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Dieses Bild ist auf Farbtönen aufgebaut, nicht auf Blau, nicht auf Rosa – auf Grautönen. Alles ist in Dunkelheit gehüllt – nein, das stimmt nicht. Es ist eine helle Nacht, denn die Luft ist sauber, es gibt niemanden, es gibt keinen Rauch und keine Stadtlichter. Nacht - da ist Leben, es gibt keinen Ton. Die Zivilisation ist irgendwo da draußen, jenseits des Horizonts. Kuindzhi wusste, wie man die Weite offener Räume zeigt Heimat und die leuchtenden Farben der kleinen Szene.

Leonardo hat viele Zeichnungen, die der Entwicklung der Handlung der Madonna mit Kind gewidmet sind, insbesondere dem sogenannten Säugetier, d. h. Stillen. Aber stellen Sie sich ihn als einen sentimentalen Künstler vor, der tief und ehrfürchtig darüber nachdenkt Mutterliebe(wie oft in Rezensionen geschrieben wird, die der Eremitage „Madonna Litta“ gewidmet sind), ist dies völlig unmöglich. Bitte lass mich gehen! Zärtlichkeit, Sentimentalität usw. mimimi- das ist etwas, was Leonardo definitiv nicht hat und nie hatte.

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Aschig, rauchig, träge, pastellfarben, luftig... Lila, blassblau, zart, transparent... Rosenasche. Im wahnsinnig talentierten Bestsellerroman von K. McCullough „The Thorn Birds“ ist die Farbe des Kleides Hauptfigur, die zur ewigen Trennung von ihrem Geliebten verurteilt war, wurde „Asche der Rose“ genannt. Im Porträt von Maria Lopukhina, die ein Jahr nach ihrer Fertigstellung an Schwindsucht starb, ist alles von der subtilen Traurigkeit der Jugend durchdrungen, die in keine Zukunft führt und wie Rauch verschwindet – alles ist von der „Asche einer Rose“ durchdrungen.

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Kein Wolf, kein graues Fass, sondern ein Naturmonster, Fenrir, ein Waldmonster aus Märchen nördliche Völker- so ein wirklich FABELHAFTER Wolf auf dem Gemälde von Viktor Vasnetsov. Und was die menschlichen Charaktere betrifft, gibt es auch etwas zu analysieren. Für uns Erwachsene ist es schwierig, ein Märchen noch einmal zu erleben, aber es ist auch schwierig, den Künstler, der das Märchen malt, vollständig zu verstehen. Versuchen wir es jedoch.

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Alyonushka aus Vasnetsovs Gemälde ist eine schwierige Heldin. Dieses Werk ist bei aller Alltäglichkeit der Landschaft, bei allem Ruhm des Märchens schwer zu verstehen. Es besteht also keine Notwendigkeit, es zu verstehen. Du solltest dir Sorgen machen. Es ist, als würde man einem Märchen zuhören.

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Hervorragend in der Eleganz seiner Farbgebung, brillant in seiner Einfachheit und dem semantischen Inhalt der Handlung, scheint das Gemälde von Isaac Levitan einfach ein „fotografischer Schnappschuss“ einer Landschaft mit Wasser, einer Brücke, einem Wald zu sein, in dem die Glockentürme und Kirchen des „Stillen Wohnortes“ sind verborgen. Aber denken wir über die Symbole und Zeichen nach.

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Das riesige Gemälde hat die bewegte Meeresoberfläche zum Thema; die Leinwand heißt tatsächlich „Unter den Wellen“. Ausdruck der Idee des Künstlers sind nicht nur Farbe und Komposition, sondern auch die Handlung selbst: das Meer, das Meer als ein für den Menschen fremdes und gefährliches Element.

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Das Gemälde des berühmten russischen Künstlers, der den größten Teil seines Lebens in Indien verbrachte und mit einer Expedition durch Zentralasien reiste, zeigt den nicht minder großen tibetischen Einsiedler, Wanderlehrer und Praktizierenden des Yoga Milarepa. Was hat er gehört?..

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Arkady Rylovs Gemälde „Sonnenuntergang“ wurde wie in den letzten Jahren gemalt, und doch grenzt diese Leinwand auf der Zeitachse an die Oktoberrevolution von 1917. Eine typische Landschaft des russischen Nordens, kosmische Farben am gesamten Himmel – Rot, Schwarz und Lila, blaues Wasser.

Richtung

Romantik (französischer Romantismus) - ideologisch und künstlerische Leitung in der Kultur des späten 18. Jahrhunderts - der erste Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert, zeichnet sich durch die Bestätigung des inneren Wertes des spirituellen und kreativen Lebens des Einzelnen, die Darstellung starker (oft rebellischer) Leidenschaften und Charaktere sowie einer vergeistigten und heilenden Natur aus. Verbreiten Sie sich auf verschiedene Bereiche menschliche Aktivität. Im 18. Jahrhundert wurde alles Seltsame, Malerische und Vorhandene in Büchern und nicht in der Realität als romantisch bezeichnet. IN Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert wurde die Romantik zur Bezeichnung einer neuen Richtung im Gegensatz zum Klassizismus und der Aufklärung.

Geboren in Deutschland. Der Vorbote der Romantik ist Sturm und Drang und Sentimentalismus in der Literatur.

Die Romantik löst das Zeitalter der Aufklärung ab und fällt mit der Industriellen Revolution zusammen, die durch das Aufkommen von Dampfmaschinen, Dampflokomotiven, Dampfschiffen, Fotografien und Fabrikgeländen gekennzeichnet ist. Wenn die Aufklärung durch den Kult der Vernunft und der Zivilisation auf der Grundlage ihrer Prinzipien gekennzeichnet ist, dann bekräftigt die Romantik den Kult der Natur, der Gefühle und des Natürlichen im Menschen. In der Epoche der Romantik entstanden die Phänomene Tourismus, Bergsteigen und Picknicken, die darauf abzielten, die Einheit von Mensch und Natur wiederherzustellen. Das Bild eines „edlen Wilden“, bewaffnet mit „ Volksweisheit„und nicht von der Zivilisation verdorben.

Die für die Romantik zentrale Kategorie des Erhabenen wurde von Kant in seinem Werk „Kritik der Urteilskraft“ formuliert. Nach Kant gibt es eine positive Freude am Schönen, die sich in ruhiger Kontemplation ausdrückt, und eine negative Freude am Erhabenen, Formlosen, Unendlichen, die nicht Freude, sondern Staunen und Verständnis hervorruft. Mit dem Singen des Erhabenen wird das Interesse der Romantik am Bösen, seine Veredelung und die Dialektik von Gut und Böse assoziiert („Ich bin Teil jener Kraft, die immer Böses will und immer Gutes tut“).

Die Romantik stellt dem pädagogischen Fortschrittsgedanken und der Tendenz, alles „Veraltete und Überholte“ wegzuwerfen, ein Interesse an Folklore, Mythos, Märchen, dem einfachen Mann, einer Rückkehr zu den Wurzeln und der Natur gegenüber.

Die Romantik stellt der Tendenz zum Atheismus ein Umdenken in der Religion gegenüber. „Wahre Religion ist das Gefühl und der Geschmack der Unendlichkeit“ (Schleiermacher). Dem deistischen Konzept von Gott als dem Höchsten Geist stehen Pantheismus und Religion als eine Form der Sinnlichkeit, die Idee des lebendigen Gottes, gegenüber.

Mit den Worten von Benedetto Croce: „Die philosophische Romantik hat das Banner dessen gehisst, was manchmal fälschlicherweise als Intuition und Fantasie bezeichnet wird, und zwar trotz der kalten Vernunft und des abstrakten Intellekts.“ Prof. Jacques Barzin stellte fest, dass Romantik nicht als Rebellion gegen die Vernunft betrachtet werden kann: Es ist eine Rebellion gegen rationalistische Abstraktionen. Wie Prof. schreibt. G. Skolimowski: „Erkennung der Logik des Herzens (von der Pascal so ausdrucksstark spricht), Anerkennung der Intuition und mehr.“ tiefe Bedeutung Das Leben ist gleichbedeutend mit der Auferstehung eines flugfähigen Menschen. Zur Verteidigung dieser Werte, gegen die Invasion des spießbürgerlichen Materialismus, des engstirnigen Pragmatismus und des mechanistischen Empirismus rebellierte die Romantik.“

Die Begründer der philosophischen Romantik: die Gebrüder Schlegel (August Wilhelm und Friedrich), Novalis, Hölderlin, Schleiermacher.

Vertreter: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Carl Friedrich Lessing, Carl Spitzweg, Carl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Lucy Madox Brown, Gillot St. Evr.

Die Entwicklung der Romantik in der Malerei verlief in scharfer Polemik mit Anhängern des Klassizismus. Die Romantiker warfen ihren Vorgängern „kalte Rationalität“ und mangelnde „Bewegung des Lebens“ vor. In den 20er und 30er Jahren waren die Werke vieler Künstler von Pathos und nervöser Erregung geprägt; Sie zeigten einen Hang zu exotischen Motiven und Fantasiespielen, die in der Lage waren, aus dem „trostlosen Alltag“ herauszuführen. Der Kampf gegen eingefrorene klassizistische Normen dauerte lange, fast ein halbes Jahrhundert. Der erste, dem es gelang, die neue Richtung zu festigen und die Romantik zu „rechtfertigen“, war Theodore Gericault.

Einer der Zweige der Romantik in der Malerei ist der Biedermeier-Stil.

Die Romantik entstand erstmals in Deutschland bei Schriftstellern und Philosophen der Jenaer Schule (W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, Brüder F. und A. Schlegel). Die Philosophie der Romantik wurde in den Werken von F. Schlegel und F. Schelling systematisiert

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Wikipedia: Details Kategorie: Vielfalt an Stilen und Bewegungen in der Kunst und ihre Merkmale Veröffentlicht 08.02.2015 17:33 Aufrufe: 4575

Die Romantik etablierte sich, nachdem sie die Aufklärung abgelöst und den Sentimentalismus durchlaufen hatte Europäische Kultur Ende des 18. Jahrhunderts – erste Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Diese ideologische und künstlerische Richtung stand im Gegensatz zum Klassizismus und der Aufklärung. Und der Vorbote der Romantik war der Sentimentalismus. Der Geburtsort der Romantik ist Deutschland.

Philosophie der Romantik

Die Romantik bekräftigte den Kult der Natur, der Gefühle und des Natürlichen im Menschen. Aber Sie mögen einwenden, das sei es auch, was der Sentimentalismus behauptete. Was ist also der Unterschied zwischen ihnen?
Ja, der Protest gegen mangelnde Spiritualität und Egoismus spiegelt sich bereits in Sentimentalität wider. Die Romantik bringt diese Ablehnung am deutlichsten zum Ausdruck. Romantik im Allgemeinen ist ein komplexeres und widersprüchlicheres Phänomen als Sentimentalismus. Wenn im Sentimentalismus das Ideal die Seele ist gewöhnlicher Mann, das Sentimentalisten nicht nur der Seele eines Aristokraten gleichstellen, sondern manchmal sogar höher und edler sehen, dann interessiert sich die Romantik nicht nur für die Tugend, sondern auch für das Böse, das sie sogar zu veredeln versucht; Er interessiert sich auch für die Dialektik von Gut und Böse im Menschen (erinnern Sie sich an die Hauptfigur von M. Yu. Lermontovs Roman „Ein Held unserer Zeit“).

M. Vrubel. Illustration zu Lermontovs Roman „Ein Held unserer Zeit“. Duell zwischen Petschorin und Gruschnitski

Romantische Dichter begannen, in ihren Werken Bilder von Engeln zu verwenden, insbesondere von gefallenen. Zum Beispiel Interesse am Bild eines Dämons: mehrere Gedichte und das Gedicht „Dämon“ von Lermontov; ein dem Dämon gewidmeter Gemäldezyklus von M. Vrubel.

M. Vrubel „Der sitzende Dämon“
Die Romantiker versuchten, das Geheimnis der menschlichen Existenz zu lüften, indem sie sich der Natur zuwandten und ihren religiösen und poetischen Gefühlen vertrauten. Gleichzeitig versucht die Romantik sogar, Religion neu zu denken.
Romantischer Held ist eine komplexe, leidenschaftliche Persönlichkeit mit einer tiefen, aber widersprüchlichen Innenwelt – das ist ein ganzes Universum. M. Yu. Lermontov sagte dies in seinem Roman: „Die Geschichte der menschlichen Seele, selbst der kleinsten Seele, ist fast noch merkwürdiger und nicht.“ nützlicher als die Geschichte ein ganzes Volk. Eigenschaften Die Romantik interessierte sich für starke und lebendige Gefühle, alles verzehrende Leidenschaften und die geheimen Bewegungen der Seele.
Ein weiteres Merkmal der Romantik ist ihr Interesse an Folklore, Mythen und Märchen. Besonders beliebte Genres in der russischen Romantik sind Balladen, romantisches Drama. Dank Schukowskis Übersetzungen lernten russische Leser die Balladen von I.V. kennen. Goethe, F. Schiller, W. Scott und danach wandten sich viele Dichter dem Balladengenre zu: A.S. Puschkin („Lied von Prophetischer Oleg", "Ertrunken"), M.Yu. Lermontov („Luftschiff“, „Meerjungfrau“), A.K. Tolstoi und andere. Und dank V. Schukowski hat sich in Russland eine weitere Literaturgattung etabliert - die Elegie.
Romantiker interessierten sich für verschiedene historische Epochen, ihre Originalität sowie exotische und geheimnisvolle Länder und Umstände. Ein Genre schaffen historischer Roman- auch ein Verdienst der Romantik. Der Begründer des historischen Romans ist W. Scott, aber dieses Genre wird in den Werken von F. Cooper, A. Vigny, V. Hugo und anderen weiterentwickelt.
Und ein weiteres Merkmal der Romantik (keineswegs das einzige) ist die Schaffung einer eigenen, besonderen Welt, schöner und realer als die Realität. Der romantische Held lebt in dieser Welt, verteidigt leidenschaftlich seine Freiheit und glaubt, dass er sich nicht an die Regeln hält Außenwelt, aber nur nach deinen eigenen Regeln.
In der Epoche der Romantik blühte die Literatur auf. Aber im Gegensatz zur sentimentalen Literatur schottete sich diese Literatur nicht von sozialen und politischen Problemen ab.

ICH K. Aivazovsky, I.E. Repin „Puschkins Abschied vom Meer“ (1877)
Die Landschaft nimmt im Werk der Romantiker (in allen Kunstformen) einen bedeutenden Platz ein – vor allem das Meer, die Berge, der Himmel und die stürmischen Elemente, zu denen der Held komplexe Beziehungen hat. Die Natur kann ähnlich sein leidenschaftliche Natur romantischer Held, kann ihm aber auch widerstehen, entpuppt sich als feindliche Kraft, mit der er kämpfen muss.

I. Aivazovsky „Die neunte Welle“ (1850). Staatliches Russisches Museum (St. Petersburg)
IN verschiedene Länder Das Schicksal der Romantik hatte seine eigenen Merkmale.

Romantik in der Malerei

T. Gericault

Viele Künstler aus verschiedenen europäischen Ländern malten im Stil der Romantik. Aber für eine lange Zeit Die Romantik stand im Kampf mit dem Klassizismus. Und erst nach dem Erscheinen des als innovativ geltenden Gemäldes „Das Floß der Medusa“ von Theodore Gericault erkannten Anhänger des akademischen Stils die Romantik als neue künstlerische Richtung in der Kunst, obwohl das Gemälde zunächst auf Missbilligung stieß. Aber es war dieses Bild, das den Anfang markierte Französische Romantik. In Frankreich waren die Traditionen des Klassizismus stark und die neue Richtung musste Widerstände überwinden.

T. Gericault „Das Floß der Medusa“ (1819). Öl auf Leinwand. 491 x 716 cm. Louvre (Paris)
Die Handlung des Films ist die Geschichte der Fregatte „Medusa“, die aufgrund der Inkompetenz des Kapitäns 1816 vor der Küste Senegals abstürzte. 140 Passagiere und Besatzungsmitglieder versuchten zu fliehen, indem sie auf dem Floß landeten. Erst am 12. Tag wurden sie von der Brigg Argus abgeholt, aber nur 15 Menschen überlebten. Im Jahr 1817 schrieben zwei von ihnen, der Ingenieur Correard und der Chirurg Henri Savigny, ein Buch über diese Tragödie.
Theodore Gericault war wie viele andere schockiert über das, was mit Medusa passiert ist. Er spricht mit Augenzeugen des Ereignisses, fertigt Skizzen der Hingerichteten und Sterbenden an und schreibt Hunderte von Skizzen des tosenden Meeres. Und obwohl sich das Gemälde durch seine monochrome Farbe auszeichnet, liegt sein Hauptvorteil in der tiefen Psychologisierung der auf der Leinwand dargestellten Situation.
Ein weiterer Anführer des romantischen Trends in Europäische Malerei war ein französischer Maler und Grafiker Eugene Delacroix.

Eugene Delacroix „Selbstporträt“ (1837)
Sein Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“ (1830) entstand in Anlehnung an die Julirevolution von 1830, die dem Restaurationsregime der Bourbonenmonarchie ein Ende setzte.
Die in der Bildmitte dargestellte Frau symbolisiert Freiheit. Auf ihrem Kopf trägt sie eine phrygische Mütze (ein Symbol für Freiheit oder Revolution), in rechte Hand Flagge des republikanischen Frankreichs, links eine Waffe. Die nackte Brust symbolisiert die Hingabe der damaligen Franzosen, die mit „ mit nacktem Oberkörper„Wir gingen auf den Feind zu. Um Liberty herum steht ein Arbeiter, ein Bürger, ein Teenager, der die Einheit des französischen Volkes während der Julirevolution symbolisiert. Einige Kunsthistoriker und Kritiker vermuten, dass der Künstler sich selbst als Mann mit Zylinder links von der Hauptfigur dargestellt hat.

O. Kiprensky „Selbstporträt“ (1828)
Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836) – berühmter russischer Künstler, Grafiker und Maler, Meister der Porträtmalerei.

O. Kiprensky „Porträt von A.S. Puschkin“ (1827). Öl auf Leinwand. 63 x 54 cm Tretjakow-Galerie(Moskau)
Das ist vielleicht das Beste berühmtes Porträt Puschkin, im Auftrag des Künstlers von Puschkins Freund Delvig. Auf der Leinwand ist Puschkin hüfthoch dargestellt, die Arme vor der Brust verschränkt. Über der rechten Schulter des Dichters ist ein kariertes schottisches Plaid drapiert – mit diesem Detail bezeichnet der Künstler Puschkins Verbindung zu Byron, dem Idol der Romantik.

K. Bryullov „Selbstporträt“ (1848)
Das Werk des russischen Künstlers K. Bryullov wird als akademisch eingestuft, aber einige seiner Gemälde stellen mit ihrem Sinn für Tragödie und Konflikte im Leben, ihrem Interesse an starken Leidenschaften, außergewöhnlichen Themen und Situationen und in der Welt den Höhepunkt der russischen Spätromantik dar Schicksale riesiger Menschenmassen.

K. Bryullov „Der letzte Tag von Pompeji“ (1830-1833). Öl auf Leinwand. 465,5 x 651 cm. Staatliches Russisches Museum (St. Petersburg)
Bryullov kombinierte im Bild dramatische Handlung, romantische Lichteffekte und skulpturale, klassisch perfekte Plastizität der Figuren.
Das Gemälde zeigt den berühmten Ausbruch des Vesuvs im Jahr 79 n. Chr. e. und die Zerstörung der Stadt Pompeji in der Nähe von Neapel. „Der letzte Tag von Pompeji“ veranschaulicht die Romantik der russischen Malerei, gemischt mit Idealismus, einem gesteigerten Interesse am Freilicht und einer Hinwendung zu ähnlichen historischen Themen. Der für die Romantik charakteristische tiefe Psychologismus hilft, in jeder Figur eine Persönlichkeit zu erkennen: respektabel und selbstlos (eine Gruppe von Menschen in der unteren rechten Ecke des Bildes, die einen älteren Mann trägt), gierig (eine Figur in Weiß, die heimlich gestohlenes Eigentum von jemandem trägt). ), liebend (der junge Mann auf der rechten Seite malt, während er versucht, seine Geliebte zu retten), hingebungsvoll (Mutter umarmt ihre Töchter in der unteren linken Ecke des Gemäldes) usw.
Das Bild des Künstlers in der linken Ecke des Gemäldes ist ein Selbstporträt des Autors.
Und hier ist der Bruder des Künstlers, Brjullow Alexander Pawlowitsch, war ein Vertreter der Romantik in der Architektur (obwohl er auch Künstler war).

A. Bryullov „Selbstporträt“ (1830)
Er erstellte Projekte für Gebäude in St. Petersburg und Umgebung.

Gebäude Michailowski-Theater ebenfalls nach dem Entwurf von A. Bryullov gebaut.

Orthodoxe Kirche der Heiligen Apostel Peter und Paul im Dorf Pargolovo (heute das Gebiet von St. Petersburg)

Romantik in der Musik

M. Wodzinskaya „Porträt von F. Chopin“ (1835)

Die Musikromantik, die sich in den 1820er Jahren entwickelte, erfasste das gesamte 19. Jahrhundert. und wird durch eine ganze Galaxie repräsentiert die talentiertesten Komponisten, von denen es sogar schwierig ist, einen oder mehrere herauszugreifen, um andere nicht zu beleidigen. Daher werden wir versuchen, so viele Namen wie möglich zu nennen. Die bekanntesten Vertreter der Romantik in der Musik sind Franz Schubert, Franz Liszt und Spätromantiker Anton Bruckner und Gustav Mahler (Österreich-Ungarn); Ludwig van Beethoven (teilweise) Johannes Brahms, Richard Wagner, Anna Maria Weber, Robert Schumann, Felix Mendelssohn (Deutschland); Frederic Chopin (Polen); Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, früher Giuseppe Verdi (Italien); A. A. Alyabyev, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky, M.A. Balakirev, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, P. I. Tschaikowsky (Russland).

J. Kriehuber „Bildnis R. Schumann“ (1849)
Romantische Komponisten versuchten es zu nutzen musikalische Mittel drücken die Tiefe und den Reichtum der inneren Welt eines Menschen aus. Die Musik wird markanter und individueller. Liedgenres werden entwickelt, darunter auch Balladen.

Das Hauptproblem romantische Musik ist das Problem des Individuums in seinem Konflikt mit der Außenwelt. Der romantische Held ist immer einsam. Das Thema Einsamkeit ist in der gesamten romantischen Kunst das beliebteste. Sehr oft ist damit der Gedanke verbunden kreative Persönlichkeit: Ein Mensch ist einsam, wenn er ein außergewöhnlicher, begabter Mensch ist. Der Künstler, der Dichter, der Musiker sind die Lieblingshelden in den Werken der Romantiker („Die Liebe eines Dichters“ von Schumann, „Fantastische Symphonie“ von Berlioz mit dem Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“, Symphonisches Gedicht Liszt Tasso).

PI. Tschaikowsky
Romantische Musik, wie andere Arten auch romantische Kunst, hat ein großes Interesse daran menschliche Persönlichkeit, die Vorherrschaft des persönlichen Tons in der Musik. Oft Musikalische Werke waren mit einem Hauch von Autobiographie versehen, was der Musik besondere Aufrichtigkeit verlieh. Zum Beispiel viele Klavierwerke Schumanns Werke sind mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Autobiografischer Charakter Wagner legte den Schwerpunkt auf seine Opern. Auch die Musik Chopins, der in seinen Mazurken, Polonaisen und Balladen seine Sehnsucht nach seiner Heimat (Polen) zum Ausdruck brachte, kann als autobiografisch bezeichnet werden. P.I., der Russland und die russische Natur zutiefst liebte. Tschaikowsky malt in vielen seiner Werke Bilder der Natur, der Zyklus der Klavierstücke „Die Jahreszeiten“ ist ihr ganz gewidmet.

Romantik in der Literatur

Brüder Grimm: Wilhelm und Jacob

Die Romantik entstand erstmals in Deutschland bei den Schriftstellern und Philosophen der Jenaer Schule. Hierbei handelt es sich um eine Gruppe von Persönlichkeiten der Romantik, die sich 1796 in der Universitätsstadt Jena versammelten (Brüder August Wilhelm und Friedrich Schlegel, Ludwig Tieck, Novalis). Sie beginnen mit der Veröffentlichung des Athenaeum-Magazins, in dem sie ihr eigenes Magazin formulieren Ästhetisches Programm Romantik. In der Zukunft Deutsche Romantik zeichnete sich durch sein Interesse an märchenhaften und mythologischen Motiven aus (Werke der Brüder Wilhelm und Jacob Grimm, Hoffmann).

R. Westall „Porträt von Byron“
Ein strahlender Vertreter Englische Romantik ist D.G. Byron, der, in den Worten von A.S. Puschkin war „in stumpfe Romantik und hoffnungslosen Egoismus gekleidet“. Sein Werk ist vom Pathos des Kampfes und Protests durchdrungen moderne Welt, lobt Freiheit und Individualismus.
Die englische Romantik umfasst die Werke von Shelley, John Keats und William Blake.

Prosper Merimee
Die Romantik verbreitete sich auch in anderen Ländern Europäische Länder. In Frankreich sind seine Vertreter Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand. In Italien - N.U. Foscolo, A. Manzoni. In Polen – Adam Mickiewicz, Juliusz Słowacki und andere, in den USA – Washington Irving, Fenimore Cooper, Edgar Allan Poe, Henry Longfellow und andere.

Adam Mickiewicz

Romantik in der russischen Literatur

K. Bryullov „Porträt von V. Schukowski“

Zu den romantischen Dichtern zählen K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky und N. M. Yazykov. Die frühe Poesie von A. S. Puschkin steht im Rahmen der Romantik. Die Poesie von M. Yu. Lermontov, der „Russe Byron“ genannt wurde, gilt als Höhepunkt der russischen Romantik.

P. Zabolotsky. „Porträt von M.Yu. Lermontov in der Mentique des Leibgarde-Husarenregiments“ (1837)
Persönlichkeit und Seele sind für Lermontov die Hauptwirklichkeiten der Existenz, das Studium der Persönlichkeit und der menschlichen Seele ist das Hauptthema seiner Werke. Bei der Erforschung der Ursprünge von Gut und Böse kommt Lermontov zu dem Schluss, dass sowohl Gut als auch Böse nicht außerhalb, sondern in ihm existieren. Daher ist es unmöglich zu hoffen, dass sich ein Mensch durch die Veränderung der Welt zum Besseren verändert. Daher mangelt es dem Dichter fast völlig an Aufrufen, für die er kämpfen könnte soziale Gerechtigkeit. Lermontovs Hauptaugenmerk gilt der menschlichen Seele und seinem spirituellen Weg.
Die philosophischen Texte von F. I. Tyutchev vervollständigen die Romantik in Russland.

F. I. Tyutchev (1860-1861). Foto von S. Levitsky
F.I. Tyutchev betrachtete sich nicht als Dichter (er diente als Diplomat), aber alle seine Gedichte sind autobiografisch und voller philosophischer Überlegungen über die Welt und den Menschen darin, über die Widersprüche, die die menschliche Seele quälen, über den Sinn von Leben und Tod .

Schweige, verstecke dich und verstecke dich
Und deine Gefühle und Träume -
Lass es in den Tiefen deiner Seele sein
Sie stehen auf und gehen hinein
Still, wie Sterne in der Nacht, -
Bewundern Sie sie – und schweigen Sie.

Wie kann sich das Herz ausdrücken?
Wie kann dich jemand anderes verstehen?
Wird er verstehen, wofür du lebst?
Ein ausgesprochener Gedanke ist eine Lüge.
Wenn du explodierst, wirst du die Schlüssel stören, -
Füttere sie – und sei still.

Wisse einfach, wie du in dir selbst leben kannst –
Es gibt eine ganze Welt in deiner Seele
Geheimnisvoll magische Gedanken;
Sie werden vom Außenlärm taub sein,
Tageslichtstrahlen werden sich zerstreuen,-
Lausche ihrem Gesang – und sei still!..
_______________
* Schweigen! (lat.)

Wir haben bereits mehrfach gesagt, dass ein Künstler, Dichter oder Komponist nicht immer in einem bestimmten künstlerischen Stil arbeitet. Zudem passt der künstlerische Stil nicht immer in eine bestimmte Zeitepoche. Somit sind die Funktionen von jedem künstlerischer Stil jederzeit zu finden. Manchmal ist es die Mode (zum Beispiel ist der Empire-Stil gerade erst seit kurzem wieder populär), manchmal ist es das Bedürfnis des Künstlers nach genau dieser Art der Selbstdarstellung.

Das spirituelle Leben des Menschen, die Darstellung starker Leidenschaften, die Spiritualisierung der Natur, das Interesse an der nationalen Vergangenheit, der Wunsch nach synthetischen Kunstformen werden mit Motiven des Welttrauers kombiniert, dem Wunsch, den „Schatten“, die „Nacht“, zu erforschen und neu zu erschaffen ” Seite menschliche Seele, mit dem berühmten „ romantische Ironie", was es den Romantikern ermöglichte, das Hohe und das Niedrige, das Tragische und das Komische, das Reale und das Fantastische kühn zu vergleichen und gleichzusetzen. Die Romantik entwickelte sich in vielen Ländern und erlangte überall einen strahlenden Glanz nationale Identität, bestimmt durch lokale historische Traditionen und Bedingungen. Die konsequenteste romantische Schule entwickelte sich in Frankreich, wo Künstler das System reformierten Ausdrucksmittel, dynamisierte die Komposition, kombinierte Formen mit stürmischer Bewegung, verwendete leuchtend satte Farben und einen breiten, verallgemeinerten Malstil (Gemälde von T. Gericault, E. Delacroix, O. Daumier, plastische Kunst von P.J. David d'Angers, A.L. Bari , F. . Ryuda) Die Frühromantik war in Deutschland und Österreich geprägt von einer besonderen Aufmerksamkeit für alles, was sehr individuell ist, einer melancholisch-kontemplativen Tonalität der figurativen und emotionalen Struktur, mystischen und pantheistischen Stimmungen (Porträts und allegorische Kompositionen von F.O. Runge, Landschaften). von K.D. Friedrich und J. A. Koch), der Wunsch, den religiösen Geist Deutschlands wiederzubeleben Italienische Malerei 15. Jahrhundert (Kreativität der Nazarener); Die Kunst des Biedermeier (die Werke von L. Richter, K. Spitzweg, M. von Schwind, F. G. Waldmüller) wurde zu einer Art Verschmelzung der Prinzipien der Romantik und des „Bürgerrealismus“. In Großbritannien sind die Landschaften von J. Constable und R. Bonington geprägt von der romantischen Frische der Malerei, den fantastischen Bildern und ungewöhnlichen Ausdrucksmitteln – den Werken von W. Turner, der Verbundenheit mit der Kultur des Mittelalters und Frührenaissance- Kreativität der Meister der spätromantischen Bewegung der Präraffaeliten Shch.G. Rossetti, E. Burne-Jones, W. Morris usw.). In anderen Ländern Europas und Amerikas wurde die romantische Bewegung durch Landschaften (Gemälde von J. Inness und A.P. Ryder in den USA) und thematische Kompositionen repräsentiert Volksleben und Geschichte (die Werke von L. Galle in Belgien, J. Manes in der Tschechischen Republik, V. Madaras in Ungarn, P. Michalowski und J. Matejko in Polen usw.). Historisches Schicksal Die Romantik war komplex und mehrdeutig. Die eine oder andere romantische Tendenz prägte das Werk bedeutender europäischer Meister des 19. Jahrhunderts – Künstler der Barbizon-Schule, C. Corot, G. Courbet, J.F. Millet, E. Manet in Frankreich, A. von Menzel in Deutschland usw. Gleichzeitig fanden komplexe Allegorien, Elemente der Mystik und Fantasie, die manchmal der Romantik innewohnen, Kontinuität in der Symbolik, teilweise in der Kunst des Postimpressionismus und Jugendstil.

Ende des 18. und Anfang des 19. Jahrhunderts verloren die Ideen des Klassizismus und der Aufklärung an Attraktivität und Relevanz. Neu, das sich als Reaktion auf die kanonischen Techniken des Klassizismus und die moralischen Gesellschaftstheorien der Aufklärung dem Menschen zuwandte, seinem innere Welt, gewann an Stärke und eroberte den Geist. Die Romantik verbreitete sich in allen Bereichen kulturelles Leben und Philosophie. Musiker, Künstler und Schriftsteller wollten in ihren Werken die hohe Bestimmung des Menschen, seine reiche geistige Welt, die Tiefe der Gefühle und Erfahrungen zeigen. Von nun an wurde der Mensch mit seinem inneren Kampf, seinen spirituellen Suchen und Erfahrungen und nicht die „verschwommenen“ Vorstellungen von allgemeinem Wohlbefinden und Wohlstand zum beherrschenden Thema in Kunstwerken.

Romantik in der Malerei

Maler vermitteln durch ihre Kreationen die Tiefe ihrer Ideen und ihre persönlichen Erfahrungen durch Komposition, Farbe und Akzente. Verschiedene europäische Länder hatten ihre eigenen Besonderheiten in der Interpretation romantische Bilder. Dies ist auf philosophische Tendenzen sowie auf die gesellschaftspolitische Situation zurückzuführen, auf die die Kunst eine lebendige Antwort war. Die Malerei war keine Ausnahme. Deutschland, das in kleine Fürstentümer und Herzogtümer zersplittert war, erlebte keine ernsthaften sozialen Umwälzungen; Künstler schufen keine monumentalen Gemälde, die gigantische Helden darstellten; spirituelle Welt der Mensch, seine Schönheit und Größe, moralische Suche. Daher ist die Romantik in der deutschen Malerei am stärksten in Porträts und Landschaften vertreten. Die Werke von Otto Runge sind klassische Designs dieses Genre. In den Porträts des Malers wird durch die subtile Ausarbeitung von Gesichtszügen und Augen sowie durch den Kontrast von Licht und Schatten der Wunsch des Künstlers zum Ausdruck gebracht, die Widersprüchlichkeit der Persönlichkeit, ihre Kraft und Gefühlstiefe zu zeigen. Durch die Landschaft, ein leicht phantastisches, übertriebenes Bild von Bäumen, Blumen und Vögeln, versuchte der Künstler auch die Vielseitigkeit der menschlichen Persönlichkeit, ihre Ähnlichkeit mit der Natur, vielfältig und unbekannt, zu entdecken. Ein prominenter Vertreter der Romantik in der Malerei war der Landschaftsmaler K. D. Friedrich, der die Stärke und Kraft der Natur, der Berge, Meereslandschaften, im Einklang mit dem Menschen.

Die Romantik in der französischen Malerei entwickelte sich nach unterschiedlichen Prinzipien. Revolutionäre Umbrüche, stürmisch soziales Leben Sie manifestierten sich in der Malerei durch die Tendenz der Künstler, historische und fantastische Themen mit Pathos und „nervöser“ Erregung darzustellen, was durch helle Farbkontraste, Bewegungsausdruck, etwas Chaos und Spontaneität der Komposition erreicht wurde. Am umfassendsten und anschaulichsten romantische Ideen präsentiert in den Werken von T. Gericault, E. Delacroix. Die Künstler setzten Farbe und Licht meisterhaft ein und schufen eine pulsierende Gefühlstiefe, einen erhabenen Impuls zu Kampf und Freiheit.

Romantik in der russischen Malerei

Das russische gesellschaftliche Denken reagierte sehr lebhaft auf neue Richtungen und Trends, die sich in Europa abzeichneten. und dann der Krieg mit Napoleon – diese bedeutenden historische Ereignisse, die die philosophischen und kulturellen Bestrebungen der russischen Intelligenz am stärksten beeinflusste. Die Romantik in der russischen Malerei war in drei Hauptlandschaften vertreten, der monumentalen Kunst, wo der Einfluss des Klassizismus sehr stark war und romantische Ideen eng mit akademischen Kanonen verknüpft waren.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts wurde der Darstellung der kreativen Intelligenz, Dichter und Künstler Russlands zunehmend Aufmerksamkeit geschenkt gewöhnliche Menschen und Bauern. Kiprensky, Tropinin, Bryullov versuchten mit großer Liebe, die Tiefe und Schönheit der Persönlichkeit eines Menschen durch einen Blick, eine Kopfdrehung und Details eines Kostüms zu zeigen, um die spirituelle Suche und den freiheitsliebenden Charakter ihrer „Vorbilder“ zu vermitteln. ” Großes Interesse Seine zentrale Stellung in der Kunst prägte die Persönlichkeit einer Person und trug zur Blüte des Genres des Selbstporträts bei. Darüber hinaus malten die Künstler Selbstporträts nicht auf Bestellung; es war ein kreativer Impuls, eine Art Selbstbericht an ihre Zeitgenossen.

Landschaften in den Werken der Romantiker zeichneten sich auch durch ihre Originalität aus. Romantik in der Malerei spiegelte die Stimmung eines Menschen wider und vermittelte sie; die Landschaft musste im Einklang mit ihr sein. Deshalb versuchten Künstler, die rebellische Natur der Natur, ihre Kraft und Spontaneität darzustellen. Orlovsky, Shchedrin, darstellend Meereselement, mächtige Bäume, Bergketten vermittelten einerseits Schönheit und Vielfarbigkeit echte Landschaften Andererseits sorgte es für eine gewisse emotionale Stimmung.