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Nr. 20. 75.100.000 $. „Royal Red and Blue“, Mark Rothko, verkauft im Jahr 2012.

Die majestätische Leinwand war eines von acht Werken, die der Künstler für seine bahnbrechende Einzelausstellung im Art Institute of Chicago handverlesen hat.

Nr. 19. 76.700.000 $. „Massaker der Unschuldigen“, Peter Paul Rubens, geschaffen 1610.

Das Gemälde wurde im Juli 2002 von Kenneth Thompson bei Sotheby's in London gekauft. Hell und dramatisches Werk Rubens könnte um den Titel des „unerwartetsten Erfolgs“ konkurrieren. Christie's schätzte dieses Gemälde auf nur 5 Millionen Euro.

Nr. 18. 78.100.000 $. „Bal in der Moulin de la Galette“, Pierre-Auguste Renoir, gemalt 1876.

Das Werk wurde 1990 verkauft und galt damals als das zweitteuerste jemals verkaufte Gemälde der Welt. Der Besitzer des Meisterwerks war Ryoei Saito, Vorsitzender der Daishowa Paper Manufacturing Co. Er wollte, dass die Leinwand nach seinem Tod bei ihm eingeäschert wird, doch das Unternehmen geriet mit seinen Kreditverpflichtungen in finanzielle Schwierigkeiten, so dass das Gemälde als Sicherheit dienen musste.

Nr. 17. 80 Millionen Dollar. „Turquoise Marilyn“, Andy Warhol, gemalt 1964, verkauft 2007.

Gekauft von Herrn Steve Cohen. Der Preis wurde nicht bestätigt, diese Zahl wird jedoch allgemein als wahr angesehen.

Nr. 16. 80 Millionen Dollar. „False Start“ von Jasper Johns, geschrieben 1959

Das Gemälde gehörte David Geffen, der es an den CEO der Citadel-Investmentgruppe, Kenneth S. Griffin, verkaufte. Es gilt als das teuerste Gemälde, das zu Lebzeiten des Künstlers, Kultmeisters Jasper Johns, verkauft wurde.

Nr. 15. 82.500.000 $. „Porträt von Doktor Gachet“, Vincent Van Gogh, 1890.

Der japanische Geschäftsmann Ryoei Saito erwarb das Gemälde 1990 auf einer Auktion. Damals war es das teuerste Gemälde der Welt. Als Reaktion auf den Aufschrei in der Gesellschaft über Saitos Wunsch, das Kunstwerk nach seinem Tod mit einzuäschern, erklärte der Geschäftsmann, dass er damit seine selbstlose Zuneigung zu dem Gemälde zum Ausdruck bringe.

Nr. 14. 86.300.000 $. „Triptychon“, Francis Bacon, 1976.

Dieses dreiteilige Meisterwerk von Bacon brach den bisherigen Rekord für seine verkauften Werke (52,68 Millionen US-Dollar). Das Gemälde wurde vom russischen Milliardär Roman Abramovich gekauft.

Nr. 13. 87.900.000 $. „Bildnis Adele Bloch-Bauer II“, Gustav Klimt, 1912.

Das einzige von Klimt zweimal abgebildete Modell, das wenige Monate nach der ersten Version verkauft wurde. Dies ist ein Porträt von Bloch-Bauer, eines von vier Gemälden, die 2006 einen Gesamtpreis von 192 Millionen US-Dollar erzielten. Der Käufer ist unbekannt.

Nr. 12. 95.200.000 $. „Dora Maar mit Katze“, Pablo Picasso, 1941.

Ein weiteres Picasso-Gemälde, das zu einem sagenhaften Preis unter den Hammer kam. Im Jahr 2006 wurde es von einer mysteriösen anonymen russischen Person erworben, die gleichzeitig Werke von Monet und Chagall im Wert von insgesamt 100 Millionen Dollar kaufte.

Nr. 11. 104.200.000 $. „Junge mit Pfeife“, Pablo Picasso, 1905.

Dies ist das erste Gemälde, das 2004 die 100-Millionen-Dollar-Grenze durchbrach. Seltsamerweise wurde der Name der Person, die ein so großes Interesse an Picassos Porträt zeigte, nie veröffentlicht.

Nr. 10. 105.400.000 $. „Silver Car Crash (Double Disaster)“, Andy Warhol, 1932.

Dies ist das teuerste Werk der berühmten Pop-Art-Legende Andy Warhol. Das Gemälde wurde zum Star der modernen Kunst und kam bei Sotheby's unter den Hammer.

Nr. 9. 106.500.000 $. „Akt, grüne Blätter und Büste“, Pablo Picasso, 1932.

Dieses sinnliche und farbenfrohe Meisterwerk wurde zum teuersten Werk Picassos, das jemals auf einer Auktion verkauft wurde. Das Gemälde befand sich in der Sammlung von Frau Sidney F. Brody und wurde seit 1961 nicht mehr öffentlich ausgestellt.

Nr. 8. 110 Millionen Dollar „Flag“, Jasper Johns, 1958.

„Flagge“ ist am meisten berühmtes Werk Jasper Johns. Der Künstler malte 1954–55 seine erste amerikanische Flagge.

Nr. 7. 119.900.000 $. „Der Schrei“, Edvard Munch, 1895.

Dies ist ein einzigartiges und farbenfrohstes Werk der vier Versionen von Edvard Munchs Meisterwerk „Der Schrei“. Nur einer davon bleibt in Privatbesitz.

Nr. 6. 135.000.000 $. „Bildnis Adele Bloch-Bauer I“, Gustav Klimt.

Maria Altmann beantragte vor Gericht das Eigentumsrecht an dem Gemälde, da Adele Bloch-Bauer es der Österreichischen Staatsgalerie vermachte und ihr Mann die Schenkung später inmitten der Ereignisse des Zweiten Weltkriegs widerrief. Nachdem Maria Altman die Rechte übernommen hatte, verkaufte sie das Porträt an Ronald Lauder, der es in seiner Galerie in New York ausstellte.

Nr. 5. 137.500.000 $. „Frau III“, Willem de Kooning.

Ein weiteres Gemälde wurde 2006 von Geffen verkauft, doch diesmal war der Käufer der Milliardär Stephen A. Cohen. Diese seltsame Abstraktion war Teil einer Serie von sechs Meisterwerken von Kooning, die zwischen 1951 und 1953 entstanden.

Nr. 4. 140.000.000 $. „Nr. 5, 1948“, Jackson Pollock.

Wie die New York Times berichtete, verkaufte der Filmproduzent und Sammler David Geffen das Gemälde jedoch an David Martinez, geschäftsführender Gesellschafter von FinTech Advisory neueste Informationen nicht bestätigt. Die Wahrheit ist in Geheimnisse gehüllt.

UNGLAUBLICHE FAKTEN.

Keiner von uns wird in der Lage sein, diese Art von Malerei in ihrem wahren Wert zu würdigen und zwischen den Zeilen die vom Autor beabsichtigte Bedeutung zu lesen. Aber trotzdem die Kosten für Gemälde zeitgenössische Künstler manchmal ist es einfach außerhalb des Maßstabs, Und Sammler und Kunstkenner aus aller Welt kommen zur Auktion, um ihr Lieblingswerk zu ersteigern.

Manchmal zahlen sie für ein Bild, das ihnen gefällt, so viel Geld, dass sie es sogar tun Die Autoren der Bilder selbst bleiben äußerst überrascht.

Nachfolgend finden Sie eine Liste der seltsamsten modernen Gemälde, die für Millionen von Dollar verkauft wurden.

1. „Raumkonzept“ – Lucio Fontana

Für 1.500.000 US-Dollar verkauft.

Dieses Gemälde wurde für unglaubliches Geld bei einer Auktion in London verkauft. Es scheint, als ob der Autor die Leinwand einfach mit Farbe übermalt hätte „zerrissen“ das Bild mit schrägen Linien. Es stellt sich natürlich die Millionen-Dollar-Frage: Wenn ein Künstler noch mehr Geld für ein Gemälde wie dieses bekommen möchte, sollte er dann einfach einen weiteren Schnitt machen?

Oder vielleicht ist die Qualität des Bildes umso höher, je stärker die Schnittlinien schielen?

2. „Blutroter Spiegel“ – Gerhard Richter

Für 1.100.000 US-Dollar verkauft.

„Das Gemälde ist ein Spiegel“ kam für 1,1 Millionen unter den Hammer. Natürlich ist dieser Künstler der Autor vieler schöner Werke, aber um dieses zu verstehen, muss man offenbar nur als Künstler geboren sein.

Es ist schwierig, wenn nicht unmöglich, das in diesem Meisterwerk zu erkennen so etwas wie ein Spiegel. Vielleicht wollte der Sammler, der es gekauft hat, sich beim Blick in den Spiegel einfach in mehr Licht sehen.

Die teuersten Gemälde

3. „Grün und Weiß“ – Ellsworth Kelly

Für 1.600.000 US-Dollar verkauft.

Die Werke dieses Künstlers sind sehr umstritten, Kritiker sind unterschiedlicher Meinung über ihren Wert, aber dieses Gemälde ist natürlich das größte ein echtes Juwel.

Dies ist eine ganz gewöhnliche Leinwand mit einem deformierten Kreis in der Mitte, und es gibt Leute, die bereit sind, für das Recht, diese Kreation in ihre Sammlung aufzunehmen, genauso viel zu bezahlen wie die Kosten einer kleinen thailändischen Insel.

4. „Ohne Titel“ – Mark Rothko

Für 28.000.000 US-Dollar verkauft.

Viele Leute äußerten sich unfreundlich über dieses Bild, aber es ist eher langweilig. Wenn Ihr Kind Ihnen nach dem Abschluss der Kunstschule eine solche Zeichnung mitbringen würde, dann gäbe es zwei mögliche Szenarien für den Ablauf der Ereignisse:

a) Du würdest furchtbar stolz werden und statt eines Fernsehers ein Bild aufhängen

b) Sie würden ihm sagen: „Gut gemacht, Junge, lass uns das nächste Mal einfach etwas anderes zeichnen!“

5. „Ohne Titel“ – Blinky Palermo

Verkauft für 1.700.000 $.

Dieses Gemälde ist, wie viele andere Kreationen dieses Künstlers, eine Überlagerung farbiger Leinwände. Einer der Kritiker bemerkte, dass er dieses Bild eine Stunde lang betrachtete, aber nichts darin finden konnte.

Ein anderer Kritiker brachte es auf den Punkt: „Palermos Gemälde laden den Betrachter dazu ein, vielfältige Farbveränderungen zu sehen, während auf der Oberfläche der Leinwände keinerlei Spuren malerischer Nuancen und Exzesse zu sehen sind, sondern man schöne, unverdünnte Farben betrachten kann.“

Um den Mangel an Farblösungen auf diese Weise zu kaschieren, muss man ein echter Profi sein!

Seltsame Bilder

6. „Hund“ – Joan Mira

Für 2.200.000 US-Dollar verkauft.

Tatsächlich hat Mir viele gute Werke, aber dieser sticht wirklich heraus und nicht von der positivsten Seite.

Oder wollte der Sammler, der es gekauft hat, einfach nur einen Teil des Erbes eines talentierten Künstlers besitzen?

7. „White Fire I“ – Barnett Newman

Für 3.800.000 US-Dollar verkauft.

Offensichtlich sind die Leute, die solche Gemälde kaufen, außerordentlich reich. Aber Reiche Menschen werden aufgrund ihrer Intelligenz reich.

Wenn dem so ist, warum kaufte dann ein intelligenter Sammler ein solches Werk bei einer Online-Auktion, nur aufgrund der dürftigen Beschreibung, die auf der Website angezeigt wurde?

Der Titel des Gemäldes ist ein mystischer Begriff, der direkt damit zusammenhängt Tore. Die Tora selbst zielt auf eine tiefe spirituelle Einheit ab, die Newman seiner Meinung nach durch seine Werke dem Betrachter zu vermitteln versucht.

Aber ist das wirklich so? Oder ist es für einen unerfahrenen Menschen einfach schwierig, die Beziehung zwischen zwei Zeilen auf einer leeren Leinwand und der Thora nachzuvollziehen?

8. „Ohne Titel“ – Cy Twombly

Für 23.000.000 US-Dollar verkauft.

Diese Arbeit wurde in aller Eile zu Hause auf Normalpapier mit einem gewöhnlichen Wachsstift, also dem gleichen Material, ausgeführt ein Kind verwendet, wenn es schreiben lernt Kindergarten.

Wenn Sie ein wenig nach unten schauen und das Bild betrachten, kommt es Ihnen dann nicht so vor, als sei dieses Meisterwerk dem Versuch eines Kindes, das Schreiben des Buchstabens „e“ zu lernen, sehr ähnlich?

9. „Cowboy“ – Ellsworth Kelly

Für 1.700.000 US-Dollar verkauft.

Kelly studierte über vier Jahre lang Kunst an Kulturinstitutionen in Boston und Paris, bevor er sich für die Richtung des Stils seiner Arbeit entschied. Nach seiner Recherche kam er zu dem Schluss seine Arbeit wird „Block“ sein.

Für das ungeübte Auge mag die Wahl falsch erscheinen, denn welchen Wert haben diese Blöcke auf dem Papier? Es lohnt sich jedoch, den Fehler zuzugeben, denn aus wirtschaftlicher Sicht ist die Wahl sehr richtig, aus ästhetischer Sicht ist es jedoch unwahrscheinlich, dass der Autor die richtige Entscheidung getroffen hat.

10. „Der blaue Narr“ – Christopher Wool

Für 5.000.000 US-Dollar verkauft.

Man kann sich vorstellen, wie glücklich Christopher, der sich auf das Malen von Wörtern spezialisiert hat, war, als dieses besondere Werk für so viel Geld verkauft wurde. Ich frage mich, ob er, als er sein Bild malte, gedacht haben konnte, dass er jemanden zum Kauf überreden könnte?

Bravo, Christopher!

Die teuersten Gemälde von Künstlern

Das Ranking der teuersten Werke lebender Künstler ist eine Konstruktion, die viel weniger über die Rolle und den Platz des Künstlers in der Kunstgeschichte als vielmehr über Alter und Gesundheit aussagt

Die Regeln für die Erstellung unserer Bewertung sind einfach: Erstens werden nur Transaktionen mit Werken lebender Autoren berücksichtigt; zweitens werden nur öffentliche Auktionen berücksichtigt; und drittens wird die Regel „ein Künstler – ein Werk“ beachtet (wenn in der Rangliste der Werke zwei Datensätze zu Jones gehören, bleibt nur der teuerste übrig, der Rest wird nicht berücksichtigt). Die Rangfolge erfolgt in Dollar (zum Wechselkurs am Verkaufsdatum).

1. JEFF KOONS Kaninchen. 1986. 91,075 Millionen US-Dollar

Je länger Sie die Auktionskarriere von Jeff Koons (1955) verfolgen, desto mehr werden Sie davon überzeugt, dass für Pop-Art nichts unmöglich ist. Sie können die Skulpturen von Koons in Form von Spielzeugen bewundern Luftballons, aber Sie können sie als kitschig und geschmacklos betrachten – Ihr Recht. Eines lässt sich nicht leugnen: Die Installationen von Jeff Koons kosten wahnsinnig viel Geld.

Jeff Koons begann seinen Weg zum weltweit erfolgreichsten lebenden Künstler im Jahr 2007, als seine riesige Metallinstallation „Hanging Heart“ für 23,6 Millionen US-Dollar bei Sotheby's gekauft wurde. Das Werk wurde von Larry Gagosians Galerie gekauft, die Koons die Presse vertritt schrieb, dass die Galerie im Interesse des ukrainischen Milliardärs Victor Pinchuk nicht nur eine Installation, sondern tatsächlich ein Schmuckkunstwerk erworben habe, obwohl das Werk nicht aus Gold bestand (das Material war Edelstahl) und dies der Fall war deutlich größer als ein gewöhnlicher Anhänger (die Skulptur war 2,7 m hoch und wiegt 1.600 kg), hat aber einen ähnlichen Zweck. Mehr als sechseinhalbtausend Stunden wurden für die Herstellung der Komposition mit einem mit Zehn bedeckten Herzen aufgewendet Infolgedessen wurde viel Geld für die spektakuläre „Dekoration“ ausgegeben.

Als nächstes folgte am 30. Juni 2008 der Verkauf von „Balloon Flower“ in Lila für 12,92 Millionen Pfund (25,8 Millionen US-Dollar) bei der Londoner Auktion von Christie’s. Interessanterweise kauften die Vorbesitzer von „Flower“ das Werk sieben Jahre zuvor für 1,1 Millionen US-Dollar. Das lässt sich in dieser Zeit leicht berechnen Marktpreis fast 25-fach erhöht.

Der Rückgang des Kunstmarkts von 2008 bis 2009 gab Skeptikern Anlass zu der Klage, dass die Modeerscheinung von Koons vorbei sei. Doch sie lagen falsch: Mit dem Kunstmarkt erwachte auch das Interesse an Koons‘ Werken wieder. Andy Warhols Nachfolger als König der Pop-Art aktualisierte seinen persönlichen Rekord im November 2012 mit dem Verkauf einer mehrfarbigen Skulptur „Tulips“ aus der „Celebration“-Serie bei Christie's für 33,7 Millionen US-Dollar, einschließlich Provision.

Aber „Tulpen“ waren im wahrsten Sinne des Wortes „Blumen“. im übertragenen Sinne. Nur ein Jahr später, im November 2013, folgte der Verkauf der Edelstahlskulptur „Balloon Dog (Orange)“: Der Zuschlagspreis betrug ganze 58,4 Millionen US-Dollar! Eine sagenhafte Summe für einen lebenden Künstler. Ein Werk eines zeitgenössischen Autors wurde zum Preis eines Gemäldes von Van Gogh oder Picasso verkauft. Das waren schon Beeren...

Mit diesem Ergebnis stand Koons mehrere Jahre lang an der Spitze der Rangliste der lebenden Künstler. Im November 2018 wurde er kurzzeitig von David Hockney überholt (siehe Platz zwei in unserem Ranking). Doch nur ein halbes Jahr später normalisierte sich alles wieder: Am 15. Mai 2019 wurde in New York bei der Auktion für Nachkriegs- und zeitgenössische Kunst bei Christie's eine Lehrbuchskulptur für Koons aus dem Jahr 1986 zum Verkauf angeboten – eine silberne „ „Kaninchen“ aus Edelstahl, das einen Ballon ähnlicher Form imitiert.

Insgesamt hat Koons drei solcher Witze plus eine Originalkopie erstellt. Die Auktion umfasste ein Exemplar von „Rabbit“ Nummer 2 – aus der Sammlung des Kultverlegers Cy Newhouse, Mitinhaber des Conde Nast-Verlags (Magazine Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ usw.). Das silberne „Rabbit“ wurde 1992 vom „Vater des Glamours“ Cy Newhouse für einen für damalige Verhältnisse beeindruckenden Betrag gekauft – 1 Million US-Dollar. Nach 27 Jahren im Kampf von 10 Bietern betrug der Zuschlagspreis der Skulptur das 80-fache des vorherigen Verkaufspreises. Unter Berücksichtigung der Käuferprämie betrug das Endergebnis 91,075 Millionen US-Dollar, ein Rekord für alle lebenden Künstler.

2. DAVID HOCKNEY Porträt des Künstlers. Pool mit zwei Figuren. 1972. 90.312.500 $

David Hockney (1937) ist einer der bedeutendsten britischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Im Jahr 2011 wurde David Hockney laut einer Umfrage unter Tausenden professionellen britischen Künstlern und Bildhauern zum einflussreichsten britischen Künstler aller Zeiten gewählt. Gleichzeitig schlug Hockney Meister wie William Turner und Francis Bacon. Sein Werk wird üblicherweise der Pop-Art zugeordnet, obwohl er sich in seinen frühen Werken eher dem Expressionismus im Sinne von Francis Bacon zuwandte.

David Hockney ist in England, in der Grafschaft Yorkshire, geboren und aufgewachsen. Die Mutter des zukünftigen Künstlers hielt die Familie in puritanischer Strenge, und sein Vater, ein einfacher Buchhalter, der ein wenig Amateur zeichnete, ermutigte seinen Sohn, sich mit der Malerei zu beschäftigen. In seinen Zwanzigern zog David nach Kalifornien, wo er insgesamt etwa drei Jahrzehnte lebte. Er hat dort noch zwei Werkstätten. Hockney machte die Helden seiner Werke zu reichen Einheimischen, ihren Villen, Schwimmbädern und Rasenflächen, die von der kalifornischen Sonne durchtränkt waren. Eines seiner berühmtesten Werke aus der amerikanischen Zeit – das Gemälde „Splash“ – zeigt ein Bündel Spritzer, die aus einem Pool aufsteigen, nachdem ein Mann ins Wasser gesprungen ist. Um diese Garbe darzustellen, die nicht länger als zwei Sekunden „lebt“, hat Hockney zwei Wochen lang gearbeitet. Dieses Gemälde wurde übrigens 2006 bei Sotheby’s für 5,4 Millionen Dollar verkauft und galt einige Zeit als sein teuerstes Werk.

Hockney (1937) ist bereits über achtzig, aber er arbeitet immer noch und erfindet mithilfe technischer Innovationen sogar neue künstlerische Techniken. Einst kam er auf die Idee, riesige Collagen aus Polaroids anzufertigen, druckte seine Werke auf Faxgeräten aus und heute meistert der Künstler mit Begeisterung das Zeichnen auf dem iPad. Auf einem Tablet gezeichnete Gemälde nehmen in seinen Ausstellungen einen würdigen Platz ein.

Im Jahr 2005 kehrte Hockney schließlich aus den USA nach England zurück. Jetzt malt er im Freien und im Atelier riesige (oft aus mehreren Teilen bestehende) Landschaften aus heimischen Wäldern und Ödland. Laut Hockney war er während der 30 Jahre, die er in Kalifornien verbrachte, so ungewohnt an den einfachen Wechsel der Jahreszeiten, dass er ihn wirklich faszinierte und faszinierte. Ganze Zyklen seiner jüngsten Werke widmen sich beispielsweise derselben Landschaft in verschiedene Zeiten Jahr.

Im Jahr 2018 überstiegen die Preise für Hockneys Gemälde mehrfach die 10-Millionen-Dollar-Marke. Und am 15. November 2018 verzeichnete Christie’s einen neuen absoluten Rekord für das Werk eines lebenden Künstlers – 90.312.500 US-Dollar für das Gemälde „Porträt eines Künstlers (Pool mit zwei Figuren)“.

3. GERHARD RICHTER Abstrakte Malerei. 1986. 46,3 Millionen US-Dollar

Wohnklassiker Gerhard Richter (1932) belegt in unserem Ranking den zweiten Platz. Der deutsche Künstler war der Spitzenreiter unter seinen lebenden Kollegen, bis Jeff Koons den 58-Millionen-Rekord brach. Doch dieser Umstand dürfte Richters ohnehin eiserne Autorität auf dem Kunstmarkt kaum erschüttern. Ende 2012 übertraf der jährliche Auktionsumsatz des deutschen Künstlers nur Andy Warhol und Pablo Picasso.

Viele Jahre lang ließ nichts den Erfolg erahnen, der Richter nun zuteil wurde. Der Künstler nahm jahrzehntelang einen bescheidenen Platz auf dem Markt der zeitgenössischen Kunst ein und strebte keineswegs nach Ruhm. Wir können sagen, dass ihn der Ruhm von selbst überholt hat. Als Ausgangspunkt sehen viele den Ankauf von Richters Werkserie „18. Oktober 1977“ durch das New Yorker MoMA im Jahr 1995. Das amerikanische Museum zahlte 3 Millionen Dollar für 15 Gemälde in Grautönen und begann bald darüber nachzudenken, eine umfassende Retrospektive des deutschen Künstlers zu veranstalten. Die grandiose Ausstellung wurde sechs Jahre später, im Jahr 2001, eröffnet und seitdem ist das Interesse an Richters Werk sprunghaft gewachsen. Von 2004 bis 2008 verdreifachten sich die Preise für seine Gemälde. Im Jahr 2010 brachten Richters Werke laut der Artnet-Website bereits 76,9 Millionen US-Dollar ein; im Jahr 2011 erzielten Richters Werke auf Auktionen insgesamt 200 Millionen US-Dollar und im Jahr 2012 (laut Artprice) 262,7 Millionen US-Dollar – mehr als jedes andere Werk lebender Künstler.

Während zum Beispiel Jasper Johns umwerfender Erfolg Bei der Auktion wird hauptsächlich nur begleitet frühe Werke Eine solche scharfe Trennung ist für Richters Werke nicht typisch: Die Nachfrage nach Dingen des Anderen ist ebenso stabil Schaffensperioden, von denen es in Richters Karriere sehr viele gab. In den letzten sechzig Jahren hat sich dieser Künstler in fast allen traditionellen Genres der Malerei versucht – Porträt, Landschaft, Marine, Akt, Stillleben und natürlich Abstraktion.

Die Geschichte von Richters Auktionsaufzeichnungen begann mit einer Reihe von Stillleben „Kerzen“. 27 fotorealistische Bilder von Kerzen aus den frühen 1980er-Jahren, während ihrer Entstehungszeit, kosteten pro Werk nur 15.000 Deutsche Mark (5.800 US-Dollar). Doch noch immer kaufte niemand „Kerzen“ bei ihrer ersten Ausstellung in der Galerie Max Hetzler in Stuttgart. Damals hieß das Thema der Gemälde altmodisch; „Kerzen“ gilt heute als ein Werk für alle Zeiten. Und sie kosten Millionen von Dollar.

Im Februar 2008 erschien „Candle“, geschrieben im Jahr 1983, wurde unerwartet für £ gekauft 7,97 Millionen (16 Millionen US-Dollar). Dieser persönliche Rekord hielt dreieinhalb Jahre an. Dann im Oktober 2011 noch einer „Kerze“ (1982) kam bei Christie's für £ unter den Hammer 10,46 Millionen (16,48 Millionen US-Dollar). Mit dieser Platte gelangte Gerhard Richter erstmals in die Top 3 der erfolgreichsten lebenden Künstler und platzierte sich damit hinter Jasper Johns und Jeff Koons.

Dann begann der Siegeszug von Richters „Abstrakten Gemälden“. Der Künstler malt solche Werke mit seiner einzigartigen Technik: Er trägt eine Mischung einfacher Farben auf einen hellen Hintergrund auf und verschmiert sie dann mit einem langen Schaber von der Größe einer Autostoßstange über die Leinwand. Dadurch entstehen komplizierte Farbübergänge, Flecken und Streifen. Die Untersuchung der Oberfläche seiner „Abstract Paintings“ gleicht einer Ausgrabung: Auf ihnen sind durch die Lücken zahlreicher Farbschichten Spuren verschiedener „Figuren“ sichtbar.

9. November 2011 bei Sotheby’s eine groß angelegte Auktion zeitgenössischer Kunst und Nachkriegskunst „Abstrakte Malerei (849-3)“ 1997 kam unter den Hammer 20,8 Millionen US-Dollar (13,2 Millionen Pfund). Und sechs Monate später, 8. Mai 2012 bei der Auktion von Nachkriegs- und zeitgenössischer Kunst bei Christie's in New York „Abstrakte Malerei (798-3)“ 1993 wurde rekordverdächtig 21,8 Millionen US-Dollar(einschließlich Provision). Fünf Monate später - ein weiterer Rekord: „Abstrakte Malerei (809-4)“ aus der Sammlung des Rockmusikers Eric Clapton kam am 12. Oktober 2012 bei Sotheby’s in London für £ unter den Hammer 21,3 Millionen (34,2 Millionen US-Dollar). Die 30-Millionen-Grenze wurde von Richter mit einer solchen Leichtigkeit überwunden, als ob wir reden darüber nicht etwa moderne Malerei, sondern um Meisterwerke, die bereits hundert Jahre alt sind – nicht weniger. Allerdings scheint es im Fall von Richter so zu sein, dass die Aufnahme in das Pantheon der „Großen“ bereits zu Lebzeiten des Künstlers erfolgte. Die Preise für die Arbeit des Deutschen steigen weiter.

Richters nächste Aufnahme gehörte zu einem fotorealistischen Werk – Landschaft „Domplatz, Mailand (Domplatz, Mailand)“ 1968. Das Werk wurde verkauft 37,1 Millionen bei Sotheby's Auktion 14. Mai 2013. Die Ansicht des schönsten Platzes wurde 1968 von einem deutschen Künstler im Auftrag von Siemens Electro speziell für das Mailänder Büro des Unternehmens gemalt. Zum Zeitpunkt seiner Niederschrift war es Richters größtes figuratives Werk (mit einer Größe von fast drei mal drei Metern).

Der Rekord am Cathedral Square hielt fast zwei Jahre, bis 10. Februar 2015 unterbrach ihn nicht „Abstrakte Malerei“ ( 1986): Zuschlagspreis erreicht £ 30,389 Millionen (46,3 Millionen US-Dollar). Das bei Sotheby’s zur Auktion gestellte „Abstrakte Gemälde“ im Format 300,5 × 250,5 cm ist eines von Richters ersten großformatigen Werken in der für ihn besonderen Autorentechnik des Abkratzens von Farbschichten. Das letzte Mal im Jahr 1999 wurde dieses „Abstrakte Gemälde“ für 607.000 US-Dollar versteigert (von diesem Jahr bis zur aktuellen Auktion war das Werk im Ludwig-Museum in Köln ausgestellt). Bei der Auktion am 10. Februar 2015 erzielte ein amerikanischer Kunde in Auktionsschritten von 2 Millionen Pfund einen Zuschlagspreis von 46,3 Millionen Dollar. Das heißt, seit 1999 hat sich der Preis des Werkes um mehr als das 76-fache erhöht!

4. CUI ZHUZHO „Große schneebedeckte Berge“. 2013. 39,577 Millionen US-Dollar.

Wir haben die Entwicklungen auf dem chinesischen Kunstmarkt lange Zeit nicht genau verfolgt, um unsere Leser nicht mit zu vielen Informationen über „nicht unsere“ Kunst zu überfordern. Mit Ausnahme des Dissidenten Ai Weiwei, der nicht einmal so teuer war, wie er ein resonanter Künstler war, schienen chinesische Autoren zu zahlreich und zu weit von uns entfernt zu sein, um sich mit dem Geschehen auf ihrem Markt zu befassen. Aber Statistiken sind, wie man so schön sagt, seriös, und wenn wir über die erfolgreichsten lebenden Autoren der Welt sprechen, dann können wir immer noch nicht auf eine Geschichte über die herausragenden Vertreter der zeitgenössischen Kunst im Himmlischen Reich verzichten.

Beginnen wir mit dem chinesischen Künstler Cui Ruzhuo. Der Künstler wurde 1944 in Peking geboren und lebte von 1981 bis 1996 in den USA. Nach seiner Rückkehr nach China begann er an der National Academy of Arts zu unterrichten. Cui Ruzhuo interpretiert den traditionellen chinesischen Stil der Tuschemalerei neu und schafft riesige Rollbilder, die chinesische Geschäftsleute und Beamte einander gerne schenken. Im Westen ist sehr wenig über ihn bekannt, obwohl sich viele an die Geschichte der 3,7-Millionen-Dollar-Schriftrolle erinnern, die versehentlich von Reinigungskräften in einem Hotel in Hongkong weggeworfen wurde, weil sie sie für Müll hielten. Es handelte sich also genau um die Schriftrolle von Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo ist bereits über 70 und der Markt für seine Arbeiten floriert. Mehr als 60 Werke dieses Künstlers haben die 1-Millionen-Dollar-Marke überschritten. Allerdings waren seine Werke bisher nur auf chinesischen Auktionen erfolgreich. Cui Ruzhuos Rekorde sind wirklich beeindruckend. Zuerst er „Landschaft im Schnee“ bei Poly Auction in Hongkong 7. April 2014 erzielte einen Zuschlagspreis von 184 Millionen HK$ ( 23,7 Millionen US-Dollar).

Genau ein Jahr später 6. April 2015, bei einer speziellen Poly-Auktion in Hongkong, die ausschließlich den Werken von Cui Ruzhuo gewidmet ist, Serie „Die große Schneelandschaft des Jiangnan-Berges“(Jiangnan ist eine historische Region in China und liegt am rechten Ufer des Unterlaufs des Jangtsekiang) von acht Landschaften mit Tinte auf Papier erreichte einen Zuschlagspreis von 236 Millionen HK$ ( 30,444 Millionen US-Dollar).

Ein Jahr später wiederholte sich die Geschichte erneut bei Cui Ruzhuos Einzelauktion bei Poly Auctions in Hongkong. 4. April 2016 sechsteiliges Polyptychon „Große schneebedeckte Berge“ 2013 wurde ein Zuschlagspreis (einschließlich Auktionshausprovision) von 306 Mio. HKD erzielt (39,577 Millionen US-Dollar)). Bisher ist dies ein absoluter Rekord unter asiatischen lebenden Künstlern.

Laut dem Kunsthändler Johnson Chan, der seit 30 Jahren mit chinesischer zeitgenössischer Kunst arbeitet, besteht ein unbedingter Wunsch, die Preise für die Arbeit dieses Autors zu erhöhen, aber das alles geschieht auf einem Preisniveau, das erfahrene Sammler wahrscheinlich nicht wollen irgendetwas kaufen. „Die Chinesen wollen die Bewertungen ihrer Künstler erhöhen, indem sie die Preise ihrer Werke auf großen internationalen Auktionen wie der von Poly in Hongkong in die Höhe treiben, aber es besteht kein Zweifel, dass diese Bewertungen völlig erfunden sind“, kommentiert Johnson Chan Cui Ruzhuos neueste Platte.

Dies ist natürlich nur die Meinung eines einzelnen Händlers, aber wir haben einen echten Eintrag, der in allen Datenbanken erfasst ist. Also werden wir ihn berücksichtigen. Cui Ruzhuo selbst ist seinen Aussagen nach zu urteilen weit entfernt von der Bescheidenheit Gerhard Richters, wenn es um seine Auktionserfolge geht. Es scheint, dass ihn dieses Rennen um Rekorde ernsthaft fasziniert. „Ich hoffe, dass die Preise für meine Werke in den nächsten 5 bis 10 Jahren die Preise für Werke westlicher Meister wie Picasso und Van Gogh übertreffen werden. Das ist der chinesische Traum“, sagt Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Flagge. 1983. 36 Millionen US-Dollar

Der dritte Platz im Ranking der lebenden Künstler geht an einen Amerikaner Jasper Johns (1930). Der aktuelle Rekordpreis für Jones' Arbeit liegt bei $ 36 Millionen. Sie haben so viel für seinen Ruhm bezahlt "Flagge" bei Christie's Auktion 12. November 2014.

Die Serie der „Flaggen“-Gemälde, die Jones Mitte der 1950er Jahre begann, unmittelbar nachdem der Künstler aus der Armee zurückgekehrt war, wurde zu einem der zentralen Gemälde seines Schaffens. Schon in seiner Jugend interessierte sich der Künstler für die Idee des Readymades, der Verwandlung eines Alltagsgegenstandes in ein Kunstwerk. Die Flaggen von Jones waren jedoch nicht echt, sie waren in Öl auf Leinwand gemalt. Dadurch erlangte das Kunstwerk die Eigenschaften einer Sache aus dem alltäglichen Leben; es war zugleich Abbild der Flagge und der Flagge selbst. Eine Reihe von Arbeiten mit Flaggen brachten Jasper Johns Weltruhm. Aber seine abstrakten Werke erfreuen sich nicht weniger großer Beliebtheit. Viele Jahre lang stand sein Abstract an der Spitze der nach den oben genannten Regeln zusammengestellten Liste der teuersten Werke „Fehlstart“. Bis 2007 galt der Preis dieses sehr hellen und dekorativen Gemäldes, das 1959 von Jones gemalt wurde, für einen lebenden Künstler (selbst für einen lebenslangen Klassiker) nahezu unzugänglich – $ 17 Millionen. So viel haben sie dafür in Gold für den Kunstmarkt bezahlt 1988.

Interessanterweise war die Amtszeit von Jasper Johns als Rekordhalter nicht kontinuierlich. 1989 wurde er durch die Arbeit seines Kollegen Willem de Kooning unterbrochen: Die zwei Meter lange Abstraktion „Blending“ wurde bei Sotheby's für 20,7 Millionen Dollar verkauft. Doch 8 Jahre später, 1997, starb de Kooning. und „False Start“ von Jones belegte erneut fast zehn Jahre lang den ersten Platz in der Auktionsrangliste lebender Künstler.

Doch 2007 änderte sich alles. Der False Start-Rekord wurde erstmals von den Werken der jungen und ehrgeizigen Damien Hirst und Jeff Koons in den Schatten gestellt. Dann gab es einen Rekordverkauf für 33,6 Millionen US-Dollar für das Gemälde „The Sleeping Benefit Inspector“ von Lucien Freud (inzwischen verstorben und daher nicht an dieser Bewertung beteiligt). Dann begannen die Aufzeichnungen von Gerhard Richter. Generell liegt Jasper Johns, einer der Meister der amerikanischen Nachkriegskunst an der Schnittstelle von Neo-Dadaismus, abstraktem Expressionismus und Pop-Art, mit einem aktuellen Rekord von bisher 36 Millionen auf dem ehrenvollen dritten Platz.

6. ED RUSHEY Zerschlagen. 1963. 30,4 Millionen US-Dollar

Der plötzliche Erfolg des Gemäldes „Smash“ eines amerikanischen Künstlers Edward Rushay (geb. 1937) bei der Auktion Christie's 12. November 2014 machte diesen Autor zu einem der teuersten lebenden Künstler. Der bisherige Rekordpreis für das Werk von Ed Rusha (der Nachname Ruscha wird auf Russisch oft als „Rusha“ ausgesprochen, die korrekte Aussprache ist jedoch Rusha) betrug „nur“ 6,98 Millionen US-Dollar: So viel wurde für sein Gemälde „Das brennende Gas“ gezahlt Station“ im Jahr 2007. Sieben Jahre später "Zerschlagen" mit einer Schätzung von 15–20 Millionen US-Dollar erreichte den Zuschlagspreis 30,4 Millionen US-Dollar. Es ist offensichtlich, dass der Markt für die Arbeit dieses Autors erreicht ist neues Level– nicht umsonst schmückt er ihn mit seinen Werken Weißes Haus Barack Obama und Larry Gagosian selbst stellen es in seinen Galerien aus.

Ed Ruscha fühlte sich nie vom Nachkriegs-New York mit seiner Begeisterung für den abstrakten Expressionismus angezogen. Stattdessen suchte er mehr als 40 Jahre lang nach Kalifornien, wo er im Alter von 18 Jahren aus Nebraska zog. Der Künstler stand am Ursprung einer neuen Kunstrichtung, der Pop-Art. Zusammen mit Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud und anderen Sängern Populärkultur Edward Rusha nahm 1962 an der Ausstellung „New Images of Ordinary Things“ im Pasadena Museum teil, die zur ersten Museumsausstellung amerikanischer Pop-Art wurde. Allerdings mag es Ed Rusha selbst nicht, wenn sein Werk der Pop-Art, dem Konzeptualismus oder einer anderen Kunstrichtung zugeordnet wird.

Sein einzigartiger Stil nennt sich „Textmalerei“. Ab Ende der 1950er Jahre begann Ed Ruscha, Worte zu malen. So wie für Warhol eine Dose Suppe zum Kunstwerk wurde, waren es für Ed Rushay gewöhnliche Wörter und Phrasen, entweder von einer Werbetafel oder einer Verpackung in einem Supermarkt oder aus dem Abspann eines Films (Hollywood war für ihn immer „in der Nähe“) Rushay, und im Gegensatz zu vielen Künstlerkollegen respektierte Rusche die „Traumfabrik“). Die Worte auf seinen Leinwänden nehmen die Eigenschaften dreidimensionaler Objekte an; es handelt sich um echte Wortstillleben. Beim Betrachten seiner Leinwände fällt einem zunächst die visuelle und akustische Wahrnehmung des gemalten Wortes ein und erst dann die semantische Bedeutung. Letzteres ist in der Regel nicht eindeutig zu entziffern; Rushays Wort- und Phrasenwahl kann unterschiedlich interpretiert werden. Das gleiche leuchtend gelbe Wort „Smash“ auf einem tiefblauen Hintergrund kann als aggressiver Aufruf wahrgenommen werden, etwas oder jemanden in Stücke zu schlagen; als einsames Adjektiv, das aus dem Kontext gerissen wurde (z. B. Teil einer Schlagzeile in einer Zeitung) oder einfach als separates Wort, das im städtischen Fluss visueller Bilder gefangen ist. Ed Ruscha genießt diese Ungewissheit. „Ich hatte immer großen Respekt vor seltsamen, unerklärlichen Dingen … Erklärungen töten gewissermaßen die Sache“, sagte er in einem Interview.

7. CHRISTOPHER WOOL Ohne Titel (RIOT). 1990. 29,93 Millionen US-Dollar

Amerikanischer Künstler Christopher Wool(1955) schaffte es 2013 erstmals in die Rangliste der lebenden Künstler – nachdem er das Werk „Apocalypse Now“ für 26,5 Millionen US-Dollar verkaufte. Dieser Rekord brachte ihn sofort auf eine Stufe mit Jasper Johns und Gerhard Richter. Der Betrag dieser historischen Transaktion – mehr als 20 Millionen US-Dollar – überraschte viele, da die Preise für die Werke des Künstlers zuvor nicht über 8 Millionen US-Dollar lagen. Das schnelle Wachstum des Marktes für die Werke von Christopher Wool war jedoch bereits zu diesem Zeitpunkt erkennbar: der des Künstlers Die Erfolgsbilanz umfasste 48 Auktionstransaktionen mit Beträgen über 1 Million US-Dollar, 22 davon (fast die Hälfte) fanden im Jahr 2013 statt. Zwei Jahre später erreichte die Zahl der für mehr als eine Million US-Dollar verkauften Werke von Chris Wool 70, und ein neuer persönlicher Rekord ließ nicht lange auf sich warten. Bei der Auktion Sotheby’s 12. Mai 2015 Werk „Untitled (RIOT)“ wurde für $ verkauft 29,93 Millionen inklusive Käuferaufgeld.

Christopher Wool ist vor allem für seine großformatigen Arbeiten mit schwarzen Schriftzügen auf weißen Aluminiumblechen bekannt. Sie sind es, die bei Auktionen in der Regel Rekorde aufstellen. Das sind alles Dinge aus den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren. Der Legende nach spazierte Wool eines Tages abends durch New York und sah plötzlich Graffiti in schwarzen Buchstaben auf einem neuen weißen Lastwagen – die Worte Sex und Luv. Dieser Anblick beeindruckte ihn so sehr, dass er sofort in die Werkstatt zurückkehrte und mit den gleichen Worten seine eigene Version schrieb. Es war 1987 und die weitere Suche des Künstlers nach Wörtern und Phrasen für seine „Buchstaben“-Werke spiegelt den widersprüchlichen Geist dieser Zeit wider. Dies ist der Slogan „Verkaufe das Haus, verkaufe das Auto, verkaufe die Kinder“, den Wool aus dem Film „Apocalypse Now“ übernommen hat, und das Wort „FOOL“ („Narr“) in Großbuchstaben und das Wort „RIOT“. („Rebellion“), oft in Schlagzeilen der damaligen Zeitungen zu finden.

Wool trug mithilfe von Schablonen mit Alkyd- oder Emailfarben Wörter und Sätze auf Aluminiumbleche auf und hinterließ dabei bewusst Tropfen, Schablonenspuren und andere Spuren des kreativen Prozesses. Der Künstler teilte die Worte so auf, dass der Betrachter die Bedeutung nicht sofort verstand. Zuerst sehen Sie nur eine Ansammlung von Buchstaben, das heißt, Sie nehmen das Wort als visuelles Objekt wahr, und erst dann lesen und entschlüsseln Sie die Bedeutung der Phrase oder des Wortes. Wool verwendete eine Schriftart, die vom amerikanischen Militär nach dem Zweiten Weltkrieg verwendet wurde und den Eindruck eines Befehls, einer Anweisung, eines Slogans verstärkt. Diese „Buchstaben“-Werke werden als Teil der Stadtlandschaft wahrgenommen, wie illegales Graffiti, das die Sauberkeit der Oberfläche eines Straßenobjekts beeinträchtigt. Diese Werkreihe von Christopher Wool gilt als einer der Höhepunkte der sprachlichen Abstraktion und wird daher von Liebhabern zeitgenössischer Kunst sehr geschätzt.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. 28,81 Millionen US-Dollar

britisch Peter Doig(1959) wählte, obwohl er zur Generation der Postmodernisten Koons und Hirst gehörte, ein völlig traditionelles Landschaftsgenre, das lange Zeit bei fortgeschrittenen Künstlern nicht beliebt war. Mit seinem Werk lässt Peter Doig das schwindende Interesse der Öffentlichkeit an figurativer Malerei wieder aufleben. Seine Werke erfreuen sich sowohl bei Kritikern als auch bei Laien großer Beliebtheit, was sich auch an den rasant steigenden Preisen seiner Werke zeigt. Kosteten seine Landschaften Anfang der 1990er Jahre noch mehrere tausend Dollar, so kosten sie heute Millionen.

Doigs Werk wird oft als magischer Realismus bezeichnet. Bezogen auf echte Landschaften er schafft fantasievolle, geheimnisvolle und oft düstere Bilder. Der Künstler liebt es abzubilden von Menschen verlassen Objekte: ein heruntergekommenes Gebäude von Le Corbusier mitten im Wald oder ein leeres weißes Kanu auf der Oberfläche eines Waldsees. Neben Natur und Fantasie lässt sich Doig von Horrorfilmen, alten Postkarten, Fotografien, Amateurvideos usw. inspirieren. Doigs Gemälde sind farbenfroh, komplex, dekorativ und nicht provokativ. Es ist eine Freude, ein solches Gemälde zu besitzen. Das Interesse der Sammler wird auch durch die geringe Produktivität des Autors befeuert: Der in Trinidad lebende Künstler schafft nicht mehr als ein Dutzend Gemälde pro Jahr.

In den frühen 2000er Jahren wurden einzelne Landschaften des Künstlers für mehrere hunderttausend Dollar verkauft. Gleichzeitig wurden Doigs Werke in die Saatchi Gallery, auf die Whitney Museum Biennial und in die Sammlung des MoMA aufgenommen. Im Jahr 2006 wurde die Auktionsschwelle von 1 Million US-Dollar überschritten und im darauffolgenden Jahr kam es zu einem unerwarteten Durchbruch: Das am 7. Februar 2007 bei Sotheby's angebotene Werk „White Canoe“ wurde mit einer Schätzung von 0,8 bis 1,2 Millionen US-Dollar verfünffacht übertraf die vorläufige Schätzung und wurde für 5,7 Millionen Pfund (11,3 Millionen US-Dollar) verkauft. Das war damals ein Rekordpreis für Werke eines lebenden europäischen Künstlers.

Im Jahr 2008 hatte Doig Einzelausstellungen in der Tate Gallery und im Museum of Modern Art in Paris. Preise in Höhe von mehreren Millionen Dollar für Doigs Arbeit sind zur Norm geworden. Peter Doigs persönliche Bestleistung in letzter Zeit begann mehrmals im Jahr aktualisiert zu werden – wir haben nur Zeit, das Bild und den Platz dieses Künstlers in unserer Bewertung der lebenden Autoren zu ändern.

Peter Doigs bislang teuerstes Werk ist die Schneelandschaft „Rosedale“ aus dem Jahr 1991. Interessanterweise wurde der Rekord nicht bei Sotheby’s oder Christie’s aufgestellt, sondern bei der Auktion zeitgenössischer Kunst im Auktionshaus Phillips. Dies geschah am 18. Mai 2017. Ein Blick auf das verschneite Torontoer Viertel Rosedale wurde für 28,81 Millionen US-Dollar an einen Telefonkäufer verkauft, etwa 3 Millionen US-Dollar mehr als der bisherige Rekord (25,9 Millionen US-Dollar für „Swallowed by the Mire“). „Rosedale“ nahm 1998 an Doigs Schlüsselausstellung in der Whitechapel Gallery in London teil, und im Allgemeinen war dieses Werk frisch für den Markt und daher ist der Rekordpreis wohlverdient.

9. FRANK STELLA Kap der Kiefern. 1959. 28 Millionen Dollar

Frank Stella ist ein prominenter Vertreter der postmalerischen Abstraktion und des Minimalismus in der Kunst. Ab einem bestimmten Punkt wird er als Vertreter des Hard-Edge-Malstils eingestuft. Zunächst kontrastierte Stella die strenge Geometrie, das asketische Monochrom und die Struktur seiner Bilder mit der Spontaneität und dem Chaos der Gemälde abstrakter Expressionisten wie Jackson Pollock.

Ende der 1950er-Jahre wurde der Künstler durch den berühmten Galeristen Leo Castelli auf sich aufmerksam und erhielt erstmals den Zuschlag für eine Ausstellung. Darauf präsentierte er die sogenannten „Black Paintings“ – mit parallelen schwarzen Linien übermalte Leinwände mit dünnen Zwischenräumen unbemalter Leinwand dazwischen. Die Linien bilden geometrische Formen, die ein wenig an etwas erinnern optische Täuschungen Dieselben Bilder, die flackern, sich bewegen, sich drehen und bei längerem Betrachten ein Gefühl von Weite erzeugen. Stella führte das Thema paralleler Linien mit dünnen Trennstreifen in seinen Arbeiten auf Aluminium und Kupfer fort. Die Farben, die Bildbasis und sogar die Form der Gemälde veränderten sich (unter anderem stechen Werke in der Form der Buchstaben U, T, L hervor). Das Hauptprinzip seiner Malerei war jedoch immer noch die Klarheit der Umrisse, die Monumentalität, die einfache Form und die Monochromie. In den folgenden Jahrzehnten entfernte sich Stella von dieser geometrischen Malerei hin zu glatten, natürlichen Formen und Linien und von monochromatischen Gemälden hin zu hellen und vielfältigen Farbübergängen. In den 1970er Jahren war Stella von den riesigen Mustern fasziniert, mit denen Schiffe bemalt wurden. Der Künstler nutzte sie für riesige Gemälde mit Assemblage-Elementen – er integrierte Stücke von Stahlrohren oder Drahtgeflecht in die Werke.

In seinen frühen Interviews spricht Frank Stella offen über die Bedeutung, die seinen Werken beigemessen wird, oder vielmehr über deren Fehlen: „Was man sieht, ist, was man sieht.“ Ein Gemälde ist ein eigenständiges Objekt und keine Reproduktion von etwas. „Es ist eine flache Oberfläche mit Farbe darauf und sonst nichts“, sagte Stella.

Nun, unterzeichnet von Frank Stella, könnte diese „Oberfläche mit Farbe darauf“ heute Millionen von Dollar wert sein. Mit dem Verkauf des Werks „Crossing the Delaware“ (1961) für 13,69 Millionen US-Dollar inklusive Provision gelangte Frank Stella 2015 erstmals in die Rangliste der lebenden Künstler.

Vier Jahre später, am 15. Mai 2019, wurde mit dem Frühwerk „Cape of Pines“ (1959) ein neuer Rekord aufgestellt: Der Zuschlagspreis lag bei über 28 Millionen US-Dollar, inklusive Provision. Dies ist eines der 29 „schwarzen Gemälde“ – dieselben, mit denen Stella bei seiner ersten Ausstellung in New York debütierte. Frank Stella, Absolvent der Princeton University, war damals 23 Jahre alt. Für Ölfarben für Künstler fehlte ihm oft das Geld. Der junge Künstler verdiente sein Geld mit Reparaturarbeiten, ihm gefielen die reinen Farben der Farbe sehr und so entstand die Idee, mit dieser Farbe auf Leinwand zu arbeiten. Mit schwarzer Emailfarbe malt Stella parallele Streifen und lässt dazwischen dünne Linien ungrundierter Leinwand. Außerdem schreibt er ohne Lineale, nach Augenmaß, ohne Vorskizze. Stella wusste nie genau, wie viele schwarze Linien es in einem bestimmten Gemälde geben würde. Auf dem Gemälde „Cape of Pines“ waren es beispielsweise 35 Stück. Der Titel des Werkes bezieht sich auf den Namen des Kaps in der Massachusetts Bay – Point of Pines. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war es so großer Park Sehenswürdigkeiten, und heute ist es einer der Bezirke der Stadt Revere.

10. YOSHITOMO NARA Messer hinter seinem Rücken. 2000. 24,95 Millionen US-Dollar

Yoshitomo Nara (1959) ist eine der Schlüsselfiguren der japanischen Neo-Pop-Art. Japanisch – denn trotz Weltruhm und langjähriger Arbeit im Ausland zeichnet sich sein Werk immer noch durch eine ausgeprägte Persönlichkeit aus nationale Identität. Naras Lieblingsfiguren sind Mädchen und Hunde im Stil japanischer Manga- und Anime-Comics. Die von ihm erfundenen Bilder gehen seit vielen Jahren „unter die Leute“: Sie werden auf T-Shirts gedruckt, Souvenirs und verschiedene „Merch“-Artikel werden daraus hergestellt. Er wurde in eine arme Familie weit weg von der Hauptstadt hineingeboren und wird nicht nur wegen seines Talents geliebt, sondern auch als Selfmademan geschätzt. Der Künstler arbeitet schnell und ausdrucksstark. Es ist bekannt, dass einige seiner Meisterwerke buchstäblich über Nacht fertiggestellt wurden. Die Gemälde und Skulpturen von Yoshitomo Nara sind in der Regel sehr lakonisch, wenn nicht sogar geizig in ihren Ausdrucksmitteln, aber sie tragen immer eine starke emotionale Ladung in sich. Naras Teenager-Mädchen schauen den Betrachter oft mit einem unfreundlichen Blick an. In ihren Augen gibt es Kühnheit, Herausforderung und Aggression. In seinen Händen - entweder ein Messer oder eine Zigarette. Es besteht die Meinung, dass die dargestellten Verhaltensperversionen eine Reaktion auf die unterdrückende soziale Moral, verschiedene Tabus und die von den Japanern übernommenen Bildungsprinzipien sind. Fast mittelalterliche Strenge und Scham treiben die Probleme ins Innere und schaffen den Boden für eine verzögerte emotionale Explosion. „The Knife Behind Your Back“ spiegelt prägnant eine der Hauptideen des Künstlers wider. In diesem Werk sieht man den hasserfüllten Blick eines Mädchens und eine bedrohlich hinter ihrem Rücken platzierte Hand. Bis 2019 erreichten Gemälde und Skulpturen von Yoshitomo Nara bereits mehr als einmal die Millionengrenze oder sogar mehrere Millionen. Aber zwanzig Millionen sind das erste Mal. Nara ist einer der berühmtesten in Japan geborenen Künstler der Welt. Und jetzt der teuerste der Welt. Am 6. Oktober 2109 nahm er bei Sotheby’s in Hongkong diesen Titel von Takashi Murakami entgegen und setzte sich damit deutlich gegen die 90-jährige Avantgarde-Künstlerin Yayoi Kusama durch (die maximalen Auktionspreise für ihre Gemälde liegen bereits bei fast 9 Millionen US-Dollar).

11. ZENG FANZHI Letztes Abendmahl. 2001. 23,3 Millionen US-Dollar

Bei Sotheby's-Auktion in Hongkong 5. Oktober 2013 Jahr großformatige Leinwand „Letztes Abendmahl“ Pekinger Künstler Zeng Fanzhi (1964) wurde für den Rekordbetrag von 160 Millionen HK$ verkauft - 23,3 Millionen US-Dollar USA. Die endgültigen Kosten für Fanzhis Werk, das natürlich unter dem Einfluss der Arbeit von Leonardo da Vinci verfasst wurde, waren doppelt so hoch wie die vorläufige Schätzung von etwa 10 Millionen US-Dollar. Der bisherige Preisrekord von Zeng Fanzhi lag bei 10 Millionen US-Dollar 9,6 Millionen, im Mai 2008 bei Christie’s Hongkong-Auktion für das Werk bezahlt „Maskenserie. 1996. Nein. 6".

„Das letzte Abendmahl“ ist das größte (2,2 × 4 Meter) Gemälde von Fanzhi in der „Masken“-Serie und deckt den Zeitraum von 1994 bis 2001 ab. Der Zyklus ist der Entwicklung der chinesischen Gesellschaft unter dem Einfluss wirtschaftlicher Reformen gewidmet. Die Einführung von Elementen einer Marktwirtschaft durch die Regierung der VR China führte zu Urbanisierung und Uneinigkeit des chinesischen Volkes. Fanzhi zeigt Bewohner moderner chinesischer Städte, die um einen Platz an der Sonne kämpfen müssen. Die bekannte Komposition von Leonardos Fresko erhält in Fanzhis Lesung eine ganz andere Bedeutung: Der Handlungsort wird von Jerusalem in ein Klassenzimmer einer chinesischen Schule mit typischen Hieroglyphentafeln an den Wänden verlegt. „Christus“ und die „Apostel“ sind zu Pionieren mit scharlachroten Krawatten geworden, und nur „Judas“ trägt eine goldene Krawatte – dies ist eine Metapher dafür, dass der westliche Kapitalismus die gewohnte Lebensweise in einem sozialistischen Land durchdringt und zerstört.

Zeng Fanzhis Werke stehen stilistisch dem europäischen Expressionismus nahe und sind gleichermaßen dramatisch. Aber gleichzeitig sind sie voller chinesischer Symbolik und Besonderheit. Diese Vielseitigkeit zieht sowohl chinesische als auch westliche Sammler für die Werke des Künstlers an. Ein direkter Beweis dafür ist die Provenienz von „Das letzte Abendmahl“: Das Werk wurde versteigert berühmter Sammler Chinesische Avantgarde der 1980er – Anfang der 1990er Jahre – vom belgischen Baron Guy Ullens.

12. ROBERT RYMAN Brücke. 1980. 20,6 Millionen US-Dollar

Bei der Auktion Christie's 13. Mai 2015 abstrakte Arbeit "Brücke" 85-jähriger amerikanischer Künstler Robert Ryman(Robert Ryman) wurde verkauft 20,6 Millionen US-Dollar unter Berücksichtigung der Provision - doppelt so teuer wie der untere Kostenvoranschlag.

Robert Ryman(1930) war sich nicht sofort bewusst, dass er Künstler werden wollte. Im Alter von 23 Jahren zog er von Nashville, Tennessee, nach New York, um Jazz-Saxophonist zu werden. Bis er ein berühmter Musiker wurde, musste er als Sicherheitsbeamter im MoMA arbeiten, wo er Sol LeWitt und Dan Flavin traf. Der erste arbeitete im Museum als Nachtsekretär, der zweite als Wachmann und Aufzugsführer. Beeindruckt von den Werken abstrakter Expressionisten, die er im MoMA sah – Rothko, De Kooning, Pollock und Newman – begann Robert Ryman 1955 selbst zu malen.

Ryman wird oft als Minimalist bezeichnet, aber er nennt sich lieber „Realist“, weil es ihm nicht darum geht, Illusionen zu erzeugen, sondern nur die Qualitäten der von ihm verwendeten Materialien zu demonstrieren. Die meisten seiner Werke sind mit Farben in allen möglichen Farbtönen bemalt Weiß(von gräulich oder gelblich bis hin zu strahlendem Weiß) basierend auf einer lakonischen quadratischen Form. Im Laufe seiner Karriere probierte Robert Ryman viele Materialien und Techniken aus: Er malte in Öl, Acryl, Kasein, Emaille, Pastell, Gouache usw. auf Leinwand, Stahl, Plexiglas, Aluminium, Papier, Wellpappe, Vinyl, Tapeten usw. Sein Sein Freund, der professionelle Restaurator Orrin Riley, beriet ihn über die Korrosivität der Materialien, die er verwenden wollte. Wie der Künstler einmal sagte: „Ich habe nie eine Frage Was schreibe, Hauptsache Wie schreiben". Es geht um die Textur, die Art der Striche, die Grenze zwischen der Farboberfläche und den Kanten des Untergrunds sowie die Beziehung zwischen dem Werk und der Wand. Ein besonderes Element seiner Arbeit sind seit 1975 die Halterungen, die Ryman selbst entwirft und bewusst sichtbar lässt, um zu betonen, dass seine Arbeiten „so real sind wie die Wände, an denen sie hängen“. Ryman gibt seinen Werken lieber „Namen“ als „Titel“. Der „Name“ hilft dabei, ein Werk von einem anderen zu unterscheiden, und Ryman benennt seine Werke oft nach Farbmarken, Firmen usw., und der „Titel“ erweckt eine Art Anspielung und ist tiefgründig verborgene Bedeutungen, deren Anwesenheit der Künstler in seinen Werken regelmäßig leugnet. Nichts zählt außer Material und Technik.

13. DAMIEN HURST Verschlafener Frühling. 2002. 19,2 Millionen US-Dollar

An den englischen Künstler Damien Hirst (1965) war dazu bestimmt, im Streit mit dem lebenden Klassiker Jasper Johns als Erster den ersten Platz in dieser Wertung zu belegen. Das bereits erwähnte Werk „False Start“ hätte lange Zeit ein unsinkbarer Anführer bleiben können, wenn 21. Juni 2007 Installation durch den damals 42-jährigen Hirst „Verschlafener Frühling“(2002) wurde bei Sotheby's nicht für £ verkauft 9,76 Millionen, also für 19,2 Millionen Dollar. Das Werk hat übrigens ein eher ungewöhnliches Format. Einerseits gibt es eine Vitrine mit Pillenattrappen (6.136 Pillen), im Grunde eine klassische Installation. Andererseits wird diese Vitrine flach (10 cm tief) hergestellt, in einen Rahmen gestellt und wie ein Plasmabildschirm an die Wand gehängt, wodurch der für Gemälde typische Besitzkomfort voll und ganz gewährleistet ist. Im Jahr 2002 wurde die Schwester dieser Installation, „Sleepy Winter“, für 7,4 Millionen US-Dollar verkauft, mehr als die Hälfte des Preises. Jemand „erklärte“ den Preisunterschied damit, dass die Tabletten im Winter stärker ausbleichen. Es ist jedoch klar, dass diese Erklärung absolut unbegründet ist, da der Preismechanismus für solche Dinge nicht mehr mit ihrem dekorativen Charakter zusammenhängt.

Im Jahr 2007 erkannten viele Hirst als Autor des teuersten Werks unter den lebenden Künstlern an. Die Frage stammt jedoch aus der Kategorie „Je nachdem, wie man zählt“. Tatsache ist, dass Hirst für teure Pfund verkauft wurde und Jones für jetzt billigere Dollar, und das sogar vor zwanzig Jahren. Aber selbst wenn wir zum Nennwert rechnen, ohne die 20-jährige Inflation zu berücksichtigen, dann war Hirsts Werk in Dollar teurer und das von Jones in Pfund. Die Situation war grenzwertig und jeder konnte frei entscheiden, wer als der Liebste galt. Aber Hearst hielt sich nicht lange auf dem ersten Platz. Im selben Jahr 2007 wurde er mit seinem „Hanging Heart“ von Koons vom ersten Platz verdrängt.

Kurz vor dem weltweiten Preisverfall für zeitgenössische Kunst unternahm Hirst ein für einen jungen Künstler beispielloses Unterfangen – eine Einzelauktion seiner Werke, die am 15. September 2008 in London stattfand. Die am Vortag verkündete Nachricht von der Insolvenz der Bank Lehman Brothers verdorben den Liebhabern zeitgenössischer Kunst keineswegs den Appetit: Von den 223 bei Sotheby's angebotenen Werken fanden nur fünf keinen neuen Besitzer (einer der Käufer übrigens). Viktor Pinchuk). Arbeiten „Goldenes Kalb“- ein riesiger ausgestopfter Stier in Formaldehyd, gekrönt mit einer goldenen Scheibe - brachte so viel 10,3 Millionen Pfund (18,6 Millionen US-Dollar). Dies ist Hirsts bestes Ergebnis, wenn es in Pfund (der Währung, in der die Transaktion durchgeführt wurde) berechnet wird. Allerdings rangieren wir in Dollar, also werden wir (möge uns das Goldene Kalb verzeihen) „Sleepy Spring“ immer noch als Hirsts besten Verkauf betrachten.

Seit 2008 hat Hirst keinen Umsatz mehr auf dem Niveau von „Sleepy Spring“ und „The Golden Calf“ erzielt. Neue Rekorde der 2010er Jahre – für die Werke von Richter, Jones, Fanzhi, Wool und Koons – brachten Damien auf den sechsten Platz in unserem Ranking. Aber lassen Sie uns kein kategorisches Urteil über das Ende der Hearst-Ära fällen. Laut Analysten ist Hirst als „Superstar“ bereits in die Geschichte eingegangen, was bedeutet, dass er noch sehr lange gekauft werden wird; Der größte Wert wird jedoch für die Zukunft den Werken vorhergesagt, die in der innovativsten Phase seiner Karriere, nämlich in den 1990er Jahren, entstanden sind.

14. MAURIZIO CATTELAN Ihn. 2001. 17,19 Millionen US-Dollar

Der Italiener Maurizio Cattelan (1960) kam zur Kunst, nachdem er als Wachmann, Koch, Gärtner und Möbeldesigner gearbeitet hatte. Der Autodidakt ist mit seinen ironischen Skulpturen und Installationen weltberühmt geworden. Er ließ einen Meteoriten auf den Papst fallen, verwandelte die Frau eines Kunden in eine Jagdtrophäe, bohrte Löcher in den Boden des Museums für Alte Meister, zeigte der Mailänder Börse einen riesigen Mittelfinger und brachte einen lebenden Esel zur Frieze-Messe. Cattelan verspricht, in naher Zukunft eine goldene Toilette im Guggenheim Museum zu installieren. Letztendlich fanden die Eskapaden von Maurizio Cattelan breite Anerkennung in der Kunstwelt: Er wurde zur Biennale von Venedig eingeladen (die Installation „Others“ im Jahr 2011 – ein Schwarm von zweitausend Tauben, die aus all den Rohren und Balken bedrohlich auf die Menschenmassen blicken Besucher, die unten vorbeikamen), arrangierten, dass er eine Retrospektive im Guggenheim Museum in New York erhielt (November 2011) und schließlich eine Menge Geld für seine Skulpturen erhielt.

Seit 2010 ist Maurizio Cattelans teuerstes Werk Wachsskulptur ein Mann, der aus einem Loch im Boden schaut und äußerlich dem Künstler selbst ähnelt („Untitled“, 2001). Diese Skulptureninstallation, die in drei Exemplaren plus der Kopie des Autors existiert, wurde erstmals im Boijmans van Beuningen Museum in Rotterdam gezeigt. Dann blickte dieser schelmische Charakter aus einem Loch im Boden des Saals mit Gemälden niederländischer Maler des 18. bis 19. Jahrhunderts. In diesem Werk verbindet sich Maurizio Cattellan mit einem mutigen Kriminellen, der mit Gemälden großer Meister in den heiligen Raum einer Museumshalle eindringt. Damit möchte er der Kunst den Heiligenschein der Heiligkeit nehmen, den Museumswände ihr verleihen. Das Werk, bei dem jedes Mal Löcher im Boden sichtbar sind, wurde bei Sotheby’s für 7,922 Millionen US-Dollar verkauft.

Der Rekord hielt bis zum 8. Mai 2016, als Cattelans noch provokativeres Werk „Him“, das einen knienden Hitler darstellt, für 17,189 Millionen Dollar versteigert wurde. Der Name ist seltsam. Die Wahl eines Charakters ist riskant. Wie alles von Cattelan. Was bedeutet er? „Seine“ oder „Seine höllische Majestät“? Es ist klar, dass es hier definitiv nicht um eine Verherrlichung des Führerbildes geht. Hitler erscheint in diesem Werk eher in einer hilflosen, mitleiderregenden Form. Und absurd – die Inkarnation Satans ist so groß wie ein Kind, gekleidet in ein Schuljungenkostüm und kniend mit bescheidenem Gesichtsausdruck. Für Cattelan ist dieses Bild eine Einladung, über die Natur des absoluten Bösen nachzudenken und eine Möglichkeit, Ängste abzubauen. Übrigens ist die Skulptur „Him“ dem westlichen Publikum gut bekannt. Ihre Brüder aus der Serie wurden mehr als zehn Mal in führenden Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter im Centre Pompidou und im Solomon Guggenheim Museum.

15. MARK GROTJAN Ohne Titel (S III veröffentlicht nach Frankreich, Gesicht 43,14). 2011. 16,8 Millionen US-Dollar

Am 17. Mai 2017 erschien eines der eindrucksvollsten Gemälde von Mark Grotjahn, die jemals versteigert wurden, bei der Abendauktion von Christie’s in New York. Das Gemälde „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“ wurde vom Pariser Sammler Patrick Seguin mit einer Schätzung von 13–16 Millionen US-Dollar ausgestellt, und da der Verkauf des Loses durch eine dritte Partei garantiert war, war niemand sonderlich überrascht durch die Aufstellung eines neuen persönlichen Auktionsrekords des 49-jährigen Künstlers. Der Zuschlagspreis von 14,75 Millionen US-Dollar (einschließlich der Käuferprämie von 16,8 Millionen US-Dollar) übertraf Grotjahns bisherigen Auktionsrekord um mehr als 10 Millionen US-Dollar und zählte ihn damit zum Kreis der lebenden Künstler, deren Werke für achtstellige Beträge verkauft werden. In der Auktionskasse von Mark Grotjahn befinden sich bereits rund dreißig siebenstellige Ergebnisse (Verkäufe über 1 Million US-Dollar, aber nicht mehr als 10 Millionen US-Dollar).

Mark Grotjahn (1968), in dessen Werk Experten den Einfluss von Modernismus, abstraktem Minimalismus, Pop- und Op-Art sehen, kam Mitte der 1990er Jahre zu seinem charakteristischen Stil, nachdem er mit seinem Freund Brent Peterson nach Los Angeles zog und dort eine Galerie eröffnete „Raum 702“ Wie sich der Künstler selbst erinnert, begann er damals darüber nachzudenken, was für ihn in der Kunst an erster Stelle stand. Er suchte nach einem Motiv, mit dem er experimentieren konnte. Und mir wurde klar, dass er sich schon immer für Linien und Farben interessiert hatte. Experimente im Geiste des Rayonismus und Minimalismus mit linearer Perspektive, zahlreichen Fluchtpunkten und vielfarbigen abstrakten Dreiecksformen brachten Grotjahn schließlich Weltruhm.

Von abstrakten, farbenfrohen Landschaften mit mehreren Horizontlinien und Fluchtpunkten aus der Perspektive gelangte er schließlich zu dreieckigen Formen, die an Schmetterlingsflügel erinnern. Grotjahns Gemälde 2001–2007 Das nennen sie „Schmetterlinge“. Das Verschieben des Fluchtpunkts oder die gleichzeitige Verwendung mehrerer räumlich voneinander entfernter Fluchtpunkte gilt heute als eine der wirkungsvollsten Techniken des Künstlers.

Die nächste große Werkserie hieß „Gesichter“; In den abstrakten Linien dieser Serie erkennt man die Züge eines menschlichen Gesichts, vereinfacht zur Maske im Geiste von Matisse, Jawlensky oder Brancusi. Wenn man über die extreme Vereinfachung und Stilisierung von Formen spricht, über die kompositorische Lösung der Gemälde, wenn die verstreuten Konturen von Augen und Mündern aus dem Walddickicht auf uns zu schauen scheinen, stellen Forscher den Zusammenhang zwischen Grotjans „Gesichtern“ und der Kunst von fest die primitiven Stämme Afrikas und Ozeaniens, während der Künstler selbst einfach „die Augen mag, die aus dem Dschungel herausschauen“. Manchmal stellte ich mir die Gesichter von Pavianen oder Affen vor. Ich kann nicht sagen, dass ich bewusst oder unbewusst von der primitiven afrikanischen Kunst beeinflusst wurde; vielmehr wurde ich von Künstlern beeinflusst, die davon beeinflusst wurden. Picasso ist das offensichtlichste Beispiel.“

Die Werke der „Faces“-Reihe werden als brutal und elegant bezeichnet, erfreuen das Auge und erfreuen den Geist. Im Laufe der Zeit verändert sich auch die Textur dieser Werke: Um den Effekt eines inneren Raums zu erzeugen, verwendet der Künstler breite Striche dicker Farbe, sogar Spritzer im Stil von Pollock, aber die Oberfläche des Gemäldes ist geebnet, so dass es bei genauer Betrachtung sichtbar ist erscheint absolut flach. Das Gemälde „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“, das einen Auktionsrekord aufstellte, gehört genau zu dieser berühmten Serie von Mark Grotjahn.

16. TAKASHI MURAKAMI Mein einsamer Cowboy. 15,16 Millionen US-Dollar

japanisch Takashi Murakami (1962) ist mit Skulptur in unsere Bewertung eingestiegen „Mein einsamer Cowboy“, im Mai 2008 bei Sotheby's für $ verkauft 15,16 Millionen. Mit diesem Verkauf galt Takashi Murakami lange Zeit als erfolgreichster lebender asiatischer Künstler – bis er durch den Verkauf von Zeng Fanzhis „Das letzte Abendmahl“ in den Schatten gestellt wurde.

Takashi Murakami arbeitet als Maler, Bildhauer, Modedesigner und Animator. Murakami wollte etwas wirklich Japanisches als Grundlage für seine Arbeit nehmen, ohne westliche oder andere Anleihen. IN Studentenjahre Er war fasziniert von der traditionellen japanischen Nihonga-Malerei, die später durch die populäre Anime- und Manga-Kunst ersetzt wurde. So entstand der psychedelische Mr. DOB, Muster aus lächelnden Blumen und leuchtend glänzenden Glasfaserskulpturen, als kämen sie direkt aus den Seiten japanischer Comics. Manche halten Murakamis Kunst für Fast Food und die Verkörperung von Vulgarität, andere nennen den Künstler den Japaner Andy Warhol – und in dessen Reihen gibt es, wie wir sehen, viele sehr reiche Leute.

Den Namen für seine Skulptur entlehnte Murakami dem Andy-Warhol-Film „Lonely Cowboys“ (1968), den die Japaner, wie er selbst zugab, nie gesehen hatten, die Wortkombination gefiel ihm aber sehr gut. Murakami erfreute Fans erotischer japanischer Comics und lachte sie mit einer Skulptur aus. In der Größe vergrößert und auch dreidimensional verwandelt sich der Anime-Held in einen Fetisch der Massenkultur. Diese künstlerische Aussage steht ganz im Geiste der klassischen westlichen Pop-Art (erinnern Sie sich an das Möbelset von Allen Jones oder Koons‘ „Der rosarote Panther“), hat aber einen nationalen Touch.

17. KAWS. Album von KAWS. 2005. 14.784.505 $

KAWS ist das Pseudonym des amerikanischen Künstlers Brian Donnelly aus New Jersey. Er ist der jüngste Teilnehmer in unserem Ranking, Jahrgang 1974. Donelly begann als Animator bei Disney (er malte Hintergründe für den Zeichentrickfilm „101 Dalmatiner“ usw.). Schon in seiner Jugend interessierte er sich für Graffiti. Sein charakteristisches Design war zunächst ein Totenkopf mit „X“ anstelle der Augenhöhlen. Die Werke des jungen Schriftstellers waren bei Persönlichkeiten des Showbusiness und der Modebranche beliebt: Er gestaltete das Cover für das Album von Kanye West und veröffentlichte Kollaborationen mit Nike, Comme des Garçons und Uniqlo. Im Laufe der Zeit entwickelte sich KAWS zu einer bekannten Persönlichkeit in der Welt der zeitgenössischen Kunst. Seine charakteristische Figur, die an Mickey Mouse erinnert, hat in Museen, öffentlichen Räumen und Privatsammlungen Fuß gefasst. Es war einmal, als KAWS zusammen mit der Marke My Plastic Heart eine limitierte Auflage von Vinylspielzeugen herausbrachte, und diese stießen plötzlich auf großes Sammlerinteresse. Einer der leidenschaftlichen Sammler dieser „Spielzeuge“ ist der Gründer von Black Star, Rapper Timati: Er hat die gesamte „Cavs Companions“-Reihe fast vollständig gesammelt.

Die Arbeit von KAWS stellte bei der Sotheby's-Auktion in Hongkong am 1. April 2019 einen Rekord für die Arbeit des Künstlers auf: 14,7 Millionen US-Dollar. Zuvor befand sie sich in der Kollektion des japanischen Modedesigners Nigo. Meter-Leinwand The KAWS Album – Hommage an das Cover des berühmten Albums Die Beatles„Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ 1967. Nur sind statt Menschen Kimpsons drauf – stilisierte Charaktere aus der Zeichentrickserie Die Simpsons mit „X“ statt Augen.

18. JIN SHANI Tadschikische Braut. 1983. 13,89 Millionen US-Dollar

Unter den relativ jungen und zeitgenössischen chinesischen Künstlern, die alle zur sogenannten „neuen Welle“ der späten 1980er Jahre in der chinesischen Kunst gehören, befand sich in unserer Bewertung völlig unerwartet ein Vertreter einer völlig anderen Generation und einer anderen Schule. Jin Shangyi, jetzt in seinen 80ern, ist einer von ihnen prominente Vertreter die erste Generation von Künstlern im kommunistischen China. Die Ansichten dieser Künstlergruppe wurden zu einem großen Teil unter dem Einfluss ihres engsten kommunistischen Verbündeten – der UdSSR – geformt.

Offiziell sowjetische Kunst, sozialistischer Realismus, Ölmalerei, die damals für China ungewöhnlich war (im Gegensatz zur traditionellen chinesischen Tuschemalerei), waren in den 1950er Jahren und in Peking auf dem Höhepunkt ihrer Popularität Kunstuniversität kam, um drei Jahre lang zu unterrichten (von 1954 bis 1957) Sowjetischer Künstler Konstantin Mefodijewitsch Maximow. Jin Shani, der damals der Jüngste in der Gruppe war, landete in seiner Klasse. Der Künstler erinnerte sich immer mit großer Wärme an seinen Lehrer und sagte, dass es Maksimov war, der ihm beigebracht hatte, ein Modell richtig zu verstehen und darzustellen. K. M. Maksimov bildete eine ganze Galaxie chinesischer Realisten aus, die heute Klassiker sind.

In der Arbeit von Jin Shan kann man den Einfluss sowohl des sowjetischen „strengen Stils“ als auch spüren Europäische Schule Malerei. Der Künstler widmete viel Zeit dem Studium des Erbes der Renaissance und des Klassizismus, während er es für notwendig hielt, den chinesischen Geist in seinen Werken zu bewahren. Das 1983 gemalte Gemälde „Tadschikische Braut“ gilt als allgemein anerkanntes Meisterwerk, ein neuer Meilenstein im Werk von Jin Shan. Es wurde im November 2013 von China Guardian versteigert und um ein Vielfaches über der Schätzung verkauft – für 13,89 Millionen US-Dollar inklusive Provision.

19. BANKSY zersetzte das Parlament. 2008. 12,14 Millionen US-Dollar

Ab Ende der 1990er Jahre tauchten Wandgemälde mit Banksy-Tags erstmals auf Stadtmauern auf (zuerst in Großbritannien und dann auf der ganzen Welt). Seine philosophischen und zugleich scharfsinnigen Graffiti widmeten sich den Problemen des staatlichen Angriffs auf die Freiheiten der Bürger und Verbrechen dagegen Umfeld, verantwortungsloser Konsum, die Unmenschlichkeit des illegalen Migrationssystems. Im Laufe der Zeit erlangten Banksys Mauer-„Vorwürfe“ eine beispiellose mediale Popularität. Tatsächlich wurde er zu einem der Hauptvertreter der öffentlichen Meinung, die die Heuchelei von Staaten und Unternehmen verurteilte, die zu wachsender Ungerechtigkeit im kapitalistischen System führte.

Die Bedeutung von Banksy, das Gespür für den „Nerv der Zeit“ und die Genauigkeit seiner Metaphern wurden nicht nur von Zuschauern, sondern auch von Sammlern geschätzt. In den 2010er Jahren wurden Hunderttausende oder sogar mehr als eine Million Dollar für seine Werke gespendet. Es kam so weit, dass Banksys Graffiti herausgebrochen und zusammen mit Teilen der Wände gestohlen wurden.

Im Zeitalter der fortschrittlichen digitalen Überwachung schafft es Banksy immer noch, seine Anonymität zu wahren. Es gibt eine Version, dass es sich nicht mehr um eine Person handelt, sondern um eine Gruppe mehrerer Künstler, angeführt von einer talentierten Frau. Das würde einiges erklären. Und die äußerliche Unähnlichkeit der Autoren, gefangen in den Objektiven von Zeugenkameras, und die unpersönliche Schablonenanwendungsmethode (sorgt für hohe Geschwindigkeit und erfordert keine direkte Beteiligung des Autors) und die berührende Romantik der Motive der Gemälde ( Bälle, Schneeflocken usw.). Wie dem auch sei, die Leute vom Banksy-Projekt, einschließlich seiner Assistenten, wissen, wie man den Mund hält.

Im Jahr 2019 wurde Banksys teuerstes Werk unerwartet die vier Meter große Leinwand Devolved Parliament („degradiertes“, „verfallenes“ oder „devolviertes“ Parlament). Schimpansen, die im Unterhaus streiten, scheinen das Publikum im Jahr des skandalösen Brexit zu verspotten. Es ist überraschend, dass das Gemälde 10 Jahre vor diesem historischen Wendepunkt gemalt wurde, und daher hält es jemand für prophetisch. Bei einer Sotheby's-Auktion am 3. Oktober 2019 kaufte ein unbekannter Käufer dieses Öl im Rahmen heftiger Gebote für 12.143.000 US-Dollar – sechsmal teurer als die vorläufige Schätzung.

20. JOHN CURREN „Süß und einfach.“ 1999. 12,007 Millionen US-Dollar

Amerikanischer Künstler John Curran (1962) bekannt für seine satirischen figurativen Gemälde zu provokanten sexuellen und sozialen Themen. In Currens Werken gelingt es, die Maltechniken der alten Meister (insbesondere Lucas Cranach d.Ä. und der Manieristen) mit Modefotografien aus Hochglanzmagazinen zu verbinden. Um eine größere Groteske zu erreichen, verzerrt Karren oft die Proportionen des menschlichen Körpers, vergrößert oder verkleinert seine einzelnen Teile und stellt Helden in gebrochenen, manierierten Posen dar.

Curren begann 1989 mit Porträts von Mädchen, die aus einem Schulalbum nachgezeichnet wurden; Fortsetzung in den frühen 1990er Jahren mit Gemälden vollbusiger Schönheiten, inspiriert von Fotos aus Cosmopolitan und Playboy; 1992 erschienen Porträts wohlhabender älterer Damen; und 1994 heiratete Curren die Bildhauerin Rachel Feinstein, die für viele Jahre seine wichtigste Muse und sein Vorbild wurde. In den späten 1990er Jahren verschafften ihm Currens technische Meisterschaft, gepaart mit dem Kitsch und der Groteske seiner Gemälde, Popularität. Im Jahr 2003 übernahm Larry Gagosian die Aufgabe, den Künstler zu promoten, und wenn ein Händler wie Gagosian den Künstler übernimmt, ist der Erfolg garantiert. Im Jahr 2004 fand im Whitney Museum eine Retrospektive von John Curran statt.

Etwa zu dieser Zeit begannen seine Werke, sich für sechsstellige Beträge zu verkaufen. Der aktuelle Rekord für ein Gemälde von John Curren gehört dem Werk „Sweet and Simple“, das am 15. November 2016 bei Christie's für 12 Millionen US-Dollar verkauft wurde. Das Gemälde mit zwei Akten übertraf nur knapp die untere Schätzung von 12 bis 18 Millionen US-Dollar. Für John Curran, der jetzt über 50 ist, ist dies definitiv ein Durchbruch in meiner Karriere. Sein bisheriger Rekord lag 2008 bei 5,5 Millionen US-Dollar (bezahlt wurde er übrigens für das gleiche Werk „Sweet and Simple“).

21. BRYCE MARDEN Die Anwesenden. 1996–1999 10,917 Millionen US-Dollar

Ein weiterer lebender amerikanischer abstrakter Künstler in unserem Ranking ist Bryce Marden (1938). Mardens Werke im Stil des Minimalismus und seit den späten 1980er Jahren der gestischen Malerei zeichnen sich durch ihre einzigartige, leicht gedämpfte Farbpalette aus. Die Farbkombinationen in Mardens Werken sind von seinen Reisen um die Welt inspiriert – Griechenland, Indien, Thailand, Sri Lanka. Zu den Autoren, die Mardens Entwicklung beeinflussten, gehört Jackson Pollock (in den frühen 1960er Jahren arbeitete Marden als Wachmann in Jüdisches Museum, wo er Pollocks „Tropfen“ persönlich beobachtete, Alberto Giacometti (er lernte seine Arbeit in Paris kennen) und Robert Rauschenberg (eine Zeit lang arbeitete Marden als sein Assistent). Die erste Phase von Mardens Werk war klassischen minimalistischen Leinwänden gewidmet, die aus farbigen rechteckigen Blöcken (horizontal oder vertikal) bestanden. Im Gegensatz zu vielen anderen Minimalisten, die die ideale Qualität ihrer Werke erreichten, als ob sie von einer Maschine gedruckt und nicht von einer Person gezeichnet worden wären, behielt Marden die Spuren der Arbeit des Künstlers zusammen verschiedene Materialien(Wachs- und Ölfarben). Seit Mitte der 1980er Jahre wurde unter dem Einfluss der orientalischen Kalligraphie die geometrische Abstraktion durch gewundene, mäanderartige Linien ersetzt, deren Hintergrund dieselben monochromen Farbfelder waren. Eines dieser „bedeutungsvollen“ Werke, „The Attended“, wurde im November 2013 bei Sotheby’s für 10,917 Millionen US-Dollar inklusive Provision verkauft.

22. ZHANG XIAOGAN Ewige Liebe. 10,2 Millionen US-Dollar

Ein weiterer Vertreter der modernen chinesischen Kunst – Symbolist und Surrealist Zhang Xiaogang (1958). Bei Sotheby's-Auktion in Hongkong 3. April 2011, wo chinesische Avantgarde-Kunst aus der Sammlung des belgischen Barons Guy Ullens, ein Triptychon von Zhang Xiaogang, verkauft wurde „Ewige Liebe“ wurde für $ verkauft 10,2 Millionen. Zu dieser Zeit war dies ein Rekord nicht nur für den Künstler, sondern für die gesamte zeitgenössische chinesische Kunst. Sie sagen, dass Xiaogangs Werk von der Milliardärsfrau Wang Wei gekauft wurde, die plant, ihr eigenes Museum zu eröffnen.

Zhang Xiaogang, der sich für Mystik und östliche Philosophie interessiert, schrieb die Geschichte der „ewigen Liebe“ in drei Teilen – Leben, Tod und Wiedergeburt. Dieses Triptychon wurde 1989 in die ikonische Ausstellung „China/Avantgarde“ im Nationalmuseum aufgenommen Kunstmuseum. Ebenfalls 1989 wurden Studentendemonstrationen auf dem Platz des Himmlischen Friedens vom Militär brutal niedergeschlagen. Im Anschluss daran tragisches Ereignis Das Anziehen der Schrauben hat begonnen – Ausstellung in Nationalmuseum wurde zerstreut, viele Künstler wanderten aus. Als Reaktion auf den von oben aufgezwungenen sozialistischen Realismus entstand die Richtung des zynischen Realismus, zu deren Hauptvertreter Zhang Xiaogang gehörte.

23. BRUCE NAUMAN Hilfloser Henry Moore. 1967. 9,9 Millionen US-Dollar

amerikanisch Bruce Nauman (1941), Gewinner des Hauptpreises der 48. Biennale von Venedig (1999), brauchte lange, um seinen Rekord zu erreichen. Nauman begann seine Karriere in den sechziger Jahren. Kenner bezeichnen ihn neben Andy Warhol und Joseph Beuys als eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Die intensive Intellektualität und der völlige Mangel an dekorativem Charakter einiger seiner Werke verhinderten jedoch offensichtlich seine schnelle Anerkennung und seinen Erfolg in der breiten Öffentlichkeit. Nauman experimentiert oft mit Sprache und entdeckt unerwartete Bedeutungen in vertrauten Phrasen. Worte werden zentrale Charaktere viele seiner Werke, darunter Neon-Pseudoschilder und -tafeln. Nauman selbst bezeichnet sich selbst als Bildhauer, obwohl er sich in den letzten vierzig Jahren absolut versucht hat verschiedene Genres- Skulptur, Fotografie, Videokunst, Performances, Grafik. Anfang der neunziger Jahre äußerte Larry Gagosian prophetische Worte: „Wir müssen den wahren Wert von Naumans Werk noch erkennen.“ So ist es passiert: 17. Mai 2001 bei Christie's, Naumans Werk von 1967 „Hilfloser Henry Moore (Rückansicht)“(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) stellte einen neuen Rekord im Segment der Nachkriegskunst auf. Ein Abdruck von Naumans auf dem Rücken gefesselten Händen aus Gips und Wachs kam für $ unter den Hammer 9,9 Millionen zur Sammlung des französischen Tycoons Francois Pinault (nach anderen Quellen der Amerikanerin Phyllis Wattis). Der Kostenvoranschlag für die Arbeit betrug nur 2 bis 3 Millionen US-Dollar, sodass das Ergebnis für alle eine echte Überraschung war.

Vor diesem legendären Verkauf hatten nur zwei von Naumans Werken die Millionen-Dollar-Marke überschritten. Und in seiner gesamten Auktionskarriere wurden bisher neben „Henry Moore...“ nur sechs Werke für siebenstellige Beträge versteigert, deren Erlöse aber immer noch nicht mit neun Millionen zu vergleichen sind.

„Helpless Henry Moore“ gehört zu einer Reihe polemischer Werke Naumans über die Figur von Henry Moore (1898–1986), einem britischen Künstler, der in den sechziger Jahren als einer der größten Bildhauer des 20. Jahrhunderts galt. Junge Autoren, die im Schatten des anerkannten Meisters standen, attackierten ihn daraufhin mit heftiger Kritik. Naumans Werk ist eine Antwort auf diese Kritik und zugleich eine Reflexion über das Thema Kreativität. Der Titel der Arbeit wird zu einem Wortspiel, da er zwei Bedeutungen des englischen Wortes „bounded“ vereint – „bounded“ (im wörtlichen Sinne) und „doomed to a bestimmtes Schicksal“.

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Nur aus irgendeinem Grund „Schwarzes Quadrat“ von Malewitsch, als Beispiel... lass es ein gutes Management geben.
Allerdings gibt es immer noch viele Gemälde dieser Art, dass man beim Betrachten nur denkt: „Na, wofür, wofür ist denn DAS Geld?!“ :))

Die zehn aufgeführten Malbeispiele sind anschauliche Beispiele dafür, wie man für jedes reine Gekritzel (z. B. von einem fünfjährigen Kind gemalt oder auf einem Flohmarkt gekauft) fabelhaftes Geld verdienen kann, indem man sich einen tollen Namen dafür ausdenkt , schreibt eine unglaubliche Geschichte über seine Entstehung und stellt es auf einer der berühmtesten Auktionen der Welt zur Verfügung :

1. „Concept of Space, Waiting“ von Lucio Fontana – 1,5 Millionen US-Dollar

„The Concept of Space, Waiting“ des Künstlers Lucio Fontana wurde in London für eineinhalb Millionen Dollar versteigert. Bei diesem Stück handelt es sich um eine einfarbige Leinwand mit Längsschlitzen. Die Millionen-Dollar-Frage: Wird der Wert dieses Gemäldes steigen, wenn noch ein paar Löcher darin gemacht werden?

2. „Blood Red Mirror“ von Gerhard Richter – 1,1 Millionen US-Dollar

„Mirror“ wurde für 1,1 Millionen verkauft. Wenn man den Wert der anderen Werke von Gerhard Richter erkennt, ist es schwierig, den Wert dieses Werkes zu verstehen. Es ist nur rote Farbe, die mit einem leichten Farbverlauf auf den Spiegel aufgetragen wurde, oder? Vielleicht wollte der Sammler, der dieses Stück kaufte, sich einfach in einer ungewöhnlichen Farbe im Spiegel sehen.

3. „The Green Blob“ von Ellsworth Kelly – 1,6 Millionen US-Dollar

Dieses Gemälde wurde für 1,6 Millionen Dollar verkauft. Soweit wir wissen, erhielten die meisten Werke von Ellsworth Kelly einen Sonderpreis große Summen Es ist nicht möglich zu helfen, aber dieses Gemälde ist eine Ausnahme. Ja, obwohl es sich nur um eine Leinwand mit einem deformierten Kreis in der Mitte handelt, wurde ein Kenner gefunden und so viel dafür bezahlt, wie eine kleine thailändische Insel kostet.

4. „Untitled“ (1961) von Mark Rothko – 28 Millionen US-Dollar

Dieses Werk von Mark Rothko wurde für mehr als 28 Millionen US-Dollar versteigert. „Schrecklich“ wäre wahrscheinlich übertrieben, aber „langweilig“ ist wohl die treffendste Beschreibung dieses Bildes. Was würden Sie sagen, wenn Ihr Kind nach einem einjährigen Kunststudium ein solches Meisterwerk mit nach Hause bringen würde? Nun, zum Beispiel: a) sie waren stolz und hängten es an die Wand oder c) sie sagten: „Sehr gut ... aber versuchen Sie das nächste Mal, etwas Erkennbareres zu zeichnen.“

5. „Untitled“ von Blinky Palermo – 1,7 Millionen US-Dollar

Dieses Werk wurde für 1,7 Millionen US-Dollar versteigert. „Untitled“ ist wie der Rest von Palermos Werk eine Kombination aus mehrfarbigen Streifen. Einer von Kunstkritiker beschrieb dieses Kunstwerk wie folgt: „Palermos Leinwände geben dem Betrachter wenig bis gar nichts, es sind nur leichte Tonveränderungen sichtbar, es gibt keine malerischen Striche.“ Stattdessen präsentieren sie dem Betrachter reine, unverdünnte Farbe.“ Bravo! Es ist einfach erstaunlich, dass es jemandem gelungen ist, ein solches Werk mit wenigen Elementen zu beschreiben und darin sogar positive Aspekte zu finden!

6. „Malerei (Hund)“, Joan Miro – 2,2 Millionen US-Dollar

Dieses Werk von Joan Miro wurde für 2,2 Millionen Dollar versteigert. Unter Miros anderen wunderbaren Werken scheint uns dies eine Anomalie zu sein. Es ist schwer zu verstehen, warum der Sammler dieses Gemälde kaufte – vielleicht wollte er einfach nur einen Teil des Erbes des großen Meisters besitzen?

7. White Fire I, Barnett Newman – 3,8 Millionen US-Dollar

Barnett Newmans White Fire I wurde für 3,8 Millionen Dollar gekauft. „Der Name „Weißes Feuer“ ist ein mystischer Begriff, der aus der Thora stammt. Daher ist er zweifellos von dem tiefen spirituellen Gefühl durchdrungen, das Newman dem Publikum mit seinem Film vermitteln wollte.“ Wirklich? Stehen zwei Zeilen auf einer leeren Leinwand in direktem Zusammenhang mit der Thora?

8. „Untitled“, Cy Twombly – 2,3 Millionen US-Dollar

Dieses Gemälde von Cy Twombly wurde bei Christie's für 2,3 Millionen US-Dollar verkauft. Diese Arbeit wurde mit Buntstiften auf Papier gemacht, also ungefähr auf die gleiche Weise und mit den gleichen Materialien, mit denen man im Kindergarten die ersten Buchstaben schreibt. Wenn man es von der Seite betrachtet, sieht es aus wie ein fünfjähriges Kind, das das Schreiben des Buchstabens „e“ übt, nicht wahr?

9. „Cowboy“, Ellsworth Kelly – 1,7 Millionen US-Dollar

Ellsworth Kellys Cowboy wurde für 1,7 Millionen Dollar versteigert. Kelly studierte über vier Jahre lang Malerei am Museum of Fine Arts in Boston und Paris, bevor er seinen eigenen Stil entwickelte. Er beschloss, einen Stil zu schaffen, der hauptsächlich aus Blöcken auf Leinwand besteht. Ein Anfänger könnte denken, dass dies eine schlechte Wahl ist: Was ist das Besondere an Polyedern auf Papier? Aus wirtschaftlicher Sicht hat Kelly jedoch den Nagel auf den Kopf getroffen. Wie steht es mit der Ästhetik? Kaum.

10. „The Blue Fool“, Christopher Wool – 5 Millionen US-Dollar

Und schließlich ist das Gemälde mit dem symbolischen Titel „Der blaue Narr“ der würdigste Abschluss dieses Artikels. Es wurde für über 5 Millionen US-Dollar versteigert. Man kann kaum glauben, dass Christopher, der sich auf das Schreiben von Wörtern auf Leinwand spezialisiert hat, viel gelacht hat, als dieses Gemälde verkauft wurde. Jemanden davon zu überzeugen, ein Gemälde mit der beredten blauen Aufschrift „Fool“ zu kaufen, ist einfach... Bravo, Christopher!

doseng.org

Kunst kennt keine Grenzen, insbesondere wenn es um Gemälde geht. Manche Künstler schaffen großartige Gemälde, die leider erst nach ihrem Tod anerkannt werden, andere bleiben in der Zeit verloren. Gemälde sind eine Art Spiegel des Bewusstseins, der Empfindungen und der Weltanschauung des Künstlers. Aber nicht jedes Bild versteht man auf Anhieb und manchmal sieht man auch nach hundertmaligem Betrachten des Bildes nur Gekritzel vor Augen. Manche sehen darin Kunst, andere verdrehen einfach den Finger an der Schläfe. Trotzdem werden solche „Meisterwerke“ für unglaublich viel Geld verkauft.

Der berühmte italienische Maler Lucio Fontana und sein „Raumkonzept. Erwartung"

Dank dieser Schnittlinien im Gemälde wurde Fontana auf der ganzen Welt berühmt. Dieses Kunstwerk wurde bei einer Auktion für eineinhalb Millionen Dollar verkauft. Die Leinwand ist im Stil des Spazialismus gefertigt. Diese Richtung in der Kunst verbindet Malerei und Skulptur und soll dadurch Raum, Zeit, Klang, Bewegung und Farbe vereinen. Manche sehen auf diesem Bild eine Art Vorhang, der sich gerade vor dem Betrachter öffnet, doch während er geschlossen ist, warten alle auf etwas.

Der berühmte katalanische Bildhauer, Künstler und Grafiker Joan Miró und sein weltberühmtes Gemälde „Hund“

Joan Mirós Gemälde sind spezifisch und nicht jedem gefallen sie. Grundsätzlich arbeitete der Künstler in Richtung der abstrakten Kunst, dennoch stand ihm auch der Surrealismus nahe. Seine Bilder ähneln Kinderzeichnungen, Figuren, die nur entfernt an verständliche Bilder erinnern. Joan Mirós Gemälde „Hund“ wurde bei einer Auktion für 2,2 Millionen Dollar verkauft.

Gerhard Richter

Gerhard Richter ist ein weltberühmter Künstler. Trotz seines ehrwürdigen Alters und eines Schlaganfalls erfreut der Mann weiterhin aktiv sowohl berühmte Museen als auch Sammler mit seinen Werken. Der berühmte Künstler veröffentlicht etwa zweihundert Gemälde pro Jahr. Es ist erwähnenswert, dass Richter einer der meisten ist liebe Künstler der Welt, und das obige Foto des Gemäldes ist bei weitem nicht das teuerste Exemplar. Das abstrakte Gemälde kostete einen Sammler sechs Millionen Dollar, doch für das teuerste Gemälde des Künstlers musste er nicht weniger, sondern ganze 46,3 Millionen Dollar bezahlen.

Cy Twombly

Wenn man sich alle Bilder genau anschaut berühmter Künstler Sai Twomblin aus dem 20. Jahrhundert, wir können mit Sicherheit sagen, dass sie alle im Stil des Abstraktionismus gefertigt sind. Dieses Kunstwerk wurde bei einer der Auktionen für neun Millionen Dollar verkauft.

Christopher Wool und sein berühmtes „Apocalypse Now“

Christopher Wool wurde erst 2013 berühmt, nachdem sein Gemälde mit dem Titel „Apocalypse Now“ für 26,5 Millionen Dollar verkauft wurde. Nach diesem erfolgreichen Deal schossen die Preise für seine Gemälde in die Höhe und er ist heute einer der bestbezahlten Künstler New Yorks. Seine Gemälde schmücken Ausstellungen und werden auch von verschiedenen Sammlern und Bewunderern dieses Künstlers aktiv gekauft.

Robert Ryman und sein berühmtes Gemälde „Die Brücke“

Dieses Gemälde des berühmten Künstlers Robert Ryman zog bei der Auktion im Jahr 2015 einfach alle in seinen Bann. Für das Gemälde wurden 20,6 Millionen US-Dollar bezahlt. Die meisten Künstler klassifizieren Robert Ryman als Minimalisten, doch wie der Mann selbst sagt, ist er in seinen Werken eher ein „Realist“. Ihn interessiert die ganze pompöse Illusion, die einige seiner Kollegen in ihren Bildern erzeugen, überhaupt nicht. Robert zeigt gerne die wahre Seite bestimmter Dinge.

Jasper Johns und sein berühmtes Gemälde „The Flag“

Bei der Auktion 2014 wurden 36 Millionen Dollar für ein Gemälde des lebenden Künstlers Jasper Johns bezahlt, was ihn automatisch in die Kategorie der bestbezahlten Künstler unserer Zeit einordnete. Unmittelbar nach seiner Rückkehr aus der Armee wurden Flaggen zu einer zentralen Figur in Jaspers Werk.