Italienische Songwriter-Komponisten des 20. Jahrhunderts. Präsentation „Große italienische Komponisten“
Eine Geschichte über italienische Musik ist ohne die Geschichte der Oper undenkbar. Genau aus diesem Grund werden wir in einem der folgenden Materialien des Projekts „Viva Italia!“ über die Oper sprechen. Lassen Sie uns nun ein paar Seiten durchblättern allgemeine Geschichte Italienische Musik.
Nach der Eroberung Antikes Griechenland Römische Eroberer im 2. Jahrhundert v. Chr. e. Fast alle griechischen Musikinstrumente wurden „am Leben gehalten“ und erklangen weiter, obwohl bereits vorhanden neue Kultur. Und obwohl die antiken römischen Musiker damals Instrumente aus allen Ecken des riesigen Reiches verwendeten, waren es die gebräuchlichsten lange Zeit Die Leier und die Kithara blieben erhalten.
Der erste ist vielen bekannt. Dies ist eine besondere Art von Harfe, obwohl sie viel kleiner ist. Die Leier war unterschiedlich geformt, bestand aus Holz und hatte zehn Saiten. Auch Kifara ist eine Art Leier, nur tiefer und breiter, wodurch sie auch wohlklingender ist. In den Händen von Profis fand man oft eine Aulos, eine Doppelflöte mit Löchern.
In jenen fernen Zeiten war Musik außerhalb der Stadtfeste und des Theaters undenkbar. Musiker und Chöre tourten durch die ganze Stadt, in der das Festival stattfand, damit jeder sein Talent genießen konnte. Verbunden mit den gleichen Zeiten Aktivitäten des ersten Schausteller. Obwohl man sie damals „Virtuosen“ nannte. Sie zeigten dem Publikum exzentrische, aufsehenerregende Darbietungen voller Humor und einer grotesk-pompösen Atmosphäre. Terpnos (der große Cithara-Spieler und Lehrer von Nero), Mesomedes von Kreta und Polon badeten in den Strahlen des Ruhms.
Als sich immer mehr Länder und Staaten dem Römischen Reich anschlossen, absorbierte die Musik Innovationen, verwandelte sie und bot neue Existenzformen. Dank einer so originellen Mischung von Kulturen sind so alte Genres wie Citarodia (Spielen der Cithara und Gesangspart) und citaristica (Solospiel der Cithara).
Seit der Entstehung und Verbreitung des Christentums hat sich die italienische Musik in zwei Richtungen entwickelt: weltlich und kirchlich. Der kanonische gregorianische Gesang (canto gregoriano, benannt nach Papst Gregor I. dem Großen) entstand schließlich im 7. Jahrhundert.
Im Laufe der Zeit verändert und Musikalische Geographie. Im 11. Jahrhundert wurde der Status Musik Zentrum erhielt die Toskana. Hier, in Florenz, lebte Guido d'Arezzo (ca. 992-ca. 1050). Laudas sind sehr beliebt – einstimmige und polyphone Lobgesänge. Die Renaissance sang vor allem die weltliche Musikkultur. Dabei Mal, das erste Musikakademien und der Wintergarten. Interessante Tatsache: Ursprünglich wurden so städtische Waisenhäuser genannt, in denen neben anderen Wissenschaften auch Kinder unterrichtet wurden musikalische Bildung. Das erste derartige „Konservatorium“ entstand 1537 in Neapel.
Im 16. Jahrhundert entwickelte sich das Madrigal zur beliebtesten Gattung. Ursprünglich war es ein einstimmiges Lied Italienisch. Mit der Zeit wurde die Form komplexer und entwickelte sich zu einem polyphonen Vokalgedicht. Das Thema blieb unverändert – Liebe und Lyrik. Ein anerkannter Meister war Carlo Gesualdo di Venosa, Fürst der Kleinstadt Venosa bei Neapel.
Die einflussreichsten Musikschulen dieser Zeit waren römische und venezianische.
In Rom leitete der Komponist Palestrina die Musikergemeinde Santa Cecilia, die später in die Akademie umgewandelt wurde. Mehr als vier Jahrhunderte lang befand sich hier das Zentrum der Berufstätigkeit Musikleben Italien. IN verschiedene Jahre Monteverdi, Scarlatti, Poganini, Verdi, Puccini und viele andere wurden Mitglieder der Akademie. Heute Nationale Akademie Santa Cecilia umfasst auch einen Wintergarten und Symphonieorchester, und besitzt auch eine echte Schatzkammer – eines der größten Musikdepots der Welt, ein Museum Musikinstrumente usw. Wenn Sie sich also mit der Musikgeschichte auskennen, notieren Sie sich die Adresse in Rom: Piazza S. Croce in Gerusalemme, 9.
Was ist mit Venedig? Musikalische Genies Diese Region bescherte der Welt einen einzigartigen Stil der vokal-instrumentalen Polyphonie, der sich sowohl in Kirchentradition, und im weltlichen. Und der Name des Komponisten Giovanni Gabrieli ist mit dem Ursprung der Orchester- und Kammerensemblemusik selbst verbunden. Die Blasinstrumente weichen den Violinstimmen.
Die Geschichte der italienischen Musik ist übrigens ohne die Tätigkeit der Geigenbauer nicht denkbar. Die Besonderheiten ihres Handwerks sind geheimnisvoll und wurden vom Vater an den Sohn, vom Lehrer an den Schüler weitergegeben. Und viele sind noch gar nicht gelöst. Andrea Amati schuf eine klassische Geige; Paganini, Kreisler und Uto Ughi spielten auf den Instrumenten der Guarneri-Meister, aber vielleicht am meisten berühmter Meister Streichinstrumente war Antonio Stradivari (1644-1737). Es sind seine Instrumente, die heute von den berühmtesten Musikern der Welt gespielt werden.
Im Jahr 1580 trafen sich in Florenz Dichter, Musiker, humanistische Wissenschaftler und einfach Musikliebhaber. Die neue Gemeinschaft wurde Florentiner Camerata genannt. Damit verbunden ist die Entstehung eines neuen Genres – der Oper. Aber dazu, wie oben erwähnt, in einem der nächsten Artikel des Projekts.
In der Kirchenmusik erschienen Werke, die sich mit religiösen Themen befassten, aber nicht unbedingt für die Aufführung in der Kirche bestimmt waren.
Viele Persönlichkeiten des 16. bis 17. Jahrhunderts trugen zur Entwicklung der italienischen Musik bei, was auch heute noch relevant ist. So schuf beispielsweise Giacomo Carissimi eine klassische Art weltlicher und geistlicher Kantate. Und Organist Frescobaldi spielte eines davon Schlüsselrollen bei der Bildung einer solchen Form Musikstück wie eine Fuge. Und schließlich Bartolomeo Cristofori Anfang des 18. Jahrhunderts Jahrhundert erfand das Hammerklavier, heute bekannt als Klavier.
Die Musik blühte weiter. Ein Instrumentalkonzert erscheint als unabhängiges Genre. Das Cembalo, die Orgel, die Violine und etwas später das Klavier wurden zu Soloinstrumenten. Die gesamte geschriebene Musik zeigte das Talent nicht nur des Komponisten, sondern auch des Interpreten, von dem außergewöhnliche Virtuosität gefordert wurde.
Arcangelo Corelli ist der Begründer der römischen Geigenschule, Alessandro Scarlatti ist der Begründer der neapolitanischen Opernschule, Antonio Vivaldi – Schöpfer des Sologenres Instrumentalkonzert. Das 17.-18. Jahrhundert ist wahrlich eine großartige Zeit in der Geschichte. Instrumentalmusik Italien. Wir sind hierher gekommen, um professionell zu werden musikalische Ausbildung aus aller Welt. A Italienische Komponisten Künstler und Theoretiker fanden in Großbritannien, Frankreich, Russland und anderen Ländern eine zweite Heimat.
Im 19. Jahrhundert war die italienische Musik nicht nur die Entstehung neuer Formen und Werke, sondern auch die Interpretation des bestehenden Erbes. Ferruccio Busoni, herausragender Pianist, Komponist, Lehrer und Musikwissenschaftler, hinterließ seinen Nachkommen nicht nur ein Erbe eigene Kompositionen, aber auch die subtilsten Interpretationen von Bach, Beethoven, Liszt. Italien hat der Welt eine ganze Galaxie herausragender Dirigenten beschert: Arturo Toscanini, Gina Marinuzzi, Vili Ferrero.
Hohe italienische Musik des 20. Jahrhunderts umfasst zahlreiche Wettbewerbe, herausragend Musikgruppen und Persönlichkeiten, neue Trends und Richtungen. Einer der führenden italienischen Komponisten des letzten Jahrhunderts ist Goffredo Petrassi, Autor von Opern, Balletten, symphonischer und kammermusikalischer Instrumentalmusik, Romanzen und Filmmusik. Sie ist übrigens ebenso fester Bestandteil der italienischen Musikkultur geworden wie beispielsweise die Oper. Nino Rota, Ennio Morricone, Giorgio Moroder – sie schufen Musik, die zu „ Visitenkarte» Filme von Fellini, Visconti, Coppola
Die italienische Bühne eroberte Mitte des 20. Jahrhunderts die Herzen von Millionen Menschen und zeichnete sich durch ihre besondere Melodie und Sanftheit aus Nationalgeschmack. Modugno, Celentano, Cutugno, Mina, Robertino Loretto – diese vielen anderen Künstler sind sowohl der älteren Generation als auch den jüngeren Liebhabern der italienischen Kultur bekannt.
Höchste Musikkultur Italien ist im 21. Jahrhundert gefragt – es verfügt über hervorragende Dirigenten und einen hohen Ruf in der Hochschulbildung Musikinstitutionen, prestigeträchtig Musikfestivals und Wettbewerbe.
Jahrhunderte sind vergangen. Und die italienische Kultur ist immer noch voller Musik, genau wie die einst zahlreichen Festivals auf den Straßen antiker Städte. Die Musik ist leicht und spirituell, professionell und amateurhaft, innovativ und konservativ – in Italien ist sie nach wie vor überall zu hören.
Der Begriff „Komponist“ taucht erstmals im 16. Jahrhundert in Italien auf und wird seitdem zur Bezeichnung einer Person verwendet, die Musik komponiert.
Komponisten des 19. Jahrhunderts
Im Wien des 19. Jahrhunderts Musikschule vertreten durch einen so herausragenden Komponisten wie Franz Peter Schubert. Er führte die Traditionen der Romantik fort und beeinflusste eine ganze Generation von Komponisten. Schubert schuf mehr als 600 deutsche Romanzen und brachte das Genre auf eine neue Ebene.
Franz Peter Schubert
Ein anderer Österreicher, Johann Strauss, wurde berühmt für seine Operetten und leichtes Musical Tanzformen. Er war es, der den Walzer zum beliebtesten Tanz in Wien machte, wo noch heute Bälle stattfinden. Darüber hinaus umfasst sein Erbe Polkas, Quadrillen, Ballette und Operetten.
Johann Strauss
Ein prominenter Vertreter der Moderne in der Musik des späten 19. Jahrhunderts war der Deutsche Richard Wagner. Seine Opern haben bis heute nicht an Aktualität und Popularität verloren.
Giuseppe Verdi
Wagner steht im Gegensatz zur majestätischen Figur des italienischen Komponisten Giuseppe Verdi, der ihm treu blieb Operntraditionen und gab der italienischen Oper einen neuen Atem.
Peter Iljitsch Tschaikowsky
Unter den russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts sticht der Name Pjotr Iljitsch Tschaikowski hervor. Er zeichnet sich durch einen einzigartigen Stil aus, der europäische symphonische Traditionen mit Glinkas russischem Erbe verbindet.
Komponisten des 20. Jahrhunderts
Sergej Wassiljewitsch Rachmaninow
Sergej Wassiljewitsch Rachmaninow gilt zu Recht als einer der brillantesten Komponisten des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Sein Musikrichtung basierte auf den Traditionen der Romantik und existierte parallel zu Avantgarde-Bewegungen. Aufgrund seiner Individualität und seines Mangels an Analogien wurde sein Werk von Kritikern auf der ganzen Welt hoch geschätzt.
Igor Fedorovich Strawinsky
Der zweitbekannteste Komponist des 20. Jahrhunderts ist Igor Fedorovich Strawinsky. Er stammte aus Russland und wanderte nach Frankreich und dann in die USA aus, wo er sein Talent unter Beweis stellte volle Macht. Strawinsky ist ein Innovator, der keine Angst davor hat, mit Rhythmen und Stilen zu experimentieren. Sein Werk zeigt den Einfluss russischer Traditionen, Elemente verschiedener Avantgarde-Bewegungen und einen einzigartigen individuellen Stil, für den er „Picasso in der Musik“ genannt wird.
Präsentation „Große italienische Komponisten“
Folie 1:
Musik spielte dabei schon immer eine wichtige Rolle Italienische Kultur. Instrumente der klassischen Musik, darunter Klavier und Violine, wurden in Italien erfunden.
Das 16. und 17. Jahrhundert der italienischen Musik kann die Wurzeln vieler vorherrschender klassischer Musikformen wie der Symphonie, des Konzerts und der Sonaten nachweisen.
Folie 2: Präsentationsziele:
Stellen Sie das Werk italienischer Komponisten des 7. bis 20. Jahrhunderts vor.
Antonio Salieri;
Niccolo Paganini;
Gioachino Rossini;
Giuseppe Verdi;
Antonio Vivaldi.
Entwickeln Sie eine figurative Wahrnehmung von Musik.
Musikgeschmack entwickeln.
Italienische Komponisten des 7.-20. Jahrhunderts. Kurze biografische Informationen:
Antonio Salieri;
Niccolo Paganini;
Gioachino Rossini;
Giuseppe Verdi;
Antonio Vivaldi.
Instrumentalkonzert von A. Vivaldi „Die Jahreszeiten“:
Winter;
Frühling;
Sommer;
Herbst.
Die Barockzeit wird in Italien durch die Komponisten Scarlatti, Corelli und Vivaldi repräsentiert, die Ära des Klassizismus durch die Komponisten Paganini und Rossini und die Ära der Romantik durch die Komponisten Verdi und Puccini.
Klassisch Musikalische Traditionen Dies ist immer noch der Fall, wie der Ruhm unzähliger Opernhäuser wie der Mailänder Scala und des San Carlo in Neapel sowie von Interpreten wie dem Pianisten Maurizio Pollini und dem verstorbenen Tenor Luciano Pavarotti beweist.
Hören Sie sich dieses Stück an.
Folie 5:
Paganinis Spiel offenbarte so große Möglichkeiten der Geige, dass seine Zeitgenossen vermuteten, dass er ein vor anderen verborgenes Geheimnis besaß; manche glaubten sogar, der Geiger habe seine Seele an den Teufel verkauft. Die gesamte Geigenkunst der nachfolgenden Epochen entwickelte sich unter dem Einfluss von Paganinis Stil. Hier ist einer der meisten Berühmte Werke Caprice Nr. 24.
Folie 6:
Der Löffel knisterte vor Eis
Winterteichabdeckung.
Die Sonne blendete den Fluss,
Keine Straßen - nur ein Bach,
Der Wind wärmt das Zaumzeug.
Gestern haben sie die Türme mitgebracht.
Alles zwitschert und funkelt mit der Liebkosung der ersten Frühlingstage,
Und er beeilt sich, sich zu waschen. In einer Pfütze liegt ein alter Spatz.
Folie 13:
So vergingen die Frühlingstage wie im Flug,
Und der warme Sommer ist gekommen.
Und die Sonne ist heiß und strahlend.
Es brachte mit sich.
Folie 14:
Hören Sie, der Herbst ist gekommen.
Herbsttag, trauriger Tag,
Espenblatt, Abschied,
Das Blatt dreht sich, das Blatt dreht sich,
Das Blatt schläft auf dem Boden.
Die Entwicklung der italienischen Musik im 19. Jahrhundert stand im Zeichen der Oper. Dieses Jahrhundert endete mit den späten Meisterwerken von Verdi und dem überwältigenden Erfolg der Veristen Mascagni und Leoncavallo. Diese glänzende Ära wurde von Puccini beendet, der als wahrer Erbe Verdis auftrat und gleichzeitig neue Möglichkeiten auf diesem Gebiet eröffnete Musikalische Dramaturgie und Gesangsmelodie. Puccinis Erkenntnisse wurden bald von Komponisten verschiedener Art aufgegriffen nationale Schulen. Der Großteil der italienischen Opernpartituren des frühen 20. Jahrhunderts (E. Wolf-Ferrari, F. Cilea, U. Giordano, F. Alfano) zeigte jedoch eine endlose Anzahl von Variationen der in der Vergangenheit entwickelten Techniken des Opernschreibens leicht angereichert um mehr moderne Mittel, was auf eine Krise in der nationalen Opernschule hindeutete.
Die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts begonnenen Versuche, symphonische und kammermusikalische Instrumentalgattungen auf italienischem Nationalboden zu entwickeln, erwiesen sich als praktisch erfolglos. Die Sinfonien von G. Sgambati und G. Martucci, geschrieben in der Tradition von Mendelssohn und Brahms, gehen nicht über den Eklektizismus hinaus; Das Orgelwerk von M. E. Bossi kommt nicht über das Niveau der Nachahmung hinaus und zeigt den Einfluss der deutschen Musikromantik – von Schumann bis Liszt und Wagner.
Schon zu Beginn des Jahrhunderts nahm der Einfluss des Katholizismus in Italien spürbar zu, was sich auch in der Musik widerspiegelte. Dabei spielte die Bulle von Papst Pius X. „Motu proprio“ (1903) eine Rolle, die sich dem Problem der Aktualisierung der Kirchenmusik widmete. Es enthielt insbesondere einen Aufruf zur Wiederbelebung des gregorianischen Chorals und sanktionierte gleichzeitig die Verwendung der innovativsten Ausdrucksmittel, sofern ihre Verwendung den Anforderungen der Kirche entspricht. Es stimmt, Versuche, die Genres Oratorium, Kantate und Messe wiederzubeleben, die zu Beginn des Jahrhunderts von Abt Perosi * unternommen wurden,
* Lorenzo Perosi wurde 1898 zum Manager ernannt Sixtinische Kapelle und wurde zum Anführer der Bewegung zur Erneuerung der Kirchenmusik.
waren nicht von Erfolg gekrönt: Die Werke dieses Autors brachten weder in ihrem Stil noch in ihren spirituellen und ethischen Qualitäten die gewünschte Erneuerung der katholischen Musik. Und doch erregte die Veröffentlichung von Denkmälern zur katholischen Kirchenmusik (die berühmte Reihe „Editio Vaticano“, die 1904 begann) die Aufmerksamkeit vieler Komponisten, die nach Möglichkeiten zur Wiederbelebung suchten nationale Traditionen. Das Interesse am gregorianischen Choral, an der altitalienischen Polyphonie (Palestrina) sowie an spirituellen Genres und Formen wird in den 20er und 30er Jahren besonders intensivieren.
Erste Weltkrieg schockierte Italien wirtschaftlich, politisch, sozial und kulturell zutiefst, was zu einer ideologischen Krise führte. In der Kunst der späten 10er – frühen 20er Jahre lässt sich ein scharf kritisches Verständnis der Ereignisse feststellen vergangener Krieg und Nachkriegswirklichkeit, aber auch Skeptizismus und religiöse und mystische Bestrebungen sowie die Wiederbelebung und intensive Entwicklung militanter nationalistischer Tendenzen. Schon zu Beginn des Jahrhunderts träumte man von Großitalien, dem Erben von Cäsars Rom, und dessen Umgestaltung Mittelmeer auf Italienisch - „unser Meer“ usw. Der Vertreter solcher Gefühle war Literaturgruppe Futuristin, die 1909 ihr erstes Manifest in der Pariser Zeitung Le Figaro veröffentlichte. Nach dem Krieg nahmen die Aktivitäten dieser Gruppe einen deutlich politischen Charakter an. Im Herbst 1918 wurden in der ersten Ausgabe der Wochenzeitung Roma Futurista ein Manifest und ein Programm veröffentlicht politische Partei, mit einer offenen Entschuldigung für den Nationalismus. An der Spitze der gegründeten Partei stand F. T. Marinetti; Zu ihr gehörten B. Mussolini sowie G. d'Annunzio und eine Reihe anderer Künstler, darunter Musiker - L. Russolo, F. B. Pratella; später wurden P. Mascagni und B. Gigli ihre Mitglieder. Die Gruppe wurde von der futuristischen Literatur geleitet von Marinetti bereitete die Entstehung der Organisation „Faschistische Kampfeinheiten“ vor; deren Tätigkeit begann im März 1919, als Mussolini in Mailand die erste Versammlung der künftigen faschistischen Partei einberufen hatte, die „Versammlung von San Sepolcro“ (benannt nach der). Einige Monate später wurde das Programm von San Sepolcro veröffentlicht, das eine Reihe von Punkten des Programms der Futuristen mit der revolutionär-demokratischen Demagogie Mussolinis und dem militanten Nationalismus D’Annunzios verband.
Ein bedeutender Teil der Intelligenz, insbesondere der Kultur- und Kunstschaffenden, akzeptierte die nationalistische Ideologie nicht. Für diesen Teil der italienischen Schriftsteller, Dichter und Dramatiker wurden universelle „ewige“ Themen zu einem spirituellen Zufluchtsort. Humanistische Ideen wurden insbesondere von einer Gruppe von „Rondisten“ verkündet, die ihren Namen von der von der Sozialistischen Partei herausgegebenen Zeitschrift „Ronda“ erhielten. Unfähig, aktiv gegen den Faschismus zu protestieren, predigten sie die Trennung von Kunst und Politik und verkündeten die „individuelle Gedankenfreiheit des Künstlers“. Die bewusste Selbstbeschränkung mit den Problemen der künstlerischen Beherrschung wurde mit einem Rückzug in die Vergangenheit verbunden, wobei der Schwerpunkt auf der Beherrschung der Erfahrung nationaler Klassiker lag. Die Ästhetik der „Rondisten“ beeinflusste zweifellos einige prominente Komponisten (Pizzetti, Malipiero, Casella) und trug zur Etablierung des Neoklassizismus als Hauptrichtung in der italienischen Musik der 20er und 30er Jahre bei.
Eine wichtige Rolle bei der Vereinigung der linken Kräfte der künstlerischen Intelligenz spielte die 1919-1922 erschienene sozialistische Parteiwochenzeitschrift „Ordino Nuovo“, die von A. Gramsci (später einer der Gründer der Kommunistischen Partei Italiens) gegründet wurde. Auf den Seiten der Wochenzeitung führte Gramsci einen aktiven Kampf für eine demokratische Kultur und legte dabei großen Wert auf die Förderung der Kreativität moderne Schriftsteller linke Richtung - M. Gorky, A. Barbusse, R. Rolland und andere. In mehreren Artikeln kritisierte er d'Annunzios Futurismus und sein nationalistisches Programm scharf. Seit 1924 ist die Zeitung der Kommunistischen Partei Italiens, Unita, das Sprachrohr der antifaschistischen Bewegung.
In der Musik Italiens dominierte wie vor dem Krieg weiterhin die veristische Bewegung, obwohl sie deutlich degenerierte (dies macht sich besonders in den Nachkriegswerken von Mascagni bemerkbar). Der Kampf gegen Routine und Konservatismus, der im italienischen Musikleben herrschte, wurde von Vertretern geführt jüngere Generation- Respighi, Pizzetti, Malipiero und Casella, die sich von der Symphonie von R. Strauss, Mahler, dem französischen Impressionismus, dem Werk von Rimsky-Korsakov, Strawinsky leiten ließen. Noch früher, im Jahr 1917, gründeten sie den National Musikgesellschaft, das darauf abzielte, das Repertoire zu aktualisieren Sinfoniekonzerte. Propaganda neue Musik und diese Komponisten kämpften auch in der Presse gegen die Vorherrschaft akademischer und veristischer Tendenzen.
Nach Oktober 1922 entwickelte sich im Land eine neue Situation. Nachdem Mussolini Premierminister geworden ist, beginnt er mit Repressalien gegen seine politischen Gegner und verfolgt gleichzeitig eine heimtückische Politik der Einbindung der Intelligenz in die faschistische Bewegung, in der Hoffnung, die Welt zu verändern öffentliche Meinung in eine Richtung, die seiner Ideologie und Praxis günstig ist. Nach dem Staatsstreich vom 3. Januar 1925, der zur Errichtung eines offen diktatorischen Regimes führte, fand im März desselben Jahres in Bologna der Kongress im Namen der faschistischen Kultur statt und im April das „Manifest der Faschistische Intelligenz“, zusammengestellt vom Ideologen des italienischen Faschismus, dem Philosophen G. Gentile, wurde veröffentlicht.
Unter den Kulturschaffenden herrschte jedoch immer noch eine recht starke Oppositionsstimmung. Die liberale Opposition schloss sich um den Philosophen und Politiker Benedetto Croce zusammen. In ihrem Namen erschien am 1. Mai 1925 in der Zeitung Mondo ein von Croce verfasstes „Gegenmanifest“ mit dem Titel „Antwort italienischer Schriftsteller, Professoren und Publizisten auf das Manifest der faschistischen Intelligenzsia“. Schon die Veröffentlichung des „Gegenmanifests“ in der Zeit der aktiven Offensive der Regierung gegen fortschrittliches Denken war ein mutiger Akt, obwohl sich sein Programm durch Abstraktion und politische Passivität auszeichnete. Das „Gegenmanifest“ wandte sich gegen die Vermischung von Politik und Literatur, Politik und Wissenschaft und argumentierte, dass die Wahrheit nicht im Handeln, sondern im Denken liege. Es ist genau diese Trennung von Philosophie und Kunst Zivilklage führte zum allmählichen Abgang der künstlerischen Intelligenz Italiens verschiedene Formen„geistige Auswanderung“. Damit wurden zunächst in der Poesie und dann in den verwandten Künsten die Voraussetzungen für die Entstehung des „Hermetismus“ geschaffen, der in den 30er Jahren eine besondere Entwicklung erfuhr. In der Musik ist der Einfluss des „Hermetismus“ am stärksten in einem größeren Ausmaß spiegelte sich in einer Reihe von Malipieros Werken wider.
Den Ideen des „Gegenmanifests“ folgend, versuchten die Künstler, der lauten, geistig verarmten faschistischen Kultur hohe ästhetische Werte gegenüberzustellen, die jedoch in einer für die breite Öffentlichkeit schwer verständlichen Form zum Ausdruck kamen. In der italienischen Musik stärkte das „Gegenmanifest“ die Position des Neoklassizismus weiter, der mit allen Unterschieden zwischen einzelnen Komponisten, mit allen Nuancen in Bezug auf klassisches Erbe Und Volkskunst, wurde in den 20er und 30er Jahren zur wichtigsten und führenden Richtung. Etwas später, ab den 30er Jahren (in den Werken von L. Dallapiccola und G. Petrassi), traten expressionistisch-existentialistische Tendenzen deutlich hervor, die mit dem Verständnis und der Entwicklung der Erfahrungen der Neuen Wiener Schule verbunden waren.
Als Förderer von Wissenschaft und Kunst organisierte Mussolini das Institut für faschistische Kultur, unter dessen Leitung sich die Aktivitäten einer Reihe wissenschaftlicher und künstlerischer Organisationen entwickelten. Gleichzeitig zeigte das Regime eine seltene Allesfresserhaltung gegenüber Verschiedenem kreative Richtungen. Dennoch verharrte der Großteil der künstlerischen Intelligenz in einer Position der versteckten Ablehnung der ideologischen Lehren und politischen Praktiken des Faschismus.
Besonders hervorzuheben sind zwei polare Strömungen, die sich in allen Bereichen der italienischen Kunst der 20er und 30er Jahre deutlich widerspiegelten: die „Stracitta“ („Superstadt“) und die „Strapaese“ („Superdorf“). Der erste Satz konzentrierte sich auf die Reflexion von Kultur und Leben moderne Stadt(im Wesentlichen konvergierend mit den Trends des europäischen Urbanismus), der zweite verteidigte den nationalen Boden und versuchte tatsächlich, die Kunst Italiens zu isolieren und auf einen nationalen Rahmen zu beschränken.
Riesiger Einfluss auf die Entwicklung Kulturleben Länder bevorzugten weiterhin den Katholizismus. Das 1929 geschlossene Konkordat zwischen Mussolini und dem Vatikan führte zu einer Ausweitung der gesellschaftspolitischen Aktivitäten der Kirche und trug zur Stärkung religiöser Motive im Schaffen einer Reihe von Komponisten bei. Die verstärkte Aufmerksamkeit für religiöse Themen und spirituelle Genres in den 30er Jahren hatte jedoch tiefere Gründe und fand sich in der Musik verschiedener europäische Länder(insbesondere Frankreich). Spezifisch für Italien war, dass das funktioniert religiöse Themen, die offenbar der Linie des offiziellen Klerikalismus entsprach, diente oft als Ausdruck spiritueller Opposition gegen den Faschismus.
Ebenso waren eine Reihe wichtiger kultureller Bestrebungen, die äußerlich mit der Politik des Regimes übereinstimmten, im Wesentlichen unabhängig davon. Beispielsweise hat der Appell führender italienischer Komponisten an das große Erbe des 17.-18. Jahrhunderts, das in den Vorkriegsjahren entstand und fruchtbare Ergebnisse brachte, nichts mit dem ideologischen Programm des italienischen Faschismus zu tun. Die enorme Arbeit, die italienische Wissenschaftler und Komponisten in den 20er und 30er Jahren geleistet haben, um die reichste Lied- und Tanzfolklore verschiedener Regionen und Provinzen Italiens zu sammeln, zu studieren und zu veröffentlichen, kann nicht mit militantem Nationalismus und Tiraden über die „ausgewählte romanische Kultur – den Erben“ in Verbindung gebracht werden des kaiserlichen Roms.“ – ein Werk, das nicht nur bereicherte Musikwissenschaft, aber auch berufliche Kreativität*.
* Unter diesen Veröffentlichungen ist die Studie von B. Croce „Volks- und künstlerische Poesie“, Sammlungen, zu erwähnen Volkslieder J. Farah " Musikalische Seele Italien“ und „Sardische Lieder“, die Sammlungen von A. Fanara-Mistrello „Sizilianische Lieder von Land und Meer“ und „ Volkslieder Provinz Valdemezzaro“, Studien des futuristischen Komponisten F. B. Pratella, „Essays über die Klagelieder, Lieder, Chöre und Tänze des italienischen Volkes“ und „Ethnophonie der Romagna“.
Wissenschaftliche Publikationen haben einen enormen objektiven Wert herausragende Denkmäler Kirchenmusik, Meisterwerke der Renaissance, Italienische Oper und Instrumentalmusik des 17.-18. Jahrhunderts. Dieses vor dem Ersten Weltkrieg begonnene Werk wurde in den Schwarzen Zwanzigern unter der offiziellen Schirmherrschaft des Königs und Mussolinis fortgesetzt, die genau wussten, wie prestigeträchtig es für das faschistische Regime war. Auch das Studium antiker Kultgattungen und der Werke von Polyphonisten (insbesondere Palestrina) bereicherte die Arbeit der Komponisten. Ihr Stil wurde durch die intonatorische Ausdruckskraft antiker Modi, gregorianischer Gesänge und antiker Sequenzen befruchtet, die auf die Wahrnehmung der Massen in Momenten erhabener Geisteszustände abzielten.
In der Zeit der „Schwarzen Zwanzig Jahre“ wirkten in Italien eine Reihe herausragender Wissenschaftler und Musiker, deren Hauptwerke erworben wurden globale Bedeutung. Nennen wir A. della Cortes Forschungen zu den Problemen der italienischen Oper, die monumentale dreibändige Rossini-Biographie von G. Radicotti, M. Gattis Monographie über Verdi. In diesen Jahren begann die Veröffentlichung von Dokumenten und Materialien zu allgemeinen Problemen der italienischen Musik und dem Schaffen einzelner Komponisten.
Insbesondere werden mehrere wertvolle Veröffentlichungen zum Brieferbe Verdis veröffentlicht.
Aus Prestigegründen förderten die faschistischen Führer nachdrücklich die Opern- und Konzertaufführung, also jene Kunstformen, die ihnen nicht gefährlich erschienen. Das Teatro alla Scala erreichte eine hohe Aufführungskultur, gefolgt von anderen Opernhäusern, beispielsweise dem römischen, das unter der besonderen Schirmherrschaft des Regimes stand. Die Oper glänzt mit wunderbaren Sängern – A. Galli-Curci, T. Dal Monte, B. Gigli, Titta Ruffo. Gleichzeitig ideologisch Opernhaus stand unter strenger Zensurüberwachung. Die faschistisch-klerikale Zensur verbot die Aufführung von Malipieros Oper „Die Legende vom veränderten Sohn“, und in den Tagen der Intervention in Abessinien befleckte sich das Regime mit der beschämenden Streichung von Verdis „Aida“ aus dem Repertoire. Es ist kein Zufall, dass Toscanini 1928 aus Protest gegen die faschistische Politik Italien verließ und auch andere bedeutende Musiker (M. Castelnuovo-Tedesco, V. Rieti usw.) emigrierten.
Leben der Literatur und Schauspieltheater wurde noch stärker durch den Druck der faschistischen Zensur eingeschränkt, der viele Künstler dazu zwang, die Position des „Hermetismus“ einzunehmen. Gleichzeitig wurden viele italienische Schriftsteller, Dichter und Dramatiker stark von der Arbeit von L. Pirandello beeinflusst, die die tragische Realität des Lebens des „kleinen Mannes“ und die Sinnlosigkeit der Suche nach Freiheit, Schönheit und Glück enthüllte. Bemerkenswert ist, dass sich eine Reihe italienischer Komponisten den Werken Pirandellos zuwenden. In der Literatur dieser Jahre erschienen Werke, die in ihrer Gesellschaftskritik aktiver waren (zum Beispiel der junge A. Moravia, E. Vittorini), aber sie blieben Ausnahmen.
Die größten Komponisten einer ganzen Generation – Respighi, Pizzetti, Malipiero, Caselle – mussten in einem so schwierigen Umfeld arbeiten. Man muss ihnen zugute halten, dass sie keine Troubadours des italienischen Faschismus wurden, obwohl sie keine aktiven Kämpfer dagegen waren.
