Biografie

Achille Claude Debussy ist ein französischer Komponist. Führender Vertreter des musikalischen Impressionismus.

Debussy vor dem Impressionismus

Geboren am 22. August 1862 in Saint-Germain-en-Laye (einem Vorort von Paris) in der Familie eines kleinen Kaufmanns – Besitzer eines kleinen Steingutladens. Als Claude zwei Jahre alt war, verkaufte sein Vater sein Geschäft und die ganze Familie zog nach Paris, wo Debussy Sr. eine Anstellung als Buchhalter in einer Privatfirma bekam. Fast die gesamte Kindheit von Claude Debussy verbrachte er in Paris, abgesehen von der Zeit des Deutsch-Französischen Krieges, als die Mutter des zukünftigen Komponisten mit ihm nach Cannes ging, um den Feindseligkeiten zu entgehen. In Cannes begann der junge Claude 1870, seinen ersten Klavierunterricht zu nehmen; Nach ihrer Rückkehr nach Paris wurde der Unterricht unter der Leitung von Antoinette Mothe de Fleurville, der Schwiegermutter des Dichters Paul Verlaine, fortgesetzt, die sich selbst auch als Schülerin von Frédéric Chopin bezeichnete.

1872, im Alter von zehn Jahren, trat Claude in das Pariser Konservatorium ein. Er studierte in der Klavierklasse beim berühmten Pianisten und Lehrer Antoine Marmontel, in der Solfeggio-Grundklasse bei dem bedeutenden Traditionalisten Albert Lavignac und César Frank selbst brachte ihm Orgel bei. Am Konservatorium studierte Debussy recht erfolgreich, obwohl er als Student mit nichts Besonderem glänzte. Erst 1877 würdigten die Professoren Debussys Klaviertalent und verliehen ihm für seine Aufführung einer Schumann-Sonate den zweiten Preis. Der Besuch von Emile Durands Harmonie- und Begleitkurs führte zu einem offenen Konflikt zwischen Schüler und Lehrer. Treu Schulbuch Harmonie konnte Durand selbst mit den bescheidensten Experimenten seines Schülers nicht zurechtkommen. Nicht zu vergessen seine Auseinandersetzungen mit dem Lehrer, viele Jahre später schrieb Debussy über diese Episode seiner Ausbildung: „Harmonie, wie sie am Konservatorium gelehrt wird, ist eine pompös-komische Art, Klänge zu sortieren.“

Debussy begann erst im Dezember 1880 systematisch Komposition zu studieren, bei Professor Ernest Guiraud, Mitglied der Akademie der Schönen Künste. Sechs Monate vor seinem Eintritt in Guirauds Klasse reiste Debussy als Heimpianist und Musiklehrer in der Familie der wohlhabenden russischen Philanthropin Nadezhda von Meck durch die Schweiz und Italien. Debussy verbrachte die Sommer 1881 und 1882 in der Nähe von Moskau auf ihrem Anwesen Pleschtschejewo. Die Kommunikation mit der Familie von Meck und der Aufenthalt in Russland wirkten sich positiv auf die Entwicklung des jungen Musikers aus. In ihrem Haus lernte Debussy die neue russische Musik von Tschaikowsky, Borodin, Balakirew und ihnen nahestehenden Komponisten kennen. In mehreren Briefen von Mecks an Tschaikowsky wurde manchmal ein gewisser „lieber Franzose“ erwähnt, der mit Bewunderung über seine Musik sprach und hervorragend Partituren las. Zusammen mit von Meck besuchte Debussy außerdem Florenz, Venedig, Rom, Moskau und Wien, wo er zum ersten Mal das Musikdrama „Tristan und Isolde“ hörte, das gut zehn Jahre lang zum Gegenstand seiner Bewunderung und sogar Verehrung wurde. Diesen ebenso angenehmen wie einträglichen Beruf verlor der junge Musiker aufgrund einer unerwartet entdeckten Liebe zu einer der zahlreichen Töchter von Mecks.

Nach Paris zurückgekehrt, wurde Debussy auf der Suche nach Arbeit Begleiter im Gesangsstudio von Madame Moreau-Senty, wo er die wohlhabende Amateursängerin und Musikliebhaberin Madame Vanier kennenlernte. Sie erweiterte seinen Bekanntenkreis erheblich und führte Claude Debussy in die Kreise der Pariser Künstlerboheme ein. Für Vanier komponierte Debussy mehrere exquisite Romanzen, darunter Meisterwerke wie „Mandoline“ und „Mutely“.

Gleichzeitig setzte Debussy sein Studium am Konservatorium fort und versuchte, auch bei seinen Kollegen, akademischen Musikern, Anerkennung und Erfolg zu erlangen. 1883 erhielt Debussy für seine Kantate Gladiator einen zweiten Prix de Rome. Damit nicht genug, setzte er seine Bemühungen in dieser Richtung fort und erhielt ein Jahr später, 1884, den Grand Prix de Rome für die Kantate. Verlorene Sohn"(Französisch L'Enfant prodigue). Dies geschah auf ebenso seltsame wie rührende wie unerwartete Weise dank des persönlichen Eingreifens und der wohlwollenden Unterstützung von Charles Gounod. Andernfalls hätte Debussy wahrscheinlich nicht diese professionelle Krone aus Pappe aller Akademiker der Musik erhalten – „dieses einzigartige Zertifikat der Herkunft, Erleuchtung und Authentizität ersten Grades“, wie Debussy und sein Freund Erik Satie später den Rom-Preis scherzhaft nannten sich.

Im Jahr 1885 reiste Debussy mit äußerster Zurückhaltung und zwei Monaten Verspätung (was einen schwerwiegenden Verstoß darstellte) dennoch auf öffentliche Rechnung nach Rom, wo er zusammen mit anderen Preisträgern zwei Jahre lang in der Villa Medici leben und arbeiten sollte. Die gesamte frühe Phase von Debussys Leben verlief in einer so harten Dualität und inneren Widersprüchen. Gleichzeitig widersetzt er sich der konservativen Akademie und möchte in ihre Reihen aufgenommen werden, strebt hartnäckig nach der Auszeichnung, will sie dann aber nicht aufarbeiten und „rechtfertigen“. Darüber hinaus musste man sich für die zweifelhafte Ehre, als vorbildlicher Student gefördert zu werden, auf jede erdenkliche Weise zurückhalten und die akademischen Anforderungen berücksichtigen. Anders als die Romanzen für Madame Vanier sprengten Debussys Werke, die mit den Rom-Preisen ausgezeichnet wurden, in der Regel nicht über die Grenzen des erlaubten Traditionalismus hinaus. Und doch beschäftigte sich Debussy all die Jahre intensiv mit der Suche nach seinem ursprünglichen Stil und seiner ursprünglichen Sprache. Diese Experimente junger Musiker geriet zwangsläufig in Konflikt mit der akademischen Scholastik. Mehr als einmal kam es zu heftigen Konflikten zwischen Debussy und einigen Professoren des Konservatoriums, die durch den hitzigen und rachsüchtigen Charakter des jungen Komponisten erschwert wurden.

Die Römerzeit wurde für den Komponisten nicht besonders fruchtbar, da weder Rom noch italienische Musik standen ihm nicht nahe, aber hier lernte er die Poesie der Präraffaeliten kennen und begann, ein Gedicht für Stimme und Orchester „Die auserwählte Jungfrau“ (französisch: La damoiselle élue) nach den Worten von Gabriel Rossetti zu komponieren – dem ersten Arbeit, in der die Merkmale seiner schöpferischen Individualität dargelegt wurden. Nachdem er die ersten Monate in der Villa Medici verbracht hatte, schickte Debussy seinen ersten römischen Brief nach Paris – die symphonische Ode „Suleima“ (nach Heine) und ein Jahr später – eine zweiteilige Suite für Orchester und Chor ohne Worte „Der Frühling“. (nach berühmtes Gemälde Botticelli), der das berüchtigte Ereignis verursachte offizielle Rezension Akademien:

„Zweifellos sündigt Debussy nicht mit flachen Wendungen und Banalität. Im Gegenteil zeichnet ihn der deutlich zum Ausdruck gebrachte Wunsch aus, nach etwas Fremdem und Ungewöhnlichem zu suchen. Er zeigt ein übermäßiges Gespür für musikalische Farben, das ihn manchmal die Bedeutung der Klarheit von Mustern und Formen vergessen lässt. Er muss sich besonders vor dem vagen Impressionismus hüten, einem so gefährlichen Feind der Wahrheit in Kunstwerken.“

- (Leon Vallas, „Claude Debussy“, Paris, 1926, S. 37.)

Diese Rezension zeichnet sich vor allem dadurch aus, dass sie trotz aller wissenschaftlichen Trägheit des Inhalts grundsätzlich zutiefst innovativ ist. Dieses Papier aus dem Jahr 1886 ging als erste Erwähnung des „Impressionismus“ in Bezug auf Musik in die Geschichte ein. Besonders hervorzuheben ist, dass der Impressionismus zu dieser Zeit als künstlerische Strömung in der Malerei vollständig ausgebildet war, in der Musik (einschließlich Debussy selbst) jedoch nicht nur nicht existierte, sondern noch nicht einmal geplant war. Debussy stand erst am Anfang seiner Suche nach einem neuen Stil, und die verängstigten Akademiker erkannten mit der sorgfältig gereinigten Stimmgabel ihrer Ohren die künftige Richtung seiner Bewegung – und warnten ihn ängstlich. Debussy selbst äußerte sich mit ziemlich ätzender Ironie über seine „Zuleima“: „Sie erinnert zu sehr an Verdi oder Meyerbeer“ ...

Die in der Villa Medici entstandene Kantate „Die auserwählte Jungfrau“ und die Suite „Frühling“ lösten bei ihm jedoch keine so starke Selbstironie mehr aus. Und als die Akademie, nachdem sie „Virgin“ für die Aufführung in einem ihrer Konzerte akzeptiert hatte, „Spring“ ablehnte, stellte der Komponist ein scharfes Ultimatum und es kam zu einem Skandal, der dazu führte, dass Debussy sich weigerte, an dem Konzert teilzunehmen, und mit der Akademie völlig brach Akademie.

Nach Rom besuchte Debussy Bayreuth und erlebte erneut den starken Einfluss Richard Wagners. Eines der vielleicht wagnerianischsten Werke ist der Gesangszyklus „Fünf Gedichte von Baudelaire“ (französisch: Cinq Poèmes de Baudelaire). Debussy gab sich jedoch nicht mit Wagner allein zufrieden, sondern interessierte sich all die Jahre aktiv für alles Neue und suchte überall nach seinem eigenen Stil. Noch früher führte ein Besuch in Russland zu einer Leidenschaft für Mussorgskys Werk. Nach der Weltausstellung 1889 in Paris wandte sich Debussy exotischen Orchestern zu, insbesondere javanischen und annamitischen Orchestern. Die endgültige Ausgestaltung seines Kompositionsstils erfolgt jedoch erst drei Jahre später.

Debussy versuchte, das Angebot eines bedeutenden Komponisten anzunehmen und begann 1890 mit der Arbeit an der Oper Rodrigue et Chimène nach einem Libretto von Catulle Mendes. Diese Arbeit gab ihm jedoch kein Vertrauen eigene Stärke und zwei Jahre später wurde es unvollendet aufgegeben.

Ende der 1880er Jahre näherte sich Debussy Ernest Chausson, einem Amateurkomponisten, Sekretär des National Council of Music und einfach einem sehr reichen Mann, auf dessen Hilfe und Unterstützung er zählte. Chaussons brillanter künstlerischer Salon wurde wöchentlich von Prominenten wie den Komponisten Henri Duparc, Gabriel Fauré und Isaac Albéniz, dem Geiger Eugene Ysaye, der Sängerin Pauline Viardot, dem Pianisten Alfred Cortot-Denis, dem Schriftsteller Ivan Turgenev und dem Künstler Claude Monet besucht. Dort lernte Debussy den symbolistischen Dichter Stéphane Mallarmé kennen und wurde zunächst ein regelmäßiger Besucher seines Dichterkreises und dann ein enger Freund. Zur gleichen Zeit las Debussy erstmals die Kurzgeschichten von Edgar Poe, der bis zu seinem Lebensende Debussys Lieblingsautor wurde.

Das wichtigste Ereignis dieser Zeit war jedoch vielleicht eine unerwartete Bekanntschaft im Jahr 1891 mit dem Pianisten der Auberge du Clou in Montmartre, Erik Satie, der die Position des zweiten Pianisten innehatte. Debussy war zunächst von den harmonisch frischen und ungewöhnlichen Improvisationen des Café-Begleiters angezogen, dann von seinen Ansichten über Musik, frei von jeglichen Stereotypen, Originalität des Denkens, unabhängigem, rauem Charakter und bissigem Witz, die keine Autorität verschonten. Außerdem interessierte Satie Debussy mit seinen innovativen Klavier- und Gesangskompositionen, die er mit kühner, wenn auch nicht ganz professioneller Handschrift schrieb. Die unruhige Freundschaft und Feindschaft dieser beiden Komponisten, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts das Gesicht der französischen Musik bestimmten, hielt fast ein Vierteljahrhundert an. Dreißig Jahre später beschrieb Erik Satie ihr Treffen wie folgt:

„Als wir uns das erste Mal trafen, war er wie ein Löscher, völlig durchdrungen von Mussorgsky und suchte mühsam nach seinem Weg, den er nicht finden und finden konnte. Darin übertraf ich ihn bei weitem: Weder der Preis von Rom... noch die „Preise“ anderer Städte dieser Welt belasteten meinen Gang, und ich musste sie weder auf mich noch auf meinen Rücken schleppen ... In diesem Moment schrieb ich „Son of the Stars“ – nach dem Text von Joseph Péladan; und Debussy erklärte mehrfach die Notwendigkeit für uns Franzosen, uns endlich vom überwältigenden Einfluss Wagners zu befreien, der völlig im Widerspruch zu unseren natürlichen Neigungen steht. Aber gleichzeitig machte ich ihm klar, dass ich überhaupt kein Anti-Wagnerist war. Die einzige Frage war, dass wir unsere eigene Musik haben sollten – und zwar möglichst ohne deutsches Sauerkraut.

Aber warum nicht für diese Zwecke die gleichen visuellen Mittel nutzen, die wir seit langem bei Claude Monet, Cezanne, Toulouse-Lautrec und anderen sehen? Warum diese Mittel nicht in die Musik investieren? Nichts könnte einfacher sein. Ist das nicht wahre Ausdruckskraft?“

- (Erik Satie, aus dem Artikel „Claude Debussy“, August 1922.)

Bereits 1886–1887 veröffentlichte Satie seine ersten impressionistischen Werke (für Klavier und Gesang mit Klavier). Zweifellos ist die Kommunikation mit diesem unabhängigen und ein freier Mann, außerhalb aller Gruppen und Akademien angesiedelt, beschleunigte die Bildung von Debussys endgültigem (reifem) Stil erheblich. Auch Debussys Überwindung des Wagner-Einflusses hatte einen ungewöhnlich scharfen und stürmischen Charakter. Und wenn seine Bewunderung für Wagner bis 1891 (nach eigener Aussage) „den Punkt erreichte, an dem man die Regeln des Anstands vergisst“, dann stimmte Debussy nur zwei Jahre später zu, jegliche Bedeutung Wagners für die Kunst völlig zu leugnen: „Wagner hat nie der Musik gedient.“ , er hat nicht einmal Deutschland gedient!“ Viele seiner engen Freunde (darunter Chausson und Emile Vuillermeau) waren nicht in der Lage, diesen plötzlichen Wandel zu verstehen und zu akzeptieren, der auch zu einer Abkühlung der persönlichen Beziehungen führte.

Nachdem Debussy die Komposition der Oper „Rodrigue und Ximena“ nach dem Libretto (in Saties Worten) „dieses erbärmlichen Wagneristen Catulle Mendes“ aufgegeben hatte, begann er 1893 mit der langen Arbeit, eine Oper auf der Grundlage von Maeterlincks Drama „Pelléas et Mélisande“ zu komponieren. Und ein Jahr später schrieb Debussy, aufrichtig inspiriert von Mallarmés Ekloge, das symphonische Präludium „Der Nachmittag eines Fauns“ (französisch: Prélude à l'Après-midi d'un faune), das zu einer Art Manifest eines Fauns werden sollte neue Musikbewegung: Impressionismus in der Musik.

Schaffung

Den Rest seines Lebens hatte Debussy mit Krankheit und Armut zu kämpfen, doch er arbeitete unermüdlich und sehr fruchtbar. Ab 1901 erschien er in Zeitschriften mit witzigen Rezensionen zu den Ereignissen des aktuellen Musiklebens (nach dem Tod von Debussy wurden sie in der 1921 erschienenen Sammlung Monsieur Croche – antidilettante gesammelt). Die meisten seiner Klavierwerke erschienen im gleichen Zeitraum.

Auf zwei Bilderserien (1905-1907) folgte eine Suite Kinderecke(1906-1908), der Tochter des Komponisten Shushu gewidmet.

Debussy unternahm mehrere Konzertreisen, um für den Lebensunterhalt seiner Familie zu sorgen. Er dirigierte seine Werke in England, Italien, Russland und anderen Ländern. Zwei Notizbücher mit Präludien für Klavier (1910-1913) demonstrieren die Entwicklung der einzigartigen klangbildenden Schreibweise, die für Klavier charakteristisch ist Klavierstil Komponist. 1911 schrieb er Musik für Gabriele d'Annunzios Mysterium Das Martyrium des Heiligen Sebastian; die Partitur wurde nach seinen Angaben vom französischen Komponisten und Dirigenten A. Caplet angefertigt. 1912 erschien der Orchesterzyklus Bilder. Debussy fühlte sich schon lange zum Ballett hingezogen und komponierte 1913 die Musik für das Ballett „Games“, das von Sergej Pawlowitsch Diaghilews Ensemble „Russische Jahreszeiten“ in Paris und London aufgeführt wurde. Im selben Jahr begann der Komponist mit der Arbeit am Kinderballett „Toy Box“, dessen Instrumentierung nach dem Tod des Autors von Kaple fertiggestellt wurde. Diese rege Schaffenstätigkeit wurde durch den Ersten Weltkrieg vorübergehend unterbrochen, doch bereits 1915 erschienen zahlreiche Klavierwerke, darunter Zwölf Etüden zum Andenken an Chopin. Debussy begann eine Reihe von Kammersonaten, die sich gewissermaßen am Stil der französischen Instrumentalmusik des 17.-18. Jahrhunderts orientierten. Es gelang ihm, drei Sonaten aus diesem Zyklus zu vollenden: für Cello und Klavier (1915), für Flöte, Bratsche und Harfe (1915), für Violine und Klavier (1917). Debussy erhielt von Giulio Gatti-Casazza von der Metropolitan Opera einen Auftrag für eine Oper nach Edgar Allan Poes Erzählung „Der Untergang des Hauses Usher“, an der er bereits in seiner Jugend zu arbeiten begann. Er hatte immer noch genug Kraft, das Opernlibretto zu überarbeiten.

Aufsätze

Ein vollständiger Katalog von Debussys Werken wurde von François Lesure zusammengestellt (Genf, 1977; Neuauflage: 2001).

Opern

Pelléas und Mélisande (1893–1895, 1898, 1900–1902)

Ballette

Kamma (1910-1912)
Spiele (1912–1913)
Spielzeugkiste (1913)

Werke für Orchester

Symphonie (1880-1881)
Suite „Der Triumph des Bacchus“ (1882)
Suite „Frühling“ für Frauenchor und Orchester (1887)
Fantasie für Klavier und Orchester (1889-1896)
Präludium „Nachmittag eines Fauns“ (1891-1894). Es gibt auch eine Originalbearbeitung für zwei Klaviere aus dem Jahr 1895.
„Nocturnes“ ist ein programmsinfonisches Werk, das drei Stücke umfasst: „Clouds“, „Celebrations“, „Sirens“ (1897-1899)
Rhapsodie für Altsaxophon und Orchester (1901-1908)
„Das Meer“, drei symphonische Skizzen (1903-1905). Es gibt auch eine Originalbearbeitung für Klavier zu vier Händen aus dem Jahr 1905.
Zwei Tänze für Harfe und Streicher (1904). Es gibt auch eine Originalbearbeitung für zwei Klaviere aus dem Jahr 1904.
„Bilder“ (1905-1912)

Kammermusik

Klaviertrio (1880)
Nocturne und Scherzo für Violine und Klavier (1882)
Streichquartett (1893)
Rhapsodie für Klarinette und Klavier (1909-1910)
„Syringa“ für Soloflöte (1913)
Sonate für Cello und Klavier (1915)
Sonate für Flöte, Harfe und Bratsche (1915)
Sonate für Violine und Klavier (1916-1917)

Werke für Klavier

A) für Klavier zu 2 Händen
„Zigeunertanz“ (1880)
Zwei Arabesken (um 1890)
Mazurka (um 1890)
„Träume“ (um 1890)
„Bergamas Suite“ (1890; bearbeitet 1905)
„Romantischer Walzer“ (um 1890)
Nocturne (1892)
„Bilder“, drei Stücke (1894)
Walzer (1894; Notizen verloren)
Stück „Für Klavier“ (1894-1901)
„Bilder“, 1. Theaterreihe (1901-1905)
I. Reflet dans l’eau // Spiegelungen im Wasser
II. Hommage an Rameau // Widmung an Rameau
III.Bewegung // Bewegung
Suite „Drucke“ (1903)
Pagoden
Abend in Grenada
Gärten im Regen
„Insel der Freude“ (1903-1904)
„Masken“ (1903-1904)
Schauspiel (1904; nach einer Skizze zur Oper „Der Teufel im Glockenturm“)
Suite „Kinderecke“ (1906-1908)

Doctor Gradus ad Parnassum // Doctor „Gradus ad Parnassum“ oder Doctor „The Path to Parnassus“. Der Titel ist verbunden mit berühmter Zyklus Clementis Etüden – systematische Übungen zur Erlangung höchster schauspielerischer Fähigkeiten.

Elefantenschlaflied
Ständchen für die Puppe
Schnee tanzt
Kleiner Hirte
Puppenkuchen-Spaziergang
„Bilder“, 2. Theaterreihe (1907)
Cloches à travers les feuilles //Glockenläuten durch das Laubwerk
Et la lune down sur le tempel qui fut //Tempelruinen im Licht des Mondes
Poissons d`or // Goldfisch
„Hommage an Haydn“ (1909)
Präludien. Notizbuch 1 (1910)
Danseuses de Delphes // Delphische Tänzer
Voiles // Segel
Le vent dans la plaine // Der Wind auf der Ebene
Les sons et les parfums tournent dans l’air du soir // Geräusche und Düfte schweben in der Abendluft
Les collines d’Anacapri // Hügel von Anacapri
Des pas sur la neige // Schritte im Schnee
Ce qu’a vu le vent de l’ouest // Was der Westwind sah
La fille aux cheveux de lin // Das Mädchen mit flachsblonden Haaren
La sérénade interrompue // Unterbrochene Serenade
La cathédrale engloutie // Die versunkene Kathedrale
La danse de Puck // Tanz von Puck
Minnesänger // Minnesänger
„Mehr als langsam (Walzer)“ (1910)
Präludien. Notizbuch 2 (1911-1913)
Brouillards // Nebel
Feuilles mortes // Abgestorbene Blätter
La puerta del vino // Tor der Alhambra
Les fées sont d’exquises danseuses // Feen – schöne Tänzerinnen
Bruyères // Heather
General Levine – Exzentriker // General Levine (Lyavin) – Exzentriker
La Terrasse des Audiences du Clair de Lune // Terrasse der Datteln im Mondlicht (Von Mondlicht beleuchtete Terrasse)
Ondine // Ondine
Hommage an S. Pickwick Esq. P.P.M.P.C. // Hommage an S. Pickwick, Esq.
Baldachin // Baldachin
Les tierces alternées // Abwechselnde Terzen
Feux d'artifice // Feuerwerk
„Heroisches Wiegenlied“ (1914)
Elegie (1915)
„Etüden“, zwei Theaterbücher (1915)
B) für Klavier zu 4 Händen
Andante (1881; unveröffentlicht)
Divertimento (1884)
„Kleine Suite“ (1886-1889)
„Sechs antike Inschriften“ (1914). Es gibt das Arrangement des Autors des letzten der sechs Stücke für Klavier zu zwei Händen aus dem Jahr 1914.
B) für 2 Klaviere
„Schwarz und Weiß“, drei Stücke (1915)

Adaptionen fremder Werke

Zwei Gymnopädien (1. und 3.) von E. Satie für Orchester (1896)
Drei Tänze aus P. Tschaikowskys Ballett“ Schwanensee» für Klavier zu 4 Händen (1880)
„Einleitung und Rondo Capriccioso“ von C. Saint-Saëns für 2 Klaviere (1889)
Zweite Symphonie von C. Saint-Saëns für 2 Klaviere (1890)
Ouvertüre zu R. Wagners Oper „Der fliegende Holländer“ für 2 Klaviere (1890)
„Sechs Etüden in Kanonform“ von R. Schumann für 2 Klaviere (1891)

Skizzen, verlorene Werke, Pläne

Oper „Rodrigo und Ximena“ (1890-1893; nicht fertiggestellt). Rekonstruiert von Richard Langham Smith und Edison Denisov (1993)
Oper „Der Teufel im Glockenturm“ (1902-1912?; Skizzen). Rekonstruiert von Robert Orledge (Premiere 2012)

Oper „Der Fall des Hauses Usher“ (1908-1917; nicht abgeschlossen). Es gibt mehrere Rekonstruktionen, darunter die von Juan Allende-Blina (1977), Robert Orledge (2004)

Oper „Crimes of Love (Galant Celebrations)“ (1913-1915; Skizzen)
Oper „Salambo“ (1886)
Musik zum Theaterstück „Satans Hochzeit“ (1892)
Oper „Ödipus auf dem Kolonus“ (1894)
Drei Nocturnes für Violine und Orchester (1894-1896)
Ballett „Daphnis und Chloe“ (1895-1897)
Ballett „Aphrodite“ (1896-1897)
Ballett „Orpheus“ (um 1900)
Oper „Wie es euch gefällt“ (1902-1904)
Lyrische Tragödie „Dionysos“ (1904)
Oper „Die Geschichte des Tristan“ (1907-1909)
Oper „Siddhartha“ (1907-1910)
Oper „Oresteia“ (1909)
Ballett „Masken und Bergamasken“ (1910)
Sonate für Oboe, Horn und Cembalo (1915)
Sonate für Klarinette, Fagott, Trompete und Klavier (1915)

Briefe

Monsieur Croche – antidillettante, P., 1921
Artikel, Rezensionen, Gespräche, Trans. aus dem Französischen, M.-L., 1964
Favorit Briefe, L., 1986.

Ich versuche, neue Realitäten zu finden ... Dummköpfe nennen es Impressionismus.
C. Debussy

Der französische Komponist C. Debussy wird oft als Vater der Musik des 20. Jahrhunderts bezeichnet. Er zeigte, dass jeder Ton, jeder Akkord, jede Tonalität auf eine neue Art und Weise gehört werden kann, ein freiesres, farbenfroheres Leben führen kann, als würde man seinen Klang selbst, seine allmähliche, geheimnisvolle Auflösung in Stille genießen. Debussy hat wirklich viel mit dem malerischen Impressionismus gemeinsam: die eigenständige Brillanz flüchtiger, sich fließend bewegender Momente, seine Liebe zur Landschaft, die luftige Angst vor dem Raum. Es ist kein Zufall, dass Debussy als Hauptvertreter des Impressionismus in der Musik gilt. Allerdings ging er weiter als die impressionistischen Künstler aus traditionelle Formen Seine Musik ist viel tiefer in unser Jahrhundert gerichtet als die Malerei von C. Monet, O. Renoir oder C. Pissarro.

Debussy glaubte, dass Musik in ihrer Natürlichkeit, endlosen Variabilität und Formenvielfalt der Natur ähnelt: „Musik ist genau die Kunst, die der Natur am nächsten kommt... Nur Musiker haben den Vorteil, die gesamte Poesie von Tag und Nacht, der Erde und … einzufangen.“ Himmel, und erschafft ihre Atmosphäre und vermittelt rhythmisch ihr immenses Pulsieren.“ Sowohl die Natur als auch die Musik werden von Debussy als Mysterium empfunden, und vor allem das Mysterium der Geburt, eine unerwartete, einzigartige Gestaltung des launischen Spiels des Zufalls. Daher ist die skeptische und ironische Haltung des Komponisten gegenüber allen möglichen theoretischen Klischees und Etiketten in Bezug auf künstlerische Kreativität, unwissentlich die lebendige Realität der Kunst schematisierend.

Debussy begann im Alter von 9 Jahren mit dem Musikstudium und trat bereits 1872 in die Juniorabteilung des Pariser Konservatoriums ein. Bereits während seiner Zeit am Konservatorium wurde sein unkonventionelles Denken deutlich, was zu Auseinandersetzungen mit Harmonielehren führte. Doch wahre Befriedigung fand der aufstrebende Musiker in den Klassen von E. Guiraud (Komposition) und A. Mapmontel (Klavier).

Im Jahr 1881 begleitete Debussy als Heimpianist den russischen Philanthropen N. von Meck (einen großen Freund von P. Tschaikowsky) auf einer Reise nach Europa und besuchte dann auf ihre Einladung zweimal Russland (1881, 1882). So begann Debussys Bekanntschaft mit der russischen Musik, die die Bildung seines eigenen Stils stark beeinflusste. „Die Russen werden uns neue Impulse geben, uns von absurden Zwängen zu befreien. Sie... öffneten ein Fenster mit Blick auf die Weite der Felder.“ Debussy war fasziniert von den farbenfrohen Klangfarben und der subtilen Darstellung, der Bildhaftigkeit der Musik von N. Rimsky-Korsakov und der Frische der Harmonien von A. Borodin. Er nannte M. Mussorgsky seinen Lieblingskomponisten: „Niemand hat das Beste, das in uns ist, mit größerer Zärtlichkeit und Tiefe angesprochen.“ Er ist einzigartig und wird einzigartig bleiben dank seiner Kunst ohne weit hergeholte Techniken, ohne vernichtende Regeln.“ Die Flexibilität der Stimm- und Sprachintonation des russischen Erneuerers, die Freiheit von vorgefertigten, „administrativen“, wie Debussy es ausdrückte, Formen wurden vom französischen Komponisten auf seine eigene Weise umgesetzt und wurden zu einem integralen Bestandteil seiner Musik. „Geh und hör Boris zu. „Er ist ganz Pelléas“, sagte Debussy einmal über die Ursprünge musikalische Sprache seiner Oper.

Nach seinem Abschluss am Konservatorium im Jahr 1884 nahm Debussy an Wettbewerben um den Grand Prix de Rome teil, der ihn zu einer vierjährigen Ausbildung in der Villa Medici in Rom berechtigte. Während der in Italien verbrachten Jahre (1885-87) studierte Debussy die Chormusik der Renaissance (G. Palestrina, O. Lasso), und die ferne Vergangenheit (sowie die Originalität der russischen Musik) brachte frischen Geist und Erneuerung sein harmonisches Denken. Die zur Berichterstattung nach Paris geschickten symphonischen Werke („Zuleima“, „Frühling“) entsprachen nicht dem Geschmack der konservativen „Schiedsrichter der musikalischen Schicksale“.

Nachdem Debussy vorzeitig nach Paris zurückgekehrt war, schloss er sich einem Kreis symbolistischer Dichter unter der Leitung von S. Mallarmé an. Die Musikalität symbolistischer Poesie, die Suche nach geheimnisvollen Zusammenhängen zwischen Seelenleben und Naturwelt, deren gegenseitige Auflösung – all das zog Debussy sehr an und prägte maßgeblich seine Ästhetik. Es ist kein Zufall, dass das originellste und perfekteste von frühe Arbeiten Der Komponist begann, Romanzen nach den Worten von P. Verdun, P. Bourget, P. Louis und auch C. Baudelaire zu schreiben. Einige davon („Wunderbarer Abend“, „Mandoline“) entstanden während der Studienjahre am Konservatorium. Auch das erste ausgereifte Orchesterwerk, das Präludium „Nachmittag eines Fauns“ (1894), wurde von Bildern symbolistischer Poesie inspiriert. In diesem musikalische Illustration Aus Mallarmés Eklogen entstand Debussys origineller, subtil nuancierter Orchesterstil.

Der Einfluss der Symbolik kam am deutlichsten in Debussys einziger Oper „Pelléas et Mélisande“ (1892–1902) zum Ausdruck, die auf dem Prosatext von M. Maeterlincks Drama basiert. Dies ist eine Liebesgeschichte, in der die Charaktere laut dem Komponisten „nicht nachdenken, sondern ihr Leben und Schicksal ertragen“. Debussy scheint hier kreativ mit R. Wagner – dem Autor von „Tristan und Isolde“ – zu streiten; er wollte sogar seinen eigenen Tristan schreiben – obwohl er in seiner Jugend Wagners Oper sehr mochte und sie auswendig kannte. Anstelle der offenen Leidenschaft der Wagner-Musik kommt hier ein ausgefeiltes Klangspiel voller Andeutungen und Symbole zum Ausdruck. „Musik existiert für das Unaussprechliche; Ich möchte, dass es so aussieht, als würde sie aus der Dunkelheit auftauchen und in bestimmten Augenblicken in die Dunkelheit zurückkehren. damit sie immer bescheiden bleibt“, schrieb Debussy.

Klaviermusik ist aus Debussy nicht mehr wegzudenken. Der Komponist selbst war ein talentierter Pianist (und Dirigent); „Er spielte fast immer in ‚Halbtönen‘, ohne jede Härte, aber mit einer Klangfülle und -dichte wie Chopin“, erinnert sich der französische Pianist M. Long. Es war Chopins Leichtigkeit und Räumlichkeit des Klangs des Klaviergewebes, von der Debussy seine koloristischen Suchen ausging. Aber es gab noch eine andere Quelle. Die Zurückhaltung und Gleichmäßigkeit des emotionalen Tons von Debussys Musik brachte sie unerwartet der antiken vorromantischen Musik näher – insbesondere den französischen Cembalisten des Rokoko (F. Couperin, J. F. Rameau). Antike Genres aus der Bergamasque-Suite und der Suite für Klavier (Präludium, Menuett, Passpied, Sarabande, Toccata) stellen eine einzigartige, „impressionistische“ Version des Neoklassizismus dar. Debussy greift überhaupt nicht auf Stilisierung zurück, sondern schafft sein eigenes Bild der antiken Musik, eher einen Eindruck davon als ein „Porträt“ davon.

Das Lieblingsgenre des Komponisten ist die Programmsuite (Orchester und Klavier), wie eine Reihe verschiedener Gemälde, in denen die Statik der Landschaften durch sich schnell bewegende, oft tänzerische Rhythmen hervorgehoben wird. Dabei handelt es sich um die Orchestersuiten „Nocturnes“ (1899), „Sea“ (1905) und „Images“ (1912). „Prints“, 2 Notizbücher von „Images“, „Children’s Corner“, die Debussy seiner Tochter widmete, wurden für Klavier geschaffen. In „Estamps“ versucht der Komponist erstmals, sich in die musikalischen Welten der meisten einzuarbeiten unterschiedliche Kulturen und Völker: das Klangbild des Ostens („Pagoden“), Spaniens („Abend in Grenada“) und eine Landschaft voller Bewegung, Licht- und Schattenspiel mit einem farbenfroh in Szene gesetzten französischen Volkslied („Gärten im Regen“) voneinander ab.

Die Sea Suite besteht aus drei Teilen: „Auf dem Meer von der Morgendämmerung bis zum Mittag“, „Das Spiel der Wellen“ und „Das Gespräch des Windes mit dem Meer“. Bilder des Meeres haben schon immer die Aufmerksamkeit von Komponisten verschiedener Bewegungen und nationaler Schulen auf sich gezogen. Es gibt zahlreiche Beispiele für Software symphonische Werke zu „Meer“-Themen westeuropäischer Komponisten (Mendelssohns Ouvertüre „Fingals Höhle“, symphonische Episoden aus Wagners „Der fliegende Holländer“ usw.). Die lebendigste und vollständigste Umsetzung der Meeresbilder fand jedoch in der russischen Musik, insbesondere bei Rimsky-Korsakov ( symphonisches Bild„Sadko“, gleichnamige Oper, Suite „Scheherazade“, Pause zum zweiten Akt der Oper „Das Märchen vom Zaren Saltan“),

Anders als in den Orchesterwerken Rimski-Korsakows setzt Debussy in seiner Komposition keine Handlungsziele, sondern lediglich bildnerische und koloristische. Sein Ziel ist es, durch Musik die wechselnden Lichteffekte und Farben des Meeres zu verschiedenen Tageszeiten und unterschiedlichen Zuständen des Meeres – ruhig, unruhig und stürmisch – zu vermitteln. In der Wahrnehmung der Meeresbilder durch den Komponisten gibt es keinerlei Motive, die ihrer Farbgebung etwas Zwielichtiges Geheimnis verleihen könnten. Bei Debussy dominiert das Helle Solarbeleuchtung, Vollblutfarben. Der Komponist nutzt kühn sowohl Tanzrhythmen als auch breite epische Bilder, um erhellende musikalische Bilder zu vermitteln.

Der erste Teil entfaltet ein Bild vom langsam ruhigen Erwachen des Meeres im Morgengrauen, den träge dahinrollenden Wellen und dem Glanz der ersten Sonnenstrahlen darauf. Besonders farbenfroh ist der Orchesteranfang dieses Satzes, wo vor dem Hintergrund des „Raschelns“ der Pauken, der „tropfenden“ Oktaven zweier Harfen und dem „eingefrorenen“ Tremolo der Violinen im hohen Register kurze melodische Phrasen aus dem Oboe erscheinen wie der Glanz der Sonne auf den Wellen. Das Erscheinen eines Tanzrhythmus stört den Charme völliger Ruhe und verträumter Kontemplation nicht.

Der dynamischste Teil der Arbeit ist der dritte – „Gespräch zwischen Wind und Meer“. Aus dem bewegungslosen, eingefrorenen Bild einer ruhigen See zu Beginn des Satzes, das an den ersten erinnert, entfaltet sich das Bild eines Sturms. Debussy nutzt alles für eine dynamische und intensive Entwicklung Musikalische Mittel- melodisch-rhythmisch, dynamisch und vor allem Orchester.

Zu Beginn sind Teile zu hören kurze Motive, die in Form eines Dialogs zwischen Celli mit Kontrabässen und zwei Oboen vor dem Hintergrund der gedämpften Klangfülle von Basstrommel, Pauke und Tom-Tom stattfinden. Neben der schrittweisen Einbeziehung neuer Orchestergruppen und einer gleichmäßigen Steigerung der Klangfülle nutzt Debussy hier das Prinzip der rhythmischen Entwicklung: Indem er immer neue Tanzrhythmen einführt, sättigt er das Gefüge des Werkes mit einer flexiblen Kombination mehrerer Rhythmen Muster.

Das Ende des gesamten Werkes wird nicht nur als Fest der Meereselemente, sondern auch als enthusiastische Hymne an das Meer und die Sonne wahrgenommen.

Die figurative Struktur von „Das Meer“ und die Prinzipien der Orchestrierung bereiteten das Erscheinen des symphonischen Theaterstücks „Iberia“ – eines der bedeutendsten und originellsten Werke Debussys – vor. Es besticht durch seine enge Verbindung mit dem Leben des spanischen Volkes, seiner Gesangs- und Tanzkultur. In den 900er Jahren wandte sich Debussy mehrmals Themen zu, die mit Spanien verbunden waren: „Ein Abend in Grenada“, die Präludien „Die Tore der Alhambra“ und „Serenade unterbrochen“. Aber „Iberia“ gehört zu den besten Werken von Komponisten, die aus der unerschöpflichen Quelle der spanischen Volksmusik schöpften (Glinka in „ Aragonesisches Jota„ und „Nächte in Madrid“, Rimski-Korsakow in „Capriccio Espagnol“, Bizet in „Carmen“, Ravel in „Bolero“ und das Trio, ganz zu schweigen von den spanischen Komponisten de Falla und Albeniz).

„Iberia“ besteht aus drei Teilen: „Auf den Straßen und Wegen Spaniens“, „Düfte der Nacht“ und „Morgen des Urlaubs“. Der zweite Teil enthüllt Debussys Favoriten szenische Gemälde Natur, erfüllt vom besonderen, würzigen Duft der spanischen Nacht, „geschrieben“ mit der subtilen Bildsprache des Komponisten, ein schneller Wechsel von flackernden und verschwindenden Bildern. Der erste und dritte Teil malen Bilder Volksleben Spanien. Besonders farbenfroh ist der dritte Teil, der enthält große Menge Eine Vielzahl spanischer Lied- und Tanzmelodien, die schnell aufeinanderfolgen und ein lebendiges Bild eines farbenfrohen Volksfestes ergeben. Der größte spanische Komponist de Falla sagte über „Iberia“: „Das Echo des Dorfes in Form des Hauptmotivs des gesamten Werks („Sevillana“) scheint in der klaren Luft oder im flatternden Licht zu flattern. Der berauschende Zauber der andalusischen Nächte, die Lebhaftigkeit der festlichen Menge, die zu den Klängen der Akkorde der „Gang“ aus Gitarristen und Bandura-Spielern tanzt … – all das wirbelt in der Luft, mal nähert es sich, mal entfernt es sich , und unsere ständig wache Vorstellungskraft wird von den kraftvollen Vorzügen der ausdrucksstarken Musik mit ihren reichen Nuancen geblendet.

Das letzte Lebensjahrzehnt Debussys war bis zum Ausbruch des Ersten Weltkriegs von kontinuierlicher schöpferischer und darstellender Tätigkeit geprägt. Konzertreisen als Dirigent nach Österreich-Ungarn machten den Komponisten im Ausland bekannt. Besonders herzlich wurde er 1913 in Russland aufgenommen. Es fanden Konzerte in St. Petersburg und Moskau statt großer Erfolg. Debussys persönliche Kontakte zu vielen russischen Musikern stärkten seine Bindung zur russischen Musikkultur zusätzlich.

Der Ausbruch des Krieges löste in Debussy patriotische Gefühle aus. In gedruckten Stellungnahmen nennt er sich selbst nachdrücklich: „Claude Debussy – Französischer Musiker" Eine Reihe von Werken dieser Jahre sind inspiriert Patriotisches Thema: „Heroic Lullaby“, Lied „Christmas of Homeless Children“; in Suite für zwei Klaviere“

Der französische Komponist Debussy wird oft als Vater der Musik des 20. Jahrhunderts bezeichnet. Er zeigte, dass jeder Ton, jeder Akkord, jede Tonalität auf eine neue Art und Weise gehört werden kann, ein freieres, farbenfroheres Leben führen, seinen Klang selbst, seine allmähliche, geheimnisvolle Auflösung in Stille genießen kann.

Claude Debussy wurde am 22. August 1862 in Saint-Germain-en-Laye bei Paris geboren. Sein Vater war Marinesoldat und damals Miteigentümer eines Töpfergeschäfts. Erste SpielstundenKlavierDebussy wurde von Antoinette-Flora Mothe (Schwiegermutter der Dichterin Verlaine) geschenkt.

1873 trat Claude Debussy in das Pariser Konservatorium ein, wo er 11 Jahre lang bei Marmontel (Klavier), Lavignac, Durand und Basil (Musiktheorie) studierte. 1876 ​​komponierte er seine ersten Romanzen nach Gedichten von T. de Banville und Bourget.

Von 1879 bis 1882 dirigierte Debussy Sommerurlaub Wie<домашний пианист>- zuerst im Schloss Chenonceau, dann bei Nadezhda von Meck - in ihren Häusern und Anwesen in der Schweiz, Italien, Wien, Russland. Während dieser Reisen eröffneten sich ihm neue musikalische Horizonte, und seine Bekanntschaft mit den Werken russischer Komponisten der St. Petersburger Schule erwies sich als besonders wichtig.Junger Debussyverliebt in die Poesie von De Banville (1823-1891) und Verlaine, ausgestattet mit einem ruhelosen Geist und anfällig für Experimente (hauptsächlich auf dem Gebiet der Harmonie),genoss den Ruf eines Revolutionärs. Dies hinderte ihn nicht daran, 1884 den Rom-Preis für die Kantate „Der verlorene Sohn“ zu erhalten.

Debussy verbrachte zwei Jahre in Rom. Dort lernte er die Poesie der Präraffaeliten kennen und begann, ein Gedicht für Stimme und Orchester, „Die auserwählte Jungfrau“, nach einem Text von G. Rossetti zu verfassen. Bei seinen Besuchen in Bayreuth zog er tiefe Eindrücke, und der Einfluss Wagners spiegelte sich in seinem Gesangszyklus „Fünf Gedichte von Baudelaire“ wider. Zu den weiteren Hobbys des jungen Komponisten zählen exotische Orchester, Javanese und Annamite, die er im Paris hörte Weltausstellung im Jahr 1889; die Werke Mussorgskis, die zu dieser Zeit allmählich nach Frankreich vordrangen; melodische Verzierung des gregorianischen Chorals.

1890 begann Debussy mit der Arbeit an der Oper Rodrigue et Ximena nach einem Libretto von Mendes, doch zwei Jahre später ließ er das Werk unvollendet (das Manuskript galt lange Zeit als verschollen, dann wurde es gefunden; das Werk war ein Instrumentalwerk des Der russische Komponist Denisov wurde in mehreren Theatern aufgeführt. Etwa zur gleichen Zeit wurde der Komponist regelmäßiger Besucher im Kreis des symbolistischen Dichters S. Mallarmé und las zum ersten Mal Edgar Allan Poe, der Debussys Lieblingsautor wurde. 1893 begann er mit der Komposition einer Oper auf der Grundlage von Maeterlincks Drama Pelléas et Mélisande und vollendete ein Jahr später, inspiriert von Mallarmés Ekloge, das symphonische Präludium Der Nachmittag eines Fauns.

Debussy kannte die wichtigsten literarischen Persönlichkeiten dieser Zeit seit seiner Jugend; zu seinen Freunden gehörten die Schriftsteller Louis, Gide und der Schweizer Sprachforscher Godet. Der Impressionismus in der Malerei erregte seine Aufmerksamkeit. Das erste Konzert, das ausschließlich der Musik von Debussy gewidmet war, fand 1894 in einer Kunstgalerie in Brüssel statt.<Свободная эстетика>- vor dem Hintergrund neuer Gemälde von Renoir, Pissarro, Gauguin, ... Im selben Jahr begannen die Arbeiten an drei Nocturnes für Orchester, die ursprünglich als Violinkonzert für den berühmten Virtuosen E. Ysaye konzipiert waren. Der Autor verglich das erste der Nocturnes (Clouds) mit<живописным этюдом в серых тонах>.

Am EndeIm 19. Jahrhundert wurde das Werk von Debussy, das als Analogie zum Impressionismus in der bildenden Kunst und zum Symbolismus in der Poesie galt, noch umfassender weiter Kreis poetische und visuelle Assoziationen. Zu den Werken dieser Zeit gehört das Streichquartett in g-Moll (1893), das eine Leidenschaft für orientalische Modi widerspiegelte, ein Vokalzyklus Lyrische Prosa(1892-1893) basierend auf seinen eigenen Texten, Songs of Bilitis basierend auf Gedichten von P. Louis, inspiriert vom heidnischen Idealismus Antikes Griechenland sowie Ivnyak, ein unvollendeter Zyklus für Bariton und Orchester nach Gedichten von Rossetti.

1899, kurz nach der Heirat mit dem Model Rosalie Texier, verlor Debussy sein geringes Einkommen: sein Verleger Artmann starb. Mit Schulden belastet, fand er dennoch die Kraft, noch im selben Jahr die Nocturnes und 1902 die zweite Auflage der fünfaktigen Oper Pelleas und Melisande fertigzustellen.

Geliefert in Paris<Опера-комик>Am 30. April 1902 sorgte Pelleas für Aufsehen. Dieses in vielerlei Hinsicht bemerkenswerte Werk (es verbindet tiefe Poesie mit psychologischer Raffinesse, die Instrumentierung und Interpretation der Gesangspartien ist auffallend neu) wurde als größte Errungenschaft der Operngattung nach Wagner gewertet. Das nächste Jahr brachte den Zyklus der Druckgraphiken – er entwickelte bereits einen Stil, der für Debussys Klavierwerk charakteristisch ist.

Im Jahr 1904 ging Debussy eine neue Familienunion ein – mit Emma Bardac, die fast zum Selbstmord von Rosalie Texier führte und für eine gnadenlose Publizität einiger Umstände aus dem Privatleben des Komponisten sorgte. Dies verhinderte jedoch nicht die Vollendung von Debussys bestem Orchesterwerk – drei symphonischen Skizzen über das Meer (uraufgeführt 1905) sowie das Wunderbare Stimmzyklen- Drei Lieder Frankreichs (1904) und das zweite Notizbuch galanter Festlichkeiten nach Gedichten von Verlaine (1904).

Den Rest seines Lebens hatte Debussy mit Krankheit und Armut zu kämpfen, doch er arbeitete unermüdlich und sehr fruchtbar. Ab 1901 erschien er in Zeitschriften mit witzigen Rezensionen zu den Ereignissen des aktuellen Musiklebens (nach dem Tod von Debussy wurden sie in der 1921 erschienenen Sammlung Monsieur Croche – antidilettante gesammelt). Die meisten seiner Klavierwerke erschienen im gleichen Zeitraum.

Auf zwei Bilderserien (1905-1907) folgte die Children's Corner-Suite (1906-1908), die der Tochter des Komponisten gewidmet warShushu(Sie wurde 1905 geboren, aber Debussy konnte seine Ehe mit Emma Bardac erst drei Jahre später formalisieren).

Debussy unternahm mehrere Konzertreisen, um für den Lebensunterhalt seiner Familie zu sorgen. Er dirigierte seine Werke in England, Italien, Russland und anderen Ländern. Zwei Notizbücher mit Klaviervorspielen (1910-1913) zeigen die Entwicklung eines unverwechselbaren Werkes<звукоизобразительного>Schreibweise, charakteristisch für den Klavierstil des Komponisten. 1911 schrieb er Musik für G. d'Annunzios Mysterium Das Martyrium des Heiligen Sebastian; die Partitur wurde nach seinen Angaben vom französischen Komponisten und Dirigenten A. Caplet angefertigt.

1912 erschien der Orchesterzyklus Bilder. Debussy fühlte sich schon lange zum Ballett hingezogen und komponierte 1913 die Musik für die Ballettspiele, die von der Kompanie aufgeführt wurden<Русских сезонов>Sergei Diaghilew in Paris und London. Im selben Jahr begann der Komponist mit der Arbeit am Kinderballett „Toy Box“, dessen Instrumentierung nach dem Tod des Autors von Kaple fertiggestellt wurde. Diese rege Schaffenstätigkeit wurde durch den Ersten Weltkrieg vorübergehend unterbrochen, doch bereits 1915 erschienen zahlreiche Klavierwerke, darunter Zwölf Etüden, der Erinnerung gewidmet Chopin.

Debussy begann eine Reihe von Kammersonaten, die sich gewissermaßen am Stil der französischen Instrumentalmusik des 17. und 18. Jahrhunderts orientierten. Es gelang ihm, drei Sonaten aus diesem Zyklus zu vollenden: für Cello und Klavier (1915), für Flöte, Bratsche und Harfe (1915), für Violine und Klavier (1917).Debussyerhielt einen Auftrag von G. Gatti-Casazza von<Метрополитен-опера> zur Operbasierend auf Edgar Poes Erzählung „Der Untergang des Hauses Usher“And wasErBegann mit der Arbeitnoch in seiner Jugend.Er hatte immer noch genug Kraft, das Opernlibretto neu zu schreiben. 26. März 1918Claude Debussy starb in Paris.

Musik ist genau die Kunst, die der Natur am nächsten kommt... Nur Musiker haben den Vorteil, die gesamte Poesie von Tag und Nacht, Erde und Himmel einzufangen, ihre Atmosphäre nachzubilden und ihr immenses Pulsieren rhythmisch zu vermitteln.

Claude Debussy

In Bezug auf Talent und Bedeutung in der Geschichte der Musikkunst können sich nur wenige französische Komponisten mit Claude Debussy (1862-1918) messen. Die moderne Musik verdankt ihm viele ihrer Entdeckungen, insbesondere auf dem Gebiet der Harmonie und Orchestrierung. Die Zeit, in der der Komponist am intensivsten arbeitete und direkt an der ideologischen und künstlerischen Bewegung seiner Zeit teilnahm, waren die letzten 15 Jahre des 19. Jahrhunderts und die ersten Jahre des 20. Jahrhunderts. Diese Zeit war ein Wendepunkt für das Schicksal Europäische Kultur und Kunst. Zu diesem Zeitpunkt betraten die neuesten kreativen Bewegungen immer selbstbewusster die künstlerische Arena. Als ungewöhnlich sensibler und empfänglicher Künstler nahm Debussy begierig alles Neue auf, was in der Kunst seiner Zeit entstand. Seine Kreativität ist vielseitig. Einerseits weist es eine starke Unterstützung auf nationale Traditionen Französische Kunst, andererseits eine starke Leidenschaft für die Kultur Spaniens und kreative Entdeckungen“ Mächtiger Haufen“, insbesondere Mussorgsky, dessen großartige Deklamation Debussy schätzte. Seine Interessen reichten weit und breit und umfassten die Musik Javas und des Fernen Ostens.

Im Leben und kreativer Weg Der Komponist unterscheidet klar drei Hauptperioden. Die Wendepunkte sind 1892- das Jahr der Entstehung von „Der Nachmittag eines Fauns“ und der Bekanntschaft mit Maeterlincks Drama „Pelleas und Mélisande“ und 1903- Produktionsjahr von Pelleas.

1 Periode

In der ersten Periode war Debussy, der viele verschiedene Einflüsse erfahren hatte – von Gounod und Massenet bis zu Wagner, Liszt und Mussorgsky –, auf der Suche nach seiner eigenen Ausdrucksweise. Eine Besonderheit seiner Suche ist große Auswahl Genres. Der Komponist versucht sich sowohl an romantischen Texten („Vergessene Arietten“ nach Verlaine, „Fünf Gedichte von Baudelaire“) als auch im vokal-sinfonischen Bereich (Kantaten „Der verlorene Sohn“, „Der Frühling“, „Die auserwählte Jungfrau“). , und im Klavierbereich („Kleine Suite“, „Bergamas Suite“).

Zu Beginn der 90er Jahre trat Debussys eigenes Konzept als Komponist, das in vielerlei Hinsicht der Ästhetik der französischen Symbolisten nahe stand, immer deutlicher hervor. Er träumt davon, eine neue Art von Oper zu schaffen, in der es viel Understatement, Mysterium und „Subtext“ gibt. All das fand der Komponist bei Maurice Maeterlinck.

2. Periode

Das Jahrzehnt 1892-1902 – die 2. Schaffensperiode – war vor allem von der Arbeit an der Oper Pelléas et Mélisande geprägt. Zu dieser Zeit erreichte Debussy die volle Blüte seiner schöpferischen Kräfte. Es entstanden Meisterwerke wie „Nachmittag eines Fauns“ (von Zeitgenossen als Manifest des musikalischen Impressionismus geschätzt), „Nocturnes“ und drei „Lieder von Bilitis“ nach Gedichten von Louis.

3. Periode

Die 3. Periode, die mit den symphonischen Skizzen „Das Meer“ begann, ist durch einige Abweichungen vom zuvor eingeschlagenen Weg hin zu neoklassizistischen Suchen gekennzeichnet. In den meisten Werken, die nach Pelleas entstanden, zeigt sich der Wunsch, sich von übermäßiger Raffinesse zu einer stärkeren und mutigeren Kunst zu bewegen, hin zu größerer Materialität und rhythmischer Klarheit. Dabei handelt es sich um die Orchestertrilogie „Bilder“, den Klavierzyklus „Kinderecke“ und zwei Präludienhefte, die Ballette „Spiele“, „Kama“ und „Spielzeugkiste“.

Das Ergebnis von Debussys Schaffenstätigkeit ist quantitativ gesehen relativ gering: eine Oper, drei Ballett in einem Akt, eine Reihe symphonischer Partituren, mehrere Werke für Soloinstrumente und Orchester, 4 Kammermusikwerke (ein Streichquartett und drei Sonaten), Musik für ein Mysterienspiel. Den größten Platz nehmen Klavier- und Gesangsminiaturen ein (mehr als 80 Stücke für Klavier und etwa ebenso viele Lieder und Romanzen). Obwohl das quantitative Ergebnis relativ bescheiden ist, verblüfft Debussys Werk vor allem durch die Fülle innovativer Entdeckungen verschiedene Bereiche- Harmonie und Orchestrierung, Operndramaturgie, in der Interpretation des Klaviers, im Einsatz stimmlicher und sprachlicher Mittel.

Impressionismus

Der Name Debussy ist als Name des Begründers des Musicals fest in der Kunstgeschichte verankert Impressionismus. Tatsächlich fand der musikalische Impressionismus in seinem Werk seinen klassischen Ausdruck. Debussy tendierte zu einer poetisch inspirierten Landschaft, um die subtilen Empfindungen zu vermitteln, die entstehen, wenn man die Schönheit des Himmels, des Waldes und des Meeres (insbesondere seine Lieblingslandschaft) bewundert.

Auch musikalische Analogien zur impressionistischen Malerei lassen sich in diesem Bereich finden Ausdrucksmittel Debussy, besonders in Harmonie Und Orchestrierung. Dies ist ein allgemein anerkannter Innovationsbereich für den Komponisten. Im Vordergrund stehen hier magische Schönheit und Raffinesse. Debussy war ein geborener Kolorist. Vielleicht ist dies der erste Komponist, dem die klangliche Erscheinung eines Werkes ein besonderes Anliegen war. Seine Harmonie ist farbenfroh, was durch seinen Klang selbst anzieht - Klangfülle. Funktionelle Verbindungen werden geschwächt, Tonhöhe und Eingangston spielen keine Rolle. Einzelne Konsonanzen erlangen eine gewisse Autonomie und werden als farbige „Flecken“ wahrgenommen. Stehend, als ob eingefrorene Harmonien, akkordische Parallelismen, Wechsel unaufgelöster Dissonanzen, Modalskalen, Ganzton und bitonale Überlagerungen häufig verwendet werden.

IN Rechnung Debussy sehr wichtig hat Bewegung in parallelen Komplexen (Intervalle, Dreiklänge, Septakkorde). In ihrer Bewegung bilden solche Schichten komplexe polyphone Kombinationen mit anderen Texturelementen. Es entsteht eine einzige Harmonie, eine einzige Vertikale.

Nicht weniger originell Melodie und Rhythmus Debussy. Ausgedehnte, geschlossene Melodiestrukturen sind in seinen Werken selten zu finden – es dominieren kurze Themenimpulse und komprimierte Phrasenformeln. Die Melodielinie ist sparsam, zurückhaltend und flüssig. Ohne weite Sprünge und scharfe „Schreie“ stützt es sich auf die ursprünglichen Traditionen der französischen poetischen Deklamation. Die dem allgemeinen Stil entsprechenden Eigenschaften wurden erworben und Rhythmus- mit ständiger Verletzung metrischer Prinzipien, Vermeidung klarer Akzente, Tempofreiheit. Debussys Rhythmus zeichnet sich durch kapriziöse Instabilität, den Wunsch, die Kraft der Taktlinie zu überwinden, betonte Rechtwinkligkeit aus (obwohl der Komponist sich bereitwillig der Thematik des Folk-Genres zuwendet). verwendete die charakteristischen Rhythmen der Tarantella-, Habanera-, Cake-Walk- und Marschprozessionen).

Bezaubernde Schönheit und Farbenmagie sind auch charakteristisch für Debussys Orchesterkompositionen. Davon überzeugt uns schon das erste symphonische Werk des Komponisten – „Nachmittag eines Fauns“ , erstellt 1892-94. Anlass für die Entstehung war ein Gedicht von Stéphane Mallarmé, das von den Liebeserlebnissen des antiken griechischen Waldgottes Faun vor dem Hintergrund eines schwülen, berauschenden Sommertages erzählt.

Historisch gesehen ist dieses Vorspiel mit Traditionen verbunden Symphonische Gedichte Liszt. Die Zeichen des klassischen Symphonismus sind jedoch fast verschwunden: Es gibt keine Dynamik figurativer Vergleiche, widersprüchlicher Entwicklungen oder thematischer Entwicklungen. Stattdessen gibt es ein subtiles Spiel harmonischer und Orchesterfarben, sanft und rein. Dies ist der transparente Klang der Flöte, dann der Oboe, des Englischhorns und der Hörner. Die Atmosphäre verliebter Sehnsucht und fesselnder Glückseligkeit wird durch die magische Klangfarbe der Harfe und der „antiken“ Becken unterstrichen. Die Gesamtkomposition des Werks besteht aus einer Reihe von Klangfarbenvariationen über das ursprüngliche Flötenthema (die Pfeifenmelodie eines träumenden Fauns).

In anderen Orchesterwerken von Debussy dominieren raffinierte, „zarte“ Aquarelltöne. Sie verfügen selten über wuchtige, superstarke Klänge Orchesterkompositionen(Hierin unterscheiden sich Debussys Partituren deutlich von denen Wagners). Der Komponist verwendet gerne instrumentale Soli („reine Farben“), insbesondere Holzblasinstrumente, liebt die Harfe, die gut zu Blasinstrumenten, Celesta und Pizzicato-Streichern passt, und behandelt menschliche Stimmen bei Bedarf als einzigartige Instrumente (z. B. in „ Sirenen“).

Der Vergleich „reiner“ (nicht gemischter) Klangfarben in Debussys Orchester spiegelt sich direkt wider Maltechnik impressionistische Künstler.

Der Einfluss der Ästhetik des Impressionismus findet sich bei Debussy und in der Wahl Genres und Formen. Er brauchte keine groß angelegten Sonatenformen, um flüchtige Eindrücke festzuhalten. In symphonischen Genres tendierte er zur Suite: Diese sind es „Nocturnes“(sinfonisches Triptychon aus drei Orchesterstücken), "Meer"(Programmkomposition aus drei Orchester-„Skizzen“), bestehend aus drei Stücken Orchestersuite „Bilder“. IN Klaviermusik Debussys Interesse richtete sich auf einen Zyklus von Miniaturen, die eigentümlichen bewegten Landschaften ähneln. Die Formen in Debussys Musik lassen sich nur schwer auf klassische Kompositionsschemata reduzieren, sie sind so einzigartig. Der Komponist gibt in seinen Werken jedoch keineswegs die grundlegenden Gestaltungsideen auf. Seine Instrumentalkompositionen kommen oft mit Dreigliedrigkeit und Variation in Berührung.

Gleichzeitig kann Debussys Kunst nicht nur als musikalische Analogie zur impressionistischen Malerei betrachtet werden. Er selbst lehnte die Einstufung als Impressionist ab und war mit dieser Bezeichnung in Bezug auf seine Musik nie einverstanden. Er war kein Fan dieser Bewegung in der Malerei. Die Landschaften von Claude Monet erschienen ihm „zu nervig“ und „nicht geheimnisvoll genug“. Das Umfeld, in dem sich Debussys Persönlichkeit formte, bestand hauptsächlich aus symbolistischen Dichtern, die die berühmten „Dienstags“ von Stéphane Mallarmé besuchten. Dies sind Paul Verlaine (über dessen Texte Debussy zahlreiche Romanzen schrieb, darunter die jugendliche „Mandoline“, zwei Zyklen „Galant Celebrations“, den Zyklus „Forgotten Ariettes“), Charles Baudelaire (Romanzen, Vokalgedichte), Pierre Louis („ Lieder von Bilitis“).

Debussy schätzte die Poesie der Symbolisten sehr. Er ließ sich von der inhärenten inneren Musikalität, dem psychologischen Subtext und vor allem dem Interesse an der Welt der raffinierten Fiktion („unerkennbar“, „unaussprechlich“, „schwer fassbar“) inspirieren. Unter dem Deckmantel der hellen Bildhaftigkeit vieler Werke des Komponisten kann man nicht umhin, symbolische Verallgemeinerungen zu bemerken. Seine Klanglandschaften sind stets von psychologischen Untertönen durchdrungen. Beispielsweise bietet sich in „Das Meer“ bei aller malerischen Ausdruckskraft eine Analogie mit drei Stufen an Menschenleben, beginnend mit „Morgendämmerung“ und endend mit „Sonnenuntergang“. Im Zyklus „24 Präludien für Klavier“ gibt es viele ähnliche Beispiele.

Oper „Pelléas et Mélisande“

(Pelléas und Melisande)

Ohne Debussys innere Vertrautheit mit künstlerische Tradition Symbolik ist es unwahrscheinlich, dass sein Opernmeisterwerk „Pelléas et Mélisande“ entstanden wäre, die einzige Opernidee, die vollständig verwirklicht wurde.

Der Komponist lernte 1892 das Drama „Pelléas et Mélisande“ des belgischen symbolistischen Dramatikers Maurice Maeterlinck kennen. Das Stück begeisterte ihn. Es entsprach genau dem Ideal des Dramas, von dem Debussy träumte, es schien speziell, „maßgeschneidert“ für ihn geschaffen zu sein. Es ist bekannt, dass der Komponist den idealen Librettisten ansah, „der, ohne die Hälfte zu sagen, ... Charaktere schaffen wird, die außerhalb von allem leben und handeln.“ spezieller Ort und Raum.“ Alle Charaktere in Maeterlincks Stück haben keine wirkliche „Biografie“. Auch das Setting ist betont konventionell – ein düsteres Königsschloss und seine Umgebung in einem unbekannten Land. Es handelt sich um ein typisch symbolistisches Drama, das aus fast unmerklichen Strichen und Andeutungen gewoben ist, alles Klare und Ausgesprochene meidet und sich durch eine außergewöhnliche Subtilität bei der Vermittlung von Stimmungen auszeichnet.

Claude Debussy

Französischer Komponist, Pianist, Dirigent und Musikkritiker Claude Debussy wurde 1862 in einem Vorort von Paris geboren. Sein musikalisches Talent zeigte sich schon sehr früh und bereits im Alter von elf Jahren wurde er Student am Pariser Konservatorium, wo er Klavier bei A. Marmontel und Komposition bei E. Guiraud studierte. 1881 besuchte Debussy Russland als Pianist in der Familie von N. F. von Meck. Hier lernte er die bisher unbekannte Musik russischer Komponisten kennen.

1884 erhielt Debussy, Absolvent des Konservatoriums, für seine Kantate „Der verlorene Sohn“ den Prix de Rome, wodurch er sein Studium in Italien fortsetzen konnte. In Rom schuf der von neuen Strömungen mitgerissene Komponist Werke, die bei den akademischen Professoren seiner Heimat, wohin Debussy seine Werke als Berichte schickte, eine negative Reaktion hervorriefen.

Der kalte Empfang, der dem Musiker nach seiner Rückkehr nach Paris bereitet wurde, zwang ihn, mit den offiziellen Kreisen der französischen Musikkunst zu brechen.

Das brillante Talent und der einzigartige Stil des Komponisten zeigten sich bereits in seinen frühen Vokalwerken. Eine der ersten ist die Romanze „Mandoline“ (um 1880), die auf einem Gedicht des französischen symbolistischen Dichters P. Verlaine basiert. Obwohl das melodische Muster der Romanze lakonisch und einfach ist, ist jeder ihrer Klänge ungewöhnlich ausdrucksstark.

Zu Beginn der 1890er Jahre war Debussy bereits Autor so wunderbarer Werke wie „Forgotten Songs“ nach Gedichten von P. Verlaine, „Fünf Gedichte“ nach Texten von Charles Baudelaire, „Bergamass Suite“ für Klavier und einer Reihe von Werken anderer Werke. In dieser Zeit kam der Komponist dem symbolistischen Dichter S. Mallarmé und seinem Gefolge nahe. Mallarmés Gedicht „Der Nachmittag eines Fauns“ inspirierte den Komponisten 1894 zu einem gleichnamigen Ballett. Die Aufführung in Paris brachte Debussy großen Erfolg.

Die besten Werke des Musikers entstanden zwischen 1892 und 1902. Darunter sind die Oper „Pelléas et Mélisande“, „Nocturne“ für Orchester und Stücke für Klavier. Diese Werke sind zu Vorbildern für junge Menschen geworden Französische Komponisten. Debussys Ruhm reichte über die Grenzen seines Heimatlandes hinaus. Mit großer Freude wurde er vom Publikum in St. Petersburg und Moskau begrüßt, wohin er 1913 kam, um Konzerte zu geben.

L. Bakst. Faun. Kostümentwurf für das Ballett „Nachmittag eines Fauns“ von C. Debussy

Wie die Kunst von Rameau und Couperin, die Debussy sehr schätzte, zeichnet sich sein Werk durch Qualitäten wie Genrebildhaftigkeit, Ausdruckskraft des Klangs und klassische Klarheit der Form aus. All dies ist auch in seinen Werken präsent, die im Geiste des Impressionismus mit seinem Wunsch, kurzfristige, veränderliche Eindrücke zu vermitteln, verfasst sind. Debussy, der trotz seiner kreativen Bestrebungen über ein hochentwickeltes musikalisches Gespür und einen subtilen künstlerischen Geschmack verfügte, schnitt gnadenlos alles Unnötige ab, was der Schaffung wirklich heller und ausdrucksstarker Musik im Wege stand. Seine Werke werden für ihre Integrität, Vollständigkeit und sorgfältig ausgearbeiteten Details bewundert. Der Komponist nutzt gekonnt nicht nur impressionistische Mittel, sondern auch Genreelemente sowie die Intonationen und Rhythmen antiker Volkstänze.

Debussy wurde stark von den großen russischen Komponisten Rimski-Korsakow, Balakirew und Mussorgski beeinflusst. Ihre Arbeit wurde für ihn zu einem Beispiel für die innovative Nutzung nationaler Musiktraditionen.

Debussys Kunst ist unglaublich vielfältig. Er schuf poetische und lebendige Landschaftsskizzen (Stücke „Wind on the Plain“, „Gardens in the Rain“ usw.), Genrekompositionen (Orchestersuite „Iberia“), lyrische Miniaturen (Lieder, Romanzen), dithyrambische Gedichte („Island der Freude“), symbolische Dramen („Pelléas und Mélisande“).

Zu Debussys besten Werken gehört „Der Nachmittag eines Fauns“, in dem volle Macht Das koloristische Können des Autors wurde offenbart. Das Werk ist reich an ungewöhnlich subtilen Klangfarbenschattierungen, bei deren Entstehung Holzblasinstrumente eine große Rolle spielen. Der Zuhörer scheint in die Atmosphäre eines wunderschönen Sommertages einzutauchen, durchdrungen von den heißen Sonnenstrahlen. „Der Nachmittag eines Fauns“ zeigt eine für die meisten Werke Debussys charakteristische Version der Symphonie. Die Musik des Komponisten zeichnet sich durch koloristische Eleganz und feinste Tonaufnahme von Genreszenen und Naturbildern aus.

Von großem Interesse sind auch die „Nocturnes“ (1897 – 1899), bestehend aus drei Teilen („Wolken“, „Feierlichkeiten“, „Sirenen“). Das impressionistische „Clouds“ spiegelte die Vorstellung des Musikers von einem mit Gewitterwolken bedeckten Himmel über der Seine wider und „Celebrations“ wurde von Erinnerungen an Volksfeste im Bois de Boulogne inspiriert. Die Partitur des ersten Teils von „Nocturnes“ ist voller koloristischer Gegenüberstellungen, die den Eindruck erwecken, als würden flackernde Lichtpunkte durch die Wolken dringen. Im Gegensatz zu diesem kontemplativen Gemälde stellt „Celebrations“ eine heitere Szene für den Zuhörer dar, erfüllt von den Melodien von Liedern und Tänzen, die in der Ferne erklingen, und endet mit den Klängen einer bevorstehenden festlichen Prozession.

Aber die impressionistischen Prinzipien kamen im dritten Nocturne – „Sirenen“ – am deutlichsten zum Ausdruck. Das Gemälde stellt das Meer im silbernen Mondlicht dar, sanfte Stimmen Sirenen kommen von irgendwo weit weg. Die Partitur dieses Werks ist farbenfroher als die der beiden vorherigen, aber auch die statischste von ihnen.

1902 vollendete Debussy die Arbeit an der Oper Pelléas et Mélisande, die auf einem Theaterstück des belgischen Dramatikers und symbolistischen Dichters M. Maeterlinck basierte. Um die subtilsten Nuancen menschlicher Erfahrungen zu vermitteln, baute der Komponist seine Werke auf subtilen Nuancen und ungewöhnlich leichten Akzenten auf. Er verwendete eine arioso-rezitative Melodie ohne Kontraste, die selbst in den dramatischsten Momenten nicht über den Rahmen einer ruhigen Erzählung hinausging. Musik zeichnet sich durch sanfte Rhythmen und sanfte Bewegungen der Melodie aus, die gibt Gesangspart ein Hauch von Intimität.

Die Orchesterepisoden in der Oper sind klein, spielen aber dennoch eine bedeutende Rolle im Handlungsverlauf, als ob sie den Inhalt des vorherigen Bildes ergänzen und den Hörer auf das nächste vorbereiten würden. Die Orchestrierung verblüfft durch ihren Reichtum an Farbnuancen, sie trägt dazu bei, die richtige Stimmung zu erzeugen und die schwer fassbaren Gefühlsbewegungen zu vermitteln.

Maeterlincks symbolistisches Drama ist von Pessimismus und Untergang geprägt. Das Stück vermittelt, wie Debussys Oper, die Denkweise einiger Zeitgenossen des Komponisten und Dichters. Dieses Phänomen wurde 1907 von R. Rolland charakterisiert: „Die Atmosphäre, in der sich Maeterlincks Drama entwickelt, ist eine Atmosphäre müder Resignation, der Übergabe des Lebenswillens an die Macht des Schicksals.“ Nichts kann etwas an der Reihenfolge der Ereignisse ändern. Im Gegensatz zu den Illusionen des menschlichen Stolzes, der sich als Herr einbildet, bestimmen unbekannte und unwiderstehliche Kräfte die tragische Komödie des Lebens vom Anfang bis zum Ende. Niemand ist verantwortlich für das, was er will, für das, was er liebt ... Sie leben und sterben, ohne zu wissen, warum. Dieser Fatalismus, der die Müdigkeit der spirituellen Aristokratie Europas widerspiegelt, wurde wunderbar durch die Musik von Debussy vermittelt, die ihr ihre eigene Poesie und ihren sinnlichen Charme hinzufügte und sie dadurch noch ansteckender und unwiderstehlicher machte.

Debussys bestes Orchesterwerk ist „The Sea“, das 1903–1905 am Meer entstand, wo der Komponist die Sommermonate verbrachte. Das Werk besteht aus drei symphonischen Skizzen. Debussy verzichtete auf emotionale romantische Skizzen und schuf ein echtes „natürliches“ Bild, das auf Tonaufnahmen der Elemente des Meeres basierte. „The Sea“ begeistert den Hörer durch seinen Farbreichtum und seine Ausdruckskraft. Hier griff der Komponist erneut auf impressionistische Techniken zurück, um unmittelbare Eindrücke zu vermitteln, und es gelang ihm, die Variabilität des Meereselements, ruhig und still oder wütend und stürmisch, darzustellen.

1908 schrieb Debussy die Partitur für „Iberia“, die in den dreiteiligen symphonischen Zyklus „Bilder“ (1906 – 1912) aufgenommen wurde. Die beiden anderen Teile heißen „Traurige Gigues“ und „Frühlingsreigen“. „Iberia“ spiegelte das Interesse des Musikers am spanischen Thema wider, das auch die Fantasie anderer französischer Komponisten beflügelte.

Die Partitur des Werkes besteht aus drei Teilen – „Auf den Straßen und Wegen“, „Düfte der Nacht“, „Morgen des Feiertags“. Bei ihrer Entstehung nutzte Debussy die Rhythmen und Intonationen der Volksmusik. „Iberia“ ist eines der fröhlichsten und lebensbejahendsten Werke des französischen Musikers.

In dieser Zeit schrieb der Komponist auch eine Reihe bemerkenswerter Vokalwerke, darunter „Drei Balladen von François Villon“ (1910) und das Mysterium „Das Martyrium des Heiligen Sebastian“ (1911).

Ein bedeutender Platz in Debussys Werk ist der Klaviermusik gewidmet. Dabei handelt es sich meist um kleine Stücke, die sich durch Genre, Bildhaftigkeit und manchmal auch Programmatik auszeichnen. Bereits im frühen Klavierwerk des Musikers, der Bergamasque Suite (1890), in der die Verbindung zu akademischen Traditionen noch spürbar ist, herrscht eine außergewöhnliche Farbigkeit – eine Qualität, die Debussy von anderen Komponisten unterscheidet.

Besonders gut ist „Isle of Joy“ (1904), Debussys größtes Klavierwerk. Ihre lebendige, energiegeladene Musik lässt den Zuhörer mitreißen Meereswelle, sehen lustiges Tanzen und festliche Umzüge.

1908 schrieb der Komponist das Album „Children's Corner“, das eine Reihe einfacher Stücke enthielt, die nicht nur für Kinder, sondern auch für Erwachsene interessant waren.

Doch das eigentliche Meisterwerk des Klavierwerks des Musikers waren die vierundzwanzig Präludien (das erste Notizbuch erschien 1910, das zweite 1913). Der Autor kombinierte darin Landschaften, Stimmungsbilder und Genreszenen. Der Inhalt der Präludien wird bereits durch ihre Namen angedeutet: „Wind auf der Ebene“, „Hügel von Anacapri“, „Düfte und Geräusche schweben in der Abendluft“, „Unterbrochene Serenade“, „Feuerwerk“, „Mädchen mit Flachshaar“. “. Debussy vermittelt meisterhaft nicht nur Naturbilder oder bestimmte Szenen, etwa ein Feuerwerk, sondern zeichnet auch wahr Psychologische Porträts. Die Präludien, die schnell zum Repertoire der berühmtesten Landschaftsmaler gehörten, sind auch deshalb interessant, weil sie Handlungsstränge und Fragmente aus anderen Werken des Komponisten enthalten.

1915 erschienen Debussys Zwölf Etüden für Klavier, in denen der Autor den Interpreten neue Aufgaben stellt. Jede einzelne Skizze offenbart ein spezifisches technisches Problem.

Zum kreativen Erbe des Komponisten gehören auch mehrere Werke für Kammerensemble.

Bis zu den letzten Tagen seines Lebens ließ ihn Debussys Ruhm nicht los. Der Musiker, den seine Zeitgenossen als den bedeutendsten Komponisten Frankreichs betrachteten, starb 1918 in Paris.

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Claude Albert Claude (Claude) Albert (geb. 23.8.1899, Longlier), belgischer Biologe, Zytologe. Abschluss an der Universität Lüttich. Er arbeitete am Rockefeller Institute for Medical Research (seit 1929). 1949-71 Direktor des J. Bordet-Instituts in Brüssel, ab 1970 Leiter des Labors für Zellbiologie und

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Chappe Claude Chappe (25. Dezember 1763, Brulon, Département Sarthe – 23. Januar 1805, Paris), französischer Mechaniker, Erfinder des optischen Telegraphen. 1793 erhielt er den Titel eines Telegrapheningenieurs. 1794 baute er zusammen mit seinen Brüdern die erste optische Telegraphenlinie zwischen Paris und

Wagner und Debussy Deshalb begrüßten die Symbolisten mit so großer Begeisterung „den göttlichen Richard Wagner im Heiligenschein des Sakramentszelebranten“. Seine herrische und ungeteilte Herrschaft befeuerte die eifersüchtigen Träume der Meister der verbalen und bildenden Kunst.

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Jean-Claude Killy (* 1943), französischer Skirennläufer. Xwinter-Champion Olympische Spiele in Grenoble (Frankreich), 1968 Als Jean-Claude Killy gefragt wurde, wie man ein großartiger Skifahrer werde, antwortete er: „Seien Sie der Erste auf dem Berg und der Letzte, der ihn verlässt – das ist der einzige Weg.“

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Claude Debussy (Debussy, Claude) Einmal fragte ein Konservatoriumslehrer den jungen Debussy: „Was hast du, junger Mann, geschrieben?“ Das verstößt gegen alle Regeln.“ Debussy antwortete ohne mit der Wimper zu zucken: „Für mich als Komponisten gibt es keine Regeln; Was ich will, ist die Regel.“ Und später