Den bedeutendsten Platz in der Entwicklung des westeuropäischen Realismus nimmt die französische Kunst ein. Und das ist kein Zufall. Bereits seit dem Ende des 18. Jahrhunderts spielte Frankreich eine führende Rolle im gesellschaftspolitischen Leben Europas, und der Klassenkampf zwischen Adel, Bürgertum und Proletariat nahm darin klare klassische Formen an. Das Bürgertum triumphierte, indem es sich hinter den königlichen und kaiserlichen Gewändern versteckte oder seine Macht offen behauptete. „Industrie und Handel sind zu immensen Ausmaßen gewachsen“, schrieb K. Marx in den 1950er und 1960er Jahren über Frankreich, „die Börsenspekulation feierte ihre kosmopolitischen Orgien; Die Armut der Massen trat deutlich hervor neben dem frechen Glanz des ausschweifenden Luxus, der durch Betrug und Verbrechen erworben wurde.
Die demokratische und proletarische Bewegung erlangte in der Mitte des 19. Jahrhunderts in Frankreich große Verbreitung. Auf die Revolution von 1830 folgt die Revolution von 1848; Auf der politischen Bühne tritt das Proletariat, das die breiten Volksmassen anführt, immer entschiedener auf. Im Juni 1848 erhebt er sich offen gegen die Bourgeoisie und unternimmt 1871 mit der Ausrufung der Pariser Kommune den ersten heroischen Versuch in der Geschichte, die politische Macht selbst in die Hand zu nehmen.
Verschärfung gesellschaftlicher Widersprüche, grandiose Klassenkämpfe, neu soziale Probleme, die Fragen der demokratischen Neuordnung der Gesellschaft konnten nicht umhin, fortgeschrittene Köpfe zu begeistern und sie zu zwingen, die Phänomene der Realität zu analysieren und nach neuen Wegen in der Kunst zu suchen. In Frankreich, das das klarste Bild von der Entstehung und Entwicklung der Haupttrends des 19. Jahrhunderts vermittelt, sei der Aufstieg des Realismus früher als in anderen Ländern zu beobachten, der realistische Trend sei am engsten mit dem gesellschaftspolitischen Leben verbunden, heißt es die größten Vertreter der Kunst des 19. Jahrhunderts.
Die Julirevolution von 1830 war ein bedeutender Meilenstein in der Entwicklung französische Kunst. Unter seinem Einfluss werden romantische Illusionen ausgerottet, das Interesse an gesellschaftlichen Themen wächst und ein eigenständiges theoretisches Programm des Realismus entwickelt. Die wesentlichen Anforderungen an die neue Kunst wurden von Laviron und Galbaccio im Salon von 1833 formuliert. Sie wurden in den Werken bedeutender Theoretiker und Verfechter des Realismus weiterentwickelt: Thoré-Burget, Chanfleury, Duranty, Castagnari und andere. Alle diese Kritiker – Vertreter der Generation von 1848 – stellten die Frage nach der erzieherischen Rolle der Kunst. Kunst, so argumentierten sie, solle zur Entwicklung der Gesellschaft auf dem Weg des Fortschritts beitragen, ein „Lehrer des Lebens“ sein und dazu müsse sie relevant, sozial gesättigt und für die Menschen verständlich sein. Kunst soll den Menschen helfen, die Welt um sie herum zu verstehen, ihre Widersprüche zu verstehen. Es wird dazu in der Lage sein, jede Idealisierung und Verschönerung des Lebens beiseite zu schieben. Die Wahrhaftigkeit des Bildes wird als eine der notwendigen Voraussetzungen für Kreativität angeführt – der Künstler schreibt, was er weiß, was er vor sich sieht. Der Aufruf zur Ablehnung allgemein anerkannter Modelle und zur Bestätigung der Wahrheit des Lebens in der Kunst half fortschrittlichen Künstlern, neue Wege und Mittel des künstlerischen Ausdrucks zu erlernen, und eröffnete breite Perspektiven für kreative Suche. Gleichzeitig reduzierten einige Kritiker der Mitte des 19. Jahrhunderts den Begriff des Realismus manchmal auf die äußere Verlässlichkeit des Bildes, den illusorischen Charakter der Übertragung sichtbare Welt, was die Künstler natürlich desorientiert hat.
Philip Jeanron. Unter den Vorläufern der großen realistischen Maler verdienen einige weniger bedeutende Meister Erwähnung. Da ihnen die Gaben ihrer Anhänger fehlten, bereiteten sie ihnen den Boden. Unter ihnen ist Philippe Jeanron (1809-1877). Er nahm an den Revolutionen von 1830 und 1848 teil und sprach oft in gedruckter Form, um realistische Prinzipien zu verteidigen. Bereits in frühe Arbeit„Kinder auf der Barrikade“ (1831, Museum in Caen) Jeanron wandte sich der direkten Darstellung revolutionärer Ereignisse zu. In späteren Werken lieferte er eine soziale Analyse der Realität, indem er Vertreter verschiedener Klassen der modernen Gesellschaft gegenüberstellte: den Adel, das Bürgertum und das Proletariat. Bei der Darstellung der Arbeiter betonte der Künstler deren Armut und Leid, ohne Sentimentalität zu vermeiden. Genron ist auch als Porträtmaler bekannt. Er hinterließ ausdrucksstarke Porträts der führenden Persönlichkeiten seiner Zeit – Vertreter der republikanischen Intelligenz.

Realismus in Frankreich und England (Literatur und Kunst im 19. Jahrhundert)

Mitte des Jahrhunderts wird der Realismus zum vorherrschenden Trend in der europäischen Kultur.

Der Realismus entstand in Frankreich und England unter den Bedingungen etablierter kapitalistischer Verhältnisse. Die sozialen Widersprüche und Mängel des kapitalistischen Systems bestimmten die scharf kritische Haltung realistischer Schriftsteller ihm gegenüber. Sie prangerten Geldgier, eklatante Ungleichheit, Egoismus und Heuchelei an. In seiner ideologischen Ausrichtung wird er zum kritischen Realismus. Gleichzeitig ist das Werk der großen realistischen Schriftsteller von den Ideen des Humanismus und der sozialen Gerechtigkeit durchdrungen.

Literatur Frankreichs. Das Vorbild der realistischen Poesie im Frankreich des 19. Jahrhunderts war der Dichter Pierre Jean de Beranger (1780-1857). Er sprach während der Zeit der napoleonischen Monarchie und verurteilte 1813 in dem Lied „König Yveto“ Napoleons militärische Abenteuer und seine Steuer Politik. Während der Restauration wurde er zu einem wahren Dichter-Kämpfer. Seine inbrünstigen Lieder aus dieser Zeit verspotten die reichen und wohlhabenden Philister. Berangers politisches Lied ist von Demokratie durchdrungen und von lebhaftem Nationalhumor geprägt.

Ein brillanter Vertreter des kritischen Realismus war Stendhal(im Besitz von Henri Bayle, 1783-1842). Die Bewunderung des Schriftstellers wurde durch Menschen mit einem aktiven, starken Charakter hervorgerufen. Solche Helden sah er unter den Figuren der Renaissance („Italienische Chroniken“), bei Shakespeare und bei seinen Zeitgenossen.

Einer der großartigsten Romane Stendhal- „Rot und Schwarz“ (1830). Der Held des Romans ist Julien Sorel, ein leidenschaftlicher Bewunderer der napoleonischen Ära, ein Mann mit einer erhabenen und sensiblen Seele, der danach strebt, das träge soziale Umfeld zu erobern. Dies gelingt ihm jedoch nicht, da die herrschenden Klassen ihn – einen gebürtigen Plebejer – nicht akzeptierten. Im Roman „Das Parma-Kloster“ verurteilt der Autor die reaktionäre Ära, die die Tragödie kluger, talentierter und tief empfindender Menschen vorwegnahm.

Der Höhepunkt, der höchste Punkt in der Entwicklung des westeuropäischen Realismus ist das Werk von Honore de Balzac(1799 -1850). Nach Balzacs Vorstellung sollte sein Hauptwerk, das Epos „Die menschliche Komödie“, aus 143 Büchern bestehen, die alle Aspekte des Lebens der französischen Gesellschaft widerspiegeln. Balzac steckte seine ganze Kraft in dieses gigantische Werk und schuf 90 Romane und Kurzgeschichten.

In diesem Epos sind die Romane durch eine gemeinsame Idee und viele Charaktere verbunden. Es umfasst Romane wie „Das unbekannte Meisterwerk“, „ Shagreen-Leder“, „Eugenia Grande“, „Father Goriot“, „Caesar Biroto“, „Lost Illusions“, „Cousin Betta“ und viele andere. Das Epos ist ein realistisches Bild von grandiosem Umfang, das die Sitten und Widersprüche des gesellschaftlichen Lebens in Frankreich widerspiegelt. Balzac verleiht seinen Helden Intelligenz, Talent und starken Charakter. Seine Werke sind zutiefst dramatisch, sie stellen die Macht des „Geldprinzips“ dar, das alte patriarchale und familiäre Bindungen zersetzt und die Flamme selbstsüchtiger Leidenschaften entfacht.

Der Meister des Romans war Prosper Merimee(1803-1870), ein herausragender realistischer Schriftsteller. Seine Kurzgeschichten sind prägnant, streng, elegant. Sie haben starke und lebendige Charaktere, ganze Naturen, die zu starken Gefühlen fähig sind – „Carmen“ (diente als Grundlage für gleichnamige Oper Bizet), „Colombes“, „Falcom“. Selbst in den Kurzgeschichten, in denen der Autor romantische Helden und romantische Situationen darstellt, wird die Handlung nicht in eine romantische Ebene übersetzt, sondern eine realistische Motivation gegeben.

Schrieb Merimee und spielt. Eines der herausragenden Werke des Schriftstellers ist die Theaterchronik „Jacquerie“, die die Bauernbewegung des 14. Jahrhunderts widerspiegelt. Er schrieb den einzigen großen Roman, Chronik zur Zeit Karls IX., der vom Kampf zwischen Katholiken und Protestanten und den Ereignissen erzählt Bartholomäusnacht. Der Autor entlarvt fanatische Intoleranz.

Im Zusammenhang mit der Veränderung der politischen Position der Bourgeoisie nach der Revolution von 1848 und ihrer Weigerung, mit der Arbeiterklasse zusammenzuarbeiten, entsteht in der Literatur Frankreichs eine neue Art des kritischen Realismus – Schriftsteller weigern sich, kraftvolle Bilder zu schaffen, und die Der Begriff des Typischen wird auf das Alltäglichste, Gewöhnliche reduziert. Im Allgemeinen ist Kunst noch näher am Leben.

Der größte Vertreter der neuen Stufe des Realismus war Gustave Flaubert(1821-1880). Die Haltung des Schriftstellers gegenüber den sozialen Schichten der Bevölkerung war widersprüchlich: Er hasste das Bürgertum zeitlebens, er behandelte die Massen mit Verachtung und hielt politisches Handeln für bedeutungslos. Deshalb fordert Flaubert den Künstler auf, „in den Elfenbeinturm zu gehen“, der Schönheit zu dienen. Trotz der Widersprüchlichkeit einer solchen Position lieferte Flaubert eine bemerkenswerte kritische Darstellung der bürgerlichen Vulgarität, ohne sich vom sozialen Kampf fernzuhalten. Eines der herausragenden Werke Flaubert- Der Roman „Madame Bovary“. Im Zentrum des Romans steht das Bild einer Frau aus bürgerlichem Umfeld. gebildet romantische Literatur Sie stirbt im Zusammenstoß mit der spießbürgerlichen Realität. Der Roman „Erziehung der Sinne“ schildert die Sitten der Provinz und von Paris, die moralische Bedeutungslosigkeit des Bürgertums. In diesem Roman geht es um einen jungen Mann, der träge, träge und unfähig zu aktiver Aktivität ist. Historische Handlungsstränge basieren auf den Romanen „Salambo“, „Die Legende vom Hl. Julian dem Barmherzigen“ und „Herodias“, in denen die Situation ferner Epochen mit wissenschaftlicher Objektivität wiederhergestellt wird. Der Autor hat eine äußerste Genauigkeit bei der Wiedergabe realistischer Details und Tiefe erreicht psychologische Analyse, enthüllt durch einen internen Monolog.

England:

Literatur Englands. Der schottische Schriftsteller Walter Scott (1771-1832) näherte sich den Romantikern durch sein Interesse am Mittelalter. Zu Beginn seiner Karriere sammelte er schottische Folklore und schrieb romantische Gedichte. Weltweite Berühmtheit brachte ihm realistische Prosa.

Walter Skol – Schöpfer des Genres historischer Roman eine Kombination romantischer und realistischer Tendenzen. Der Tod des schottischen Stammesclans wird vom Autor der Romane Waverley, Rob Roy, dargestellt. Die Romane „Ivanhoe“, „Quentin Dorward“ zeichnen ein Bild des mittelalterlichen Englands und Frankreichs. Die Romane „The Puritans“ und „The Legend of Monrose“ behandeln den Klassenkampf, der sich im 17.-18. Jahrhundert in England abspielte.

Die Arbeit von W. Scott zeichnet sich durch eine besondere Komposition von Romanen aus, die durch die Förderung der Beschreibung des Lebens, des Lebens und der Bräuche der Menschen selbst und nicht von Königen, Generälen oder Adligen vorgegeben ist. Gleichzeitig gibt der Autor mit der Darstellung des Privatlebens ein Bild historischer Ereignisse wieder.

Einer der großen Künstler der Weltliteratur – Charles Dickens(1812–1870), er ist der Begründer und Anführer des kritischen Realismus der englischen Literatur, ein herausragender Satiriker und Humorist. In seinem Frühwerk „The Pickwick Papers“ wird das noch patriarchalische England dargestellt. Dickens lacht über die schöne Seele, Leichtgläubigkeit und Naivität seines Helden, sympathisiert mit ihm und betont seine Desinteresse, Ehrlichkeit und seinen Glauben an das Gute.

Bereits im nächsten Roman, „Die Abenteuer des Oliver Twist“, wird eine kapitalistische Stadt mit ihren Slums und dem Leben der Armen dargestellt. Der Schriftsteller, der an den Triumph der Gerechtigkeit glaubt, zwingt seinen Helden, alle Hindernisse zu überwinden und persönliches Glück zu erlangen.

Funktioniert jedoch Dickens voller tiefer Dramatik. Der Autor präsentierte eine ganze Galerie von Trägern des sozialen Übels, die Vertreter der bürgerlichen Klasse sind. Das sind der Wucherer Ralph Nickleby, der grausame Lehrer Okvirs, der Heuchler Pecksniff, der Misanthrop Scrooge, der Kapitalist Bounderby. Die größte Errungenschaft von Dickens ist das Bild von Mr. Dombey (der Roman „Dombey and Son“) – ein Mann, in dem alle Gefühle gestorben sind und dessen Selbstgefälligkeit, Dummheit, Selbstsucht und Gefühllosigkeit durch die Zugehörigkeit zur Welt der Eigentümer erzeugt werden.

Eigenschaften von Dickens wie unzerstörbarer Optimismus, heller und sehr nationaler Humor, eine nüchterne, realistische Lebenseinstellung – all das macht ihn zum Größten nach Shakespeare. Volksschriftsteller England.

Ein Zeitgenosse von Dickens – William Thackeray(1811-1863) entlarvt im besten Roman „Vanity Fair“ anschaulich und im übertragenen Sinne die Laster der bürgerlichen Gesellschaft. In dieser Gesellschaft spielt jeder seine Rolle. Thackeray sieht keine positiven Charaktere, er hat nur zwei Kategorien von Charakteren – Betrüger oder Betrogene. Doch der Autor strebt nach psychologischer Wahrheit, vermeidet die für Dickens charakteristische Groteske und Übertreibung. Thackeray behandelt die bürgerlich-adlige Elite mit Verachtung, das Leben der Unterschicht ist ihm jedoch gleichgültig. Er ist ein Pessimist, ein Skeptiker.

Am Ende des 19. Jahrhunderts. Der realistische Trend in der englischen Literatur wurde hauptsächlich durch die Werke von drei weltberühmten Schriftstellern repräsentiert: John Galsworthy (1867–1933), George Bernard Shaw (1856–1950), Herbert George Wells (1866–1946).

So gab D. Galsworthy in der Trilogie „The Saga of the Forsytes“ und „Modern Comedy“ ein episches Bild der Sitten des bürgerlichen Englands Ende des 19. Jahrhunderts-Anfang des 20. Jahrhunderts. Es enthüllt die zerstörerische Rolle von Besitzgier im öffentlichen und privaten Leben. Sie schrieben Dramen. Er beschäftigte sich mit Journalismus, wo er die Prinzipien des Realismus verteidigte. Doch in der End of the Chapter-Trilogie zeigten sich konservative Tendenzen.

D. B. Shaw ist einer der Gründer und ersten Mitglieder der sozialistischen „Fabian Society“, der Schöpfer von Dramadiskussionen, in deren Zentrum der Aufprall feindlicher Ideologien, eine kompromisslose Lösung sozialer und ethischer Probleme („Widower's House“) steht. „Miss Warrens Beruf“, „Applecart“). Shaws kreative Methode ist geprägt von Paradox als Mittel zum Sturz von Dogmatismus und Voreingenommenheit („Androkles und der Löwe“, „Pygmalion“), traditionellen Darstellungen (historische Stücke „Caesar und Kleopatra“, „Heilige Johanna“).

G. D. Wells ist ein Klassiker der Science-Fiction-Literatur. In den Romanen „Die Zeitmaschine“, „Der Unsichtbare“ und „Der Krieg der Welten“ stützte sich der Autor auf neueste wissenschaftliche Konzepte. Der Autor verbindet die Probleme, mit denen die Menschen im Zusammenhang mit dem wissenschaftlichen und technischen Fortschritt konfrontiert sind, mit sozialen und moralischen Prognosen für die Entwicklung der Gesellschaft: „Die Geschichte der Menschheit wird immer mehr zu einem Wettbewerb zwischen Bildung und Katastrophe.“

Musikalische Kunst. In Italien und im 19. Jahrhundert. Unter den Bedingungen der politischen Reaktion erwies sich die Oper als die beliebteste und demokratischste Gattung der Theaterkunst. Der Höhepunkt des Realismus in der musikalischen Opernkunst des 19. Jahrhunderts. - das Werk des großen italienischen Komponisten Giusete Verdi (1813-1901), der eng mit der italienischen Befreiungsbewegung verbunden ist („Nabucco“, „Lombarden im ersten Kreuzzug“). In Opernwerken wie „Ernani“, „Macbeth“ und „Die Schlacht von Legnano“ wird ein Protest gegen jegliche Gewalt und Unterdrückung zum Ausdruck gebracht. Aufführungen von Verdis Opern, die von den Ideen des Kampfes für die Befreiung und Vereinigung Italiens durchdrungen waren, wurden von stürmischen patriotischen Demonstrationen begleitet.

Meisterwerke des Opernrealismus – Verdis Opern „Aida“, „Othello“ und „Falstaff“. Es handelt sich um Musikdramen mit kontinuierlicher Weiterentwicklung der Handlung. Die Szenen sind frei aufgebaut, mit flexiblen Übergängen vom Rezitativ zum Monolog, vom Solo zum Ensemble. Dem Orchester kommt ein wichtiger Platz zu. Verdi bietet eine vollständige Verschmelzung von Musik und dramatischer Handlung. Die Demokratie und die tiefe Menschlichkeit von Verdis Werk brachten ihm große Popularität ein. Seine Opern sind ständig im Repertoire Opernhäuser Frieden.

Italienische Opern erweckten neue Prinzipien der Gesangs- und Bühnenaufführung zum Leben: die dramatische Ausdruckskraft des Gesangs, die schauspielerischen Fähigkeiten des Sängers, die historische Genauigkeit von Bühnenbildern und Kostümen. Bemerkenswerte Sänger, Vertreter des Belcanto mit Weltruhm waren die Sänger A. Patti, J. Pasta, I. Colbran und andere, die Sänger M. Battistini, F. Galdi und andere.

Im gleichen Zeitraum entstand in der Oper eine neue Richtung – die richtige (nt. verismo, von vero – wahr, wahrhaftig). Seine Vertreter sind die Komponisten R. Leoncavallo (1857-1919), P. Mascagni (1863-1945), Um. Giordanno (1867–1948), G. Puccini (1858–1924). Im Mittelpunkt der Werke dieser Meister stehen lebensbezogene Handlungsstränge; ein wahres Spiegelbild der spirituellen Welt gewöhnlicher Menschen; emotional ausdrucksstarke Musik, das Fehlen einer hohen sozialen Idee. Es gab auch einen bestimmten Darbietungsstil – übertriebener Ausdruck, sentimentale Angst, scharfes Drama. Die besten Werke dieser Richtung sind „Rural Honor“ von Mascagni und „Pagliacci“ von Leoncavallo. Dank der psychologischen Tiefe überwindet das Werk von G. Puccini, der „La Boheme“, „Tosca“ und „Cio-Cio-San“ schrieb, die Grenzen des Verismus.

In Frankreich hat sich die lyrische Oper entwickelt, die sich von der großen Oper durch intimere Themen und der klassischen Literatur entlehnte Handlungsstränge unterscheidet. Dies sind die Opern „Manon“ und „Werther“ von J. Massenet, „Faust“ und „Romeo und Julia“ von C. Gounod, „Hamlet“ von A. Thomas und andere. Es entstanden lyrische Opern zu exotischen orientalischen Themen. Dies sind „Lakme“ von L. Delibes, „The Pearl Seekers“ und „Jamile“ von J. Bizet, „Samson and Delilah“ von C. Saint-Saens. In lyrischen Opern werden menschliche Erfahrungen wahrhaftig und subtil verkörpert. Die Darstellung des Alltags ist von Poesie geprägt. Die Musiksprache dieser Opern ist demokratisch und der urbanen Folklore nahe.

G. Bizets Oper Carmen gilt als Höhepunkt des Realismus in der französischen Oper. Bizets Werk zeichnet sich durch Schärfe der Formen und Klarheit der Darstellung aus. Die Helden der Oper sind einfache Menschen mit starken und widersprüchlichen Charakteren. Diese Oper verkörpert den spanischen Nationalmusikgeschmack. Es enthält einen spannungsgeladenen Ablauf dramatischer Ereignisse und verschiedene Volksszenen. Dies ist eine der beliebtesten Opern der Welt. PI. Tschaikowsky erkannte es als „ein Meisterwerk im wahrsten Sinne des Wortes“.

Mitte des 19. Jahrhunderts war die Geburt eines neuen Musik Genre- Operette – eine leichte Oper, die sowohl Tanz als auch Dialoge beinhaltet (abgeleitet von der komischen Oper). Der Geburtsort der Operette ist Frankreich, ihre Begründer sind die Komponisten F. Herve und J. Offenbach.

In A in mit t r und zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Neben Wien wurden Salzburg, Seizenstadt, Esterhaz und andere zu Musikzentren. Die Wiener Hofoper wurde 1869 eröffnet und entwickelte sich zum führenden Musiktheater des Landes. Sein Repertoire wurde von französischen und italienischen Opern dominiert. Im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts. erhielt die Entwicklung von Venets „Operette“. Seine Gründer: F. Zuppe (1819-1895), der „Die schöne Galatea“, „Boccaccio“ und eine seiner besten Operetten – „Donna Juanita“ – schrieb; I. Strauss (Sohn) (1825 -1849) – seine besten Schöpfungen“ Zigeunerbaron“, „Die Fledermaus“ usw. Ein bedeutender Komponist dieses Genres ist K. Mialeker (1842-1899) – der Autor der Operetten „Der Bettlerstudent“, „Gasparon“, „Armer Jonathan“.

Die Werke dieser Komponisten verwenden häufig Volksmelodien, Tanzrhythmen und Operetten zeichnen sich durch ihre Melodie aus.

Die Wiener Walzer („Die blaue Donau“, „Geschichten aus dem Wienerwald“ usw.) brachten auch I. Strauss Weltruhm, wodurch er den Namen „König der Walzer“ erhielt.

Obwohl für Kreativität Englische Komponisten 19. Jahrhundert Generell ist das Fehlen eines ausgeprägten Nationalcharakters charakteristisch, die Opernkultur in England wuchs intensiv. Das Covent Garden Theatre war das größte in England und beherbergte Aufführungen der italienischen Royal Opera. 1856 wurde die Royal English Opera gegründet. Am Ende des 19. Jahrhunderts. Es kommt eine Zeit, die unter dem Namen der englischen Musikrenaissance in die Geschichte eingeht – das Interesse der Komponisten an nationalen Themen nimmt zu.

Kunst. In dieser Art von Kunst ist das Hauptmerkmal des Realismus das Verständnis des sozialen Charakters einer Person. Allerdings ist der Realismus in der Malerei stärker als in der Literatur mit bildnerischen Mitteln verbunden, die die Illusion visueller Authentizität erzeugen.

Der realistische Trend in der französischen Malerei stärkte ihre Position Mitte des neunzehnten V. nach der Revolution von 1848. In der Geschichte der französischen Kunst war der Kampf zwischen zwei Lagern, zwei grundsätzlich gegensätzlichen Kunstkulturen, noch nie so heftig wie in dieser Zeit. Die besten Eigenschaften des französischen Volkes und seiner fortschrittlichen Kunst wurden von Künstlern wie Millet, Courbet, Manet und Carpa verkörpert. Sie durften keine Ausstellungen besuchen, sie wurden in Zeitungen und Zeitschriften verfolgt. Sie wurden von einer Vielzahl von Kunsthändlern, Günstlingen Napoleons III. und der gesamten reaktionären Bourgeoisie des Zweiten Kaiserreichs bekämpft.

J. F. Mimet (1814-1875) zeigte in seinen monumentalen und lebensreichen Gemälden die französische Bauernschaft, ihre Arbeit, ihre moralische Stärke („Die Sammler“, „Angelus“).

Millet und Courbet wurden zu den Vorläufern des Impressionismus. Die Werke von Edouard Manet (1832-1883) sind Paris gewidmet. Er ist einer der brillantesten Koloristen der Weltkunst. In seinen Gemälden wird mit erstaunlicher Wachsamkeit und Frische eine wahre Charakterisierung aller Arten von Pariser Einwohnern („Frühstück im Atelier“, „Lesung“, „Im Boot“, „Dana“) vermittelt, die auf unsere Tage übertragen das Erscheinen des damaligen Frankreichs. Obwohl Manet in den ersten Gemälden versuchte, die Bilder und Handlungen der alten Meister im Geiste der Moderne zu überdenken („Frühstück im Gras“, „Olympia“), begann er, Gemälde zu alltäglichen, historischen und revolutionären Themen zu schaffen. Die stärkste Seite in der Geschichte des französischen kritischen Realismus stammt von ihm letztes Bild„Bar at the Folies Bergère“ handelt von der Einsamkeit der menschlichen Existenz. Im Vorgriff auf den Impressionismus wandte er sich der hellen Pleinair-Malerei („Argenteuil“) zu (plein air (französisch plein air, wörtlich – Open Air) – in der Malerei die Reproduktion von Veränderungen der Luftumgebung aufgrund von Sonnenlicht und dem Zustand der Atmosphäre ).

Die Blütezeit der englischen Malerei fällt in das 19. Jahrhundert. für das erste Drittel des Jahrhunderts. Es ist mit der Entwicklung einer brillanten Landschaftsmalerei verbunden.

Einer der originellsten Künstler seiner Zeit war William Termu (1775-1851). Er reiste viel durch Europa und seine Landschaften bekamen einen romantischen Schwerpunkt („Schiffbruch“). Seine Gemälde sind kühn in koloristischen und lichtdurchfluteten Suchen, mit einer verzerrten Objektskala, sozusagen die Vorläufer des Impressionismus („Regen, Dampf und Geschwindigkeit“). Berühmt wurde er auch als Historienmaler, der Landschaften mit mythologischen oder mythologischen Motiven schuf historische Szenen(„Der Garten der Hesperiden“, „Dido baut Karthago“ usw.)

Kreativität F. Goya. Nach dem Tod von Velázquez im Jahr 1660 befand sich die spanische Kunst hundert Jahre lang in einem Zustand des tiefen Niedergangs. Und erst im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert. Das rückständige Spanien brachte unerwartet einen brillanten Künstler hervor, der nicht nur zu einem der größten Maler und Grafiker Spaniens wurde, sondern auch einen tiefgreifenden Einfluss auf die gesamte europäische Kunst des 19. und 20. Jahrhunderts hatte – Francisco Goya (1746 – 1828). Er schuf eine Vielzahl wunderschöner Fresken, Gemälde, Radierungen, Lithographien und Zeichnungen. (Radierung (aus dem Französischen: Salpetersäure) ist eine Art der Gravur, bei der eine Zeichnung mit einer Graviernadel in eine Schicht aus säurebeständigem Lack geritzt wird, die eine Metallplatte bedeckt. Die gekratzten Stellen werden mit Säure geätzt und das resultierende tiefe Bild entsteht wird mit Farbe gefüllt und auf Papier gezogen.)

Theater. Im politisch zersplitterten Deutschland konzentrierte sich das Theaterleben auf kleine Städte in dem die Hoftheater das klassische Repertoire spielten.

Die Abschaffung der Monopole der Hoftheater im Jahr 1869 führte zur Entstehung vieler kommerzieller Theater und zu einem Rückgang des künstlerischen Niveaus des Repertoires. Der Kampf um die Schaffung von Aufführungen als einstufiges Werk wurde vom Meininger Theater begonnen, das 1871 zum Stadttheater wurde. Die größten Schauspieler in Deutschland in der Mitte und am Ende des 19. Jahrhunderts. waren B. Davison, A. Mashkovsky, E. Possart.

In den Stücken von G. Ibsen, G. Hauptmann glänzten die großen Tragiker I. Kaina und A. Zorma.

Um die Jahrhundertwende wurde Berlin zum Theaterzentrum Deutschlands. 1883 wurde das Deutsche Theater eröffnet, 1889 das Freie Theater, das die Dramaturgie von Ibsen, Hauptmann, E. Zola, L. Tolstoi förderte.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Das Theaterleben von A. in s t r war geprägt von einer großen kreativen Blüte der Theater der Vororte, die mit der Tätigkeit des Dramatikers F. Raimund und des Schauspielers I. N. Motley verbunden war. Nach der Revolution von 1848 verloren diese Theater jedoch ihren demokratischen Charakter und in ihrem Repertoire überwiegen unterhaltsame Stücke.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Den führenden Platz im Theaterleben Österreichs nahm das Burgtheater ein. Ihr Leiter G. Laube genehmigte die Klassiker auf der Bühne. In 70-8Q-e. Das Theater wurde von F. Dilgenstedt geleitet, der eine Reihe von Shakespeare-Tragödien, Stücken von Ibsen, Gogol, Turgenjew und L. Tolstoi inszenierte.

Ballett. Der Geburtsort des modernen europäischen Balletts ist Et a l und I. Das italienische Ballett basierte auf den Traditionen der antiken Pantomime und des Tanzes sowie der reichen Kultur des Volkstanzes. An der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. In der Entwicklung des italienischen Balletts begann eine neue Etappe, die mit der Zeit des Befreiungskampfes des italienischen Volkes zusammenfiel. Die Aufführungen basieren auf dem Prinzip des wirkungsvollen Balletts und sind voller Dramatik, Dynamik und Ausdruck. Solche Ballette wurden von G. John und S. Vshit inszeniert und Pantomimetänzer traten darin auf.

Das Theater La Scala galt als das größte Zentrum der Ballettkunst in Europa; 1813 wurde am Theater eine Ballettschule gegründet.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. in Italien sowie in anderen Ländern Westeuropa, kam es zu einem Rückgang der Ballettkunst. Zu dieser Zeit etabliert sich ein virtuoser Spielstil. Der Fokus liegt auf der Überwindung technischer Schwierigkeiten und die dramatische Ausdruckskraft wird in den Hintergrund gedrängt. In den 80er Jahren des 19. Jahrhunderts. Es wurden überwiegend bezaubernde Aufführungen aufgeführt, die umständlich und in der Regel ohne ideologischen Inhalt waren.

Baudelaire Charles- Französischer Dichter. Die dichterische Tätigkeit von B. fiel mit dem Aufblühen romantischer und parnassianischer Strömungen in der französischen Literatur zusammen. Nach dem Sturm der Französischen Revolution und dem Epos der Napoleonischen Kriege etablierte sich in Frankreich eine bürgerliche Ordnung, die nicht nur die Bestrebungen der breiten Volksmassen, sondern auch die Bestrebungen der Mittelschichten, also der Kleinen, erfüllte Bourgeoisie, die die meisten Künstler im Allgemeinen und insbesondere Schriftsteller und Dichter hervorbrachte.

Es sollte auch beachtet werden, dass Baudelaire im Zeitalter von 1848, als eine starke revolutionäre Erschütterung die bürgerliche Welt erschütterte, sozusagen aufwachte. Zu dieser Zeit gehören seine Werke „Twilight“, „Dawn“ und „Rag-Pickers' Feast“. In B.s Gedichten tauchten allmählich demokratische und leicht revolutionäre Töne auf, die jedoch bald in noch düstererer Enttäuschung erstarben.

Sein Hauptwerk ist „Blumen des Bösen“ (Les fleurs du mal, 1857; es gibt russische Übersetzungen von Yakubovich-Melshin und Ellis; viele andere Dichter haben es übersetzt: Sologub, Vyacheslav Ivanov und andere). „Flowers of Evil“ ist die Quintessenz jener Stimmungen, über die wir oben gesprochen haben. Als Zeitgenosse der Parnassianer, der eine ungewöhnliche Filigranität der poetischen Form, Festigkeit der Struktur, Sparsamkeit in Worten, strengen Rhythmus und eine Auswahl der Bilder sowie eine tiefe Übereinstimmung mit ihnen in den Ausdrücken forderte, gehorchte B. nicht nur all diesen Bedingungen, sondern wandte sich um erweist sich als einer der größten Meister dieser auf seine Weise klassischen Versform. B. gehört zur Gattung der Dichter-Bildhauer. Er schnitzt oder fälscht seine Gedichte. Seine Werke sind solide, jedes Wort steht definitiv an seinem Platz. Die Handwerkskunst ist hier männlich.

Der Realismus als eigenständiger Trend etablierte sich in den 40er Jahren des 19. Jahrhunderts und ging später in die Form des kritischen Realismus über (der höchste Punkt des Realismus ist die Anprangerung der Laster der Gesellschaft). Mit der Entwicklung des Realismus ging die Entwicklung der kapitalistischen Produktionsweise und damit die Zunahme gesellschaftlicher Widersprüche einher, die sich in der damaligen Kunst widerspiegelte.

Realismus in der Kunst des 19. Jahrhunderts. vereint sich mit Romantik

Enttäuschung über die Ergebnisse der Revolutionen

Negative Einstellung gegenüber der bürgerlichen Realität

Appell an die geistige Welt des Menschen

Der Kampf um die Selbstbehauptung der Persönlichkeit

Das Thema Nationalität liegt nahe

Allerdings im Gegensatz zu den Romantikern, die vor der Realität fliehen und nachdenken Notfälle, außergewöhnliche Persönlichkeiten, heroische Situationen, ein stürmisches Leben voller Leidenschaften, der Realismus dringt tief in die Realität, in das öffentliche Leben ein.

Neue Ansätze realistischer Künstler des 19. Jahrhunderts. in der Reflexion dessen, was wirklich „hier und jetzt“ geschieht. Künstler waren von der Möglichkeit des objektiven Wissens überzeugt existierende Welt Mittel der Kunst. Sie wandten sich den Schauplätzen des bürgerlichen Lebens zu, beleuchteten das Leben der Bauern, das Arbeitsleben der städtischen Unterschicht.

Einer der ersten Realisten in der französischen Malerei war Gustave Courbet, der sich mit dem Thema Arbeit befasste („Stone Crushers“), malte soziale Leinwände nach realen Motiven („Funeral in Ornan“). Courbets „Prosaismus“ ist eine offene Herausforderung für die offizielle Kritik.

Francois Millet- ein Bauerngenre, ohne melodramatische und ethnografische Schattierungen, aber durch die Übertragung von Körperhaltungen, Gesten, Körperbewegungen offenbarte es die Natur des Arbeitsprozesses, die Stärke und Geschicklichkeit der Bauern („Bäuerinnen mit Reisig“, „Sammler“) - epische monumentale Gemälde voller Vitalität und Wahrheit.

Honoré Daumier ist ein Künstler des kritischen Realismus, der wie O. Balzac in Tausenden von Lithografien, Zeichnungen und Gemälden die „Menschliche Komödie“ der damaligen Zeit schuf – Karikaturen von König Louis Philippe in den satirischen Zeitschriften „Caricature“ und „Sharivari“ ( „Down the Curtain“), sein Hauptgenre ist eine Moralsatire: die spießbürgerliche Welt der Betrüger, Narren, Provinziale in der Hauptstadt („Richter der Gerechtigkeit“). „Laundress“ ist kein Porträt, sondern ein kollektives Bild aller Pariser Wäscherinnen; ein Porträt, in dem der Autor seine ganze Liebe zu den Menschen zum Ausdruck brachte. Eine Reihe von Illustrationen zu Don Quijote, in denen der Künstler im Bild des Protagonisten versuchte, seine eigene Stellung in der Gesellschaft, das Thema des menschlichen Leidens, widerzuspiegeln. Die soziale Schärfe seiner Geschichten ist ein Gegengewicht zur verbotenen Zensur.

Französische Nationallandschaft:

Jean Baptiste Camille Corot- poetische Spiritualität der Natur; Lieblingsmotiv - „after the rain“, d.h. sich ändernder Naturzustand; Die silberne Tonalität seines Gemäldes ist „der graue Dunst von Koro“.

Barbizon-Schule- das Hauptziel: die Darstellung der Originalität der nationalen Landschaft, die Übertragung der sich verändernden Naturzustände, die Ablehnung kompositorischer Kanons. Theodor Russo- „Landschaft mit Brücke“ – eine Landschaft aus der Natur, besonderes Augenmerk auf die Form, alle Bäume sind individuell, die malerische Modellierung macht sie voluminös und fast skulptural, ihre Monumentalität wird durch einen niedrigen Horizont betont.

Jules Dupre- „Herbstlandschaft“ – die Wirkung der untergehenden Sonne betont den Farbkontrast der Herbstlandschaft nach dem Regen, die Bäume dominieren die Komposition und wirken besonders feierlich.

Charles Daubigny- Flusslandschaften („Ufer der Oise“), der Wunsch, kleinste Veränderungen im Naturzustand einzufangen, eine subtile bildliche Übertragung von Licht, das Objekte umhüllt.

Ab dem Ende des 18. Jahrhunderts. Frankreich spielte eine wichtige Rolle im gesellschaftspolitischen Leben Westeuropas. 19. Jahrhundert war von einer breiten demokratischen Bewegung geprägt, die fast alle Bereiche der französischen Gesellschaft umfasste. Auf die Revolution von 1830 folgte die Revolution von 1848. Im Jahr 1871 unternahm das Volk, das die Pariser Kommune ausrief, den ersten Versuch in der Geschichte Frankreichs und ganz Westeuropas, die politische Macht im Staat zu ergreifen.

Die kritische Lage im Land konnte sich nur auf die Haltung der Menschen auswirken. In dieser Zeit sucht die fortgeschrittene französische Intelligenz nach neuen Wegen in der Kunst und nach neuen Formen des künstlerischen Ausdrucks. Deshalb wurden in der französischen Malerei viel früher als in anderen westeuropäischen Ländern realistische Tendenzen entdeckt.

Die Revolution von 1830 brachte demokratische Freiheiten in das Leben Frankreichs, die sich die Grafiker zunutze machten. Scharfe politische Karikaturen, die sich gegen die herrschenden Kreise und die in der Gesellschaft vorherrschenden Laster richteten, füllten die Seiten der Zeitschriften Sharivari und Caricature. Illustrationen für Zeitschriften wurden in der Technik der Lithographie angefertigt. Künstler wie A. Monnier, N. Charlet, J. I. Granville sowie der bemerkenswerte französische Grafiker O. Daumier arbeiteten im Genre der Karikatur.

Eine wichtige Rolle in der Kunst Frankreichs zwischen den Revolutionen von 1830 und 1848 spielte der realistische Trend in der Landschaftsmalerei – die sogenannte. Barbizon-Schule. Dieser Begriff leitet sich vom Namen des kleinen malerischen Dorfes Barbizon in der Nähe von Paris ab, wo in den 1830er und 1840er Jahren. Viele französische Künstler kamen, um die Natur zu studieren. Unzufrieden mit den Traditionen der akademischen Kunst, ohne lebendige Konkretheit und nationale Identität, eilten sie nach Barbizon, wo sie alle Veränderungen in der Natur sorgfältig untersuchten und Bilder malten, die bescheidene Ecken der französischen Natur darstellten.

Obwohl sich die Werke der Meister der Barbizon-Schule durch Wahrhaftigkeit und Objektivität auszeichnen, spüren sie stets die Stimmung des Autors, seine Gefühle und Erfahrungen. Die Natur in den Landschaften des Barbizons wirkt nicht majestätisch und fern, sie ist nah und für den Menschen verständlich.

Oft malten Künstler den gleichen Ort (Wald, Fluss, Teich) zu unterschiedlichen Tageszeiten und bei unterschiedlichen Wetterbedingungen. Die im Freien entstandenen Etüden wurden in der Werkstatt bearbeitet und es entstand ein kompositorisch einheitliches Bild. Sehr oft verschwand im fertigen Gemälde die für Etüden charakteristische Frische der Farben, so dass sich die Leinwände vieler Barbizons durch eine dunkle Farbe auszeichneten.

Der größte Vertreter der Barbizon-Schule war Theodore Rousseau, der, bereits ein bekannter Landschaftsmaler, sich von der akademischen Malerei abwandte und nach Barbizon kam. Rousseau protestiert gegen die barbarische Abholzung der Wälder und verleiht der Natur menschliche Qualitäten. Er selbst sprach davon, die Stimmen der Bäume zu hören und sie zu verstehen. Als ausgezeichneter Kenner des Waldes vermittelt der Künstler sehr genau die Struktur, Art und Größe jedes einzelnen Baumes („Wald von Fontainebleau“, 1848–1850; „Eichen in Agremont“, 1852). Gleichzeitig zeigen die Werke Rousseaus, dass der Künstler, dessen Stil unter dem Einfluss der akademischen Kunst und der Malerei der alten Meister geformt wurde, das Problem der Übertragung von Licht und Luft trotz aller Bemühungen nicht lösen konnte . Daher sind Licht und Farbe in seinen Landschaften meist bedingt.

Rousseaus Kunst hatte großen Einfluss auf junge französische Künstler. Vertreter der Akademie, die an der Auswahl der Gemälde in den Salons beteiligt waren, versuchten, die Arbeit von Rousseau in der Ausstellung zu verhindern.

Bekannte Meister der Barbizon-Schule waren Jules Dupre, dessen Landschaftsbilder Merkmale der romantischen Kunst aufweisen („Die große Eiche“, 1844–1855; „Landschaft mit Kühen“, 1850) und Narcissus Diaz, der mit ihnen den Wald von Fontainebleau bewohnte Aktfiguren von Nymphen und antiken Göttinnen („Venus mit Amor“, 1851).

Der Vertreter der jüngeren Generation von Barbizons war Charles Daubigny, der seine Karriere mit Illustrationen begann, allerdings in den 1840er Jahren. der Landschaft gewidmet. Seine lyrischen Landschaften, die den unprätentiösen Ecken der Natur gewidmet sind, sind voller Sonnenlicht und Luft. Sehr oft malte Daubigny nicht nur Skizzen, sondern auch fertige Gemälde nach dem Leben. Er baute eine Bootswerkstatt, mit der er den Fluss entlang segelte und an den schönsten Orten Halt machte.

Der größte französische Künstler des 19. Jahrhunderts stand den Barbizons nahe. K. Koro.

Die Revolution von 1848 führte zu einem außergewöhnlichen Aufschwung im gesellschaftlichen Leben Frankreichs, in seiner Kultur und Kunst. Zu dieser Zeit wirkten im Land zwei bedeutende Vertreter der realistischen Malerei – J.-F. Millet und G. Courbet.

Der französische Realismus wird vor allem mit den Namen Stendhal und Balzac in Verbindung gebracht, und das ist historisch gesehen auch so. Wir dürfen jedoch nicht vergessen, dass sie talentierte Vorgänger hatten, in deren Werken die realistischen Prinzipien des Schreibens sehr deutlich zum Ausdruck kamen. Die Rede ist vom Dichter Pierre-Jean Beranger, der durch seine Lieder weithin bekannt wurde, und vom Prosaschriftsteller Paul-Louis Courier, dem berühmten Pamphletisten, der der französischen Sprache laut Stendhal „die frühere Einfachheit“ zurückgab. Berangers Lieder und Couriers Broschüren trugen zur Entwicklung einer realistischen Poetik bei. Das gleiche Ziel verfolgten alltägliche, moralistische und „physiologische“ Essays, die die Massenschule des französischen Realismus darstellten.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts traten auf der literarischen Bühne Frankreichs große Schriftsteller auf, die ihr Weltruhm verschafften: Frederic Stendhal (Pseudonym von Henri-Marie Beyle; 1783-1842), Honore de Balzac (richtiger Name - Balsa; 1799). -1850) und Prosper Mérimée (1803 -1870).

Stendhal (die Romane „Armane“, „Rot und Schwarz“, „Das Kloster von Parma“, „Lucien Levin“, „Lamiel“, die Erzählung „Erinnerungen eines Egoisten“, die Kurzgeschichte „Vanina Vanini“, die Bücher „Das Leben von Haydn, Mozart und Metastasio“, „Geschichte der Malerei in Italien“, „Rom, Neapel und Florenz“, „Über die Liebe“, „Das Leben von Rossini“, „Racine und Shakespeare“ und andere Werke) war der Schöpfer des realistischer psychologischer Roman. Das war seins Hauptverdienst, an dem die Weltliteraturbewegung nicht vorbeikam.

Stendhal war ein Demokrat, der nach den Ursachen von Phänomenen in der umgebenden Realität suchte. Er hatte ein außergewöhnliches Interesse am menschlichen Geist und seinen Verbindungen zu den Sinnen. Stendhal glaubte früher, dass allen menschlichen Handlungen ein persönliches, egoistisches Verlangen zugrunde liegt, das jedoch einem moralischen Sinn untergeordnet werden muss. Er legte großen Wert auf den Willen und betrachtete ihn als eine der Hauptkräfte der Persönlichkeit.

In Kunstwerken legt Stendhal im Gegensatz zu anderen Realisten, insbesondere Balzac, einen stärkeren Schwerpunkt auf die innere Welt eines Menschen als auf die Gesellschaft und auf die äußere Umgebung des Helden. Ein Mensch zieht ihn nicht so sehr als soziales Produkt an, sondern als das Leben seines Bewusstseins. Dennoch verzichtet Stendhal nicht auf den sozialgeschichtlichen Determinismus. So umgibt Stendhal Pietro, den Helden des Romans „Vanina Vanini“, mit einem romantischen Heiligenschein und motiviert seine Leidenschaft mit der Nationalität (italienisch), der besonderen Rolle der Religion in seinem Kopf (nach der Niederlage fühlt er sich als Patriot bestraft). und greift auf die Religion zurück), soziales Gefühl, das ihm befiehlt, die Liebe einer Frau der Liebe seines Heimatlandes vorzuziehen. Um die Prinzipien der Kreativität zu skizzieren, nutzt Stendhal seine Erfahrung und wählt die Charaktere, die er darstellt, aus Menschen, die er kennt: „Ich nehme einen der Menschen, die ich kannte, und sage mir: Dieser Mensch hat sich bestimmte Gewohnheiten angeeignet und geht jeden Morgen nach dem Glück zu suchen, und dann gebe ich ihm etwas mehr Intelligenz.“ Stendhal glaubte, dass der Mensch (und in vielerlei Hinsicht auch die Gesellschaft) von Leidenschaften beherrscht wird. Die wichtigste davon ist die Liebe, die zum Mittelpunkt seines künstlerischen Interesses geworden ist.

Stendhal identifiziert vier Liebesleidenschaften („On Love“): „Leidenschaft-Liebe“, „Leidenschaft-Ehrgeiz“, „Leidenschaft-Anziehung“, „körperliche Leidenschaft“. Das Hauptaugenmerk liegt auf den ersten beiden, von denen „Leidenschaft-Liebe“ wahr und ewig ist und „Leidenschaft-Ehrgeiz“ heuchlerisch ist und im 19. Jahrhundert geboren wurde.

Stendhals Psychologismus basiert einerseits auf dem Gegensatz von „Leidenschaft-Liebe“ und „Leidenschaft-Ehrgeiz“ und andererseits auf dem Gegensatz von Leidenschaften und Vernunft. Der Held von Stendhal bemerkt, wie später Lermontovs Petchorin, dass in ihm zwei Personen in einer Person zu existieren scheinen: Die eine lebt und handelt, die andere beobachtet ihn. Aus der Erfahrung der Kontemplation zieht der Autor eine wichtige Schlussfolgerung: „Die Seele hat nur Zustände, sie hat keine stabilen Eigenschaften.“ Der tiefgreifendste Weg, die innere Welt, das Leben der Seele zu offenbaren, ist der innere Monolog, der für alle Hauptfiguren des Schriftstellers charakteristisch ist – Julien Sorel, Lucien Levin, Fabrizio del Dongo usw.

Im spirituellen Leben von Stendhal ist die Gedankenbewegung von Interesse, da Leidenschaften von einem rationalen Prinzip durchdrungen sind. Der Autor hört vor dem Studium der mentalen Zustände auf und weist nur auf sie hin. Die Handlungen der Figuren werden von ihm jedoch stets in Verbindung mit Reaktionen darauf dargestellt, was die unendliche Individualität des rationalen und sinnlichen Erlebens der Menschen erahnen lässt.

In den Tiefen der romantischen Kunst des frühen 19. Jahrhunderts nahm der Realismus Gestalt an, der mit fortschrittlichen öffentlichen Gefühlen verbunden war. Dieser Begriff wurde erstmals Mitte des 19. Jahrhunderts geprägt. Der französische Literaturkritiker J. Chanfleury bezeichnet Kunst, die sich der Romantik und dem Symbolismus widersetzt. „Aber der Realismus ist eine Kategorie, die tiefer geht als einzelne künstlerische Stile in der Kunst.“ Realismus in weiten Sinne Worte, die auf eine vollständige Widerspiegelung des wirklichen Lebens abzielen. Es handelt sich um eine Art ästhetischen Kern der künstlerischen Kultur, der bereits in der Renaissance – „Renaissance-Realismus“ – und im Zeitalter der Aufklärung – „Aufklärungs-Realismus“ – spürbar war. Aber seit den 1930er Jahren

19. Jahrhundert Die realistische Kunst, die eine genaue Wiedergabe der Umgebung anstrebte, prangerte unfreiwillig die bürgerliche Realität an. Mit der Zeit wird dieser Strom aufgerufen kritischer Realismus, fiel mit dem Aufstieg der Arbeiterbewegung in verschiedenen europäischen Ländern zusammen.

Ursprünglich wurde der Realismus mit dem Naturalismus gleichgesetzt, und der Übergang zu ihm, etwa in Deutschland und Österreich, erfolgte Biedermeier - eine Stilrichtung, die durch die Poetisierung der Welt der Dinge, den Komfort einer häuslichen Inneneinrichtung und die große Aufmerksamkeit für Familienalltagsszenen gekennzeichnet war. Biedermeier degenerierte recht schnell zu spießbürgerlichem, zuckersüßem Naturalismus, bei dem unbedeutende Alltagsdetails, die aber „genau wie im Leben“ ausgeschrieben waren, an erster Stelle standen.

In Frankreich war Realismus mit Pragmatismus, der Vorherrschaft materialistischer Ansichten und der dominierenden Rolle der Wissenschaft verbunden. Zu den größten Vertretern des Realismus in der Literatur zählen O. Balzac, G. Flaubert und in der Malerei O. Daumier und G. Courbet.

Unterstützen Sie deBalzac(1799-1850) schilderte bereits in einem seiner ersten Werke Shagreen Skin, der romantische Bilder und Symbolik mit einer nüchternen Analyse verband, realistisch die Atmosphäre von Paris nach der Revolution von 1830. Nach den Gesetzen seiner Kunst zeigte Balzac in einer Reihe von Romanen und Erzählungen, aus denen das Epos „Die menschliche Komödie“ bestand, einen sozialen Teil der Gesellschaft, in dem Vertreter aller Klassen, Staaten, Berufe und psychologischen Typen leben und interagieren , die zu gebräuchlichen Substantiven geworden sind, wie zum Beispiel Gobsek und Rastignac . Das Epos, bestehend aus 90 Romanen und Erzählungen, die durch eine gemeinsame Idee und Charaktere verbunden sind, umfasste drei Abschnitte: Moralstudien, philosophische Studien und analytische Studien. Etüden über Sitten zeigten Szenen aus dem Leben in der Provinz, Paris, auf dem Land, privat, politisch und militärisch. So zeigte Balzac auf brillante Weise die Entwicklungsgesetze der Realität in einer Spirale von Fakten zur philosophischen Verallgemeinerung. In den Worten des Autors selbst versuchte er, eine Gesellschaft darzustellen, die „die Grundlage ihrer Bewegung enthält“. Balzacs Epos ist ein realistisches Bild der französischen Gesellschaft von grandiosem Umfang, das ihre Widersprüche, die Kehrseite der bürgerlichen Verhältnisse und Sitten widerspiegelt. Gleichzeitig hat Balzac immer wieder argumentiert, dass er keine Porträts bestimmter Personen, sondern verallgemeinerte Bilder malt: Seine literarischen Figuren seien keine sklavisch kopierten Modelle, sondern eine Art Musterbeispiel der Gattung, die die charakteristischsten Merkmale dieser oder dieser Art vereint dieses Bild. Die Verallgemeinerung ist eines der Hauptprinzipien der Ästhetik Balzacs.

Ästhetik Gustaea Flaubert(1821-1880) fand seinen Ausdruck in dem von ihm geschaffenen Konzept über die besondere Rolle und den Elitismus der Literatur, die er mit der Wissenschaft verglich. Das Erscheinen des Romans Madame Bovary markierte eine neue Ära in der Literatur. Anhand einer einfachen Geschichte über Ehebruch zeigt Flaubert auf unsere Art und Weise die tiefen Quellen der umgebenden Vulgarität, die moralische Bedeutungslosigkeit des Provinzbürgertums und die erdrückende Atmosphäre des Zweiten Kaiserreichs, die sich nach dem Juliputsch von Louis Bonaparte im Jahr 1848 entwickelte. Der Roman , dieses Meisterwerk der französischen Literatur, wird nicht umsonst als Enzyklopädie der französischen Provinz des 19. Jahrhunderts bezeichnet. Der Autor stellt durch Auswahl charakteristischer Details das historische Bild der gesamten Gesellschaft aus unbedeutenden Zeichen der Zeit wieder her. Die kleine Stadt Yonville, in der die Handlung des Romans spielt, stellt ganz Frankreich im Kleinen dar: Sie hat ihren eigenen Adel, ihren eigenen Klerus, ihr eigenes Bürgertum, ihre eigenen Arbeiter und Bauern, ihre eigenen Bettler und Feuerwehrleute sind an die Stelle des Militärs getreten. Diese Menschen, die Seite an Seite leben, sind im Wesentlichen gespalten, einander gleichgültig und manchmal feindselig. Die soziale Hierarchie ist hier unzerstörbar, stark

drängt die Schwachen: Die Besitzer lassen ihre Wut an den Dienern aus – an unschuldigen Tieren. Egoismus und Gefühllosigkeit breiteten sich wie eine Infektion über den ganzen Bezirk aus, Stimmungen der Hoffnungslosigkeit und Melancholie dringen in alle Poren des Lebens ein. Der Künstler Flaubert beschäftigte sich mit der Farb- und Klangstruktur des Romans, der als eine Art Begleitung diente traurige Geschichte Emma Bovary. „Für mich“, schrieb Flaubert, „war nur eines wichtig – die graue Farbe zu vermitteln, die Farbe des Schimmels, in dem Kellerasseln vegetieren.“ Mit seinem Provinzdrama versetzte Flaubert dem kleinbürgerlichen Geschmack, der Pseudoromantik einen Schlag. Kein Wunder, dass „Madame Bovary“ mit „Don Quijote“ von Cervantes verglichen wurde, was dem Hobby ein Ende setzte Ritterromantik. Flaubert bewies die enormen Möglichkeiten realistischer Kunst und hatte entscheidenden Einfluss auf die Entwicklung des Realismus in der Weltliteratur.

Die Revolution von 1830 eröffnete eine neue Etappe in der Geschichte der künstlerischen Kultur Frankreichs und trug insbesondere zur Entwicklung der Karikatur als wirksames Mittel der Kritik bei. In der Literatur, der Poesie, in der bildenden Kunst – die Grafik reagierte am deutlichsten auf revolutionäre Ereignisse. Der anerkannte Meister der satirischen Grafik war Honoré Daumier(1808-1879). Als brillanter Zeichner und Meister der Linien schuf er ausdrucksstarke Bilder mit einem Strich, einem Punkt und einer Silhouette und machte die politische Karikatur zu einer wahren Kunst.

Daumier beherrschte meisterhaft die Technik der Licht- und Schattenmodellierung, verwendete in seinen Gemälden grafische Techniken und betonte stets die Kontur. Mit einer ruhigen, fließenden schwarzbraunen Linie zeichnete er die Konturen von Figuren, Profilen und Kopfbedeckungen nach, was ein Merkmal seiner Bildmethode war.

Malerische Werke Daumiers werden durch Zyklen bezeichnet, von denen der erste revolutionär war. Man kann mit Recht sagen, dass die Revolution von 1830 die Daumier-Grafik und die Revolution von 1848 den Daumier-Maler hervorgebracht hat. Daumier war ein überzeugter Republikaner, und die Sympathien des Künstlers galten dem Proletariat und der demokratischen Intelligenz. Das bedeutendste Werk des revolutionären Zyklus ist der „Aufstand“, bei dem Daumier durch die Darstellung nur weniger Figuren und deren diagonale Anordnung den Eindruck und die Bewegung einer großen Menschenmenge sowie die Inspiration der Massen und das Ausmaß erreichte der Aktion jenseits der Leinwand. Der Schwerpunkt lag bei ihm lediglich auf der Figur eines jungen Mannes im hellen Hemd. Er ordnet sich der allgemeinen Bewegung unter und lenkt sie zugleich, indem er sich an die hinter ihm Gehenden wendet und mit der erhobenen Hand den Weg zum Ziel weist. Neben ihm steht ein Intellektueller, auf dessen blassem Gesicht das Staunen erstarrt ist, der aber, vom allgemeinen Impuls mitgerissen, mit der Menge verschmilzt.

Der Zyklus „Don Quijote“ kann als Durchgangszyklus im Werk Daumiers bezeichnet werden. Seine Interpretation der Bilder von Don Quijote und Sancho Panza hat in der französischen Kunst keine Entsprechung. Im Gegensatz zu den banalen Illustratoren von Cervantes interessierte sich Daumier nur für die psychologische Seite des Bildes, und das Leitmotiv aller seiner 27 Variationen ist der hagere, unglaublich große und gerade Don Quijote, der auf seinem monströsen Knochen durch eine düstere Hügellandschaft reitet , ähnlich der gotischen Chimäre Rossinante; und hinter ihm, auf einem Esel, der feige Sancho Pansa, der immer zurückbleibt. Das Bild von Sancho sagt sozusagen: genug Ideale, genug Kampf, es ist Zeit, endlich aufzuhören. Aber Don Quijote geht stets voran, getreu seinem Traum, er lässt sich nicht von Hindernissen aufhalten, er zieht nicht die Segnungen des Lebens an, er ist ganz in Bewegung, auf der Suche.

Wenn Daumier in „Don Quijote“ den tragischen Widerspruch zwischen den beiden Seiten der menschlichen Seele widerspiegelte, dann entstand in der Serie „Richter und Anwälte“ ein erschreckender Kontrast zwischen der Erscheinung, dem Erscheinungsbild eines Menschen und seinem Wesen. In dieser wirklich brillanten Serie stieg Daumier zum sozialen und sozialen Aufstieg auf

Der Realismus nahm in den Tiefen der Romantik zu Beginn des 19. Jahrhunderts Gestalt an. Diese neue Wende war mit einer fortschrittlichen öffentlichen Stimmung und der Intensivierung der Prozesse der Bildung von Nationen, nationalen Kulturen und dem Interesse daran verbunden ethnische Geschichte und Kultur vor allem zur Nationalliteratur. Wir werden später über Romantik und Symbolik sprechen, irgendwie im Rahmen eines separaten Themas. Im Moment ist es wichtig und ausreichend zu sagen, dass die Romantik die führende Rolle des Klassizismus und des Akademismus bei der Entwicklung der bildenden Künste entlarvt und abgelehnt hat.

Erstes Semester Realismus Mitte des 19. Jahrhunderts eingeführt Französischer Schriftsteller und Literaturkritiker J. Chanfleury. Realismus bedeutete Vollständigkeit und genaue anzeige umgebendes wirkliches Leben, das unabsichtlich die Laster und Probleme der bürgerlichen Realität der Zeit enthüllte.

J. Chanfleury

Der Realismus als ästhetisches Phänomen in der künstlerischen Kultur war jedoch keine absolute Neuheit, ohne die Verwendung entsprechender Terminologie war er bereits in der Renaissance – „Renaissance-Realismus“ und während der Aufklärung – „Aufklärungs-Realismus“ zu spüren. Aber im 19. Jahrhundert verschiedene Länder er hatte seine eigenen Besonderheiten.

In Frankreich heißt Realismus Kritischer Realismus , war mit Pragmatismus und der Vorherrschaft materialistischer Ansichten verbunden, der dominierenden Rolle der Wissenschaft und der französischen Nationalliteratur bei der Festlegung der Ziele der Entwicklung der bildenden Künste. Zu den größten Vertretern des französischen kritischen Realismus in der Literatur zählten O. Balzac, V. Hugo und G. Flaubert, deren Werke im gebildeten Teil bekannt waren Russische Gesellschaft und bereits teilweise übersetzt.

Honore de Balzac

Victor Hugo Gustave Flaubert

Die Hauptvertreter des kritischen Realismus in der französischen Malerei waren Honore Daumier, Gustave Courbet, Francois Millet, Camille Corot und Theodore Rousseau.

Revolution von 1830 eröffnete eine neue Etappe in der Entwicklung der bildenden Kunst, der Karikatur, insbesondere der brillanten, ausdrucksstarken Bilder O. Daumier (1818-1879) machte satirische Grafiken zu einer wahren Kunst.

Honore Daumier Porträt von O. Daumier im Genre der Karikatur

Daumiers grafische und bildnerische Werke werden durch Serien oder Zyklen bezeichnet: „Don Quijote“ und „Menschen der Gerechtigkeit“ („Richter und Anwälte“), aber die erste war eine revolutionäre Serie, die aus zwei Teilen bestand: 1830 und 1848. Die bedeutendsten Werke dieses Zyklus sind „Uprising“ und „The Legislative Assembly“.
Indem der Künstler nur wenige Menschen diagonal darstellte, erreichte er den Eindruck der Bewegung einer großen Menschenmenge. Der Schwerpunkt liegt auf der Figur eines jungen Mannes im hellen Hemd, der sich der allgemeinen Bewegung unterordnet, diese lenkt und mit erhobener Hand den Weg zum Ziel weist.

Aufruhr. 1830

Auf der Gravur/Lithographie stellte der Künstler die gesetzgebende Versammlung oder den gesetzgebenden Schoß der Minister und Regierungsmitglieder in Form einer hässlichen und moralisch erbärmlichen Gesellschaft dar.

Legislative Gebärmutter

In der Serie „Richter und Anwälte“ zeigt sich ein erschreckender Kontrast zwischen der Erscheinung, der äußeren Erscheinung eines Menschen und seinem Wesen. Daumiers Anwälte und Richter sind die Quintessenz von Falschheit, Heuchelei und Laster, die Personifizierung nicht nur des bürgerlichen Gerichts, sondern eines Teils der Gesellschaft als Ganzes.

Verteidiger vor Gericht

Die Interpretation der Bilder der Helden des Zyklus „Don Quijote“ – die Demonstration des tragischen Widerspruchs zwischen den beiden Seiten der menschlichen Seele – hat in der Weltkunst keine Entsprechung. Don Quijote, abgemagert, unglaublich groß, reitet auf einem monströs knochigen Rosinante durch eine düstere Hügellandschaft, folgt stets seinem Traum treu, Hindernisse halten ihn nicht auf, die Segnungen des Lebens ziehen ihn nicht an, er ist ganz in Bewegung, auf der Suche . Hinter ihm steht sein Gegenstück – auf einem Esel, immer im Rückstand, der feige Sancho Panza, der gleichsam sagt: genug Ideale, genug Kampf, es ist Zeit, endlich aufzuhören.

Don Quijote Sancho Panza und Don Quijote

Das zentrale Thema der Arbeit des Künstlers waren gewöhnliche Menschen: Arbeiter, kleine Angestellte, Handwerker, Wäscherinnen, die er malte und nicht nur sie widerspiegelte Notlage sondern der Wert ihrer Arbeit und Persönlichkeit. Sein Schlagwort „Man muss ein Mann seiner Zeit sein“ spiegelte die allgemeine Richtung des kritischen Realismus wider.

Bürde oder Wäscherin. Liebhaberin von Drucken

Wagen der 3. Klasse

Die Hauptfigur des französischen kritischen Realismus ist Gustave Courbet (1819-1877).

Gustave Courbet

Er war der erste westeuropäische Künstler, der den Realismus offen als seine kreative Methode verkündete: ohne Ausschmückung, Idealisierung und Sentimentalität, die Darstellung der unattraktivsten Aspekte des Lebens. Die Charaktere seiner Gemälde waren Vertreter aller Bevölkerungsschichten, auch der niedrigsten – Arbeiter, Bettler, Prostituierte.

Das Wichtigste im Werk von Courbet war seine Fähigkeit, bei der Darstellung bestimmter Personen ihrem Aussehen Merkmale von typischer Bedeutung zu verleihen, und einfache Genreszenen in Courbets Handlungen erhielten Züge von Monumentalität.

Winnowers Steinbrecher

Beerdigung in Ornan

Auch Porträts verleiht der Künstler oft einen Genrecharakter, indem er ein Modell in einer bestimmten Alltagsumgebung darstellt. Ein Beispiel dafür ist eine Szene, in der der Vater des Künstlers und seine Freunde sich in einem kleinen örtlichen Café entspannen.

Nachmittag Ornane

Weitere Beispiele für Courbets Porträts sind das Bild einer Person als Symbol einer bestimmten Richtung im künstlerischen Schaffen.

links - ein Porträt von Hector Berlioz - dem Begründer der Programmsymphonie
rechts - ein Porträt von Charles Baudelaire, einem Klassiker der französischen Poesie (Blumen des Bösen usw.) - dem Begründer der Dekadenz und Symbolik.

Am bezeichnendsten ist das Gemälde von Courbet Atelier oder die Werkstatt des Künstlers – eine komplexe allegorische Komposition, bei der sich hinter jedem realistischen, erkennbaren Porträtbild ein bestimmter Typus verbirgt, der vom Künstler in den Rang eines Symbols erhoben wurde.

Atelier oder Künstleratelier

Gleichzeitig betonte der Künstler, dass es sich um eine neue Art von Allegorie handele, die realistisch sei und nichts mit romantischer Fantasie oder tränenreicher Sentimentalität der Symbolik zu tun habe.
Für Courbet war die wichtigste Qualität realistischer Kunst nicht die Sympathie für die Benachteiligten und Unterdrückten, sondern die Darstellung ihrer Nützlichkeit als Mitglieder der Gesellschaft; kein Spiegelbild der inneren Welt, sondern ein soziales Merkmal der Modelle.
Courbet glaubte, dass das Wesen des Realismus in der Verleugnung des Ideals liegt, sodass der Geist in allem, was den Menschen betrifft, die Oberhand gewinnen sollte. Nur eine solche Haltung, so glaubte der Künstler, führe zur Befreiung des Einzelnen und letztlich zur Demokratie.

Stammt aus einer Bauernfamilie F. Millais (1814-1875) machte er das Leben und Werk des Bauern zum Hauptthema seiner Gemälde und zeigte die Landarbeit als einen natürlichen Zustand des Menschen, eine Form seines Wesens.

Jean Francois Millet

Der Künstler glaubte, dass sich in der Arbeit die Verbindung eines Menschen mit der Natur manifestiert, die ihn erzieht und veredelt.

Kartoffelsammler pflanzen

Mitte des 19. Jahrhunderts traten in Frankreich Künstler auf, die hauptsächlich im Bereich der nationalen Landschaft arbeiteten. Die Hauptrolle in der realistischen Landschaft gehört zu Camille Corot (1796-1875).

Camille Corot

In dem Bemühen, ein realistisches Gesamtbild der Natur zu schaffen, versuchte Corot darin seine Gefühle und Stimmungen auszudrücken. Als Hauptmittel betrachtete der Künstler das ruhig diffuse, subtilste Licht bewölkter Tage. Er arbeitete viel an der Lichtdurchlässigkeit im Bild und suchte nach vielen Schattierungen derselben Farbe mit unterschiedlichem Öffnungsverhältnis, den sogenannten Valern, um seinen Landschaften ein Zittern zu verleihen.

Windstoßquelle

Blick auf Riva. Italienisches Tirol Tivoli, Gärten der Villa d Este, Stadtrand von Rom, Italien

Die Kunst Frankreichs im Zeitalter der Aufklärung entwickelte sich unter den Bedingungen des Niedergangs des feudal-absolutistischen Systems, des Wachstums und der Festigung demokratischer antifeudaler Kräfte der Gesellschaft am Vorabend der bürgerlichen Revolution.

Der Zerfall des Absolutismus, das Erstarken neuer gesellschaftlicher Kräfte – das waren Prozesse, die Jahrzehnte andauerten. Der Adel hielt hartnäckig an seinen feudalen Privilegien fest, der absolutistische Staat bewachte sie, die Kirche unterstützte den Glauben an ihre Unantastbarkeit und verfolgte jeden Zweifel und Protest. Doch das fortgeschrittene gesellschaftliche Denken entwickelte sich immer schneller, immer häufiger kam es zu Bauern- und Stadtaufständen, die das versklavte Frankreich erschütterten.

Es war ein hartnäckiger ideologischer Kampf nötig, um die Köpfe auf die Revolution und auf das Handeln vorzubereiten. Es war notwendig, den Boden für diese Aktion zu ebnen und den Geist der Menschen von tiefsitzenden falschen Vorstellungen, vom Glauben an uralte Vorurteile, von der Unterwerfung unter monströse, der Vernunft widersprechende Gesellschaftsordnungen zu befreien.

Deshalb nannte V. G. Belinsky das 18. Jahrhundert in Frankreich das Jahrhundert der Verleugnung. Aufklärer, allen voran Voltaire und Montesquieu, Diderot und Rousseau, unterwarfen das Feudalsystem und die Kirche einer destruktiven Kritik. Die Aktivitäten der Aufklärer, ihre philosophischen und politischen Ansichten waren das wichtigste und führende Element der fortschrittlichen Kultur dieser Zeit.

französisch Kunstkultur 18. Jahrhundert spiegelte die Form der Epoche wider. Der Kampf gegen die Kirche und den Absolutismus, der ihre Autorität zerstörte, schwächte die Bedeutung religiöser und historischer Themen und die für das 17. Jahrhundert charakteristische Hierarchie der Gattungen. In der bildenden Kunst siegt sicherlich das weltliche und später das bürgerliche Prinzip. Dies spiegelt sich in den Wechselbeziehungen der Genres wider, unter denen neue Genres den Vorrang gewinnen, von den galanten Festen zu Beginn des Jahrhunderts bis zum historischen Bild der vorrevolutionären Jahre, das den heroischen Kampf verherrlicht.

Der Kampf gegen die Klassenungleichheit, die im 18. Jahrhundert herrschte. Ein solch bedeutender Umfang führte zu einer entscheidenden Behauptung der Würde des Einzelnen in der Kunst. Das Interesse an subtilen und komplexen spirituellen Bewegungen, an der Analyse von Erfahrungen in ihren subtilen Nuancen bestimmte die Originalität des Realismus des 18. Jahrhunderts. Die Suche nach dem Individuellen, das in der Kunst dieser Epoche charakteristisch ist, tritt im Gegensatz zur Apotheose des „Sonnenkönigs“ am Ende des 17. Jahrhunderts noch deutlicher hervor.

Einen wichtigen Platz in der Kunst des 18. Jahrhunderts nahmen daher das Porträt, das Alltagsgenre und das Stillleben ein – jene Genres, in denen sich die realistischen Tendenzen der künstlerischen Kultur besser entfalteten. Nie zuvor, mit Ausnahme von Holland im 17. Jahrhundert, entwickelten sich diese Genres so intensiv, nah am Alltag, an der geistigen Welt eines einfachen Menschen. Neue Tendenzen in der Kunst wurden von den Aufklärern, insbesondere Denis Diderot, wahrgenommen und energisch unterstützt; Seine Rezensionen zu Ausstellungen – den berühmten „Salons“ – zeichnen sich durch ihre lebendige Verbindung mit aus künstlerische Praxis, aktiver Schutz der erweiterten Suche.

Die Folge dieser Veränderungen war letztlich die Veränderung traditioneller Genres – mythologischer und religiöser sowie des Genres des zeremoniellen Porträts. Im zeremoniellen Porträt erklangen intime, lyrische Noten stärker und das mythologische Bild erhielt den Charakter einer galanten Szene.

Das Gesicht der französischen Kunstkultur des 18. Jahrhunderts, sensibel für die neuen Probleme der Zeit, scheint sehr wandelbar zu sein. Die melancholische Widerspiegelung von Watteaus galanten Festlichkeiten, die verspielte Affektiertheit von Bouchers Pastoralen, die Poesie des Alltags in Chardins Genreszenen, die analytische Schärfe von Latours Werk – all das trifft, wie es scheint, nur auf die erste Hälfte des 18. Jahrhunderts zu , zeichnet sich durch eine viel größere stilistische Einheit aus als der zweite.

Das Zusammenspiel und der Kampf künstlerischer Strömungen wurden durch die Entwicklung der antifeudalen Bewegung, ihre Ausbreitung und ihren Aufstieg bestimmt. Aber die Kultur des Adels in ihren für diese Zeit typischen raffinierten, verfeinerten Formen bestimmte über viele Jahrzehnte die Merkmale der vorherrschenden künstlerischen Richtung. Mit dem Niedergang des Adels ging eine Kunst einher, die die Größe eines großen künstlerischen Stils verloren hatte, ohne Heldentum, Drama und Energie. Malerei, Skulptur und angewandte Kunst wurden zu Elementen der eleganten Dekoration privater Villen mit ihren kleinen, intimen Innenräumen. Dieser Rokoko genannte Stil war von der Dekadenz geprägt; er war kokett und niedlich, oft erotisch; Die Zerbrechlichkeit und Skurrilität ornamentaler Formen wurde darin mit der Raffinesse zarter, verblasster Farben kombiniert. Aber die Kunst des Rokoko enthielt ihre lyrischen Tugenden, besonders wenn sie durch die innige Poesie des im Leben gefangenen Gefühls bereichert wurde. Das Spektrum der Rokoko-Kunst war seit der Kunstgeschichte des 18. Jahrhunderts recht breit, wenn auch nicht umfassend. - Dies ist die Geschichte eines komplexen Kampfes künstlerischer Strömungen, dessen Finale der Triumph des revolutionären Klassizismus von Louis David war.

In der Entwicklung der französischen Kunst des 18. Jahrhunderts. es gibt mehrere Stufen ( Die in der französischen Kunstgeschichte übliche Periodisierung nach der Regierungszeit der Könige ist bedingt und deckt sich bei weitem nicht mit dem realen Prozess der künstlerischen Entwicklung.).

In den ersten zwei Jahrzehnten war das Bild noch sehr vielfältig, zusammen mit den Traditionen des Akademismus entwickelten sich die dekorativen Prinzipien des Rokoko, aber sie hatten sich noch nicht zu einem einzigen System geformt; In dieser Krisenzeit, in der Zweifel über Behauptungen siegten, war das Werk von Antoine Watteau das auffälligste Phänomen.

1730-1740er Jahre – die nächste Periode, geprägt von der Entwicklung dekorativer Stil Rokoko, angeführt von Meistern wie Boucher und Nattier. Andererseits ist dies die Blütezeit des realistischen Alltagsgenres und Stilllebens von Chardin und des realistischen Porträts von Latour. So hat sich in diesen zwei Jahrzehnten der Kampf der künstlerischen Strömungen verschärft. Dies ist auf die Stärkung fortschrittlicher gesellschaftlicher Kräfte und die Herausbildung neuer ästhetischer Ideale zurückzuführen – zusammen mit dem Wachstum des Selbstbewusstseins des Dritten Standes.

In den 1750er-1760er Jahren entwickelte sich der Realismus von Chardin, Latour und den ihnen nahestehenden Meistern weiter. Aber der Kampf geht in eine aktivere Phase über. Die grezovische Predigt der moralischen Würde von Menschen aus dem dritten Stand ersetzt die lyrischen Genres von Chardin, und die Sensibilität und Didaktik des Sentimentalismus widersetzen sich der Frivolität und Leere der Rokoko-Kunst. Auf dem Gebiet der Ästhetik und Kunstkritik waren diese Jahre von der besonders aktiven Arbeit der Aufklärer geprägt, die die Verdorbenheit der Adelskultur anprangerten. Die hohe Intensität des sozialen Kampfes und das Wachstum des bürgerlichen Bewusstseins führten zu einem Interesse am antiken Heldentum; Die wachsenden Triebe des Klassizismus kündigten die Entstehung neuer künstlerischer Ideale an, die einer revolutionären Ära würdig waren.

Seit den 70er Jahren. 18. Jahrhundert Wir können von einer neuen Phase sprechen, in der der Klassizismus nicht nur in der Architektur, wo er früher definiert wurde, sondern auch in der Malerei und Skulptur allmählich zum führenden Trend wird. Die Kunst dieser Zeit verkörperte den „Durst nach energischem Handeln“, der die Franzosen befallen hatte.

Die Architektur

Wenn das 17. Jahrhundert in der Architektur Frankreichs von grandiosen Bauarbeiten für den König geprägt war, deren Hauptergebnis die Schaffung des monumentalen Ensembles von Versailles war, wo der Stil des Klassizismus in seiner imposanten Pracht Elemente einer inneren Verbindung offenbart mit barocker Architektur, dann bringt das 18. Jahrhundert neue Trends mit sich.

Der Bau hat sich in die Städte verlagert. Die neuen Bedürfnisse der Zeit stellten das Problem dar, eine Art städtisches Wohnhaus-Herrenhaus zu schaffen. Die Entwicklung der bürgerlichen Beziehungen, das Wachstum von Handel und Industrie, die Stärkung der Rolle des Dritten Standes im öffentlichen Leben stellten die Aufgabe dar, neue öffentliche Gebäude zu bauen – Börsen, Geschäftsräume, öffentliche Theater. Die wachsende Rolle der Städte im wirtschaftlichen und politischen Leben des Landes sowie die Entstehung neuer Arten privater und öffentlicher Gebäude stellen neue Anforderungen an Architekten bei der Gestaltung eines städtischen Ensembles.

Jules Hardouin-Mansart, Robert de Cotte. Kapelle im Schloss Versailles. 1699-1710 Innenansicht

Veränderungen unterliegen und architektonischer Stil Epoche. Charakteristisch für den Klassizismus des letzten Jahrhunderts ist die große Einheit figurativer Lösungen der äußeren Erscheinung und des Innenraums zu Beginn des 18. Jahrhunderts. bricht auf. Mit diesem Verfallsprozess geht eine Trennung von Baupraxis und theoretischer Lehre, eine Differenzierung der Prinzipien der Innen- und Fassadengestaltung einher. Führende Architekten verehren in ihren theoretischen Arbeiten immer noch die Antike und die Regeln der drei Ordnungen, in der direkten Architekturpraxis weichen sie jedoch von den strengen Anforderungen der logischen Klarheit und des Rationalismus, der Unterordnung des Einzelnen unter das Ganze und der klaren Konstruktivität ab. Das Werk von Robert de Cotte (1656-1735), dem Nachfolger von Jules Hardouin-Mansart als königlicher Architekt (er vollendete den Bau der Kapelle des Schlosses von Versailles, die durch ihre strenge, edle Architektur wunderschön ist), ist ein überzeugendes Beispiel dafür Das. In denen, die er in den 1710er Jahren erbaut hat. In Pariser Villen (dem Hotel de Toulouse und dem Hotel d'Estre) kann man das Relief architektonischer Formen und die freie Entwicklung des Dekors bemerken.

Der neue Stil, Rokoko oder Rocaille genannt, kann nicht nur von einer Seite betrachtet werden, da man in ihm nur ein reaktionäres und aussichtsloses Produkt einer dekadenten Klasse sieht. Dieser Stil spiegelte nicht nur die hedonistischen Bestrebungen der Aristokratie wider. Im Rokoko wurden auch einige der fortschrittlichen Strömungen der Epoche auf besondere Weise gebrochen; Daher die Forderung nach einer freieren und angemesseneren Planung für das wirkliche Leben, nach einer natürlicheren und lebendigeren Entwicklung des Innenraums. Die Dynamik und Leichtigkeit der architektonischen Massen und des Dekors widersetzte sich der schwerfälligen Prunkhaftigkeit der Innenarchitektur in der Ära der höchsten Macht des französischen Absolutismus.

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts Der Hauptbau wird immer noch von der Aristokratie durchgeführt, sein Charakter verändert sich jedoch erheblich. An die Stelle der Gutsschlösser treten Stadtvillen, die sogenannten Hotels. Die Schwächung des Absolutismus spiegelte sich auch darin wider, dass der Adel Versailles verließ und sich in der Hauptstadt niederließ. In den grünen Vororten von Paris – Saint Germain und Saint Opore – wurden in der ersten Hälfte des Jahrhunderts nacheinander luxuriöse Herrenhaushotels mit weitläufigen Gärten und Dienstleistungen gebaut (Abb. auf S. 258). Im Gegensatz zu den Palastbauten des vorigen Jahrhunderts, die das Ziel verfolgten, Repräsentativität und feierliche Erhabenheit zu erwecken, wird bei den nun entstehenden Villen viel Wert auf die wirkliche Bequemlichkeit des Lebens gelegt. Die Architekten verzichten auf die Kette großer Säle, die sich in einer feierlichen Enfilade ausdehnen, und setzen auf kleinere Räume, die natürlicher angeordnet sind und den Bedürfnissen des Privatlebens und der öffentlichen Repräsentation der Eigentümer entsprechen. Zahlreiche hohe Fenster sorgen für eine gute Ausleuchtung des Innenraums.

Ihrer Lage in der Stadt nach Hotels der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. stellte in weiten Teilen immer noch eine Übergangsphänomene vom Landsitz zum Stadthaus dar. Dabei handelt es sich um einen geschlossenen architektonischen Komplex, eine Art Anwesen innerhalb des Stadtviertels, das nur durch das Eingangstor mit der Straße verbunden ist. Das Haus selbst steht in den Tiefen des Grundstücks und überblickt einen riesigen Innenhof, der von niedrigen Büroflächen gesäumt ist. Die gegenüberliegende Fassade ist dem Garten zugewandt, der einen regelmäßigen Grundriss beibehält.

In Hotels der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Am deutlichsten kam der charakteristische Widerspruch der französischen Architektur dieser Zeit zum Ausdruck – die Diskrepanz zwischen der Außenarchitektur und der Innenausstattung. Die Fassade des Gebäudes behält in der Regel traditionelle Ordnungselemente bei, wird jedoch freier und leichter interpretiert. Dekor

Andererseits brechen Innenräume oft völlig mit den Gesetzen der Tektonik und verschmelzen die Wand mit der Decke zu einer integralen Hülle des Innenraums, die keine klaren Grenzen kennt. Es ist kein Zufall, dass damals den Dekorateuren eine so große Rolle zukam, denen es gelang, den Innenraum mit erstaunlicher Subtilität und Perfektion zu dekorieren. Die Zeit des frühen und reifen Rokoko kennt eine ganze Galaxie von Meistern, die exquisite Meisterwerke der Innendekoration schufen (Gilles Marie Oppenor, 1672–1742; Just Aurel Meissonier, 1693–1750 und andere). Oft wurde ein Gebäude von einem Architekten gebaut und von einem anderen entworfen. Aber selbst als alle Arbeiten von einem Meister ausgeführt wurden, war sein Ansatz zur Lösung des äußeren Erscheinungsbilds des Hotels und seines Innenraums grundlegend anders. Einer der bedeutendsten Rokoko-Architekten, Germain Beaufran (1667-1754), sagte in seiner Abhandlung Livre d „Architecture“ (1745) direkt, dass die Inneneinrichtung derzeit ein völlig eigenständiger Teil der Architektur sei, der nicht berücksichtigt wird das Dekor der Außenseite des Gebäudes. In seiner Praxis verfolgte er diese These konsequent. In der Architektur des Schlosses von Luneville, in den in den 1720er Jahren erbauten Hotels in Naisi, spürt man die Anlehnung an die Traditionen des Klassizismus – das Zentrale Ein Teil ist deutlich hervorgehoben und wird durch einen Portikus mit Säulen oder Pilastern hervorgehoben. Nur wenige sprechen hier vom Rokoko-Stil, Stuckdetails und vergleichsweise Leichtigkeit der Ordnungselemente.

Jean Curton. Hotel Matignon in Paris. Planen.

Pierre Delamere. Hotel Subise in Paris. 1705-1709 Fassade.

Bofran entscheidet sich ganz anders für seine Innenräume. Ein brillantes Beispiel dafür ist die Innenausstattung des Hotel Soubise (1735-1740). Unabhängig vom Aussehen des Herrenhauses, das 1705–1709 von Delamere erbaut wurde. In klassischer Tradition verleiht Beaufran den Zimmern des Hotels den Charakter eleganter Bonbonnieren. Geschnitzte Tafeln, Stuckornamente und malerische Tafeln bedecken Wände und Decke mit einem durchgehenden Teppich. Die Wirkung dieser aufwändig verzierten, skurril-leichten Formen dürfte im Kontrast zur zurückhaltenderen Architektur der Fassade besonders beeindruckend sein.

Der religiöse Aufbau war in dieser Zeit ungleich weniger wichtig als der weltliche. Die meisten Gebäude des vorigen Jahrhunderts wurden fertiggestellt.

Dies ist die Kirche Saint Roche in Paris, deren Bau Ende des 17. Jahrhunderts von Robert de Cotte begonnen wurde. und nach dem Tod dieses Architekten von seinem Sohn J.-R. fertiggestellt. de Cottom.

Jean Nicola Servandoni. Kirche Saint Sulpice in Paris. 1733-1745 Fassade.

Die interessantere Pariser Kirche Saint-Sulpice, deren Bau ebenfalls im 17. Jahrhundert begann. In den 20er Jahren. 18. Jahrhundert Die Hauptfassade blieb unvollendet. Es wurde von mehreren Architekten entworfen. Das Projekt des berühmten Dekorateurs Meissonier (1726), der versuchte, die Prinzipien der Rocaille auf die Außenarchitektur zu übertragen, wurde abgelehnt. Im Jahr 1732 gewann ein anderer Dekorateur, Jean Nicola Servandoni (1695-1766), den ausgeschriebenen Wettbewerb für die Gestaltung der Fassade und wandte sich bei seiner Entscheidung klassischen Formen zu. Seine Idee bildete die Grundlage für den weiteren Bau. Die Fassade der Kirche ist in zwei Ebenen unterteilt, von denen jede ihre eigene Ordnung hat. Auf beiden Seiten der Fassade erheben sich Türme.

Aus dem zweiten Viertel des 18. Jahrhunderts Die reichen Handelsstädte der Provinz begannen eine immer wichtigere Rolle im französischen Bauwesen zu spielen. Die Angelegenheit beschränkte sich nicht nur auf den Bau einzelner Gebäude. Das gesamte System der alten feudalen Stadt mit chaotischen Gebäuden und einem komplizierten Straßennetz, eingebettet in das enge Gerüst der Stadtbefestigung, geriet in Konflikt mit den neuen Bedürfnissen wachsender Handels- und Industriezentren. Die Beibehaltung vieler Schlüsselpositionen des Absolutismus führte allerdings zunächst zu einer eher kompromittären Lösung städtebaulicher Probleme. In vielen Städten ist der Wiederaufbau bestimmter Teile der Altstadt auf den Bau königlicher Plätze zurückzuführen. Die Tradition solcher Plätze reicht bis ins 17. Jahrhundert zurück, als sie nicht geschaffen wurden, um Ordnung in das Chaos einer mittelalterlichen Stadt zu bringen, sondern als offener Ort für die Aufstellung einer Königsstatue. Nun blieb der Anlass sozusagen derselbe – alles, was sich im 18. Jahrhundert ergab. Während der Zeit der Monarchie sollten die Plätze als Denkmal für den Monarchen dienen, doch die Architekten selbst verfolgten weitaus umfassendere städtebauliche Aufgaben.

Einer der ersten Plätze neuen Typs, der mit der Sanierung und Bebauung ganzer Stadtblöcke verbunden war, war der Platz in Bordeaux. Ihr Designer und Erbauer war Jacques Gabriel (1667–1742), ein Vertreter der seit dem 16. Jahrhundert bekannten Architektur. Architektendynastie, Vater des berühmten Architekten Jacques Ange Gabriel.

Mit der Gestaltung und dem Bau des Platzes wurde 1731 begonnen. Am Ufer der breiten Garonne wurde ein Standort dafür zugewiesen. Der Architekt hat die Möglichkeiten, ein neues Ensemble zu schaffen, das einen bedeutenden Teil der Stadt abdeckt und es mit der natürlichen Umgebung verbindet, weitreichend und vielfältig gestaltet.

Jacques Gabriel begann seine Arbeit in Bordeaux mit dem Abriss alter, unscheinbarer Gebäude am Flussufer und dem Bau eines prächtigen Uferdamms. Die Stadt wandte sich der Garonne zu – ihrer Hauptdekoration. Diese Wendung sollte sowohl den weit zum Fluss hin offenen Platz als auch die Anordnung der beiden in den Platz mündenden Straßen sichern. Der Architekt wandte das Planungsprinzip von Versailles auf einen neuen sozialen und künstlerischen Organismus – die Stadt – an und löste es auf einer breiteren Basis. Die an den Seiten des Platzes gelegenen Gebäude waren für den kommerziellen und wirtschaftlichen Bedarf der Stadt bestimmt: rechts die Börse, links das Gebäude der Steuerabteilung. Ihre Architektur zeichnet sich durch Zurückhaltung und elegante Schlichtheit aus. Der Bau der Börse und des zentralen Pavillons zwischen den beiden Straßen wurde nach dem Tod von Jacques Gabriel durch seinen Sohn fertiggestellt. Eine Reihe innovativer Prinzipien des Place de Bordeaux – sein offener Charakter, seine Ausrichtung zum Fluss, seine Verbindung mit den Stadtblöcken mithilfe von Strahlenstraßen – entwickelte Jacques Ange Gabriel in seiner Arbeit am Place Louis XV in bald brillant Paris.

Emmanuel Ere de Corney. Ensemble aus Place Stanislas, Place Carrière und Place de la Government in Nancy. 1752-1755 Luftaufnahmen.

War das Ensemble des Platzes in Bordeaux eine Lösung, die viele Planungsprinzipien der Folgezeit vorwegnahm, so fasst ein anderes bemerkenswertes Ensemble der Mitte des 18. Jahrhunderts, der Komplex aus drei Plätzen in Nancy, der in größerem Maße mit der Vergangenheit verbunden ist, zusammen gewissermaßen die Methoden der Raumordnung des Barocks aufgegriffen.

Emmanuel Ere de Corney. Regierungsplatz in Nancy. 1752-1755 Generelle Form.

Drei Plätze mit unterschiedlichen Umrissen – der rechteckige Stanislav-Platz, der lange Carrière-Platz und der ovale Regierungsplatz – bilden einen eng verbundenen und in sich geschlossenen Organismus, der nur in einer sehr relativen Verbindung mit der Stadt besteht. Der ovale Hof des Regierungspalastes ist durch einen Arkadengang vom umgebenden Raum der Stadt und des Parks getrennt. Eine aktive Bewegung von dort aus kann sich im Wesentlichen nur vorwärts über den boulevardförmigen Carrière-Platz und den Triumphbogen entwickeln, so dass er beim Betreten des Stanislav-Platzes sofort durch das monumentale Gebäude des Rathauses blockiert wird. Man hat den Eindruck zweier monumentaler Cour d'honneurs, die sich vor prächtigen Palästen ausbreiten und durch eine gerade Gasse miteinander verbunden sind. Bezeichnenderweise sind die Straßen, die zum Stanislav-Platz führen, durch Gitter von diesem getrennt. Der Charme des Ensembles entsteht durch die festliche Architektur der Paläste, die erstaunlichen, kunstvoll geschmiedeten vergoldeten Gitter und die Brunnen an zwei Ecken des Platzes, die in einem einzigen eleganten und eleganten Rokoko-Ton gehalten werden. Planer der Plätze und Architekt der Hauptgebäude war Beaufrans Schüler Emmanuel Eray de Corny (1705-1763), der hauptsächlich in Lothringen tätig war. Der zwischen 1752 und 1755 erbaute Komplex wirkte in seinen Formen und Planungsprinzipien bereits wie ein Anachronismus im Vergleich zu der neuen Architekturbewegung, die Ende der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts begann.

Diese Bewegung, deren Einfluss bereits die Gestaltung des Platzes in Bordeaux geprägt hatte, drückte sich in der Ablehnung der Exzesse und Modeerscheinungen des Rokoko zugunsten einer vernünftigeren, geordneteren Architektur und in einem verstärkten Interesse an der Antike aus. Der Zusammenhang dieser Bewegung mit der Stärkung der Stellung der Bourgeoisie steht außer Zweifel.

Gerade um die Wende von der ersten zur zweiten Jahrhunderthälfte reicht die Rede der Enzyklopädisten zurück, die das Kriterium der Vernunft als einziges Maß aller Dinge vorsahen. Von diesen Positionen aus wird die gesamte feudale Gesellschaft und ihre Abkömmlinge – der Stil des Rokoko – als frei von Logik, Rationalität und Natürlichkeit kritisiert. Und umgekehrt finden sich all diese Eigenschaften in der Architektur der Antike wieder. In diesen Jahren entstanden Uvrazh, die den Denkmälern der antiken Architektur gewidmet waren. Im Jahr 1752 begann der bekannte Liebhaber und Philanthrop Graf de Caylus mit der Veröffentlichung des Werkes „Sammlung ägyptischer, etruskischer, griechischer und römischer Altertümer“. Zwei Jahre später reist der Architekt David Leroy nach Griechenland und veröffentlicht dann das Projekt „Ruinen der schönsten Gebäude Griechenlands“. Unter den Theoretikern der Architektur sticht Abbé Laugier hervor, dessen 1753 veröffentlichte „Studien zur Architektur“ in weiten Kreisen der französischen Gesellschaft eine lebhafte Resonanz hervorrief. Vom Standpunkt des Rationalismus aus tritt er für eine vernünftige, also natürliche Architektur ein. Der Druck pädagogischer, letztlich demokratischer Ideen war so groß, dass er auch auf offizielle Künstlerkreise Auswirkungen hatte. Die Führer der künstlerischen Politik des Absolutismus verspürten das Bedürfnis, dem positiven Programm der Enzyklopädisten, ihrer überzeugenden Kritik an der Unlogik und Unnatürlichkeit der Rokoko-Kunst, etwas entgegenzusetzen. Die königliche Macht und die Akademie unternehmen bestimmte Schritte, um dem dritten Stand die Initiative zu entreißen und die entstehende Bewegung selbst anzuführen. Im Jahr 1749 wurde eine Art künstlerische Mission nach Italien geschickt, angeführt vom Bruder der allmächtigen Günstlingsfrau Ludwigs XV., Madame Pompadour, der späteren Marquis von Marigny, die als Direktorin der königlichen Gebäude fungierte. Begleitet wurde er vom Kupferstecher Cochin und dem Architekten Jacques Germain Souflot, dem späteren Erbauer des Pariser Pantheons. Der Zweck der Reise bestand darin, die italienische Kunst – diese Wiege der Schönheit – kennenzulernen. Sie besuchten die kürzlich begonnenen Ausgrabungen in Herculaneum und Pompeji. Souflot studierte auch die antiken Denkmäler von Paestum. Diese ganze Reise war ein Zeichen neuer Phänomene in der Kunst und ihre Folge war eine weitere Hinwendung zum Klassizismus und ein schärferer Kampf gegen die Prinzipien der Rocaille, auch in verschiedenen Arten der dekorativen Kunst. Gleichzeitig zeigt diese Reise anschaulich, wie unterschiedlich der Appell an das antike Erbe verstanden wurde und welche unterschiedlichen Schlussfolgerungen daraus von Vertretern der herrschenden Klasse und den Künstlern selbst gezogen wurden. Die Ergebnisse italienischer Eindrücke und Überlegungen ergaben bei Marigny die Worte: „Ich will überhaupt nicht, weder die aktuellen Exzesse noch die Strenge der Alten – ein bisschen davon, ein bisschen etwas anderes.“ An dieser kompromisslosen künstlerischen Politik hielt er auch in Zukunft während seiner langjährigen Tätigkeit als Leiter der bildenden Künste fest.

Seine Reisegefährten Cochin und Souflo nahmen eine viel fortschrittlichere und aktivere Haltung ein. Der erste veröffentlichte nach seiner Rückkehr eine Abhandlung „Überblick über die Altertümer von Herculaneum mit mehreren Überlegungen zur Malerei und Bildhauerei der Antike“ und führte dann im Druck einen sehr scharfen Kampf gegen die Prinzipien der Rocaille-Kunst, für deren Strenge, Reinheit und Klarheit architektonischer und dekorativer Formen. Was Souflo betrifft, so zeugen seine ganz besondere Reise nach Paestum und die Untersuchung zweier bemerkenswerter Denkmäler griechischer Architektur vor Ort von seinem tiefen Interesse an der Antike. In seiner Baupraxis triumphieren nach seiner Rückkehr aus Italien die Prinzipien des Klassizismus vollständig und kompromisslos.

In dieser Übergangszeit nimmt das Werk des faszinierendsten Meisters der französischen Architektur, Jacques Ange Gabriel (1699-1782), Gestalt an und blüht auf. Gabriels Stil scheint den Anforderungen von Marigny zu entsprechen, aber es handelt sich dabei um ein äußerst originelles und organisches Phänomen, das aus der natürlichen, „tiefen“ Entwicklung der französischen Architektur hervorgegangen ist. Der Meister war noch nie in Italien, geschweige denn in Griechenland. Gabriels Werk führte gewissermaßen die Linie der französischen Architektur fort und entwickelte sie weiter, die in den späten Bauten von Jules Hardouin-Mansart (dem Grand Trianon und der Kapelle von Versailles) an der Ostfassade des Louvre zum Vorschein kam. Gleichzeitig übernahm er auch jene fortschrittlichen Tendenzen, die in der Rokoko-Architektur enthalten waren: ihre Nähe zum Menschen, ihre Intimität sowie die erlesene Subtilität dekorativer Details.

Gabriels Beteiligung an den städtebaulichen Arbeiten seines Vaters in Bordeaux bereitete ihn gut auf die Lösung von Ensembleproblemen vor, die Mitte des 18. Jahrhunderts beschäftigt waren. eine immer wichtigere Rolle in der Architekturpraxis. Gerade zu dieser Zeit richtete die Presse ihre Aufmerksamkeit verstärkt auf Paris und auf das Problem, es zu einer Stadt zu machen, die den Namen Hauptstadt verdient.

Paris hatte wunderschöne Baudenkmäler und eine Reihe von Plätzen, die im vorigen Jahrhundert angelegt wurden, aber all dies waren getrennte, isolierte, isolierte Inseln organisierter Entwicklung. Mitte des 18. Jahrhunderts entstand ein Bereich, der eine große Rolle bei der Bildung des Ensembles des Pariser Zentrums spielte – der heutige Place de la Concorde. Sein Aussehen verdankt es einem ganzen Team französischer Architekten, sein Hauptschöpfer war jedoch Jacques Ange Gabriel.

Im Jahr 1748 wurde auf Initiative der Großstadtkaufleute die Idee geäußert, ein Denkmal für Ludwig XV. zu errichten. Die Akademie hat einen Wettbewerb zur Schaffung eines Platzes für dieses Denkmal ausgeschrieben. Wie Sie sehen, war der Anfang recht traditionell, im Geiste des 17. Jahrhunderts – der Platz war für die Statue des Monarchen gedacht.

Als Ergebnis des ersten Wettbewerbs wurde keines der Projekte ausgewählt, aber der Platz für den Platz stand endgültig fest. Nach dem zweiten Wettbewerb, der 1753 nur unter den Mitgliedern der Akademie ausgetragen wurde, wurden Entwurf und Bau Gabriel anvertraut, damit er andere Vorschläge berücksichtigen konnte.

Als Standort für den Platz wurde eine riesige Brachfläche am Ufer der Seine am damaligen Stadtrand von Paris gewählt, zwischen dem Garten des Tuilerienpalastes und dem Beginn der Straße nach Versailles. Gabriel hat die Vorteile dieses offenen Küstenstandorts mit ungewöhnlicher Fruchtbarkeit und Perspektive genutzt. Sein Platz wurde zur Achse der weiteren Entwicklung von Paris. Möglich wurde dies durch ihre vielseitige Ausrichtung. Einerseits gilt der Platz als Schwelle zu den Palastanlagen der Tuilerien und des Louvre: Nicht umsonst führen drei von Gabriel bereitgestellte Balken von außerhalb der Stadt zu ihm - den Gassen der Champs Elysees, Der gedankliche Schnittpunkt liegt am Eingangstor des Tuilerienparks. In die gleiche Richtung – dem Palast zugewandt – ist das Reiterdenkmal Ludwigs XV. ausgerichtet. Gleichzeitig ist nur eine Seite des Platzes architektonisch hervorgehoben – parallel zur Seine. Es sieht den Bau von zwei majestätischen Verwaltungsgebäuden vor, zwischen denen die Royal Street entworfen wird, deren Achse senkrecht zur Achse der Champs Elysees – Tuileries verläuft. Am Ende beginnt sehr bald der Bau der Madeleine-Kirche des Architekten Contan d'Ivry, die mit ihrem Portikus und ihrer Kuppel die Perspektive abschließt. An den Seiten seiner Gebäude entwirft Gabriel zwei weitere Straßen parallel zur Royal. Diese gibt eine weitere mögliche Bewegungsrichtung an und verbindet den Platz mit anderen Vierteln der wachsenden Stadt.

Sehr witzig und auf völlig neue Art löst Gabriel die Grenzen des Platzes. Indem er nur eine seiner nördlichen Seiten aufbaut und das Prinzip der freien Entwicklung des Raumes, seiner Verbindung mit der natürlichen Umgebung, hervorhebt, versucht er gleichzeitig, den Eindruck seiner Amorphität und Unsicherheit zu vermeiden. Auf allen vier Seiten entwirft er flache Trockengräben, gesäumt von grünen Rasenflächen, gesäumt von Steinbalustraden. Die Lücken zwischen ihnen geben den Strahlen der Champs Elysees und der Achse der Royal Street einen zusätzlichen deutlichen Akzent.

Jacques Ange Gabriel. Bebauung der Nordseite des Place de la Concorde (ehemals Place Louis XV) in Paris. 1753-1765

Im Erscheinungsbild der beiden Gebäude, die die Nordseite des Place de la Concorde abschließen, kommen die charakteristischen Merkmale von Gabriels Werk gut zum Ausdruck: eine klare, ruhige Harmonie des Ganzen und der Details, die leicht wahrnehmbare Logik architektonischer Formen durch das Auge. Die untere Etage des Gebäudes ist schwerer und massiver, was durch die große Rustikierung der Wand betont wird; Es trägt zwei weitere Ebenen, die durch korinthische Säulen verbunden sind, ein Motiv, das auf die klassische Ostfassade des Louvre zurückgeht.

Doch Gabriels Hauptverdienst liegt nicht so sehr in der meisterhaften Lösung der Fassaden mit ihren schlanken kannelierten Säulen, die sich über die mächtigen Arkaden des Untergeschosses erheben, sondern im spezifischen Ensembleklang dieser Gebäude. Beide Gebäude sind ohne einander und ohne den Raum des Platzes und ohne ein in beträchtlicher Entfernung liegendes Bauwerk – ohne die Madeleine-Kirche – undenkbar. Beide Gebäude der Place de la Concorde orientieren sich daran – es ist kein Zufall, dass jedes von ihnen kein betontes Zentrum hat und gleichsam nur einer der Flügel des Ganzen ist. So skizzierte Gabriel in diesen Gebäuden, die 1753 entworfen wurden und mit deren Bau zwischen 1757 und 1758 begonnen wurde, die Prinzipien volumetrischer und räumlicher Lösungen, die in der Zeit des reifen Klassizismus entwickelt werden sollten.

Gabriel. Petit Trianon in Versailles. Planen.

Jacques Ange Gabriel. Petit Trianon in Versailles. 1762-1768

Die Perle der französischen Architektur des 18. Jahrhunderts ist das Petit Trianon, geschaffen von Gabriel in Versailles in den Jahren 1762–1768. Das traditionelle Thema eines Landschlosses wird hier auf völlig neue Weise gelöst. Ein kleines Gebäude mit quadratischem Grundriss ist mit allen vier Fassaden dem Raum zugewandt. Hier gibt es keine vorherrschende Betonung der beiden Hauptfassaden, die bis vor Kurzem für Paläste und Gutshöfe so charakteristisch war. Jede der Parteien hat eine eigenständige Bedeutung, die in ihren unterschiedlichen Entscheidungen zum Ausdruck kommt. Und gleichzeitig ist dieser Unterschied nicht grundsätzlich – es handelt sich sozusagen um Variationen eines Themas. Fassade führt zu Freifläche das aus der weitesten Entfernung wahrgenommene Parterre wird am plastischsten interpretiert. Vier aufgesetzte Säulen, die beide Geschosse verbinden, bilden eine Art leicht vorspringenden Portikus. Ein ähnliches Motiv, jedoch bereits in abgewandelter Form – die Säulen werden durch Pilaster ersetzt – erklingt auf zwei angrenzenden Seiten, jedoch jedes Mal anders, denn aufgrund des Höhenunterschieds hat das Gebäude im einen Fall zwei Stockwerke, im anderen drei . Die vierte Fassade, die dem Dickicht des Landschaftsparks zugewandt ist, ist recht schlicht gehalten – die Wand ist nur durch rechteckige Fenster unterschiedlicher Größe in jeder der drei Ebenen unterteilt. So gelangt Gabriel mit geizigen Mitteln zu erstaunlichem Reichtum und Reichtum an Eindrücken. Schönheit entsteht aus der Harmonie einfacher, leicht wahrnehmbarer Formen, aus der Klarheit proportionaler Beziehungen.

Auch die Innenaufteilung ist mit großer Einfachheit und Klarheit gestaltet. Der Palast besteht aus einer Reihe kleiner rechteckiger Räume, deren Dekoration, die auf der Verwendung von geraden Linien, hellen, kalten Farben und dem Geiz für plastische Mittel beruht, der eleganten Zurückhaltung und edlen Anmut der äußeren Erscheinung entspricht.

Gabriels Werk war ein Übergangsglied zwischen der Architektur der ersten und zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts.

In den Gebäuden der 1760er-1780er Jahre. Eine jüngere Architektengeneration begründete eine neue Stufe des Klassizismus. Es zeichnet sich durch eine entschiedene Hinwendung zur Antike aus, die nicht nur zur Inspiration für Künstler, sondern auch zu einer Fundgrube der von ihnen verwendeten Formen geworden ist. Die Anforderungen an die Rationalität eines architektonischen Werkes reichen bis zur Ablehnung dekorativer Ornamente. Es wird das Prinzip des Utilitarismus vorgebracht, das mit dem Prinzip der Natürlichkeit des Gebäudes verbunden ist. Ein Beispiel dafür sind antike Gebäude, die ebenso natürlich wie utilitaristisch sind und deren Formen alle von einer vernünftigen Notwendigkeit diktiert werden. Säule, Gebälk, Giebel, die zum Hauptausdrucksmittel des architektonischen Bildes geworden sind, werden wieder auf ihre konstruktive, funktionale Bedeutung zurückgeführt. Dementsprechend wird der Umfang der Auftragsabteilungen erweitert. Der gleiche Wunsch nach Natürlichkeit zeichnet den Parkbau aus. Damit verbunden ist die Aufgabe des regulären, „künstlichen“ Parks und das Aufblühen des Landschaftsgartens.

Souflo. Pantheon in Paris. Planen.

Jacques Germain Souflot. Pantheon (ehemals Kirche St. Genevieve) in Paris. Begonnen im Jahr 1755. Gesamtansicht.

Ein charakteristisches Phänomen der Architektur dieser vorrevolutionären Jahrzehnte ist die Dominanz beim Bau öffentlicher Gebäude. In öffentlichen Gebäuden kommen die Prinzipien der neuen Architektur am deutlichsten zum Ausdruck. Und es ist sehr bezeichnend, dass eines der herausragenden architektonischen Werke dieser Zeit – das Pantheon – sich sehr bald von einem religiösen Gebäude in ein öffentliches Denkmal verwandelte. Ihr Bau wurde von Ludwig XV. als Kirche der Schutzpatronin von Paris – St. Genevieve, der Ort der Aufbewahrung ihrer Reliquien. Die Entwicklung des Projekts wurde 1755 Jacques Germain Souflo (1713-1780) anvertraut, der erst kürzlich von einer Italienreise zurückgekehrt war. Der Architekt verstand seine Aufgabe viel umfassender als sein Auftraggeber. Er legte einen Plan vor, der neben der Kirche ein weitläufiges Areal mit zwei öffentlichen Gebäuden – der juristischen und der theologischen Fakultät – vorsah. Im weiteren Verlauf musste Souflot diese Idee aufgeben und seine Aufgabe auf den Bau einer Kirche beschränken, deren gesamtes Erscheinungsbild jedoch davon zeugt, dass der Architekt sie als ein Gebäude mit großer öffentlicher Resonanz konzipierte. Das kreuzförmige Gebäude wird von einer grandiosen Kuppel auf einer von Säulen umgebenen Trommel gekrönt. Hauptfassade betont durch einen mächtigen tiefen sechssäuligen Portikus mit Giebel. Alle anderen Teile der Wand bleiben komplett leer, ohne Öffnungen. Die klare Logik architektonischer Formen ist auf den ersten Blick deutlich erkennbar. Nichts Mystisches und Irrationales – alles ist vernünftig, streng und einfach. Die gleiche Klarheit und strenge Konsequenz sind charakteristisch für die räumliche Lösung des Tempelinnenraums. Der so feierlich und monumental zum Ausdruck gebrachte Rationalismus des künstlerischen Bildes erwies sich als äußerst nah an der Weltanschauung der Revolutionsjahre, und die neu fertiggestellte Kirche wurde 1791 in ein Denkmal für das große Volk Frankreichs umgewandelt.

Unter den öffentlichen Gebäuden, die in den vorrevolutionären Jahrzehnten in Paris errichtet wurden, sticht die Chirurgische Schule von Jacques Gonduin (1737-1818) hervor. Das Projekt, an dem er 1769 zu arbeiten begann, zeichnete sich durch eine große konzeptionelle Breite aus, die allgemein ein charakteristisches Merkmal der Architektur dieser Jahre ist. Zusammen mit diesem Gebäude konzipierte Gonduin die Umstrukturierung des gesamten Viertels. Und obwohl Gonduins Plan nicht vollständig umgesetzt wurde, wurde der Bau der Chirurgischen Schule selbst, der 1786 fertiggestellt wurde, im großen Stil beschlossen. Dies ist ein riesiges zweistöckiges Gebäude mit einem großen Garten. Den Mittelpunkt des Gebäudes bildet eine imposante Jurte. Der interessanteste Teil des Innenraums ist der große halbkreisförmige Saal des Anatomischen Theaters mit amphitheaterartig aufragenden Bänken und einem Kappengewölbe – eine Art Kombination der Hälfte des römischen Pantheons mit dem Kolosseum.

Das Theater entwickelte sich in dieser Zeit zu einem neuen, weit verbreiteten öffentlichen Gebäudetyp. Und in der Hauptstadt und in vielen Provinzstädten, eine nach der anderen, Theatergebäude, in ihrem Erscheinungsbild als wichtiger Teil im architektonischen Ensemble der Stadt konzipiert Gemeindezentrum. Eines der schönsten und bedeutendsten Gebäude dieser Art ist das 1775–1780 erbaute Theater in Bordeaux. Architekt Victor Louis (1731-1807). Auf einer offenen Fläche des Platzes ist ein riesiges Volumen mit rechteckigen Grundrissen platziert. Ein zwölfsäuliger Portikus schmückt eine der Schmalseiten des Theatergebäudes und verleiht seiner Haupteingangsfassade feierliche Repräsentativität. Auf dem Gebälk des Portikus befinden sich Statuen von Musen und Göttinnen, die den Zweck des Gebäudes verdeutlichen. Die zunächst einläufige, dann in zwei in entgegengesetzte Richtung führende Haupttreppe des Theaters diente als Vorbild für viele spätere französische Theaterbauten. Die schlichte, klare und feierliche Architektur des Theaters in Bordeaux, die klare funktionale Lösung seines Innenraums machen dieses Gebäude zu einem der wertvollsten Denkmäler des französischen Klassizismus.

In den Berichtsjahren begannen die Aktivitäten einer Reihe von Architekten, deren Gesamtwerk bereits zur nächsten, von den Ideen der Revolution inspirierten Periode der französischen Architektur gehört. In einigen Projekten und Gebäuden sind bereits jene Techniken und Formen skizziert, die zu charakteristischen Merkmalen des Neuen werden

Realismus, Symbolik. Die Präsentation stellt die Werke der französischen Künstler Courbet, Daumier und Millet vor.

Realismus in der französischen Malerei

Der Stil des Klassizismus, der Ende des 18. Jahrhunderts in der Kunst der Aufklärung vorherrschte, wurde durch einen neuen Stil ersetzt, der das Ergebnis der Umwälzungen durch die bürgerliche Revolution in Frankreich und der Enttäuschung über ihre Ergebnisse war. Dieser Stil wurde zur Romantik. Der Kunst der Romantik habe ich mehrere Einträge gewidmet. Heute werden wir darüber reden Realismus, die in den Tiefen der romantischen Kunst Gestalt annahm. Der französische Literaturkritiker Jules Francois Chanfleury, der als Erster den Begriff „Realismus“ verwendete, stellte ihm Symbolismus und Romantik gegenüber. Die realistische Kunstrichtung wurde jedoch nicht zum absoluten Gegenspieler der Romantik, sondern war deren Fortsetzung.

Der französische Realismus, der eine wahrheitsgetreue Wiedergabe der Realität anstrebte, wurde natürlich mit der revolutionären Bewegung in Verbindung gebracht und als „kritischer Realismus“ bezeichnet. Appell an die Moderne in all ihren Erscheinungsformen, Reproduktion typischer Charaktere in typische Umstände basierend auf der Authentizität des Bildes – der Hauptanforderung des Realismus.

„Die Kunst der Malerei kann nichts anderes sein als die Darstellung von Gegenständen, die für den Künstler sichtbar und greifbar sind, ... der realistische Künstler muss die Bräuche, Ideen und das Erscheinungsbild seiner Zeit vermitteln.“
Gustave Courbet

Es ist unwahrscheinlich, dass ich über die Arbeit und das Schicksal von Gustave Courbet sprechen könnte, der oft als Gründer von Gustave Courbet bezeichnet wird Realismus in der französischen Malerei besser als die Macher Film „Liberty Courbet“ aus der Serie „Mein Puschkin“

In seinem Vortrag „Realismus in der französischen Malerei“ Ich habe versucht, auch die Werke wunderbarer französischer Künstler zu präsentieren Francois Millet Und Honoré Daumier. Wer sich für dieses Thema interessiert, dem möchte ich einen Blick auf die Seite empfehlen Gallerix.ru

Wie immer klein Bücherliste, wo Sie über den französischen Realismus und französische realistische Künstler lesen können:

• Enzyklopädie für Kinder. T.7. Kunst. Zweiter Teil. – M.: Avanta+, 2000.
• Beckett V. Geschichte der Malerei. - M.: Astrel Publishing House LLC: AST Publishing House LLC, 2003.
• Dmitrieva N.A. Kurzgeschichte Künste. Heft III: Länder Westeuropas des 19. Jahrhunderts; Russland XIX Jahrhundert. - M.: Kunst, 1992
• Emokhonova L.G. Künstlerische Weltkultur: Proc. Zuschuss für Studierende. Durchschn. Päd. Lehrbuch Betriebe. - M.: Verlagszentrum „Akademie“, 1998.
• Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Weltkunst. 19. Jahrhundert. Bildende Kunst, Musik, Theater. – St. Petersburg: Peter, 2007.
• Samin D.K. Hundert großartige Künstler. – M.: Veche, 2004.
• Freeman J. Kunstgeschichte. - M.: „Verlag Astrel“, 2003.

Realistischer Trend in Kunst und Literatur des 19. Jahrhunderts.

Im 19. Jahrhundert begann sich die Gesellschaft rasant zu entwickeln. Neue Technologien entstehen, Medizin, chemische Industrie, Energietechnik und Verkehr entwickeln sich. Die Bevölkerung beginnt allmählich aus den alten Dörfern in die Städte zu ziehen und strebt nach Komfort und modernem Leben.
Der kulturelle Bereich musste auf all diese Veränderungen reagieren. Schließlich begannen Veränderungen in der Gesellschaft – sowohl wirtschaftlicher als auch sozialer – neue Stile und künstlerische Richtungen zu schaffen. So wird die Romantik durch einen großen Stiltrend ersetzt – den Realismus. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger spiegelte dieser Stil das Leben so wider, wie es ist, ohne jegliche Ausschmückung oder Verzerrung. Dieser Wunsch war in der Kunst nicht neu – er findet sich in der Antike, in der mittelalterlichen Folklore und in der Aufklärung.
Der Realismus findet seinen helleren Ausdruck bereits ab dem Ende des 17. Jahrhunderts. Das gestiegene Bewusstsein der Menschen, die es satt haben, mit nicht existierenden Idealen zu leben, führt zu einer objektiven Reflexion – dem Realismus, der auf Französisch „materiell“ bedeutet. Einige Tendenzen des Realismus tauchen in der Malerei von Michelangelo Caravaggio und Rembrandt auf. Aber der Realismus wird erst im 19. Jahrhundert zur integralsten Struktur der Lebensanschauung. In dieser Zeit erreicht es seine Reife und dehnt seine Grenzen auf das gesamte europäische Territorium und natürlich auf Russland aus.
Der Held der realistischen Richtung wird zu einer Person, die den Geist verkörpert und versucht, über die negativen Manifestationen des umgebenden Lebens zu urteilen. In literarischen Werken werden gesellschaftliche Widersprüche ausgelotet, zunehmend das Leben benachteiligter Menschen dargestellt. Daniel Defoe gilt als Begründer des europäischen realistischen Romans. Im Mittelpunkt seiner Werke steht der gute Anfang des Menschen. Aber die Umstände können es ändern, es unterliegt äußeren Faktoren.
In Frankreich war Frederic Stendhal der Begründer der neuen Richtung. Er schwamm buchstäblich gegen den Strom. Tatsächlich dominierte in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts die Romantik die Kunst. Die Hauptfigur sei ein „außergewöhnlicher Held“ gewesen. Und plötzlich hat Stendhal ein ganz anderes Bild. Seine Helden leben ihr Leben tatsächlich nicht nur in Paris, sondern in der Provinz. Der Autor bewies dem Leser, dass die Beschreibung des Alltags, wahrer menschlicher Erfahrungen, ohne Übertreibung und Ausschmückung auf die Ebene der Kunst gebracht werden kann. G. Flaubert ging noch weiter. Es offenbart den psychologischen Charakter des Helden. Dies erforderte eine absolut genaue Beschreibung der kleinsten Details, eine Darstellung der äußeren Seite des Lebens für eine detailliertere Darstellung seines Wesens. Guy de Maupassant wurde sein Anhänger in dieser Richtung.
An den Ursprüngen der Entwicklung des Realismus in der Kunst des 19. Jahrhunderts in Russland standen Autoren wie Iwan Krylow, Alexander Gribojedow und Alexander Puschkin. Die ersten markantesten Elemente des Realismus tauchten bereits 1809 in der ersten Fabelnsammlung von I.A. auf. Krylow. Der Kern all seiner Fabeln ist eine konkrete Tatsache. Daraus wird ein Charakter geformt, diese oder jene Verhaltenssituation entsteht, die durch die Verwendung etablierter Vorstellungen über die Natur tierischer Charaktere verschärft wird. Dank des gewählten Genres zeigte Krylov die lebendigen Widersprüche im modernen Leben – die Auseinandersetzungen zwischen Starken und Schwachen, Reichen und Armen, die Verspottung von Beamten und Adligen.
Bei Gribojedow manifestiert sich der Realismus in der Verwendung typischer Charaktere, die sich in typischen Umständen befinden – das Hauptprinzip dieser Richtung. Dank dieser Rezeption ist seine Komödie „Woe from Wit“ auch heute noch aktuell. Die Charaktere, die er in seinen Werken verwendete, sind immer wiederzufinden.
Der Realist Puschkin vertritt eine etwas andere künstlerische Konzeption. Seine Helden suchen nach Mustern im Leben, basierend auf pädagogischen Theorien und universellen Werten. Geschichte und Religion spielen in seinen Werken eine wichtige Rolle. Dies bringt seine Werke den Menschen und ihrem Charakter näher. Eine noch schärfere und tiefere Nationalität manifestierte sich in den Werken von Lermontov und Gogol und später in den Werken von Vertretern der „natürlichen Schule“.
Wenn wir über Malerei sprechen, dann war das Hauptmotto der realistischen Künstler des 19. Jahrhunderts eine objektive Darstellung der Realität. So begannen französische Künstler Mitte der 30er Jahre des 19. Jahrhunderts unter der Führung von Theodore Rousseau mit der Malerei ländliche Landschaft. Es stellte sich heraus, dass die gewöhnlichste Natur ohne Verschönerung zu einem einzigartigen Material für die Schöpfung werden kann. Ob ein trüber Tag, ein dunkler Himmel vor einem Gewitter, ein müder Pflüger – all das ist eine Art Porträt des wirklichen Lebens.
Gustave Courbet, ein französischer Maler der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, sorgte mit seinen Gemälden für Unmut in bürgerlichen Kreisen. Schließlich stellte er ein wahres Leben dar, das, was er um sich herum sah. Dies können Genreszenen, Porträts und Stillleben sein. Zu seinen bekanntesten Werken zählen „Begräbnis in Ornan“, „Feuer“, „Hirsch am Wasser“ sowie die Skandalgemälde „Der Ursprung der Welt“ und „Die Schläfer“.
In Russland war P.A. der Begründer des Realismus in der Kunst des 19. Jahrhunderts. Fedotov („Major's Matchmaking“). In seinen Werken greift er auf Satire zurück, prangert bösartige Moralvorstellungen an und sympathisiert mit den Armen. Zu seinem Nachlass zählen zahlreiche Karikaturen und Porträts.
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde das Thema „Volksleben“ von I.E. aufgegriffen. Repin. In seinen berühmten Gemälden „Geständnisverweigerung“ und „Kahnschlepper auf der Wolga“ prangert er die brutale Ausbeutung des Volkes und den sich zusammenbrauenden Protest der Massen an.
Auch im 20. Jahrhundert gab es in der Arbeit von Schriftstellern und Künstlern weiterhin realistische Tendenzen. Unter dem Einfluss der neuen Zeit begannen sie jedoch, andere, modernere Merkmale anzunehmen.

Französischer Realismus.

Realismus 30-40er Jahre

Realismus ist eine wahrheitsgetreue, objektive Wiedergabe der Realität. Der Realismus entstand in Frankreich und England unter den Bedingungen des Sieges der bürgerlichen Ordnung. Die sozialen Gegensätze und Mängel des kapitalistischen Systems bestimmten die scharf kritische Haltung realistischer Schriftsteller ihm gegenüber. Οʜᴎ prangerte Habgier, eklatante soziale Ungleichheit, Egoismus und Heuchelei an. In seiner ideologischen Ausrichtung wird er zum kritischen Realismus. Gleichzeitig ist es von den Ideen des Humanismus und der sozialen Gerechtigkeit durchdrungen. In Frankreich schufen in den 30er und 40er Jahren ihre besten realistischen Werke Opore de Balzac, der die 95-bändige „Menschliche Komödie“ schrieb; Victor Hugo – „Kathedrale Notre Dame“, „Das dreiundneunzigste Jahr“, „Les Misérables“ usw.
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Gustave Flaubert – „Madame Bovary“, „Erziehung der Gefühle“, „Salambo“, Prosper Merimo – Meister der Kurzgeschichten, „Mateo Falcone“, „Colomba“, „Carmen“, Autor von Theaterstücken, historischen Chroniken, „Chronik aus der Zeit Karls“1 0 ʼʼ usw.
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In den 30er und 40er Jahren in England. Charles Dickens ist ein herausragender Satiriker und Humorist, dessen Werke „Dombey and Son“, „Hard Times“ und „Great Expectations“ den Höhepunkt des Realismus darstellen. William Makepeace Thackeray zeigte im Roman „Vanity Fair“ und im historischen Werk „Geschichte von Henry Esmond“, einer Sammlung satirischer Essays „Das Buch der Snobs“, im übertragenen Sinne die Laster, die der bürgerlichen Gesellschaft innewohnen. Im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts Der Weltklang wird durch die Literatur der skandinavischen Länder übernommen. Dies sind vor allem seine Werke, norwegische Schriftsteller: Heinrich Ibsen – die Dramen „Puppenhaus“ („Nora“), „Geister“, „Volksfeind“ riefen zur Emanzipation auf menschliche Persönlichkeit aus heuchlerischer bürgerlicher Moral. Björnsons Dramen „Insolvenz“, „Über unsere Kräfte hinaus“ und Gedichte. Knut Hamsun – psychologische Romane „Hunger“, „Mysterien“, „Pan“, „Victoria“, die die Rebellion des Einzelnen gegen die spießbürgerliche Umgebung darstellen.

Revolution von 1789ᴦ., eine Zeit akuter politischer Kämpfe. In Frankreich verändern sich fünf politische Regime: 1.) 1795 – 1799, Periode des Direktoriums, 2.) 1799 – 1804, Periode von Napoleons Konsulat. 3) 1804 – 1814 – die Zeit des Napoleonischen Reiches und der Kriege. 4) 1815 – 1830 – die Zeit der Restauration. 5) 1830 – 1848 die Zeit der Julimonarchie, 6) die Revolution von 1848, die Stärkung des Bürgertums . Der Realismus in Frankreich nahm theoretisch und wortgetreu Gestalt an. Die Literatur ist in zwei Phasen unterteilt: Balzac und Flaubert. I) 30 Unter Realismus versteht man die Reproduktion verschiedener Naturphänomene. 40er Jahre, Realismus – die Darstellung des modernen Lebens basiert nicht nur auf der Vorstellungskraft, sondern auch auf direkter Beobachtung. Merkmale: 1) Analyse des Lebens, 2) das Prinzip der Typisierung wird bestätigt; 3) das Prinzip der Zyklisierung; 4) Orientierung an der Wissenschaft; 5) Manifestation des Psychologismus. Das führende Genre ist der Roman. II) 50er Jahre Als Wendepunkt im Konzept des Realismus, das mit dem malerischen Werk Courbets verbunden war, formulierten er und Chanfleury ein neues Programm. Prosa, Aufrichtigkeit, Objektivität im Beobachteten.

BERENGER Pierre-Jean- Französischer Liedermacher Erste bedeutende Werke B. in dieser Gattung liegen seine Flugschriften auf Napoleon I: „König Yveto“, „Politische Abhandlung“. Doch die Blütezeit der Satire B. fällt in die Ära der Restauration. Die Rückkehr der Bourbonen und mit ihnen ausgewanderter Aristokraten an die Macht, die in den Jahren der Revolution nichts gelernt und nichts vergessen haben, ruft in B. eine lange Reihe von Liedern und Broschüren hervor, in denen das gesamte soziale und politische System von Die Ära findet eine brillante satirische Widerspiegelung. Ihre Fortsetzung sind gegen sie gerichtete Lieder-Broschüren Louis Philippe als Vertreter des Finanzbürgertums auf dem Thron. In diesen Liedern, die B. selbst die Kirche, die Bürokratie und die Bourgeoisie als in den Thron geschossene Pfeile bezeichnete, erscheint der Dichter als politischer Tribun, der durch poetische Kreativität die Interessen der arbeitenden Bourgeoisie verteidigt, die eine revolutionäre Rolle spielte die Ära B., die später endgültig an das Proletariat überging. B. stand während seiner Herrschaft in Opposition zu Napoleon und bekräftigte den Kult seines Andenkens während der Bourbonen und Louis-Philippe. In den Liedern dieses Zyklus wird Napoleon als Vertreter einer revolutionären Macht idealisiert, die mit den Massen verbunden ist. Die Hauptmotive dieses Zyklus sind der Glaube an die Kraft der Ideen, die Freiheit als eine Art abstraktes Gut und nicht als reales Ergebnis des Klassenkampfes, der äußerst wichtig und mit Gewalt verbunden ist („Idee“, „Gedanke“). In einem der Lieder dieses Zyklus nennt B. seine Lehrer: Owen, La Fontaine, Fourier. Vor uns liegt also ein Anhänger des utopischen vormarxistischen Sozialismus. Die erste Gedichtsammlung entzieht ihm die Gnade der Behörden der Universität, an der er damals diente. Die zweite Sammlung führt zu einer Strafverfolgung gegen B., die mit einer dreimonatigen Gefängnisstrafe wegen Beleidigung der Moral, der Kirche und des Königshauses endet. Die vierte Sammlung führte zu einer zweiten Gefängnisstrafe für den Autor, diesmal zu 9 Monaten. Dennoch hat B.s Beteiligung am politischen Leben im eigentlichen Sinne des Wortes (wenn man von der revolutionären Wirkung von Liedern absieht) beispielsweise eher gemäßigte Formen angenommen.
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in Form der Unterstützung der Liberalen in der Revolution von 1830. In den letzten Jahren zog sich B. aus dem öffentlichen Leben zurück, ließ sich in der Nähe von Paris nieder, wechselte in seiner Arbeit von politischen zu sozialen Motiven und entwickelte sie im Geiste des Populismus („Rote Jeanne“, ʼʼTrampʼʼ, ʼʼJacquesʼʼ usw.).

BALZAC, EHRE(Balzac, Honoré de) (1799-1850), französischer Schriftsteller, der ein vollständiges Bild des gesellschaftlichen Lebens seiner Zeit zeichnete. Der Versuch, im Verlags- und Druckgewerbe ein Vermögen zu machen (1826-1828), verschuldete Balzac hoch. Er wandte sich wieder dem Schreiben zu und veröffentlichte 1829 den Roman Letzter Shuang. Es war das erste Buch, das unter seinem eigenen Namen veröffentlicht wurde, zusammen mit einem humorvollen Leitfaden für Ehemänner. Physiologie der Ehe 1829) machte sie die Öffentlichkeit auf einen neuen Autor aufmerksam. Gleichzeitig begann das Hauptwerk seines Lebens: 1830 das erste Szenen aus dem Privatleben, ein unbestrittenes Meisterwerk Katze spielt Ballhaus, 1831 der erste Philosophische Romane und Erzählungen. Balzac arbeitete noch mehrere Jahre als freiberuflicher Journalist, doch von 1830 bis 1848 konzentrierte er sich hauptsächlich auf einen umfangreichen Zyklus von Romanen und Kurzgeschichten. bekannte Welt Wie Menschliche Komödie. Im Jahr 1834 hatte Balzac die Idee, die seit 1829 geschriebenen gemeinsamen Helden mit zukünftigen Werken zu verbinden und sie zu einem Epos zusammenzufassen, das später „Menschliche Komödie“ genannt wurde. Balzac verkörperte die Idee universeller Interdependenzen in der Welt und konzipierte eine umfassende künstlerische Studie über die französische Gesellschaft und den Menschen. Der philosophische Rahmen dieses künstlerischen Gebäudes ist der Materialismus des 18. Jahrhunderts, für Balzac moderne naturwissenschaftliche Theorien, Elemente mystischer Lehren die besonders eingeschmolzen sind. Die menschliche Komödie besteht aus drei Abschnitten. I. Sittenstudien: 1) Szenen des Privatlebens; 2) Szenen des Provinzlebens; 3) Szenen aus dem Pariser Leben; 4) Szenen des politischen Lebens; 5) Szenen aus dem Militärleben; 6) Szenen des Landlebens. II. Philosophische Studien. III. Analytische Studien. Es handelt sich sozusagen um drei Kreise einer Spirale, die von Tatsachen zu Ursachen und Grundlagen aufsteigt (siehe das Vorwort zur „Menschlichen Komödie“, Sobr.
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cit., Bd. 1, M., I960). Die „Menschliche Komödie“ umfasst 90 Werke. Balzac geb er war der erste große Schriftsteller, der dem materiellen Hintergrund und dem „Erscheinungsbild“ seiner Figuren große Aufmerksamkeit schenkte; Vor ihm stellte niemand Erwerbssucht und rücksichtslosen Karrierismus so sehr als die wichtigsten Lebensanreize dar. gobsek 1830), in Unbekanntes Meisterwerk (1831), Eugenia Grande, Briefe an einen Fremdenüber die Liebe zu einer polnischen Gräfin.

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In den 1830er und 1840er Jahren, insbesondere in den Werken von Balzac, tauchen die charakteristischen Merkmale des Realismus auf. Realisten sehen ihre Hauptaufgabe in der künstlerischen Wiedergabe der Realität, in der Kenntnis der Gesetze, die ihre Dialektik und Formenvielfalt bestimmen.

„Die französische Gesellschaft selbst sollte der Historiker sein, ich musste nur ihr Sekretär sein“, betonte Balzac im Vorwort zu „Die menschliche Komödie“ und verkündete das Prinzip der Objektivität in der Herangehensweise an die Darstellung der Realität als wichtigstes Prinzip des Realismus Kunst. Dazu stellt der große Romancier fest: „Die Aufgabe der Kunst besteht nicht darin, die Natur zu kopieren, sondern sie auszudrücken!“ Tatsächlich als eine Kunst, die ein mehrdimensionales Bild der Realität vermittelt; Der Realismus beschränkt sich bei weitem nicht auf die moralische Beschreibung und das alltägliche Leben, zu seinen Aufgaben gehört auch die analytische Untersuchung der objektiven Gesetze des Lebens – historische, soziale, ethische, psychologische sowie eine kritische Bewertung moderner Mann und Gesellschaft einerseits und die Identifizierung eines positiven Anfangs in der Lebenswirklichkeit andererseits.

Eines der zentralen Postulate des Realismus – die Behauptung der Prinzipien realistischer Typisierung und deren theoretisches Verständnis – wird vor allem auch mit der französischen Literatur, mit dem Werk Balzacs, in Verbindung gebracht. bahnbrechend für den ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert und das von Balzac eingeführte Prinzip der Zyklisierung wurde für das Schicksal des Realismus im Allgemeinen bedeutsam. „The Human Comedy“ ist der erste Versuch, eine Reihe von Romanen und Kurzgeschichten zu schaffen, die durch eine komplexe Kette von Ursachen und Wirkungen sowie dem Schicksal der Charaktere miteinander verbunden sind und jedes Mal in einer neuen Phase ihres Schicksals sowie ihrer moralischen und psychologischen Entwicklung erscheinen . Die Zyklisierung entsprach dem Wunsch des Realismus nach einer allumfassenden, analytischen und systematischen künstlerischen Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit.

Bereits in der Ästhetik Balzacs zeigt sich eine Orientierung an der Wissenschaft, vor allem an der Biologie. Dieser Trend entwickelt sich in der Arbeit von Flaubert weiter, der die Prinzipien der wissenschaftlichen Forschung anwenden möchte moderner Roman. So manifestiert sich die für die positivistische Ästhetik charakteristische „wissenschaftliche“ Haltung in der künstlerischen Praxis der Realisten, lange bevor sie zur führenden im Naturalismus wird. Aber sowohl bei Balzac als auch bei Flaubert ist der Wunsch nach „Wissenschaftlichkeit“ frei von der den Naturforschern innewohnenden Tendenz, Naturgesetze und ihre Rolle im Leben der Gesellschaft zu verabsolutieren.

Die starke und helle Seite des Realismus in Frankreich ist der Psychologismus, in dem die romantische Tradition tiefer und vielfältiger erscheint. Das Spektrum der kausalen Motivationen der Psychologie, des Charakters, der Handlungen eines Menschen, aus denen sich letztlich sein Schicksal formt, wird in der Literatur des Realismus deutlich erweitert, der Schwerpunkt liegt gleichermaßen auf historischem und sozialem Determinismus sowie auf dem persönlich-individuellen Prinzip . Dadurch wird die größte Zuverlässigkeit der psychologischen Analyse erreicht.

Das führende Genre des Realismus in Frankreich, wie auch in anderen Ländern, ist der Roman in seinen Spielarten: moralistisch, sozialpsychologisch, psychologisch, philosophisch, phantastisch, abenteuerlich, historisch.

Neue Themen spiegeln sich im Werk der Realisten wider: die Entwicklung der modernen Gesellschaft, die Entstehung neuer Typen und Beziehungen, neue Moral und neue ästhetische Ansichten. Diese Themen finden sich in den Werken von Stendhal, Balzac und Mérimée wieder. Die nationale Identität des französischen Realismus spiegelte sich im Wunsch dieser Schriftsteller wider, die Essenz der reichen sozialen Erfahrungen zu verstehen, die die französische Gesellschaft in der turbulenten Zeit gesammelt hatte, die mit der Revolution von 1789 begann und zu Lebzeiten der Schriftsteller andauerte.

Nicht nur mit ihrem Talent, sondern auch mit einer tiefen Kenntnis der Realität ausgestattet, schufen die Realisten ein riesiges Panorama französisches Leben zeigt sie in Bewegung. Die Werke von Stendhal, Balzac, Mérimée und Beranger bezeugten, dass der französische Adel im Laufe des historischen Prozesses einem völligen Niedergang entgegenging. Realisten sahen auch die Regelmäßigkeit der Entstehung neuer Herren des Lebens – Vertreter des Bürgertums, die sie in den Bildern von Valno oder Gobsek brandmarkten.

Die Merkmale des aufkommenden Realismus manifestieren sich sofort auf unterschiedliche Weise in den Werken verschiedener Schriftsteller. Obwohl die Probleme der Werke von Balzac und Stendhal in vielerlei Hinsicht nahe beieinander liegen, unterscheiden sich die einzelnen Merkmale ihrer Schaffensmethode erheblich: Stendhal ist in erster Linie ein Meister des psychologischen Romans, der die innere Welt tiefgreifend erforschen möchte von Einzelpersonen. Balzac schafft ein riesiges Gemälde der französischen Realität, eine ganze Welt, die von vielen Figuren bewohnt wird.

Sowohl Stendhal als auch Balzac sind dem Historismus inhärent. In ihren Werken geht die Idee durch, dass sich die Gesellschaft in einem ständigen Wandel befindet, und sie suchen nach den Ursachen dieser Entwicklung. Auch der Historismus ist Merimee innewohnend. Für ihn ist das Leben der Gesellschaft eine ständige Veränderung des Gleichgewichts der gesellschaftlichen Kräfte, die sich auf den menschlichen Charakter auswirkt. In mehreren seiner Werke zeigt Merimee seine Zeitgenossen, verstümmelt und korrumpiert von der bürgerlichen Gesellschaft („Doppelter Irrtum“, „Etruskische Vase“ usw.).

Alle oben genannten Merkmale des französischen Realismus tauchten bereits in den 1830er und 40er Jahren auf, vor allem im Werk von Balzac und Stendhal. Die grundlegende Neuheit des Realismus als künstlerische Methode wird jedoch von den damaligen Schriftstellern und Kritikern immer noch kaum erkannt. Stendhals theoretische Reden (darunter „Racine und Shakespeare“, „Walter Scott und die Prinzessin von Kleve“) stehen ganz im Einklang mit dem Kampf um die Romantik. Obwohl Balzac die grundlegende Neuheit der Methode der menschlichen Komödie empfindet, gibt er ihr keine konkrete Definition. In seinen kritischen Schriften distanziert er sich von Stendhal und Merimee, erkennt aber zugleich die Nähe an, die ihn mit diesen Autoren verbindet. In „Eine Studie über Bayle“ (1840) versucht Balzac, die Phänomene der zeitgenössischen Literatur zu klassifizieren, bezieht sich aber gleichzeitig selbst (zum „Eklektizismus“) und Stendhal (zur „Ideenliteratur“) auf unterschiedliche Strömungen . Für die „Schule der Ideen“ betrachtete Balzac das charakteristische analytische Prinzip, das darauf abzielte, die komplexen Kollisionen der inneren Welt aufzudecken. Mit „eklektischer Schule“ meinte er Kunst, die eine breite epische Darstellung der Realität und gesellschaftlicher Verallgemeinerungen anstrebt, die in einer Vielzahl von Typen enthalten sind, die von Künstlern auf der Grundlage von Beobachtungen des Lebens geschaffen wurden. Selbst ein so maßgeblicher Kritiker des 19. Jahrhunderts wie Sainte-Beuve verzichtet im Artikel „Zehn Jahre später in der Literatur“ (1840) auf den Begriff „Realismus“ und sieht in „Die menschliche Komödie“ nur eine Manifestation von Übermaß und verwerfliche Wahrhaftigkeit und vergleicht seinen Autor mit „einem Arzt, der indiskret die beschämenden Krankheiten seiner Patienten offenlegt“. Der Kritiker interpretiert die Werke von Stendhal auf die gleiche oberflächliche Weise. Und erst mit dem Erscheinen von „Madame Bovary“ (1857) erklärt Flaubert Sainte-Beuve: „... ich scheine Anzeichen neuer Literatur zu erkennen, Merkmale, die offenbar für Vertreter neuer Generationen charakteristisch sind“ („Madame Bovary“ von Gustave Flaubert“ (1857)).

All dies deutet darauf hin, dass die Bildung des theoretischen Konzepts einer neuen künstlerischen Methode in der ersten Phase ihrer Entwicklung weit hinter der Praxis zurückbleibt. Im Allgemeinen ist die erste Stufe des französischen Realismus die Schaffung einer neuen Methode, deren theoretische Begründung etwas später beginnen wird.

Das Wachstum der kritischen Tendenz in der französischen Literatur verlief aufsteigend und verstärkte sich, als das volksfeindliche Wesen der bürgerlichen Monarchie von Louis Philippe offenbart wurde. Als Beweis dafür erschien in der zweiten Hälfte der 1930er Jahre Balzacs „Verlorene Illusionen“. dem Thema gewidmet Enttäuschung über die bürgerliche Realität.

In Frankreich erhielt die realistische Ästhetik eine ausgeprägtere theoretische Formulierung als in anderen Ländern, und das Wort „Realismus“ selbst wurde zunächst als Begriff verwendet, der eine Reihe künstlerischer Prinzipien ausdrückte, deren Befürworter so etwas wie eine Schule schufen.

Wie bereits erwähnt, tauchte der Begriff „Realismus“ bereits in den 1820er Jahren auf den Seiten französischer Zeitschriften auf, doch erst in den 1840er Jahren wurde dieses Wort von seiner negativ bewertenden Bedeutung befreit. Tiefgreifende Veränderungen in der Einstellung zum Konzept des „Realismus“ werden etwas später, Mitte der 50er Jahre, eintreten und mit den Aktivitäten von J. Chanfleury und L. E. Duranty und ihren Gleichgesinnten in Verbindung gebracht.

Es sei darauf hingewiesen, dass der Weg der frühen französischen Realisten alles andere als reibungslos verlief. Die bürgerliche Gesellschaft hetzte und verfolgte diejenigen, die die Wahrheit über sie schrieben. Die Biografien von Beranger, Stendhal, Balzac sind reich an Fakten, die bezeugen, wie geschickt die bürgerlichen herrschenden Kreise die unterschiedlichsten Mittel einsetzten, um mit den von ihnen beanstandeten Schriftstellern umzugehen. Berenger wurde wegen seiner Taten vor Gericht gestellt. Stendhal war zu Lebzeiten nahezu unbekannt, Balzac, der im Ausland weithin bekannt war, starb, ohne in Frankreich die gebührende Anerkennung zu erhalten. Merimees Dienstkarriere entwickelte sich recht erfolgreich, doch auch als Schriftsteller wurde er erst nach seinem Tod geschätzt.

Die 1830er und 1840er Jahre stellten eine wichtige Periode in der Geschichte Frankreichs und seiner Literatur dar. Am Ende dieser Periode, also am Vorabend der Revolution von 1848, war bereits klar geworden, dass das Bedeutendste und Neueste in der reichen literarischen Erfahrung der 30er und 40er Jahre mit der realistischen Strömung zusammenhing, deren Vertreter waren in der Lage, die lebendigsten und wahrheitsgetreuesten Bilder des französischen Lebens zu schaffen. Zwischen den beiden Revolutionen legten sie eine solide Grundlage für die weitere Entwicklung der französischen Nationalliteratur.

Die französische Kunstschule an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert kann als führende europäische Schule bezeichnet werden. In Frankreich wurden damals Kunststile wie Rokoko, Romantik, Klassizismus, Realismus, Impressionismus und Postimpressionismus geboren.

Rokoko (Französisches Rokoko, von Rocaille – ein dekoratives Muschelmotiv) – ein Stil in der europäischen Kunst der 1. Hälfte des 18. Jahrhunderts. Das Rokoko ist geprägt von Hedonismus, Rückzug in die Welt des idyllischen Theaterspiels, Leidenschaft für pastorale und sinnlich-erotische Themen. Der Charakter des Rokoko-Dekors erlangte betont elegante, raffinierte und raffinierte Formen.

Francois Boucher, Antoine Watteau und Jean Honore Fragonard arbeiteten im Rokoko-Stil.

Klassizismus - ein Stil in der europäischen Kunst des 17. bis frühen 19. Jahrhunderts, dessen charakteristisches Merkmal die Berufung auf die Formen der antiken Kunst als idealer ästhetischer und ethischer Standard war.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres und Jacques-Louis David arbeiteten im Stil des Klassizismus.

Romantik - der Stil der europäischen Kunst im 18.-19. Jahrhundert, dessen charakteristische Merkmale die Behauptung des inhärenten Wertes des spirituellen und kreativen Lebens des Einzelnen, das Bild starker und oft rebellischer Leidenschaften und Charaktere waren.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault und William Blake arbeiteten im Stil der Romantik.

Edouard Manet. Frühstück in der Werkstatt. 1868

Realismus - ein Kunststil, dessen Aufgabe die genaueste und objektivste Fixierung der Realität ist. Stilistisch gesehen ist der Realismus vielseitig und variantenreich. Verschiedene Aspekte des Realismus in der Malerei sind der barocke Illusionismus von Caravaggio und Velazquez, der Impressionismus von Manet und Degas und die Nyunen-Werke von Van Gogh.

Die Geburt des Realismus in der Malerei wird am häufigsten mit der Arbeit des französischen Künstlers Gustave Courbet in Verbindung gebracht, der 1855 in Paris seine persönliche Ausstellung „Pavillon des Realismus“ eröffnete, obwohl schon vor ihm die Künstler der Barbizon-Schule Theodore Rousseau, Jean- Francois Millet und Jules Breton arbeiteten realistisch. In den 1870er Jahren Der Realismus wurde in zwei Hauptbereiche unterteilt: Naturalismus und Impressionismus.

Die realistische Malerei hat sich auf der ganzen Welt verbreitet. Im Stil des Realismus einer akuten sozialen Orientierung im Russland des 19. Jahrhunderts arbeiteten die Wanderer.

Impressionismus (von französisch impression – impression) – ein Kunststil des letzten Drittels des 19. – frühen 20. Jahrhunderts, dessen charakteristisches Merkmal der Wunsch war, die reale Welt in ihrer Beweglichkeit und Variabilität möglichst natürlich einzufangen, um ihre flüchtigen Eindrücke zu vermitteln . Der Impressionismus warf keine philosophischen Fragen auf, sondern konzentrierte sich auf die Fließfähigkeit des Augenblicks, der Stimmung und der Beleuchtung. Das Leben selbst wird zum Thema der Impressionisten, als eine Reihe kleiner Feiertage, Partys und angenehmer Picknicks in der Natur in einer freundlichen Umgebung. Die Impressionisten gehörten zu den ersten, die im Freien malten, ohne ihre Arbeit im Atelier abzuschließen.

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley und andere arbeiteten im Stil des Impressionismus.

Post-Impressionismus - ein Kunststil, der Ende des 19. Jahrhunderts entstand. Die Postimpressionisten versuchten, die Materialität der Welt frei und allgemein zu vermitteln, indem sie auf dekorative Stilisierung zurückgriffen.

Der Postimpressionismus brachte Kunstbereiche wie Expressionismus, Symbolismus und Moderne hervor.

Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne und Toulouse-Lautrec arbeiteten im Stil des Postimpressionismus.

Betrachten wir den Impressionismus und Postimpressionismus am Beispiel der Arbeit einzelner französischer Meister des 19. Jahrhunderts genauer.

Edgar Degas. Selbstporträt. 1854-1855

Edgar Degas (Lebensjahre 1834–1917) – französischer Maler, Grafiker und Bildhauer.

Beginnend mit strengen historischen Gemälden und Porträts näherte sich Degas in den 1870er Jahren den Vertretern des Impressionismus und wandte sich dem Bild des modernen städtischen Lebens zu – Straßen, Cafés, Theateraufführungen.

In Degas‘ Gemälden sind dynamische, oft asymmetrische Kompositionen, präzise flexible Zeichnungen, unerwartete Winkel und aktive Interaktionen zwischen Figur und Raum sorgfältig durchdacht und verifiziert.

E. Degas. Badezimmer. 1885

In vielen Werken zeigt Edgar Degas die Besonderheit des Verhaltens und Aussehens von Menschen, erzeugt durch die Besonderheiten ihres Lebens, offenbart den Mechanismus einer professionellen Geste, Haltung, Bewegung eines Menschen, seine plastische Schönheit. Die Kunst von Degas liegt in der Kombination von Schönem und Prosaischem; Der Künstler fängt als nüchterner und subtiler Beobachter zugleich die mühsame Alltagsarbeit ein, die sich hinter der eleganten Unterhaltung verbirgt.

Die bevorzugte Pastelltechnik ermöglichte es Edgar Degas, sein Talent als Zeichner voll zur Geltung zu bringen. Gesättigte Farbtöne und „schimmernde“ Pastelltöne verhalfen dem Künstler zu einer besonderen farbenfrohen Atmosphäre, dieser schillernden Leichtigkeit, die alle seine Werke so auszeichnet.

In seinen reifen Jahren wendet sich Degas häufig dem Thema Ballett zu. Zerbrechliche und schwerelose Figuren von Ballerinas erscheinen vor dem Betrachter entweder in der Dämmerung des Tanzunterrichts, im Licht der Scheinwerfer auf der Bühne oder in kurzen Momenten der Ruhe. Die scheinbare Zufälligkeit der Komposition und die unvoreingenommene Haltung des Autors erwecken den Eindruck, als hätte er das Leben eines anderen gesehen, der Künstler zeigt uns die Welt der Anmut und Schönheit, ohne in übermäßige Sentimentalität zu verfallen.

Edgar Degas kann als subtiler Kolorist bezeichnet werden, seine Pastelle sind überraschend harmonisch, mal zart und leicht, mal auf scharfen Farbkontrasten aufgebaut. Degas‘ Art zeichnete sich durch eine erstaunliche Freiheit aus. Er trug Pastelle mit kräftigen, gebrochenen Strichen auf, wobei er manchmal den Ton des Papiers durch das Pastell hindurchscheinen ließ oder Striche in Öl oder Aquarell hinzufügte. Farbe entsteht in Degas‘ Gemälden aus einem schillernden Glanz, aus einem fließenden Strom schillernder Linien, die eine Form entstehen lassen.

Späte Werke von Degas zeichnen sich durch Intensität und Reichtum der Farben aus, die durch die Wirkung künstlicher Beleuchtung, vergrößerte, fast flache Formen und die Beschränkung des Raums ergänzt werden, was ihnen einen spannungsgeladenen und dramatischen Charakter verleiht. Darin

Zeitraum Degas schrieb einen seiner die besten Werke- Blaue Tänzer. Der Künstler arbeitet hier in großen Farbflächen und legt dabei größten Wert auf die dekorative Gestaltung der Bildoberfläche. Im Hinblick auf die Schönheit der Farbharmonie und der kompositorischen Lösung kann das Gemälde „Blaue Tänzer“ als die beste Verkörperung des Ballettthemas von Degas angesehen werden, der in diesem Gemälde den ultimativen Reichtum an Texturen und Farbkombinationen erreicht hat.

P. O. Renoir. Selbstporträt. 1875

Pierre Auguste Renoir (Lebensjahre 1841-1919) - Französischer Maler, Grafiker und Bildhauer, einer der Hauptvertreter des Impressionismus. Renoir ist vor allem als Meister eines weltlichen Porträts bekannt, das nicht frei von Sentimentalität ist. Mitte der 1880er Jahre. brach tatsächlich mit dem Impressionismus und kehrte zur Linearität des Klassizismus in der Schaffensperiode von Ingres zurück. Renoir, ein bemerkenswerter Kolorist, erreicht den Eindruck einer monochromen Malerei oft mit Hilfe feinster Kombinationen von Valères, die in ihren Farbtönen ähnlich sind.

P. O. Renoir. Planschbecken. 1869

Wie die meisten Impressionisten wählt Renoir flüchtige Episoden des Lebens als Themen seiner Gemälde und bevorzugt festliche Stadtszenen – Bälle, Tänze, Spaziergänge („Neue Brücke“, „Frosch“, „Moulin da la Galette“ und andere). Auf diesen Leinwänden werden wir weder Schwarz noch Dunkelbraun sehen. Nur eine Reihe klarer und leuchtender Farben, die bei Betrachtung aus einer bestimmten Entfernung miteinander verschmelzen. Die Menschenfiguren auf diesen Gemälden sind in der gleichen impressionistischen Technik gemalt wie die sie umgebende Landschaft, mit der sie oft verschmelzen.

P. O. Renoir. Porträt der Schauspielerin Jeanne Samary. 1877

Einen besonderen Platz im Werk Renoirs nehmen poetische und charmante Frauenbilder ein: Innerlich unterschiedlich, aber äußerlich leicht ähnlich, scheinen sie von einem gemeinsamen Siegel der Epoche geprägt zu sein. Renoir malte drei verschiedene Porträts der Schauspielerin Jeanne Samary. Auf einem davon ist die Schauspielerin in einem exquisiten grün-blauen Kleid auf rosa Hintergrund abgebildet. In diesem Porträt gelang es Renoir, die besten Eigenschaften seines Modells hervorzuheben: Schönheit, ein lebhafter Geist, ein offener Blick, ein strahlendes Lächeln. Der Arbeitsstil des Künstlers ist sehr frei, manchmal bis zur Nachlässigkeit, aber dadurch entsteht eine Atmosphäre außergewöhnlicher Frische, spiritueller Klarheit und Gelassenheit. In der Darstellung des Aktes erreicht Renoir eine seltene Raffinesse der Nelken (Malerei in der Farbe des Menschen). Haut), basierend auf einer Kombination aus warmen Hauttönen mit gleitenden hellgrünen und graublauen Reflexen, die der Oberfläche der Leinwand Glätte und Mattheit verleihen. In dem Gemälde „Akt im Sonnenlicht“ verwendet Renoir hauptsächlich Primär- und Sekundärfarben und verzichtet vollständig auf Schwarz. Durch kleine Farbstriche erzeugte Farbflecken ergeben einen charakteristischen Verschmelzungseffekt, wenn sich der Betrachter vom Bild entfernt.

Es ist anzumerken, dass die Verwendung von Grün-, Gelb-, Ocker-, Rosa- und Rottönen zur Darstellung der Haut das damalige Publikum schockierte, da es nicht auf die Wahrnehmung der Tatsache vorbereitet war, dass die Schatten farbig und mit Licht gefüllt sein sollten.

In den 1880er Jahren begann im Werk Renoirs die sogenannte „Ingres-Periode“. Das berühmteste Werk dieser Zeit ist „The Great Bathers“. Zum ersten Mal begann Renoir, Skizzen und Skizzen zum Aufbau einer Komposition zu verwenden, die Linien der Zeichnung wurden klar und definiert, die Farben verloren ihre frühere Helligkeit und Sättigung, das Gemälde insgesamt wirkte zurückhaltender und kälter.

In den frühen 1890er Jahren kam es zu neuen Veränderungen in der Renoir-Kunst. Auf malerische Weise entsteht ein Schillern der Farben, weshalb diese Periode manchmal „Perle“ genannt wird, dann weicht diese Periode dem „Rot“, das aufgrund der Vorliebe für rötliche und rosafarbene Blütentöne so genannt wird.

Eugene Henri Paul Gauguin (Lebensjahre 1848-1903) - Französischer Maler, Bildhauer und Grafiker. Zusammen mit Cezanne und Van Gogh war er der größte Vertreter des Postimpressionismus. Er begann im Erwachsenenalter zu malen, die frühe Schaffensperiode wird mit dem Impressionismus in Verbindung gebracht. Die besten Werke Gauguins entstanden auf den Inseln Tahiti und Hiva-Oa in Ozeanien, wo Gauguin die „perverse Zivilisation“ verließ. Zu den charakteristischen Merkmalen von Gauguins Stil gehört die Schaffung statischer und farbkontrastierender Kompositionen auf großen, ebenen Leinwänden, die zutiefst emotional und zugleich dekorativ sind.

In „Der gelbe Christus“ stellte Gauguin ein Kruzifix vor dem Hintergrund einer typisch französischen ländlichen Landschaft dar. Der leidende Jesus ist von drei bretonischen Bäuerinnen umgeben. Frieden in der Luft, ruhige, unterwürfige Posen von Frauen, eine von sonniger gelber Farbe gesättigte Landschaft mit Bäumen im roten Herbstlaub, ein Bauer, der in der Ferne mit seinen Angelegenheiten beschäftigt ist, können nicht umhin, mit dem, was am Kreuz geschieht, in Konflikt zu geraten. Die Umgebung steht in scharfem Kontrast zu Jesus, auf dessen Gesicht sich jene Phase des Leidens abzeichnet, die an Apathie und Gleichgültigkeit gegenüber allem um ihn herum grenzt. Der Widerspruch zwischen den grenzenlosen Qualen, die Christus auf sich genommen hat, und der „Unbemerktheit“ dieses Opfers durch die Menschen – das ist Hauptthema dieses Werk von Gauguin.

P. Gauguin. Bist du neidisch? 1892

Gemälde „Bist du eifersüchtig?“ bezieht sich auf die polynesische Schaffensperiode des Künstlers. Das Gemälde basiert auf einer Szene aus dem Leben, die der Künstler gesehen hat:

Am Ufer reden zwei Schwestern – sie sind gerade geschwommen, und jetzt liegen ihre Körper in lässigen, üppigen Posen im Sand ausgebreitet – über Liebe, eine Erinnerung sorgt für Streit: „Wie? Bist du eifersüchtig!".

Gauguin malte die saftige, vollblütige Schönheit der tropischen Natur, natürliche, von der Zivilisation unberührte Menschen und stellte einen utopischen Traum von einem irdischen Paradies dar, von einem menschlichen Leben im Einklang mit der Natur. Gauguins polynesische Leinwände ähneln Tafeln hinsichtlich der dekorativen Farbe, der Flachheit und Monumentalität der Komposition sowie der Verallgemeinerung des stilisierten Musters.

P. Gauguin. Woher kamen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir? 1897-1898

Das Bild „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?" Gauguin betrachtete den erhabenen Höhepunkt seiner Überlegungen. Gemäß der Intention des Künstlers soll das Bild von rechts nach links gelesen werden: Drei Hauptfigurengruppen veranschaulichen die im Titel gestellten Fragen. Die Frauengruppe mit Kind auf der rechten Bildseite stellt den Beginn des Lebens dar; die mittlere Gruppe symbolisiert die tägliche Existenz der Reife; In der Gruppe der äußersten Linken stellte Gauguin das Alter des Menschen dar, der sich dem Tod näherte; Das blaue Idol im Hintergrund symbolisiert die andere Welt. Dieses Gemälde ist der Höhepunkt von Gauguins innovativem postimpressionistischen Stil; Sein Stil verband einen klaren Farbeinsatz, dekorative Farb- und Kompositionslösungen, Flächigkeit und Monumentalität des Bildes mit emotionaler Ausdruckskraft.

Gauguins Werk nahm viele Merkmale des Jugendstils vorweg, der sich in dieser Zeit entwickelte und die Ausbildung der Meister der Nabis-Gruppe und anderer Maler des frühen 20. Jahrhunderts beeinflusste.

W. Van Gogh. Selbstporträt. 1889

Vincent van Gogh (Lebensjahre 1853-1890) - Französischer und niederländischer postimpressionistischer Maler, begann in den 1880er Jahren wie Paul Gauguin bereits im Erwachsenenalter mit der Malerei. Bis zu diesem Zeitpunkt arbeitete Van Gogh erfolgreich als Händler, dann als Lehrer in einem Internat, studierte später an der Protestantischen Missionsschule und arbeitete sechs Monate lang als Missionar in einem armen Bergbauviertel in Belgien. In den frühen 1880er Jahren wandte sich Van Gogh der Kunst zu und besuchte die Akademie der Schönen Künste in Brüssel (1880–1881) und Antwerpen (1885–1886). In der Frühphase seines Schaffens malte Van Gogh Skizzen und Gemälde in einer dunklen Bildpalette und wählte als Handlung Szenen aus dem Leben von Bergleuten, Bauern und Handwerkern. Die Werke Van Goghs aus dieser Zeit („Die Kartoffelesser“, „Der alte Kirchturm in Nynen“, „Die Schuhe“) markieren eine schmerzlich scharfe Wahrnehmung menschlichen Leidens und depressiver Gefühle, eine bedrückende Atmosphäre psychischer Spannung. In seinen Briefen an seinen Bruder Theo schrieb der Künstler Folgendes über eines der Gemälde dieser Zeit, Die Kartoffelesser: „Darin versuchte ich zu betonen, dass diese Leute, die ihre Kartoffeln im Licht einer Lampe aßen, die Kartoffeln ausgruben.“ Erde mit den gleichen Händen, mit denen sie die Schüssel ausgestreckt haben; Somit spricht die Leinwand von harter Arbeit und davon, dass die Charaktere ihr Essen ehrlich verdient haben.“ In den Jahren 1886-1888. Van Gogh lebte in Paris, besuchte das renommierte private Kunstatelier des in ganz Europa berühmten Lehrers P. Cormon, studierte impressionistische Malerei, japanische Gravur und synthetische Werke von Paul Gauguin. In dieser Zeit wurde Van Goghs Palette heller, der erdige Farbton verschwand, es erschienen reine Blau-, Goldgelb- und Rottöne, sein charakteristischer dynamischer, wie fließender Pinselstrich („Agostina Segatori im Tambourine Café“, „Brücke über die Seine“) “, „Papa Tanguy“, „Blick auf Paris aus Theos Wohnung in der Rue Lepic“).

Im Jahr 1888 zog Van Gogh nach Arles, wo die Originalität seines Schaffens endgültig festgestellt wurde. Ein feuriges künstlerisches Temperament, ein quälender Drang nach Harmonie, Schönheit und Glück und gleichzeitig die Angst vor menschenfeindlichen Mächten verkörpern sich entweder in den in sonnigen Farben leuchtenden Landschaften des Südens („Gelbes Haus“, „Ernte“) . La Crot Valley“), oder in unheimlichen, an einen Albtraum erinnernden Bildern („Night Cafe Terrace“); Dynamik von Farbe und Strich

W. Van Gogh. Nachtcafé-Terrasse. 1888

erfüllt mit vergeistigtem Leben und Bewegung nicht nur die Natur und die Menschen, die sie bewohnen („Rote Weinberge in Arles“), sondern auch unbelebte Objekte („Van Goghs Schlafzimmer in Arles“).

Van Goghs intensive Arbeit in den letzten Jahren wurde von Anfällen von Geisteskrankheiten begleitet, die ihn in das Krankenhaus für Geisteskranke in Arles, dann in Saint-Remy (1889-1890) und in Auvers-sur-Oise (1890) führten, wo er hat Selbstmord begangen. Kreativität von zwei den letzten Jahren Das Leben des Künstlers ist geprägt von ekstatischer Obsession, extrem gesteigertem Ausdruck von Farbkombinationen, abrupten Stimmungsschwankungen – von rasender Verzweiflung und düsterer Visionärik („Straße mit Zypressen und Sternen“) bis hin zu einem zitternden Gefühl der Erleuchtung und des Friedens („Landschaft in Auvers nach dem 19. Jahrhundert“) Regen").

W. Van Gogh. Iris. 1889

Während seiner Behandlung in der Saint-Remy-Klinik malte Van Gogh eine Gemäldeserie „Iris“. In seiner Blumenmalerei gibt es keine große Spannung und der Einfluss japanischer Ukiyo-e-Drucke ist erkennbar. Diese Ähnlichkeit manifestiert sich in der Auswahl der Konturen von Objekten, ungewöhnlichen Winkeln, dem Vorhandensein detaillierter Bereiche und Bereichen, die mit einer Volltonfarbe gefüllt sind, die nicht der Realität entspricht.

W. Van Gogh. Weizenfeld mit Krähen. 1890

„Weizenfeld mit Krähen“ ist ein Gemälde von Van Gogh, das der Künstler im Juli 1890 malte und eines seiner berühmtesten Werke ist. Das Gemälde wurde angeblich am 10. Juli 1890, 19 Tage vor seinem Tod in Auvers-sur-Oise, fertiggestellt. Es gibt eine Version, dass Van Gogh beim Schreiben dieses Bildes Selbstmord begangen hat (er ging mit Zeichenmaterial ins Freie, erschoss sich mit einer Pistole, die er gekauft hatte, um Vogelschwärme im Herzbereich abzuschrecken, und erreichte dann selbstständig das Krankenhaus, wo er an Blutverlust starb).