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Moderne Zeiten beinhaltet den Tag der künstlerischen Epochen: Avantgarde und Realismus. Originalität Das Besondere an diesen Epochen ist, dass sie sich nicht sequentiell, sondern historisch parallel entwickeln.

Avantgardistische Künstlergruppen N Th ( Vormodernismus, Modernismus, Neomodernismus, Postmodernismus) entwickeln sich parallel zur realistischen Gruppe (Kritischer Realismus des 19. Jahrhunderts, sozialistischer Realismus, Dorfprosa, Neorealismus, magischer Realismus, psychologischer Realismus, intellektueller Realismus). In dieser parallelen Entwicklung der Epochen manifestiert sich allgemeine Beschleunigung der Bewegung der Geschichte.

Eine der Hauptbestimmungen des künstlerischen Konzepts avantgardistischer Bewegungen: Chaos, Unordnung „Das Gesetz des modernen Lebens in der menschlichen Gesellschaft. Kunst wird zur Chaosologie und untersucht die Gesetze der Weltunordnung.

Alle Avantgarde-Bewegungen schränken das Bewusste ein und vergrößern das Unbewusste sowohl im kreativen als auch im Rezeptionsprozess. Diese Richtungen widmen der Massenkunst und den Problemen der Bewusstseinsbildung des Einzelnen große Aufmerksamkeit.

Merkmale, die avantgardistische künstlerische Bewegungen vereinen: neuer Looküber die Stellung und den Zweck des Menschen im Universum, die Ablehnung bisher etablierter Regeln und Normen, von Traditionen und etablierten

Geschicklichkeit, Experimente im Bereich Form und Stil, Suche nach neuen künstlerischen Mitteln und Techniken.

Vormoderne - erste (anfängliche) Periode künstlerische Entwicklung Avantgarde-Epochen; eine Gruppe künstlerischer Bewegungen in der Kultur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, die eine ganze Phase (die Phase der verlorenen Illusionen) der neuesten künstlerischen Entwicklung eröffnet.

Der Naturalismus ist eine künstlerische Bewegung, deren unveränderliches künstlerisches Konzept die Bekräftigung des fleischlichen Menschen in der dinglich-materiellen Welt war; ein Mensch, selbst wenn man ihn nur als hochorganisiertes biologisches Individuum betrachtet, verdient in jeder Erscheinungsform Aufmerksamkeit; Trotz all ihrer Unvollkommenheiten ist die Welt stabil und alle Details über sie sind von allgemeinem Interesse. Im künstlerischen Konzept des Naturalismus werden Wünsche und Möglichkeiten, Ideale und Realität in Einklang gebracht, eine gewisse Selbstgefälligkeit der Gesellschaft, ihre Zufriedenheit mit ihrer Lage und ihre Zurückhaltung, etwas in der Welt zu verändern, sind spürbar.

Der Naturalismus behauptet das alles sichtbare Welt- Teil der Natur und kann durch ihre Gesetze erklärt werden und nicht durch übernatürliche oder paranormale Ursachen. Der Naturalismus entstand aus der Verabsolutierung des Realismus und unter dem Einfluss darwinistischer biologischer Theorien, wissenschaftlicher Methoden zur Erforschung der Gesellschaft und der deterministischen Ideen von Taine und anderen Positivisten.

Impressionismus - künstlerische Bewegung (zweite Hälfte des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts), deren unveränderliches künstlerisches Konzept die Bestätigung einer anspruchsvollen, lyrisch ansprechenden, beeinflussbaren Persönlichkeit war, die die Schönheit der Welt bewunderte. Der Impressionismus eröffnete eine neue Art der Wahrnehmung der Realität. Im Gegensatz zum Realismus, der sich auf die Vermittlung des Typischen konzentriert, konzentriert sich der Impressionismus auf das Besondere, das Individuelle und die subjektive Vision des Künstlers.

Impressionismus ist eine meisterhafte Beherrschung von Farbe, Hell-Dunkel, der Fähigkeit, Vielfalt, die Vielfarbigkeit des Lebens, die Freude am Sein zu vermitteln, flüchtige Momente der Erleuchtung und den allgemeinen Zustand der sich verändernden Welt einzufangen, im Freien zu vermitteln – das Spiel von Licht und Schatten um Menschen und Dinge, die Luftumgebung, natürliches Licht, das dem abgebildeten Objekt ein ästhetisches Aussehen verleiht.

Der Impressionismus manifestierte sich in der Malerei (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) und in der Musik (C. Debussy und M . . Ravel, A. Skrjabin) und in der Literatur (teilweise G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellerman, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Eklektizismus- künstlerische Richtung (die sich hauptsächlich in der Architektur manifestierte), die bei der Schaffung von Werken jede Kombination jeglicher Formen der Vergangenheit beinhaltet nationale Traditionen, völliger Dekorativismus, Austauschbarkeit und Äquivalenz von Elementen in einem Werk, Verletzung der Hierarchie im künstlerischen System und Schwächung der Systematik und Integrität.

Eklektizismus ist gekennzeichnet durch: 1) ein Übermaß an Dekorationen; 2) gleiche Bedeutung verschiedener Elemente, aller Stilformen; 3) Verlust der Unterscheidung zwischen einer massiven und einzigartigen Struktur in einem städtischen Ensemble oder einem literarischen Werk und anderen Werken des literarischen Prozesses; 4) Mangel an Einheit: Die Fassade ist vom Gebäudekörper getrennt, das Detail ist vom Ganzen getrennt, der Stil der Fassade ist vom Stil des Innenraums getrennt, die Stile verschiedener Innenräume sind voneinander getrennt ; 5) optionale symmetrische axiale Zusammensetzung (Abweichung von der Regel einer ungeraden Anzahl von Fenstern an der Fassade), Einheitlichkeit der Fassade; 6) das Prinzip des „non-finito“ (Unvollständigkeit des Werkes, Offenheit der Komposition); 7) Stärkung

Verständnis der Assoziativität des Denkens des Autors (Künstlers). la, Architekt) und Betrachter; 8) Befreiung von alten Traditionen und Abhängigkeit von Kulturen verschiedener Epochen und verschiedene Nationen; Verlangen nach dem Exotischen; 9) Multistil; 10) unregulierte Persönlichkeit (im Gegensatz zum Klassizismus), Subjektivismus, freie Manifestation des persönlichen Elements; 11) Demokratie: die Tendenz, einen universellen, nicht klassenbezogenen Typ städtischen Wohnens zu schaffen.

Funktionell zielt der Eklektizismus in Literatur, Architektur und anderen Künsten darauf ab, dem „dritten Stand“ zu dienen. Das Schlüsselbauwerk des Barock ist eine Kirche oder ein Schloss, das Schlüsselbauwerk des Klassizismus ist Regierungsgebäude, die Schlüsselstruktur des Eklektizismus ist ein Mehrfamilienhaus („für alle“). Dekorativer Eklektizismus ist ein Marktfaktor, der entstanden ist, um eine breite Kundschaft in ein Mehrfamilienhaus zu locken, in dem Wohnungen vermietet werden. Ein Mehrfamilienhaus ist eine Massenwohnungsform.

Modernismus- künstlerische Ära, vereint künstlerische Bewegungen, deren künstlerisches Konzept die Beschleunigung der Geschichte und die Verstärkung ihres Drucks auf den Menschen widerspiegelt (Symbolismus, Rayonismus, Fauvismus, Primitivismus, Kubismus, Akmeismus, Futurismus); die Zeit der vollständigsten Verkörperung des Avantgardismus. In der Zeit der Moderne kam es zu einer rasanten Entwicklung und Veränderung künstlerischer Richtungen.

Modernistische Kunstbewegungen entstehen durch die Dekonstruktion der typologischen Struktur eines klassischen Werks – bestimmte seiner Elemente werden zu Objekten künstlerischer Experimente. IN klassische Kunst Diese Elemente sind ausgewogen. Der Modernismus brachte dieses Gleichgewicht durcheinander, indem er einige Elemente stärkte und andere schwächte.

Symbolismus- eine künstlerische Bewegung der Ära des Modernismus, die das künstlerische Konzept bekräftigt: Der Traum des Dichters ist Ritterlichkeit und eine schöne Dame. Träume von

Ritterlichkeit, die Verehrung einer schönen Dame füllen Poesie Symbolismus.

Symbolismus entstand in Frankreich. Seine Meister waren Baudelaire, Mallarmé, Verlaine und Rimbaud.

Der Akmeismus ist eine künstlerische Bewegung der russischen Literatur zu Beginn des 20. Jahrhunderts, die im „Silbernen Zeitalter“ entstand, hauptsächlich in der Poesie existierte und behauptete: Dichter- ein Zauberer und stolzer Herrscher der Welt, der ihre Geheimnisse aufdeckt und ihr Chaos überwindet.

Zum Akmeismus gehörten: N. Gumilev, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkewitsch, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich und andere- künstlerische Bewegung der Ära des Modernismus, die im urban organisierten Chaos der Welt eine aggressive und militante Persönlichkeit behauptet.

Künstlerisch definieren Der Faktor des Futurismus ist die Dynamik. Futuristen setzten das Prinzip des grenzenlosen Experimentierens um und erzielten innovative Lösungen in Literatur, Malerei, Musik und Theater.

Primitivismus- eine künstlerische Bewegung, die den Menschen und die Welt vereinfacht und danach strebt, die Welt mit Kinderaugen zu sehen, freudig und einfach, außerhalb des „Erwachsenen“» Komplexität. Aus diesem Wunsch entstehen starke und Schwächen Primitivismus.

Primitivismus ist atavistische Nostalgie für die Vergangenheit, Sehnsucht nach einer vorzivilisierten Lebensweise.

Der Primitivismus strebt danach, die Grundzüge zu erfassen komplexe Welt, auf der Suche nach fröhlichen und verständlichen Farben und Linien darin. Primitivismus ist Opposition zur Realität: Die Welt wird komplexer, aber der Künstler vereinfacht sie. Allerdings vereinfacht der Künstler dann die Welt, um ihrer Komplexität gerecht zu werden.

Kubismus - eine geometrisierte Variante des Primitivismus, die die Realität vereinfacht und sie mit kindlichen oder „wilden“ Augen wahrnimmt.

die wahre Natur der Primitivierung: die Welt durch die Formen geometrisch regelmäßiger Figuren zu sehen.

Der Kubismus in Malerei und Skulptur wurde von den italienischen Künstlern D. Severini, U. Boccione, C. Kappa entwickelt; Deutsch - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerikaner - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, Mexikaner Diego Rivera, Argentinier E. Pettoruti und andere.

Im Kubismus sind architektonische Strukturen spürbar; Die Massen sind mechanisch miteinander gekoppelt und jede Masse behält ihre Unabhängigkeit. Der Kubismus eröffnete eine grundlegend neue Richtung in der figurativen Kunst. Konventionelle Werke des Kubismus (Braque, Gris, Picasso, Léger) pflegen einen Bezug zum Vorbild. Die Porträts entsprechen den Originalen und sind erkennbar (ein amerikanischer Kritiker erkannte in einem Pariser Café einen Mann, den er nur aus einem aus geometrischen Figuren zusammengesetzten Porträt von Picasso kannte).

Kubisten bilden die Realität nicht ab, sondern schaffen eine „andere Realität“ und vermitteln nicht das Aussehen eines Objekts, sondern dessen Design, Architektur, Struktur, Wesen. Sie reproduzieren keine „narrative Tatsache“, sondern verkörpern visuell ihr Wissen über das dargestellte Thema.

Abstraktionismus- künstlerische Richtung der Kunst des 20. Jahrhunderts, deren künstlerisches Konzept das Bedürfnis des Einzelnen bekräftigt, der banalen und illusorischen Realität zu entkommen.

Werke der abstrakten Kunst lösen sich von den Formen des Lebens selbst und verkörpern die subjektiven Farbeindrücke und Fantasien des Künstlers.

In der abstrakten Kunst haben sich zwei Trends herausgebildet. Erster Strom lyrisch-emotionaler, psychologischer Abstraktionismus – eine Symphonie der Farben, Harmonisierung formloser Farbkombinationen. Diese Bewegung entstand aus der impressionistischen Vielfalt der Welteindrücke, die in den Gemälden von Henri Matisse zum Ausdruck kommt.

Der Schöpfer des ersten Werkes des psychologischen Abstraktionismus war V. Kandinsky, der das Gemälde „Berg“ malte.

Zweiter Strom - Geometrischer (logischer, intellektueller) Abstraktionismus („Neoplastizismus“) ist nichtfigurativer Kubismus. Eine bedeutende Rolle bei der Geburt dieser Bewegung spielten P. Cézanne und die Kubisten, die durch die Kombination verschiedener Elemente einen neuen künstlerischen Raum schufen geometrische Formen, farbige Flächen, gerade und unterbrochene Linien.

Suprematismus(Autor des Begriffs und des entsprechenden künstlerischen Phänomens Kasimir Malewitsch) - die Bewegung des Abstraktionismus, die ihre Merkmale schärfte und vertiefte. Malewitsch eröffnete 1913 mit dem Gemälde „Schwarzes Quadrat“ die Bewegung „Suprematismus“. Später formulierte Malewitsch seine ästhetischen Prinzipien: Kunst ist aufgrund ihres zeitlosen Wertes von Dauer; reine plastische Sinnlichkeit ist die „Würde der Kunstwerke“. Die Ästhetik und Poetik des Suprematismus bekräftigt universelle (suprematistische) Bildformeln und Kompositionen – ideale Gebilde aus geometrisch korrekten Elementen.

Der Rayismus ist eine der nahezu abstraktionistischen Bewegungen, die die Schwierigkeit und Freude der menschlichen Existenz und die Ungewissheit der Welt bekräftigten, in der alle von verschiedenen Lichtquellen beleuchteten Objekte durch die Strahlen dieses Lichts zerstückelt werden und ihre klare Bildlichkeit verlieren.

Der Rayismus entstand in 1908 - 1910 gg. in den Werken der russischen Künstler Mikhail Larionov und seiner Frau Natalia Goncharova.

Während Dem Neomodernismus entstammen alle avantgardistischen künstlerischen Strömungen aus ein solches Verständnis der Realität: Ein Mensch kann dem Druck der Welt nicht standhalten und wird zum Neo-Menschen. In dieser Zeit erfolgte die Entwicklung

Es gibt avantgardistische künstlerische Strömungen, die düstere, pessimistische künstlerische Welt- und Persönlichkeitskonzepte bekräftigen. Darunter Dadaismus, Konstruktivismus, Surrealismus, Existentialismus, Neoabstraktionismus usw.

Der Dadaismus ist eine künstlerische Bewegung, die ein künstlerisches Konzept bekräftigt; Welt- sinnloser Wahnsinn, der Vernunft und Glauben auf die Probe stellt.

Die Prinzipien des Dadaismus wurden; ein Bruch mit den Traditionen der Weltkultur, einschließlich der Sprachtraditionen; Flucht aus der Kultur und der Realität, die Vorstellung von der Welt als einem Chaos des Wahnsinns, in das ein wehrloser Mensch geworfen wird; Pessimismus, Unglaube, Verleugnung von Werten, ein Gefühl des allgemeinen Verlusts und der Sinnlosigkeit der Existenz, Zerstörung von Idealen und dem Sinn des Lebens. Der Dadaismus ist Ausdruck der Krise der klassischen Kulturwerte, der Suche nach einer neuen Sprache und neuen Werten.

Der Surrealismus ist eine künstlerische Bewegung, die sich auf eine verwirrte Person in einer mysteriösen und unerkennbaren Welt konzentriert. Der Begriff der Persönlichkeit im Surrealismus könnte kurz in der Formel des Agnostizismus ausgedrückt werden: „Ich bin ein Mann, aber die Grenzen meiner Persönlichkeit und der Welt sind verschwommen.“ Ich weiß nicht, wo mein „Ich“ beginnt und wo es aufhört, wo ist die Welt und was ist sie?

Der Surrealismus als künstlerische Bewegung wurde entwickelt von: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Queneau, Jacques Prévert.

Der Surrealismus entstand auf der Grundlage des Dadaismus zunächst als literarische Leitung, die später in der Malerei, aber auch im Kino, Theater und teilweise in der Musik ihren Ausdruck fanden.

Für den Surrealismus sind Mensch und Welt, Raum und Zeit fließend und relativ. Sie verlieren Grenzen. Ästhetischer Relativismus wird proklamiert: Alles fließt, alles wird verbraucht.

scheint durcheinander zu sein“ verschwimmt; nichts ist sicher. Der Surrealismus behauptet die Relativität der Welt und sein Werte. Es gibt keine Grenzen zwischen Glück und Unglück, dem Einzelnen und der Gesellschaft. Chaos der Welt verursacht Chaos künstlerisches Denken - Das ist das Prinzip der Ästhetik des Surrealismus.

Das künstlerische Konzept des Surrealismus behauptet das Mysterium und die Unerkennbarkeit einer Welt, in der Zeit und Geschichte verschwinden und der Mensch im Unterbewusstsein lebt und sich angesichts von Schwierigkeiten hilflos fühlt.

Expressionismus- eine künstlerische Bewegung, die besagt: Entfremdet lebt der Mensch in einer feindlichen Welt. Als Held seiner Zeit stellte der Expressionismus eine ruhelose Persönlichkeit dar, die von Emotionen überwältigt war und nicht in der Lage war, Harmonie in eine von Leidenschaften zerrissene Welt zu bringen. -

Der Expressionismus als künstlerische Bewegung entstand auf der Grundlage von Beziehungen zu verschiedene Bereiche Wissenschaftliche Tätigkeit: mit Freuds Psychoanalyse, Husserls Phänomenologie, neukantianischer Erkenntnistheorie, der Philosophie des „Wiener Kreises“ und der Gestaltpsychologie.

Der Expressionismus manifestierte sich in verschiedene Typen Kunst: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch – in der Malerei; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka – in der Literatur; I. Strawinsky, B. Bartok, A. Schönberg – in der Musik.

Expressionismus basierend auf der Kultur des 20. Jahrhunderts. lässt die Romantik wieder aufleben. Expressionismus inhärente Angst vor der Welt und Widerspruch zwischen äußerer Dynamik und die Idee des unveränderlichen Wesens der Welt (Unglaube an die Möglichkeit ihrer Verbesserung). Nach künstlerischen In den Konzepten des Expressionismus werden die Wesenskräfte der Persönlichkeit im Gegensatz zueinander entfremdet Person und gesellschaftliche Institutionen, die ihm feindlich gesinnt sind: alles ist aussichtslos. Ek Impressionismus – Ausdruck des Schmerzes eines humanistischen Künstlers,

verursacht durch die Unvollkommenheit der Welt. Persönlichkeitskonzept des Expressionismus: Menschlich- ein emotionales, „natürliches“ Wesen, das der industriellen und rationalen, städtischen Welt, in der er leben muss, fremd ist.

Konstruktivismus- künstlerische Leitung (20er Jahre des 20. Jahrhunderts), deren konzeptionelle Invariante die Idee ist- Die menschliche Existenz vollzieht sich im Umfeld von ihm entfremdeter industrieller Kräfte; und der Held der Zeit- Rationalist der Industriegesellschaft.

Die in der Malerei geborenen neopositivistischen Prinzipien des Kubismus wurden in veränderter Form auf die Literatur und andere Künste ausgeweitet und in einer neuen Richtung gefestigt, indem sie mit den Ideen des Technizismus – dem Konstruktivismus – konvergierten. Letzterer betrachtete die Produkte der Industrie als unabhängig, entfremdet vom Einzelnen und ihm entgegenstehenden Werten. Der Konstruktivismus erschien zu Beginn der wissenschaftlichen und technischen Revolution und idealisierte die Ideen des Technismus; er schätzte Maschinen und ihre Produkte über Einzelpersonen. Selbst in den talentiertesten und humanistischsten Werken des Konstruktivismus werden die entfremdenden Faktoren des technischen Fortschritts als selbstverständlich angesehen. Der Konstruktivismus ist voller Pathos des industriellen Fortschritts und der wirtschaftlichen Machbarkeit; es ist technokratisch orientiert.

Die Ästhetik des Konstruktivismus entwickelte sich zwischen den Extremen (manchmal fiel sie in eines davon) – dem Utilitarismus, der die Zerstörung der Ästhetik fordert, und dem Ästhetizismus. In der bildenden Kunst und Architektur sind die Gestaltungsprinzipien des Konstruktivismus möglichst nah an der Technik und umfassen: mathematische Berechnung, Lakonismus der künstlerischen Mittel, schematische Komposition, Logisierung.

In der Literatur entwickelte sich im Werk der Gruppe der Konstruktivismus als künstlerische Strömung (1923 – 1930).

LCC (Literarisches Zentrum der Konstruktivisten): I.L. Selvinsky, B.N. Agapov, V.M. Inber, H.A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilovich, K.L. Zelinsky (Gruppentheoretiker) und andere beeinflussten auch das Theater (Regisseur von Vsevolod Meyerhold, der die Prinzipien der Biomechanik und der Theatertechnik entwickelte und Elemente des Zirkusspektakels in das Bühnengeschehen einführte. Die Ideen des Konstruktivismus umfassten verschiedene Arten von Kunst mit ihren Einfluss, hatte aber den größten Einfluss auf die Architektur. Dies betraf insbesondere die Arbeit von Le Corbusier, I. Leonidov, V.A. Shchuko und V.G.

Existentialismus- das Konzept der menschlichen Existenz, sein Platz und seine Rolle in dieser Welt, seine Beziehung zu Gott. Das Wesen des Existentialismus- der Vorrang der Existenz vor der Essenz (der Mensch gestaltet seine Existenz selbst und erschafft die Essenz, indem er entscheidet, was er tut und was nicht). Der Existenzialismus bekräftigt eine einsame, egoistische, selbstgeschätzte Persönlichkeit in einer Welt der Absurdität. Für den Existentialismus steht das Individuum über der Geschichte.

In seinem künstlerischen Konzept behauptet der Existentialismus (J.P. Sartre, A. Camus), dass die Grundlagen der menschlichen Existenz absurd seien, schon allein deshalb, weil der Mensch sterblich sei; Die Geschichte wird immer schlimmer und wieder schlecht. Es gibt keine Aufwärtsbewegung, es gibt nur eine Eichhörnchenbewegung Rad Geschichte, in der sich das Leben der Menschheit sinnlos dreht.

Die grundsätzliche Einsamkeit, die das künstlerische Konzept des Existentialismus bekräftigt, hat die entgegengesetzte logische Konsequenz: Das Leben ist nicht absurd, wenn der Mensch in der Menschheit weiterexistiert. Aber wenn ein Mensch ein Einzelgänger ist, wenn er der einzige Wert auf der Welt ist, dann ist er gesellschaftlich abgewertet, er hat keine Zukunft und dann ist der Tod absolut. Es streicht einen Menschen durch und das Leben wird bedeutungslos.

Neoabstrakte Kunst(Abstrakte Kunst der zweiten Welle) - spontan-impulsiver Selbstausdruck; eine grundsätzliche Ablehnung der Gegenständlichkeit, der Abbildung der Realität im Namen der reinen Ausdruckskraft; Bewusstseinsstrom in Farbe eingefangen.

Der Neoabstraktionismus brachte eine neue Generation von Abstraktionisten hervor: J. Paul Lak, De Kuhn und Ig, A. Manisirer und andere. Sie beherrschten die surrealistische Technik und die Prinzipien des „mentalen Automatismus“. In Pol Laks Werk wird der kreative Akt nicht durch das Werk selbst, sondern durch den Prozess seiner Entstehung selbst betont. Dieser Prozess wird zum Selbstzweck und hier liegen die Ursprünge des „Action Painting“.

Die Prinzipien des Neo-Abstraktionismus wurden von M. Brion, G. Reed, Sh.-P. Brew, M. Raton. Der italienische Theoretiker D. Severini forderte, die Realität zu vergessen, da sie den plastischen Ausdruck nicht beeinträchtige. Ein anderer Theoretiker, M. Zefor, sieht den Vorzug der abstrakten Malerei darin, dass sie nichts aus der normalen Umgebung des menschlichen Lebens mit sich bringt. Die Fotografie nahm der Malerei die visuelle Qualität und ließ nur noch Letztere übrig Ausdrucksmöglichkeiten die subjektive Welt des Künstlers zu enthüllen.

Das schwache Glied in der Theorie des Abstraktionismus und Neo-Abstraktionismus ist das Fehlen klarer Wertkriterien zur Unterscheidung von Kreativität von Spekulation, Ernsthaftigkeit von Witzen, Talent von Mittelmäßigkeit, Geschick von Trickserei.

Künstlerische Lösungen des Abstraktionismus und Neoabstraktionismus (Harmonisierung von Farbe und Form, Schaffung eines „Gleichgewichts“ von Flächen unterschiedlicher Größe aufgrund der Intensität ihrer Farbe) werden in Architektur, Design, Designkunst, Theater, Kino und Fernsehen verwendet.

Postmodernismus wie eine künstlerische Ära ein künstlerisches Paradigma in sich trägt, das dies behauptet Ein Mensch kann dem Druck der Welt nicht standhalten und wird zum Posthumanen. Alle künstlerischen Richtungen davon

Zeitraum sind von diesem Paradigma durchdrungen und manifestieren und brechen es durch ihre invarianten Vorstellungen von Welt und Persönlichkeit: Pop-Art, Sonopucmuka, Aleatorik, musikalischer Pointillismus, Hyperrealismus, Happenings usw.

Pop-Art- neue figurative Kunst. Der abstraktionistischen Ablehnung der Realität stellte die Pop-Art die raue Welt der materiellen Dinge gegenüber, der künstlerischer und ästhetischer Status zugeschrieben wird.

Pop-Art-Theoretiker argumentieren, dass in einem bestimmten Kontext jedes Objekt seine ursprüngliche Bedeutung verliert und zu einem Kunstwerk wird. Daher wird die Aufgabe des Künstlers nicht darin verstanden, ein künstlerisches Objekt zu schaffen, sondern darin, einem gewöhnlichen Objekt künstlerische Qualitäten zu verleihen, indem er einen bestimmten Kontext seiner Wahrnehmung organisiert. Die Ästhetisierung der materiellen Welt wird zum Prinzip der Pop-Art. Künstler streben nach Eingängigkeit, Klarheit und Klarheit ihrer Kreationen und nutzen dafür die Poetik von Etiketten und Werbung. Pop-Art ist eine Komposition aus Alltagsgegenständen, manchmal kombiniert mit einer Puppe oder Skulptur.

Zerknitterte Autos, verblasste Fotos, auf Kartons geklebte Zeitungs- und Posterfetzen, ein ausgestopftes Huhn unter einer weiß gestrichenen Glasabdeckung Ölfarbe Ein zerrissener Schuh, Elektromotoren, alte Reifen oder Gasherde – das sind die künstlerischen Exponate der Pop Art.

Unter den Pop-Art-Künstlern können wir hervorheben: E. Warhol, D. Chamberlain, J. Dine und andere.

Pop-Art als künstlerische Bewegung hat verschiedene Spielarten (Trends): Op-Art (künstlerisch organisierte optische Effekte, geometrische Kombinationen von Linien und Punkten), env-apm(Kompositionen, künstlerische Gestaltung der Betrachterumgebung), el-at(Objekte, die sich mit Hilfe von Elektromotoren bewegen

und Designs entwickelte sich diese Pop-Art-Bewegung zu einer eigenständigen künstlerischen Bewegung - Kinetik).

Die Pop-Art vertrat das Konzept der Konsumentenpersönlichkeit einer „Massenkonsum“-Gesellschaft. Die ideale Persönlichkeit der Pop-Art ist ein Konsummensch, für den ästhetisierte Stillleben aus Gebrauchskompositionen die spirituelle Kultur ersetzen sollten. Charakteristisch für die Pop-Art sind Wörter, die durch Waren ersetzt werden, Literatur, die durch Dinge ersetzt wird, Schönheit, die durch Nützlichkeit ersetzt wird, Gier nach Materiellem, Warenkonsum, der spirituelle Bedürfnisse ersetzt. Diese Richtung richtet sich im Wesentlichen an die massenhafte, unkreative Persönlichkeit, die des unabhängigen Denkens beraubt ist und „ihre“ Gedanken aus Werbung und Medien entlehnt Massenkommunikation, eine vom Fernsehen und anderen Medien manipulierte Persönlichkeit. Diese Persönlichkeit wird von der Pop-Art darauf programmiert, die vorgegebenen Rollen des Käufers und Konsumenten auszufüllen und den entfremdenden Einfluss gehorsam zu ertragen moderne Zivilisation. Die Persönlichkeit der Pop-Art ist der Zombie der Massenkultur.

Hyperrealismus – eine künstlerische Bewegung, deren unveränderliches künstlerisches Konzept ist: unpersönlich lebendes System in einer grausamen und rauen Welt.

Hyperrealismus – schafft malerische übernatürliche Werke, die die kleinsten Details des abgebildeten Objekts vermitteln. Die Sujets des Hyperrealismus sind bewusst banal, die Bilder betont „objektiv“. Diese Richtung führt die Künstler zu den üblichen Formen und Mitteln der bildenden Kunst zurück, insbesondere zur Leinwand, die von der Pop-Art abgelehnt wird. Der Hyperrealismus macht die tote, vom Menschen geschaffene, „zweite“ Natur der städtischen Umwelt zum Hauptthema seiner Bilder: Tankstellen, Autos, Schaufenster, Wohnhäuser, Telefonzellen, die als vom Menschen entfremdet dargestellt werden.

Der Hyperrealismus zeigt die Folgen übermäßiger Urbanisierung und Zerstörung der Ökologie der Umwelt und beweist, dass die Metropole eine unmenschliche Umwelt schafft. Das Hauptthema des Hyperrealismus ist das unpersönliche mechanisierte Leben einer modernen Stadt.

Die theoretischen Grundlagen des Hyperrealismus - philosophische Ideen die Frankfurter Schule, die die Notwendigkeit einer Abkehr von ideologischen Formen fantasievollen Denkens vertritt.

Funktioniert Fotorealismus basieren auf stark vergrößerten Fotografien und werden oft mit Hyperrealismus gleichgesetzt. Doch sowohl hinsichtlich der Technologie der Bilderzeugung als auch vor allem hinsichtlich des invarianten künstlerischen Welt- und Persönlichkeitsbildes handelt es sich zwar um unterschiedliche künstlerische Richtungen, wenn auch nahe beieinander. Hyperrealisten imitierten Fotos mit malerischen Mitteln auf Leinwand; Fotorealisten imitierten Gemälde, Bearbeitung (Farben, Collagemittel) von Fotografien.

Der Fotorealismus bekräftigt den Vorrang des dokumentarischen und künstlerischen Konzepts: ein zuverlässiger, gewöhnlicher Mensch in einer zuverlässigen, gewöhnlichen Welt.

Der Zweck des Fotorealismus besteht darin, den modernen Alltag abzubilden. Straßen, Passanten, Schaufenster, Autos, Ampeln, Häuser und Haushaltsgegenstände werden in Werken des Fotorealismus authentisch, objektiv und äußerst ähnlich wiedergegeben.

Die Hauptmerkmale des Fotorealismus: 1) Figurativität im Gegensatz zu den Traditionen des Abstraktionismus; 2) Anziehungskraft auf die Handlung; 3) der Wunsch, „realistische Klischees“ und Dokumentarfilm zu vermeiden; 4) Vertrauen auf die künstlerischen Leistungen der Fotoausrüstung.

Sonoristik- Richtung in der Musik: das Spiel der Klangfarben, das das „Ich“ des Autors ausdrückt. Für seine Vertreter ist nicht die Tonhöhe wichtig, sondern die Klangfarbe. Sie suchen nach neuen Musical Farben, unkonventioneller Klang: gespielt auf einem Rohrblatt,

Säge, Stöcke auf den Saiten des Klaviers, Schlag auf den Resonanzboden, Fernbedienung Der Ton entsteht durch Abwischen des Mundstücks mit einem Taschentuch.

Bei reiner Klangmusik spielen Melodie, Harmonie und Rhythmus keine besondere Rolle; Aus der Notwendigkeit, es aufzunehmen, entstanden spezielle grafische Formen der Klangaufzeichnung in Form dünner, kräftiger, wellenförmiger, kegelförmiger Linien. Manchmal wird auch der Bereich angegeben, in dem der Interpret spielen muss.

Der Begründer der Klangmusik war der polnische Komponist K. Penderecki, seine Initiative wurde von K. Serotsky, S. Bussotti und anderen fortgeführt.

Musikalischer Pointillismus- Richtung im Visier * deren Besonderheit in der Fragmentierung des musikalischen Gefüges, seiner Streuung über Register, der Komplexität von Rhythmus und Taktarten sowie der Fülle an Pausen liegt.

Der musikalische Pointillismus weigert sich, ein Verständliches zu schaffen künstlerische Realität(aus der Realität, die auf der Grundlage der weltweiten musikalischen und künstlerischen Tradition und unter Verwendung traditioneller musikalisch-semiotischer Codes verstanden werden könnte). Der Pointillismus orientiert den Einzelnen auf die Auswanderung in die Welt seiner Seele und bekräftigt die Zersplitterung der umgebenden Welt.

Aleatorik- künstlerische Strömung der Literatur und Musik, die auf der philosophischen Idee basiert, dass im Leben der Zufall herrscht, und das künstlerische Konzept bekräftigt: den Menschen- ein Spieler in einer Welt voller zufälliger Situationen.

Vertreter der Aleatorik: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky und andere. Der Zufall dringt mechanisch in literarische oder musikalische Werke ein: durch das Werfen von Chips (Würfeln), durch Schachspielen, durch das Mischen von Seiten oder das Variieren von Fragmenten, aber auch durch

Improvisation: Der Notentext wird mit „Zeichen-Symbolen“ geschrieben und dann frei interpretiert.

Happening- Dies ist eine der Arten moderner künstlerischer Kultur im Westen. Der Autor der ersten Produktionen des Happenings „The Yard“, „Creations“, war A. Keprow. Happening-Inszenierungen beinhalten mysteriöse, manchmal unlogische Handlungen der Darsteller und zeichnen sich durch eine Fülle von Requisiten aus gebrauchten Gegenständen aus, die sogar von einer Mülldeponie stammen. Die Teilnehmer des Happenings tragen bunte, übertrieben lächerliche Kostüme, die den unbelebten Charakter der Darsteller betonen, ihre Ähnlichkeit entweder mit Kisten oder Eimern. Manche Aufführungen bestehen beispielsweise aus einer schmerzhaften Befreiung unter einer Plane. Gleichzeitig ist das individuelle Verhalten der Akteure improvisatorisch. Manchmal wenden sich Schauspieler mit der Bitte um Hilfe an das Publikum. Diese Einbeziehung des Betrachters in das Geschehen entspricht dem Geist des Geschehens.

Der durch das Geschehen vorgebrachte Welt- und Persönlichkeitsbegriff lässt sich wie folgt formulieren: Welt- Eine Kette zufälliger Ereignisse, eine Person muss subjektiv völlige Freiheit spüren, sich aber in Wirklichkeit einer einzigen Handlung unterwerfen, manipuliert werden.

Das Happening erfolgt mittels Lichtmalerei: Das Licht verändert kontinuierlich Farbe und Stärke, wird direkt auf den Schauspieler gerichtet oder scheint durch Blenden verschiedene Materialien. Es wird oft begleitet Soundeffekte(Menschenstimmen, Musik, Klirren, Knistern, Knirschen). Der Ton ist manchmal sehr stark, unerwartet und soll eine Schockwirkung haben. Die Präsentation umfasst Dias und Filmstills. Laura verwendet auch Aromastoffe. Der Darsteller erhält vom Regisseur einen Auftrag, die Dauer der Aktionen der Teilnehmer ist jedoch nicht festgelegt. Jeder kann das Spiel jederzeit verlassen.

Happenings finden an unterschiedlichen Orten statt: auf Parkplätzen, in von Hochhäusern umgebenen Höfen, in Kellern. Schächte, auf Dachböden. Der Raum eines Happenings soll nach den Prinzipien dieser Aktion die Vorstellungskraft des Künstlers und des Betrachters nicht einschränken.

Der Happening-Theoretiker M. Kirby verweist diese Art von Spektakel auf den Bereich des Theaters, weist jedoch darauf hin, dass sich Happenings vom Theater durch das Fehlen der traditionellen Struktur des Stücks unterscheiden: Handlung, Charaktere und Konflikt. Andere Forscher assoziieren die Natur des Geschehens eher mit Malerei und Skulptur als mit Theater.

Die Ursprünge des Happenings gehen auf die künstlerische Suche zu Beginn des 20. Jahrhunderts zurück, auf die Versuche einiger Maler und Bildhauer, den Schwerpunkt von einem Gemälde oder einer Skulptur auf den Entstehungsprozess selbst zu verlagern hat seinen Ursprung auch im „Action Painting“: im „Tropfenspritzen“ von J. Pollock, in den „schlitzenden“ Pinselstrichen von De Kooning, in den kostümierten Gemälden von J. Mathieu.

Selbstzerstörerische Kunst- das ist eines der seltsamen Phänomene der Postmoderne. Gemälde, die mit Farbe gemalt wurden, die vor den Augen des Publikums verblasst. Das Buch „Nothing“, 1975 in den USA veröffentlicht und in England neu aufgelegt. Es sind 192 Seiten, auf denen keine einzige Zeile steht. Der Autor behauptet, er habe den Gedanken geäußert: Ich habe Ihnen nichts zu sagen. Dies sind alles Beispiele selbstzerstörerischer Kunst. Auch in der Musik findet es seinen Ausdruck: die Aufführung eines Stückes auf einem auseinanderfallenden Klavier oder auf einer zerfallenden Geige usw.

Konzeptualismus- Hierbei handelt es sich um eine künstlerische Strömung in der westlichen Kunst, die in ihrem künstlerischen Konzept einen Menschen bekräftigt, der von der direkten (unmittelbaren) Bedeutung der Kultur losgelöst und von ästhetisierten Produkten geistiger Aktivität umgeben ist.

Die Werke des Konzeptualismus sind in ihrer Textur und Erscheinung unvorhersehbar unterschiedlich: Fotografien, Fotokopien von Texten, Telegramme, Reproduktionen, Grafiken, Zahlenkolonnen, Diagramme. Der Konzeptualismus nutzt ein geistiges Produkt für andere Zwecke als den vorgesehenen Zweck. menschliche Aktivität: Der Empfänger soll die Bedeutung des Textes nicht lesen und interpretieren, sondern ihn als rein ästhetisches Produkt wahrnehmen, das in seiner Erscheinung interessant ist.

Vertreter des Konzeptualismus; Amerikanische Künstler T. Atkinsoni, D. Bainbridge, M. Baldwin, H. Harrell, Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler und andere.

Kritischer Realismus des 19. Jahrhunderts,- künstlerische Leitung“ mit dem Konzept: Die Welt und der Mensch sind unvollkommen; Ausfahrt- Nicht-Widerstand gegen das Böse durch Gewalt und Selbstverbesserung.

„Der sozialistische Realismus ist eine künstlerische Bewegung, die das künstlerische Konzept bekräftigt: Das Individuum ist sozial aktiv und wird mit gewaltsamen Mitteln in die Entstehung der Geschichte einbezogen.“

Bauernrealismus- eine künstlerische Bewegung, die behauptet, dass der Bauer der Hauptträger der Moral und der Stütze des nationalen Lebens ist.

Bauernrealismus (Dorfprosa) – literarische Richtung der russischen Prosa (60er – 80er Jahre); Das zentrale Thema ist das moderne Dorf, die Hauptfigur ist ein Bauer – der einzig wahre Vertreter des Volkes und Träger von Idealen.

Neorealismus- die künstlerische Bewegung des Realismus des 20. Jahrhunderts, die sich im italienischen Kino der Nachkriegszeit und teilweise in der Literatur manifestierte. Merkmale: Der Neorealismus zeigte großes Interesse am Mann des Volkes, am Leben der einfachen Leute: große Liebe zum Detail, Beobachtung und Aufzeichnung von Elementen, die nach dem Zweiten Weltkrieg ins Leben kamen. Produziert

Der Neorealismus bekräftigt die Ideen des Humanismus, die Bedeutung einfacher Lebenswerte, Freundlichkeit und Gerechtigkeit in den menschlichen Beziehungen, die Gleichheit der Menschen und ihre Würde, unabhängig von ihrer finanziellen Situation.

Magischer Realismus- eine künstlerische Bewegung des Realismus, die das Konzept bekräftigt: Der Mensch lebt in einer Realität, die Moderne und Geschichte, das Übernatürliche und das Natürliche, das Paranormale und das Alltägliche vereint.

Die Besonderheit des magischen Realismus besteht darin, dass sich fantastische Episoden nach den Gesetzen der Alltagslogik als Alltagsrealität entwickeln.

Psychologischer Realismus- künstlerische Bewegung des 20. Jahrhunderts, die das Konzept vertritt: Der Einzelne ist verantwortlich; Die spirituelle Welt sollte von einer Kultur erfüllt sein, die die Brüderlichkeit der Menschen fördert und ihre Egozentrik und Einsamkeit überwindet.

Intellektueller Realismus- Dies ist die künstlerische Richtung des Realismus, in deren Werken sich ein Ideendrama entfaltet und die Figuren in ihren Gesichtern die Gedanken des Autors „ausspielen“, verschiedene Aspekte seines künstlerischen Konzepts zum Ausdruck bringen. Der intellektuelle Realismus setzt die konzeptionelle und philosophische Denkweise des Künstlers voraus. Wenn der psychologische Realismus danach strebt, die Plastizität der Gedankenbewegung zu vermitteln, die Dialektik der menschlichen Seele, das Zusammenspiel von Welt und Bewusstsein zu offenbaren, dann strebt der intellektuelle Realismus danach, aktuelle Probleme künstlerisch und überzeugend zu lösen und eine Analyse des Zustands der Welt.

Verwandte Informationen.

Zunächst dominierten in der Ästhetik und in der Kunstphilosophie des New Age deutlich die Versuche einer formalen Definition der Schönheit gegenüber ihren inhaltlichen Definitionen. Doch bereits nach Kant wurden die Grenzen formaler Definitionen und ihre Distanz zur realen Kunstpraxis deutlich. Mit der Entstehung im 19. Jahrhundert. In der zeitgenössischen Kunst erscheinen formale Definitionen von Schönheit zunehmend als klarer Anachronismus.

„Die Renaissance“, schreibt G. Wölfflin, „entwickelte schon sehr früh die klare Vorstellung, dass das erste Zeichen der Perfektion in der Kunst ein Zeichen der Notwendigkeit ist, dass Perfektion den Eindruck erwecken sollte, dass es nicht anders sein könnte, als ob jede Veränderung in ihrer geringsten Form wäre.“ „Ein Teil würde die Schönheit und den Sinn des Ganzen zerstören.“ Dieses Gesetz (sofern man es überhaupt Gesetz nennen kann), bemerkt Wölfflin, sei bereits in der Mitte des 15. Jahrhunderts erraten und zum Ausdruck gebracht worden.

L. B. Alberti schrieb in „Zehn Bücher über Architektur“ insbesondere: „Schönheit ist eine strikte proportionale Harmonie aller Teile, vereint durch das, wozu sie gehören, so dass nichts hinzugefügt, entfernt oder geändert werden kann, ohne dass es zu einer Verschlechterung kommt.“ Großes und göttliches Ding ...“ An anderer Stelle schreibt Alberti über „die Übereinstimmung und Konsonanz der Teile“, und wenn er von einer schönen Fassade als „Musik“ spricht, in der kein einziger Ton verändert werden kann, meint er das nicht so. nichts anderes als die Notwendigkeit oder Organizität der Kombination von Formen. „Wir können Folgendes sagen: Schönheit ist eine gewisse Übereinstimmung und Übereinstimmung der Teile in dem, wovon sie Teile sind – entsprechend der strengen Anzahl, Begrenzung und Platzierung, die erforderlich ist.“ Harmonie, diese. absoluter und primärer Anfang der Natur " .

Die Verhältnismäßigkeit bzw. Verhältnismäßigkeit, die die Künstler der Renaissance anstrebten, wird besonders deutlich, wenn man die Kunst dieser Zeit mit der Kunst des darauffolgenden Kunststils, dem Barock, vergleicht.

Im Gegensatz zur Renaissance basierte der Barock auf keiner Theorie. Der Stil selbst entwickelte sich ohne allgemein anerkannte Vorbilder und seine Vertreter erkannten nicht, dass sie nach grundlegend neuen Wegen suchten. Im Laufe der Zeit begannen Künstler und Kunsttheoretiker jedoch, auf neue formale Unterscheidungsmerkmale der Schönheit hinzuweisen, und das zuvor als grundlegend angesehene Erfordernis der Verhältnismäßigkeit oder Verhältnismäßigkeit wurde verworfen. Man kann sagen, dass sich mit der Veränderung des künstlerischen Stils auch die Vorstellungen von Schönheit veränderten. Zu den neuen integralen formalen Zeichen der Schönheit gehören Eigensinn oder Originalität und Ungewöhnlichkeit.

Der Barock strebt nicht danach, vollkommenes Sein auszudrücken, sondern Formung, Bewegung. Dadurch verliert der Begriff der Verhältnismäßigkeit seine Bedeutung: Die Verbindung zwischen den Formen wird schwächer, es werden „unreine“ Proportionen verwendet und Dissonanzen in die Konsonanz der Formen eingeführt. Die Proportionen werden immer seltener und es wird für das Auge immer schwieriger, sie zu erfassen. Oft liegt in der Wahrnehmung harmonischer Zusammenhänge nicht nur eine Komplikation vor, sondern eine bewusst erzeugte Dissonanz.

In der Architektur gibt es beispielsweise beengte Nischen, Fenster, die nicht zur Größe der Wände passen, Fenster, die zu groß für die dafür vorgesehene Malfläche sind usw. Die künstlerische Aufgabe wird nicht mehr in der Einigung gesehen, sondern in der Auflösung von Dissonanzen. In ihrer Aufwärtsbewegung werden widersprüchliche Elemente versöhnt, aus Dissonanzen entsteht die Harmonie reiner Beziehungen.

Wie in der Renaissance wird einer formalen Interpretation der Schönheit der Vorzug gegeben. Der Unterschied in ihren Definitionen ist vor allem darauf zurückzuführen, dass die Kunst der Renaissance nach Vollkommenheit und Vollständigkeit strebte, d. h. Zusätzlich zu dem, was die Natur nur in sehr seltenen Fällen hervorbringt, versucht der Barock den Eindruck von Formlosigkeit zu erwecken, der eingedämmt werden muss.

Die gesamte Neuzeit ist geprägt von Schwankungen zwischen formaler und sinnvoller Interpretation von Schönheit.

Leibniz definiert Schönheit als „harmonisch geordnete Einheit in der Vielfalt“. Für Baumgarten ist Schönheit „die Vollkommenheit dessen, was erscheint“. Der Künstler W. Hogarth versuchte, bestimmte objektive „Gesetze der Schönheit“ zu identifizieren: perfekte Proportionen und die absolute „Schönheitslinie“, die er in einer Sinuswelle sah. F. Schiller interessierte sich später für die Idee einer einzigartigen „Schönheitslinie“.

Beginnend mit Kant rücken sinnvolle Interpretationen der Schönheit in den Vordergrund, die insbesondere das Urteil des Publikums darüber berücksichtigen. "Wunderbar „das“, sagt Kant, „ist es, was jedem ohne Begriff gefällt“, da es im Geschmacksurteil nicht auf den Begriff, sondern auf das innere Gefühl der „Harmonie im Spiel“ ankommt. mentale Stärke", das einen universellen Charakter hat. Schönheit ist eine Form Zweckmäßigkeit Objekt, da es in ihm wahrgenommen wird ohne Sinn und Zweck. Schönheit beginnt mit der Form, wird aber nicht auf die Form reduziert, sondern ist Form in Einheit mit Inhalt. Der Versuch, Schönheit nur als Form zu betrachten, reicht nicht aus. In der Kritik der Urteilskraft gibt Kant vier Erklärungen zum Schönen: Wir mögen es ohne zusätzliches Interesse; wir bewundern Schönheit, ohne darüber nachzudenken; Schönheit ist Zweckmäßigkeit ohne Zielsetzung; Schönheit ist ein Muss für jeden. Das Schöne erweist sich daher nicht als eine Eigenschaft des Objekts selbst, sondern seiner bestimmten Beziehung zu dem Individuum, das das Objekt wahrnimmt. Kant erkennt die Unzulänglichkeit seiner Definitionen, die nur die äußere Erscheinung der Schönheit bzw. „reine Schönheit“ beschreiben, und führt außerdem den Begriff der „begleitenden Schönheit“ ein. „Pure Schönheit“ in der Natur sind Blumen. Die Schönheit eines Menschen ist „begleitend“ und wird als „Symbol des moralisch Guten“ definiert.

Einführung. Ästhetik und Mentalität des 20. Jahrhunderts. Soziale und spirituelle Situation zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Wichtigste künstlerische, ästhetische und philosophische Richtungen. Der Mensch als Gegenstand sozialphilosophischer Analyse (positivistische, existentielle, psychoanalytische, theologische und andere Konzepte). Philosophie und Literatur. Grundkonzepte des modernen kulturellen und philosophischen Denkens: 3. Freud und die Entwicklung von Themen in der Theorie der Psychoanalyse; die Theorie des „kollektiven Unbewussten“ von K. Jung; M. Heidegger und die Entstehung des existentialistischen Menschenbildes. Das krisenhafte Selbstbewusstsein der Kultur verstehen von O. Spengler („Der Untergang Europas“). Spielemythologie in den Werken von I. Huizinga. Weltkrieg 1914 als wichtiger historischer Meilenstein und als eines der Hauptthemen in der Literatur des beginnenden Jahrhunderts. Kreativität von Schriftstellern der „verlorenen Generation“. Die Entstehung einer neuen Ästhetik des Realismus als eine Form des Traditionalismus im 20. Jahrhundert. Moderne als kulturelle Kategorie und eine Art kreativer Weltanschauung. Künstlerisches Konzept der Moderne. Entdeckung des Absurden als Qualität der Realität. Neues Konzept Persönlichkeit in der Ästhetik der Moderne. Mythologie des Denkens. Dialektik des Verhältnisses von Realismus und Moderne.

Bild von Stilen und Kunstrichtungen der 2. Hälfte des 20. Jahrhunderts. extrem bunt.

LITERATUR

In der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Das internationale Literaturangebot wächst rasant. Auf die Weltbühne gehen nationale Literaturen befreite Länder Asiens, Afrikas und Lateinamerikas. Die Schätze ihrer alten Kultur, die zuvor in Vergessenheit gerieten, werden zum öffentlichen Eigentum.

In der 2. Hälfte des 20. Jahrhunderts. Internationale literarische Kontakte werden immer üblicher.

In der westlichen Literatur spürt man die Stimmung des Pessimismus, des Untergangs und der Angst vor der Zukunft.

Die gesamte westliche Literatur ist in zwei große Schichten unterteilt: „Massenliteratur“ und „große“ Literatur. In der großen Literatur finden kreative Suchen statt, die Einfluss haben Literarischer Prozess, Literatur transformieren, entwickeln.

Ein kraftvolles Phänomen der Literatur der 2. Hälfte des 20. Jahrhunderts. wurde zur Literatur der Moderne. Besonders deutlich wurde dies im Drama (Theater des Absurden oder Antitheaters, Stücke von Ionesco und Beckett) und in der Poesie. Dichter grenzten sich von der Realität ab und boten sich selbst und einem engen Kreis die Realität an. Von ihnen selbst erstellt.

In den 50-70er Jahren. In Französische Literatur Die Praxis des „neuen Romans“ („Anti-Roman“) war weit verbreitet. Die Autoren des „neuen Romans“ erklärten die Technik der traditionellen Erzählprosa für erschöpft und versuchten, Methoden des handlungs- und heldenlosen Erzählens zu entwickeln, d. h. ein Roman ohne Handlung, ohne Intrigen, ohne die Lebensgeschichte der Helden usw. Die „Neo-Romanautoren“ gingen davon aus, dass auch der Begriff der Persönlichkeit selbst veraltet ist, daher ist es sinnvoll, nur über Objekte oder einige zu schreiben Art von Massenphänomenen oder Gedanken ohne spezifische Handlung und ohne Charaktere der Charaktere („Materialismus“ von A. Robbe-Grillet, „Magma des Unterbewusstseins“ von N. Sarraute). In einer Reihe von Fällen wichen Vertreter dieser Strömung von ihren Grundsätzen ab und erhielten in ihren Werken sinnvolle Inhalte.

Literatur der 2. Hälfte des 20. Jahrhunderts. Sie wurde durch Werke des kritischen Realismus, der Neoromantik und des Neuen Realismus repräsentiert. Fantastische Literatur usw. Jede literarische Macht (Frankreich, England, USA, Deutschland) entwickelte sich auf besondere Weise und warf in der Literatur die für sie charakteristischen brennenden Probleme auf (in den USA - das Problem der Schwarzen, in Deutschland - das Problem der Neo- Faschismus, in England - antikoloniale Ideen usw.), aber es gab Gemeinsamkeiten im Zusammenhang mit den allgemeinen historischen Phänomenen der Jugendbewegung der 60er Jahre, die alle Länder erfassten, der mit dem Wettrüsten verbundenen Gefahr eines Atomkriegs usw die Ausbreitung von Pessimismus und Unglauben an den Fortschritt.

Der „Neue Realismus“ versunken in der Vorahnung einer Bedrohung, dem Tod eines Menschen nicht unter Bomben, sondern unter den Dingen der Standardisierung der Seele, dem Verlust der persönlichen Herkunft.

Der Held ist mit sich selbst unzufrieden, aber passiv.

Das Thema Einsamkeit, das tragische Schicksal des jungen Helden und die mangelnde Spiritualität der modernen bürgerlichen Gesellschaft spiegeln sich in den Werken von Heinrich Böll („Mit den Augen eines Clowns“, 1963; Hans Schnier allein will den politischen Klerikalismus bekämpfen Von seinen Eltern und seiner geliebten Frau verraten, geht er nicht zu seinen Verwandten, sondern bettelt auf dem Bahnhofsplatz gegen anständige Eltern und eine wohlhabende Gesellschaft.), im Roman des amerikanischen Schriftstellers Jerome Selinger „Der Fänger im Roggen“ (1951). Eine Atmosphäre aus Lügen und Heuchelei umgibt die Hauptfigur, den 16-jährigen amerikanischen Teenager Holden Colfold. Er hat alles satt. Er hat bereits vier Schulen gewechselt, in denen es viele unehrliche und diebische Schüler gibt, in denen der Schulleiter sich um reiche Eltern schmeichelt und die Armen kaum begrüßt. Caulfield ist ein normaler Teenager, er liebt seine Eltern, seine Schwester Fibby, aber er möchte nicht so leben, wie alle um ihn herum leben. Aber er weiß nicht, wie er anders leben soll. Aber er möchte unbedingt die kleinen Kinder vor dem Abgrund beschützen, die neben ihr im Roggen spielen.

Frankreich

In den frühen 50er Jahren kündigte sich in der französischen Theaterkunst eine neue Richtung an – die Kunst des Absurden, dargestellt im Gegensatz zum bürgerlichen Denken und dem spießbürgerlichen gesunden Menschenverstand. Seine Gründer waren in Frankreich lebende Dramatiker – der Rumäne Eugene Ionesco und der Ire Samuel Beckett. In vielen Theatern kapitalistischer Länder wurden absurde Dramaturgiestücke („Antispiele“) aufgeführt.

Die Kunst des Absurden ist eine modernistische Bewegung, die danach strebt, eine absurde Welt als Spiegelbild der realen Welt zu schaffen. Zu diesem Zweck wurden naturalistische Kopien des wirklichen Lebens chaotisch ohne jegliche Verbindung gebaut.

Grundlage der Dramaturgie war die Zerstörung dramatischen Materials. Den Stücken mangelt es an lokaler und historischer Spezifität. Die Handlung eines bedeutenden Teils der Stücke des absurden Theaters findet in kleinen Räumen, Zimmern, Wohnungen statt, völlig isoliert von Außenwelt. Der zeitliche Ablauf der Ereignisse wird zerstört. So erweist sich in Ionescos Stück „The Bald Singer“ (1949) vier Jahre nach dem Tod die Leiche als warm und wird sechs Monate nach dem Tod begraben. Die beiden Akte des Theaterstücks „Warten auf Godot“ (1952) sind durch Nacht und „vielleicht 50 Jahre“ getrennt. Die Figuren im Stück selbst wissen das nicht.

Lokale Konkretheit und vorübergehendes Chaos werden durch eine Verletzung der Logik in Dialogen ergänzt. Hier eine Anekdote aus dem Theaterstück „The Bald Singer“: „Einmal fragte ein bestimmter Bulle einen bestimmten Hund, warum er seinen Rüssel nicht verschluckt habe. „Tut mir leid“, antwortete der Hund, „ich dachte, ich wäre ein Elefant.“ Schon der Name des Stücks „Der kahle Sänger“ ist absurd: In diesem „Anti-Drama“ kommt der kahlköpfige Sänger nicht nur nicht vor, sondern wird auch nicht einmal erwähnt.

Die Absurdisten entlehnten Unsinn und Kombinationen des Unpassenden von den Surrealisten und übertrugen diese Techniken auf die Bühne.

S. Dali malte die Venus in einem seiner Gemälde mit peinlicher Präzision. Mit nicht weniger Sorgfalt stellte er die Schubladen dar, die sich an ihrem Oberkörper befanden. Jedes Detail ist ähnlich und verständlich. Die Kombination des Venus-Torsos mit Unterhosen entzieht dem Bild jegliche Logik.

Der Held von Ionescos Theaterstück „Der Automobilsalon“ (1952) will gerade ein Auto kaufen und sagt zur Verkäuferin: „Mademoiselle, würden Sie mir Ihre Nase leihen, damit ich es besser sehen kann?“ Ich werde es dir zurückgeben, bevor ich gehe.“ Die Verkäuferin antwortet ihm mit „gleichgültigem Ton“. „Hier ist es, du kannst es behalten.“ Satzteile sind in einer absurden Kombination.

Das Leben in Antispielen verläuft und erscheint im Zeichen des Todes. Die Helden von Ionescos Stück „Stühle“ (1952) versuchen zweimal, sich zu erhängen; Mord bildet die Grundlage der Handlung seines Theaterstücks Amedee or How to Get Off (1954); 5 Leichen tauchen im Stück The Bounty Killer (1957) auf; Der vierzigste Schüler wird vom Helden des Theaterstücks „Die Lektion“ (1951) getötet.

Der Mensch im Theater des Absurden ist handlungsunfähig. Dieser Gedanke kommt im Finale von Ionescos Stück „Killer ohne Vergütung“ besonders deutlich zum Ausdruck. Der Held steht einem Mörder gegenüber, der für viele Opfer verantwortlich ist, darunter Frauen und Kinder. Der Held richtet 2 Pistolen auf den Verbrecher. Der Verbrecher ist nur mit einem Messer bewaffnet. Der Held beginnt nachzudenken, wirft seine Pistolen weg und kniet vor dem Mörder nieder. Und der Verbrecher ersticht ihn mit einem Messer. Die Helden absurder Kunstwerke können keine einzige Aktion vollenden, sind nicht in der Lage, einen einzigen Plan auszuführen.

Ionesco betrachtete Bertolt Brecht mit seinem diametral entgegengesetzten Theaterkonzept als seinen ideologischen Gegner.

Bertolt Brecht entwickelte bereits vor dem Krieg den ursprünglichen Begriff des epischen Theaters. Die Umsetzung gelang ihm jedoch erst nach dem Krieg. Im Jahr 1949 In der DDR gründete Bertolt Brecht das Berliner Ensemble.

Das Theater des Absurden wurde durch „Happenings“ (happening. Aus dem Englischen. Happen – passieren, geschehen) ersetzt, das seine Linie fortsetzte. Auf der Bühne gab es keine innere Logik für das, was geschah; die Handlungen der Charaktere waren unerwartet und unerklärlich. In den 60er Jahren kam es in den Vereinigten Staaten zu Vorkommnissen, die dort ihre größte Verbreitung fanden.

Hier ein Beispiel für eine Aufführung eines Happenings: Anständige Männer sitzen auf der Bühne an einem großen Tisch und diskutieren über ernste Themen. Der Sprecher spricht monoton. Eine nackte junge Frau (ein berühmter Filmstar) erscheint hinter den Kulissen. Sie geht über die Bühne, vorbei an den sitzenden Männern, geht hinunter in den Zuschauerraum, bahnt sich ihren Weg zwischen den Reihen und setzt sich auf den Schoß eines der Zuschauer.

Bald weitete sich das Geschehen über das Theatergelände hinaus aus. Die Aktion wurde auf die Straße, in die Innenhöfe der Häuser verlagert. Happenings wurden als Anti-Kunst und nicht als Tragen bezeichnet kreative Natur, was „Volkskunst“ bedeutet.

Welche Aufgabe haben die Happenings gelöst? - Kunst ihrer spezifischen Funktionen, Logik und Bedeutung zu berauben, um sie dem Leben näher zu bringen, sowie sexuelle Tabus zu beseitigen.

50er, vor allem 70er. waren für das US-Theater nicht nur aufgrund modernistischer Experimente turbulent, sondern auch im Zusammenhang mit der Entstehung interessanter echter Dramatiker Tennys Williams (1911-1983): A Streetcar Named Desire!, 1947, Cat on a Hot Tall, 1955, 1976, The Hexen von Salem“, 1953 und andere, die Probleme der Uneinigkeit und Grausamkeit aufwerfen.

Englisches Theater Nach dem Zweiten Weltkrieg erlebte es eine Krisenzeit. Nur „wütende junge Leute“ (D. Osborne, „Look Back in Anger“, 1956, S. Delaney, „A Taste of Honey“, 1956) sorgten für Aufruhr.

In denselben Jahren verbreitete sich in England eine Jugendtheaterbewegung, die „Fringe“ (Nebenbühne), die mit der Suche nach politisch aktiver Kunst verbunden war, die direkt in den sozialen Kampf verwickelt war. Teilnehmer der „Fringe“ kamen auf die Bühne des Royal Shakespeare Theater.

Nach dem Sturz der faschistischen Diktatur in Italien kamen neue Kräfte in das Theater dieses Landes, darunter der Schauspieler und Regisseur Eduardo de Filippo (1900-1984), in Rom entstanden das Piccolo Teatro und das Theater für italienische Kunst.

Das 1947 gegründete Piccolo Teatro erlangte weltweite Berühmtheit. Regie Giorgio Strehler, Regie Paolo Grassi. Ganze Generationen von Menschen haben dank Piccolo moralische Prinzipien erworben und ihre Einstellung zur Welt und zu sich selbst geformt. Das Theater lehrte nicht das Leben, aber es half beim Leben, es nahm am Leben der Menschen teil.

MALEREI

In bürgerlichen Ländern in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Unter dem Druck neuer Strömungen begann die abstrakte Kunst an Bedeutung zu verlieren. Zum Beispiel die „optische Kunst“ (Op-Art), deren Begründer der in Frankreich tätige Victor Vasarely war. Diese Kunst bestand aus Kompositionen aus Linien und geometrischen Punkten, die mit farbigen Glühbirnen beleuchtet wurden. Solche Kompositionen befanden sich auf flachen oder imaginären sphärischen Oberflächen. Die Op-Art breitete sich schnell auf Textilien, Werbe- und Industriegrafiken aus oder diente als Unterhaltungsspektakel.

Op-Art wurde schnell durch „Mobile“ ersetzt – Strukturen, die sich mithilfe von Elektrizität drehen. Um die Aufmerksamkeit der Zuschauer zu erregen, wurden einige „Mobiles“ an Tonwiedergabegeräten befestigt und die „Mobiles“ gaben ein quietschendes Geräusch von sich. Diese Richtung wird kinetische Kunst genannt. Für die Anfertigung kinetischer Gemälde wurden die unglaublichsten Dinge ausgewählt. Die Strukturen begannen sich zu bewegen, Licht auszusenden und zu quietschen.

Eine neue Trendwelle wurde von der Pop-Art (populäre Kunst, genauer „Konsumkunst“) angeführt, die ihren Ursprung in den USA hat. Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Roy Lichtenberg, Jesper Johns. Andrew Warhol verbreitete diesen Trend in vielen Ländern der Welt.

Nach der Vorherrschaft der Abstraktion hörte die Kunst auf, das Leben zu meiden, und alles, was Interesse wecken konnte, wurde angezogen; Atombombe und Massenpsychosen, Porträts von Politikern und Filmstars, Politik und Erotik.

Die Koryphäe der Felskunst war der Amerikaner Robert Rauschenberg. Auf einer Ausstellung in New York im Jahr 1963. Er sprach über die Entstehung seines ersten Gemäldes „Das Bett“. An einem Maimorgen wachte er früh auf, voller Verlangen, zur Arbeit zu gehen. Es gab einen Wunsch, aber es gab keine Leinwand. Auf die Steppdecke musste ich verzichten – im Sommer kann man darauf verzichten. Der Versuch, die Steppdecke mit Farbe zu bespritzen, hatte nicht den gewünschten Effekt: Das Maschenmuster der Steppdecke würde die Farbe wegnehmen. Ich musste auf das Kissen verzichten – es bot die weiße Oberfläche, die nötig war, um die Farbe hervorzuheben. Andere Ziele hat sich der Künstler nicht gesetzt.

Ausstellungshallen in Europa und den USA ähnelten zunehmend Kunsthandwerksausstellungen aus Amateurkreisen von Volkshandwerkern und Erfindern, denn die Technik der Pop-Art war äußerst vielfältig: Malerei und Collage, Projektion von Fotografien und Dias auf Leinwand, Sprühen mit einer Spritzpistole, Kombinieren von Zeichnungen mit Objektteilen usw. d.

Die Kunst der Pop-Art war eng mit der Kunst der kommerziellen Werbung verbunden, die zu einem festen Bestandteil des amerikanischen Lebensstils wurde. Werbung bewirbt auffällig und aufdringlich einen Produktstandard. Wie auch in der Werbung waren die Hauptthemen der Pop-Art Autos, Kühlschränke, Staubsauger, Haartrockner, Würstchen, Eis, Kuchen, Schaufensterpuppen usw. Einige namhafte Künstler halfen bei der Vermarktung der Waren. So wurde Andy Warhol zum Idol der Industriellen und erhob das Image von Waren auf das Niveau von Ikonen. Um seine Gemälde zu schaffen, verwendete Warhol Blechdosen, Coca-Cola-Flaschen und dann Banknoten. Die von ihm signierten Konservendosen waren sofort ausverkauft. Die Kaufleute belohnten diesen Eifer großzügig.

Der Hyperrealismus (Superrealismus) stand der Pop-Art nahe. Künstler dieser Bewegung versuchten, die Realität sehr genau nachzubilden, sogar mithilfe einer Puppe. Der modernistische Bildhauer J. Segal wurde durch die Herstellung von Puppen berühmt. Er erfand seine eigene Technik zur Anfertigung von Kopien lebender Menschen. Seagal verband Menschen mit breiten chirurgischen Verbänden, gab ihm die gewünschte Position und füllte sie mit Gips. Seagal platzierte die daraus entstandenen Figuren auf gewöhnlichen Stühlen, in Betten und Badewannen. Die anämische Natur von Seagals Puppen unterstreicht die Hilflosigkeit und Untätigkeit der Menschen gegenüber der Außenwelt.

Nach der Pop-Art entstand eine Reihe modernistischer Bewegungen. Eine dieser Innovationen ist die Körperkunst (vom englischen „Body“).

Bald änderte die Körperkunst ihre dynamische Richtung. In einer der Ausstellungen war eine abstrakte Untergrundskulptur zu sehen. Der Bildhauer lud Bagger ein, sie gruben vor den Augen der Zuschauer im Innenhof des Museums ein Loch in Form eines Grabes und begruben es sofort. Es gab keine Skulptur als solche, sondern eine „Kommunikation“ zwischen dem Künstler und dem Publikum.

Aber auch diese „neue realistische Kunst“ erschöpfte sich nicht. Die nächste Stufe war die destruktive Richtung. Zur Besichtigung boten die Destruktivisten eine Vorführung geschmolzener Fettstücke mit menschlichen Nägeln und Haaren an. Zu den weiteren Bereichen der Moderne gehört der Fotorealismus – eine Widerspiegelung der Realität bzw. ihres eingefrorenen Moments mit Hilfe der Fotografie. Fotorealisten R. Bekhte, B. Schonzeit, D. Parrish, R. McLean und andere. reduzierte den kreativen Prozess auf das mechanische Kopieren eines Fotos. Die Modernisten widmeten sich auch den Umweltproblemen und schufen eine andere Richtung – den Georealismus. Um ihre Werke zu schaffen, verwendeten sie Wasser, Erde, Gras, Pflanzensamen, Sand usw. In der Mitte der Museumshalle lag beispielsweise ein Erdhaufen; Am Eingang der Halle befand sich eine mit Wasser gefüllte durchsichtige Plastiktüte, über die Besucher stolperten.

„Environmental Art“ diente als Sprungbrett für die Einführung psychedelischer Kunst – Werke, die unter dem Einfluss von Drogen entstanden und vorzugsweise wahrgenommen wurden. Dieser Trend ist nicht sehr neu: Modernisten schaffen seit einigen Jahren ähnliche Werke, fördern sie jedoch nicht offen.

Im Panorama der Künste der 2. Hälfte des 20. Jahrhunderts ist es nicht von der Hand zu weisen. Surrealismus und aktive Schockiertheit seines Meisters Salvador Dali (1904-1988).

Traum und Realität, Delirium und Realität sind vermischt und ununterscheidbar, so dass es unmöglich ist zu verstehen, wo sie von selbst verschmolzen und wo sie durch die geschickte Hand des Künstlers miteinander verbunden wurden. Fantastische Handlungen, monströse Halluzinationen, Groteske gepaart mit virtuoser Maltechnik – das ist es, was die Menschen in Dalis Werken anzieht.

Wenn man sich mit diesem Künstler und dieser Person beschäftigt, muss man höchstwahrscheinlich davon ausgehen, dass buchstäblich alles, was ihn auszeichnet (Gemälde, literarische Werke, öffentliche Handlungen und sogar alltägliche Gewohnheiten) sollten als surreale Aktivitäten verstanden werden. Dali ist in all seinen Erscheinungsformen sehr ganzheitlich. Um das Werk und die Persönlichkeit von Salvador Dali zu verstehen und zu begreifen, ist es daher zumindest notwendig allgemeiner Überblick Erfahren Sie, was sich unter dem Namen Surrealismus verbirgt.

Der Surrealismus (von französisch surrealisme – wörtlich Superrealismus) ist eine modernistische Bewegung in der Kunst des 20. Jahrhunderts, die die Sphäre des Unterbewusstseins (Instinkte, Träume, Halluzinationen) und seine Methode zur Zerstörung als Quelle der Kunst verkündete logische Zusammenhänge, ersetzt durch subjektive Assoziationen. Die Hauptmerkmale des Surrealismus sind die erschreckende Unnatürlichkeit der Kombination von Objekten und Phänomenen, denen scheinbare Authentizität verliehen wird.

Der Surrealismus entstand in den 1920er Jahren in Paris. Zu dieser Zeit gruppierten sich eine Reihe von Gleichgesinnten um den Schriftsteller und Kunsttheoretiker Andre Breton – Künstler Jean Arp, Max Ernst, Schriftsteller und Dichter – Louis Aragon, Paul Eluard, Philippe Soupault usw. Sie schufen nicht nur neuer Stil In Kunst und Literatur versuchten sie zunächst, die Welt neu zu gestalten und das Leben zu verändern. Sie waren davon überzeugt, dass das unbewusste und außerrationale Prinzip die höchste Wahrheit verkörperte, die auf der Erde etabliert werden sollte. Diese Leute nannten ihre Treffen den Begriff Sommeils – was „Tagträume“ bedeutet. Während ihrer „Wachträume“ taten die Surrealisten (wie sie sich selbst nannten und ein Wort von Guillaume Apollinaire entlehnten) seltsame Dinge – sie spielten. Sie interessierten sich für die zufälligen und unbewussten Bedeutungskombinationen, die bei Spielen wie „burime“ entstehen: Sie verfassen abwechselnd einen Satz, ohne etwas über die Teile zu wissen, die andere Spielteilnehmer geschrieben haben. So entstand eines Tages der Satz „Ein exquisiter Leichnam wird neuen Wein trinken“. Ziel dieser Spiele war es, das Abschalten des Bewusstseins und logische Zusammenhänge zu trainieren. Auf diese Weise wurden tiefe unbewusste chaotische Kräfte aus dem Abgrund gerufen.

Zu dieser Zeit (1922) wurde er an der Hochschule für Bildende Künste in Madrid aufgenommen, freundete sich mit dem Dichter Federico Garcia Lorca an und studierte mit großem Interesse die Werke von Sigmund Freud.

In Paris schloss sich die surrealistische Gruppe von A. Breton mit der Gruppe des Künstlers Andre Masson zusammen, der versuchte, Gemälde und Zeichnungen frei von Bewusstseinskontrolle zu schaffen. A. Masson entwickelte originelle psychotechnische Techniken, die darauf abzielten, die „Rationalität“ auszuschalten und Bilder aus der Sphäre des Unterbewusstseins zu zeichnen. Als Ergebnis dieser Fusion erschien 1924 das „Erste Manifest des Surrealismus“, verfasst von André Breton und durchgehend übersetzt Europäische Sprachen Außerdem wurde die Zeitschrift „Surreal Revolution“ gegründet. Seitdem hat sich der Surrealismus zu einer wahrhaft internationalen Bewegung entwickelt, die sich in Malerei, Bildhauerei, Literatur, Theater und Kino manifestiert. Jahrzehnt von 1925 (erste Gesamtausstellung der Surrealisten) bis 1936 („International Surrealist Exhibition“ in London, die Ausstellung „Fantastic Art, Dada and Surrealism“ in New York und andere) war geprägt vom Siegeszug des Surrealismus durch die Hauptstädte der Welt.

Bei der Gestaltung von Dalis kreativem Weg und seiner Persönlichkeit sowie seinem Einfluss auf die Malerei nimmt die Bewegung, die dem Surrealismus vorausging – der Dadaismus – einen wichtigen Platz ein. Dadaismus oder die Kunst des Dada (dieses Wort ist entweder kindisches Geschwätz oder die Schwärmereien einer kranken Person oder ein schamanisches Zauberwort) ist eine gewagte, schockierende „Anti-Kreativität“, die in einer Atmosphäre des Entsetzens und der Enttäuschung der Künstler in der Welt entstand Angesichts einer Katastrophe - Weltkrieg, europäische Revolutionen. Dieser Trend war in den Jahren 1916-1918. störte den Frieden in der Schweiz und fegte dann über Österreich, Frankreich und Deutschland hinweg. Der dadaistische Aufstand war von kurzer Dauer und hatte sich Mitte der 20er Jahre erschöpft. Der böhmische Anarchismus der Dadaisten beeinflusste Dali jedoch stark und er wurde ein treuer Nachfolger ihrer skandalösen Possen.

Laut Max Ernst (einem der Begründer des Surrealismus) bestand einer der ersten revolutionären Akte des Surrealismus darin, dass er auf einer rein passiven Rolle des sogenannten Autors im Mechanismus der dichterischen Inspiration bestand und jegliche Kontrolle durch Vernunft und Moral bloßstellte und ästhetische Überlegungen.

Der Übergang von „mechanischen“ Techniken zu „psychischen“ (oder psychoanalytischen) Techniken erfasste nach und nach alle führenden Meister des Surrealismus.

Andre Masson formulierte drei Bedingungen für unbewusste Kreativität:

1 - Befreien Sie das Bewusstsein von rationalen Zusammenhängen und erreichen Sie einen Zustand, der der Trance nahe kommt;

2 - sich völlig unkontrollierbaren und unvernünftigen inneren Impulsen unterwerfen;

3 – Arbeiten Sie so schnell wie möglich, ohne innezuhalten, um zu verstehen, was getan wurde.

Dali selbst setzte große Hoffnungen in die befreiende Kraft des Schlafes und begann daher gleich nach dem Aufwachen am Morgen, als sich das Gehirn noch nicht vollständig von den Bildern des Unbewussten befreit hatte, mit dem Malen auf Leinwand. Manchmal stand er mitten in der Nacht auf, um zu arbeiten.

Tatsächlich entspricht Dalis Methode einer der Freudschen Techniken der Psychoanalyse: Träume so schnell wie möglich nach dem Aufwachen aufzuzeichnen (eine Verzögerung führt vermutlich zu einer Verzerrung der Traumbilder unter dem Einfluss des Bewusstseins).

Freudsche Ansichten wurden von vielen Führern des Surrealismus so übernommen, dass sie zu ihrer Denkweise wurden. Sie erinnerten sich nicht einmal daran, aus welcher Quelle diese oder jene Ansicht oder Herangehensweise stammte. Auch Dali bediente sich einer rein „freudianischen“ Methode, der Bilder in einem noch nicht ganz erwachten Zustand malte, der sich zumindest teilweise in der Macht eines Traums befand.

Laut Dali bedeutete für ihn die Welt von Freuds Ideen genauso viel wie die Welt der Heiligen Schrift für mittelalterliche Künstler oder die Welt der antiken Mythologie für Renaissance-Künstler.

Die Konzepte der Surrealisten selbst erhielten starke Unterstützung durch die Psychoanalyse und andere Entdeckungen des Freudianismus. Sowohl vor sich selbst als auch vor anderen erhielten sie eine deutliche Bestätigung für die Richtigkeit ihrer Ansprüche. Sie kamen nicht umhin zu bemerken, dass die „zufälligen“ Methoden des frühen Surrealismus der Freudschen Methode der „freien Assoziation“ entsprachen, die bei der Untersuchung der inneren Welt des Menschen verwendet wurde. Wenn später in der Kunst von Dali und anderen Künstlern das Prinzip der illusionistischen „Fotografie des Unbewussten“ etabliert wird, kann man nicht umhin, sich daran zu erinnern, dass die Psychoanalyse eine Technik zur „dokumentarischen Rekonstruktion“ von Träumen entwickelt hat.

Die europäische Menschheit ist seit langem in Debatten über das Wesen und die Notwendigkeit der Moral vertieft: Der Immoralismus von Friedrich Nietzsche ließ nur wenige Menschen gleichgültig. Aber der Freudianismus fand eine breitere Resonanz. Es war nicht nur eine philosophische These. Es war eine mehr oder weniger wissenschaftliche Bewegung, sie schlug die experimentelle Überprüfbarkeit ihrer Postulate und Schlussfolgerungen vor und setzte sie voraus, sie entwickelte klinische Methoden zur Beeinflussung der Psyche – Methoden, die zweifellos Erfolg brachten. Der Freudianismus hat nicht nur in den Universitätsfakultäten und in den Köpfen der Intellektuellen Wurzeln geschlagen, sondern hat sich unkontrolliert seinen Platz in weiteren Bereichen des gesellschaftlichen Lebens erobert. Und er schloss Moral und Vernunft aus den Grundlagen des menschlichen Lebens aus und betrachtete sie als zweitrangige und in vielerlei Hinsicht sogar belastende Formationen der Zivilisation.

Das wurde oben bereits gesagt Europäische Kultur 20. Jahrhundert wurde von der philosophischen und künstlerischen Prosa Friedrich Nietzsches beeinflusst, der in seinen Werken („Jenseits von Gut und Böse“ 1886) die bürgerliche Kultur kritisierte und ästhetischen Immoralismus, eine nihilistische Haltung gegenüber allen moralischen Prinzipien, predigte. Im Buch „Also sprach Zarathustra“ 1883-84. Nietzsche schuf den Mythos des „Übermenschen“, während der Kult einer starken Persönlichkeit mit dem romantischen Ideal des „Menschen der Zukunft“ verbunden wurde.

Salvador Dali war ein konsequenter Vertreter des Nietzscheanismus im 20. Jahrhundert. Dali las und verehrte F. Nietzsche und führte in seinen Gemälden und Schriften Dialoge mit ihm.

Das Schicksal der realistischen Kunst im Westen ist schwierig, aber sie existiert und zieht auch junge Künstler an.

Der Zusammenbruch des Faschismus und die allgemeine Demokratisierung der Welt hatten erhebliche Auswirkungen auf das Kino und führten zu einer Reihe bedeutender Phänomene. Einer davon war der italienische Neorealismus.

Das erste Meisterwerk des Neorealismus war ein fast dokumentarischer Film, obwohl Schauspieler daran beteiligt waren und im besetzten Rom gedreht wurde. Es war „Rom – Offene Stadt“ (1945) unter der Regie von Roberto Rossellini. Katina bestand aus einer Reihe von Episoden, die auf wahren Tatsachen basierten, darunter die Geschichte des kommunistischen Ferrari, der von der Gestapo verraten und gefoltert wurde. Priester Morosini, erschossen, weil er dem Untergrund geholfen hat.

Andere Klassiker Neorealismus – Gemälde von Vittorio de Sica (1901-1974) „Fahrraddiebe“. De Sica verzichtete auf professionelle Schauspieler: Er lud einen echten Arbeitslosen ein, die Rolle der Hauptfigur zu spielen, und einen Jungen, der tatsächlich als Bote diente, für die Rolle des 10-jährigen Bruno.

Neorealisten nahmen in der Regel eine gewöhnliche Tatsache des Lebens und analysierten auf der Leinwand die Gründe für ihr Auftreten und ihre sozialen Wurzeln. Der Neorealismus hat die Ästhetik des Weltkinos erheblich bereichert. Einfach verwenden Lebensgeschichten, das Einladen von Darstellern und das Schießen auf der Straße wurden in vielen Ländern in das Kino aufgenommen.

In den 50er und 60er Jahren kamen Roberto Rossellini (1906-1977) und Luchino Visconti (1906-1976), Michelangelo Antonioni und Federico Fellini – die zukünftigen größten Meister des Weltkinos – ins Kino. In ihren Filmen spiegelte sich einer der führenden Trends im westeuropäischen Kino der 50er und mittleren 60er Jahre wider – das Studium der Psychologie des modernen Menschen, der sozialen Motive seines Verhaltens, der Ursachen von Gefühlsverwirrung und Uneinigkeit zwischen ihnen Menschen.

Als in den frühen 50er Jahren Filmfestivals stattfanden, sorgten japanische Filme für Aufsehen. Es war die Entdeckung einer eigentümlichen, ungewöhnlichen Kulturwelt. Heute zählen die Regisseure Akira Kurosawa, Kaneto Shindo und Tadashi Imai zu den besten Filmkünstlern unserer Zeit.

Das japanische Kino ist in seinen besten Werken originell und zutiefst national. Zum Beispiel zeichnen sich die Filme von Akira Kurosawa durch die helle Exklusivität menschlicher Charaktere, akute dramatische Konflikte aus, das Hauptthema der Arbeit des Regisseurs zieht sich durch sie: die moralische und spirituelle Verbesserung des Einzelnen, das Bedürfnis, Gutes zu tun („Rassemon “, 1950, „Sieben Samurai“, 1954, „Dersu Uzala“, 1976, zusammen mit der UdSSR „Shadow of a Warrior“, 1980).

Schweden brachte den erstaunlichen Meister Ingmar Bergman zur Welt. Sein Werk brachte am deutlichsten die Merkmale des skandinavischen künstlerischen Denkens und der Weltanschauung zum Ausdruck, die nicht nur für Schweden, sondern natürlich auch für viele westliche Länder typisch sind. In Filmen wie „The Seventh Seal“, „Strawberry Field“ (beide 1957), „Autumn Sonata“ (1978), „The Source“, „Persona“, „Face“ (1958), „Silence“ (1963), Als würde Bergman sie hinterfragen, entwickelt er das Thema der tragischen Einsamkeit eines Menschen in der Gesellschaft.

Spanien schenkte der Welt einen außergewöhnlichen Filmkünstler: Luis Buniel (1900-1983), der ein berühmter französischer Regisseur wurde. Im Laufe seiner Karriere blieb er den Ansichten des Surrealismus treu, ab 1928, als sie zusammen mit Salvador Dali den Film „Un Chien Andalou“ und den berüchtigten Film „Das Goldene Zeitalter“ (1930; das Verbot dieses Films dauerte) drehten ein halbes Jahrhundert) bis zum Film von 1977. „Dieses vage Objekt der Begierde.“

Wenn wir über das englische Kino sprechen, fallen uns sofort wunderbare literarische Adaptionen sowie die Namen der wunderbaren Regisseure Alfred Hitchcock (1899-1980) ein, und Lindsney Anderson gilt als einer der Begründer von Horrorfilmen, Filmen, die die Mechanik von verwenden Massenpsychose, Massenpanik. („Vögel“).

Die Vereinigten Staaten sind eine Superfilmmacht, aber ihre Filmindustrie hat auf gesellschaftspolitische Bewegungen reagiert. In den 60er Jahren traten junge Filmregisseure wie F. Coppola, M. Scorsese und andere auf, die den Konservatismus der „Traumfabrik“ in Frage stellten. Auf der Leinwand tauchten die aktuellen Probleme junger Menschen auf, ihre Unruhe vor der Allmacht des Dollars, Dunkelheit ohne spirituelle Vegetation, grausame Überlebensbedingungen.

Ein besonderer Ort Im amerikanischen Kino übernahm das Thema des Vietnamkrieges die Oberhand und spaltete Hollywood in zwei unversöhnliche Lager – Verteidiger der Aggression (Green Berets von D. Wayne) und ihre Gegner (Coming Home von H. Ashby). Der Niedergang der demokratischen Bewegung in Amerika verstärkte die Versuche, die Aggression in Vietnam zu rechtfertigen (Rimbaud-Serie).

Die Hauptrichtung des Films wurde von Melodramen, Kriminalromanen und Spionagefilmen bestimmt. Die Serie um den Agenten 007 James Bond mit Sean Connery in der Hauptrolle wurde zum weltweiten Bestseller.

In den 70-80er Jahren. Die Situation im Kino verändert sich aufgrund der neokonservativen Politik der amerikanischen Regierung, des Beitritts großer Filmunternehmen zu transnationalen Monopolen und der damit einhergehenden Fusion der Filmindustrie mit dem Großkapital. Die Produzenten begannen, sich darauf zu verlassen, eine kleine Anzahl superteuerer Filme in den Genres Katastrophenfilme (Flughafen, Hell in the Sky), Weltraumfantasie (Star Wars) und Horrorfilme (The Shining von S. Kubrick) zu produzieren. erhöht.

Das ausländische Kino hat der Welt wundervolle Künstler-Stars der Weltleinwand beschert: Anna Magnani, Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Franco Nero, Claudia Cardinale (Italien), Barbra Streisand, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Richard Burton, Laisa Minnelli, Vater und Sohn Douglas, Dustin Foreman, Jack Nichols (USA), Catherine Deneuve, Brigitte Bardot, Alain Delon, Gerard Depardieu, Louis de Funes, Jean Paul Belmondo (Frankreich), Daniel Olbrychski, Barbara Brylska (Polen) usw.

Fragen zum Selbsttest.

1. Grundlegend künstlerisch und ästhetisch und philosophische Kunstrichtungen des 20. Jahrhunderts.

2. Ästhetik der Moderne.

3. Ästhetik des Surrealismus.

THEMA 10.

Literatur und Kunst Frankreichs.

Literatur 1910-1940er Jahre

Historische und künstlerische Koordinaten der neuen Ära. Revision soziologischer und kultureller Kategorien. Dadaismus und die Entstehung der Ästhetik des Surrealismus. Surrealismus als eine Denkweise, ein Mentalitätssystem, eine Art, mit der Welt zu interagieren. Entwicklung sozialpsychischer Strukturen im Verlauf eines Modellierspiels. Neue Technologie Kreativität. Kult des Unbewussten.

BRETON ANDRE(1896–1966)

Geboren am 18. Februar 1896 in Tenchebray (Normandie) in der Familie eines Kaufmanns. Er studierte in Paris an der medizinischen Fakultät der Sorbonne. Er debütierte als Dichter; betrachtete sie als meine Lehrer Stefan Mallarmé Und Felder Valerie(war sein Freund). 1915, während des Ersten Weltkriegs, wurde er mobilisiert; dem Neuropsychiatrischen Dienst der Armee zugeteilt. Studierte ernsthaft die Werke von J.M. Charcot, einem der Begründer der Neuropathologie und Psychotherapie, und Z. Freud, Begründer der Psychoanalyse. 1916 lernte er im Krankenhaus den jungen Dichter Jacques Vache kennen, einen unversöhnlichen Kriegsgegner, der im Alter von 25 Jahren Selbstmord beging. Kriegsbriefe was einen starken Einfluss auf die Stimmung der künstlerischen Intelligenz dieser Zeit hatte. Nach der Demobilisierung kehrte er nach Paris zurück und engagierte sich im literarischen Leben. Umgeben Guillaume Apollinaire, dessen Poesie er sehr schätzte. 1919 schuf er zusammen mit Louis Aragon und Philip Soupault Zeitschrift „Literature“. Dort abgedruckt Magnetfelder – der erste „automatische Text“, verfasst von ihm in Zusammenarbeit mit F. Supo. Im selben Jahr kam er Tristan Tzara und anderen Dadaisten nahe, die aus der Schweiz nach Frankreich zogen. Zusammen mit Freunden nahm er an schockierenden dadaistischen Demonstrationen teil, 1922 besuchte er Wien, traf sich mit Z. Freud; interessierte sich für seine Experimente auf dem Gebiet der hypnotischen Träume. 1923 veröffentlichte er seine erste Gedichtsammlung Licht der Erde.

1924 leitete er eine Gruppe junger Dichter und Künstler (L. Aragon, F. Supo, Paul Eluard, Benjamin Peret, Robert Desnos, Max Ernst, Pablo Picasso, Francis Picabia usw.), die sich selbst Surrealisten zu nennen begannen, genossen unter ihnen unbestrittene Autorität. 1924 veröffentlichte er das erste Manifest des Surrealismus, wo der Surrealismus als „reiner psychischer Automatismus, durch den die tatsächliche Funktionsweise des Denkens mündlich, schriftlich oder auf andere Weise übermittelt werden soll“ definiert wurde, als „das Diktat des Denkens jenseits aller Kontrolle der Vernunft, ohne jede Ästhetik“. oder moralische Erwägungen.“ A. Breton forderte die völlige Zerstörung aller bisher existierenden mentalen Mechanismen und deren Ersetzung durch einen surrealen Mechanismus, den einzig möglichen, um die höchste Realität zu erfassen und grundlegende Fragen der Existenz zu lösen.

Im Dezember 1924 benannte er die Zeitschrift „Literatur“ in „Surreale Revolution“ um. 1925 in einem Aufsatz Revolution zuerst und für immer formulierte sein Verständnis surrealistischer Tätigkeit in Bezug auf Literatur, Kunst, Philosophie und Politik. Verurteilte öffentlich den französischen Kolonialkrieg in Marokko 1925–1926; begann mit dem Organ der französischen Kommunisten, Clarte, zusammenzuarbeiten. Im Januar 1927 trat er zusammen mit L. Aragon, P. Eluard, B. Pere und Pierre Unique der Kommunistischen Partei bei. Im März 1928 veröffentlichte er einen Aufsatz über das Werk von P. Picasso, M.Ernst, Man Ray, Andre Massona, Giorgio de Chirico unter dem Titel Surrealismus und Malerei, Damit trennt man beide Konzepte: Es könne keinen „surrealistischen Stil“ in der Kunst geben, denn der Surrealismus sei keine künstlerische Methode, sondern eine Denk- und Lebensweise. Im Juni 1928 veröffentlichte er einen Roman Nadjaüber die Liebe zu einer Frau mit der Gabe des Hellsehens, die ihre Tage in einer psychiatrischen Klinik beendete. Ernsthafte Differenzen zwischen den Surrealisten veranlassten ihn 1930 zur Veröffentlichung Zweites Manifest des Surrealismus; änderte den Namen seiner Zeitschrift in „Surrealismus im Dienste der Revolution“. Im selben Jahr verfasste er gemeinsam mit P. Eluard und Rene Char eine Gedichtsammlung Machen Sie die Arbeit langsamer und in Zusammenarbeit mit P. Eluard Prosatext Unbefleckte Empfängnis, wo er ein surreales Modell des menschlichen Lebens von der Empfängnis bis zum Tod konstruierte. 1932 veröffentlichte er eine Gedichtsammlung Grauhaariger Revolver und psychoanalytische Forschung Kommunizierende Gefäße, in dem er versuchte, Zusammenhänge zwischen Schlaf- und Wachzuständen zu erkennen.

Im philosophischen Denken des 17. Jahrhunderts steht das Problem des Menschen, seiner Fähigkeiten, erworbenen und angeborenen Eigenschaften im Mittelpunkt. Darüber hinaus wird das Problem der Beschleunigung des Zeitablaufs als notwendige Bedingung der menschlichen Existenz immer relevanter, wodurch sich die Welt in einem ständigen Wandel befindet. Die wichtigsten künstlerischen Stile dieser Zeit waren Barock und Klassizismus. Kunst wird zu einer Art Sprache der Philosophie, die sich von universellen rationalen Konstrukten entfernt und in die Sphäre emotionaler Erfahrung vordringt. Das Selbstwertgefühl der Kunst als schöpferische Kraft der Kultur wächst.

Der Forschungsgegenstand verändert sich und dementsprechend verlagert sich der Schwerpunkt auf Wahrnehmungsprobleme, auf die Persönlichkeit des Zuhörers, auf die Geschmacksvielfalt. Es beginnt eine neue Ebene der Spezifizierung der Wahrnehmung des Subjekts. In der ästhetischen Theorie richtet sich die Aufmerksamkeit mittlerweile nicht nur auf die Figur des Künstlers, sondern auch auf den Leser, Betrachter, Zuhörer. Die Vorstellung, dass das Verständnis eines Kunstwerks und damit das weitere Schicksal seiner Existenz maßgeblich davon abhängt, wer es wahrnimmt und wie es wahrgenommen wird, gewinnt an Relevanz. Es zeichnet sich ein wachsender Trend des Interesses an einzigartigen individuellen Erlebnissen ab. innere Welt Persönlichkeit, die wiederum zur Bildung verschiedener künstlerischer Bewegungen beitrug.

Die Ästhetik von Nicolas Boileau präsentiert die allgemeinen ästhetischen Prinzipien des Klassizismus. Dementsprechend verkündet er in ihnen den Vorrang des Denkens vor den Worten, der Ideen vor künstlerischer Ausdruck. Der Geist ist in der Kunst von entscheidender Bedeutung, das sinnliche Prinzip ist zweitrangig. Um der Klarheit der Idee willen, die der Schlüssel zur Schönheit ist, ist es notwendig, sich von der Buntheit des Lebens zu entfernen. Boileau begründet die hierarchische Einteilung der Genres in „hoch“ und „niedrig“, entwickelt die Idee der Dreifaltigkeit von Zeit, Ort und Handlung).

Die Hauptgedanken der Vertreter der Aufklärung über Geschmackstheorien, Dies ist einer der führenden für diese Periode der Entwicklung des ästhetischen Denkens, dargelegt in der Abteilung, die mit ästhetischem und künstlerischem Geschmack verbunden ist. Schauen wir uns also andere Theorien moderner Philosophen an.

Francis Hutcheson analysiert in seinem Werk „An Inquiry into the Origin of Our Ideas of Beauty and Virtue“ das Problem von Schönheit und Harmonie. Unsere Vorstellungen von Harmonie, Schönheit und Ordnung basieren auf einem bestimmten inneren Gefühl und nicht auf rationaler Begründung. Laut Hutcheson hat Schönheit einen uneigennützigen Charakter und daher ist das ästhetische Gefühl ein Vorbild für das moralische Gefühl. Kunst unterliegt der Moral, und Schönheit und Harmonie sind Quelle und Mittel zur Kultivierung von Tugend. Schönheit hat zwei Varianten: 1) absolut, wobei Schönheit ohne Vergleich mit etwas Äußerem wahrgenommen wird (die Schönheit natürlicher Phänomene, wissenschaftliche Gesetze); 2) relativ oder vergleichend, was mit Kunstarten verbunden ist, die dem Prinzip der Nachahmung unterliegen. Relative Schönheit zeigt sich am deutlichsten in der Malerei und in der Poesie, wo „eine exakte Nachahmung auch dann schön sein wird, wenn das Original völlig ohne Schönheit ist.“ Hutcheson vertritt die Idee der objektiven Natur der Schönheit, aber für ihn erscheint Universalität als Gleichheit der Wahrnehmung von Schönheit.

Edmund Burke analysiert die Kategorien Schönheit und Erhabenheit und enthüllt die psychologischen Aspekte ihrer Wahrnehmung. Im Kern des Erhabenen liegt der Drang zur Selbsterhaltung. Dieses Gefühl entsteht durch die Begegnung mit jenen Kräften, die beim Menschen Entsetzen und Vorsicht hervorrufen. Dem Schönen liegt der Wunsch nach dem Sozialen, nach der Kommunikation zugrunde. Alles, was Liebe und Mitgefühl weckt und uns zur Nachahmung anregt, ist schön und betrifft den Bereich menschlicher Beziehungen. Es ist möglich, dass Schönheit in der physischen Welt existiert, wo Freude in der Wahl bestimmter Farben, Töne und Formen besteht. Das Schönheitsgefühl fördert die Einheit der Menschen und die Bildung moralischer Qualitäten.

Ideen ästhetische Bildung aufgrund des Problems Genius analysiert vom französischen Philosophen Claude Adrian Helvetius. Er glaubt, dass allen Menschen Genialität innewohnt, es aber einer Bildung bedarf, die diese Fähigkeit offenbaren kann. Das Genie des Künstlers zeigt sich im Realismus und Stil des Bildes. Der pädagogische Zweck der Kunst besteht darin, starke Empfindungen zu wecken und das bereitzustellen, was in der Realität fehlt. Die höchste Form des Vergnügens wird nur durch Vorstellungskraft und Fantasie ermöglicht, was der Kunst den Status eines Unterhaltungsmittels verleiht.

Denis Diderot konkretisiert den Zusammenhang zwischen Kunst und Moral. Kunst soll erziehen, etwas ausdrücken Lebensregel. Wahrheit, Güte und Schönheit sind miteinander verbunden. Neben der Entwicklung des Schönheitsbegriffs, der in Diderots ästhetischem Konzept einen bedeutenden Platz einnimmt, legt er großen Wert auf Harmonie in der Kunst. Harmonie als gegenseitige Abhängigkeit zwischen den Bestandteilen eines Werkes lässt uns erkennen vollständiges Bild. In seinen Schriften analysiert Diderot die Besonderheiten der Musik-, Theater-, Malerei- und Tanzkunst und beruft sich dabei nicht nur auf allgemeine ästhetische Gesetze, sondern geht auch auf spezielle Fragen der Kunsttheorie ein – von Ausdrucks- und Gestaltungsmitteln bis hin zu Gattungsvielfalt.

Jean-Jacques Rousseau, einer der Aufklärer des 18. Jahrhunderts. am tiefsten verstandene Musik als die Kunst der Neuzeit. Theoretische Entwicklungen in der Analyse der Struktur von Akkorden und die Widerlegung der Hypothese über die Identität der antiken griechischen Harmonie und moderner Akkorde waren ein wichtiger Beitrag von Zhe.-Zhe.Rousseau zur Entwicklung der Musiktheorie. Im Zusammenhang mit der wachsenden Aufmerksamkeit für die Darstellung der menschlichen Natur wird das Problem der genauen Darstellung menschlicher Gefühle und Emotionen zum relevantesten und charakteristischsten dieser Zeit. Die Reproduktion des Affekts fällt in dieser Zeit mit der Darstellung der Natur zusammen. Dieser Standpunkt wurde einige Zeit von Rousseau geteilt. Er (in seinem Werk „Musical Dictionary“) konzentriert sich auf die Tatsache, dass Musik, wie andere Kunstformen auch, die Möglichkeit hat, jedes Objekt der Natur nachzuahmen. Später begann Rousseau zu glauben, dass der Inhalt der Kreativität eines Musikers darin besteht, die Seele genau auf die Stimmung einzustimmen, die sie möchte.

Alexander Baumgarten stellt fest, dass das Thema der Ästhetik das Studium der Logik der Sinneserkenntnis ist; sie muss nicht nur Theorie, sondern auch vereinen künstlerische Praxis. Das Konsensprinzip wird für die Ästhetik universell Deutscher Philosoph Es verkörpert die Idee der Schönheit als Einheit im Reichen. Zu den Problemen, die Baumgarten analysiert, gehören ästhetische Wahrnehmung und künstlerische Kreativität. Beide Prozesse beinhalten einen Moment der Kreativität und beinhalten einen ästhetischen Impuls. Es war O. Baumgarten, der darauf hinwies, dass ästhetisches Wissen einen eigenständigen Charakter hat, innere und spezifische Gesetze hat und unabhängig von Religion oder Moral ist.

Gottgold Ephraim Lessing diskutiert in seinen Werken die antike Theorie der Katharsis und wendet sie auf die Moderne an Dramatheorie. Er weist auf den Zusammenhang zwischen der Idee der Katharsis und dem antiken Maßbegriff sowie Aristoteles‘ Idee der „goldenen Mitte“ hin. Einen bedeutenden Platz in Lessings Ästhetik nimmt auch das Problem des Verhältnisses der Kunstgattungen ein, die er in räumliche (plastische) und zeitliche unterteilt. Raumkünste verkörpern eine abgeschlossene Handlung und vermitteln keine Veränderungen. Anders verhält es sich bei temporären Künsten, die die zeitliche Entfaltung vermitteln und daher in der Lage sind, die individuelle Persönlichkeit der Helden und die Beziehungen zwischen ihnen zu vermitteln. Lessing entwickelt ein ganzes System der Klassifikation der Künste, wobei Literatur und Poesie den höchsten Platz einnehmen.

Der Zweck der Kunst besteht darin, die Wahrheit zu offenbaren, das Schöne in der Realität darzustellen. Nur durch die Offenlegung der Wahrheit kann Kunst Freude bereiten, lehren und erziehen.

Rationalistische Grundlagen der Kultur

Es ist unmöglich, eine völlig genaue Grenze zwischen den Kulturen des 16. und 17. Jahrhunderts zu ziehen. Bereits im 16. Jahrhundert nahmen in den Lehren italienischer Naturphilosophen neue Vorstellungen von der Welt Gestalt an. Der eigentliche Wendepunkt in der Wissenschaft des Universums ereignete sich jedoch an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert, als Giordano Bruno, Galileo Galilei und Kepler bei der Entwicklung der heliozentrischen Theorie des Kopernikus zu dem Schluss über die Pluralität der Welten kamen, über die Unendlichkeit des Universums, in dem die Erde nicht das Zentrum, sondern ein kleines Teilchen ist, als die Erfindung des Teleskops und des Mikroskops dem Menschen die Existenz des unendlich Fernen und des unendlich Kleinen offenbarte.

Im 17. Jahrhundert veränderte sich das Verständnis des Menschen, seines Platzes in der Welt und der Beziehung zwischen Individuum und Gesellschaft. Die Persönlichkeit des Renaissance-Menschen zeichnet sich durch absolute Einheit und Integrität aus, sie ist frei von Komplexität und Entwicklung. Die Persönlichkeit – die Renaissance – behauptet sich im Einklang mit der Natur, die eine gute Kraft darstellt. Die Energie und das Vermögen eines Menschen bestimmen seinen Lebensweg. Dieser „idyllische“ Humanismus war jedoch nicht mehr für die neue Ära geeignet, als der Mensch sich nicht mehr als Zentrum des Universums erkannte, als er die ganze Komplexität und Widersprüchlichkeit des Lebens spürte, als er einen grausamen Kampf gegen die Welt führen musste feudal-katholische Reaktion.

Die Persönlichkeit des 17. Jahrhunderts ist nicht an sich wertvoll, wie die Persönlichkeit der Renaissance, sie ist immer abhängig von der Umwelt, von der Natur und von der Masse der Menschen, denen sie sich zeigen, verblüffen und überzeugen will. Diese Tendenz, einerseits die Fantasie der Massen zu fesseln und sie andererseits zu überzeugen, ist eines der Hauptmerkmale der Kunst des 17. Jahrhunderts.

Die Kunst des 17. Jahrhunderts ist ebenso wie die Kunst der Renaissance vom Heldenkult geprägt. Aber es handelt sich um einen Helden, der sich nicht durch Taten, sondern durch Gefühle und Erfahrungen auszeichnet. Davon zeugt nicht nur die Kunst, sondern auch die Philosophie des 17. Jahrhunderts. Descartes schafft eine Lehre von den Leidenschaften, und Spinoza betrachtet menschliche Wünsche als „als wären sie Linien, Flächen und Körper“.

Dieses neue Welt- und Menschenbild konnte im 17. Jahrhundert je nach Nutzung zwei Richtungen annehmen. In dieser komplexen, widersprüchlichen, vielschichtigen Welt der Natur und der menschlichen Psyche könnten ihre chaotische, irrationale, dynamische und emotionale Seite, ihre illusorische Natur, ihre sinnlichen Qualitäten hervorgehoben werden. Dieser Weg führte zum Barockstil.

Der Schwerpunkt könnte aber auch auf klaren, deutlichen Ideen liegen, die Wahrheit und Ordnung in diesem Chaos erkennen, auf dem Gedanken, der mit seinen Konflikten kämpft, auf der Vernunft, die Leidenschaften überwindet. Dieser Weg führte zum Klassizismus.

Barock und Klassizismus, die ihr klassisches Design in Italien bzw. Frankreich erhielten, verbreiteten sich mehr oder weniger in allen europäischen Ländern und waren die vorherrschenden Strömungen in der künstlerischen Kultur des 17. Jahrhunderts.

Ästhetische Prinzipien des Barock

Der Barockstil entstand in Italien, in einem Land, das in kleine Staaten zersplittert war, in einem Land, das Gegenreformation und eine starke feudale Reaktion erlebte, in dem sich reiche Städter in eine Landaristokratie verwandelten, in einem Land, in dem Theorie und Praxis des Manierismus blühten in voller Blüte und wo gleichzeitig in all ihrer Pracht die reichsten Traditionen der künstlerischen Kultur der Renaissance bewahrt wurden. Der Barock übernahm vom Manierismus seine Subjektivität, von der Renaissance die Faszination für die Wirklichkeit, beides jedoch in einer neuen stilistischen Brechung. Und obwohl die Überreste des Manierismus im ersten und sogar im zweiten Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts noch zu spüren waren, kann die Überwindung des Manierismus in Italien im Wesentlichen um 1600 als abgeschlossen angesehen werden.

Eines der für die barocke Ästhetik charakteristischen Probleme ist das Problem der Überzeugungsfähigkeit, das seinen Ursprung in der Rhetorik hat. Rhetorik unterscheidet nicht zwischen Wahrheit und Plausibilität; als Mittel der Überzeugung scheinen sie gleichwertig zu sein – und daraus folgt der illusorische, phantastische Subjektivismus der Barockkunst, kombiniert mit der Geheimhaltung der Technik der „Kunst“ des Wirkungswerks, wodurch ein subjektiver, irreführender Eindruck von Wahrhaftigkeit entsteht .

Basierend auf der Tatsache, dass das Hauptkonzept der barocken Ästhetik die Fähigkeit zur Überzeugung ist, wird darunter die Fähigkeit verstanden, den Betrachter mit Hilfe eines bestimmten Einflussinstruments, nämlich eines Kunstwerks, zu überzeugen. Rhetorik schmückt die Sprache, verleiht Konzepten und Gegenständen eine leichter wahrnehmbare Form. Rhetorik ist untrennbar mit Literatur und Poesie verbunden, die sich oft mit Rhetorik identifiziert. Die Überzeugungskraft muss denjenigen überzeugen, berühren, überraschen, für den sie bestimmt ist. Der Autor muss daher bis ins kleinste Detail wissen, an wen sein Werk gerichtet ist, muss sie studieren und sich bei der Erstellung seiner Werke von diesem Wissen leiten lassen.

Gibt es anerkannte und verbindliche Methoden, um den Betrachter, Leser oder Zuhörer aufgrund ihrer Wirksamkeit zu überzeugen? Alle Methoden sind geeignet, sofern sie ihr Hauptziel erreichen – denjenigen zu überzeugen, für den sie bestimmt sind. In dieser Hinsicht wird das Problem der Wahrheit oder Falschheit eines Kunstwerks in den Hintergrund gedrängt und bedeutungslos. Illusion wird zum Prinzip. Der Leser und Betrachter soll zunächst einmal fassungslos und überrascht sein, und das gelingt mit Hilfe einer gekonnten Auswahl seltsamer und ungewöhnlich komponierter Gemälde.

Die meisten Barocktheoretiker waren Schriftsteller, aber in ihren Aussagen ist die Haupttendenz des Barock deutlich zu spüren – die Annäherung verschiedene Arten Kunst. Alle Künste sind miteinander verbunden und haben eine einzige Essenz. Sie unterscheiden sich lediglich in der Ausdrucksweise.

Rationalismus und Normativismus der Ästhetik des Klassizismus

Der Klassizismus ist einer der wichtigsten Bereiche der Kunst. Der Klassizismus hat sich in den Werken und der Kreativität vieler Generationen etabliert und eine brillante Galaxie von Dichtern und Schriftstellern, Malern und Musikern, Architekten, Bildhauern und Schauspielern hervorgebracht. Er hinterließ solche Meilensteine ​​auf dem Weg der künstlerischen Entwicklung der Menschheit wie Tragödien Corneille, Racine, Milton, Voltaire, Komödie Moliere, Musik Lully, Poesie Lafontaine, Park und Architekturensemble von Versailles, Gemälde von Poussin.

Der Klassizismus beginnt seine Chronologie im 16. Jahrhundert, dominiert im 17. Jahrhundert und setzt sich im 18. und frühen 19. Jahrhundert kraftvoll und beharrlich durch. Die Geschichte selbst bestätigt die Lebensfähigkeit der Traditionen des klassizistischen Kunstsystems und den Wert der zugrunde liegenden Konzepte der Welt und der menschlichen Persönlichkeit, vor allem des für den Klassizismus charakteristischen moralischen Imperativs.

Das Wort „Klassizismus“ (von lat. classicus – vorbildlich) verkörperte die stabile Ausrichtung der neuen Kunst am antiken „Modell“. Treue zum Geist der Antike bedeutete für die Klassiker jedoch weder eine einfache Wiederholung dieser antiken Vorbilder noch eine direkte Kopie antiker Theorien. Der Klassizismus war ein Spiegelbild der Ära der absoluten Monarchie und des adlig-bürokratischen Systems, auf dem die Monarchie basierte. Die Hinwendung zur Kunst Griechenlands und Roms, die auch ein charakteristisches Merkmal der Renaissance war, kann an sich noch nicht als Klassizismus bezeichnet werden, obwohl sie bereits viele Merkmale dieser Bewegung enthielt.

In der Geschichte Frankreichs spielte die absolute Monarchie eine Doppelrolle. Die gleiche Dualität prägte die Kulturpolitik der absoluten Monarchie und ihre ästhetische Doktrin – den Klassizismus. Die monarchistischen Höfe zeichneten sich durch den Wunsch aus, alle künstlerischen Kräfte einer zentralisierenden Organisation unterzuordnen. Kardinal Richelieu gründete ein offizielles Zentrum auf dem Gebiet der Literatur und Sprache – die Französische Akademie. Unter Ludwig XIV. wurde die Akademie der Künste gegründet. In diesen Zentren der künstlerischen Kultur wurde viel daran gearbeitet, ein einheitliches zu schaffen literarische Sprache, Befreiung von provinziellen Merkmalen und Überresten der Antike, Entwicklung einer korrekten literarischen Sprache, Klassifizierung von Genres usw. Ähnliche Aktivitäten übte die Akademie der Künste aus, die die bedeutendsten Maler und Kunsttheoretiker vereinte. Im Allgemeinen waren alle diese Aktivitäten von fortschrittlicher Bedeutung.

Den Kunstregeln zufolge musste der Künstler zunächst über „edle Gestaltung“ verfügen. Die Handlung des Bildes muss erbaulichen Wert gehabt haben. Daher wurden alle Arten von Allegorien besonders geschätzt, in denen mehr oder weniger konventionell aufgenommene Lebensbilder unmittelbar allgemeine Vorstellungen zum Ausdruck brachten. Am meisten hohes Genre galt als „historisch“, was die antike Mythologie, Handlungsstränge aus berühmten literarischen Werken, aus der Bibel und dergleichen umfasste. Porträts, Landschaften und Szenen aus dem wirklichen Leben galten als „Nebengenres“. Das unbedeutendste Genre war das Stillleben.

In der Poesie betonte der Klassizismus die rationale Entwicklung des Themas nach bekannten Regeln. Das markanteste Beispiel hierfür ist „Poetische Kunst“ Boileau- eine Abhandlung in schönen Versen, die viele interessante Ideen enthält. Boileau stellte die Forderung nach dem Primat des Inhalts in der poetischen Kunst auf, obwohl dieses Prinzip bei ihm in einer zu einseitigen Form zum Ausdruck kam – in Form einer abstrakten Unterordnung des Gefühls unter die Vernunft.

Ästhetik der europäischen Aufklärung

Ästhetische Theorien der Aufklärung entstanden während der frühen bürgerlichen Revolutionen des 17.-18. Jahrhunderts und sind Teil der Ideologie und Kultur ihrer Zeit. Die Aufklärer glaubten, dass die Neuordnung eines veralteten Gesellschaftssystems durch die Verbreitung fortschrittlicher Ideen, durch den Kampf gegen Unwissenheit, religiöse Dummheit, mittelalterliche Scholastik, unmenschliche Feudalmoral, mit Kunst und Ästhetik erfolgen sollte, die den Bedürfnissen der oberen Schichten entsprach des feudal-absolutistischen Staates.

Trotz aller Fortschrittlichkeit konnten die Aufklärer die Grenzen ihrer Zeit nicht überschreiten. Bei den Machenschaften einer harmonischen Gesellschaft verließen sich die Aufklärer auf einen bestimmten abstrakten „Bürger“, auf sein politisches und moralisches Bewusstsein und keineswegs auf die reale Person, die tatsächlich im Kapitalismus geformt wurde.

Aufklärer versuchten durch moralische, politische und ästhetische Bildung eine Umgestaltung der Gesellschaft auf den Prinzipien der Gleichheit und Gerechtigkeit zu erreichen. Sie waren sich der Tatsache bewusst, dass es Widersprüche zwischen privaten und öffentlichen Interessen, zwischen persönlichen Ansprüchen und Pflichten, zwischen Individuum und Gesellschaft gab. Sie hofften, diese Widersprüche weitgehend durch ästhetische Bildung aufzulösen. Von hier aus entwickelten sie die Überzeugung, dass das ästhetische Prinzip in der Lage ist, den angeborenen Egoismus des Menschen zu mildern und einen Menschen in ein „Individuum“ zu verwandeln.

Unter dem Gesichtspunkt der Erziehung eines „Bürgers“, eines neuen Menschen, betrachteten die Aufklärer die Grundkonzepte: Schönheit, Erhabenheit, Harmonie, Anmut, Geschmack ( Burke, Diderot ); Die Probleme des Wesens und der sozialen Funktionen der Kunst, des künstlerischen Konflikts, des Charakters, der Wahrheit in der Kunst usw. wurden im gleichen Sinne behandelt. Das Leitmotiv der ästhetischen Konzepte der Aufklärung war die Verteidigung der Kunst mit hohem bürgerlichem Pathos, den Prinzipien des Realismus und Humanismus. Er diskutierte die Beziehung zwischen Schönheit und Moral. Shaftesbury .

Bei der Interpretation der Kategorien der Ästhetik gingen die Aufklärer von den Prinzipien der Sensationslust aus, einer erkenntnistheoretischen Richtung, nach der die Sinnlichkeit die Hauptform verlässlichen Wissens ist. Die klassische Formel, die Sensationslust charakterisiert, stammt von den Stoikern: „Es gibt nichts im Geist, was nicht vorher in den Sinnen war.“

Theoretische Gestaltung des Faches Ästhetik

Der Begründer der deutschen Ästhetik der Aufklärung und „Pate“ eines eigenständigen philosophischen Wissenszweiges war Baumgarten . Sein erkenntnistheoretisches System gliederte sich in zwei Abschnitte: Ästhetik und Logik. Die erste war eine Theorie des „niederen“, sensorischen Wissens, die zweite – eine Theorie des höheren, „intellektuellen“ Wissens. Um niedrigeres Wissen zu bezeichnen, wählte er den Begriff „Ästhetik“, der gleichzeitig als Empfindung, Gefühl und Erkenntnis interpretiert wurde. Wenn also die Logik die Wissenschaft des intellektuellen Wissens ist, also der Gesetze und Formen des Denkens, dann ist die Ästhetik die Wissenschaft des sinnlichen Wissens. Dementsprechend gibt es zwei Arten von Urteilen: „logisch“ und „sensibel“ (sinnlich). Die ersten basieren auf klaren Vorstellungen, die zweiten auf vagen. Er bezeichnet solche, die auf klaren Vorstellungen beruhen, als Urteile der Vernunft, jene, die auf vagen Vorstellungen beruhen, als Geschmacksurteile. Urteile der Vernunft geben uns Wahrheit, Urteile des Geschmacks geben uns Schönheit. Die objektive Grundlage des Urteils der Vernunft und des Geschmacks ist die Vollkommenheit, das heißt die Übereinstimmung der Gegenstände mit ihrem Begriff.

Das Wesen und der gesellschaftliche Zweck der Kunst im Zeitalter der Aufklärung

Der deutsche Aufklärer sah das Wesen der Kunst in der Nachahmung der Natur. Winkelmann. Die Nachahmung der Schönheit der Natur kann entweder auf ein einzelnes Objekt gerichtet sein oder Beobachtungen einer ganzen Reihe einzelner Objekte zusammenführen. Im ersten Fall erhält man eine ähnliche Kopie, ein Porträt, im zweiten Fall ein Idealbild. Winkelmann hält den zweiten Weg für fruchtbarer. Hier agiert der Künstler nicht als Kopist, sondern als echter Schöpfer, denn bevor er ein Bild schafft, komponiert er allgemeines Konzeptüber Schönheit und folgt dann seinem Prototyp. Ideale Schönheit übertrifft gewöhnliche Formen der Materie und überwindet deren Grenzen.