Um die Merkmale der russischen Kultur an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert gut zu verstehen, müssen Sie eine Vorstellung von der Natur des innerstaatlichen Rechts, der Wirtschaft und der Politik dieser Zeit haben. Das ist der Schlüssel. Die Rolle der russischen Kultur kann nicht hoch genug eingeschätzt werden. Dank Peters Reformen wurde im Reich die gesetzgeberische Einrichtung der Bürokratie etabliert. Dies spiegelte sich insbesondere im „goldenen Zeitalter“ Katharinas II. wider.

Ereignisse des frühen 19. Jahrhunderts

Das Jahrhundert war geprägt von der Ministerreform Alexanders I. In der Praxis wurde sie durchgeführt, um die feudal-absolutistische Ordnung zu stärken. Gleichzeitig gilt es, den Einfluss des neuen „Zeitgeists“ zu berücksichtigen. Zunächst lässt sich die Reflexion der Großen Französischen Revolution auf die gesamte russische Kultur verfolgen. Die Liebe zur Freiheit ist einer ihrer Archetypen. Es wird von der gesamten russischen Poesie verherrlicht, angefangen bei Zwetajewa bis hin zu Puschkin. Nach der Einrichtung der Ministerien kam es zu einer weiteren Bürokratisierung der Verwaltung. Darüber hinaus wurde der Zentralapparat verbessert Russisches Reich. Die Einrichtung des Staatsrates ist ein wesentliches Element der Europäisierung und Modernisierung des Gesamtsystems. Seine Hauptaufgaben sind: Gewährleistung der Einheitlichkeit der Rechtsnormen und Zentralisierung der Gesetzgebungsangelegenheiten.

Goldene Periode

Die russische Kultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts entwickelte sich sehr intensiv. Dieser Prozess wurde stark von fortgeschrittenen westeuropäischen Gedanken und weltrevolutionären Fortschritten beeinflusst. Auch die enge Beziehung zwischen der russischen Kultur und anderen hatte Auswirkungen. Dies war die Zeit, in der sich die französische Sprache entwickelte und diese Ideen im ganzen Staat sehr populär wurden. Die russische Kultur des frühen 19. Jahrhunderts wurde stark vom Erbe früherer Generationen beeinflusst. Gerade dank ihm entstanden neue kreative Triebe in der Literatur. Dies gilt auch für die Bereiche Kultur, Malerei und Poesie. Die Werke von F. Dostoevsky, P. Melnikov-Pechersky, N. Leskov und N. Gogol sind von den Traditionen der alten russischen Religionskultur durchdrungen. Es ist auch unmöglich, die Arbeit anderer literarischer Genies nicht zu erwähnen, deren Haltung gegenüber orthodoxen Bewegungen umstrittener war. Wir sprechen über A. Blok, L. Tolstoi, A. Puschkin und so weiter. In ihrer Arbeit ist ein unauslöschlicher Stempel zu erkennen, der von ihren orthodoxen Wurzeln zeugt. Wir dürfen auch den Skeptiker I. Turgenjew nicht vergessen. Sein Werk „Living Relics“ präsentiert ein Bild der Volksheiligkeit. Von großem Interesse ist auch die russische Kunstkultur dieser Zeit. Wir sprechen über Gemälde von K. Petrov-Vodkin, M. Vrubel, M. Nesterov. Die Ursprünge ihrer Kreativität liegen in der orthodoxen Ikonenmalerei. Der Kirchengesang der Antike wurde zu einem markanten Phänomen in der Geschichte der Musikkultur. Dazu gehören auch die späteren Experimente von S. Rachmaninow, P. Tschaikowsky und D. Bortnyansky.

Hauptbeiträge

Die russische Kultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts hat die besten Errungenschaften anderer Völker und Länder übernommen. Dabei hat sie ihre Originalität nicht verloren. Darüber hinaus hatte es erheblichen Einfluss auf die Entwicklung anderer Kulturen. Was die Geschichte der europäischen Völker betrifft, so hat sie beträchtliche Spuren hinterlassen. Zunächst sprechen wir über religiöses russisches Denken. Es entstand unter dem Einfluss des Westens. Die westeuropäische Kultur wiederum wurde von Theologie und Philosophie beeinflusst. Besonders deutlich wird dies in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der russischen Kultur leisteten die Werke von M. Bakunin, N. Berdyaev, P. Florensky, V. Solovyov und vielen anderen. Wir dürfen das „Gewitter des zwölften Jahres“ nicht vergessen. Wir sprechen von einem starken Impuls für die Entwicklung der russischen Kultur. Der Vaterländische Krieg ist untrennbar mit dem Wachstum und der Entstehung des „Dezemberismus“ verbunden. Es beeinflusste auch die Traditionen der russischen Kultur. V. Belinsky schrieb, dass dieses Jahr das ganze Land schockierte und gleichzeitig den Stolz und das Bewusstsein der Menschen weckte.

Merkmale des historischen Prozesses

Sein Tempo war spürbar schneller. Dies ist auf die oben beschriebenen Faktoren zurückzuführen. Die Differenzierung war in vollem Gange verschiedene Bereiche kulturelle Aktivitäten. Dies gilt insbesondere in der Wissenschaft. Es wurde auch komplizierter kultureller Prozess. Es kam zu einer stärkeren gegenseitigen Beeinflussung verschiedener Bereiche. Dies gilt insbesondere für Musik, Literatur, Philosophie usw. Anzumerken ist auch, dass sich die Interaktionsprozesse zwischen den konstituierenden Elementen der Nationalkultur intensiviert haben. Dies ist der offizielle Teil davon, der vom Staat gefördert wurde, und der Bereich der Massen (also der Folkloreschicht). Letzteres stammt aus den Tiefen ostslawischer Stammesverbände. Diese Schicht wurde im antiken Russland gebildet. Es existierte während der gesamten russischen Geschichte vollständig. Was die Tiefen der offiziellen Staatskultur betrifft, lässt sich hier die Präsenz einer „Elite“-Schicht nachweisen. Sie diente der herrschenden Klasse. Dies gilt zunächst für den königlichen Hof und die Aristokratie. Diese Schicht war sehr anfällig für ausländische Innovationen. In diesem Fall empfiehlt es sich zu erwähnen romantisches Gemälde A. Ivanov, K. Bryullov, V. Tropinin, O. Kiprensky und andere berühmte Künstler des XIX Jahrhunderte.

Einfluss des 18. Jahrhunderts

In der ersten Hälfte traten gewöhnliche Intellektuelle auf. Bis zum Ende des Jahrhunderts hatte sich eine besondere soziale Gruppe herausgebildet. Wir sprechen über die Leibeigenschaftsintelligenz. Zu ihr gehörten Dichter, Musiker, Architekten und Maler. Wenn zu Beginn des Jahrhunderts die Hauptrollen der adligen Intelligenz zukamen, dann am Ende - dem Bürgerlichen. Menschen aus bäuerlichen Verhältnissen schlossen sich dieser Schicht an. Dies war besonders nach der Abschaffung der Leibeigenschaft zu spüren. Zu den Bürgern könnten gebildete Vertreter des demokratischen und liberalen Bürgertums gehören. Es war unmöglich zu sagen, dass sie dem Adel angehörten. Sie können vielmehr der Bauernschaft, den Kaufleuten, dem Kleinbürgertum und den Bürokraten zugeschrieben werden. Dies bestätigt so wichtige Merkmale der russischen Kultur wie den Beginn ihrer Demokratisierungsprozesse. Ihr Wesen liegt darin, dass nicht nur Angehörige der privilegierten Klassen zu gebildeten Persönlichkeiten wurden. Der führende Platz gehörte ihnen jedoch weiterhin. Die Zahl der Wissenschaftler, Komponisten, Künstler, Dichter und Schriftsteller aus benachteiligten Schichten nahm zu. Dies gilt insbesondere für die Leibeigenschaft, hauptsächlich aus dem Kreis der Bürger.

Früchte des 19. Jahrhunderts

Die Kunst der russischen Kultur entwickelt sich weiterhin aktiv weiter. Die Literatur wird zu ihrem Leitgebiet. Hier zeigt sich zunächst einmal der Einfluss der progressiven Befreiungsideologie. Tatsächlich sind viele Werke dieser Zeit voll von revolutionären, militanten Aufrufen sowie politischen Broschüren. Das beinhaltet entscheidender Bedeutung Russische Kultur. Sie war eine große Inspiration für die fortschrittliche Jugend. Man spürte die Herrschaft des Geistes des Kampfes und der Opposition. Es durchdrang die Werke fortschrittlicher Schriftsteller. So wurde die Literatur zu einer der aktivsten Kräfte der Gesellschaft. Sie können zum Beispiel die reichsten Klassiker der Welt nehmen und die russische Kultur vergleichen. Auch vor diesem Hintergrund erscheint die Literatur des letzten Jahrhunderts als Ausnahmeerscheinung. Tolstois Prosa und Puschkins Poesie können als wahre Wunder bezeichnet werden. Es ist kein Zufall, dass Jasnaja Poljana zu einer intellektuellen Hauptstadt wurde.

Beitrag von A. Puschkin

Es ist schwer zu sagen, wie die russische Kultur ohne ihn wäre. A. Puschkin ist der Begründer des russischen Realismus. Es genügt, an „Eugen Onegin“ zu erinnern. Dieser Versroman wurde vom berühmten Kritiker als Enzyklopädie des russischen Lebens bezeichnet. Dies ist der höchste Ausdruck des Realismus in den Werken eines Genies. Zu den herausragenden Beispielen dieser Literaturrichtung zählen auch die Erzählungen „Dubrovsky“, „ Tochter des Kapitäns", das Drama „Boris Godunov“. Was die weltweite Bedeutung von Puschkin betrifft, ist sie untrennbar mit dem Verständnis der universellen Bedeutung der Tradition verbunden, die er selbst geschaffen hat. Er ebnete den literarischen Weg für A. Tschechow, L. Tolstoi, F. Dostojewski, I. Turgenjew, N. Gogol, M. Lermontow ist zu einer vollwertigen Tatsache der russischen Kultur geworden. der wichtigste Moment spirituelle Entwicklung der Menschheit.

Lermontovs Beitrag

Er kann als Puschkins Nachfolger und jüngerer Zeitgenosse bezeichnet werden. Zunächst ist „Held unserer Zeit“ hervorzuheben. Es ist unmöglich, seine Übereinstimmung mit dem Roman „Eugen Onegin“ nicht zu bemerken. Mittlerweile ist „Held unserer Zeit“ der Höhepunkt von Lermontovs Realismus. Sein Werk stellt den Höhepunkt in der Entwicklung der Poesie in der Zeit nach Puschkin dar. Dadurch wurden neue Wege für die Entwicklung der russischen Prosa eröffnet. Byrons Werk ist der wichtigste ästhetische Bezugspunkt. Der russische romantische Individualismus impliziert das Vorhandensein eines Kults titanischer Leidenschaften. Dazu gehören auch lyrischer Ausdruck und Extremsituationen, die mit philosophischer Selbstbezogenheit verbunden sind. So wird Lermontovs Anziehungskraft auf lyrische Epos, Liebesromane und Balladen deutlich. Spezieller Ort Liebe beschäftigt sie. Vergessen Sie auch nicht die „Dialektik der Gefühle“ – Lermontovs Methode der psychologischen Analyse, die einen wesentlichen Beitrag zur späteren Literatur leistete.

Gogols Forschung

Sein Werk entwickelte sich von romantischen Formen zum Realismus. Gogols Werke trugen viel zur Entwicklung der russischen Literatur bei. Als Beispiel können wir „Abende auf einem Bauernhof in der Nähe von Dikanka“ nehmen. Hier wird das Konzept von Kleinrussland verkörpert – eine Art Slawisch Antikes Rom. Es ist wie ein ganzer Kontinent auf der Karte des Universums. Dikanka ist sein ursprüngliches Zentrum, der Mittelpunkt des nationalen Schicksals und der spirituellen Besonderheit. Darüber hinaus gründete Gogol eine „natürliche Schule“. Es geht um Kritischer Realismus. Die russische Kultur des 20. Jahrhunderts war geprägt von der weltweiten Anerkennung Gogols. Von diesem Moment an wurde er zu einem aktiven und wachsenden Element des weltweiten literarischen Fortschritts. Sein Werk birgt ein tiefes philosophisches Potenzial, das nach und nach zum Vorschein kommt.

Tolstois Beitrag

Sein geniale Kreativität verdient besondere Aufmerksamkeit. Es wurde eine neue Etappe in der Entwicklung des Weltrealismus und des russischen Realismus. Zunächst lohnt es sich, die Kraft und Neuheit von Tolstois Kreativität hervorzuheben. Hier hing viel von den demokratischen Wurzeln seiner Aktivitäten, moralischen Suchen und seiner Weltanschauung ab. Tolstois Realismus zeichnet sich durch eine besondere Wahrhaftigkeit aus. Es ist auch unmöglich, die Direktheit und Offenheit des Tons nicht zu unterstreichen. Die Folge davon ist eine scharfe Offenlegung gesellschaftlicher Widersprüche und erdrückender Gewalt. „Krieg und Frieden“ ist ein besonderes Phänomen in der Welt- und russischen Literatur. Dies ist ein einzigartiges Phänomen in Tolstois Kunst. Wir sprechen von einer genialen Kombination aus einem mehrfigurigen epischen „Fresko“ und psychologischer Roman im großen Stil. Der erste Teil der Arbeit wurde vor sehr langer Zeit veröffentlicht. In dieser Zeit haben sich mehrere Generationen von Lesern verändert. Dennoch ist „Krieg und Frieden“ weiterhin ein relevantes Werk für alle Altersgruppen. moderner Schriftsteller, nannte dieses Werk den ewigen Begleiter des Menschen. Es ist dem verheerenden Krieg des 19. Jahrhunderts gewidmet. Es bekräftigt die moralische Idee des Triumphs des Lebens über den Tod. Darauf legte die russische Kultur des 20. Jahrhunderts großen Wert.

Dostojewskis Forschungen

Über ihren gigantischen Charakter kann man nur staunen. Dostojewski ist ein großer russischer Schriftsteller. Seine moralischen Forschungen unterscheiden sich etwas von denen Tolstois. Dies äußert sich zunächst in der mangelnden Analyse epischer Ausmaße. Das heißt, es gibt keine Beschreibung dessen, was passiert. Wir müssen „in den Untergrund gehen“. Nur so kann man sehen, was wirklich passiert. Dadurch ist es möglich, auf uns selbst zu schauen. Dostojewski hatte eine erstaunliche Fähigkeit, bis zum Wesentlichem vorzudringen menschliche Seele. Als Ergebnis erhielten sie eine Beschreibung des modernen Nihilismus. Diese Geisteshaltung prägte ihn unauslöschlich. Die Leser sind immer noch fasziniert von der unerklärlichen Genauigkeit und Tiefe. Der antike Nihilismus war untrennbar mit Epikureismus und Skeptizismus verbunden. Sein Ideal ist edle Gelassenheit. Dies bezieht sich auch darauf, angesichts der Wechselfälle des Schicksals Seelenfrieden zu erlangen.

Alexander der Große war einst tief beeindruckt vom Nihilismus des alten Indien. Den Menschen um ihn herum ging es genauso. Wenn wir die philosophische Haltung berücksichtigen, ähnelt dies in gewisser Weise der Position von Pyrrho aus Elis. Das Ergebnis ist die Betrachtung der Leere. Was Nagarjuna betrifft, so stellte der Nihilismus für ihn und seine Anhänger die Schwelle zur Religion dar.

Der moderne Trend unterscheidet sich etwas von der Vergangenheit. Ihre Grundlage ist nach wie vor die intellektuelle Überzeugung. Dies ist kein gesegneter Zustand des Gleichmuts oder der philosophischen Leidenschaftslosigkeit. Vielmehr geht es um die Unfähigkeit, etwas zu erschaffen und zu bestätigen. Das ist keine Philosophie, sondern ein spiritueller Fehler.

Die Hauptstadien der Blüte der Musikkunst

Das 19. Jahrhundert zeichnete sich durch eine intensive Entwicklung der Literatur aus. Gleichzeitig erstrahlte die Musikkultur Russlands in hellem Glanz. Gleichzeitig stand sie in engem Austausch mit der Literatur. Dadurch wurde die russische Kunstkultur intensiv bereichert. Es erschienen völlig neue Bilder. Rimsky-Korsakovs ästhetisches Ideal steht im Mittelpunkt seines musikalischen Schaffens. Das Schöne in der Kunst ist für ihn ein absoluter Wert. Seine Opern sind voller Bilder einer höchst poetischen Welt. Dies zeigt deutlich, dass Kunst eine Doppelkraft hat. Es verwandelt und erobert einen Menschen. Bei Rimsky-Korsakow verbindet sich diese Funktion der Kunst mit seiner Vorstellung von der Qualität eines Mittels zur moralischen Verbesserung. Dieser Kult ist untrennbar mit der romantischen Bekräftigung des Menschen als Schöpfer verbunden. Er ist in eine Konfrontation mit den entfremdenden Tendenzen der Vergangenheit verwickelt. Diese Musik erhebt alles Menschliche. Ihr Ziel ist es, Erlösung von den „schrecklichen Verführungen“ zu bringen, die dem bürgerlichen Zeitalter innewohnen. Dies ist eine weitere Bedeutung der russischen Kultur. Es bringt einen Nutzen für die Gesellschaft und erfüllt einen großen bürgerschaftlichen Zweck. Das Werk von P. Tschaikowsky trug maßgeblich zum Aufblühen der russischen Musikkultur bei. Er hat viele wunderbare Werke geschrieben. Die Oper „Eugen Onegin“ war experimenteller Natur. Darüber hinaus interpretiert der Autor selbst es als „lyrische Szenen“. Das innovative Wesen der Oper liegt in der Reflexion neuer fortgeschrittener Literatur.

Russische Kultur des frühen 20. Jahrhunderts

Es sei darauf hingewiesen, dass dies an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert der Fall war. Im Land ereigneten sich recht komplexe historische und politische Ereignisse. Ihnen ist es zu verdanken, dass die russische Kultur des frühen 20. Jahrhunderts um vielfältige Formen und Richtungen bereichert wurde. Es erwarb neue Trends, die ein Verständnis der aufkommenden sozialen und sozialen Entwicklung erforderten moralische Probleme. Es sollte gesagt werden, dass Russland zu Beginn des 20. Jahrhunderts ein Land mit war Große anzahl Analphabetenbevölkerung. Das Bildungssystem umfasste drei Ebenen: höhere, sekundäre und primäre. Die Entwicklung des Letzteren begann dank der Initiative einer demokratischen Gesellschaftsgruppe. Infolgedessen begannen Schulen neuen Typs zu entstehen. Die russische Kultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts hatte großen Einfluss auf die Entwicklung der Bildung und die Steigerung der Alphabetisierung der Bevölkerung. Unter den Fortgeschrittenen Bildungsinstitutionen Zu erwähnen sind Arbeiterbildungsvereine und -kurse sowie Volkshäuser. Die russische Kultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts beeinflusste nicht nur das Leben innerhalb des Staates, sondern auch über seine Grenzen hinaus.

Die Zeit der zweiten Hälfte des 19. – frühen 20. Jahrhunderts. gilt zu Recht als das Silberne Zeitalter der russischen Kultur (eine detaillierte Tabelle finden Sie unten). Das spirituelle Leben der Gesellschaft ist reich und vielfältig.

Die politischen Veränderungen nach den Reformen Alexanders II. waren nicht so bedeutsam wie die sozialen und psychologischen Veränderungen. Angesichts größerer Freiheiten und Denkanstöße scheinen Wissenschaftler, Schriftsteller, Philosophen, Musiker und Künstler bestrebt zu sein, die verlorene Zeit aufzuholen. Laut N.A. Berdyaev, im 20. Jahrhundert angekommen. Russland hat eine Ära erlebt, die in ihrer Bedeutung mit der Renaissance vergleichbar ist; tatsächlich ist dies die Zeit der Renaissance der russischen Kultur.

Hauptgründe für schnelles kulturelles Wachstum

Ein deutlicher Sprung in allen Bereichen Kulturleben Länder haben dazu beigetragen:

• neue Schulen wurden in großer Zahl eröffnet;
• ein Anstieg des Anteils der gebildeten und damit lesenden Menschen bis 1913 auf 54 % bei Männern und 26 % bei Frauen;
• eine Zunahme der Zahl derjenigen, die eine Universität besuchen möchten.

Die Staatsausgaben für Bildung steigen sukzessive. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die Staatskasse stellt jährlich 40 Millionen Rubel für die Bildung bereit, 1914 waren es sogar 300 Millionen. Die Zahl der freiwilligen Bildungsvereine, an denen verschiedenste Bevölkerungsschichten teilnehmen konnten, und die Zahl der öffentlichen Universitäten nehmen zu . All dies trägt zur Popularisierung der Kultur in Bereichen wie Literatur, Malerei, Bildhauerei, Architektur und Wissenschaft bei.

Kultur Russlands in der zweiten Hälfte des 19. – frühen 20. Jahrhunderts.

Russische Wissenschaftler, Künstler, Maler und Schriftsteller gewinnen im Ausland an Berühmtheit. Die Errungenschaften der russischen Kultur des Berichtszeitraums finden weltweite Anerkennung. Die Namen russischer Reisender und Entdecker zieren Weltkarten. Die in Russland entstandenen künstlerischen Formen haben einen erheblichen Einfluss auf die ausländische Kultur, deren Vertreter heute lieber zu russischen Schriftstellern, Bildhauern, Dichtern, Wissenschaftlern und Künstlern aufschauen.

Aufsatz

in den Kulturwissenschaften

Zu diesem Thema

„Russische Kultur des späten 19. Jahrhunderts“

frühes 20. Jahrhundert"

Grischin Sergej

1. Einleitung.

2. Malerei des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts: Schwierigkeiten und Widersprüche.

4. Skulptur: Suche nach einem neuen Helden.

5. Symbolik in der Literatur der Jahrhundertwende.

6. Andere Trends in der Literatur.

7. Musik: Prioritäten ändern.

8. Der Aufstieg der Theater.

9. Fazit

1. Einleitung.

Das Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts war von einer tiefen Krise geprägt, die die gesamte europäische Kultur erfasste und aus der Enttäuschung über frühere Ideale und dem Gefühl des nahenden Untergangs des bestehenden gesellschaftspolitischen Systems resultierte.

Aber dieselbe Krise brachte eine große Ära hervor – die Ära der russischen kulturellen Renaissance zu Beginn des Jahrhunderts – eine der anspruchsvollsten Epochen in der Geschichte der russischen Kultur. Dies war die Ära des kreativen Aufstiegs von Poesie und Philosophie nach einer Zeit des Niedergangs. Gleichzeitig war es eine Ära der Entstehung neuer Seelen, neuer Sensibilität. Seelen öffneten sich allen möglichen mystischen Tendenzen, sowohl positiven als auch negativen. Nie zuvor waren alle Arten von Täuschung und Verwirrung unter uns so stark ausgeprägt. Gleichzeitig wurden die russischen Seelen von Vorahnungen drohender Katastrophen überwältigt. Dichter sahen nicht nur die bevorstehende Morgendämmerung, sondern auch etwas Schreckliches, das sich Russland und der Welt näherte ... Religiöse Philosophen waren von apokalyptischen Gefühlen durchdrungen. Die Prophezeiungen über das nahende Ende der Welt meinten vielleicht wirklich nicht das nahende Ende der Welt, sondern das nahende Ende des alten, imperialen Russlands. Unsere kulturelle Renaissance fand in der vorrevolutionären Ära statt, in der Atmosphäre eines bevorstehenden großen Krieges und einer großen Revolution. Es gab nichts Nachhaltiges mehr. Historische Körper sind geschmolzen. Nicht nur Russland, sondern die ganze Welt verwandelte sich in einen flüssigen Staat... In diesen Jahren wurden viele Geschenke nach Russland geschickt. Dies war die Ära des Erwachens des unabhängigen philosophischen Denkens in Russland, des Aufblühens der Poesie und der Schärfung der ästhetischen Sensibilität, der religiösen Angst und Suche, des Interesses an Mystik und Okkultismus. Neue Seelen erschienen, neue Quellen kreativen Lebens wurden entdeckt, neue Morgendämmerungen wurden gesehen, die Gefühle des Niedergangs und des Todes verbanden sich mit dem Gefühl des Sonnenaufgangs und mit der Hoffnung auf die Transformation des Lebens.“

Im Zeitalter der kulturellen Renaissance kam es in allen Bereichen der Kultur zu einer Art „Explosion“: nicht nur in der Poesie, sondern auch in der Musik; nicht nur in der bildenden Kunst, sondern auch im Theater... Das damalige Russland bescherte der Welt eine Vielzahl neuer Namen, Ideen und Meisterwerke. Zeitschriften wurden herausgegeben, verschiedene Zirkel und Gesellschaften gegründet, Debatten und Diskussionen organisiert, neue Trends entstanden in allen Bereichen der Kultur.

2. Das Ende bemalenXIX- gestartetXXJahrhunderte: Schwierigkeiten und Widersprüche.

Das Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts ist eine wichtige Periode in der Entwicklung der russischen Kunst. Es fällt mit der Phase der Befreiungsbewegung in Russland zusammen, die er als proletarisch bezeichnete. Es war eine Zeit erbitterter Klassenkämpfe, drei Revolutionen – die bürgerlich-demokratische Februarrevolution und die Große Sozialistische Oktoberrevolution, die Zeit des Zusammenbruchs der alten Welt. Das umgebende Leben und die Ereignisse dieser außergewöhnlichen Zeit bestimmten das Schicksal der Kunst: Sie erlebte in ihrer Entwicklung viele Schwierigkeiten und Widersprüche. Das Werk von M. Gorki eröffnete neue Wege für die Kunst der Zukunft, der sozialistischen Welt. Sein 1906 verfasster Roman „Mutter“ wurde zu einem Beispiel für die talentierte Verkörperung der Prinzipien der Parteimitgliedschaft und der Nationalität im künstlerischen Schaffen, die erstmals im Artikel „Parteiorganisation und Parteiliteratur“ (1905) klar definiert wurden.

Wie war das allgemeine Bild der Entwicklung der russischen Kunst in dieser Zeit? Auch führende Meister des Realismus arbeiteten fruchtbar –,.

In den 1890er Jahren fanden ihre Traditionen ihre Weiterentwicklung in einer Reihe von Werken der jüngeren Generation von Peredwischniki-Künstlern, zum Beispiel Abram Efimovich Arkhipov (gg.), dessen Werk auch mit dem Leben des Volkes, mit dem Leben der Menschen verbunden ist Bauern. Seine Bilder sind wahrheitsgetreu und einfach, die frühen sind lyrisch („Entlang des Oka-Flusses“, 1890; „Reverse“, 1896), während die späteren, leuchtend malerischen Bilder eine überschwängliche Fröhlichkeit aufweisen („Mädchen mit Krug“, 1927; alle drei in der Tretjakow-Galerie). IN DEN 1890er Jahren malte Arkhipov das Gemälde „Wäscherinnen“, das von der anstrengenden Arbeit der Frauen erzählt und als anschauliches, belastendes Dokument gegen die Autokratie (GRM) dient.

Zur jüngeren Generation der Itinerants gehören auch Sergei Alekseevich Korovin () und Nikolai Alekseevich Kasatkin (). Korowin arbeitete zehn Jahre lang an seinem zentralen Gemälde „Über die Welt“ (1893, Tretjakow-Galerie). Er reflektierte darin die komplexen Prozesse der Schichtung der Bauernschaft im kapitalisierten Dorf seiner Zeit. Kasatkin konnte in seinem Werk auch die wichtigsten Aspekte des russischen Lebens offenlegen. Er brachte ein völlig neues Thema zur Stärkung der Rolle des Proletariats zur Sprache. Bei den in seinem abgebildeten Bergleuten berühmtes Gemälde"Bergarbeiter. Smena“ (1895, Tretjakow-Galerie), das lässt sich vermuten starke Kraft, die in naher Zukunft das verrottete System des zaristischen Russlands zerstören und eine neue, sozialistische Gesellschaft aufbauen wird.

Doch in der Kunst der 1890er Jahre zeichnete sich ein anderer Trend ab. Viele Künstler versuchten nun, im Leben vor allem seine poetischen Seiten zu finden, und so nahmen sie sogar Landschaften in Genrebilder auf. Sie wandten sich oft der alten russischen Geschichte zu. Diese Kunsttrends sind in den Werken von Künstlern wie und deutlich zu erkennen.

Das Lieblingsgenre von Andrei Petrovich Ryabushkin () war historisches Genre, aber er malte auch zeitgenössische Gemälde Bauernleben. Der Künstler fühlte sich jedoch nur von bestimmten Aspekten angezogen Volksleben: Rituale, Feiertage. In ihnen sah er eine Manifestation des ursprünglichen russischen Nationalcharakters („Moskowskaja-Straße des 17. Jahrhunderts“, 1896, Staatliches Russisches Museum). Die meisten Charaktere sind nicht nur für das Genre, sondern auch für historische Gemälde wurden von Rjabuschkin von Bauern geschrieben – der Künstler verbrachte fast sein ganzes Leben im Dorf. Rjabuschkin führte einige charakteristische Merkmale der altrussischen Malerei in seine historischen Gemälde ein, als ob er damit die historische Authentizität der Bilder betonen würde („Hochzeitszug in Moskau (17. Jahrhundert)“, 1901, Tretjakow-Galerie).

Ein weiterer bedeutender Künstler dieser Zeit, Boris Michailowitsch Kustodiew (), zeigt Jahrmärkte mit bunten Löffeln und Stapeln bunter Waren, russische Maslenitsa mit Reiten in Troikas, Szenen aus dem Kaufmannsleben.

Im Frühwerk von Michail Wassiljewitsch Nesterow kamen die lyrischen Seiten seines Talents am deutlichsten zum Vorschein. Landschaft spielte in seinen Gemälden immer eine große Rolle: Der Künstler suchte Freude an der Stille der ewig schönen Natur. Er liebte es, dünnstämmige Birken, zerbrechliche Grashalme und Wiesenblumen darzustellen. Seine Helden sind dünne Jugendliche – Bewohner von Klöstern oder freundliche alte Männer, die Frieden und Ruhe in der Natur finden. Gemälde, die dem Schicksal einer russischen Frau gewidmet sind („Auf den Bergen“, 1896, Museum für Russische Kunst, Kiew; „Große Tonsur“, Staatliches Russisches Museum) sind von tiefer Anteilnahme erfüllt.

Aus dieser Zeit stammt das Werk des Landschaftsmalers und Tiermalers Alexei Stepanovich Stepanov (). Der Künstler liebte Tiere aufrichtig und verfügte nicht nur über ein tadelloses Wissen Aussehen, sondern auch der Charakter jedes Tieres, seine Fähigkeiten und Gewohnheiten sowie Spezielle Features verschiedene Arten der Jagd. Beste Bilder Künstler, der sich der russischen Natur verschrieben hat und von Lyrik und Poesie durchdrungen ist – „Die Kraniche fliegen“ (1891), „Elch“ (1889; beide in der Staatlichen Tretjakow-Galerie), „Wölfe“ (1910, Privatsammlung, Moskau).

Tief Lyrik Auch die Kunst von Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov ist durchdrungen (). Seine Bilder nachdenklicher Frauen – Bewohner alter Herrenhausparks – und alle seine harmonischen, musikalischen Gemälde („Reservoir“, 1902, Tretjakow-Galerie) sind wunderschön und poetisch.

In den 80er und 90er Jahren des 19. Jahrhunderts entstand das Werk der herausragenden russischen Künstler Konstantin Alekseevich Korovin (), Valentin Aleksandrovich Serov und Mikhail Aleksandrovich Vrubel. Ihre Kunst spiegelte die künstlerischen Errungenschaften der Zeit am besten wider.

Korovin öffnete sich ebenso strahlend wie in Staffelei-Malerei, hauptsächlich in der Landschaft sowie in der Theater- und Dekorationskunst. Der Charme von Korovins Kunst liegt in ihrer Wärme, ihrem Sonnenschein, in der Fähigkeit des Meisters, seine künstlerischen Eindrücke direkt und lebendig zu vermitteln, in der Großzügigkeit seiner Palette, im Farbreichtum seiner Malerei („Auf dem Balkon“; „Im Winter“ , 1894-; beide in der Tretjakow-Galerie).

Ganz am Ende der 1890er Jahre wurde in Russland eine neue Kunstgesellschaft namens „World of Art“ unter der Leitung von und gegründet, die großen Einfluss auf das künstlerische Leben des Landes hatte. Sein Hauptkern sind Künstler, E. E. Lanceray, Lebedeva. Die Aktivitäten dieser Gruppe waren sehr vielfältig. Die Künstler leisteten aktive kreative Arbeit, gaben das Kunstmagazin „World of Art“ heraus und organisierten interessante Kunstausstellungen unter Beteiligung vieler herausragende Meister. Miriskusniki, wie die Künstler der „Welt der Kunst“ genannt wurden, wollte ihren Zuschauern und Lesern die Errungenschaften der nationalen und internationalen Kunst näherbringen. Ihre Aktivitäten trugen zur weiten Verbreitung der künstlerischen Kultur in der russischen Gesellschaft bei. Aber gleichzeitig hatte es auch seine Nachteile. Die Studenten der „World of Art“ suchten im Leben nur nach Schönheit und sahen die Erfüllung der Künstlerideale nur im ewigen Charme der Kunst. Ihrer Arbeit mangelte es an Kampfgeist und soziale Analyse, charakteristisch für die Wanderers, unter deren Banner die fortschrittlichsten und revolutionärsten Künstler marschierten.

Alexander Nikolaevich Benois () gilt zu Recht als Ideologe der „Welt der Kunst“. Er war ein umfassend gebildeter Mann und verfügte über große Kenntnisse auf dem Gebiet der Kunst. Er beschäftigte sich hauptsächlich mit Grafik und arbeitete viel für das Theater. Wie seine Kameraden entwickelte Benoit in seinem Werk Themen aus vergangenen Epochen. Er war der Dichter von Versailles, seine kreative Fantasie entfachte, als er immer wieder die Parks und Paläste der St. Petersburger Vororte besuchte. In seinen historischen Kompositionen, bevölkert von kleinen, scheinbar leblosen Menschenfiguren, reproduzierte er sorgfältig und liebevoll Kunstdenkmäler und einzelne Details des Alltags („Parade unter Peter1“, 1907, Russisches Russisches Museum).

Ein prominenter Vertreter der „Welt der Kunst“ war Konstantin Andrejewitsch Somow (). Er wurde weithin als Meister romantischer Landschaften und galanter Szenen bekannt. Seine üblichen Helden sind Damen mit hohen, gepuderten Perücken und flauschigen Krinolinen, als kämen sie aus alten Zeiten, und kultivierte, träge Herren in Satinhemden. Somov beherrschte das Zeichnen ausgezeichnet. Dies galt insbesondere für seine Porträts. Der Künstler schuf eine Galerie mit Porträts von Vertretern der künstlerischen Intelligenz, darunter Dichter und (1907, 1909; beide in der Tretjakow-Galerie).

IN künstlerisches Leben In Russland spielte zu Beginn des Jahrhunderts auch die Künstlergruppe „Union russischer Künstler“ eine bedeutende Rolle. Darunter waren die Künstler L. V. Turzhansky und andere. Das Hauptgenre im Werk dieser Künstler war die Landschaft. Sie waren die Nachfolger der Landschaftsmalerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts.

3. Architektur: Moderne und Neoklassizismus.

Architektur als Kunstform ist am stärksten von sozioökonomischen Beziehungen abhängig. Daher kam es in Russland unter den Bedingungen der monopolistischen Entwicklung des Kapitalismus zu einer Konzentration akuter Widersprüche, die zur spontanen Entwicklung von Städten führte, die die Stadtplanung beschädigte und veränderte große Städte in Monster der Zivilisation.

Hohe Gebäude drehten sich Innenhöfe in schlecht beleuchteten und belüfteten Brunnen. Das Grün wurde aus der Stadt verdrängt. Das Missverhältnis zwischen der Größe von Neubauten und Altbauten hat einen grimassenartigen Charakter angenommen. Gleichzeitig entstanden industrielle Architekturstrukturen – Fabriken, Fabriken, Bahnhöfe, Spielhallen, Banken, Kinos. Bei ihrem Bau kamen modernste Planungs- und Designlösungen zum Einsatz, aktiv wurden Stahlbeton- und Metallkonstruktionen eingesetzt, die es ermöglichten, Räume zu schaffen, in denen sich gleichzeitig große Menschenmassen aufhalten.

Wie sieht es derzeit mit Stilen aus?! Vor einem retrospektiv-elektrisierenden Hintergrund entstanden neue Trends – Modernismus und Neoklassizismus. Die ersten Erscheinungsformen des Jugendstils gehen auf das letzte Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts zurück, der Neoklassizismus entstand in den 1900er Jahren.

Der Jugendstil in Russland unterscheidet sich nicht grundsätzlich von der westlichen Kunst. Es gab jedoch eine klare Tendenz, Moderne mit historischen Stilen zu vermischen: Renaissance, Barock, Rokoko sowie altrussische Architekturformen (Jaroslawski-Bahnhof in Moskau). Variationen des skandinavischen Jugendstils waren in St. Petersburg weit verbreitet.

In Moskau war der Architekt Fjodor Osipowitsch Schech der Hauptvertreter des Jugendstils; er baute das Gebäude des Moskauer Kunsttheaters und das Rjabuschinski-Herrenhaus () – Werke, die am typischsten für den reinen Jugendstil sind. Sein Bahnhof Jaroslawl ist ein Beispiel stilistisch gemischter Architektur. Im Ryabushinsky-Herrenhaus weicht der Architekt von traditionellen vorgegebenen Bauplänen ab und nutzt das Prinzip der freien Asymmetrie. Jede der Fassaden ist unterschiedlich gestaltet. Das Gebäude ist in der freien Volumenentwicklung gehalten und gleicht mit seinen Vorsprüngen einer wurzelnden Pflanze, dies entspricht dem Prinzip des Jugendstils – geben architektonisches Gebäude organische Form. Andererseits ist das Herrenhaus recht monolithisch und entspricht dem Grundsatz eines bürgerlichen Zuhauses: „Mein Zuhause ist meine Festung.“

Die verschiedenen Fassaden werden durch einen breiten Mosaikfries mit einem stilisierten Bild von Schwertlilien vereint ( Blumenornament charakteristisch für den Jugendstil). Buntglasfenster sind charakteristisch für den Jugendstil. Sie und die Gestaltung des Gebäudes werden von skurrilen Linienführungen dominiert. Im Inneren des Gebäudes finden diese Motive ihren Höhepunkt. Möbel und Dekoration wurden nach Shekhtels Entwürfen angefertigt. Der Wechsel von dunklen und hellen Räumen, die Fülle an Materialien, die ein bizarres Lichtreflexionsspiel erzeugen (Marmor, Glas, poliertes Holz), das farbige Licht von Buntglasfenstern, die asymmetrische Anordnung von Türen, die die Richtung des Lichtflusses ändern - all das verwandelt die Realität in eine romantische Welt.

Als sich Shekhtels Stil entwickelte, traten rationalistische Tendenzen auf. Einkaufszentrum Die Moskauer Handelsgesellschaft in der Malo Cherkassky Lane (1909), das Gebäude der Druckerei „Morning of Russia“ (1907) kann als vorkonstruktivistisch bezeichnet werden. Der Haupteffekt sind die verglasten Flächen der riesigen Fenster, abgerundete Ecken, die dem Gebäude Plastizität verleihen.

Die bedeutendsten Meister des Jugendstils in St. Petersburg waren (, Astoria Hotel. Azov-Don Bank) (Gebäude der Firma Mertex am Newski-Prospekt).

Der Neoklassizismus war ein rein russisches Phänomen und war 1910 in St. Petersburg am weitesten verbreitet. Ziel dieser Richtung war es, die Traditionen des russischen Klassizismus von Kasakow, Woronikhin, Sacharow, Rossi, Stasow, Gilardi der zweiten Hälfte des 18. und des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts wiederzubeleben. Die Führer des Neoklassizismus waren (Herrenhaus auf der Kamenny-Insel in St. Petersburg) V. Shuko (Wohngebäude), A. Tamanyan, I. Zholtovsky (Herrenhaus in Moskau). Sie schufen viele herausragende Bauwerke, die sich durch harmonische Kompositionen und exquisite Details auszeichnen. Das Werk von Alexander Viktorovich Shchusev () verschmilzt mit dem Neoklassizismus. Aber er wandte sich dem jahrhundertealten Erbe der nationalen russischen Architektur zu (manchmal wird dieser Stil auch als neorussischer Stil bezeichnet). Shchusev baute das Marfa-Mariinskaya-Kloster und den Kasaner Bahnhof in Moskau. Trotz all seiner Vorzüge war der Neoklassizismus eine besondere Spielart in der höchsten Form des Retrospektivismus.

Trotz der Qualität architektonische Strukturen Zu dieser Zeit ist anzumerken, dass sich die russische Architektur und Innenarchitektur nicht vom Hauptlaster des Eklektizismus, einem besonderen, befreien konnte neuer Weg Es wurde keine Entwicklung festgestellt.

Die genannten Richtungen wurden nach der Oktoberrevolution mehr oder weniger weiterentwickelt.

4. Skulptur: Suche nach einem neuen Helden.

Die Entwicklungswege der russischen Skulptur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts wurden maßgeblich durch ihre Verbindungen zur Kunst der Wanderer bestimmt. Genau das erklärt seine Demokratie und seinen Inhalt.

Bildhauer beteiligen sich aktiv an der Suche nach einem neuen, modernen Helden. Die Materialien werden immer vielfältiger: Es werden nicht nur wie bisher Marmor und Bronze verwendet, sondern auch Stein, Holz, Majolika und sogar Ton. Es wird versucht, Farbe in die Skulptur einzuführen. Zu dieser Zeit arbeitet eine brillante Galaxie von Bildhauern.

Die Kunst von Anna Semyonovna Golubkina () trägt den Stempel ihrer Zeit. Es ist betont spirituell und stets zutiefst und konsequent demokratisch. Golubkina ist eine überzeugte Revolutionärin. Ihre Skulpturen „Sklave“ (1905, Tretjakow-Galerie), „Walking“ (1903, Staatliches Russisches Museum) und das Porträt von Karl Marx (1905, Tretjakow-Galerie) sind eine natürliche Reaktion auf die fortschrittlichen Ideen unserer Zeit. Golubkina ist eine große Meisterin der psychologischen skulpturalen Porträtmalerei. Und hier bleibt sie sich selbst treu und arbeitet mit der gleichen kreativen Begeisterung an Porträts sowohl des großen Schriftstellers („Lew Tolstoi“, 1927, Staatliches Russisches Museum) als auch einer einfachen Frau („Marja“, 1905, Tretjakow-Galerie).

Das skulpturale Werk von Sergei Timofeevich Konenkov () zeichnet sich durch seinen besonderen Reichtum und seine Vielfalt an Stil- und Genreformen aus.

Sein Werk „Samson Breaking the Bonds“ (1902) ist von den gigantischen Bildern Michelangelos inspiriert. „Der militante Arbeiter von 1905, Ivan Churkin“ (1906) ist die Verkörperung eines unzerstörbaren Willens, gemildert im Feuer der Klassenkämpfe.

Nach einer Reise nach Griechenland im Jahr 1912 begann er sich wie V. Serov für den antiken Archaismus zu interessieren. Bilder der heidnischen antiken griechischen Mythologie sind mit Bildern der antiken slawischen Mythologie verflochten. Abramtsevos Vorstellungen von Folklore wurden auch in Werken wie „Velikosil“, „Stribog“, „Starichek“ und anderen verkörpert. „Die Bettlerbrüder“ (1917) wurden als ein Ding der Vergangenheit wahrgenommen. Die aus Holz geschnitzten Figuren zweier armer, elender Wanderer, gebeugt, knorrig, in Lumpen gehüllt, sind realistisch und phantastisch zugleich.

Die Traditionen der klassischen Bildhauerei wurden von Ivan Timofeevich Matveev (), einem Schüler von Trubetskoy an der Moskauer Schule, wiederbelebt. In den Motiven der Aktfigur entwickelte er ein Minimum an plastischen Grundthemen. Die plastischen Prinzipien der Matveevsky-Skulptur kommen am deutlichsten in den Bildern junger Männer und Jungen zum Ausdruck („Sitting Boy“, 1909, „Sleeping Boys“, 1907, „Young Man“, 1911 und eine Reihe von Statuen, die für einen von ihnen bestimmt waren Parkensembles auf der Krim). Matveevs antike leichte Kurven der Jungenfiguren werden mit einer spezifischen Präzision der Posen und Bewegungen kombiniert, die an die Gemälde von Borisov-Musatov erinnern. Matveev verkörperte in seinen Werken den modernen Durst nach Harmonie in modernen künstlerischen Formen.

5. Symbolik in der Literatur der Jahrhundertwende.

„SYMBOLISMUS“ ist eine Bewegung in der europäischen und russischen Kunst, die um die Wende des 20. Jahrhunderts entstand und sich hauptsächlich auf Folgendes konzentriert künstlerischer Ausdruck durch SYMBOL„Dinge an sich“ und Ideen, die jenseits der Sinneswahrnehmung liegen. Ich versuche durchzubrechen sichtbare Realität gegenüber „verborgenen Realitäten“, dem überzeitlichen idealen Wesen der Welt, ihrer „unvergänglichen“ Schönheit, drückten die Symbolisten eine Sehnsucht nach spiritueller Freiheit, eine tragische Vorahnung der sozio-historischen Veränderungen der Welt, Vertrauen in uralte kulturelle Werte aus als verbindendes Prinzip.

Die Kultur des russischen Symbolismus sowie der Denkstil der Dichter und Schriftsteller, die diese Richtung prägten, entstanden und entwickelten sich an der Schnittstelle und gegenseitigen Ergänzung äußerlich gegensätzlicher, aber tatsächlich fest verbundener und sich gegenseitig erklärender philosophischer und philosophischer Linien ästhetische Einstellung zur Realität. Es war ein Gefühl der beispiellosen Neuheit von allem, was die Jahrhundertwende mit sich brachte, begleitet von einem Gefühl der Unruhe und Instabilität.

Die symbolische Poesie formierte sich zunächst als romantische und individualistische Poesie, die sich von der Polyphonie der „Straße“ löste und sich in die Welt persönlicher Erfahrungen und Eindrücke zurückzog.

Diese Wahrheiten und Kriterien, die in entdeckt und formuliert wurden 19. Jahrhundert, nun waren sie nicht mehr zufrieden. Es brauchte ein neues Konzept, das der neuen Zeit entspricht. Wir müssen den Symbolisten Tribut zollen – sie schlossen sich keinem der im 19. Jahrhundert geschaffenen Stereotypen an. Nekrasov lag ihnen am Herzen, wie Puschkin, Fet – wie Nekrasov. Und hier geht es nicht um die Unleserlichkeit und Allesfresserschaft der Symbolisten. Es geht um die Breite der Ansichten und vor allem um das Verständnis, dass jede große Persönlichkeit in der Kunst das Recht auf eine eigene Sicht auf die Welt und die Kunst hat. Was auch immer die Ansichten ihres Schöpfers sein mögen, die Bedeutung der Kunstwerke selbst verliert nichts. Das Wichtigste, was die Künstler der symbolischen Bewegung nicht akzeptieren konnten, war Selbstgefälligkeit und Ruhe, das Fehlen von Ehrfurcht und Brennen.

Mit einer solchen Haltung gegenüber dem Künstler und seinem Schaffen war auch die Einsicht verbunden, dass wir jetzt, in diesem Moment, am Ende der 90er Jahre des 19. Jahrhunderts, in eine neue – beunruhigende und unruhige Welt eintreten. Der Künstler muss sowohl von dieser Neuheit als auch von dieser Unordnung durchdrungen sein, seine Kreativität damit durchdringen und sich letztendlich der Zeit opfern, den Ereignissen, die noch nicht sichtbar, aber so unvermeidlich sind wie die Bewegung der Zeit.

„Der Symbolismus selbst war nie eine Kunstschule“, schrieb A. Bely, „aber er war eine Tendenz zu einer neuen Weltanschauung, die die Kunst auf ihre eigene Weise brach ... Und wir betrachteten neue Kunstformen nicht als eine Veränderung der Formen.“ allein, aber als deutliches Zeichen verändert sich die innere Wahrnehmung der Welt.“

Im Jahr 1900 hielt K. Balmont in Paris einen Vortrag, dem er den demonstrativen Titel gab: „Elementare Worte über symbolische Poesie“. Balmont glaubt, dass die Lücke bereits gefüllt ist – eine neue Richtung zeichnet sich ab: symbolische Poesie, was ein Zeichen der Zeit ist. Von einem „Geist der Verwüstung“ muss von nun an nicht mehr gesprochen werden. In seinem Bericht versuchte Balmont, den Zustand der modernen Poesie so umfassend wie möglich zu beschreiben. Er spricht von Realismus und Symbolismus als völlig gleichwertigen Formen der Weltanschauung. Gleich, aber im Wesentlichen unterschiedlich. Dabei handele es sich, sagt er, um zwei „verschiedene Systeme“. künstlerische Wahrnehmung" „Realisten werden wie eine Brandung vom konkreten Leben erfasst, hinter dem sie nichts sehen, losgelöst von der realen Realität, sehen darin nur ihren Traum, sie schauen aus dem Fenster auf das Leben.“ So wird der Weg des symbolistischen Künstlers umrissen: „von unmittelbaren Bildern, schön in ihrer eigenständigen Existenz, zu der in ihnen verborgenen spirituellen Idealität, die ihnen doppelte Kraft verleiht.“

Diese Kunstauffassung erforderte eine entscheidende Umstrukturierung von allem. künstlerisches Denken. Sie basierte nun nicht mehr auf realen Entsprechungen von Phänomenen, sondern auf assoziativen Entsprechungen, und die objektive Bedeutung von Assoziationen wurde keineswegs als obligatorisch angesehen. A. Bely schrieb: „Ein charakteristisches Merkmal der Symbolik in der Kunst ist der Wunsch, das Bild der Realität als Mittel zur Vermittlung des erlebten Bewusstseinsinhalts zu nutzen.“ Die Abhängigkeit der Bilder der Sichtbarkeit von den Bedingungen des wahrnehmenden Bewusstseins verlagert den Schwerpunkt in der Kunst vom Bild auf die Methode seiner Wahrnehmung... Ein Bild als Modell des erlebten Bewusstseinsinhalts ist ein Symbol. Die Methode, Erfahrungen mit Bildern zu symbolisieren, ist Symbolik.“

So tritt die poetische Allegorie als Haupttechnik der Kreativität in den Vordergrund, wenn ein Wort, ohne seine gewohnte Bedeutung zu verlieren, zusätzliche potentielle, mehrdeutige Bedeutungen erhält, die sein wahres „Wesen“ der Bedeutung offenbaren.

Die Umwandlung eines künstlerischen Bildes in ein „Modell des erlebten Bewusstseinsinhalts“, also in ein Symbol, erforderte eine Verlagerung der Aufmerksamkeit des Lesers vom Ausgedrückten auf das Angedeutete. Das künstlerische Bild erwies sich zugleich als allegorisches Bild.

Gerade der Appell an implizite Bedeutungen und die imaginäre Welt, die bei der Suche nach idealen Ausdrucksmitteln Halt boten, hatte eine gewisse Anziehungskraft. Dies diente später als Grundlage für die Annäherung zwischen den symbolistischen Dichtern und Vl. Solovyov, der einigen von ihnen als Suchender nach neuen Wegen der spirituellen Transformation des Lebens erschien. Da die Dichter des Symbolismus den Beginn von Ereignissen von historischer Bedeutung vorhersahen, das Wirken der verborgenen Kräfte der Geschichte spürten und ihnen keine Interpretation geben konnten, waren sie mystisch-eschatologischen* Theorien ausgeliefert. Zu diesem Zeitpunkt fand ihr Treffen mit Vl statt. Solowjew.

Natürlich basierte die Symbolik auf der Erfahrung der dekadenten Kunst der 80er Jahre, aber es handelte sich um ein qualitativ anderes Phänomen. Und es fiel nicht in allem mit Dekadenz zusammen.

Entstanden in den 90er Jahren im Zeichen der Suche nach neuen Mitteln der poetischen Darstellung, fand die Symbolik zu Beginn des neuen Jahrhunderts ihre Grundlage in vagen Erwartungen an bevorstehende historische Veränderungen. Der Erwerb dieses Bodens diente als Grundlage für seine weitere Existenz und Entwicklung, allerdings in eine andere Richtung. Die Poesie des Symbolismus blieb inhaltlich grundsätzlich und betont individualistisch, erhielt jedoch eine Problematik, die nun auf der Wahrnehmung einer bestimmten Epoche beruhte. Basierend auf ängstlicher Vorfreude kommt es nun zu einer Intensivierung der Wahrnehmung der Realität, die in Form gewisser geheimnisvoller und alarmierender „Zeichen der Zeit“ in das Bewusstsein und die Kreativität der Dichter eindrang. Ein solches „Zeichen“ könnte jedes Phänomen, jede historische oder rein alltägliche Tatsache sein („Zeichen“ der Natur – Sonnenauf- und -untergänge; verschiedene Arten von Begegnungen, die gegeben wurden mystische Bedeutung; „Zeichen“ Geisteszustand- Doppelt; „Zeichen“ der Geschichte – Skythen, Hunnen, Mongolen, allgemeine Zerstörung; Die „Zeichen“ der Bibel, die eine besonders wichtige Rolle spielten, waren Christus, die neue Wiedergeburt, weiße Farbe als Symbol für die reinigende Natur zukünftiger Veränderungen usw.). Es wurde gemeistert und kulturelles Erbe der Vergangenheit. Daraus wurden Fakten ausgewählt, die „prophetischen“ Charakter haben könnten. Diese Fakten wurden sowohl in schriftlichen als auch in mündlichen Präsentationen häufig verwendet.

Aufgrund ihrer Natur interne Verbindungen Die Poesie des Symbolismus entwickelte sich damals in Richtung einer immer tieferen Transformation unmittelbarer Lebenseindrücke, ihres geheimnisvollen Verständnisses, dessen Ziel nicht darin bestand, reale Zusammenhänge und Abhängigkeiten herzustellen, sondern den „verborgenen“ Sinn der Dinge zu begreifen. Dieses Merkmal war die Grundlage kreative Methode Dichter des Symbolismus, ihre Poetik, wenn wir diese Kategorien bedingt und allgemein für die gesamte Bewegung nehmen.

Das 20. Jahrhundert war eine Zeit der Blüte, Erneuerung und Vertiefung symbolistischer Lyrik. Keine andere Bewegung in der Poesie konnte in diesen Jahren mit der Symbolik konkurrieren, weder hinsichtlich der Anzahl der veröffentlichten Sammlungen noch hinsichtlich ihres Einflusses auf das Lesepublikum.

Der Symbolismus war ein heterogenes Phänomen, das in seinen Reihen Dichter vereinte, die die widersprüchlichsten Ansichten vertraten. Einige von ihnen erkannten sehr bald die Sinnlosigkeit des poetischen Subjektivismus, während andere Zeit brauchten. Einige von ihnen hatten eine Leidenschaft für die geheime „esoterische“ * Sprache, andere mieden sie. Die Schule der russischen Symbolisten war im Wesentlichen eine ziemlich bunte Vereinigung, zumal sie in der Regel hochbegabte Menschen mit einer hellen Individualität umfasste.

Kurz über die Menschen, die an den Ursprüngen des Symbolismus standen, und über die Dichter, in deren Werk diese Richtung am deutlichsten zum Ausdruck kommt.

Einige der Symbolisten, wie Nikolai Minsky, Dmitry Merezhkovsky, begannen ihre kreative Karriere als Vertreter der bürgerlichen Poesie und begannen sich dann auf die Ideen der „Gottesbildung“ und der „Religionsgemeinschaft“ zu konzentrieren. Nach 1884 wurde N. Minsky von der populistischen Ideologie desillusioniert und wurde Theoretiker und Praktiker der dekadenten Poesie, ein Prediger der Ideen Nietzsches und des Individualismus. Während der Revolution von 1905 tauchten in Minskys Gedichten erneut bürgerliche Motive auf. Im Jahr 1905 veröffentlichte N. Minsky die Zeitung „Neues Leben“, die zum Rechtsorgan der Bolschewiki wurde. Merezhkovsky „Über die Ursachen des Niedergangs und neue Tendenzen in der modernen russischen Literatur“ (1893) war eine ästhetische Erklärung der russischen Dekadenz. In seinen Romanen und Theaterstücken, die auf historischem Material basieren und das Konzept des Neo-Christentums entwickeln, versuchte Merezhkovsky zu verstehen Weltgeschichte als den ewigen Kampf zwischen der „Religion des Geistes“ und der „Religion des Fleisches“. Merezhkovsky ist Autor der Studie „L. Tolstoi und Dostojewski“ (1901-02), das bei den Zeitgenossen großes Interesse erregte.

Andere – zum Beispiel Valery Bryusov, Konstantin Balmont (sie wurden manchmal auch „ältere Symbolisten“ genannt) – betrachteten den Symbolismus als eine neue Stufe in der fortschreitenden Entwicklung der Kunst, die den Realismus ersetzte, und gingen weitgehend vom Konzept der „Kunst um der Kunst willen“ aus .“ Bryusov zeichnet sich durch historische und kulturelle Themen, Rationalismus, Vollständigkeit der Bilder und deklamatorische Struktur aus. In den Gedichten von K. Balmont - der Kult des Selbst, das Spiel der Flüchtigkeit, der Gegensatz zum „Eisernen Zeitalter“ des ursprünglich ganzheitlichen „Sonnen“-Prinzips; Musikalität.

Und schließlich waren die dritten – die sogenannten „jüngeren“ Symbolisten (Alexander Blok, Andrei Bely, Vyacheslav Ivanov) – Anhänger eines philosophischen und religiösen Weltverständnisses im Geiste der Lehren des Philosophen Vl. Solovyova. Wenn es in A. Bloks erster Gedichtsammlung „Gedichte über eine schöne Dame“ (1903) oft ekstatische* Lieder gibt, die der Dichter an seine schöne Dame richtete, dann bewegt sich Blok bereits in der Sammlung „Unerwartete Freude“ (1907) eindeutig in Richtung Realismus Im Vorwort zur Sammlung erklärte er: „Unerwartete Freude“ ist mein Bild der kommenden Welt.“ A. Belys frühe Poesie ist geprägt von mystischen Motiven, einer grotesken Realitätswahrnehmung („Symphonien“) und formalen Experimenten. Poesie Vyach. Ivanova konzentriert sich auf kulturelle und philosophische Fragen der Antike und des Mittelalters; Der Begriff der Kreativität ist religiös und ästhetisch.

Symbolisten stritten ständig miteinander und versuchten die Richtigkeit ihrer diesbezüglichen Urteile zu beweisen literarische Leitung. Daher betrachtete V. Bryusov es als Mittel zur Schaffung einer grundlegend neuen Kunst; K. Balmont sah darin einen Weg, die verborgenen, ungelösten Tiefen der menschlichen Seele zu verstehen; Vyach. Ivanov glaubte, dass die Symbolik dazu beitragen würde, die Kluft zwischen dem Künstler und dem Volk zu überbrücken, und A. Bely war überzeugt, dass dies die Grundlage für die Schaffung neuer Kunst sei, die die menschliche Persönlichkeit verändern könne.

Alexander Blok nimmt zu Recht einen der führenden Plätze in der russischen Literatur ein. Blok ist ein Weltklasse-Texter. Sein Beitrag zur russischen Poesie ist ungewöhnlich reichhaltig. Das lyrische Bild Russlands, ein leidenschaftliches Geständnis über helle und tragische Liebe, die majestätischen Rhythmen der italienischen Poesie, das durchdringend umrissene Gesicht von St. Petersburg, die „tränenüberströmte Schönheit“ der Dörfer – all dies hat Blok mit der Breite und Durchdringung einbezogen von Genialität in seiner Arbeit.

Bloks erstes Buch, „Poems about a Beautiful Lady“, wurde 1904 veröffentlicht. Bloks Texte aus dieser Zeit sind in betenden und mystischen Tönen gehalten: Die reale Welt darin wird einer gespenstischen, „jenseitigen“ Welt gegenübergestellt, die nur in geheimen Zeichen und Offenbarungen verstanden wird. Der Dichter wurde stark von den Lehren Vl. beeinflusst. Solovyov über das „Ende der Welt“ und die „Weltseele“. In der russischen Poesie nahm Blok seinen Platz als prominenter Vertreter des Symbolismus ein, obwohl sein weiteres Werk alle symbolischen Rahmen und Kanons überforderte.

In seiner zweiten Gedichtsammlung „Unerwartete Freude“ (1906) entdeckte der Dichter neue Wege für sich, die in seinem ersten Buch nur skizziert wurden.

Andrei Bely versuchte, den Grund für den scharfen Wandel in der Muse des Dichters zu ergründen, der gerade „in schwer fassbaren und zarten Zeilen“ „die Annäherung an den ewig weiblichen Beginn des Lebens“ zu besingen schien. Er sah es in Bloks Nähe zur Natur, zur Erde: „Unerwartete Freude“ drückt das Wesen von A. Blok tiefer aus ... Die zweite Sammlung von Bloks Gedichten ist interessanter und großartiger als die erste. Wie erstaunlich sich hier der subtilste Dämonismus mit der einfachen Traurigkeit der armen russischen Natur verbindet, die immer dieselbe ist, immer in Schauern schluchzt und uns immer mit dem Grinsen der Schluchten unter Tränen erschreckt ... Die russische Natur ist schrecklich, unbeschreiblich. Und Blok versteht sie wie kein anderer ...“

Die dritte Sammlung, „Erde im Schnee“ (1908), wurde von Kritikern mit Feindseligkeit aufgenommen. Kritiker wollten oder konnten die Logik von Bloks neuem Buch nicht verstehen.

Die vierte Sammlung, „Night Hours“, erschien 1911 in einer sehr bescheidenen Auflage. Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung überkam Blok zunehmend ein Gefühl der Entfremdung von der Literatur und er veröffentlichte bis 1916 keinen einzigen Gedichtband.

Zwischen A. Blok und A. Bely entwickelte sich eine schwierige und verwirrende Beziehung, die fast zwei Jahrzehnte dauerte.

Bely war von Bloks ersten Gedichten sehr beeindruckt: „Um die Eindrücke dieser Gedichte zu verstehen, muss man sich diese Zeit klar vorstellen: Für uns, die wir die Zeichen der Morgendämmerung beachteten, die auf uns schien, klang die ganze Luft wie die Zeilen von A.A. ; und es schien, dass Blok nur das aufschrieb, was die Luft seinem Bewusstsein sagte; Er hat die roségoldene und angespannte Atmosphäre dieser Ära mit Worten wirklich unter Beschuss genommen.“ Bely half bei der Veröffentlichung von Bloks erstem Buch (unter Umgehung der Moskauer Zensur). Im Gegenzug unterstützte Blok Bely. So spielte er eine entscheidende Rolle bei der Entstehung von Belyjs Hauptroman „Petersburg“ und lobte öffentlich sowohl „Petersburg“ als auch „Silberne Taube“.

Gleichzeitig erreichten ihre Beziehungen und ihre Korrespondenz den Punkt der Feindseligkeit; Ständige Vorwürfe und Anschuldigungen, Anfeindungen, sarkastische Sticheleien und aufgezwungene Diskussionen vergifteten das Leben beider.

Doch trotz aller Komplexität und Komplexität kreativer und persönlicher Beziehungen respektierten, liebten und schätzten beide Dichter weiterhin die Kreativität und Persönlichkeit des anderen, was Belys Rede zum Tod von Blok erneut bestätigte.

Nach den revolutionären Ereignissen von 1905 verschärften sich die Widersprüche in den Reihen der Symbolisten noch mehr, was diese Bewegung schließlich in die Krise führte.

Es ist jedoch anzumerken, dass russische Symbolisten einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der russischen Kultur leisteten. Die talentiertesten von ihnen spiegelten auf ihre Weise die Tragödie der Situation eines Menschen wider, der in einer von grandiosen sozialen Konflikten erschütterten Welt seinen Platz nicht finden konnte und versuchte, neue Wege für ein künstlerisches Verständnis der Welt zu finden. Sie machten bedeutende Entdeckungen auf dem Gebiet der Poetik, der rhythmischen Neuordnung der Verse und der Stärkung des darin enthaltenen musikalischen Prinzips.

6. Andere Trends in der Literatur.

„Die postsymbolistische Poesie verwarf die „übersinnlichen“ Bedeutungen des Symbolismus, aber die erhöhte Fähigkeit des Wortes, unbenannte Ideen hervorzurufen und das Fehlende durch Assoziationen zu ersetzen, blieb bestehen. Im symbolistischen Erbe erwies sich intensive Assoziativität als am praktikabelsten.“

Zu Beginn des zweiten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts entstanden zwei neue poetische Bewegungen – Akmeismus und Futurismus.

Acmeisten (vom griechischen Wort „acme“ – Blütezeit, der höchste Grad von etwas) forderten die Befreiung der Poesie von der Philosophie und allen möglichen „methodischen“ Hobbys, von der Verwendung vager Andeutungen und Symbole und verkündeten eine Rückkehr zur materiellen Welt und die Akzeptanz dafür, wie sie ist: mit ihren Freuden, Lastern, ihrem Bösen und ihrer Ungerechtigkeit, die demonstrative Weigerung, soziale Probleme zu lösen und das Prinzip „Kunst um der Kunst willen“ zu bekräftigen. Die Arbeit so talentierter akmeistischer Dichter wie N. Gumilyov, S. Gorodetsky, A. Akhmatova, M. Kuzmin und O. Mandelstam ging jedoch über die von ihnen verkündeten theoretischen Prinzipien hinaus. Jeder von ihnen brachte seine eigenen, für ihn einzigartigen Motive und Stimmungen, seine eigenen poetischen Bilder in die Poesie ein.

Die Futuristen vertraten unterschiedliche Ansichten zur Kunst im Allgemeinen und zur Poesie im Besonderen. Sie erklärten sich zu Gegnern der modernen bürgerlichen Gesellschaft, die das Individuum entstellt, und zu Verteidigern der „natürlichen“ Person, ihres Rechts auf Freiheit, individuelle Entwicklung. Aber diese Aussagen liefen oft auf eine abstrakte Erklärung des Individualismus und der Freiheit von moralischen und kulturellen Traditionen hinaus.

Im Gegensatz zu den Akmeisten, die sich zwar gegen die Symbolik stellten, sich aber gewissermaßen als deren Nachfolger betrachteten, verkündeten die Futuristen von Anfang an eine völlige Ablehnung jeglicher literarischen Traditionen und vor allem des klassischen Erbes und argumentierten, dies sei hoffnungslos veraltet. In ihren laut und kühn geschriebenen Manifesten verherrlichten sie neues Leben, sich unter dem Einfluss der Wissenschaft entwickelnd und technischer Fortschritt Sie lehnten alles ab, was „vorher“ war, und erklärten ihren Wunsch, die Welt neu zu gestalten, wozu aus ihrer Sicht die Poesie einen großen Beitrag leisten sollte. Futuristen versuchten, das Wort zu verdinglichen und seinen Klang direkt mit dem Objekt zu verbinden, das es bezeichnete. Dies hätte ihrer Meinung nach zur Rekonstruktion des Natürlichen und zur Schaffung eines neuen, weitreichenden führen sollen verfügbare Sprache, fähig, verbale Barrieren abzubauen, die Menschen trennen.

Der Futurismus vereinte verschiedene Gruppen, unter denen die berühmtesten waren: Kubofuturisten (V. Mayakovsky, V. Kamensky, D. Burliuk, V. Khlebnikov), Ego-Futuristen (I. Severyanin), die Zentrifugengruppe (N. Aseev, B. Pasternak usw.).

Unter den Bedingungen des revolutionären Aufschwungs und der Krise der Autokratie erwiesen sich Akmeismus und Futurismus als unrentabel und hörten Ende der 1910er Jahre auf zu existieren.

Unter den neuen Trends, die in dieser Zeit in der russischen Poesie aufkamen, nahm eine Gruppe sogenannter „Bauerndichter“ einen herausragenden Platz ein – N. Klyuev, A. Shiryaevets, S. Klychkov, P. Oreshin. S. Yesenin stand ihnen einige Zeit nahe, der anschließend einen unabhängigen und breiten kreativen Weg einschlug. Zeitgenossen sahen in ihnen Nuggets, die die Sorgen und Nöte der russischen Bauernschaft widerspiegelten. Sie einten auch die Gemeinsamkeit einiger poetischer Techniken und die weit verbreitete Verwendung religiöser Symbole und folkloristischer Motive.

Unter den Dichtern des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts gab es solche, deren Werk nicht in die damaligen Strömungen und Gruppen passte. Dies sind zum Beispiel I. Bunin, der die Traditionen der russischen klassischen Poesie fortführen wollte; I. Annensky, in gewisser Weise den Symbolisten nahe und zugleich weit von ihnen entfernt, sucht seinen Weg in einem riesigen poetischen Meer; Sasha Cherny, der sich selbst als „chronischen“ Satiriker bezeichnete, beherrschte die „antiästhetischen“ Mittel zur Aufdeckung von Spießertum und Spießertum auf brillante Weise; M. Tsvetaeva mit ihrer „poetischen Reaktionsfähigkeit auf den neuen Klang der Luft“.

Für Russen literarische Bewegungen Der Beginn des 20. Jahrhunderts war geprägt von einer Renaissance-Hinwendung zu Religion und Christentum. Russische Dichter konnten dem Ästhetizismus nicht widerstehen; sie versuchten auf unterschiedliche Weise, den Individualismus zu überwinden. Der erste in dieser Richtung war Merezhkovsky, dann begannen die führenden Vertreter der russischen Symbolik, Konziliarismus dem Individualismus, Mystik dem Ästhetizismus gegenüberzustellen. Vyach. Ivanov und A. Bely waren Theoretiker der mystisch gefärbten Symbolik. Es kam zu einer Annäherung an die aus Marxismus und Idealismus hervorgegangene Strömung.

Wjatscheslaw Iwanow war einer der Größten wundervolle Menschen dieser Zeit: der beste russische Hellenist, Dichter, gelehrte Philologe, Spezialist für griechische Religion, Denker, Theologe und Philosoph, Publizist. Seine „Umgebungen“ auf dem „Turm“ (wie Ivanovs Wohnung genannt wurde) wurden von den begabtesten und bemerkenswertesten Menschen dieser Zeit besucht: Dichter, Philosophen, Wissenschaftler, Künstler, Schauspieler und sogar Politiker. Die anspruchsvollsten Gespräche fanden zu literarischen, philosophischen, mystischen, okkulten, religiösen und auch gesellschaftlichen Themen aus der Perspektive des Kampfes der Weltanschauungen statt. Auf dem „Turm“ wurden die anspruchsvollen Gespräche der begabtesten Kulturelite geführt, und unten tobte die Revolution. Das waren zwei getrennte Welten.

Neben Strömungen in der Literatur entstanden auch neue Strömungen in der Philosophie. Die Suche nach Traditionen für das russische philosophische Denken begann bei den Slawophilen, Vl. Solowjow, Dostojewski. Im Merezhkovsky-Salon in St. Petersburg wurden religiöse und philosophische Treffen organisiert, an denen sowohl Vertreter der an Religionsangst erkrankten Literatur als auch Vertreter der traditionellen orthodoxen Kirchenhierarchie teilnahmen. So beschrieb N. Berdyaev diese Treffen: „V. Rozanovs Probleme überwogen. Von großer Bedeutung war auch V. Ternavtsev, ein Chiliast, der ein Buch über die Apokalypse schrieb. Wir sprachen über die Beziehung des Christentums zur Kultur. Im Mittelpunkt stand ein Thema über das Fleisch, über Sex... In der Atmosphäre des Merezhkovsky-Salons lag etwas Überpersönliches, das in der Luft lag, eine Art ungesunder Zauber, der wahrscheinlich in sektiererischen Kreisen, in Sekten vorkommt eines nicht rationalistischen und nicht evangelischen Typs. Die Merezhkovskys gaben immer vor, von einem bestimmten „Wir“ zu sprechen, und wollten Menschen, die mit ihnen in engem Kontakt standen, in dieses „Wir“ einbeziehen. D. Filosofov gehörte zu diesem „Wir“, und A. Bely hätte einmal beinahe dazugehört. Dieses „Wir“ nannten sie das Geheimnis der Drei. So sollte die neue Kirche des Heiligen Geistes Gestalt annehmen, in der das Geheimnis des Fleisches offenbart werden würde.“

In der Philosophie von Wassili Rosanow bedeuteten „Fleisch“ und „Sex“ eine Rückkehr zum Vorchristentum, zum Judentum und Heidentum. Seine religiöse Denkweise verband sich mit Kritik an der christlichen Askese, der Apotheose von Familie und Geschlecht, in deren Elementen Rozanov die Grundlage des Lebens sah. Sein Leben triumphiert nicht durch Auferstehung ewiges Leben, sondern durch Fortpflanzung, das heißt durch den Zerfall der Persönlichkeit in viele neugeborene Persönlichkeiten, in denen das Leben der Rasse weitergeht. Rozanov predigte die Religion der ewigen Geburt. Für ihn ist das Christentum eine Religion des Todes.

In Wladimir Solowjows Lehre vom Universum als „totaler Einheit“ ist der christliche Platonismus mit den Ideen des neuen europäischen Idealismus, insbesondere des naturwissenschaftlichen Evolutionismus und der unorthodoxen Mystik (der Lehre von der „Weltseele“ usw.), verflochten. Der Zusammenbruch des utopischen Ideals einer globalen Theokratie führte zu verstärkten eschatologischen Gefühlen (über die Endlichkeit der Welt und des Menschen). Vl. Solowjew hatte großen Einfluss auf die russische Religionsphilosophie und Symbolik.

Pavel Florensky entwickelte die Lehre von Sophia (der Weisheit Gottes) als Grundlage für die Sinnhaftigkeit und Integrität des Universums. Er war der Initiator einer neuen Art orthodoxer Theologie, nicht der scholastischen Theologie, sondern der experimentellen Theologie. Florensky war Platoniker und interpretierte Platon auf seine eigene Weise und wurde später Priester.

Sergej Bulgakow ist eine der Hauptfiguren der Religions- und Philosophischen Gesellschaft „im Gedenken an Wladimir Solowjow“. Vom juristischen Marxismus, den er mit dem Neukantianismus zu verbinden versuchte, wechselte er zur Religionsphilosophie, dann zur orthodoxen Theologie und wurde Priester.

Und natürlich ist Nikolai Berdyaev eine Persönlichkeit von Weltrang. Ein Mann, der jede Form von Dogmatismus zu kritisieren und zu überwinden suchte, wo immer sie auftauchte, ein christlicher Humanist, der sich selbst als „gläubigen Freidenker“ bezeichnete. Menschlich tragisches Schicksal, aus seiner Heimat vertrieben, und sein ganzes Leben lang schmerzte seine Seele nach ihr. Ein Mann, dessen Erbe bis vor kurzem auf der ganzen Welt untersucht wurde, jedoch nicht in Russland. Der große Philosoph, der auf die Rückkehr in seine Heimat wartet.

Lassen Sie uns näher auf zwei Bewegungen eingehen, die mit mystischen und religiösen Suchen verbunden sind.

„Eine Strömung war die orthodoxe Religionsphilosophie, die jedoch für das offizielle Kirchenleben nicht sehr akzeptabel war. Dies sind in erster Linie S. Bulgakov, P. Florensky und die Gruppe um sie herum. Eine weitere Bewegung war die religiöse Mystik und der Okkultismus. Bely, Vyach. Ivanov... und sogar A. Blok, obwohl er keiner Ideologie zugeneigt war, waren die Jugendlichen, die sich um den Musaget-Verlag gruppierten, Anthroposophen*. Eine Bewegung führte Sophia in das System des orthodoxen Dogmas ein. Eine andere Bewegung war von unlogischer Sophistik fasziniert. Die kosmische Verführung, die für die gesamte Ära charakteristisch war, war hier und dort vorhanden. Mit Ausnahme von S. Bulgakov standen Christus und das Evangelium für diese Bewegungen überhaupt nicht im Mittelpunkt. P. Florensky war trotz seines Wunsches, ultraorthodox zu sein, völlig der kosmischen Verführung verfallen. Die religiöse Wiederbelebung war christlich orientiert, christliche Themen wurden diskutiert und christliche Terminologie verwendet. Aber es gab ein starkes Element der heidnischen Wiederbelebung, der hellenische Geist war stärker als der biblische messianische Geist. Zu einem bestimmten Zeitpunkt gab es eine Mischung verschiedener spiritueller Bewegungen. Die Ära war synkretistisch, sie erinnerte an die Mysteriensuche und den Neuplatonismus der hellenistischen Ära und die deutsche Romantik des frühen 19. Jahrhunderts. Es gab keine wirkliche religiöse Erweckung, aber es gab spirituelle Spannung, religiöse Aufregung und Suche. Damit verbunden war ein neues Problem des religiösen Bewusstseins Strömungen des XIX Jahrhunderte (Khomyakov, Dostoevsky, Vl. Solovyov). Doch die offizielle Kirchlichkeit blieb bei diesem Thema außen vor. Es gab keine religiöse Reform in der Kirche.“

Ein Großteil des kreativen Aufschwungs dieser Zeit floss in die weitere Entwicklung der russischen Kultur ein und ist heute Eigentum aller russischen Kulturschaffenden. Aber dann war da noch der Rausch der Kreativität, des Neuen, der Spannung, des Kampfes, der Herausforderung.

Abschließend möchte ich mit den Worten von N. Berdyaev den ganzen Schrecken, die ganze Tragödie der Situation beschreiben, in der sich die Schöpfer der spirituellen Kultur, der Blüte der Nation, befanden. die besten Köpfe nicht nur Russland, sondern auch die Welt.

„Das Unglück der kulturellen Renaissance des frühen 20. Jahrhunderts bestand darin, dass darin die kulturelle Elite in einem kleinen Kreis isoliert und von den breiten gesellschaftlichen Strömungen der Zeit abgeschnitten war. Dies hatte fatale Folgen für den Charakter der russischen Revolution ... Die damaligen russischen Menschen lebten auf verschiedenen Etagen und sogar in verschiedenen Jahrhunderten. Die kulturelle Renaissance hatte keine breite gesellschaftliche Ausstrahlung.... Viele Anhänger und Vertreter der kulturellen Renaissance blieben Linke, sympathisierten mit der Revolution, aber es gab eine Abkühlung gegenüber sozialen Fragen, es gab eine Versenkung in neue Probleme einer philosophischen, ästhetische, religiöse, mystische Natur, die den Menschen fremd blieb und sich aktiv an der sozialen Bewegung beteiligte. Die Intelligenz beging einen Selbstmordakt. In Russland bildeten sich vor der Revolution sozusagen zwei Rassen. Und die Schuld lag auf beiden Seiten, nämlich bei den Figuren der Renaissance, in ihrer sozialen und moralischen Gleichgültigkeit ...

Ein für die russische Geschichte charakteristisches Schisma, ein Schisma, das im Laufe des 19 in weiten Kreisen, populär und intellektuell, führte dazu, dass die russische kulturelle Renaissance in diesen beginnenden Abgrund stürzte. Die Revolution begann, diese kulturelle Renaissance zu zerstören und die Kulturschaffenden zu verfolgen... Arbeiter der russischen spirituellen Kultur waren größtenteils gezwungen, ins Ausland zu ziehen. Teilweise war dies eine Vergeltung für die soziale Gleichgültigkeit der Schöpfer spiritueller Kultur.“

7. Musik: Prioritäten ändern.

Das späte 19. und frühe 20. Jahrhundert (vor 1917) waren eine nicht weniger reiche, aber viel komplexere Zeit. Es unterscheidet sich nicht durch eine drastische Veränderung vom vorherigen: Zu dieser Zeit schafft M. A. Balakirev weiterhin die besten Werke von Tschaikowsky und Rimsky-Korsakow, die bis in die 90er Jahre des 19. Jahrhunderts zurückreichen. und das erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Aber Musorsky und Borodin waren bereits 1893 verstorben. - Tschaikowsky. An ihre Stelle treten Schüler, Erben und Traditionsfortsetzer: S. Tanev, A. Glasunow, S. Rachmaninow. In ihrer Arbeit sind neue Zeiten und neue Geschmäcker zu spüren. Auch bei den Genreprioritäten gab es Veränderungen. Damit geriet die Oper, die mehr als 100 Jahre lang den Hauptplatz der russischen Musik einnahm, in den Hintergrund. Und im Gegenteil, die Rolle des Balletts ist gewachsen. Tschaikowsky – die Schaffung wunderschöner Ballette wurde von Alexander Konstantinowitsch Glasunow () fortgesetzt – dem Autor der wunderbaren „Raymonda“ (1897), „Die junge Bäuerin“ (1898).

Symphonische und kammermusikalische Genres haben eine breite Entwicklung erfahren. Glasunow schuf acht Sinfonien und die symphonische Dichtung „Stepan Rasin“ (1885)1. Sergei Ivanovich Taneyev () komponiert Sinfonien, Klaviertrios und Quintette. Und Rachmaninows Klavierkonzerte zählen (ebenso wie Tschaikowskys Konzerte und Glasunows Violinkonzert) zu den Höhepunkten der Weltkunst.

Unter der jüngeren Musikergeneration gab es Komponisten eines neuen Typs. Sie schrieben Musik auf neue, manchmal sogar ausgefallene Weise. Dazu gehören Skrjabin, dessen Musik einige durch ihre Kraft fesselte und andere durch ihre Neuheit erschreckte, und Strawinsky, dessen Ballette, die während der Russischen Jahreszeiten in Paris aufgeführt wurden, die Aufmerksamkeit ganz Europas auf sich zogen. In den Jahren des Ersten Weltkriegs ging ein weiterer Stern am russischen Horizont auf: S. Prokofjew.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Wie in der gesamten Kunst gibt es auch in der russischen Musik das Thema der Erwartung großer Veränderungen, die stattgefunden haben und die Kunst beeinflusst haben.

Sergei Wassiljewitsch Rachmaninow (). Seine Musik erlangte schnell die Aufmerksamkeit und Anerkennung des Publikums. Sein frühe Arbeiten„Elegy“, „Barcarolle“, „Punichinelle“ wurden als Tagebuch des Lebens wahrgenommen.

Tschechow war sein Lieblingsautor; die symphonische Dichtung „The Cliff“ wurde auf der Grundlage von Tschechows Erzählungen „On the Road“ geschrieben.

Erst 1926 er vollendete das in Russland begonnene 4. Klavierkonzert. Dann erscheinen „Drei russische Lieder für Chor und Orchester“, in denen die Kraft der Verzweiflung erklingt. Zwischen 1931 und 1934 Rachmaninow arbeitete an zwei großen Zyklen: für Klavier „Variationen über ein Thema von Corelli“ (20 Variationen) und „Rhapsodie für Klavier und Orchester über ein Thema eines Violinstücks von Nicolo Paganini“, bestehend aus Variationen.

Rachmaninow widmete sein letztes Werk, „Symphonic Mysteries“ (1940), dem Philadelphia Orchestra, mit dem er besonders gerne auftrat.

Alexander Nikolajewitsch Skrjabin (). Skrjabins Werke enthielten detaillierte literarische Programme, die Titel waren jedoch recht abstrakt („Göttliches Gedicht“ – 3. Symphonie, 1904, „Gedicht der Ekstase“, 1907, „Gedicht des Feuers“ – „Prometheus“, 1910). Aber Skrjabin konzipierte ein noch grandioseres Werk über synthetische Prinzipien – „Mystery“. Außerdem entstanden drei Sinfonien (1900, 1901, 1904), die Oper „Koschey der Unsterbliche“ (1901), „Gedicht der Ekstase“, „Prometheus“ für Klavier: 10 Sonaten, Mazurkas, Walzer, Gedichte, Etüden usw.2 .

Igor Fedorovich Strawinsky (). In „Der Feuervogel“ (1910) ist dies das Thema des Märchens über den bösen Koshchei und den Untergang seines dunklen Königreichs, in „Das heilige Wien“ (1913) das Thema alter heidnischer Rituale, Opfer zu Ehren des Frühlingswiedergeburt des Lebens, zu Ehren der Erdenschwester. Das Ballett „Petruschka“ (1911), eines der beliebtesten, wurde von Maslenitsa-Feierlichkeiten und traditionellen Puppenspielen mit Petruschka, seinem Rivalen Arap und der Ballerina (Columbine) inspiriert.

Da er weit weg von zu Hause, von seiner Heimat entfernt war, lebte das russische Thema in seinen Werken weiter („Hochzeit“, 1923).

Die Vielfalt von Strawinskys Kompositionen ist auffallend atemberaubend. Hervorzuheben sind das Opern-Oratorium „König Ödipus“ und das Ballett „Apollo Musagete“ (1928). Strawinsky schrieb die Oper „The Rake's Progress“ (1951).

Wenn man über die Musik des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts spricht, kommt man nicht umhin, sie zu erwähnen Musiktheater. Ballett- und Opernkunst wurden mit staatlicher Unterstützung gefördert. Balletttänzer wurden von den angesehensten Persönlichkeiten gefördert (Matilda Kmesinskaya und die Schirmherrschaft der Großfürsten der Romanows). Darüber hinaus ist Opern- und Ballettkunst im Rahmen der „Russischen Jahreszeiten“ in () zum Markenzeichen der gesamten russischen Kunst geworden.

Die Moskauer Privatoper förderte in ihrem Repertoire vor allem die Werke russischer Komponisten und spielte eine wichtige Rolle bei der realistischen Darstellung von Mussorgskys Opern und bei der Geburt neuer Werke von Rimsky-Korsakov. Schaljapin sang darin, Rachmaninow stand an der Spitze, Rimski-Korsakow war ihr Freund und kreativer Rückhalt. Hier wurde die Aufführung von einem Bühnenensemble geschaffen, an dem der Komponist, das vom Dirigenten geleitete Orchester, der Regisseur und Bühnenbildner beteiligt waren – diese waren Komplizen bei der Schaffung eines Ganzen, was im Kaiserreich nicht der Fall war Theater, in denen jeder getrennt arbeitete. So arbeiteten herausragende Künstler an der Mamontov Private Opera („Die Meerjungfrau“ von Dargomyzhsky, 1896, „Orpheus“ von Gluck, 1897, „Faust“ von Gounod, 1897, „Boris Godunov“ von Mussorgsky, 1898, „Die Jungfrau von Orleans“. ” von Tschaikowsky, 1899 usw.), V. Vasnetsov („Das Schneewittchen“ von Rimsky-Korsakow, 1885, „Die Zauberin“ von Tschaikowsky, 1900), („Ivan Susanin“ von Glinka, 1896, „Khovanshchina“ von Mussorgsky, 1897), („Tannhäuser“ von Wagner, „Alesya“ von Ippolitov Ivanova, „Gefangener des Kaukasus“ Cui, „ Pik-Dame„Tschaikowsky, „Rogneda“ von A. Serov, „Das Schneewittchen“, „Sadko“, „Das Märchen vom Zaren Saltan“, „Mozart und Salieri“, „ Die Braut des Zaren” Rimsky-Korsakov), V. Serov („Judith“ und „Rogneda“), K. Korovin („Pskower Frau“, „Faust“, „Prinz Igor“, „Sadko“).

8. Der Aufstieg der Theater.

Dies ist die „theatralischste“ Ära in der Geschichte der russischen Literatur. Das Theater spielte dabei vielleicht die führende Rolle und weitete seinen Einfluss auf andere Kunstformen aus.

Das Theater war in diesen Jahren eine öffentliche Plattform, auf der die dringendsten Fragen unserer Zeit zur Sprache kamen, und gleichzeitig ein kreatives Labor, das die Tür für Experimente und kreative Suche weit öffnete. Bedeutende Künstler wandten sich dem Theater zu und strebten nach Synthese verschiedene Typen Kreativität.

Für das russische Theater ist dies eine Ära der Höhen und Tiefen, innovativer kreativer Suchen und Experimente. In diesem Sinne blieb das Theater nicht hinter Literatur und Kunst zurück.

3. Groß Enzyklopädisches Wörterbuch, M., 1994

4. Drei Jahrhunderte russische Poesie, M., 1968

5. „Anfang des Jahrhunderts“, M., 1990

6. „Selbsterkenntnis“, M., 1990.

7. „Zehn poetische Bücher“, M., 1980

* Eschatologie ist eine religiöse Lehre über die endgültigen Schicksale der Welt und des Menschen.

* Esoterisch – geheim, verborgen, ausschließlich für Eingeweihte bestimmt.

* Ekstatisch – enthusiastisch, rasend, in einem Zustand der Ekstase.

* Anthroposophie ist eine hypersensible Welterkenntnis durch Selbsterkenntnis des Menschen als kosmisches Wesen.

Das Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts ist eine wichtige Periode in der Entwicklung der russischen Kunst. Es fällt mit der Phase der Befreiungsbewegung in Russland zusammen, die W. I. Lenin als proletarisch bezeichnete. Es war eine Zeit erbitterter Klassenkämpfe, drei Revolutionen – 1905–1907, die bürgerlich-demokratische Februarrevolution und die Große Sozialistische Oktoberrevolution, die Zeit des Zusammenbruchs der alten Welt. Das umgebende Leben und die Ereignisse dieser außergewöhnlichen Zeit bestimmten das Schicksal der Kunst: Sie erlebte in ihrer Entwicklung viele Schwierigkeiten und Widersprüche. Das Werk von M. Gorki eröffnete neue Wege für die Kunst der Zukunft, der sozialistischen Welt. Sein 1906 verfasster Roman „Mutter“ wurde zu einem Beispiel für die talentierte Verkörperung der Prinzipien der Parteimitgliedschaft und Nationalität, die erstmals von W. I. Lenin im Artikel „Parteiorganisation und Parteiliteratur“ (1905) klar definiert wurden. . Shulgin V. S. Kultur Russlands 9.-20. Jahrhundert. - M, 2006., p. 34.

Wie war das allgemeine Bild der Entwicklung der russischen Kunst in dieser Zeit? Auch die führenden Meister des Realismus – I.E. Repin, V.I. In den 1890er Jahren fanden ihre Traditionen ihre Weiterentwicklung in einer Reihe von Werken der jüngeren Generation von Peredwischniki-Künstlern, zum Beispiel Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930), dessen Werk auch mit dem Leben der Menschen, mit dem Leben von, verbunden ist Die Bauern. Seine Bilder sind wahrheitsgetreu und einfach, die frühen sind lyrisch („Entlang des Oka-Flusses“, 1890; „Reverse“, 1896), während die späteren, leuchtend malerischen Bilder eine überschwängliche Fröhlichkeit aufweisen („Mädchen mit Krug“, 1927; alle drei in der Tretjakow-Galerie). IN DEN 1890er Jahren malte Arkhipov das Gemälde „Wäscherinnen“, das von der anstrengenden Arbeit der Frauen erzählt und als anschauliches, belastendes Dokument gegen die Autokratie (GRM) dient.

Zur jüngeren Generation der Peredwischniki gehört auch Sergej Alexejewitsch Korowin

(1858–1908) und Nikolai Alekseevich Kasatkin (1859–1930). Korowin arbeitete zehn Jahre lang an seinem zentralen Gemälde „Über die Welt“ (1893, Tretjakow-Galerie). Er reflektierte darin die komplexen Prozesse der Schichtung der Bauernschaft im kapitalisierten Dorf seiner Zeit. Kasatkin konnte in seinem Werk auch die wichtigsten Aspekte des russischen Lebens offenlegen. Er brachte ein völlig neues Thema zur Stärkung der Rolle des Proletariats zur Sprache. Bei den Bergleuten, die in seinem berühmten Gemälde „Coal Miners. Smena“ (1895, Tretjakow-Galerie) kann man die mächtige Kraft erahnen, die in naher Zukunft das verrottete System des zaristischen Russlands zerstören und eine neue, sozialistische Gesellschaft aufbauen wird.

Doch in der Kunst der 1890er Jahre zeichnete sich ein anderer Trend ab. Viele Künstler versuchten nun, im Leben vor allem seine poetischen Seiten zu finden, und so nahmen sie sogar Landschaften in Genrebilder auf. Sie wandten sich oft der alten russischen Geschichte zu. Diese Kunsttrends sind in den Werken von Künstlern wie A.P. Ryabushkin, B.M. Kustodiev und M.V. deutlich zu erkennen.

Das Lieblingsgenre von Andrei Petrowitsch Rjabuschkin (1861-1904) war das historische Genre, er malte aber auch Bilder aus dem zeitgenössischen bäuerlichen Leben. Der Künstler fühlte sich jedoch nur von bestimmten Aspekten des Volkslebens angezogen: Ritualen, Feiertagen. In ihnen sah er eine Manifestation des ursprünglichen russischen Nationalcharakters („Moskowskaja-Straße des 17. Jahrhunderts“, 1896, Staatliches Russisches Museum). Die meisten Charaktere nicht nur für Genres, sondern auch für historische Gemälde wurden von Rjabuschkin von Bauern geschrieben – der Künstler verbrachte fast sein ganzes Leben im Dorf. Rjabuschkin führte einige charakteristische Merkmale der altrussischen Malerei in seine historischen Gemälde ein, als ob er damit die historische Authentizität der Bilder betonen würde („Hochzeitszug in Moskau (17. Jahrhundert)“, 1901, Tretjakow-Galerie).

Ein weiterer bedeutender Künstler dieser Zeit, Boris Michailowitsch Kustodiew (1878-1927), zeigt Jahrmärkte mit bunten Löffeln und Stapeln bunter Waren, russische Maslenitsa mit Reiten in Troikas, Szenen aus dem Kaufmannsleben.

Im Frühwerk von Michail Wassiljewitsch Nesterow kamen die lyrischen Seiten seines Talents am deutlichsten zum Vorschein. Landschaft spielte in seinen Gemälden immer eine große Rolle: Der Künstler suchte Freude an der Stille der ewig schönen Natur. Er liebte es, dünnstämmige Birken, zerbrechliche Grashalme und Wiesenblumen darzustellen. Seine Helden sind dünne Jugendliche – Bewohner von Klöstern oder freundliche alte Männer, die Frieden und Ruhe in der Natur finden. Gemälde, die dem Schicksal einer russischen Frau gewidmet sind („Auf den Bergen“, 1896, Museum für Russische Kunst, Kiew; „Große Tonsur“, 1897-1898, Staatliches Russisches Museum) sind von tiefer Anteilnahme erfüllt. Kljutschewski V. Russische Geschichte. Voller Kurs Vorträge. - M.: OLMA-PRESS Education, 2004., p. 133.

Aus dieser Zeit stammt das Werk des Landschafts- und Tiermalers Alexei Stepanovich Stepanov (1858-1923). Der Künstler liebte Tiere aufrichtig und verfügte über ein tadelloses Wissen nicht nur über das Aussehen, sondern auch über den Charakter jedes einzelnen Tieres, seine Fähigkeiten und Gewohnheiten sowie die Besonderheiten verschiedener Jagdarten. Die besten Gemälde des Künstlers sind der russischen Natur gewidmet, durchdrungen von Lyrik und Poesie – „Kraniche fliegen“ (1891), „Elche“ (1889; beide in der Staatlichen Tretjakow-Galerie), „Wölfe“ (1910, Privatsammlung, Moskau) .

Auch die Kunst von Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) ist von tiefer lyrischer Poesie geprägt. Seine Bilder nachdenklicher Frauen – Bewohner alter Herrenhausparks – und alle seine harmonischen, musikalischen Gemälde („Reservoir“, 1902, Tretjakow-Galerie) sind wunderschön und poetisch.

In den 80er und 90er Jahren des 19. Jahrhunderts entstand das Werk der herausragenden russischen Künstler Konstantin Alexejewitsch Korowin (1861–1939), Walentin Alexandrowitsch Serow und Michail Alexandrowitsch Wrubel. Ihre Kunst spiegelte die künstlerischen Errungenschaften der Zeit am besten wider.

Das Talent von K.A. Korovin kam sowohl in der Staffeleimalerei, vor allem in der Landschaftsmalerei, als auch in der theatralischen Dekorationskunst gleichermaßen deutlich zum Ausdruck. Der Charme von Korovins Kunst liegt in ihrer Wärme, ihrem Sonnenschein, in der Fähigkeit des Meisters, seine künstlerischen Eindrücke direkt und lebendig zu vermitteln, in der Großzügigkeit seiner Palette, im Farbreichtum seiner Malerei („Auf dem Balkon“, 1888-1889; „Im Winter“, 1894-; beide in GTG).

Ende der 1890er Jahre wurde in Russland eine neue künstlerische Gesellschaft namens „World of Art“ unter der Leitung von A. N. Benois und S. P. Diaghilew gegründet, die großen Einfluss auf das künstlerische Leben des Landes hatte. Sein Hauptkern sind die Künstler K.A. Somov, L.S. Baket, M.V. Dobuzhinsky, E.P. Ostroumova-Lebedeva. Die Aktivitäten dieser Gruppe waren sehr vielfältig. Die Künstler leisteten aktive kreative Arbeit, gaben das Kunstmagazin „World of Art“ heraus und organisierten interessante Kunstausstellungen unter Beteiligung vieler herausragender Meister. Miriskusniki, wie die Künstler der „Welt der Kunst“ genannt wurden, wollte ihren Zuschauern und Lesern die Errungenschaften der nationalen und internationalen Kunst näherbringen. Ihre Aktivitäten trugen zur weiten Verbreitung der künstlerischen Kultur in der russischen Gesellschaft bei. Aber gleichzeitig hatte es auch seine Nachteile. Die Studenten der „World of Art“ suchten im Leben nur nach Schönheit und sahen die Erfüllung der Künstlerideale nur im ewigen Charme der Kunst. Ihrer Arbeit fehlte der Kampfgeist und die soziale Analyse, die für die Wanderers charakteristisch waren, unter deren Banner die fortschrittlichsten und revolutionärsten Künstler marschierten.

Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) gilt zu Recht als Ideologe der „Welt der Kunst“. Er war ein umfassend gebildeter Mann und verfügte über große Kenntnisse auf dem Gebiet der Kunst. Er beschäftigte sich hauptsächlich mit Grafik und arbeitete viel für das Theater. Wie seine Kameraden entwickelte Benoit in seinem Werk Themen aus vergangenen Epochen. Er war der Dichter von Versailles, seine kreative Fantasie entfachte, als er immer wieder die Parks und Paläste der St. Petersburger Vororte besuchte. In seinen historischen Kompositionen, bevölkert von kleinen, scheinbar leblosen Menschenfiguren, reproduzierte er sorgfältig und liebevoll Kunstdenkmäler und einzelne Details des Alltags („Parade unter Peter1“, 1907, Russisches Russisches Museum).

Ein prominenter Vertreter der „Welt der Kunst“ war Konstantin Andrejewitsch Somow (1869-1939). Er wurde weithin als Meister romantischer Landschaften und galanter Szenen bekannt. Seine üblichen Helden sind Damen mit hohen, gepuderten Perücken und flauschigen Krinolinen, als kämen sie aus der fernen Antike, und kultivierte, träge Herren in Satinhemden. Somov beherrschte das Zeichnen ausgezeichnet. Dies galt insbesondere für seine Porträts. Der Künstler schuf eine Galerie mit Porträts von Vertretern der künstlerischen Intelligenz, darunter der Dichter A.A. Blok und M.A. Kuzmin (1907, 1909; beide in der Tretjakow-Galerie).

Im künstlerischen Leben Russlands zu Beginn des Jahrhunderts spielte auch die Künstlergruppe „Union russischer Künstler“ eine bedeutende Rolle. Darunter waren die Künstler K.A. Korovin, A.E. Arkhipov, S.Yu. Das Hauptgenre im Werk dieser Künstler war die Landschaft. Sie waren die Nachfolger der Landschaftsmalerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts.

„Silbernes Zeitalter“ der russischen Kultur (Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts)

Kultur Wende des 19. Jahrhunderts– Anfang des 20. Jahrhunderts entwickelte sich unter dem Einfluss der Traditionen der vorherigen Entwicklungsperiode der russischen Kultur. Gleichzeitig wurde seine Entwicklung von den Prozessen und Veränderungen beeinflusst, die im politischen, wirtschaftlichen und politischen Bereich stattfanden soziales Leben Länder zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Komplexität und Inkonsistenz historische Entwicklung Russland zu Beginn des 20. Jahrhunderts. bestimmte die Formenvielfalt des historischen und kulturellen Prozesses. Eintritt in die industrielle Entwicklungsphase, eine sich vertiefende zivilisatorische Spaltung der Gesellschaft, die Revolution von 1905–1907. und die darauf folgenden Ereignisse wirkten sich direkt auf die Entwicklung der russischen Kultur aus.

Die Entwicklung des Kapitalismus erforderte ein neues Bildungsniveau im Land. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. hat sich in Russland entwickelt mehrstufig Bildungssystem, Dazu gehörten die Grundschulbildung, die Sekundarstufe und die Sekundarstufe besondere Bildung und höhere Bildung. Im Jahr 1905 gab es 43.000 Pfarrschulen und 28,2.000 Zemstvo-Grundschulen. 6 Millionen Menschen studierten an Grundschulen des öffentlichen Bildungswesens. Insgesamt waren 1911 33 % der Jungen und 14 % der Mädchen im schulpflichtigen Alter eingeschrieben. Die Alphabetisierungsrate der Bevölkerung stieg von 21 % im Jahr 1897 auf 30 % im Jahr 1918. Das Ministerium für öffentliche Bildung bereitete einen Gesetzentwurf „Über die Einführung der allgemeinen Grundschulbildung im Russischen Reich“ vor, der jedoch nie Gesetzeskraft erlangte.

Das weiterführende Bildungssystem umfasste Gymnasien, Real- und Handelsschulen. Darüber hinaus gab es sekundäre Fachbildungseinrichtungen nach Branchen: Industrie, Technik, Eisenbahn, Bergbau usw.

Im Zusammenhang mit der industriellen Entwicklung ist die Frage der Ausbildung von Ingenieuren und technischem Personal akut geworden. Im Studienzeitraum stieg die Zahl der Studierenden um das 2,5-fache. Bis 1917 bestand die Hochschulbildung aus 124 Universitäten, an denen 130.000 Studenten studierten. Im Jahr 1911 wurde das Gesetz über die Hochschulbildung erlassen Frauenbildung Gleichstellung der Berufsrechte von Frauen mit Hochschulabschluss mit denen von Männern. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Es gab etwa 30 höhere Bildungseinrichtungen für Frauen. Erschien neuer Typ höhere Bildungseinrichtungen – private Institute und höhere Kurse, zum Beispiel A. Shanyavsky University, V. Bekhterev Psychoneurological Institute, P. Lesgaft Higher Courses, Higher Women's Agricultural Courses usw.

Die öffentliche Bildung sowie die Kultur- und Bildungsarbeit wurden weiterentwickelt. Die Hauptzentren für die Bildung des Volkes waren Sonntagsschulen, Arbeiterkurse, pädagogische Arbeitervereine, Volkshäuser und Volksuniversitäten. Die Verbreitung von Bildung und Alphabetisierung in der Bevölkerung wurde durch die Verlagstätigkeit von A. S. Suvorin, I. D. Sytin und A. M. Gorky erleichtert. In Bezug auf die Anzahl der veröffentlichten Bücher lag Russland weltweit an dritter Stelle.

Weiterentwicklung erhalten Russische Wissenschaft: N. E. Zhukovsky, K. E. Tsiolkovsky zeichneten sich auf dem Gebiet der Entwicklung der Theorie des Flugzeugbaus und der Raumfahrt aus; V. I. Vernadsky, I. P. Pavlov, I. I. Mechnikov – in der Region Naturwissenschaften. I. P. Pavlov und I. I. Mechnikov wurden die ersten russischen Nobelpreisträger. Im Gebiet Geisteswissenschaften Einen großen Beitrag zur Entwicklung der Geschichte leisteten V. O. Klyuchevsky, P. N. Miljukow, M. N. Pokrowski; auf dem Gebiet der Philosophie - V. S. Solovyov, N. A. Berdyaev, S. N. Bulgakov, S. N. Trubetskoy, P. A. Florensky, V. V. Rozanov.

Ein neues Phänomen im kulturellen Leben der Gesellschaft ist geworden Film. Im Jahr 1896 fand die erste Filmvorführung in Russland statt und 1916 gab es in Russland bereits etwa 4.000 Kinos. Im Jahr 1907 wurden die Filmgesellschaften A. A. Khanzhonkov und A. O. Drankov gegründet.

IN Literatur Russische Traditionen wurden fortgeführt Realismus XIX V. in den Werken von L. N. Tolstoi, A. P. Tschechow, I. A. Bunin, A. I. Kuprin, A. M. Gorki. Zur gleichen Zeit, zu Beginn des 20. Jahrhunderts. die modernistische Bewegung entstand in der Literatur in ihren verschiedenen Erscheinungsformen: Symbolik (V. Ya. Bryusov, K. D. Balmont, F. K. Sologub, D. S. Merezhkovsky, Z. N. Gippius, A. A. Blok); Akmeismus (N. S. Gumilyov, A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam, M. A. Kuzmin); Futurismus in seinen verschiedenen Erscheinungsformen (Ego-Futurismus, Kubo-Futurismus), der den vorherigen Entwicklungsstand der russischen Kultur leugnete (I. Severyanin, V. V. Mayakovsky, V. V. Khlebnikov, 11. Burliuk); Naturalismus (M. P. Artsybashev). Das Bauernthema spiegelte sich in der Poesie von N. A. Klyuev und S. A. Yesenin wider.

Anfang des 20. Jahrhunderts wurde zu einer Zeit des kreativen Wachstums in der bildenden Kunst. Dies wurde durch den Einfluss der etablierten nationalen Tradition in der bildenden Kunst, die Suche nach neuen künstlerischen Formen und Trends russischer Künstler des frühen 20. Jahrhunderts und den Einfluss westeuropäischer Kunst erleichtert. IN Malerei Die Traditionen des russischen Realismus spiegeln sich in den Werken von S. V. Ivanov, A. E. Arkhipov, N. A. Kasatkin und S. A. Korovin wider. Die Künstler A.P. Ryabushkin und A.V. Vasnetsov arbeiteten im historischen und alltäglichen Genre. Religiöse und philosophische Fragen spiegelten sich in den Werken von M. V. Nesterov wider. Der Impressionismus wurde zu einem neuen Trend in der russischen Malerei (V. A. Serov, K. A. Korovin); Symbolik (V. E. Borisov-Musatov, M. A. Vrubel); Primitivismus (M. F. Larionov, II. S. I Oncharova). Am Vorabend des Ersten Weltkriegs entstand der Abstraktionismus in der russischen bildenden Kunst (K. S. Malevich, V. V. Kandinsky).

Es wurden kreative Organisationen gegründet, die russische Künstler in den Bereichen „Welt der Künste“ vereinten (A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst, E. E. Lansere); „Union russischer Künstler“ (I. E. Grabar, F. A. Malyavin, K. F. Yuon); „Blaue Rose“ (P. V. Kuznetsov, M. S. Saryan); „Karo-Bube“ (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky, R. R. Falk); „Donkey's Tail“, „Target“ usw.

Von großem Interesse sind die Arbeiten von Künstlern, die sich um die Zeitschrift „World of Arts“ zusammengeschlossen haben und in verschiedenen Genres der Malerei, Buchgrafik und Theaterbühnengestaltung gearbeitet haben. Das Verdienst der Künstler dieser Bewegung war die Bekanntschaft ihrer Zeitgenossen mit der Arbeit russischer Porträtmaler des 18. Jahrhunderts.

IN die Architektur Anfang des 20. Jahrhunderts der Modernismus manifestierte sich im neorussischen Stil (A. V. Shchusev, F. O. Shekhtel, V. M. Vasnetsov); Neoklassizismus (I. A. Fomin). Die Skulptur spiegelt den Einfluss des Impressionismus im Werk von Π wider. P. Trubetskoy, A. S. Golubkina, S. T. Konenkov.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. es ist Morgengrauen Theaterkunst. Im Jahr 1898 wurde das Moskauer Kunsttheater eröffnet, das von K. S. Stanislavsky und V. I. Nemirovich-Danchenko gegründet wurde. 1904 wurde das Theater von V.F. Komissarzhevskaya in St. Petersburg eröffnet, und 1915 gründete E.B. Wachtangow ein Theater in Moskau, das heute seinen Namen trägt. Zusammen mit dem Mariinsky und Bolschoi-Theater eine Privatoper von S. I. Mamontov und S. I. Zimin erscheint. Die russische Theateropernkunst gewinnt in Europa zunehmend an Anerkennung. Dies wurde durch S. P. Diaghilews „Russische Jahreszeiten“ in Paris ermöglicht. Die Opernsänger F. I. Schaljapin, L. V. Sobinov, A. V. Nezhdanova und die Ballerina A. Pavlova erhalten weltweite Anerkennung. M. leistete einen großen Beitrag zur Entwicklung des russischen Balletts. M. Fokin.

Traditionen des russischen Realismus in Musikalische Kunst wurden in den Werken von N. A. Rimsky-Korsakov fortgesetzt. Gleichzeitig kam der Einfluss der Moderne auf die Musikkunst in den Werken von S. V. Rachmaninow, I. F. Strawinsky und A. N. Skrjabin zum Ausdruck.

Entwicklung der russischen Kultur zu Beginn des 20. Jahrhunderts. setzte die Traditionen fort und spiegelte auch die kreativen Bestrebungen der russischen Intelligenz wider, die neue Richtungen und Formen in Literatur und Kunst hervorbrachten.