheim-Museum und in der Tretjakow-Galerie.
147,5x198 cm (jeweils)
1976
Preis
86,2 Millionen US-Dollar
verkauft in 2008
auf der Auktion Sotheby's
Renommierte Museen versuchten, Bacons Gemälde zu besitzen, aber das kultivierte englische Publikum hatte es nicht eilig, für solche Kunstwerke Geld auszugeben. Die legendäre britische Premierministerin Margaret Thatcher sagte über ihn: „Der Mann, der diese schrecklichen Bilder malt.“
Der Künstler selbst betrachtete die Nachkriegszeit als Ausgangspunkt seines Schaffens. Nach seiner Rückkehr aus dem Dienst widmete er sich wieder der Malerei und schuf bedeutende Meisterwerke. Vor der Teilnahme an „Triptychon, 1976“ war Bacons teuerstes Werk „Studie für ein Porträt von Papst Innozenz X.“ (52,7 Millionen US-Dollar). In „Triptychon, 1976“ schilderte der Künstler die mythische Handlung der Verfolgung des Orestes durch die Furien. Natürlich ist Orestes Bacon selbst und die Furien sind seine Qual. Das Gemälde befand sich mehr als 30 Jahre lang in einer Privatsammlung und nahm nicht an Ausstellungen teil. Diese Tatsache verleiht ihm einen besonderen Wert und erhöht dementsprechend die Kosten. Aber was sind schon ein paar Millionen für einen Kunstkenner, und noch dazu eine großzügige? Roman Abramovich begann in den 1990er Jahren mit der Erstellung seiner Sammlung, wobei er maßgeblich von seiner Freundin Dasha Zhukova beeinflusst wurde, die später wurde modernes Russland Modegalerist. Inoffiziellen Angaben zufolge besitzt der Geschäftsmann persönlich Werke von Alberto Giacometti und Pablo Picasso, die für einen Betrag von über 100 Millionen US-Dollar erworben wurden. Im Jahr 2008 wurde er Eigentümer des Triptychons. Im Jahr 2011 wurde übrigens ein weiteres wertvolles Werk von Bacon erworben – „Drei Skizzen für ein Porträt von Lucian Freud“. Versteckte Quellen besagen, dass Roman Arkadjewitsch erneut der Käufer wurde.
10
„Teich mit Seerosen“
Autor
Claude Monet
Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1840–1926
Stil Impressionismus
Der Künstler gilt als Begründer des Impressionismus, der diese Methode in seinen Gemälden „patentierte“. Das erste bedeutende Werk war das Gemälde „Mittagessen im Gras“ (die Originalversion des Werks von Edouard Manet). In seiner Jugend zeichnete er Karikaturen und echte Malerei nahm während seiner Reisen entlang der Küste und im Freien auf. In Paris führte er einen böhmischen Lebensstil und gab ihn auch nach seinem Militärdienst nicht auf.
210x100 cm
1919
Preis
80,5 Millionen US-Dollar
verkauft in 2008
auf der Auktion Christie's
Monet war nicht nur ein großartiger Künstler, sondern auch ein begeisterter Gärtner und liebte Wildtiere und Blumen. In seinen Landschaften ist der Zustand der Natur augenblicklich, Objekte scheinen durch die Bewegung der Luft verschwommen zu sein. Der Eindruck wird durch große Striche verstärkt; ab einer gewissen Entfernung werden sie unsichtbar und verschmelzen zu einem strukturierten, dreidimensionales Bild. In den Gemälden des späten Monet nimmt das Thema Wasser und das Leben darin einen besonderen Platz ein. In der Stadt Giverny besaß der Künstler einen eigenen Teich, in dem er Seerosen aus Samen züchtete, die er eigens aus Japan mitgebracht hatte. Als ihre Blumen blühten, begann er zu zeichnen. Die Serie „Seerosen“ besteht aus 60 Werken, die der Künstler in fast 30 Jahren, bis zu seinem Tod, gemalt hat. Mit zunehmendem Alter verschlechterte sich sein Sehvermögen, aber er hörte damit nicht auf. Je nach Wind, Jahreszeit und Wetter veränderte sich das Erscheinungsbild des Teiches ständig und Monet wollte diese Veränderungen einfangen. Durch sorgfältige Arbeit gelangte er zum Verständnis des Wesens der Natur. Einige der Gemälde der Serie werden in führenden Galerien der Welt aufbewahrt: dem Nationalmuseum für westliche Kunst (Tokio) und der Orangerie (Paris). Eine Version des nächsten „Teichs mit Seerosen“ ging für einen Rekordpreis in die Hände eines unbekannten Käufers.
11
Falscher Stern T
Autor
Jasper Johns
Ein Land USA
Geburtsjahr 1930
Stil Pop-Art
Im Jahr 1949 besuchte Jones die Designschule in New York. Zusammen mit Jackson Pollock, Willem de Kooning und anderen gilt er als einer der bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts. 2012 erhielt er die Presidential Medal of Freedom, die höchste zivile Auszeichnung in den Vereinigten Staaten.
137,2 x 170,8 cm
1959
Preis
80 Millionen Dollar
verkauft in 2006
bei Privatauktion
Wie Marcel Duchamp arbeitete Jones mit realen Objekten und stellte sie in voller Übereinstimmung mit dem Original auf Leinwand und in Skulpturen dar. Für seine Werke nutzte er einfache und verständliche Gegenstände: eine Bierflasche, eine Fahne oder Karten. Im Film False Start gibt es keine klare Komposition. Der Künstler scheint mit dem Betrachter zu spielen, indem er die Farben im Gemälde oft „falsch“ benennt und damit den eigentlichen Farbbegriff umkehrt: „Ich wollte einen Weg finden, Farbe so darzustellen, dass sie mit einer anderen Methode bestimmt werden kann.“ Sein laut Kritikern explosivstes und „unsicherstes“ Gemälde wurde von einem unbekannten Käufer erworben.
12
„Sitzendnacktauf dem Sofa"
Autor
Amedeo Modigliani
Ein Land Italien, Frankreich
Lebensjahre 1884–1920
Stil Expressionismus
Modigliani war seit seiner Kindheit oft krank; während eines fieberhaften Deliriums erkannte er seine Bestimmung als Künstler. Er studierte Zeichnen in Livorno, Florenz und Venedig und ging 1906 nach Paris, wo seine Kunst aufblühte.
65x100 cm
1917
Preis
68,962 Millionen US-Dollar
verkauft in 2010
auf der Auktion Sotheby's
Im Jahr 1917 lernte Modigliani die 19-jährige Jeanne Hébuterne kennen, die sein Vorbild und dann seine Frau wurde. Im Jahr 2004 wurde eines ihrer Porträts für 31,3 Millionen US-Dollar verkauft, der letzte Rekord vor dem Verkauf von Nude Seated on a Sofa im Jahr 2010. Das Gemälde wurde von einem unbekannten Käufer zum für Modigliani derzeit höchsten Preis erworben. Der aktive Verkauf von Werken begann erst nach dem Tod des Künstlers. Er starb in Armut, erkrankte an Tuberkulose, und am nächsten Tag beging auch Jeanne Hébuterne, die im neunten Monat schwanger war, Selbstmord.
13
„Adler auf einer Kiefer“
Autor
Qi Baishi
Ein Land China
Lebensjahre 1864–1957
Stil Guohua
Das Interesse an der Kalligraphie führte Qi Baishi zur Malerei. Im Alter von 28 Jahren wurde er Schüler des Künstlers Hu Qingyuan. Das chinesische Kulturministerium verlieh ihm den Titel „Großer Künstler des chinesischen Volkes“ und 1956 erhielt er den Internationalen Friedenspreis.
10x26 cm
1946
Preis
65,4 Millionen US-Dollar
verkauft in 2011
auf der Auktion China Guardian
Qi Baishi interessierte sich für jene Erscheinungsformen der umgebenden Welt, denen viele keine Bedeutung beimessen, und das ist seine Größe. Ein Mann ohne Bildung wurde Professor und ein herausragender Schöpfer der Geschichte. Pablo Picasso sagte über ihn: „Ich habe Angst, in Ihr Land zu gehen, weil es in China Qi Baishi gibt.“ Die Komposition „Adler auf einer Kiefer“ gilt als das größte Werk des Künstlers. Zusätzlich zur Leinwand enthält es zwei Hieroglyphenrollen. Für China stellt der Kaufpreis des Werks einen Rekordwert dar – 425,5 Millionen Yuan. Allein die Schriftrolle des antiken Kalligraphen Huang Tingjian wurde für 436,8 Millionen verkauft.
14
„1949-A-Nr. 1“
Autor
Clyfford Still
Ein Land USA
Lebensjahre 1904–1980
Stil Abstrakter Expressionismus
Im Alter von 20 Jahren besuchte ich das Metropolitan Museum of Art in New York und war enttäuscht. Später meldete er sich für einen Kurs bei der Student Arts League an, verließ den Kurs jedoch 45 Minuten nach Beginn des Kurses – es stellte sich heraus, dass dieser „nichts für ihn“ war. Die erste Einzelausstellung löste Resonanz aus, der Künstler fand sich selbst und damit Anerkennung
79x93 cm
1949
Preis
61,7 Millionen US-Dollar
verkauft in 2011
auf der Auktion Sotheby's
Still vermachte alle seine Werke, mehr als 800 Leinwände und 1.600 Arbeiten auf Papier, einer amerikanischen Stadt, wo ein nach ihm benanntes Museum eröffnet werden soll. Denver wurde zu einer solchen Stadt, aber allein der Bau war für die Behörden teuer, und um ihn fertigzustellen, wurden vier Bauwerke versteigert. Es ist unwahrscheinlich, dass Stills Werke noch einmal versteigert werden, was ihren Preis bereits im Vorfeld erhöht hat. Das Gemälde „1949-A-No.1“ wurde für den Künstler für einen Rekordpreis verkauft, obwohl Experten den Verkauf auf maximal 25–35 Millionen Dollar prognostizierten.
15
„Suprematistische Komposition“
Autor
Kasimir Malewitsch
Ein Land Russland
Lebensjahre 1878–1935
Stil Suprematismus
Malewitsch studierte Malerei in Kiew Kunstschule, dann an der Moskauer Akademie der Künste. Im Jahr 1913 begann er, abstrakte geometrische Gemälde in einem Stil zu malen, den er Suprematismus (aus dem Lateinischen für „Dominanz“) nannte.
71x 88,5 cm
1916
Preis
60 Millionen Dollar
verkauft in 2008
auf der Auktion Sotheby's
Das Gemälde wurde etwa 50 Jahre lang im Amsterdamer Stadtmuseum aufbewahrt, doch nach einem 17-jährigen Streit mit Malewitschs Verwandten verschenkte das Museum es. Der Künstler malte dieses Werk im selben Jahr wie das „Manifest des Suprematismus“, weshalb Sotheby’s bereits vor der Auktion bekannt gab, dass es nicht für weniger als 60 Millionen US-Dollar in eine Privatsammlung gelangen würde. Und so geschah es. Besser ist es, es von oben zu betrachten: Die Figuren auf der Leinwand ähneln einer Luftaufnahme der Erde. Übrigens haben dieselben Verwandten einige Jahre zuvor eine weitere „Suprematistische Komposition“ aus dem MoMA Museum enteignet, um sie bei der Phillips-Auktion für 17 Millionen Dollar zu verkaufen.
16
„Badende“
Autor
Paul Gauguin
Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1848–1903
Stil Post-Impressionismus
Bis zu seinem siebten Lebensjahr lebte der Künstler in Peru, kehrte dann mit seiner Familie nach Frankreich zurück, doch Kindheitserinnerungen trieben ihn ständig zum Reisen. In Frankreich begann er zu malen und freundete sich mit Van Gogh an. Er verbrachte sogar mehrere Monate mit ihm in Arles, bis Van Gogh ihm während eines Streits das Ohr abschnitt.
93,4 x 60,4 cm
1902
Preis
55 Millionen Dollar
verkauft im Jahr 2005
auf der Auktion Sotheby's
Im Jahr 1891 organisierte Gauguin einen Verkauf seiner Gemälde, um mit dem Erlös eine Reise tief in die Insel Tahiti unternehmen zu können. Dort schuf er Werke, in denen eine subtile Verbindung zwischen Natur und Mensch spürbar ist. Gauguin lebte in einer strohgedeckten Hütte und auf seinen Leinwänden erblühte ein tropisches Paradies. Seine Frau war die 13-jährige Tahitianerin Tehura, was den Künstler jedoch nicht davon abhielt, promiskuitive Beziehungen einzugehen. Er erkrankte an Syphilis und reiste nach Frankreich. Gauguin stellte jedoch fest, dass es dort überfüllt war, und er kehrte nach Tahiti zurück. Diese Zeit wird als „zweiter Tahitianer“ bezeichnet – damals entstand das Gemälde „Badende“, eines der luxuriösesten seiner Werke.
17
„Narzissen und Tischdecke in Blau- und Rosatönen“
Autor
Henri Matisse
Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1869–1954
Stil Fauvismus
Im Jahr 1889 erlitt Henri Matisse einen Anfall einer Blinddarmentzündung. Als er sich von der Operation erholte, kaufte ihm seine Mutter Farben. Zunächst kopierte Matisse aus Langeweile Farbpostkarten, dann kopierte er Werke großer Maler, die er im Louvre sah, und entwickelte zu Beginn des 20. Jahrhunderts einen Stil – den Fauvismus.
65,2 x 81 cm
1911
Preis
46,4 Millionen US-Dollar
verkauft in 2009
auf der Auktion Christie's
Gemälde „Narzissen und Tischdecke in Blau und Rosatöne» gehörte lange Zeit Yves Saint Laurent. Nach dem Tod des Couturiers gelangte seine gesamte Kunstsammlung in die Hände seines Freundes und Liebhabers Pierre Berger, der beschloss, sie bei Christie’s zur Versteigerung zu bringen. Die Perle der verkauften Sammlung war das Gemälde „Narzissen und eine Tischdecke in Blau- und Rosatönen“, gemalt auf einer gewöhnlichen Tischdecke statt auf Leinwand. Als Beispiel des Fauvismus ist es von der Energie der Farbe erfüllt, die Farben scheinen zu explodieren und zu schreien. Aus der berühmten Serie von Gemälden auf Tischdecken ist dieses Werk heute das einzige, das sich in einer Privatsammlung befindet.
18
„Schlafendes Mädchen“
Autor
RoyLee
Htenstein
Ein Land USA
Lebensjahre 1923–1997
Stil Pop-Art
Der in New York geborene Künstler ging nach seinem Schulabschluss nach Ohio, wo er Kunstkurse belegte. 1949 erhielt Lichtenstein einen Master of Fine Arts. Sein Interesse für Comics und seine Fähigkeit zur Ironie machten ihn zum Kultkünstler des letzten Jahrhunderts.
91x91 cm
1964
Preis
44,882 Millionen US-Dollar
verkauft in 2012
auf der Auktion Sotheby's
Eines Tages fiel Lichtenstein Kaugummi in die Hände. Er zeichnete das Bild aus der Einlage neu auf Leinwand und wurde berühmt. Diese Geschichte aus seiner Biografie enthält die gesamte Botschaft der Pop-Art: Konsum ist der neue Gott, und in einer Kaugummiverpackung steckt nicht weniger Schönheit als in der Mona Lisa. Seine Gemälde erinnern an Comics und Cartoons: Lichtenstein vergrößerte einfach das fertige Bild, zeichnete Raster, verwendete Siebdruck und Siebdruck. Das Gemälde „Schlafendes Mädchen“ gehörte fast 50 Jahre lang den Sammlern Beatrice und Philip Gersh, deren Erben es versteigerten.
19
"Sieg. Boogie Woogie"
Autor
Piet Mondrian
Ein Land Niederlande
Lebensjahre 1872–1944
Stil Neoplastizismus
Mein echter Name– Cornelis – der Künstler wechselte zu Mondrian, als er 1912 nach Paris zog. Zusammen mit dem Künstler Theo van Doesburg gründete er die Neoplastizismus-Bewegung. Die Programmiersprache Piet ist nach Mondrian benannt.
27x127cm
1944
Preis
40 Millionen Dollar
verkauft In 1998
auf der Auktion Sotheby's
Der „musikalischste“ Künstler des 20. Jahrhunderts lebte von Aquarellstillleben, obwohl er als neoplastischer Künstler berühmt wurde. In den 1940er Jahren zog er in die USA und verbrachte dort den Rest seines Lebens. Jazz und New York haben ihn am meisten inspiriert! Gemälde „Sieg. Boogie-Woogie ist das beste Beispiel dafür. Die charakteristischen sauberen Quadrate wurden mit Klebeband, Mondrians Lieblingsmaterial, erzielt. In Amerika wurde er als „der berühmteste Einwanderer“ bezeichnet. In den sechziger Jahren brachte Yves Saint Laurent weltberühmte „Mondrian“-Kleider mit großen Karomustern heraus.
20
„Komposition Nr. 5“
Autor
BasilikumKandinsky
Ein Land Russland
Lebensjahre 1866–1944
Stil Avantgarde
Der Künstler wurde in Moskau geboren und sein Vater stammte aus Sibirien. Nach der Revolution versuchte er, mit der Sowjetregierung zusammenzuarbeiten, erkannte jedoch bald, dass die Gesetze des Proletariats nicht für ihn geschaffen waren, und emigrierte nicht ohne Schwierigkeiten nach Deutschland.
275 x 190 cm
1911
Preis
40 Millionen Dollar
verkauft in 2007
auf der Auktion Sotheby's
Kandinsky war einer der ersten, der die Objektmalerei völlig aufgab, wofür er den Titel eines Genies erhielt. Während des Nationalsozialismus galten seine Bilder in Deutschland als „entartete Kunst“ und wurden nirgendwo ausgestellt. 1939 nahm Kandinsky die französische Staatsbürgerschaft an und nahm in Paris ungehindert daran teil künstlerischer Prozess. Seine Bilder „klingen“ wie Fugen, weshalb viele als „Kompositionen“ bezeichnet werden (die erste entstand 1910, die letzte 1939). „Komposition Nr. 5“ ist eines der Schlüsselwerke dieses Genres: „Das Wort „Komposition“ klang für mich wie ein Gebet“, sagte der Künstler. Im Gegensatz zu vielen seiner Anhänger plante er, was er auf einer riesigen Leinwand darstellen würde, als würde er Notizen schreiben.
21
„Studie einer Frau in Blau“
Autor
Fernand Léger
Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1881–1955
Stil Kubismus-Postimpressionismus
Leger erhielt Architekturausbildung, und war dann Student an der Schule der Schönen Künste in Paris. Der Künstler verstand sich als Anhänger Cezannes, war ein Apologet des Kubismus und war im 20. Jahrhundert auch als Bildhauer erfolgreich.
96,5 x 129,5 cm
1912–1913
Preis
39,2 Millionen US-Dollar
verkauft in 2008
auf der Auktion Sotheby's
David Norman, Präsident der internationalen Abteilung für Impressionismus und Moderne bei Sotheby's, hält den hohen Betrag, der für „Die Dame in Blau“ gezahlt wurde, für völlig gerechtfertigt. Das Gemälde gehört zur berühmten Léger-Sammlung (der Künstler malte drei Gemälde zum gleichen Thema, das letzte davon befindet sich heute in Privatbesitz. - Ed.), und die Oberfläche der Leinwand ist in ihrer ursprünglichen Form erhalten geblieben. Der Autor selbst schenkte dieses Werk der Galerie Der Sturm, dann gelangte es in die Sammlung von Hermann Lang, einem deutschen Sammler der Moderne, und gehört nun einem unbekannten Käufer.
22
„Straßenszene. Berlin"
Autor
Ernst LudwigKirchner
Ein Land Deutschland
Lebensjahre 1880–1938
Stil Expressionismus
Für Deutscher Expressionismus Kirchner wurde zu einer Ikone. Allerdings warfen ihm die örtlichen Behörden einen Anhänger der „entarteten Kunst“ vor, was sich auf tragische Weise auf das Schicksal seiner Gemälde und das Leben des Künstlers auswirkte, der 1938 Selbstmord beging.
95x121 cm
1913
Preis
38,096 Millionen US-Dollar
verkauft in 2006
auf der Auktion Christie's
Nach seinem Umzug nach Berlin fertigte Kirchner 11 Skizzen an Straßenszenen. Er wurde von Aufruhr und Nervosität inspiriert große Stadt. Auf dem 2006 in New York verkauften Gemälde ist die Angst des Künstlers besonders deutlich zu spüren: Menschen auf einer Berliner Straße ähneln Vögeln – anmutig und gefährlich. Es war das letzte Werk der berühmten Serie, das auf einer Auktion verkauft wurde; der Rest wird in Museen aufbewahrt. 1937 behandelten die Nazis Kirchner hart: 639 seiner Werke wurden aus deutschen Galerien entfernt, zerstört oder ins Ausland verkauft. Der Künstler konnte dies nicht überleben.
23
„Urlauber“Tänzer"
Autor
Edgar Degas
Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1834–1917
Stil Impressionismus
Die Geschichte von Degas als Künstler begann mit seiner Arbeit als Kopist im Louvre. Er träumte davon, „berühmt und unbekannt“ zu werden, und am Ende gelang es ihm. Am Ende seines Lebens besuchte der 80-jährige Degas, taub und blind, weiterhin Ausstellungen und Auktionen.
64x59 cm
1879
Preis
37,043 Millionen US-Dollar
verkauft in 2008
auf der Auktion Sotheby's
„Ballerinas waren für mich schon immer nur ein Vorwand, um Stoffe darzustellen und Bewegung einzufangen“, sagte Degas. Szenen aus dem Leben der Tänzer scheinen ausspioniert worden zu sein: Die Mädchen posieren nicht für den Künstler, sondern werden einfach Teil der Atmosphäre, die Degas‘ Blick einfängt. „Resting Dancer“ wurde 1999 für 28 Millionen US-Dollar verkauft und weniger als zehn Jahre später für 37 Millionen US-Dollar gekauft – heute ist es das teuerste Werk des Künstlers, das jemals versteigert wurde. Degas legte großen Wert auf Rahmen, entwarf sie selbst und verbot deren Veränderung. Ich frage mich, welcher Rahmen auf dem verkauften Gemälde installiert ist?
24
"Malerei"
Autor
Joan Miro
Ein Land Spanien
Lebensjahre 1893–1983
Stil abstrakte Kunst
Zur Zeit Bürgerkrieg in Spanien stand der Künstler auf der Seite der Republikaner. 1937 floh er vor dem faschistischen Regime nach Paris, wo er mit seiner Familie in Armut lebte. In dieser Zeit malte Miro das Gemälde „Helfen Sie Spanien!“ und machte damit die ganze Welt auf die Dominanz des Faschismus aufmerksam.
89x115 cm
1927
Preis
36,824 Millionen US-Dollar
verkauft in 2012
auf der Auktion Sotheby's
Der zweite Titel des Gemäldes lautet „Blue Star“. Der Künstler malte es im selben Jahr, als er verkündete: „Ich will die Malerei töten“ und die Leinwände gnadenlos verspottete, die Farbe mit Nägeln zerkratzte, Federn auf die Leinwand klebte und die Werke mit Müll bedeckte. Sein Ziel war es, die Mythen über das Geheimnis der Malerei zu entlarven, doch nachdem er damit fertig geworden war, schuf Miro seinen eigenen Mythos – die surreale Abstraktion. Sein „Gemälde“ gehört zum Zyklus der „Traumbilder“. Bei der Auktion kämpften vier Käufer darum, doch ein Inkognito-Anruf löste den Streit und „Gemälde“ wurde zum teuersten Gemälde des Künstlers.
25
"Blaue Rose"
Autor
Yves Klein
Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1928–1962
Stil monochrome Malerei
Der Künstler wurde in eine Malerfamilie hineingeboren, studierte aber orientalische Sprachen, Navigation, das Handwerk eines Rahmenvergolders, Zen-Buddhismus und vieles mehr. Seine Persönlichkeit und seine frechen Possen waren um ein Vielfaches interessanter als monochrome Gemälde.
153x199x16 cm
1960
Preis
36,779 Millionen US-Dollar
2012 verkauft
bei Christie's Auktion
Die erste Ausstellung monochromatischer Werke in Gelb, Orange und Rosa erregte kein öffentliches Interesse. Klein war beleidigt und präsentierte das nächste Mal 11 identische Leinwände, bemalt mit Ultramarin, gemischt mit einem speziellen Kunstharz. Er hat diese Methode sogar patentieren lassen. Die Farbe ging als „international“ in die Geschichte ein blaue Farbe Klein.“ Der Künstler verkaufte auch Leere, schuf Gemälde, indem er Papier dem Regen aussetzte, Karton in Brand setzte und Abdrücke des Körpers einer Person auf Leinwand anfertigte. Kurz gesagt, ich habe so gut ich konnte experimentiert. Um „Blue Rose“ zu kreieren, habe ich trockene Pigmente, Harze, Kieselsteine und einen Naturschwamm verwendet.
26
„Auf der Suche nach Moses“
Autor
Sir Lawrence Alma-Tadema
Ein Land Großbritannien
Lebensjahre 1836–1912
Stil Neoklassizismus
Sir Lawrence selbst fügte seinem Nachnamen das Präfix „alma“ hinzu, damit er in Kunstkatalogen an erster Stelle aufgeführt werden konnte. Im viktorianischen England waren seine Gemälde so gefragt, dass der Künstler zum Ritter geschlagen wurde.
213,4 x 136,7 cm
1902
Preis
35,922 Millionen US-Dollar
verkauft in 2011
auf der Auktion Sotheby's
Das Hauptthema von Alma-Tademas Werk war die Antike. In den Bildern versuchte er es die kleinsten Details Um die Ära des Römischen Reiches darzustellen, führte er dafür sogar archäologische Ausgrabungen auf der Apenninenhalbinsel durch und in seinem Londoner Haus reproduzierte das historische Interieur jener Jahre. Mythologische Themen wurde für ihn zu einer weiteren Inspirationsquelle. Der Künstler war zu Lebzeiten sehr gefragt, doch nach seinem Tod geriet er schnell in Vergessenheit. Jetzt erwacht das Interesse wieder, wie der Preis des Gemäldes „Auf der Suche nach Moses“ zeigt, der siebenmal höher ist als der Vorverkaufspreis.
27
„Porträt eines schlafenden nackten Beamten“
Autor
Lucian Freud
Ein Land Deutschland,
Großbritannien
Lebensjahre 1922–2011
Stil figurative Malerei
Der Künstler ist der Enkel von Sigmund Freud, dem Vater der Psychoanalyse. Nach der Etablierung des Faschismus in Deutschland wanderte seine Familie nach Großbritannien aus. Freuds Werke befinden sich im Wallace Collection Museum in London, wo bisher kein zeitgenössischer Künstler ausgestellt hat.
219,1 x 151,4 cm
1995
Preis
33,6 Millionen US-Dollar
verkauft in 2008
auf der Auktion Christie's
Während Modekünstler des 20. Jahrhunderts positive „Farbflecken an der Wand“ schufen und sie für Millionen verkauften, malte Freud äußerst naturalistische Gemälde und verkaufte sie für noch mehr. „Ich fange die Schreie der Seele und das Leiden des verblassenden Fleisches ein“, sagte er. Kritiker glauben, dass dies alles das „Erbe“ von Sigmund Freud ist. Die Gemälde wurden so aktiv ausgestellt und erfolgreich verkauft, dass Experten zu zweifeln begannen: Haben sie hypnotische Eigenschaften? Das auf einer Auktion verkaufte Porträt eines nackten schlafenden Beamten wurde laut Sun von einem Schönheitskenner und Milliardär Roman Abramovich gekauft.
28
„Violine und Gitarre“
Autor
Xein Gris
Ein Land Spanien
Lebensjahre 1887–1927
Stil Kubismus
Geboren in Madrid, wo er die Schule für Kunst und Handwerk abschloss. 1906 zog er nach Paris und schloss sich dem Kreis der einflussreichsten Künstler seiner Zeit an: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, und arbeitete auch mit Sergej Diaghilew und seiner Truppe zusammen.
5x100cm
1913
Preis
28,642 Millionen US-Dollar
verkauft in 2010
auf der Auktion Christie's
Gris, von In Meinen Eigenen Worten Er beschäftigte sich mit „planarer, farbiger Architektur“. Seine Bilder sind präzise durchdacht: Er hat keinen einzigen zufälligen Strich hinterlassen, was Kreativität der Geometrie ähnelt. Der Künstler schuf seine eigene Version des Kubismus, obwohl er Pablo Picasso, den Gründervater der Bewegung, großen Respekt zollte. Der Nachfolger widmete ihm sogar sein erstes Werk im kubistischen Stil, „Tribute to Picasso“. Das Gemälde „Violine und Gitarre“ gilt als herausragend im Schaffen des Künstlers. Zu seinen Lebzeiten war Gris berühmt und beliebt bei Kritikern und Kunstkritikern. Seine Werke werden in den größten Museen der Welt ausgestellt und in Privatsammlungen aufbewahrt.
29
"PorträtFelder von Eluard“
Autor
Salvador Dalí
Ein Land Spanien
Lebensjahre 1904–1989
Stil Surrealismus
„Ich bin der Surrealismus“, sagte Dali, als er aus der Gruppe der Surrealisten ausgeschlossen wurde. Im Laufe der Zeit wurde er am meisten berühmter Künstler-Surrealist. Dalis Arbeiten sind überall, nicht nur in Galerien. Er war es zum Beispiel, der sich die Verpackung für Chupa Chups ausgedacht hat.
25x33 cm
1929
Preis
20,6 Millionen US-Dollar
verkauft in 2011
auf der Auktion Sotheby's
Im Jahr 1929 besuchten der Dichter Paul Eluard und seine russische Frau Gala den großen Provokateur und Schläger Dali. Das Treffen war der Beginn einer Liebesgeschichte, die mehr als ein halbes Jahrhundert dauerte. Das Gemälde „Porträt von Paul Eluard“ entstand während dieses historischen Besuchs. „Ich hatte das Gefühl, dass mir die Verantwortung anvertraut wurde, das Gesicht des Dichters einzufangen, von dessen Olymp ich eine der Musen gestohlen hatte“, sagte der Künstler. Bevor er Gala traf, war er Jungfrau und empfand Ekel bei dem Gedanken an Sex mit einer Frau. Die Dreiecksbeziehung existierte bis zu Eluards Tod, danach wurde daraus das Dali-Gala-Duett.
30
"Jubiläum"
Autor
Marc Chagall
Ein Land Russland, Frankreich
Lebensjahre 1887–1985
Stil Avantgarde
Moishe Segal wurde in Witebsk geboren, emigrierte jedoch 1910 nach Paris, änderte seinen Namen und kam den führenden Avantgarde-Künstlern seiner Zeit nahe. In den 1930er Jahren, während der Machtergreifung der Nazis, reiste er mit Hilfe des amerikanischen Konsuls in die USA. Erst 1948 kehrte er nach Frankreich zurück.
80x103 cm
1923
Preis
14,85 Millionen US-Dollar
1990 verkauft
bei Sotheby's Auktion
Das Gemälde „Jubiläum“ gilt als eines der besten Werke des Künstlers. Es enthält alle Merkmale seines Werkes: Die physikalischen Gesetze der Welt werden ausgelöscht, das Gefühl eines Märchens bleibt in der Szenerie des bürgerlichen Lebens erhalten und die Liebe steht im Mittelpunkt der Handlung. Chagall hat die Menschen nicht aus dem Leben gezeichnet, sondern nur aus der Erinnerung oder Fantasie. Das Gemälde „Jubiläum“ zeigt den Künstler selbst und seine Frau Bela. Das Gemälde wurde 1990 verkauft und seitdem nicht mehr versteigert. Interessanterweise beherbergt das New Yorker Museum of Modern Art MoMA genau dasselbe, nur unter dem Namen „Birthday“. Es wurde übrigens schon früher geschrieben – im Jahr 1915.
hat das Projekt vorbereitet
Tatiana Palasova
Die Bewertung wurde erstellt
gemäß der Liste www.art-spb.ru
tmn-Magazin Nr. 13
(Mai-Juni 2013)
Russisch Kunstkultur Die Ursprünge davon begannen mit dem Klassizismus, der einen kraftvollen volkstümlichen Klang annahm, wie der hohe Klassizismus, der sich in der Malerei des 19. Jahrhunderts widerspiegelte, und bewegte sich in der russischen bildenden Kunst allmählich von der Romantik zum Realismus. Zeitgenossen dieser Zeit schätzten besonders die Richtung russischer Künstler, in der das historische Genre mit Schwerpunkt auf nationalen Themen vorherrschte.
Gleichzeitig gab es jedoch keine wesentlichen Veränderungen in der Kunst der historischen Richtung im Vergleich zu den Meistern der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts und von Beginn der Geschichte der russischen Porträtmalerei an. Oft widmen sich viele Meister ihren Werken wahre Helden antike Rus‘, deren Heldentaten das Schreiben historischer Gemälde inspirierten. Die damaligen russischen Maler etablierten ein eigenes Prinzip der Beschreibung von Porträts und Gemälden, entwickelten eigene Richtungen in der Darstellung von Mensch und Natur und zeugten von einem völlig eigenständigen figurativen Konzept.
Russische Künstler spiegelten in ihren Gemälden verschiedene Ideale des nationalen Aufschwungs wider und gaben nach und nach die strengen Prinzipien des Klassizismus auf, die ihnen von akademischen Grundlagen auferlegt wurden. Das 19. Jahrhundert war von einer Hochblüte der russischen Malerei geprägt, in der russische Maler für die Nachwelt unauslöschliche Spuren in der Geschichte der russischen Kunst hinterließen. bildende Kunst, durchdrungen vom Geist einer umfassenden Reflexion des Lebens der Menschen.
Die größten Forscher der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts weisen im Allgemeinen auf die herausragende Rolle der großen russischen Meister und bildenden Künste bei der Hochblüte der Kreativität hin. Einzigartige Werke Von einheimischen Handwerkern geschaffene Kunstwerke haben die russische Kultur für immer bereichert.
Berühmte Künstler des 19. Jahrhunderts
(1782-1836) Kiprenskys prächtige und subtil gemalte Porträts verschafften ihm Ruhm und wahre Anerkennung bei seinen Zeitgenossen. Seine Werke Selbstporträt, A. R. Tomilova, I. V. Kusov, A. I. Korsakov 1808 Porträt eines Jungen Chelishchev, Golitsin A. M. 1809 Porträt von Denis Davydov, 1819 Mädchen mit einem Mohnblumenkranz, das erfolgreichste Porträt von 1827 von A. S. Puschkin und anderen die Schönheit der Aufregung, anspruchsvoll Innere Bilder und Geisteszustände. Zeitgenossen verglichen seine Werke mit den Genres Lyrik und poetischer Widmung an Freunde. (1791-1830) Meister der russischen Landschaftsromantik und lyrischen Naturdeutung. In mehr als vierzig seiner Gemälde stellte Shchedrin Ansichten von Sorento dar. Besonders hervorzuheben sind Gemälde aus der Umgebung von Sorrent. Abends, Neues Rom „Schloss des Heiligen Engels“, Mergellina-Promenade in Neapel, Großer Hafen auf der Insel Capri usw.Shchedrin hat sich völlig der Romantik der Landschaft und der natürlichen Umgebung der Wahrnehmung hingegeben und gleicht mit seinen Gemälden sozusagen das nachgelassene Interesse seiner damaligen Stammesgenossen an der Landschaft aus. Shchedrin erlebte den Beginn seiner Kreativität und Anerkennung.
(1776-1857) Ein bemerkenswerter russischer Porträtmaler, ein Nachkomme von Leibeigenen. Seine berühmten Werke sind Gemälde: Die Spitzenklöpplerin, auch Porträt von Puschkin A.S., Kupferstecher E.O. Skotnikova, Alter Mann - Bettler, zeichnet sich durch ein helles Porträt eines Sohnes, 1826 Spinnerin, Goldschmiedin aus, diese Werke erregten besonders die Aufmerksamkeit der Zeitgenossen. 1846 entwickelte Tropinin seinen eigenen eigenständigen figurativen Porträtstil, der das spezifische Moskauer Genre des Schreibens charakterisiert. Zu dieser Zeit wurde Tropinin Zentralfigur Moskauer Elite.(1780-1847) Der Begründer des bäuerlichen Alltagsgenres, sein berühmtes Porträt des Schnitters, Gemälde > Schnitter, Mädchen mit Kopftuch, Frühling im Ackerland, Bäuerin mit Kornblumen, Sacharka und andere. Besonders hervorzuheben ist das Gemälde der Tenne, das die Aufmerksamkeit von Kaiser Alexander I. erregte und ihn berührte lebendige Bilder Bauern, wahrheitsgetreu vom Autor vermittelt. Er liebte gewöhnliche Menschen Darin fand er eine gewisse Lyrik, die sich in seinen Gemälden widerspiegelte, die das Schwierige zeigten Bauernleben. seine besten Werke entstanden in den 20er Jahren. (1799-1852) Meister der historischen Malerei. Der letzte Tag von Pompeji. Im Aufruhr fliehen die zum Scheitern verurteilten Einwohner vor der Wut des Vesuv-Vulkans. Das Bild hinterließ bei seinen Zeitgenossen einen überwältigenden Eindruck. Er malt meisterhaft weltliche Gemälde, die Reiterin und Porträts, wobei er helle koloristische Momente in der Komposition des Gemäldes Gräfin Yu. P. Samoilova verwendet. Seine Gemälde und Porträts bestehen aus Licht- und Schattenkontrasten. . Beeinflusst vom traditionellen akademischen Klassizismus verlieh Karl Bryullov seinen Gemälden historische Authentizität, romantischen Geist und psychologische Wahrheit. (1806-1858) Großartiger Meister historisches Genre. Etwa zwei Jahrzehnte lang arbeitete Ivanov an seinem Hauptgemälde „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“ und betonte dabei sein eigenes leidenschaftliches Verlangen stellen das Kommen Jesu Christi auf die Erde dar. Im Anfangsstadium handelt es sich um die Gemälde Apollo, Hyazinthe und Zypresse 1831-1833, die Erscheinung Christi vor Maria Magdalena nach der Auferstehung 1835. Für ihn nicht langes Leben Ivanov schuf viele Werke; für jedes Gemälde malte er viele Skizzen von Landschaften und Porträts. Ivanov ist ein Mann von außergewöhnlicher Intelligenz, der stets bestrebt ist, in seinen Werken Elemente populärer Bewegungen darzustellen. (1815-1852) Meister der satirischen Bewegung, der den Grundstein für den kritischen Realismus legte alltägliches Genre. The Fresh Cavalier 1847 und The Discriminating Bride 1847,
Renaissance (Renaissance). Italien. XV-XVI Jahrhunderte. Früher Kapitalismus. Das Land wird von reichen Bankiers regiert. Sie interessieren sich für Kunst und Wissenschaft.
Die Reichen und Mächtigen versammeln die Talentierten und Weisen um sich. Dichter, Philosophen, Künstler und Bildhauer führen täglich Gespräche mit ihren Gönnern. Irgendwann schien es, als würden die Menschen von weisen Männern regiert, wie Platon es wollte.
Wir erinnerten uns an die alten Römer und Griechen. Sie bauten auch eine Gesellschaft freier Bürger auf, in der Hauptwert- eine Person (Sklaven natürlich nicht mitgerechnet).
Renaissance kopiert nicht nur die Kunst antiker Zivilisationen. Das ist eine Mischung. Mythologie und Christentum. Realismus der Natur und Aufrichtigkeit der Bilder. Schönheit körperlich und geistig.
Es war nur ein Blitz. Die Zeit der Hochrenaissance beträgt etwa 30 Jahre! Von den 1490er Jahren bis 1527 Von Beginn der Blütezeit von Leonardos Kreativität. Vor der Plünderung Roms.
Fata Morgana ideale Welt schnell verblasst. Italien erwies sich als zu fragil. Sie wurde bald von einem anderen Diktator versklavt.
Diese 30 Jahre bestimmten jedoch die Grundzüge der europäischen Malerei für die kommenden 500 Jahre! Bis zu .
Realismus des Bildes. Anthropozentrismus (wenn der Mensch der Mittelpunkt der Welt ist). Geradlinige Perspektive. Ölfarben. Porträt. Landschaft…
Es ist unglaublich, aber in diesen 30 Jahren haben mehrere brillante Meister gleichzeitig gearbeitet. Zu anderen Zeiten werden sie alle 1000 Jahre einmal geboren.
Leonardo, Michelangelo, Raffael und Tizian sind die Titanen der Renaissance. Aber wir können nicht umhin, ihre beiden Vorgänger zu erwähnen: Giotto und Masaccio. Ohne die es keine Renaissance gäbe.
1. Giotto (1267-1337)
Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment des Gemäldes „Fünf Meister“ Florentiner Renaissance”. Anfang XVI Jahrhundert. .
XIV. Jahrhundert. Proto-Renaissance. Seine Hauptfigur ist Giotto. Dies ist ein Meister, der im Alleingang die Kunst revolutionierte. 200 Jahre vor der Hochrenaissance. Ohne ihn wäre die Ära, auf die die Menschheit so stolz ist, kaum gekommen.
Vor Giotto gab es Ikonen und Fresken. Sie wurden nach byzantinischen Kanonen geschaffen. Gesichter statt Gesichter. Flache Figuren. Nichteinhaltung der Proportionen. Anstelle einer Landschaft gibt es einen goldenen Hintergrund. Wie zum Beispiel auf diesem Symbol.
Guido da Siena. Anbetung der Heiligen Drei Könige. 1275-1280 Altenburg, Lindenau-Museum, Deutschland.
Und plötzlich tauchen Fresken von Giotto auf. Auf sie volumetrische Figuren. Personen edle Leute. Alt und Jung. Traurig. Traurig. Überrascht. Anders.
Fresken von Giotto in der Kirche Scrovegni in Padua (1302-1305). Links: Beweinung Christi. Mitte: Kuss des Judas (Fragment). Rechts: Verkündigung der Heiligen Anna (Mutter Maria), Fragment.
Giottos Hauptwerk ist der Zyklus seiner Fresken in der Scrovegni-Kapelle in Padua. Als diese Kirche für Gemeindemitglieder geöffnet wurde, strömten Scharen von Menschen hinein. So etwas hatten sie noch nie gesehen.
Schließlich hat Giotto etwas Beispielloses getan. Er übersetzte biblische Geschichten zu einem einfachen, klare Sprache. Und sie sind viel zugänglicher geworden gewöhnliche Menschen.
Giotto. Anbetung der Heiligen Drei Könige. 1303-1305 Fresko in der Scrovegni-Kapelle in Padua, Italien.
Genau das wird für viele Meister der Renaissance charakteristisch sein. Lakonische Bilder. Lebhafte Emotionen der Charaktere. Realismus.
Lesen Sie mehr über die Fresken des Meisters im Artikel.
Giotto wurde bewundert. Doch seine Innovation wurde nicht weiterentwickelt. Die Mode für den internationalen Gothic kam nach Italien.
Erst nach 100 Jahren wird ein würdiger Nachfolger für Giotto erscheinen.
2. Masaccio (1401-1428)
Masaccio. Selbstbildnis (Fragment des Freskos „Der heilige Petrus auf der Kanzel“). 1425-1427 Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.
Anfang des 15. Jahrhunderts. Die sogenannte Frührenaissance. Ein weiterer Innovator betritt die Bühne.
Masaccio war der erste Künstler, der die lineare Perspektive verwendete. Es wurde von seinem Freund, dem Architekten Brunelleschi, entworfen. Jetzt ist die dargestellte Welt der realen ähnlich geworden. Spielzeugarchitektur gehört der Vergangenheit an.
Masaccio. Der heilige Petrus heilt mit seinem Schatten. 1425-1427 Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.
Er übernahm den Realismus Giottos. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger beherrschte er die Anatomie jedoch bereits gut.
Statt klotziger Charaktere hat Giotto wunderschön gebaute Menschen. Genau wie die alten Griechen.
Masaccio. Taufe von Neophyten. 1426-1427 Brancacci-Kapelle, Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz, Italien.
Masaccio. Vertreibung aus dem Paradies. 1426-1427 Fresko in der Brancacci-Kapelle, Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.
Masaccio lebte ein kurzes Leben. Er starb, wie sein Vater, unerwartet. Mit 27 Jahren.
Er hatte jedoch viele Anhänger. Meister nachfolgender Generationen gingen in die Brancacci-Kapelle, um seine Fresken zu studieren.
So wurde Masaccios Innovation von allen großen Künstlern der Hochrenaissance aufgegriffen.
3. Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo da Vinci. Selbstporträt. 1512 Königliche Bibliothek in Turin, Italien.
Leonardo da Vinci ist einer der Titanen der Renaissance. Er hatte großen Einfluss auf die Entwicklung der Malerei.
Es war da Vinci, der den Status des Künstlers selbst erhöhte. Dank ihm sind Vertreter dieses Berufsstandes nicht mehr nur Handwerker. Dies sind Schöpfer und Aristokraten des Geistes.
Der Durchbruch gelang Leonardo vor allem in der Porträtmalerei.
Er glaubte, dass nichts vom Hauptbild ablenken sollte. Der Blick sollte nicht von einem Detail zum anderen wandern. So entstanden seine berühmten Porträts. Lakonisch. Harmonisch.
Leonardo da Vinci. Dame mit einem Hermelin. 1489-1490 Czertoryski-Museum, Krakau.
Leonardos wichtigste Innovation besteht darin, dass er einen Weg gefunden hat, Bilder ... lebendig zu machen.
Vor ihm sahen Porträtfiguren wie Schaufensterpuppen aus. Die Linien waren klar. Alle Details sind sorgfältig gezeichnet. Die gemalte Zeichnung konnte unmöglich lebendig sein.
Leonardo erfand die Sfumato-Methode. Er schattierte die Linien. Der Übergang von Licht zu Schatten wurde sehr weich gestaltet. Seine Figuren scheinen von einem kaum wahrnehmbaren Dunst bedeckt zu sein. Die Charaktere wurden lebendig.
4. Michelangelo (1475-1564)
Daniele da Volterra. Michelangelo (Fragment). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.
Michelangelo betrachtete sich als Bildhauer. Aber da war universeller Meister. Wie seine anderen Renaissance-Kollegen. Daher ist sein malerisches Erbe nicht weniger grandios.
Man erkennt ihn vor allem an seinen körperlich entwickelten Charakteren. Er porträtierte einen perfekten Mann, bei dem körperliche Schönheit auch spirituelle Schönheit bedeutet.
Deshalb sind alle seine Helden so muskulös und belastbar. Sogar Frauen und alte Leute.
Michelangelo. Fragmente des Freskos „ Jüngstes Gericht“ in der Sixtinischen Kapelle im Vatikan.
Michelangelo malte die Figur oft nackt. Und dann fügte er noch Kleidung hinzu. Damit der Körper so geformt wie möglich ist.
Decke Sixtinische Kapelle er malte alleine. Obwohl es mehrere Hundert Zahlen sind! Er erlaubte niemandem, Farbe zu reiben. Ja, er war ungesellig. Er hatte einen harten und streitsüchtigen Charakter. Vor allem aber war er unzufrieden mit... sich selbst.
Michelangelo. Fragment des Freskos „Die Erschaffung Adams“. 1511 Sixtinische Kapelle, Vatikan.
Michelangelo lebte ein langes Leben. Überlebte den Niedergang der Renaissance. Für ihn war es eine persönliche Tragödie. Seine späteren Werke sind voller Traurigkeit und Leid.
Ohnehin kreativer Weg Michelangelo ist einzigartig. Seine frühen Werke sind eine Hommage an den menschlichen Helden. Frei und mutig. In bester Tradition Antikes Griechenland. Wie ist sein Name, David?
In den letzten Lebensjahren ist es so tragische Bilder. Absichtlich grob behauener Stein. Es ist, als ob wir vor Denkmälern für die Opfer des Faschismus des 20. Jahrhunderts sähen. Schauen Sie sich seine Pietà an.
Michelangelos Skulpturen in der Akademie der Schönen Künste in Florenz. Links: David. 1504 Rechts: Palestrinas Pietà. 1555
Wie ist das möglich? Ein Künstler durchlief in einem Leben alle Phasen der Kunst von der Renaissance bis zum 20. Jahrhundert. Was zu tun zukünftige Generationen? Gehen Sie Ihren eigenen Weg. Mir ist bewusst, dass die Messlatte sehr hoch liegt.
5. Raffael (1483-1520)
6. Tizian (1488-1576).
Tizian. Selbstporträt (Fragment). 1562
Tizian war ein unübertroffener Kolorist. Er experimentierte auch viel mit Komposition. Im Allgemeinen war er ein mutiger Erneuerer.
Alle liebten ihn für sein brillantes Talent. Wird „der König der Maler und der Maler der Könige“ genannt.
Apropos Tizian: Ich möchte nach jedem Satz ein Ausrufezeichen setzen. Schließlich war er es, der der Malerei Dynamik verlieh. Pathos. Begeisterung. Grelle Farbe. Glanz der Farben.
Tizian. Himmelfahrt Mariens. 1515-1518 Kirche Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venedig.
Gegen Ende seines Lebens entwickelte er eine ungewöhnliche Schreibtechnik. Die Striche sind schnell und dick. Ich habe die Farbe entweder mit einem Pinsel oder mit den Fingern aufgetragen. Dadurch werden die Bilder noch lebendiger und atmender. Und die Handlungen sind noch dynamischer und dramatischer.
Tizian. Tarquinia und Lucretia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, England.
Erinnert Sie das an irgendetwas? Natürlich ist das Technologie. Und Technologie Künstler des XIX Jahrhunderte: Barbizonier und. Tizian durchlief wie Michelangelo in einem Leben 500 Jahre Malerei. Deshalb ist er ein Genie.
UM berühmtes Meisterwerk Lesen Sie den Master im Artikel.
Künstler der Renaissance verfügen über großes Wissen. Um ein solches Erbe zu hinterlassen, musste man viel lernen. Im Bereich Geschichte, Astrologie, Physik usw.
Deshalb regt uns jedes Bild von ihnen zum Nachdenken an. Warum wird das dargestellt? Was ist hier die verschlüsselte Nachricht?
Sie lagen fast nie falsch. Weil sie ihre zukünftige Arbeit gründlich durchdacht haben. Wir haben unser gesamtes Wissen genutzt.
Sie waren mehr als Künstler. Sie waren Philosophen. Sie erklärten uns die Welt durch Malerei.
Deshalb werden sie für uns immer von großem Interesse sein.
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Leonardo di Ser Piero da Vinci (15. April 1452 – 2. Mai 1519) war ein berühmter italienischer Maler, Architekt, Philosoph, Musiker, Schriftsteller, Entdecker, Mathematiker, Ingenieur, Anatom, Erfinder und Geologe. Bekannt für seine Gemälde, von denen die berühmtesten sind: „ das letzte Abendmahl„ und „Mona Lisa“ sowie zahlreiche Erfindungen, die ihrer Zeit weit voraus waren, aber nur auf dem Papier blieben. Darüber hinaus leistete Leonardo da Vinci wichtige Beiträge zur Entwicklung von Anatomie, Astronomie und Technik.
Raphael Santi (28. März 1483 – 6. April 1520) – großartig Italienischer Künstler und ein Architekt, der in der Renaissance arbeitete und den Zeitraum vom Ende des 15. bis zu den frühen Jahren des 16. Jahrhunderts abdeckte. Traditionell gilt Raffael neben Michelangelo und Leonardo da Vinci als einer der drei großen Meister dieser Zeit. Viele seiner Werke befinden sich im Apostolischen Palast im Vatikan, in einem Raum namens Raffaels Strophen. Hier befindet sich unter anderem sein berühmtestes Werk „Die Schule von Athen“.
Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (6. Juni 1599 – 6. August 1660) – spanischer Maler, Porträtmaler, Hofmaler von König Philipp IV. größter Vertreter goldenes Zeitalter der spanischen Malerei. Neben zahlreichen Gemälden, die historische und kulturelle Szenen aus der Vergangenheit darstellen, malte er zahlreiche Porträts der spanischen Königsfamilie sowie anderer berühmter europäischer Persönlichkeiten. Velázquez‘ berühmtestes Werk gilt als das Gemälde „Las Meninas“ (oder „Die Familie Philipps IV.“) aus dem Jahr 1656, das sich im Prado-Museum in Madrid befindet.
Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz y Picasso (25. Oktober 1881 – 8. April 1973) – weltberühmter spanischer Künstler und Bildhauer, Begründer der Bewegung in der bildenden Kunst – des Kubismus . Gilt als einer der größten Künstler, die die Entwicklung der bildenden Kunst im 20. Jahrhundert beeinflusst haben. Experten haben erkannt der beste Künstler unter denen, die in den letzten 100 Jahren gelebt haben, und auch die „teuersten“ der Welt. Im Laufe seines Lebens schuf Picasso etwa 20.000 Werke (nach anderen Quellen 80.000).
Vincent Willem van Gogh (30. März 1853 – 29. Juli 1890) war ein berühmter niederländischer Künstler, der erst nach seinem Tod Berühmtheit erlangte. Nach Ansicht vieler Experten ist Van Gogh einer der größten Künstler in der Geschichte der europäischen Kunst und einer der prominentesten Vertreter des Postimpressionismus. Autor von mehr als 2.100 Kunstwerken, darunter 870 Gemälde, 1.000 Zeichnungen und 133 Skizzen. Seine zahlreichen Selbstporträts, Landschaften und Porträts gehören zu den bekanntesten und teuersten Kunstwerken der Welt. Das berühmteste Werk von Vincent Van Gogh gilt vielleicht als Gemäldeserie mit dem Titel „Sonnenblumen“.
Michelangelo Buonarroti (6. März 1475 – 18. Februar 1564) – weltberühmter italienischer Bildhauer, Künstler, Architekt, Dichter und Denker, der insgesamt einen unauslöschlichen Eindruck hinterlassen hat Weltkultur. Das berühmteste Werk des Künstlers sind vielleicht die Fresken an der Decke der Sixtinischen Kapelle. Zu seinen bekanntesten Skulpturen zählen „Pieta“ („Beweinung Christi“) und „David“. Zu den architektonischen Werken gehört die Gestaltung der Kuppel des Petersdoms. Interessant ist, dass Michelangelo der erste Vertreter der westeuropäischen Kunst wurde, dessen Biografie zu seinen Lebzeiten verfasst wurde.
An vierter Stelle im Ranking der berühmtesten Künstler der Welt steht Masaccio (21. Dezember 1401-1428), ein großer italienischer Künstler, der großen Einfluss auf andere Meister hatte. Masaccio lebte ein sehr kurzes Leben, daher gibt es kaum biografische Beweise über ihn. Nur vier seiner Fresken sind erhalten geblieben, die zweifellos das Werk von Masaccio sind. Andere gelten vermutlich als zerstört. Masaccios berühmtestes Werk gilt als das Fresko der Dreifaltigkeit in der Kirche Santa Maria Novella in Florenz, Italien.
Peter Paul Rubens (28. Juni 1577 – 30. Mai 1640) war ein flämischer (südniederländischer) Maler, einer der größten Künstler des Barock, der für seinen extravaganten Stil bekannt war. Er galt als der vielseitigste Künstler seiner Zeit. Rubens betonte und verkörperte in seinen Werken die Lebendigkeit und Sinnlichkeit der Farbe. Er malte zahlreiche Porträts, Landschaften und historische Gemälde mit mythologischen, religiösen und allegorischen Themen. Rubens‘ berühmtestes Werk ist das zwischen 1610 und 1614 entstandene Triptychon „Die Kreuzabnahme“, das dem Künstler Weltruhm einbrachte.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (29. September 1571 – 18. Juli 1610) war ein großer italienischer Künstler des Frühbarocks und Begründer der europäischen realistischen Malerei des 17. Jahrhunderts. In seinen Werken setzte Caravaggio gekonnt Licht- und Schattenkontraste ein und konzentrierte sich dabei auf Details. Er stellte oft einfache Römer, Straßen- und Marktmenschen in Heiligen- und Madonnenbildern dar. Beispiele hierfür sind „Matthäus der Evangelist“, „Bacchus“, „Bekehrung Sauls“ usw. Eines der häufigsten Berühmte Gemälde Der Künstler gilt als „Der Lautenspieler“ (1595), den Caravaggio als sein erfolgreichstes Gemäldefragment bezeichnete.
Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) ist ein berühmter niederländischer Maler und Kupferstecher, der als der größte und berühmteste Künstler der Welt gilt. Autor von etwa 600 Gemälden, 300 Radierungen und 2.000 Zeichnungen. Sein charakteristisches Merkmal ist das meisterhafte Spiel mit Lichteffekten und tiefen Schatten. Als berühmtestes Werk Rembrandts gilt das vier Meter große Gemälde „Die Nachtwache“, das 1642 entstand und heute im Rijksmuseum in Amsterdam aufbewahrt wird.
