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Abendprogramm Ballette in einem Akt V Bolschoi-Theater präsentiert durch drei Performances, die in Form und Inhalt, Choreografie und Gestaltung völlig unterschiedlich sind. Der gewagte und beängstigende „Cage“, inspiriert vom Amerikaner D. Robbins, von der düsteren Musik von Strawinsky, die von A. Alons inszenierte „Carmen Suite“ und die Ode an den Tanz in „Etudes“ des Choreografen H. Lander werden den Betrachter nicht verlassen gleichgültig. An einem Abend können Ballettliebhaber eine unglaubliche Bandbreite an Emotionen erleben und eine Reise durch die Geschichte des Tanzes unternehmen.

Ballett „Carmen Suite“

Das Ballett in einem Akt „Carmen Suite“ hat seit mehreren Jahrzehnten nicht aufgehört, die Aufmerksamkeit des Zuschauers auf sich zu ziehen. Vertont Sowjetischer Komponist Rodion Shchedrin, er wurde einst von der großartigen Ballerina Maya Plisetskaya verherrlicht. Später glänzten weitere Stars des Primaballetts darin.

In der gekürzten Fassung ist die Aufführung der „Carmen Suite“ für den Zuschauer verständlicher und der Autor der Inszenierung kann sich eine eigene Interpretation leisten klassisches Werk. Die Geschichte einer freien und launischen Zigeunerin im Rahmen eines einaktigen Balletts entwickelt sich dynamisch und rasant.

Liebe, Eifersucht, Schicksal – all das zieht eine Zeile vor dem Betrachter vorbei. Umso interessanter ist es, Bilder und Charaktere in den Gesten, der Mimik und den Bewegungen der Tänzer zu lesen. Im Ballett ist alles, was passiert, sehr symbolisch und manchmal scheint es, als würde Carmens Schicksal seinen fatalen Lauf nehmen. Aber der Stierkampf mit seinem unvermeidlichen und traditionellen Ende bringt den Zuschauer zurück in die Realität

Die Uraufführung dieser strahlenden, von Liebesleidenschaft durchdrungenen Aufführung fand im Frühjahr 1967 statt. Im Jahr 2005 wurde es nach längerer Pause wieder aufgenommen. Seitdem gehört das Ballett zum Repertoire des Bolschoi-Theaters. I. Nioradze, I. Kuznetsov, D. Matvienko glänzen in Albert Alonsos Inszenierung der „Carmen Suite“ 2018.

Ballett „Käfig“

Die Uraufführung des Stücks „The Cage“ fand im März 2017 im Bolschoi statt, aber auch diejenigen, die bereits das Glück hatten, die Choreografie von Jerome Robbins‘ Inszenierung zu sehen und zu schätzen, kommen in dieser Saison zurück, um alles noch einmal zu sehen. Hell, grotesk, manchmal seltsam und unverständlich, aber durchdringend und beeindruckend – „The Cage“ 2018 lässt niemanden gleichgültig.

Was auf der Bühne passiert, kultiviert nicht die positivsten Emotionen. Spinnenartige Plastizität geht dagegen klassisches Ballett, wilde Aggressivität, durchdrungen von Feminismus und Verleugnung von allem, was über die weibliche Kontrolle hinausgeht, löst ein seltsames Gefühl der Ablehnung aus, aber die großartige Choreografie bringt alles wieder an seinen Platz. Das Stück „Der Käfig“ ist ein Spektakel, über das man sagt: „Wir bitten die schwachen Nerven, den Saal zu verlassen.“

Robbins wurde 1951 von der Musik Strawinskys zu der Inszenierung inspiriert. Im siebten Jahrzehnt seines Bestehens klingt es in dieser Aufführung in der Interpretation des Dirigenten-Produzenten Igor Dronov anders. Anastasia Stashkevich, die die Rolle des New Girl tanzte, erhielt besonderes Lob von Vertretern der Robbins Foundation. Das Stück „Der Käfig“ im Bolschoi-Theater dauert nur 14 Minuten, bleibt dem Zuschauer aber lange im Gedächtnis, weil es Zeit braucht, es zu verstehen und zu begreifen, was passiert.

Ballett „Etüden“

Die Performance „Etudes“ ist eine Reise durch die Welt der Ballettchoreografie. Es wurde zur Musik des Komponisten Karl Czerny geschaffen. Die klassische Harmonie dieses Balletts wurde 1948 vom Choreografen Harald Lander in seiner ersten Inszenierung für das Königlich Dänische Theater „geschrieben“. Dieses Ballett hat keine Handlung; vielmehr erzählt es von der 300-jährigen Geschichte der Tanzkunst.

Die Inszenierung zeigt Ballettschritte in der Reihenfolge ihrer Komplexität, angefangen bei den ersten einfachen Fußpositionen bis hin zu einer Parade komplexer Drehungen und Sprünge sowie anspruchsvoller Balletttechniken. Am Ende des Stücks „Etüden“ führen die Primatänzer bereits Elemente vor, die Männer oft beherrschen, und letztere führen Frauenfouettés vor. Manchmal scheint es, als würde Lander sich über alles und jeden lustig machen, aber das ist nur eine Illusion, tatsächlich auf der Bühne Das Große kommt tanzen.

Die Uraufführung des Einakters „Etüden“ im Bolschoi-Theater fand im März 2017 statt. Nach der Aufführung stellten viele Kritiker fest, dass Harald Landers Interpretation für unsere Tänzer, die an eine völlig andere Ballettschule gewöhnt sind, komplex und manchmal körperlich einfach unerträglich ist. Aber um sich zu diesem Thema eine eigene Meinung zu bilden, müssen Sie das Ballett mit eigenen Augen sehen. Auf jeden Fall ist alles, was auf der Bühne passiert, wunderbar.

Tickets für die Einakter-Ballette „Carmen Suite“, „Cage“, „Etudes“

In der vergangenen Saison erfreuten sich einaktige Ballette großer Beliebtheit beim Publikum, was Anlass zu der Annahme gibt, dass „Carmen Suite“, „The Cage“ und „Etudes“ 2018 nicht weniger gefragt sein werden. Unsere Agentur ist seit mehr als 10 Jahren im Bereich des Ticketverkaufs für alle Veranstaltungen in Moskau tätig, sodass wir die Qualität der erbrachten Dienstleistungen garantieren können. Auf unserer Website können Sie Tickets für „Carmen Suite“, „Cage“ und „Etudes“ kaufen und bequem bezahlen:

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Einaktige Ballette sind ein Spektakel, das echten Ballettkennern würdig ist

Es lohnt sich auf jeden Fall, die Einakter-Ballette „Carmen Suite“, „The Cell“ und „Etudes“ in Moskau zu sehen. Dies ist ein Tanzfest, das starke Emotionen hervorruft. Dies wird auch durch die Tatsache bestätigt, dass nach der Premiere von „The Cage“ niemand gleichgültig blieb und das Publikum nach dem Anschauen von „Etudes“ die Künstler nicht losließ und den Saal des Bolschoi-Theaters mit anhaltendem Applaus überflutete.

Wer auf unserer Website Karten für einen Einakter-Ballettabend im Bolschoi-Theater „Etüden“, „Russische Jahreszeiten“ und „Käfig“ kauft, wird einen ereignisreichen Abend erleben.

„The Cage“ und „Etudes“ sind Uraufführungsballette. „The Cage“ wurde vom für seine Arbeit bekannten Choreografen Jerome Robbins vorbereitet helle Projekte am Broadway, in ausländischen Theatern und Kinos.

In der Aufführung „Etudes“ erfahren Sie, wie Tänzer leben, woraus ihr Alltag besteht und wie viel Mühe sie aufbringen müssen, um Großes zu erreichen und sich den Applaus des Publikums zu verdienen.

Der Abend endet mit dem Ballett „Russische Jahreszeiten“ unter der Regie von Alexei Ratmansky. Eine außergewöhnliche Inszenierung wird die Zuschauer an die Wurzeln, Traditionen und Lebensweise des russischen Volkes erinnern und auf deren Bewahrung hinweisen nationale Werte. Das Ballett zur Musik von Leonid Desyatnikov reiste in viele Länder und erfreute sich überall großer Beliebtheit professionelle Kritiker, und ein dankbarer Zuschauer.
Jedes der Ballette erfordert hohe Anforderungen darstellende Fähigkeiten, zum Glück schon vorher Russische Zuschauer Es werden führende Künstler auftreten, die bereit sind, zu überraschen komplexe Zahlen und kombinieren Sie die Klassiker der Ballettkunst mit modernen Techniken.

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Russische Jahreszeiten
Choreograph - Alexey Ratmansky
Dirigent-Produzent: Igor Dronov
Kostümbildnerin: Galina Solovyova

Zelle
Choreographie von Jerome Robbins
Szenografie von Jean Rosenthal
Kostümbildnerin – Ruth Sobotka

Skizzen
Choreografie von Harald Lander
Szenografie, Kostüme, Beleuchtung von Harald Lander

„The Cage“ ist eines der größten Ballette von Robbins. Als das Ballett 1951 ins Leben gerufen wurde, waren die Kritiker von seiner wilden Wut verblüfft. In Holland wurde es von den Behörden zunächst sogar verboten – als „pornografisch“.
J. Homans, „Apollos Engel“

Im Frühjahr 1951 kehrte Robbins zum New York City Ballet zurück und wandte seiner Aussage nach jene rein technischen Entdeckungen, die er im Musical „The King and I“* realisierte, in seinem polemischen Ballett „The Cage“ an. Er selbst sagte, dass die überaus ausgedehnten siamesischen Bewegungen und Gesten, die er in verwendete Broadway Show, lief über und spritzte hinaus ins Ballett. Zur düsteren Musik des Konzerts für Streichorchester In diesem Ballett in D-Dur von Strawinsky geht es um die „Vergewaltigung“ und anschließende Tötung männlicher Insekten durch weibliche Insekten. Als Erklärung schlug die Sendung „einen Wettbewerb oder eine Sekte“ vor. Und laut Robbins, Ursprünglicher Plan ging zurück zu den mythologischen Amazonen. Doch schon bei den ersten Proben verwandelte es sich, so dass sich die „Amazonen“ in Insekten ähnlich der Gottesanbeterin verwandelten und ihrem Kult frönten. Robbins nutzte etwas von den Spinnen, von der ungezügelten Kraft der Tierwelt, um etwas zu erschaffen, das er selbst als „natürliches Phänomen“ bezeichnete.

Die Idee, „The Cell“ zu inszenieren, kam ihm zum ersten Mal, als er die Schallplatte mit Strawinskys „Apollo Musagete“ umdrehte. Rückseite Er sah das Konzert von 1946. „Was für eine dramatische Sache!“ - das war seine Reaktion. Er beschrieb diese Musik als „furchtbar aufregend, überwältigend und bedrückend“ und stellte sich die drei Teile des Konzerts als dramatische Struktur vor, die später zur Grundlage seines Balletts wurde. Robbins überlagerte den Tanz mit einer endlosen Anzahl von Ideen und Bildern, die er während der gesamten Arbeit am Ballett fand und in sich aufnahm, von den glatten, nassen Haaren von Nora Kaye**, die aus der Dusche kam, bis hin zur unermüdlichen Beobachtung eines Tigers in einem Käfig mit dem Schwanz peitschen. Er deutete auch an, dass er sich von den besonderen jugendlichen Merkmalen des Tanzes von Tanaquil Le Clerc inspirieren ließ, die er sorgfältig beobachtete (er verglich sie mit einem ungeschickten jungen Fohlen, das im Begriff war, sich in ein Vollblutpferd zu verwandeln). Er selbst sprach über diesen imaginären Prozess der Absorption wie folgt: „Ich hatte einen besonderen Blick, der auf das Material gerichtet war. Dieser „besondere Look“ ist typisch für jeden, der arbeitet kreative Arbeit, ob er Künstler, Dramatiker, Dichter, Komponist oder Choreograf ist. Dieser „Blick“ wird zu einer Art Geigerzähler, der im Gehirn zu klicken beginnt oder Emotionen auslöst, wenn man sich einem Gegenstand nähert, der für die eigene Arbeit von Wert sein könnte.“

In diesem Fall würde die Person wahrscheinlich überrascht die Augenbrauen hochziehen, da das Ballett bewusst bedrohlich und gewalttätig war. Robbins fasste alles zusammen, was darin passiert: „Dies ist die Geschichte eines Stammes, eines Stammes von Frauen.“ Ein junges Mädchen, eine Konvertitin, muss sich einem Übergangsritus unterziehen. Sie kennt ihre Pflichten und Befugnisse als Mitglied des Stammes noch nicht und ist sich auch ihrer natürlichen Instinkte nicht bewusst. Sie verliebt sich in einen Mann und befreundet sich mit ihm. Aber die Regeln, nach denen der Stamm lebt, erfordern seinen Tod. Sie weigert sich, ihn zu töten, wird aber (von der Stammeskönigin) erneut angewiesen, ihre Pflicht zu erfüllen. Und wenn tatsächlich sein Blut vergossen wird, übernehmen tierische Instinkte die Oberhand. Sie selbst eilt vorwärts, um das Opfer zu vollenden. Ihre Gefühle folgen den Instinkten ihres Stammes.

Und tatsächlich wurden unter der Führung der Stammeskönigin (Yvonne Munsey) zwei Außenseiter (Nicholas Magallanes, Michael Maul) einer nach dem anderen durch die wütenden Schläge von Frauenhänden und -füßen getötet. Wenn „Free as Air“***** die klassische „Silbe“ um eine Kombination aus Pirouetten und Saltos erweiterte, dann sollte „The Cage“ mit seiner grotesken Art die Grenzen der klassischen Form noch weiter verschieben. „Ich hätte mich nicht ausschließlich auf menschliche Bewegungen beschränken sollen, also auf Bewegungen, die auf die Art und Weise ausgeführt werden, die wir in Betracht ziehen dem Menschen innewohnend, erinnerte sich Robbins. „An der Art und Weise, wie ihre Finger arbeiteten, an der Neigung des Körpers zum Boden oder an der Bewegung des Arms, hatte ich die Möglichkeit zu erkennen, was ich komponieren wollte. Manchmal verwandelten sich Arme, Hände, Finger in Krallen, Tentakel, Antennen.“<…>

Das Ballett wurde am 4. Juni 1951 im Stadtzentrum uraufgeführt. Der Designer Jean Rosenthal beleuchtete die leere, netzartige Struktur aus ineinander verschlungenen Seilen, und Ruth Sobotka kleidete die Darsteller in provokante „Spinnen“-Outfits. Zu Beginn des Balletts wird das oben hängende Seilnetz unheimlich angespannt, ein Detail, das Robbins hinzufügte, als wollte er vor dem bevorstehenden Geschehen warnen. Aber diese weniger als vierzehnminütige Aufführung zerschlägt sofort alle Annahmen des Publikums.<…>

Die kritische Reaktion war sehr laut, aber überwiegend zugunsten von Robbins. John Martin****** schrieb: „Dies ist ein wütendes, fragmentiertes und gnadenloses Werk, dekadent in seiner Besessenheit von Frauenfeindlichkeit und Missachtung der Reproduktion. Sie kann den Fragen nicht ausweichen, aber mit ihren scharfen und starken Schlägen dringt sie zum Kern des Problems vor. Die Charaktere sind Insekten, ohne Herz und Gewissen, und ihre Meinung über die Menschheit ist nicht sehr hoch. Aber trotz aller Macht der Leugnung ist es ein großartiges kleines Ding, das den Stempel des Genies trägt.“ Im Herald Tribune kommt Walter Terry zu dem Schluss, dass „Robbins ein verblüffendes, eindringliches, aber insgesamt faszinierendes Stück geschaffen hat.“<…>

Clive Barnes beschrieb „The Cage“ später als „ein abstoßendes Stück schlecht ausgedrückter Genialität“. Als wollte er Robbins vor dem Vorwurf der Frauenfeindlichkeit verteidigen, nannte Lincoln Kernstein ******* es „ein Manifest für die Frauenbefreiungsbewegung, geschrieben zwanzig Jahre vor ihrem Beginn.“ Damals war Robbins über diese harsche Reaktion sehr verletzt und gab sogar eine „Dementierung“ ab: „Ich verstehe nicht, warum irgendjemand von The Cage so schockiert ist.“ Wenn man genau hinschaut, wird einem klar, dass es sich um nichts anderes als den zweiten Akt der Giselle in moderner Darstellung handelt.“ Und obwohl er später erklärte, dass seine Aussage ironisch gemeint war, wurde er ständig an die Wilis „erinnert“, die rachsüchtigen Geister in weiblicher Gestalt, die Hilarion und Albert in der berühmten Friedhofsszene brutal angriffen. Doch in „The Cage“ gibt es keinen Hinweis auf die alles verzehrende Macht der Liebe, die Giselle dabei hilft, ihren untreuen Prinzen zu retten. Robbins machte sein Ballett unendlich düster und gnadenlos: Seine beiden Außenseiter mussten sterben, ohne auf die Manifestation menschlicher Gefühle ihrer Mörder zu warten. Was dem Rat von Balanchine entsprach, der laut dem Biographen Bernard Taper Robbins nach dem Durchlauf sagte: „Lassen Sie ihn klinisch seelenlos.“

Auszug aus dem Buch „Dancing with Demons: The Life of Jerome Robbins“ von H. Lawrence
Übersetzung von N. Shadrina

* „The King and I“ ist ein Musical, das auf dem Roman „Anna und der König von Siam“ basiert und 1951 von J. Robbins am Broadway inszeniert wurde.
** Nora Kay ist die erste Darstellerin der Rolle des Konvertiten.
*** Tanaquil Le Clerc ist eine Ballerina der New York City Ballet-Truppe, die bald nach den beschriebenen Ereignissen die Frau von J. Balanchine wurde.
**** Imagist – dem Imagismus innewohnend ( literarische Leitung im englischsprachigen Raum).
***** „Free as Air“ ist eines der beliebtesten berühmte Ballette J. Robbins (1944).
****** John Martin, Walter Terry und Clive Barnes sind die größten amerikanischen Ballettkritiker.
******* Lincoln Kerstein – Philanthrop, Kunstkenner, Schriftsteller, Impresario, Mitbegründer des New York City Ballet.

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"Zelle". Das neue Mädchen ist Anastasia Stashkevich. Foto – Damir Jussupow

Der amerikanische Choreograf Jerome Robbins inszenierte 1951 „The Cage“ und ließ sich von der Musik Strawinskys inspirieren, in der er den Kampf zwischen Unterdrückung und Unterwerfung, zwischen Mensch und Natürlichkeit hörte.

In dem vierzehnminütigen Opus initiiert eine bestimmte weibliche Gemeinschaft (entweder weibliche Gottesanbeterinnen, von denen bekannt ist, dass sie Männer nach der Paarung töten, oder rasende Amazonen) das Neue Mädchen und zieht sie in einen finsteren Kult hinein: den rituellen Mord an Männern. Oder Männer? Man kann Robbins' Idee wörtlich interpretieren, aber „The Cage“ macht heutzutage einen leicht komischen Eindruck.

Es ist aber auch möglich im übertragenen Sinne– zum Beispiel als eine von versteckter Ironie überzogene Geschichte über die Extreme des Feminismus. Oder eine Analyse unserer inneren tierischen Aggression, die hin und wieder danach strebt, herauszukommen und die fragilen Barrieren des Menschen zu durchbrechen.

Robbins arbeitete in „The Cage“ mit klassischen Tänzern und konzentrierte sich dabei insbesondere auf jene Ballettschritte, die bis zur Raserei „aufgeblasen“ werden können (z. B. scharfe Batmans – hohe Beinbewegungen). Und außerdem füllte er Plastik mit allerlei „Hässlichkeit“.

Der Choreograf sprach davon, „einem Tiger in einem Käfig zuzusehen, der unermüdlich mit dem Schwanz peitscht“, von den Schrecken, die er sah, als „Arme, Hände, Finger sich in Krallen, Tentakel, Antennen verwandelten“.

Eine Gruppe von Frauen (oder Kreaturen?) mit sträubenden Haaren und Zickzackmustern in Ballett-„Trikots“ läuft in Spinnenplastik, öffnet den Mund zu einem stummen Schrei, geht mit raschelnden, halb gebeugten Schritten, streckt die Hüften aus und wirft den scharfen Kopf hoch Ellenbogen. Als sich die Heldin in einem „vorsichtigen“ Duett beinahe in einen Sexualfeind verliebt hätte, handelt sie schließlich nach den Regeln des Stammes und bricht ihrem Partner das Genick, indem sie seinen Kopf zwischen ihren gekreuzten Beinen hält (alles vor dem Hintergrund eines farbiges Netz) - das Bild bestätigt sicherlich die Worte des Regisseurs:

„The Cell“ ist nichts anderes als der zweite Akt von „Giselle“ in moderner Darstellung. Nur Giselle mit ihrer alles vergebenden Liebe ist nicht da, sondern nur die rücksichtslosen Killer der Willis.

Dirigent Igor Dronov interpretierte Strawinskys Konzert für Streichorchester in D-Dur, als wäre es nicht Strawinsky. Wo ist die herbe Verbindung von Geschmeidigkeit und Ungestüm, Schärfe und Geschmeidigkeit? Wo sind die Akzente und Synkopen? Der rhythmisch und klanglich wandelbare Reichtum vermischt sich zu einem Brei, als würden die Füße von Tänzern und Ballerinas darin stecken.

Die Truppe spielte „The Cage“ zu klassisch, fast ohne die dramatische Spannung, die man – in Aufnahmen – bei den amerikanischen Interpreten, Trägern des Stils, sehen kann, die „The Cage“ unter Robbins tanzten. Sogar Anastasia Stashkevich (New Girl), die intelligent tanzte und von Vertretern der Robbins Foundation anerkannt wurde, wurde sogar deutlich „milder“. Und es ist ihr noch nicht gelungen, den von der Choreografin geforderten Effekt zu erzielen: eine Ähnlichkeit mit „einem unbeholfenen jungen Fohlen, das dabei ist, sich in ein Vollblutpferd zu verwandeln.“

Ganz anders ist das Ballett „Etudes“. Es basiert auf der Musik von Karl Czerny, diesen Namen kennt jeder Student Musikschule, über Klavierstudien grübelnd.

Das 1948 in Dänemark vom Choreografen Harald Lander geschaffene Ballett stellt keine Verletzung der klassischen Harmonie dar, im Gegenteil, es betont sie auf jede erdenkliche Weise. „Etudes“ – eine handlungslose Reise um die Welt Klassischer Tanz, mit Besuchen in romantischer Stil und ein Führer durch dreihundert Jahre Ballettgeschichte.

Die Reise beginnt mit einer einfachen Auf-Ab-Tonleiter und einem einsamen Ballettmädchen auf dem Proszenium, das die Grundlagen zeigt – die fünf grundlegenden Beinpositionen im klassischen Stil und im Plie (tiefe Kniebeugen).

Die „Etüden“ enden mit einer feierlichen Generalapotheose, wenn sich die Ballerinas in schwarz-weißen „Tutus“ zusammen mit ihren Herren in Kolonnen aufstellen. Dazwischen liegen die Tempokontraste im Allegro und im Adagio. Solos, Duette und Pas de trois.

Erste Bewegungen an der Ballettstange im Unterricht – und eine Parade gut trainierter Profis, die sowohl bei großen Sprüngen und Drehungen als auch bei subtilen Ballett-Kleinigkeiten überzeugen. Demonstration der Reinheit des Tanzes, „Stahlfuß“, richtige Platzierung der Hände und ein entspannter Körper.

Landers akademische Schritte haben oft den Beigeschmack von Varieté-Verspieltheit, aber es ist auch notwendig, die lyrische Palette zu beherrschen. Der Premierminister spinnt Frauenfouettés, und die Ballerinas müssen es getan haben männliche Stärke und Ausdauer. Der Bösewicht Lander macht wie zum Spott immer mehr Kombinationen. Am Ende des Balletts erstickt die Truppe – wer auch immer – aufgrund dieser wütenden Übungen vor Erschöpfung.

„Etüden“ sollen in einem einzigen Impuls vorgetragen werden und dabei technisches Equipment und Musikalität gekonnt verbinden. Das ist im Allgemeinen schwierig – und doppelt schwierig für unsere Tänzer, die größtenteils mit einem anderen Repertoire aufgewachsen sind, wenig oder nicht ausreichend an die feine Balletttechnik gewöhnt sind, an all diese Spitzen-„Ligatur“ mit Füßen (ein Zeichen des Dänische Schule), von denen die „Etüden“ voll sind.

Zudem dauerten die Proben im Theater nur 20 Tage, was für eine solche Choreografie weniger als nötig ist. Dadurch ist der Eindruck halbherzig. Es war klar, dass sowohl der eingeladene Regisseur aus Dänemark als auch der Leiter der Balletttruppe des Bolschoi-Theaters, Mahar Vaziev, von den Tänzern strikt verlangten, dass sie sich an die Ausweichpositionen, klare Posen und gut geschliffene Füße halten. Der verzweifelte Wunsch, alles richtig wiederzugeben, stand vielen Rednern ins Gesicht geschrieben. Was kann man tun, wenn dieses höllisch schwierige, technisch „anspruchsvolle“ Ballett trotz allem wie etwas Leichtes wirken soll, als ob es keine nennenswerte körperliche Anstrengung erfordert?

Mühelose Virtuosität – Stichworte für Interpreten von „Etüden“. Die Premieren Olga Smirnova, Ekaterina Krysanova (zweite Besetzung), Semyon Chudin und Artem Ovcharenko tanzten im Großen und Ganzen wie eine Premiere, wenn auch mit einigen Flecken.

Für die anderen Solisten war es komplizierter. Manche Menschen versuchen, beim Drehen umzufallen, manche werden schnell müde, und das kann man sehen, manche stellen ihre Füße krumm oder strecken sie nicht, gehen falsch in die Hocke oder schlagen ihre Beine bei Schleudersprüngen übereinander, nicht ohne „Schmutz“. Ganz zu schweigen vom Ungleichgewicht der Synchronizität. Kleine „Dissonanzen“, die hier und da auftraten, häuften sich nach und nach und bedrohten die Harmonie des Gesamtgefüges.

Unter diesen Umständen kann die Idee, die Premiere im Kino zu übertragen, nicht als erfolgreich bezeichnet werden. Es stellte sich heraus, dass die „rohen“ Teile der ersten Show auf der ganzen Welt reproduziert wurden. Aber wie der Direktor des Bolschoi-Theaters, Wladimir Urin, sagte, hat das Theater nicht immer die Möglichkeit, im Kino zu zeigen, was es möchte: Das Problem des Urheberrechts stört. Genau das ist hier der Fall.

Die ersten Ankündigungen aus russischen Kinos versprachen ein ganz anderes Programm. Es hat nicht geklappt. Aber jetzt Balletttruppe Der große und ehrgeizige künstlerische Leiter Vaziev muss sich, wenn er seinen Ruf wertschätzt, an die Technik erinnern. Ein paar Monate harter Proben – und wahrscheinlich wird alles klappen.