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Symphonische Werke nehmen in Debussys Schaffen einen nicht geringeren Stellenwert ein als Klavierwerke. Sie spiegeln auch die Entwicklung seiner Arbeit wider.

ZU frühe Periode Kreativität Zu Debussys Werken gehören: die symphonische Ode „Zuleima“, die symphonische Suite „Frühling“, die symphonische Kantate mit Chor „Die auserwählte Jungfrau“. Die Werke dieser Zeit tragen den Einfluss von Wagner, Liszt und Französisch lyrische Oper.

Beste symphonische Werke Debussy erscheint seit den 90ern . Das ist Vorspiel « Nachmittagsruhe Faun“ (1892), drei „Nocturnes“ (1897-1899), drei symphonische Skizzen „Das Meer“ (1903-1905) und „Bilder“ für Symphonieorchester (1909).

Symphonische Kreativität Debussy ist ein besonderer Zweig der westeuropäischen Musik. Debussy hat bestanden über den Einfluss von Beethovens dramatischer Symphonie hinaus. Romantische Symphonie von Liszt und Berlioz beeinflusste ihn in gewisser Weise (Programmierung, Harmonisierungstechniken, Orchestrierung). Debussys Programmprinzip ist das von Liszt, verallgemeinert: Dies ist der Wunsch, nur die im Titel formulierte allgemeine poetische Idee und nicht die Handlung zu verkörpern.

Debussy verlässt das Genre der zyklischen Symphonie. War ihm fremd Sonate , weil es kontrastierende Bildkontraste, ihre lange und logische Entwicklung erforderte. Um bildnerische und poetische Themen zu verkörpern, ging es Debussy um viel mehr näheres Genre Suiten mit freier Komposition des Zyklus und einzelner Teile („Meer“, „Bilder“, „Nocturnes“).

Gestaltungsprinzip Bei Debussy liegt darin, dass das Thema keiner melodischen Entwicklung unterliegt, sondern einer Variation in der Struktur und Klangfarbe („Faun“). Debussy verwendet am häufigsten 3-teiliges Formular . Seine Besonderheit ist V neue Rolle Wiederholungen, wo die Themen des 1. Teils nicht wiederholt oder dynamisiert werden, sondern nur an sich selbst „erinnern“ (eine Reprise mit „verblassendem“ Charakter, wie in „Faun“).

Orchestrierung spielt die Hauptrolle ausdrucksstarke Rolle. Es überwiegen „saubere“ Klangfarben. Die Orchestergruppen mischen sich nur auf seltenen Tutti ein. Die koloristischen Funktionen jeder Orchestergruppe und einzelner Soloinstrumente nehmen enorm zu.

String-Gruppe verliert seine vorherrschende Bedeutung. Holzbläser nehmen aufgrund der hellen charakteristischen Klangfarben einen zentralen Platz ein. Spielt eine große Rolle Harfe, was dem Klang Transparenz verleiht. Zu meinen Lieblingstönen gehören außerdem Flöte und gedämpfte Trompete.

Debussy verwendet verschiedene Orchestertechniken , zum Beispiel lange Divisi String-Gruppe, Harmonik von Streichern und Harfen, Dämpfer für alle Gruppen des Orchesters, Glissando-Akkorde für die Harfen, ein Frauenchor ohne Worte mit geschlossenem Mund, ausgedehnte Soli von Instrumenten mit heller individueller Klangfarbe - Englischhorn, Flöten in der tiefen Lage.

„Nachmittag eines Fauns“

Vorspiel „Nachmittag eines Fauns“ geht weiter romantisches Genre Orchesteridyllen. Anlass für die Entstehung des Präludiums war das Werk des belgischen Dichters Stefan Mallarmé. Die Musik verkörpert die Liebeserlebnisse der antiken griechischen Halbgottheit Faun vor dem Hintergrund eines Bildes eines Sommertages.

Das Werk ist in einer dreiteiligen Form verfasst, deren Außenteile eine Kette raffinierter freier Variationen zum 1. Thema sind. Das ist repetitiv Titellied Klänge auf der Flöte im mittleren Register. Es besteht aus zwei Elementen: (1) einer chromatisch mäandernden „Pfeifen“-Melodie innerhalb des Tritonus, die (2) einer melodiösen diatonischen Phrase Platz macht und mit trägen Seufzern der Hörner endet.

In jeder neuen Version des Themas wird seine unterschiedliche modenharmonische Beleuchtung gegeben, es erscheinen neue Kombinationen des Themas und der Unterstimmen. Variantenentwicklung begleitet von einer Änderung der Metren (9/8, 6/8, 12/8, 3/, 4/4 usw.) und der Einbeziehung neuer visueller Effekte

Der ausgedehnten „Belichtung“ folgt eine Kontrastierung Mittelteil , basierend auf zwei neuen Themenmelodien: 1. (für die Solo-Oboe) – pastoral, leicht, dominiert von pentatonischer Tonleiter; 2. (Des-dur) – ungestümer Gesang. Dies ist der ekstatische Höhepunkt des gesamten Stücks.

In Reprise Es erscheinen neue Varianten des ursprünglichen Pfeifenthemas. Es ändert die Klang- und Klangfarbe (Klänge auf Flöte, Oboe, Englischhorn) und den Modus (eine transparentere diatonische Version, die auf einer perfekten Quarte anstelle eines Tritonus basiert). Erst in der vorletzten Ausführung des Themas entsteht das Gefühl einer echten Reprise, einer Rückkehr zur Ausgangsfassung. Aber auch hier gibt es keine exakte Wiederholung – das erste, „pentatonische“ Thema aus dem Mittelteil erscheint als Hintergrund für das Leitthema.

Die Partitur von „Faun“ ist ein Beispiel für ein impressionistisches Orchester. Der Autor lehnt die vorherrschende Rolle von Streichern, schweren Blechbläsern und reichlich Schlagzeug ab. Im Vordergrund stehen drei Flöten, zwei Oboen, ein Englischhorn und vier Hörner. Eine wichtige Rolle spielen Harfen, die die Wirkung geheimnisvoller Geräusche oder Funkeln erzeugen, sowie sanft klingende „antike“ Becken.

Das skurrile Spiel der Orchesterfarben verschmilzt mit einer subtilen harmonischen Palette. E-Dur-Bundstützen in den extremen Abschnitten werden mit Hilfe von seitlichen Septakkorden, veränderten Subdominantenharmonien und Ganztonkombinationen verschleiert. Gewöhnliche funktionale Beziehungen weichen farbenfrohen Vergleichen von diatonischen und chromatischen, erweiterten und natürlichen Modi.

„Nocturnes“

Geht Debussy in „Faun“ von den Bildern der symbolistischen Poesie Mallarmés aus, so herrscht im symphonischen Triptychon (also aus 3 Teilen) „Nocturnes“ eine bildnerische Manier nahe der Farbigkeit vor Impressionisten . Parallelen zu den Gemälden impressionistischer Künstler finden sich: in „Clouds“ von C. Monet, in „Celebrations“ von Renoir und in „Sirens“ von Turner.

„Nocturnes“ ist in Form einer dreiteiligen Suite aufgebaut. Den beiden extremen Teilen des Landschaftscharakters (Bilder von Wolken und Meer) wird der Genre-Mittelteil des Tanz- und Spiellagers gegenübergestellt.

Wolken"

Der 1. Teil der Serie präsentiert die schönste Skizze der Natur – den Nachthimmel mit langsam schwebenden Wolken. Orchestergeschmack transparent und sauber. Wie in „Faun“ ist es hier praktisch Kupfer ausgeschlossen; Die Hauptrolle gehört dazu tiefe Holzklänge, gedämpfte Streicher, zu denen sich stumm gesellt „Seufzer“ der Hörner, geheimnisvoll das Grollen der Pauke.

Typische Debussy-Statik bilden „Oblakov“ ist ein dreiteiliger Satz mit einer kontrastarmen Mitte und einer verkürzten „Fading“-Reprise eines synthetischen Lagerhauses.

Musik 1 Teil bilden zwei thematische Elemente: dumpfe absteigende Phrasen von Klarinetten (Zitat aus Mussorgskys Gesangszyklus „Ohne die Sonne“) und Fagotten, denen ein kurzes Motivsignal des Englischhorns folgt, gefolgt von einem entfernten Echo von Hörnern.

Mittelteil„Oblakov“ klingt transparent und distanziert. Die melancholische Wohlfühlmelodie der Flöte bewegt sich rhythmisch entlang der Klänge der Pentatonik und wird wie ein Echo von drei Solosaiten – Violine, Bratsche und Cello – wiederholt.

Abgekürzt „synthetisch“ Reprise reproduziert die thematischen Elemente des 1. und Mittelteils, jedoch in einer anderen Reihenfolge, als ob sie von der Fantasie eines impressionistischen Künstlers gemischt worden wären.

Feierlichkeiten"

Einen scharfen Kontrast zu „Wolken“ bildet das zweite Stück des Zyklus, „Feierlichkeiten“. Dies ist ein Bild einer feierlichen Prozession, der Straßenjubel einer fröhlichen Menge. Hier verwendet Debussy klarere Formkonturen, mehr kraftvolle Klangfarbenpalette(Dreifachkomposition aus Holz, Trompeten, Posaunen, Becken, Pauken). Im Gegensatz zum statischen Charakter von „Clouds“ besticht dieses Stück durch seine Spontaneität der Bewegung und den Reichtum an Gesangs- und Tanzbildern.

Brandstiftend Tarantella-Rhythmus dominiert in den äußeren Abschnitten erweitert dreiteilige Form.

Das Hauptthema „Rammen“. bereits in der Einleitung und weit entwickelten Exposition erfährt es klangliche und modale Veränderungen: es klingt wie Holzinstrumente– mal im Dorischen oder Mixolydischen, mal im Ganztonmodus; Die sanfte Bewegung im 12/8-Takt wird durch skurrilere Formeln im Drei- und sogar im Fünf-Takt ersetzt.

Im Mittelteil die theatralische Wirkung der herannahenden Marschprozession ist gegeben. Dies entsteht durch zunehmende Klangfülle und Orchestrierung. Vor dem Hintergrund einer gemessenen Orgelstimme aus Harfen, Pauken und Pizzicato-Streichern erklingt eine verführerisch elastische Fanfarenmelodie aus drei gedämpften Trompeten. Je weiter er sich entwickelt, desto kraftvoller wird der Satz – schwere Blechbläser setzen ein und das „Widder“-Thema des ersten Abschnitts gesellt sich als Echo zum Marschthema.

Extrem komprimiert Reprise zusammen mit dem Code erstellt Wirkung des „Entfernens“ der Prozession. Fast alle Themen des Werkes gehen hier durch, aber nur wie Echos.

Sirenen“

Das dritte „Nocturne“ – „Sirens“ – ist konzeptionell nah an „Clouds“ angelehnt. Die literarische Erklärung dafür offenbart Landschaftsmotive und märchenhafte Fantasie: „Die Sirenen sind das Meer und sein vielfältiger Rhythmus; In den vom Mond versilberten Wellen erscheint der geheimnisvolle Gesang der Sirenen, zerstreut sich vor Lachen und verschwindet.“

Die gesamte schöpferische Vorstellungskraft des Komponisten zielt nicht auf die melodische Entwicklung ab, sondern auf den Versuch, das reichste Licht zu vermitteln und Farbeffekte, die unter verschiedenen Lichtverhältnissen auf See erscheinen.

Die Entwicklung ist so statisch wie in „Clouds“. Der Mangel an hellen, kontrastierenden Motiven wird durch die Instrumentierung ausgeglichen, bei der ein kleiner Frauenchor mit geschlossenem Mund singt: acht Sopranistinnen und acht Mezzosopranistinnen. Dieses ungewöhnliche Timbre wird im gesamten Satz nicht als melodische Funktion, sondern als harmonischer und Orchester-„Hintergrund“ verwendet. Diese ungewöhnliche Klangfarbe spielt eine wichtige Rolle bei der Schaffung einer illusorischen, fantastisches Bild Sirenen, deren Gesang wie aus den Tiefen eines ruhigen, in verschiedenen Schattierungen schimmernden Meeres kommt

Sie verkörpert auch die typischsten Handlungen und Bilder, Merkmale künstlerische Methode und der Stil des Komponisten deckt fast alle Phasen der Tätigkeit des Komponisten ab und spiegelt die Entwicklung seines Schaffens wider.

Außer Jugendsinfonie, also geschrieben während Debussys erster Besuche in Moskau frühen Zeitpunkt sein symphonisches Werk ist vor allem mit dem Aufenthalt des Komponisten in Italien verbunden (sinfonische Ode „ Zuleima", symphonische Suite "Frühling"). Nach seiner Rückkehr von Rom nach Paris schuf Debussy eine symphonische Kantate mit Chor. Die Jungfrau hat sich für eine entschieden" Obwohl die Werke dieser Zeit weitgehend von Komponisten anderer Stilrichtungen – Wagner, Liszt und der französischen lyrischen Oper – beeinflusst sind, werden sie von einigen bereits erwähnt Charakteristische Eigenschaften reifer Stil Debussy.

Debussys beste symphonische Werke erschienen seit den 90er Jahren. Dies sind das Vorspiel „Nachmittag eines Fauns“ nach dem Gedicht von S. Mallarmé (1892), „Nocturnes“ (1897-1899), drei symphonische Skizzen „Das Meer“ (1903-1905) und „Bilder“ für Sinfonieorchester (1909).

Das symphonische Werk von Debussy ist ein besonderer eigenständiger Zweig der westeuropäischen Musik. Debussy überging den Einfluss des bedeutendsten und auffälligsten Phänomens des europäischen Symphonismus – Beethovens Symphonie mit seinen philosophische Tiefe Gedanken, bürgerliches Heldentum, Pathos des Kampfes und die Kraft künstlerischer Verallgemeinerung. Debussys symphonische Methode steht im direkten Gegensatz zu Beethovens Methode, ihren großformatigen Formen, scharfen Bildkontrasten und ihrer intensiven Entwicklung.

Der romantische Symphonismus von Liszt und Berlioz beeinflusste Debussy in gewisser Weise (Programmierung, einige farbenfrohe Harmonisierungs- und Orchestrierungstechniken). Debussys Programmprinzip (der Wunsch, nur die im Titel des Werks formulierte allgemeine poetische Idee und nicht die Handlungsidee zu verkörpern) steht Liszt näher als Berlioz. Doch Debussy erwies sich als fremd gegenüber der für Berlioz und Liszt charakteristischen ideologischen und figurativen Sphäre programmatischer symphonischer Werke. Er folgte nicht der Linie einer weiteren Theatralisierung der Programmidee (wie Berlioz). Debussy erhielt von dem Russen sehr lebendige und starke Eindrücke symphonische Musik zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert (besonders nach dem Besuch der „Russischen Konzerte“ in Paris um Weltausstellung 1889). Er stand einer Reihe charakteristischer klangfarbener und koloristischer Erkenntnisse in Balakirews Partituren nahe, insbesondere der erstaunlichen Klarheit in Kombination mit der subtilen Bildhaftigkeit von Rimsky-Korsakows Orchesterstil. Ebenso wie Balakirev und Rimsky-Korsakov war Debussy weit entfernt von der illustrativen Verkörperung poetischer Bilder. Malen war für ihn nie Selbstzweck. Debussy griff darauf nur als Farbmittel zurück, als Detail in einem großen Gemälde, wenn auch in seinem Programm symphonische Werke Am häufigsten werden Bild- und Malgenre-Ideen verkörpert - „Nocturnes“, „Meer“, „Bilder“ (ähnlich „Scheherazade“, „Capriccio Espagnol“ von Rimsky-Korsakov).

Debussy lehnt dies ab reife Kreativität aus der Gattung der zyklischen Sinfonie (als Hauptgattung der klassischen und frühromantischen Sinfonie), aus Programm Symphonie wie Liszts Faust oder Berlioz‘ Symphony Fantastique und aus Symphonisches Gedicht Liszts Plan. Monothematisches Prinzip Musikalische Dramaturgie Liszt beeinflusste Debussy nur in frühe Arbeit(Suite „Frühling“).

Debussy war der Sonate als Methode der musikalischen Dramaturgie fremd, denn sie erforderte eine große Einheit des kompositorischen Ganzen in einem zyklischen oder einteiligen Werk, mehr oder weniger gegensätzliche Gegensätze musikalischer Bilder, ihre lange und streng logische Entwicklung. Fälle, in denen Debussy sich dem Sonaten-Symphonie-Zyklus zuwandte, beziehen sich hauptsächlich auf die Frühphase seines Schaffens und gehen nicht über den Rahmen seiner Jugenderfahrungen (Symphonie) hinaus.

Elemente der Sonate, falls in mehr vorhanden späte Periode Debussys Werk weist dann keine ausgeprägten Eigenschaften auf: Die Proportionen der Abschnitte der Sonatenform werden verletzt, die expositionelle Darstellung musikalischer Bilder überwiegt deutlich die Dynamik ihrer Entwicklung (Quartett).

Um die charakteristischen bildlichen und poetischen Themen von Debussy zu verkörpern, wurde das Genre der Suite mit einer relativ freien Komposition des Zyklus und einzelner Teile, mit eigenständigem figurativem Inhalt jedes Teils („Meer“, „Bilder“, „Nocturnes“), viel genutzt näher.

Das häufigste Prinzip der Formbildung bei Debussy besteht darin, dass ein Bild über einen großen Abschnitt der Form weniger eine dynamische melodische Entwicklung als vielmehr eine Vielzahl von Textur- und Klangfarbenvariationen durchläuft („Der Nachmittag eines Fauns“). Manchmal erlaubt Debussy eine „Rhapsodie“ der Konstruktion, wenn mehrere Bilder, von denen jedes in einer unabhängigen (nicht unbedingt vollständigen) Episode enthalten ist, sukzessive einander ersetzen. Debussy verwendet für viele seiner symphonischen Werke am häufigsten die dreistimmige Form als kompositorische Grundlage. Seine Besonderheit liegt in der neuen Rolle der Reprise, bei der die Themen des ersten Teils normalerweise nicht in ihrer ursprünglichen Form wiederholt, geschweige denn dynamisiert werden, sondern nur an sich selbst „erinnern“ (eine Reprise mit „verblassendem“ Charakter, wie in "Faun"). Eine andere Art von Reprise in Debussys dreiteiliger Form ist synthetisch und basiert auf einer Kombination aller melodischen Hauptbilder der Komposition, aber auch in ihrer unvollständigen und oft „auflösenden“ Form („Wolken“).

Debussys Orchesterstil ist besonders charakteristisch. Neben der modal-harmonischen Sprache spielt die Orchestrierung die wichtigste Ausdrucksrolle. Wie in den symphonischen Werken von Berlioz musikalisches Bild Debussy wird sofort in einer bestimmten Orchesterinszenierung geboren. Darüber hinaus hat die Logik der Orchesterentwicklung bei Debussy oft Vorrang vor der Logik der melodischen Entwicklung.

Debussy führt in den Partituren seiner symphonischen Werke nur sehr selten neue Instrumente ein, nutzt aber viele neue Techniken sowohl im Klang einzelner Instrumente als auch Orchestergruppen.

In Debussys Partituren überwiegen „reine“ Klangfarben. Die Orchestergruppen (Streicher, Holzbläser und Blechbläser) vermischen sich in spärlichen und kurzen Tutti. Die koloristischen Funktionen jeder Orchestergruppe und einzelner Soloinstrumente nehmen enorm zu. Debussys Streichergruppe verliert ihre dominante Ausdrucksbedeutung. Erhöhter Ausdruck und Solidität seines gleichzeitigen Klangs werden von Debussy selten benötigt.

Gleichzeitig nehmen Holzblasinstrumente aufgrund des hellen Charakters ihrer Klangfarben einen zentralen Platz in den Partituren des Komponisten ein. Auch in Debussys Partituren spielt die Harfe eine große Rolle, denn sie verleiht ihnen Transparenz und Luftigkeit. Darüber hinaus wird die Klangfarbe der Harfe mit der Klangfarbe jedes Holzes kombiniert Blasinstrument und jedes Mal bekommt es einen besonderen Geschmack.

Debussy verwendet zahlreiche und vielfältige Techniken für den farbenfrohen Klang einzelner Instrumente und Gruppen des Orchesters, nicht als zufälliges episodisches Phänomen, sondern als konstanten Ausdrucksfaktor (z. B. lange Teilungen der gesamten Streichergruppe oder ihrer einzelnen Teile, Harmonik der Streicher). und Harfen, Dämpfer für alle Gruppen des Orchesters, Glissando-Akkorde, Harfen, ein Frauenchor ohne Worte mit geschlossenem Mund, ausgedehnte Soli von Instrumenten mit heller individueller Klangfarbe (Englischhorn, Flöte in tiefer Lage).

B. Ionin

Werke für Orchester:

Der Triumph des Bacchus (Divertimento, 1882)
Intermezzo (1882)
Frühling (Printemps, symphonische Suite in zwei Sätzen, 1887; nach Debussys Anweisungen neu orchestriert Französischer Komponist und Dirigent A. Busse, 1907)
Präludium zum Nachmittag eines Fauns (Prélude à l’après-midi d’un faune, nach der gleichnamigen Ekloge von S. Mallarmé, 1892–94)
Nocturnes: Clouds, Celebrations, Sirens (Nocturnes: Nuages, Fêtes; Sirènes, mit Frauenchor; 1897-99)
Das Meer (La mer, 3 symphonische Skizzen, 1903-05)
Bilder: Gigues (Orchestrierung von Caplet), Iberia, Frühlingsreigen (Bilder: Gigues, Ibéria, Rondes de printemps, 1906-12)

1894, noch vor der Fertigstellung des Präludiums „, hatte Claude Debussy die Idee eines dreiteiligen Zyklus mit dem Titel „Nocturnes“. War das Vorgängerwerk indirekt – durch Poesie – mit der Malerei des französischen Malers verbunden, so beschreibt der Komponist selbst in Bezug auf die „Nocturnes“ sein Werk musikalische Idee in Bezug auf bildende Kunst. In einem seiner Briefe vergleicht er das Werk mit „einer Studie in Grautönen“. Mit diesen Tönen meint er die verschiedenen Instrumentenkombinationen, die die Solovioline begleiten sollen. In einem Fall wären es Streicher, in einem anderen wären es Bläser und Harfe, und im dritten Stück müssten alle diese Instrumente kombiniert werden. Was das Violinsolo betrifft, so schuf Claude Debussy es für Eugene Ysaïe und erklärte, dass er es niemand anderem geben würde, nicht einmal Apollo selbst.

In den Folgejahren änderten sich die Pläne des Komponisten, und nach drei Jahren schuf er drei reine Orchesterstücke – ohne Solovioline. Anders als Ursprünglicher Plan Und Orchesterkomposition– es ist jedoch von Ausgabe zu Ausgabe unterschiedlich. Mit der Benennung seines symphonischen Zyklus Nocturnes meinte er weniger die Merkmale der entsprechenden Gattung als vielmehr die mit diesem Wort verbundenen „Lichteindrücke und Lichtempfindungen“. Dieser Eindruck spielt Hauptrolle sogar in dem vom Autor für jeden der drei Teile formulierten Programm.

Die erste Nocturne – „Clouds“ – ist besonders subtil. Dies wird durch die Zusammensetzung des für ihn gewählten Orchesters erleichtert: keine Blechblasinstrumente außer dem Horn. Die Holzbläser erzeugen einen wogenden Hintergrund, der mit seinem Gefühl „strömender“ Luft an impressionistische Gemälde erinnert. Kurzes Motiv wirkt durch die ungewöhnliche modale Farbgebung in Kombination mit der Klangfarbe des Englischhorns düster („melancholisch vorbeiziehende graue Wolken“). Die Einführung der Harfe im Mittelteil verleiht diesem Gemälde eine hellere Farbe. Das Englischhorn-Solo kehrt in der Reprise zurück.

Im Stück „Celebrations“ ist die Orchesterpalette reichhaltiger: Trompeten, Tuben und Posaunen sind enthalten, außerdem kommen Becken und eine kleine Trommel aus dem Schlagzeug hinzu. Es gibt eine Version, dass diese Nocturne Erinnerungen an den Besuch von Nikolaus II. in Frankreich und das arrangierte feierliche Treffen widerspiegelte an den russischen Kaiser in Paris. Im Gegensatz zu den besinnlichen „Wolken“ ist hier alles äußerst hell und bewegend: der „Tanz“ der Streicher und Holzbläser, die jubelnden „Ausrufe“ der Blechbläser, die hellen „Wellen“ der gleitenden Harfe. Ergänzt wird das Bild des Festes durch den herannahenden Festumzug: neues Thema, beginnend mit gedämpften Trompeten, begleitet von einer kleinen Trommel, übernimmt nach und nach das gesamte Orchester, danach kehrt das Material des ersten Abschnitts zurück, um sich nach und nach zu „entfernen“ und zu verklingen.

Der letzte Teil des Zyklus – „Sirenen“ – ähnelt im Tempo dem ersten Teil, steht aber mit seiner hellen Farbgebung im Kontrast zu diesem düsteren Bild. Es ist besonders ungewöhnlich in seinen Klangfarben – neben Orchestermitteln verwendet der Komponist einen Frauenchor, der ohne Worte und mit geschlossenem Mund singt. Dieser Gesang erscheint nicht so sehr in der melodischen Funktion, sondern in der Klangfarbe und harmonischen Funktion – wie eigentlich alles Orchesterinstrumente. Es gibt hier überhaupt keine ausgedehnten Melodien als solche – nur ein Spiel aus kurzen Motiven, Akkorden und Klangfarben, die ein Bild des Meeres ergeben, aus dessen Tiefen der surreale Gesang von Sirenen kommt.

Die Nocturnes wurden im Dezember 1900 unter der Leitung von Camille Chevilard uraufgeführt. An diesem Tag wurden jedoch nur zwei Teile aufgeführt – „Wolken“ und „Festlichkeiten“. Der vollständige dreiteilige Zyklus wurde 1901 aufgeführt. In den folgenden Jahren wurde diese Praxis fortgesetzt – „Sirenen“ wurden seltener aufgeführt als andere Teile.

Musikalische Jahreszeiten

Debussys symphonische Partituren – „Der Nachmittag eines Fauns“ (1892), „Nocturnes“ (1897-1899), drei symphonische Skizzen „Das Meer“ (1903-1905), „Iberia“ aus der Reihe „Bilder“ – gehören zu ihm die meisten Repertoirewerke.

„Nocturnes“ sind ein symphonisches Triptychon: „Wolken“, „Feierlichkeiten“ und „Sirenen“. Den Zyklus verbindet die tonale Einheit: Der erste Teil ist in h-Moll geschrieben, das Finale im gleichen H-Dur. Es gibt auch figurative und intonatorische Verbindungen: Beide Extremteile sind landschaftlicher Natur (Wolken- und Meeresbilder), sie umrahmen den Genre-Mittelteil der Tanz- und Spielstruktur.

„Wolken“

In der Orchestrierung spielen die tiefen Klangfarben der Holzbläser und gedämpften Streicher die Hauptrolle. Besonders hervorzuheben sind das immer wieder wiederholte „geheimnisvolle“ Solo des Englischhorns und die kalten Farben der Flöte. In einer Gruppe Blechbläser- nur ein Hörnerquartett.

Die Form von „Clouds“ ist typisch für Debussy – dreiteilig mit einer kontrastarmen Mitte und einer verkürzten „Fading“-Reprise eines synthetischen Lagerhauses.

Die Musik der Exposition besteht aus zwei thematischen Elementen: absteigende Phrasen von Klarinetten und Fagotten, die mit dem bereits erwähnten kurzen Motivsignal des Englischhorns beantwortet werden, gefolgt von einem entfernten Echo von Hörnern.

Der Mittelteil von „Clouds“ klingt transparent und leicht distanziert. Die melancholische, melodische Melodie der Flöte (und Harfe) bewegt sich stetig entlang der Stufen der pentatonischen Tonleiter (auf schwarzen Tasten); es wird wie ein Echo von drei Solostreichern wiederholt – Violine, Bratsche und Cello

Die deutlich verkürzte „synthetische“ Reprise reproduziert bekannte thematische Elemente aller vorherigen Abschnitte, jedoch in einer anderen Reihenfolge.

"Feierlichkeiten"

Einen scharfen Kontrast zu „Wolken“ bildet das zweite Stück des Zyklus – „Feierlichkeiten“ – ein Bild einer feierlichen Prozession, der Straße jubelt einer fröhlichen Menge. Es verwendet eine kraftvollere Orchesterbesetzung mit Trompeten und Posaunen, Becken, Pauken und kleiner Trommel.

Im Gegensatz zu den vagen, statischen Klängen von „Clouds“ zeichnet sich dieses Stück durch den Reichtum seiner Gesangs- und Tanzbilder aus, die der italienischen Folklore nahe stehen. Der feurige Rhythmus der Tarantella dominiert die äußersten Abschnitte der ausgedehnten dreiteiligen Form.

Das „Tarantel“-Thema erfährt bereits in der Einleitung und in der weit entwickelten Exposition Klangfarben- und Modaltransformationen: Es erklingt entweder im dorischen oder mixolydischen Modus oder im Ganztonmodus; Die sanfte Bewegung im 12/8-Takt wird durch skurrilere Drei-Takt- und sogar Fünf-Takt-Formeln ersetzt. Innerhalb der Ausstellung entsteht ein Genrekontrast – eine neue, scharf punktierte Melodie im Geiste einer Serenade, die die Rolle eines „Seitenteils“ spielt.

Die rein theatralische Wirkung des wachsenden Marschzuges wird im Mittelteil der „Feierlichkeiten“ dargestellt. Vor dem Hintergrund einer rhythmisch getippten Orgelstation (Harfe, Pauke und Pizzicato-Streicher) setzt eine elastische Fanfarenmelodie aus drei gedämpften Trompeten ein.

Der festliche Satz wird immer kraftvoller: Schwere Blechbläser setzen ein, und das „Widder“-Thema aus dem ersten Abschnitt gesellt sich als Begleitung zum Marschthema.

„Sirenen“

Die Musik von „Sirens“, der dritten der „Nocturnes“, ist erneut von der Betrachtung der Natur inspiriert, dieses Mal – der Elemente des Meeres. Das Bild des Fantastischen Meeresschönheiten hier von der Partei präsentiert Frauenchor, Singen ohne Worte (acht Sopranistinnen und acht Mezzosopranistinnen). Das Sirenenorchester ist reich an dekorativen und visuellen Effekten.

Im Vergleich zu „Clouds“ und „Festivities“ ist die Form von „Sirens“ weniger kontrastreich, monothematischer. Es basiert auf einem zweiten absteigenden „Meereswellenmotiv“. Daraus erwachsen die chromatische Phrase des Englischhorns, die in der Einleitung viele Male wiederholt wird, und die einladend verführerische Melodie des Frauenchors, die die Exposition des Stücks eröffnet:

Die modale Originalität des Sirenenthemas wird durch die lidomyxolydische Tonleiter (H-dur mit einem erhöhten IV-Grad und einem niedrigeren VII) dargestellt, die der bei den Impressionisten so beliebten Ganztonskala nahe kommt.

Beide in der Ausstellung dominierenden Motive behalten auch im Mittelteil von „Sirenen“ (Ges-dur) ihre Hauptrolle.

Reprise und Coda der „Sirenen“ zeichnen sich, wie bei Debussy üblich, durch betonte Prägnanz aus. Neu ist hier die Rückkehr einiger charakteristischer Motive aus „Clouds“ (insbesondere eines leicht modifizierten Englischhorn-Motivs).

In einem Gespräch mit einem seiner Freunde sagte Debussy, dass der Anstoß für die Schaffung von „Festivities“ der Eindruck der Volksfeste im Bois de Boulogne und die feierliche Fanfare des Orchesters der Republikanischen Garde sowie die Musik von „Clouds“ gewesen seien. spiegelte das Bild der Gewitterwolken wider, die den Autor bei einem nächtlichen Spaziergang durch Paris trafen; Die Sirene eines den Fluss entlangfahrenden Schiffes, die er auf der Concorde-Brücke hörte, verwandelte sich in einen alarmierenden Satz aus dem Englischhorn.

Debussy. „Nocturnes“

„Wolken“

Orchesterzusammensetzung: 2 Flöten, 2 Oboen, Englischhorn, 2 Klarinetten, 2 Fagotte, 4 Hörner, Pauken, Harfe, Streicher.

"Feierlichkeiten"

Orchesterzusammensetzung: 3 Flöten, Piccoloflöte, 2 Oboen, Englischhorn, 2 Klarinetten, 3 Fagotte, 4 Hörner, 3 Trompeten, 3 Posaunen, Tuba, 2 Harfen, Pauken, kleine Trommel (in der Ferne), Becken, Streicher.

„Sirenen“

Orchesterzusammensetzung: 3 Flöten, 2 Oboen, Englischhorn, 2 Klarinetten, 3 Fagotte, 4 Hörner, 3 Trompeten, 2 Harfen, Streicher; Frauenchor (8 Sopranistinnen und 8 Mezzosopranistinnen).

Geschichte der Schöpfung

Da er sein erstes reifes symphonisches Werk noch nicht vollendet hatte, „ Nachmittag eines Fauns„Debussy konzipierte 1894 die „Nocturnes“. Am 22. September schrieb er in einem Brief: „Ich arbeite an drei Nocturnes für Solovioline und Orchester; das Orchester des ersten besteht aus Streichern, das des zweiten aus Flöten, vier Hörnern, drei Trompeten und zwei Harfen; das Orchester der dritten vereint beides. Im Allgemeinen handelt es sich hierbei um eine Suche nach verschiedenen Kombinationen, die dieselbe Farbe erzeugen kann, wie zum Beispiel beim Malen einer Skizze in Grautönen.“ Dieser Brief ist an Eugene Ysaye gerichtet, den berühmten belgischen Geiger und Gründer des Streichquartetts, der im Vorjahr als Erster das Debussy-Quartett spielte. Im Jahr 1896 behauptete der Komponist, die Nocturnes seien speziell für Ysaïe geschaffen worden, „den Mann, den ich liebe und bewundere ... Nur er kann sie aufführen.“ Wenn Apollo mich selbst darum gebeten hätte, hätte ich ihn abgelehnt!“ Allerdings bereits drin nächstes Jahr Der Plan ändert sich und Debussy arbeitet seit drei Jahren an drei Nocturnes für ein Sinfonieorchester.

Von ihrem Ende berichtet er in einem Brief vom 5. Januar 1900 und schreibt dort: „Mademoiselle Lily Texier änderte ihren dissonanten Namen in die viel wohlklingendere Lily Debussy... Sie ist unglaublich blond, schön, wie in den Legenden, und noch mehr.“ Geschenke, dass es sich keineswegs um den „modernen Stil“ handelt. Sie liebt Musik... nur ihrer Fantasie nach ist ihr Lieblingslied ein Reigen, bei dem wir reden überüber einen kleinen Grenadier mit rötlichem Gesicht und schrägem Hut.“ Die Frau des Komponisten war ein Model, die Tochter eines kleinen Beamten aus der Provinz, für den er 1898 eine Leidenschaft entfachte, die ihn im folgenden Jahr fast in den Selbstmord trieb, als Rosalie beschloss, mit ihm Schluss zu machen.

Die Uraufführung von „Nocturnes“, die am 9. Dezember 1900 bei den Lamoureux-Konzerten in Paris stattfand, war nicht abgeschlossen: Damals wurden unter der Leitung von Camille Chevilard nur „Clouds“ und „Festivities“ aufgeführt und „Sirens“ trat ihnen ein Jahr später, am 27. Dezember 1901, bei. Diese Praxis der getrennten Aufführung wurde ein Jahrhundert später fortgesetzt – das letzte „Nocturne“ (mit Chor) ist viel seltener zu hören.

Das Nocturnes-Programm ist von Debussy selbst bekannt:

„Der Titel „Nocturnes“ hat eine allgemeinere und insbesondere dekorative Bedeutung. Hier geht es nicht um die übliche Form von Nocturne, sondern um alles, was dieses Wort aus dem Eindruck und der Empfindung von Licht enthält.

„Wolken“ sind Standbild Himmel mit langsam und melancholisch schwebenden und schmelzenden grauen Wolken; Wenn sie sich entfernen, verschwinden sie, sanft beschattet von weißem Licht.

„Festivities“ ist eine Bewegung, ein tanzender Rhythmus der Atmosphäre mit plötzlichen Lichtexplosionen, es ist auch eine Episode einer Prozession (eine schillernde und chimäre Vision), die durch das Festival zieht und mit ihm verschmilzt; aber der Hintergrund bleibt immer bestehen – das ist ein Feiertag, das ist eine Mischung aus Musik mit leuchtendem Staub, der Teil des Gesamtrhythmus ist.

„Sirenen“ ist das Meer und sein unendlich vielfältiger Rhythmus; Zwischen den mondsilbernen Wellen erscheint der geheimnisvolle Gesang der Sirenen, zerstreut sich vor Lachen und verschwindet.“

Gleichzeitig blieben die Erläuterungen anderer Autoren erhalten. Bezüglich „Wolken“ erzählte Debussy Freunden, es sei „ein Blick von einer Brücke auf Wolken, die von einem donnernden Wind getrieben werden; die Bewegung eines Dampfschiffes auf der Seine, dessen Pfeifen durch ein kurzes chromatisches Thema des Englischhorns nachgebildet wird.“ Die „Festlichkeiten“ lassen „die Erinnerung an die früheren Vergnügungen der Menschen im beleuchteten und überfüllten Bois de Boulogne wieder aufleben; Ein Trompetentrio ist die Musik der Republikanischen Garde, die die Morgendämmerung spielt.“ Einer anderen Version zufolge spiegelt es die Eindrücke des Treffens der Pariser mit dem russischen Kaiser Nikolaus II. im Jahr 1896 wider.

Es ergeben sich viele Parallelen zu den Gemälden französischer impressionistischer Künstler, die es liebten, fließende Luft und Glanz zu malen Meereswellen, die Vielfalt des festlichen Publikums. Der Titel „Nocturnes“ selbst entstand aus dem Namen der Landschaften des englischen präraffaelitischen Künstlers James Whistler, für die sich der Komponist in seiner Jugend interessierte, als er nach seinem Abschluss am Konservatorium mit dem Rom-Preis in Italien lebte. in der Villa Medici (1885-1886). Dieses Hobby blieb bis zu seinem Lebensende bestehen. Die Wände seines Zimmers waren mit Farbreproduktionen von Whistlers Gemälden geschmückt. Andererseits schrieben französische Kritiker, dass Debussys drei Nocturnes eine Tonaufzeichnung dreier Elemente seien: Luft, Feuer und Wasser, oder ein Ausdruck dreier Zustände – Kontemplation, Aktion und Rausch.

Musik

« Wolken„sind mit subtilen impressionistischen Farben von einem kleinen Orchester bemalt (von den Blechbläsern werden nur Hörner verwendet). Ein unsicherer, düsterer Hintergrund entsteht durch das gemessene Schwanken der Holzbläser, die bizarre gleitende Harmonien bilden. Die eigentümliche Klangfarbe des Englischhorns verstärkt die modale Ungewöhnlichkeit des kurzen Hauptmotivs. Die Farbgebung hellt sich im Mittelteil auf, wo die Harfe erstmals einsetzt. Zusammen mit der Flöte führt sie das pentatonische Thema wie mit Luft gesättigt in die Oktave; es wird von Solovioline, Bratsche und Cello wiederholt. Dann kehrt die düstere Melodie des Englischhorns zurück, Echos anderer Motive entstehen – und alles scheint in die Ferne zu schweben, wie schmelzende Wolken.

« Feierlichkeiten„bilden einen scharfen Kontrast – die Musik ist schnell, voller Licht und Bewegung.“ Der fliegende Klang der Streicher und Holzinstrumente wird durch die sonoren Ausrufe der Blechbläser, Tremolo-Pauken und spektakuläre Glissandi der Harfen unterbrochen. Ein neues Bild: Vor dem gleichen tänzerischen Hintergrund der Streicher führt die Oboe ein spielerisches Thema an, das von anderen Blasinstrumenten in der Oktave aufgegriffen wird. Plötzlich endet alles. Von weitem nähert sich eine Prozession (drei Posaunen mit Dämpfern). Die zuvor stille kleine Trommel (in der Ferne) und tiefe Blechbläser setzen ein, der Aufbau führt zu einem ohrenbetäubenden Höhepunkt-Tutti. Dann kehren leichte Passagen des ersten Themas zurück und andere Motive blitzen durch, bis die Klänge der Feier in der Ferne verklingen.

IN " Sirenen„Wie schon in „Clouds“ dominiert wieder ein langsames Tempo, doch die Stimmung ist hier nicht dämmrig, sondern von Licht erleuchtet. Die Brandung plätschert leise, die Wellen rollen herein und in diesem Plätschern kann man die verlockenden Stimmen von Sirenen hören; Die wiederholten, wortlosen Akkorde einer kleinen Gruppe von Frauenchören verleihen dem Klang des Orchesters eine weitere Ebene skurriler Farbe. Die kleinsten Zweitonmotive variieren, wachsen und verflechten sich polyphon. In ihnen sind Anklänge an die Themen der vorangegangenen „Nocturnes“ zu hören. Im Mittelteil werden die Stimmen der Sirenen eindringlicher, ihre Melodie ausgedehnter. Die Trompetenversion kommt dem Englischhorn-Thema aus „Clouds“ unerwartet nahe, und die Ähnlichkeit wird im Appell dieser Instrumente noch stärker. Am Ende verstummt der Gesang der Sirenen, gerade als die Wolken schmolzen und die Geräusche der Feier in der Ferne verschwanden.

A. Königsberg