Liszts symphonische Dichtung „Präludien. Programmsymphonie in den Werken von Franz Liszt

Symphonisches Gedicht

Genre der symphonischen Programmmusik. Ein einsätziges Orchesterwerk, gem romantische Idee Gesamtkunstwerk unter Berücksichtigung vielfältiger Quellen des Programms (Literatur, Malerei, seltener Philosophie oder Geschichte). Der Schöpfer des Genres ist F. Liszt.

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Symphonisches Gedicht

Symphonisches Gedicht- ein Genre symphonischer Musik, das die romantische Idee eines Gesamtkunstwerks zum Ausdruck bringt. Eine symphonische Dichtung ist ein einsätziges Orchesterwerk, das verschiedene Programmquellen zulässt (Literatur und Malerei, seltener Philosophie oder Geschichte; Naturgemälde). Eine symphonische Dichtung zeichnet sich durch freie Entfaltung aus Musikalisches Material, kombinieren verschiedene Prinzipien Formationen, am häufigsten Sonate und Monothematismus mit Zyklizität und Variabilität.

Die Entstehung der symphonischen Dichtung als Gattung ist vor allem mit dem Namen Franz Liszt verbunden, der zwischen 1848 und 1881 zwölf Werke dieser Form schuf. Einige Forscher verweisen jedoch auf das Werk von Cesar Franck aus dem Jahr 1846 „Was auf dem Berg gehört wird“, das auf einem Gedicht von Victor Hugo basiert und Liszts Werk auf derselben Grundlage vorausgeht; Franks Gedicht blieb jedoch unvollendet und unveröffentlicht, und der Komponist wandte sich erst viel später wieder dieser Gattung zu. Felix Mendelssohn wird als unmittelbarer Vorgänger Liszts bezeichnet, vor allem seine Hebriden-Ouvertüre (1830–1832).

Nach Liszt arbeiteten viele andere Komponisten in diesem Genre – M. A. Balakirev, H. von Bülow, J. Gershwin, A. K. Glazunov, A. Dvorak, V. S. Kalinnikov, M. Karlovich, S. M. Lyapunov, S. S. Prokofiev, S. V. Rachmaninov, A. G. Rubinstein, C . Saint-Saens, J. Sibelius, A. N. Skrjabin, B. Smetana, J. Suk, Z. Fibich, S. Frank, P. I. Tschaikowsky, M. K. Ciurlionis, A. Schönberg, E. Chausson, D. D. Schostakowitsch, R. Strauss, J . Enescu und andere.

„Gedicht“ für Violine und Orchester von E. Chausson entstand ebenfalls unter dem Einfluss der Gattung symphonischer Dichtung.

„Choreografisches Gedicht“ „Walzer“ von M. Ravel ist ein symphonisches Gedicht, das die Möglichkeit einer szenischen Umsetzung nahelegt.

Das radikalste Umdenken des Genres der symphonischen Dichtung wurde von D. Ligeti in seiner Symphonischen Dichtung für 100 Metronome vorgeschlagen.

Auch andere Genres wurden in ihrer Entwicklung von der Symphonischen Dichtung beeinflusst –

Symphonisches Gedicht

(Deutsche symphonische Dichtung, Französische poime symphonique, Englische Symphonische Dichtung, Italienische poeta sinfonica) – einteilige Programmsymphonie. arbeiten. Das Genre von S. p. wurde vollständig im Werk von F. Liszt geformt. Der Name selbst stammt von ihm. „S. p.“ Liszt gab es erstmals 1854 mit seiner bereits 1849 geschriebenen Ouvertüre „Tasso“, nach der es benannt wurde. S. p. alle ihre einsätzigen Symphonien. Aufsätze. Name „S.p.“ weist auf einen Zusammenhang in dieser Art der Produktion hin. Musik und Poesie – beides im Sinne der Umsetzung der Handlung des einen oder anderen lit. Werke und im Sinne der Ähnlichkeit von S. gleichnamigen Artikeln. poetisches Genre Klage S. p. ist der wichtigste Gattung Symphonie Programmmusik. Werke wie S. p. erhalten manchmal andere Namen – symphonische Fantasie, Symphonie. Legenden, Balladen usw. Schließen Sie S. Artikel, aber mit spezifischen. Merkmale einer Vielzahl von Programmmusik - Ouvertüre und symphonisches Bild. DR. die wichtigste Art von Symphonie. Programmmusik ist Programm Symphonie, ein Zyklus aus 4 (manchmal auch 5 oder mehr) Teilen.
Auf dem Blatt stehen 13 Seiten. Die bekanntesten davon sind „Preludes“ (nach A. Lamartine, ca. 1848, letzte Ausgabe 1854), „Tasso“ (nach J. V. Goethe), „Orpheus“ (1854), „The „Hunnenschlacht“ (nach dem Gemälde von W. Kaulbach, 1857), „Ideale“ (nach F. Schiller, 1857), „Hamlet“ (nach W. Shakespeare, 1858). In Listovs S.-Artikeln werden verschiedene Typen frei kombiniert. Strukturen, Merkmale usw. Instr. Genres. Besonders charakteristisch für sie ist die Kombination der Merkmale der Sonatenallegro und der Sonatensinfonie in einem Satz. Zyklus. Basic Teil der Symphonie Das Gedicht besteht meist aus mehreren unterschiedlichen Episoden, die aus der Sicht der Sonate Allegro Kap. Teile, Seitenteile und Durchführung, und aus Sicht des Zyklus - der erste (schnelle), zweite (lyrische) und dritte (Scherzo) Satz. Schließt die Produktion ab eine Rückkehr in komprimierter und figurativ transformierter Form, ähnlich in ihrer Ausdruckskraft, zu den vorherigen Episoden, die aus Sicht der Allegro-Sonate der Reprise und aus Sicht des Zyklus dem Finale entspricht. Im Vergleich zum üblichen Sonaten-Allegro sind die Episoden von S. p. eigenständiger und innerlich vollständiger. Die komprimierte Rückführung am Ende desselben Materials erweist sich als starkes Formhaltemittel. In S. p. kann der Kontrast zwischen den Episoden schärfer sein als in der Sonata Allegro, und es können mehr als drei Episoden selbst vorhanden sein. Dies gibt dem Komponisten eine größere Freiheit, Programmideen umzusetzen und verschiedene darzustellen. Art von Geschichten. In Kombination mit dieser Art von „Synthetik“. In seinen Strukturen wandte Liszt oft das Prinzip des Monothematismus an – alles grundlegend. Themen erweisen sich in diesen Fällen als freie Variationen desselben Leitthemas oder Themas. Ausbildung. Das Prinzip des Monothematismus sorgt für Komplementärität Formbefestigung jedoch, wenn konsistent. Anwendung kann zu Intonation führen. Verarmung des Ganzen, da die Transformation in erster Linie rhythmisch ist. Zeichnung, Harmonisierung, Textur der Begleitstimmen, jedoch nicht die Intonation. Umrisse des Themas.
Die Voraussetzungen für die Entstehung des Genres S. p. lassen sich über viele Jahrzehnte zurückverfolgen. Versuche, Teile einer Sonaten-Symphonie strukturell zu verbinden. Zyklen wurden bereits vor Liszt unternommen, wobei sie häufig auf „äußere“ Methoden der Vereinheitlichung zurückgriffen (z. B. die Einführung von Verbindungskonstruktionen zwischen den einzelnen Teilen des Zyklus oder den Übergang von einem Teil zum nächsten). Der eigentliche Anreiz für eine solche Vereinheitlichung liegt in der Entwicklung der Programmmusik, in der Offenlegung in der Produktion. Einzelgrundstück. Lange vor Liszt erschienen auch Sonatensinfonien. Zyklen, die beispielsweise Züge des Monothematismus aufwiesen. Sinfonien, Haupt Die Themen aller Teile zeigten Intonation und Rhythmus. usw. Einheit. Eines der frühesten Beispiele einer solchen Symphonie war Beethovens 5. Symphonie. Das Genre, auf dessen Grundlage die Entstehung von S. p. erfolgte, ist die Ouvertüre. Erweiterung des Umfangs, verbunden mit Programmplänen, intern. thematisch Die Bereicherung verwandelte die Ouvertüre nach und nach in S. p. Wichtige Meilensteine auf diesem Weg sind plural. Ouvertüren von F. Mendelssohn. Bezeichnend ist, dass Liszt seine frühen S.-Stücke auch als Ouvertüren zu K.-L. schuf. zündete. produziert, und anfangs trugen sie sogar den Namen. Ouvertüre („Tasso“, „Prometheus“).
Nach Liszt wandten sich auch andere Westeuropäer der Gattung literarischer Werke zu. Komponisten, Vertreter verschiedener National Schulen Unter ihnen sind B. Smetana („Richard III“, 1858; „Wallensteins Lager“, 1859; „Jarl the Heckon“, 1861; der Zyklus „My Homeland“, bestehend aus 6 Absätzen, 1874-70), K. Sen - Sane („The Spinning Wheel of Omphale“, 1871; „Phaeton“, 1873; „Dance of Death“, 1874; „The Youth of Hercules“, 1877), S. Frank („Zolids“, 1876; „Djinns“, 1885; „Psyche“, 1886, mit Chor), H. Wolf („Pentesileia“, 1883-85).
Die wichtigste Etappe in der Entwicklung des Genres S. p. Kunst ist mit dem Werk von R. Strauss verbunden, dem Autor von 7 S. S. Die bedeutendsten davon sind „Don Juan“ (1888), „Tod und Aufklärung“ (1889), „Till Eulenspiegel“ (1895), „Also sprach Zarathustra“ (1896), „Don Quijote“ (1897). In der Nähe der Künste. Zeichen von S. und. habe auch seine Symphonie. Fantasien „Aus Italien“ (1886), „Heimatsinfonie“ (1903) und „Alpensinfonie“ (1915). Erstellt von R. Strauss S. und. zeichnet sich durch Helligkeit, „Eingängigkeit“ der Bilder und den meisterhaften Einsatz der Fähigkeiten des Orchesters aus – sowohl ausdrucksstark als auch visuell. R. Strauss hält sich nicht immer an das typische Strukturschema von Liszts S.-Stücken. So ist die Grundlage seines „Don Juan“ das Schema eines Sonatenallegros, die Grundlage von „Till Eulenspiegel“ ist die Rondo-Variationsform. Die Grundlage von „Don Quijote“ sind Variationen (im Untertitel des Werkes heißt es „Symphonische Variationen zum Thema ritterlicher Charakter“).
Nach R. Strauss arbeiteten Vertreter anderer Nationalitäten erfolgreich im Bereich der landwirtschaftlichen Produktion. Schulen J. Sibelius schuf eine Reihe von S. p., die jedoch auf volkstümlichen Motiven basierten. finnisch das Epos „Kalevala“ („Saga“, 1892; „Kullervo“, 1892; das letzte – „Tapiola“ stammt aus dem Jahr 1925). 5 S. Stücke wurden 1896 von A. Dvořák geschrieben („Der Wassermann“, „Mittag“, „Das goldene Spinnrad“, „Die Taube“, „Das Heldenlied“).
Im 20. Jahrhundert im Ausland, zusätzlich zu J. Sibelius, prod. Nur wenige Komponisten schufen im Genre der gesungenen Lieder – B. Bartok („Kossuth“, 1903), A. Schönberg („Pelleas und Melisande“, 1903), E. Elgar („Falstaff“, 1913), M. Reger (4 S. S. nach Gemälden von Böcklin, 1913), O. Respighi (Trilogie: „Brunnen von Rom“, 1916; „Pineas von Rom“, 1924; „Feste von Rom“, 1929). S. p. in Westeuropa. Musik wird intern verändert; Es verliert die Züge der Handlung und nähert sich allmählich der Symphonie. Malerei. In diesem Zusammenhang geben Komponisten häufig Symphonien auf ihr Programm. Prod. neutralere Namen (Vorspiel „ Nachmittagsruhe Faun“, 1895, und 3 symphonische Skizzen „The Sea“, 1903, Debussy; „symphonische Sätze“ „Pacific 231“, 1922, und „Rugby“, 1928, Honegger usw.).
Rus. Komponisten haben viele geschaffen Werke wie S. p., obwohl dieser Begriff nicht immer zur Definition ihres Genres verwendet wurde. Unter ihnen sind M. A. Balakirev (S. S. „Rus“, 1887, in der 1. Auflage 1862 die Ouvertüre „A Thousand Years“ genannt; „Tamara“, 1882), P. I. Tschaikowsky (S. S. „Fatum“, 1868; Ouvertüre-Fantasie „Romeo und Julia“, 1869, 3. Auflage 1880; (sinfonische) Fantasie „Der Sturm“, 1873; , 1891), N. A. Rimsky-Korsakov („Märchen“, 1880), A. K. Glasunow („Stenka Razin“, 1885), A. N. Skrjabin („Träume“, 1898; „Gedicht der Ekstase“, 1907; „Gedicht des Feuers“ , oder „Prometheus“, mit Ph. und Chor, 1910). Unter den Eulen. Komponisten, die sich dem Genre von S. p. zuwandten - A. I. Khachaturyan (Sinfoniegedicht, 1947), K. Karaev („Leili und Majnun“, 1947), A. A. Muravlev („Azov Mountain“, 1949), A. G. Svechnikov („ Shchors“, 1949), G. G. Galynin („Epic Poem“, 1950), A. D. Gadzhiev („For Peace“, 1951), V. Mukhatov („My Homeland“, 1951).
Literatur: Popova T., Symphonische Dichtung, M.-L., 1952, M., 1963; Wagner R., Ober Fr. Liszts Symphonische Dichtungen, Brief an M. Wittgenstein vom 17. Februar 1837, im Buch: Wagner R., Gesammelte Schriften und Dichtungen, Bd 5, Lpz., 1898; Raabe P., Entstehungsgeschichte der ersten Orchesterwerke Fr. Liszts, Jena, 1916 (Diss.); Hcinrichs J., Ber den Sinn der Lisztschen Programmmusik, Bonn, 1929 (Diss.); Bergfeld J., Die formale Struktur der symphonischen Dichtungen, Eisenach, 1931; der symphonischen Dichtung, „MQ“, 1932, Vers 18, Nr. 3; Wachten E., Das Formproblem in der sinfonischen Dichtungen von R. Strauss, V., 1933 (Diss.); P.. 1950; siehe auch die Lit. unter den Artikeln Programmmusik, Liszt F., Strauss G.

Musik-Enzyklopädie. - M.: Sowjetische Enzyklopädie, sowjetischer Komponist. Ed. Yu. V. Keldysh. 1973-1982 .

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Genre der symphonischen Programmmusik. Ein einsätziges Orchesterwerk, ganz im Sinne der romantischen Idee eines Gesamtkunstwerks, das vielfältige Programmquellen (Literatur, Malerei, seltener Philosophie oder Geschichte) berücksichtigt. Schöpfer des F-Genres... Groß Enzyklopädisches Wörterbuch

Dieses Konzept erschien in Musikalische Kunst im Jahr 1854: Ungarischer Komponist Franz Liszt gab ihm die Definition der „symphonischen Dichtung“. Orchesterkomposition„Tasso“, ursprünglich als Ouvertüre gedacht. Mit dieser Definition wollte er... Musikalisches Wörterbuch

- (deutsche symphonische Dichtung) eine Gattung symphonischer Musik, die die romantische Idee eines Gesamtkunstwerks zum Ausdruck bringt. Eine symphonische Dichtung ist ein einsätziges Orchesterwerk, das verschiedene Programmquellen (Literatur... ... Wikipedia) zulässt

Eine Orchesterkomposition, in der die Komponenten in enger, untrennbarer Verbindung stehen. S. Das Gedicht ist nach einem Programm geschrieben, für das einige poetische Werke ausgewählt werden. Das Programm beeinflusst auch die Form dieser Art von S.-Arbeit, nicht... ... Enzyklopädisches Wörterbuch F.A. Brockhaus und I.A. Efron

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Im alltäglichen Blick erscheint Liszt vor allem als Autor von Klavierwerken und als virtuoser Pianist. In Wirklichkeit schrieb er jedoch nicht viel weniger Musik für Orchester als für Klavier. Der Komponist fühlte sich in Orchesterwerken ebenso sicher wie in Klavierwerken. Liszts Regiefreiheit in komplexen Orchesterpartituren ist zu Legenden geworden. Er las sie vom Blatt, als hätte er sie sorgfältig auswendig gelernt Klavierstück. Die Fähigkeit, Partituren zu lesen, erlangte Liszt während seiner langjährigen Tätigkeit als Symphonie- und Operndirigent. Er dirigierte viele Uraufführungen von Orchesterkompositionen seiner Zeitgenossen, z.B. gemasterte Partituren, bei denen sozusagen „die Tinte des Autors noch nicht getrocknet war“. Darüber hinaus hat der Komponist viel arrangiert Orchestermusik, einschließlich erstellter Klavierversionen Volltexte alle neun Beethoven-Symphonien.

Liszt ging als Schöpfer einer neuen Gattung in die Geschichte der symphonischen Musik ein – einteilige symphonische Dichtung . Sein Name weckt sofort Assoziationen mit der Atmosphäre der Poesie und spiegelt deutlich die Verbindung zwischen Musik und Literatur wider, die Liszts Ästhetik zugrunde liegt (Liszt war bekanntlich einer der überzeugtesten Befürworter). Programmkreativität und Synthese verschiedene Künste). Da eine symphonische Dichtung spezifische, teilweise sehr komplexe Programminhalte verkörpert, mangelt es ihrer Gestaltung an der Stabilität, die ihren älteren Verwandten – der Sinfonie und der Ouvertüre – innewohnt. Die meisten symphonischen Gedichte Liszts basieren auf dem freien oder Mischform. Dies ist die Bezeichnung für Formen, die die wesentlichen Merkmale zweier oder mehrerer klassischer Formen vereinen. Der verbindende Faktor ist in der Regel das Prinzip des Monothematismus (die Schaffung kontrastreicher Bilder zum gleichen Thema oder Motiv).

12 von Liszts 13 symphonischen Gedichten stammen aus der Blütezeit seines Schaffens – der sogenannten. Weimarer Zeit(I848–I86I, d. h. 50er Jahre), als der Komponist Direktor und Dirigent des Weimarer Hoftheaters war. Beide Sinfonien Liszts, Faust und Dante, entstanden gleichzeitig. Der Komponist wandte sich darin einer zyklischen Form zu. Die „Dante“-Symphonie besteht aus zwei Sätzen („Hölle“ und „Fegefeuer“), die „Faust“-Symphonie aus drei Sätzen („Faust“, „Margarita“, „Mephistopheles“). Allerdings ähneln ihre Teile in ihrer Struktur symphonischen Dichtungen ).

Die Bandbreite der in Liszts symphonischen Gedichten verkörperten Bilder ist sehr groß. Hier vorgestellt Weltliteratur alle Jahrhunderte von antiken Mythen bis zur Kreativität moderne Romantiker. Doch aus der bunten Vielfalt der Themen sticht eine ganz Liszt-spezifische philosophische Problematik deutlich hervor:

Problem der Bedeutung Menschenleben– „Präludien“, „Hamlet“, „Prometheus“, „Klage der Helden“;
das Schicksal des Künstlers und der Zweck der Kunst – „Tasso“, „Orpheus“, „Mazeppa“;
das Schicksal der Völker und der gesamten Menschheit – „Ungarn“, „Hunnenschlacht“, „Was man auf dem Berg hört“.

Die beiden bekanntesten Gedichte von Liszt sind: „Tasso“ (wo sich der Komponist der Persönlichkeit des bemerkenswerten italienischen Renaissance-Dichters Torquato Tasso zuwandte) und „Präludien“.

„Präludien“ ist Liszts dritte symphonische Dichtung. Namen und Programm entlehnte der Komponist dem gleichnamigen Gedicht Französischer Dichter Lamartine(Unter dem Eindruck von Lamartines Poesie schuf der Komponist auch den Klavierzyklus „Poetische und religiöse Harmonien“). Allerdings entfernte sich Liszt deutlich von der Grundidee des Gedichts, das sich dem Nachdenken über die Zerbrechlichkeit der menschlichen Existenz widmete. Er schuf Musik voller heroischem, lebensbejahendem Pathos.

Musikalische Komposition„Preludes“ basiert auf frei interpretierten Prinzipien der Sonata Allegro mit monothematischen Verbindungen zwischen den wichtigsten Themen. Im sehr allgemein gesagt Das Formular kann definiert werden als sonatenkonzentrisch(Sonate Allegro mit einer Einleitung, einer Episode in der Durchführung und einer Spiegelreprise dynamisierter Natur).

Der Beginn des Gedichts ist sehr typisch für Liszt, der normalerweise auf feierliche Einleitungen verzichtet und viele Werke ruhig, wie im Verborgenen, beginnt. In „Preludes“ erwecken die abrupten, ruhigen Klänge der ersten Takte den Eindruck von Geheimnis und Rätsel. Dann taucht das typisch romantische Motiv der Frage auf – do-si-mi (m.2 nach unten – Teil 4 nach oben), der den „schlüsselfertigen“ Anfangssatz des Programms ausdrückt: „Ist unser Leben nicht eine Reihe von Vorspielen zu einer unbekannten Hymne, deren erste feierliche Note vom Tod übernommen wird??), also die Frage nach dem Sinn des Lebens. Dieses Motiv spielt die Rolle des thematischen Kerns für die gesamte nachfolgende Musik der Komposition.

Aus dem Motiv der Frage herauswachsend, aber die Gewissheit der Selbstbestätigung erlangend, heroisch Hauptthema (C-Dur) klingt kraftvoll und feierlich mit Posaunen, Fagotten und tiefen Streichern. Die verbindenden und sekundären Themen kontrastieren klar mit dem Hauptthema und zeichnen das Bild eines Helden mit einem anderen Traum von Glück und Liebe. In diesem Fall handelt es sich bei dem Ordner um eine „lyrische“ Version Hauptthema, von Celli sehr melodiös vorgetragen. Anschließend erhält es im Gedicht eine übergreifende Bedeutung, taucht an den Rändern wichtiger Abschnitte auf und erfährt wiederum Variantentransformationen.

Seite(E-dur) ist laut Programmplan das Thema Liebe. Der Zusammenhang mit dem Hauptmotiv ist eher indirekt. Mit dem Hauptthema erscheint das Nebenthema in einem farbenfrohen, „romantischen“ dritten Verhältnis. Der sekundäre Klang der Hörner, verdoppelt durch Divisi-Bratschen, verleiht eine besondere Wärme und Aufrichtigkeit.

Die Liebesidylle eines Nebenspiels in der Entwicklung weicht Stürmen des Lebens, Kampfszenen und schließlich einer großen Episode pastoraler Natur: Der „Held“ sucht im Schoß der Natur Ruhe vor den Sorgen des Lebens (einer der typischste ideologische und Handlungsmotive romantische Kunst). In all diesen Abschnitten gibt es Transformationen des Hauptmotivs. IN Sturm-Episode (erster Abschnitt der Entwicklung) Es wird instabiler aufgrund der Erscheinung des Geistes darin.4. Auch jede Harmonie, die hauptsächlich auf verminderten Septakkorden und ihren parallelen Bewegungen entlang der Töne der chromatischen Tonleiter basiert, wird instabil. All dies weckt Assoziationen an heftige Windböen. Die Sturmepisode, die in vielerlei Hinsicht an eine Sonatendurchführung erinnert, zeichnet sich durch ihre lebendige malerische Bildsprache aus. Es setzt die lange Tradition „musikalischer Gewitter“ (Vivaldi, Haydn, Beethoven, Rossini) fort und weist deutliche Ähnlichkeit mit dem stürmischen, dramatischen Scherzo des symphonischen Zyklus auf.

Der nächste Abschnitt ist pastoral – ähnelt einer langsamen Bewegung. Das abwechselnd von verschiedenen Blasinstrumenten gespielte Thema ist völlig neu (es handelt sich um eine „Episode“ in der Entwicklung). Doch auch hier blitzt im durchsichtigen Klang pastoraler Melodien der „Intonation einer Frage“ auf, als könne der Held selbst im Schoß der Natur seine Zweifel nicht loswerden. Später, nach Anklängen des verbindenden Themas, wird ein Nebenthema in die Durchführung einbezogen, das die Musik der lyrischen Episode ganz selbstverständlich fortsetzt. Hier beginnt offiziell die Spiegelreprise des Gedichts, aber die Tonart ist neu – As-dur.

Die anschließende Weiterentwicklung des Nebenthemas zielt auf dessen Verherrlichung ab: Es wird immer aktiver, energischer und gelassener dynamische Reprise geht im punktierten Rhythmus in einen Siegesmarsch über. Auch dieser marschartigen Version des Nebenthemas geht ein Verbindungsthema voraus, das ebenfalls seinen verträumten Charakter verliert und in einen jubelnden Appell übergeht. Die Heroisierung lyrischer Bilder führt logischerweise zum Höhepunkt des gesamten Werkes – der kraftvollen Umsetzung des Hauptthemas, das zur heroischen Apotheose des Gedichts wird.

Verschiedene Kunstgattungen existieren nicht in absoluter Isolation – sie entlehnen nicht nur Themen und Handlungsstränge, sondern auch Konzepte voneinander. Ein Begriff, der aus der Literatur stammt, hat in der Musik Wurzeln geschlagen: Gedicht. Was repräsentieren sie? Musikalische Gedichte, und wann ist dieses Genre entstanden?

Es gibt verschiedene Gedichte in der Musik – und als erstes erscheint die Symphonische Dichtung. Ihr „Vater“ gilt als ungarischer romantischer Komponist, aber natürlich hat er auch etwas geschaffen neues Genre nicht „von Grund auf“. Als unmittelbarer Vorläufer der symphonischen Dichtung kann die im 19. Jahrhundert entstandene Ouvertüre angesehen werden wichtiger Schritt in seiner Entwicklung, getrennt von den Aufführungen. Natürlich Ouvertüren zur Oper und dramatische Darbietungen entstanden noch, aber mit ihnen entstanden – mit der leichten Hand von Felix Mendelssohn-Bartholdy – Konzertouvertüren, von denen es wirklich einen Schritt zur symphonischen Dichtung gab, und diesen Schritt ging Franz Liszt... Wie kam es dazu? ? Es ist ganz einfach: Er nannte die 1849 geschriebene Tasso-Ouvertüre eine symphonische Dichtung und bezeichnete anschließend alle seine einsätzigen symphonischen Werke so, von denen er eine ganze Reihe schuf – insgesamt dreizehn Werke.

Die symphonischen Gedichte von Franz Liszt werden uns helfen zu verstehen, wie sich ein Gedicht von einer Ouvertüre unterscheidet – und was Liszt daran hinderte, seine Werke weiterhin Ouvertüren zu nennen. Beide gehören zum Bereich der Programmmusik – also Musik, deren Inhalt sich in verbaler Form konkretisiert. Aber schon das Konzept der Ouvertüre spiegelt ihre „Vergangenheit“ wider – ihre Verbindung zum Bühnenwerk, die sie eröffnen kann (oder im Prinzip könnte) – schließlich schuf auch Liszt „Tasso“ zunächst als Orchestereinleitung zur Johann-Inszenierung Wolfgang Goethes Tragödie „Torquato Tasso“. Aber schauen wir uns andere Liszt-Gedichte genauer an: „Präludien“ nach einem Gedicht des französischen Dichters Alphonse de Lamartine, „Mazeppa“ nach einem Gedicht von Victor Hugo – diese literarischen Werke werden nicht inszeniert, sondern nur gelesen und Sie können sicherlich nicht mit einer Orchestereinleitung „eröffnet“ werden! Darüber hinaus ist dies für das Fresko, das Liszt zu „Die Hunnenschlacht“ inspirierte, unmöglich. Also eine symphonische Dichtung, mit Literaturprogramm Von Anfang an war es nur für Konzertaufführungen gedacht. Gleichzeitig war das Vorhandensein eines Programms zwingend erforderlich – es war kein Zufall, dass Liszt den Begriff aus dem Arsenal der Literatur entlehnte.

Die charakteristischen Merkmale einer symphonischen Dichtung sind also programmatische, einsätzige und konzertante Aufführung (ohne Bezug zum Theater). Aber ausgehend von den Gedichten erhielt es auch spezifische Formmerkmale. Wir können sagen, dass in seiner Form die Merkmale von Sonate und Zyklizität miteinander verschmolzen – als ob die Sonatenform andere Teile des Sonaten-Symphonie-Zyklus (langsamer Satz, Scherzo, Finale) „wachsen“ und „absorbieren“ würde. Die Korrelation von Abschnitten einer symphonischen Dichtung ähnelt dem Vergleich von Themen und Abschnitten einer Sonatenform – aber jeder von ihnen ist vollständiger und eigenständiger, was die Abschnitte den Teilen einer Symphonie näher bringt. Wenn in der Sonatenform immer drei Abschnitte unterschieden werden – Exposition, Durchführung und Reprise –, dann kann es in einer symphonischen Dichtung mehrere Abschnitte geben, und in dieser Hinsicht ist der Komponist freier und kann jeden verkörpern spezifische Handlung Dieses Formular ist viel praktischer.

Liszt legte den Grundstein für die Gattung der Symphonischen Dichtung, andere Komponisten der Romantik ergriffen die Initiative. schuf die Gedichte „Richard III“, „Camp Wallenstein“, verherrlichte aber besonders seinen Gedichtzyklus „Meine Heimat“. Camille Saint-Saëns schuf symphonische Gedichte: „Das Spinnrad von Omala“, „Phaeton“, „Die Jugend des Herkules“ und die berühmteste – „Tanz des Todes“. Das Genre der symphonischen Dichtung nimmt in seinem Werk einen wichtigen Platz ein: „Don Juan“, „Also sprach Zarathustra“, „Till Eulenspiegel“ – das sind nur einige seiner Gedichte. Bemerkenswert ist, dass wir bei Strauss nicht mehr jene Formzeichen finden, die seit Liszts Zeit mit dem Gedicht verbunden sind – der Komponist wählt die Form, die für die entsprechende Handlung am besten geeignet ist: Sonate Allegro in Don Giovanni, Variationen in Don Quijote, Kombination aus Rondo und Variationen in Till Eulenspiegel.

Auch russische Komponisten schufen symphonische Dichtungen, und da fällt mir zunächst Alexander Nikolajewitsch Skrjabin mit seinem „Gedicht der Ekstase“ und „Prometheus“ („Gedicht des Feuers“) ein. Skrjabin hat jedoch auch andere Gedichte – Klaviergedichte („Das satanische Gedicht“, das Gedicht „An die Flamme“). Das Gedicht für ein Soloinstrument kann als direkter Nachkomme der symphonischen Dichtung angesehen werden.

Schließlich begann man im 20. Jahrhundert, die Definition von „Gedicht“ auf einige anzuwenden Chorwerke- wie zum Beispiel „Zehn Chorgedichte“ oder das Chorgedicht „Ladoga“. Bemerkenswert ist, dass Sviridov einer seiner Kantaten den Titel „Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin“ gab.

Es treten Merkmale idealistischer Abstraktion, Rhetorik und äußerlich rednerischen Pathos hervor. Gleichzeitig ist es von grundlegender Bedeutung symphonische Kreativität Liszt ist großartig: Er verfolgte konsequent seine Idee, „die Musik durch ihre Verbindung mit der Poesie zu erneuern“, und erreichte in einer Reihe von Werken bemerkenswerte künstlerische Perfektion.

Die Programmierung liegt der überwältigenden Zahl von Liszt zugrunde symphonische Werke. Die gewählte Handlung ließ neue Handlungsstränge vermuten Ausdrucksmittel, inspirierte zu kühnen Versuchen auf dem Gebiet der Form und Orchestrierung, die Liszt stets für ihre brillante Klangfülle und Farbigkeit schätzte. Der Komponist unterschied die drei Hauptgruppen des Orchesters – Streicher, Holzbläser und Blechbläser – meist klar und setzte Solostimmen einfallsreich ein. Im Tutti klingt sein Orchester harmonisch und ausgewogen, und in den Momenten des Höhepunkts setzte er, ähnlich wie Wagner, oft kräftige Blechbläser-Unisoni vor dem Hintergrund von Streicherfigurationen ein.

Liszt ging als Schöpfer eines Neuen in die Musikgeschichte ein romantisches Genre- „Symphonische Dichtung“: So nannte er erstmals neun Werke, die bis 1854 fertiggestellt und 1856-1857 veröffentlicht wurden; später wurden vier weitere Gedichte geschrieben.

Liszts symphonische Dichtungen sind große programmatische Werke in freier einstimmiger Form (Nur die letzte symphonische Dichtung – „Von der Wiege bis zur Bahre“ (1882) – ist in drei kleine Teile gegliedert, die ohne Unterbrechung laufen.), wo oft verschiedene Gestaltungsprinzipien kombiniert werden (Sonate, Variation, Rondo); manchmal „absorbiert“ diese einteilige Struktur Elemente eines vierteiligen symphonischen Zyklus. Die Entstehung dieser Gattung wurde durch die gesamte Entwicklung der romantischen Symphonie vorbereitet.

Einerseits gab es eine Tendenz zur Einheit eines mehrteiligen Zyklus, seiner Vereinheitlichung durch übergreifende Themen, der Verschmelzung von Teilen („Schottische Symphonie“ von Mendelssohn, Schumanns Symphonie in d-moll und andere). Andererseits war der Vorgänger der symphonischen Dichtung die programmatische Konzertouvertüre, die die Sonatenform frei interpretierte (Mendelssohns Ouvertüren und früher - Leonora Nr. 2 und Beethovens Coriolan). Um diesen Zusammenhang zu betonen, nannte Liszt viele seiner zukünftigen symphonischen Gedichte in ihren ersten Fassungen Konzertouvertüren. Die Geburt eines neuen Genres wurde auch durch große einsätzige Werke für Klavier ohne umfangreiches Programm vorbereitet – Fantasien, Balladen usw. (von Schubert, Schumann, Chopin).

Das Spektrum der von Liszt in symphonischen Gedichten verkörperten Bilder ist sehr breit. Er ließ sich von der Weltliteratur aller Jahrhunderte und Völker inspirieren alter Mythos(„Orpheus“, „Prometheus“), englische und deutsche Tragödien des 17.-18. Jahrhunderts („Hamlet“ von Shakespeare, „Tasso“ von Goethe) bis hin zu Gedichten französischer und ungarischer Zeitgenossen („Was auf dem Berg gehört wird“) und „Mazeppa“ von Hugo, „Preludes“ „Lamartine“, „To Franz Liszt“ von Vörösmarty). Wie in Kreativität am Klavier Liszt verkörperte in seinen Gedichten häufig Bilder der Malerei („Hunnenschlacht“, basierend auf dem Gemälde). Deutscher Künstler Kaulbach, „Von der Wiege bis zur Bahre“ nach einer Zeichnung des ungarischen Künstlers Zichy) usw.

Aber in der bunten Vielfalt der Handlungsstränge ist eine Hinwendung zu heroischen Themen deutlich zu erkennen. Liszt fühlte sich zu darstellenden Themen hingezogen stark im Geiste Leute, große Bilder Volksbewegungen, Schlachten und Siege. Er verkörperte das Bild in seiner Musik alter Held Prometheus, der zum Symbol für Mut und unnachgiebigen Willen wurde. Wie die romantischen Dichter verschiedene Länder(Byron, Hugo, Slovacki) machte sich Liszt Sorgen um das Schicksal des jungen Mazepa – eines Mannes, der beispielloses Leid überwand und großen Ruhm erlangte (Diese Aufmerksamkeit wird Mazepas Jugend geschenkt (der Legende nach war er an die Kruppe eines Pferdes gebunden, das viele Tage und Nächte lang durch die Steppe raste) und nicht darauf historisches Schicksal Hetman der Ukraine – ein Verräter seiner Heimat – ist im Gegensatz zu Puschkin typisch für ausländische Romantiker.). In „Hamlet“, „Tasso“ und „Präludien“ verherrlichte der Komponist die Lebensleistung des Menschen, seine ewigen Impulse zu Licht, Glück, Freiheit; in „Ungarn“ besang er die glorreiche Vergangenheit seines Landes, seinen heroischen Befreiungskampf; „Lament for Heroes“ war den revolutionären Kämpfern gewidmet, die für die Freiheit ihres Heimatlandes starben; In „Die Hunnenschlacht“ zeichnete er ein Bild eines gigantischen Völkerkampfes (die Schlacht des christlichen Heeres mit den Horden Attilas im Jahr 451).

Das Blatt ist einzigartig geeignet literarische Werke, die die Grundlage des Programms der symphonischen Dichtung bildete. Wie Berlioz leitet er die Partitur normalerweise mit einer detaillierten Darstellung der Handlung ein (oft recht ausführlich, einschließlich der Geschichte der Idee und abstrakter philosophischer Überlegungen); manchmal - Auszüge aus einem Gedicht und sehr selten nur auf einen allgemeinen Titel beschränkt („Hamlet“, „Holiday Bells“). Aber anders als Berlioz interpretiert Liszt das detaillierte Programm allgemein, ohne die sequenzielle Entwicklung der Handlung in Musik zu vermitteln. Normalerweise ist er bestrebt, ein helles, hervorstechendes Bild der Hauptfigur zu schaffen und die gesamte Aufmerksamkeit des Zuhörers auf seine Erlebnisse zu lenken. Auch dieses zentrale Bild wird nicht in einer konkreten Alltagssprache, sondern in einem verallgemeinerten und erhöhten Sinne interpretiert, als Träger einer großen philosophischen Idee.

In den besten symphonischen Gedichten gelang es Liszt, einprägsame musikalische Bilder zu schaffen und diese in verschiedenen Lebenssituationen darzustellen. Und je vielfältiger die Umstände sind, in denen die Kämpfe des Helden dargestellt werden und unter deren Einfluss sich verschiedene Seiten seines Charakters offenbaren, desto heller kommt sein Erscheinungsbild zum Vorschein, desto gehaltvoller ist der Inhalt des Gesamtwerks.

Die Charakteristika dieser Lebensumstände werden durch vielfältige musikalische und ausdrucksstarke Mittel geschaffen. Die Verallgemeinerung durch Genres spielt eine wichtige Rolle: Liszt verwendet bestimmte, historisch etablierte Genres wie Marsch, Choral, Menuett, Pastoral und andere, die zur Spezifizierung beitragen Musikalische Bilder und machen sie leichter wahrnehmbar. Er verwendet häufig visuelle Techniken, um Bilder von Stürmen, Schlachten, Pferderennen usw. zu erstellen.

Leitung zentrales Bild führt zum Prinzip des Monothematismus – das gesamte Werk basiert auf einer Modifikation eines Leitthemas. So sind viele Heldengedichte Liszts aufgebaut („Tasso“, „Präludien“, „Mazeppa“) weitere Entwicklung Variationsprinzip: Anstatt nach und nach die Möglichkeiten des Themas aufzudecken, erfolgt ein direkter Vergleich seiner in der Natur weit entfernten, oft gegensätzlichen Varianten. Dadurch entsteht ein einziges und zugleich vielschichtiges, wandelbares Bild des Helden. Die Transformation des Hauptthemas wird als Darstellung verschiedener Seiten seines Charakters wahrgenommen – als Veränderungen, die sich aus bestimmten Lebensumständen ergeben. Abhängig von der konkreten Situation, in der der Held agiert, ändert sich auch die Zusammensetzung seines Themas.