Welche Definition passt am besten zum Konzept der Luftperspektive? Die Reihenfolge der Ausführung eines Gemäldes
Die PFR-Filiale in Sewastopol macht Arbeitgeber darauf aufmerksam: Der letzte Tag für den Erhalt monatlicher Berichte im Formular SZV-M für November - 17. Dezember 2018(da der 15. und 16. Dezember arbeitsfrei sind). Darüber hinaus haben Arbeitgeber, die einen Bericht in Papierform einreichen, im Januar 2019 nur noch 5 Tage Zeit, um Informationen für Dezember 2018 einzureichen – vom 9. bis 15. Januar.
Führungskräfte, erfüllen Sie Ihre Aufgaben verantwortungsvoll! Es ist wichtig zu verstehen, dass die Indexierung der Renten für Bürger, die ihre Erwerbstätigkeit eingestellt haben, von der rechtzeitigen Übermittlung der Informationen an die Pensionskasse abhängt. Beachten Sie zwei Regeln: Verlässlichkeit der Informationen und Abgabefrist.
Wir erinnern Sie auch daran, dass Versicherungsnehmer im Jahr 2019 in dem Formular auch über die Versicherungserfahrung ihrer Mitarbeiter berichten müssen SZV-STAZH. Die Übermittlung der Informationen über das Erlebnis muss pünktlich erfolgen bis 1. März inklusive. Versäumt ein Arbeitgeber die Meldefristen, werden gegen ihn finanzielle Sanktionen verhängt.
Das SZV-STAZH-Formular gibt Auskunft über die Arbeitszeit im Kalenderjahr, einschließlich der Tätigkeitszeiten des Arbeitnehmers spezielle Bedingungen Arbeit, die das Recht auf Vorruhestand gibt.
Zur Informationsaufbereitung können Sie die Software nutzen, die auf der offiziellen Website der Pensionskasse im Abschnitt „Für Arbeitgeber“ im Unterabschnitt „ Kostenlose Programme, Formulare und Protokolle".
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Beim Malen müssen Sie eine bestimmte Reihenfolge einhalten. Typischerweise beginnt ein Künstler mit der Arbeit an einem Gemälde oder Wandgemälde, indem er mehrere kleinformatige Skizzen anfertigt, in denen er seine Idee konkretisiert. Zum gleichen Zweck kann er Skizzen aus dem Leben anfertigen.Dann zeichnet der Künstler das zukünftige Gemälde. Hierzu kann er einen Bleistift, Kohle oder dünn verdünnte Farbe und einen dünnen Pinsel verwenden. Für den Fall, dass die Zeichnung auf eine bestimmte Oberfläche übertragen werden muss, besteht die Möglichkeit, sogenanntes „Pauspapier“ oder „Karton“ herzustellen. Manchmal überspringen Künstler diesen Arbeitsschritt und beginnen sofort ohne Vorzeichnung mit dem Malen.
Es gibt viele Möglichkeiten, Farbe auf ein Flugzeug aufzutragen. Manche Künstler bevorzugen die Lasurtechnik: Sie tragen dünne transparente Schichten auf die getrocknete Farbschicht auf. Andere erreichen die gewünschte Farbgebung sofort in einem Anstrich, andere wiederum nutzen einzelne Striche. 
Der Künstler kann gleichzeitig zeichnen, komponieren, Formen formen und Raum und Farbe vermitteln. So arbeitete P. Cezanne gern, besonders wenn er seine Landschaften oder Stillleben nach dem Leben malte.
Allerdings steht dieser Weg nicht jedem offen. Sie müssen über ein ausgezeichnetes visuelles Gedächtnis, präzises Zeichnen, kompositorisches Denken und einen tadellosen Sinn für Farben verfügen.
Die meisten Künstler ziehen es vor, vom Allgemeinen zum Besonderen zu arbeiten, indem sie nach und nach die Hauptfarbe der Objekte auftragen und die Modellierung des Volumens überwachen. Anschließend klären sie die Farbnuancen, Farbreflexe und die Gesamtfarbgebung des Bildes. Im letzten Schritt gehen sie wieder zur Verallgemeinerung über. Um die Integrität der Arbeit zu erreichen, können Sie unnötige Details entfernen, Kontraste abschwächen und das Wesentliche hervorheben. So liebte der wunderbare Künstler A. A. Ivanov seine Arbeit. Er leistete viele Vorarbeiten, bevor er das Gemälde „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“ schuf. Neben diesem Gemälde sind zahlreiche Bildstudien ausgestellt Tretjakow-Galerie, helfen dabei, die kreative Suche des Autors zu verfolgen.
IN bildungs Gründe Besser ist es, nacheinander an einer Bildkomposition zu arbeiten. Die Aussagen der Meister am Ende dieses Buches werden Ihnen helfen, einige der Geheimnisse und Mysterien der Malerei kennenzulernen.
Maler vermitteln mit Hilfe von Farben die Schönheit der Welt um sie herum. Sie können einen beliebigen Untergrund wählen: Leinwand, Papier, Pappe, Pappe, Wand usw. Der Untergrund wird normalerweise mit speziellen Verbindungen grundiert. Maler verwenden eine Vielzahl von Farben: Gouache, Aquarell, Öltempera usw. Werden die Farben auf den Untergrund aufgetragen? Rund- und Flachbürsten unterschiedlicher Stärke. Manchmal verwenden sie dafür ein Spachtel, einen Lappen oder tragen die Farbe sogar mit den Fingern auf, aber es ist immer noch besser, Kunstwerke mit Spezialwerkzeugen als mit improvisierten Mitteln zu schaffen. Die Schreibtechnik und ihre Eigenschaften hängen maßgeblich von den Eigenschaften von Farben, Lösungsmitteln und Werkzeugen ab.
Der Begriff „Malerei“ (didaktische Einheit).
1.Welche dieser Farben ist nicht „warm“:
A) gelb;
B) rot;
B) Orange;
D) blau
2. Welche Definition passt am besten zum Konzept der „Luftperspektive“:
A) die Kunst, den dreidimensionalen Raum auf einer Ebene darzustellen;
B) Änderung der Größe von Objekten in Abhängigkeit von ihrer Entfernung vom Beobachtungspunkt;
C) eine Änderung der Farbe eines Objekts in Abhängigkeit von seiner Entfernung vom Beobachtungspunkt;
D) proportionale Änderung von Objekten.
3. Primärfarben sind
A) rot, lila, grün;
B) rot, blau, gelb;
B) gelb, blau, grün;
D) gelb, blau, orange.
4. Harmonische Kombination, Verbindung, klangliche Vereinigung verschiedene Farben auf dem Bild heißt es:
A) Lokalkolorit
B) Farbe
B) Kontrast
5. Beim Malen müssen Sie die folgende Reihenfolge einhalten:
A) vom Allgemeinen zum Besonderen;
B) von kalt nach warm;
B) von hell nach dunkel.
6. Welche Art von Beleuchtung lässt Form, Volumen und Textur der abgebildeten Objekte nicht erkennen?
A) von hinten beleuchtet
B) frontal
B) seitlich
7. Welche Form der Malerei kann das Volumen von Objekten im Raum und ihre Beziehung zu ihnen vermitteln? Umfeld.
A) abstrakt
B) dekorativ
B) realistisch
8. Welche Phase kann beim Schreiben einer kurzfristigen Kopfskizze vernachlässigt werden?
A) Formen
B) Farbton-Ton-Beziehungen
B) Ausarbeitung von Details
9. Die Art der Malerei basiert auf dem Prinzip der Stilisierung:
A) realistisch
B) dekorativ
B) abstrakt
10. Eine Art Malerei, die auf einer nichtfigurativen Farbkomposition basiert.
A) dekorativ
B) abstrakt
B) realistisch
11. Schreiben Sie das Leben, schreiben Sie lebendig, d.h. Die Realität vollständig und überzeugend zu vermitteln bedeutet:
Ein Gemälde
B) Zeichnen
B) DPI
12. Aus dem Leben heraus geleistete Arbeit ist:
Ein Sketch
B) Skizze
13. Welcher Winkel ist bei der Erstellung einer Kopfskizze am vorteilhaftesten für die Volumenvermittlung:
A) vorne
B) Profil
B) drei Viertel
14. Bestimmte etablierte Systeme von Arbeitsmethoden, die von verschiedenen entwickelt wurden nationale Schulen.
A) Maltechnik
B) Materialien Gouachemalerei
15. Das Zeichnen für die Gouachemalerei erfolgt normalerweise6
A) Kohle
B) Filzstift
B) Bleistift
16. Wie lange dauert es, bis sich der Zustand der Natur vollständig ändert, wenn man an einer Landschaft nach dem Vorbild der Natur arbeitet:
A) zwei Stunden
B) vier Stunden
B) dreißig Minuten
17. Harmonische Zustände, Zusammenhänge, tonale Kombination verschiedener Farben in einem Bild sind:
Eine Farbe
B) Leichtigkeit
B) monochrom
18. Die Hauptfarbe eines Objekts ohne Berücksichtigung äußerer Einflüsse ist:
A) Reflex
B) Lokalkolorit
B) Halbton
19. Die Hauptaufgaben der realistischen Malerei:
A) Schreiben Sie lebendig und einprägsam
B) in Beziehungen schreiben
B) mehr Farbe verwenden
20. Welcher der folgenden Verdünner wird in der Gouachemalerei verwendet:
Ein Wasser
B) Terpentin
B) Aceton
21. Was ist der wichtigste Schritt beim Verfassen einer Studie über einen Staat:
A) Einzelheiten ausarbeiten
B) Farbbeziehungen
B) Formen
22. Wo beginnt die Arbeit? Bildskizze:
A) Einzelheiten ausarbeiten
B) Layout im Format
B) Bau
D) Darlegung der grundlegenden Farb- und Tonverhältnisse
23. Welche dieser Farben gehört nicht zur unbunten Gruppe:
Ein weißer
B) lila
B) grau
D) schwarz
24. Wenn der Künstler nur darstellt Meereslandschaften, dann heißen sie:
A) „Marinami“
B) „Swetlana“
B) „Elena“
25. Die Überlagerung einer Farbschicht mit einer anderen heißt:
A) Glasur
B) alla prima
B) roh
26.Welche Farbe ist nicht chromatisch:
A) rot
B) weiß
B) blau
D) blau
27. Auf Schwarz erscheint Grau heller und auf Weiß dunkler. Dieses Phänomen heißt:
A) Lichtkontrast
B) Farbe
B) Farbkontrast
28. Das Malen einer komplexen plastischen Form – des Kopfes des Dargestellten – sollte auf Wissen basieren:
A) anatomische Struktur des Schädels
B) Kunstgeschichte
B) lineare Perspektive
29. Der Reflex in Bezug auf den beleuchteten Teil des Kopfes des Dargestellten ist immer:
Ein Feuerzeug
B) dunkler
B) genau das Gleiche
30. Malverfahren, bei dem die Farbe jedes einzelnen Details der Produktion sofort übernommen wird volle Macht, in einer Ebene, heißt:
A) Glasur
B) roh
B) „alaprima“
31. Wählen Sie die richtige Reihenfolge:
A) Verallgemeinerung, Anordnung, Formung, Konstruktion
B) Layout, Formen, Konstruktion, Verallgemeinerung
C) Konstruktion, Layout, Formen, Verallgemeinerung
D) Layout, Konstruktion, Formen, Verallgemeinerung.
ANTWORTEN AUF MALERTESTS
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Regel der Bewegungsübertragung. Ein Objekt in einem Gemälde scheint sich unter den folgenden Bedingungen zu bewegen:
* wenn die Kardine eine oder mehrere diagonale Linien verwendet, Bewegungsrichtungen; *wenn Sie vor einem sich bewegenden Objekt freien Platz lassen;
*Wenn Sie einen bestimmten Moment der Bewegung wählen, der ihren Charakter am deutlichsten widerspiegelt, ist dies ihr Höhepunkt.
Darüber hinaus wirkt das Bild bewegt, wenn es nicht nur einen Moment der Bewegung, sondern die aufeinanderfolgenden Phasen wiedergibt. Zum Beispiel auf dem altägyptischen Relief. Jede der Figuren ist in einer bestimmten Position eingefroren, aber wenn man die Komposition im Kreis betrachtet, sieht man die Abfolge in Bewegung.
Bewegung ist nur verständlich, wenn man das Werk als Ganzes betrachtet und nicht einzelne Bewegungsmomente. Der freie Raum vor einem sich bewegenden Objekt ermöglicht es, die Bewegung gedanklich fortzusetzen, als würde er uns einladen, uns mit ihm zu bewegen.
In einem anderen Fall, wenn das Objekt zu nahe am Blattrand abgebildet ist, scheint es, dass die Bewegung nicht fortgesetzt werden kann.
Sie können die Bewegung hervorheben, indem Sie die Richtung der Zeichenlinien verwenden. Zum Beispiel, wenn alle Linien tief in das Blatt hinein gerichtet sind. Die Ausdruckskraft der Bewegung wird dadurch erreicht, dass der Held im Moment der höchsten Anspannung seiner Kräfte dargestellt wird. Ein unscharfer Hintergrund vermittelt auch ein Gefühl von Bewegung. unklare, unscharfe Umrisse von Objekten. Große Menge vertikal oder horizontale Linien Der Hintergrund kann die Bewegung verlangsamen.
Durch eine Änderung der Bewegungsrichtung wird die Bewegung manchmal beschleunigt oder verlangsamt. Das Besondere an unserer Vision ist das. Dass wir Text von links nach rechts lesen und Bewegungen von links nach rechts leichter wahrnehmbar sind, scheint schneller zu sein.
Statische Übertragungsregel. Die Zusammensetzung gilt unter den folgenden Bedingungen als statisch;
*wenn im Bild keine diagonalen Richtungen vorhanden sind;
wenn Objekte in ruhigem (statischem) Saxofon dargestellt werden, gibt es keinen Höhepunkt der Handlung;
wenn die Komposition symmetrisch, ausgewogen oder auf der Grundlage einfacher geometrischer Muster (Dreieck, Kreis, Oval, Quadrat, Rechteck) aufgebaut ist.
Unter anderen Bedingungen kann in einem Kunstwerk ein Gefühl der Ruhe entstehen.
In K. Korovins Gemälde „Im Winter“ beispielsweise steht das Pferd mit dem Schlitten trotz diagonaler Richtungen ruhig, es gibt aus folgenden Gründen kein Bewegungsgefühl: Die geometrischen und kompositorischen Zentren des Bildes fallen zusammen, die Die Zusammensetzung ist ausgewogen und der freie Raum vor dem Pferd wird durch einen Baum blockiert.
Identifizierung der Handlung und des kompositorischen Zentrums: Bei der Erstellung einer Komposition ist es notwendig, zu bestimmen, was die Hauptsache im Bild sein soll, und darauf zu achten, wie diese Hauptsache hervorgehoben werden kann, d „visuelle Mitte“ des Bildes.
Natürlich ist nicht alles in einer Handlung gleich wichtig und kleinere Teile sind der Hauptsache untergeordnet. Im Zentrum der Komposition stehen die Handlung, die Haupthandlung und die Haupthandlung Figuren.
Das Kompositionszentrum soll vor allem Aufmerksamkeit erregen. Das Zentrum wird durch Beleuchtung, Farbe, Bildvergrößerung, Kontraste und andere Mittel hervorgehoben.
Nicht nur in Werken der Malerei, sondern auch in der Grafik, Skulptur, dekorative Künste Der Architektur wird ein kompositorisches Zentrum zugewiesen. Beispielsweise bevorzugten Renaissance-Meister, dass das Kompositionszentrum mit der Mitte der Leinwand zusammenfiel.
Durch diese Platzierung der Hauptfiguren wollten die Künstler deren wichtige Rolle und Bedeutung für die Handlung hervorheben.
Künstler haben sich viele Möglichkeiten für den Aufbau eines Gemäldes ausgedacht, indem sie die Mitte der Komposition an einer beliebigen Stelle auf der Leinwand platzieren. Diese Technik wurde erfolgreich eingesetzt, um Bewegung, die Dynamik der Ereignisse und die schnelle Entwicklung der Handlung in V. Surikovs Gemälde „Boyaryna Morozova“ zu vermitteln.
Rembrandts Gemälde „Rückkehr“ verlorene Sohn„ist ein klassisches Beispiel für eine Komposition, bei der die Hauptsache stark aus der Mitte verschoben wird, um die Hauptidee des Werkes möglichst genau zu offenbaren.
Die Handlung dieses Bildes ist von einem Evangeliumsgleichnis inspiriert. An der Schwelle ihres Hauses trafen sich Vater und Sohn, als sie nach einer Reise um die Welt zurückkehrten. Die Lumpen eines Wanderers bemalen. Rembrandt scheint eine Geschichte über den schwierigen Weg zu erzählen, den sein Sohn zurückgelegt hat.
Man kann noch lange darauf zurückblicken und das Leid der Verlorenen mitfühlen. Die Tiefe des Raumes entsteht durch die konsequente Abschwächung der Licht- und Schattenkontraste sowie der Farbkontraste, ausgehend vom Vordergrund. Tatsächlich besteht es aus den Gestalten von Zeugen der Siena der Bitte, die sich allmählich in der Dämmerung auflösen.
Als Zeichen der Vergebung legte der blinde Vater seinem Sohn die Hände auf die Schultern. Diese Geste beinhaltet Weisheit, Schmerz und Melancholie, angesammelt über Jahre voller Angst und Vergebung. Rembrandt hebt mit Licht das Wesentliche im Bild hervor und lenkt unsere Aufmerksamkeit darauf.
Das kompositorische Zentrum liegt fast am Bildrand. Der Künstler gleicht die Komposition mit der rechts stehenden Figur seines ältesten Sohnes aus. Die Platzierung des semantischen Hauptzentrums auf einem Drittel des Höhenabstands entspricht dem Gesetz des Goldenen Schnitts.
Seit der Antike wird es von Künstlern genutzt, um die größtmögliche Ausdruckskraft ihrer Werke zu erreichen.
Die Regel des Goldenen Schnitts in der Komposition(ein Drittel). Um das kompositorische Zentrum zu identifizieren, wird das wichtigste Element des Bildes entsprechend den Proportionen des Goldenen Schnitts platziert, also ungefähr im Abstand vom Ganzen. Die proportionalen Seitenverhältnisse der abgebildeten Objekte und der Leinwand selbst müssen sein auf der Grundlage des Goldenen Schnitts gebaut, um Harmonie zu erreichen.
Gemälde mit zwei bzw Große anzahl Kompositionszentren ermöglichen es Ihnen, mehrere Ereignisse anzuzeigen, die gleichzeitig auftreten und von gleicher Bedeutung sind.
Schauen wir uns Velazquez‘ Gemälde „Las Meninas“ und sein Diagramm an. Ein kompositorischer Mittelpunkt des Bildes ist die junge Infantin. Die Hofdamen, die Meninas, beugten sich zu beiden Seiten zu ihr. In der geometrischen Mitte der Leinwand befinden sich zwei kontrastierende Punkte gleicher Form und gleicher Größe. Sie sind gegensätzlich, wie Tag und Nacht, einer ist weiß, der andere ist schwarz – das sind zwei Auswege Außenwelt– ein weiteres kompositorisches Zentrum des Bildes.
Ein Ausgang ist eine von der Sonne beleuchtete Tür. Das andere ist ein Spiegel, in dem sich das Königspaar spiegelt. Der zweite Ausgang kann als Ausgang nach wahrgenommen werden säkulare Gesellschaft. Der Kontrast zwischen den hellen und dunklen Prinzipien im Gemälde kann als Streit zwischen dem Künstler und dem Herrscher verstanden werden.
Die vom Künstler dargestellten Charaktere sind so zahlreich, dass ein fantasievoller Betrachter Porträts schaffen kann, die durch Ähnlichkeit oder Kontrast miteinander verbunden sind (der Künstler und der König, die Höflinge und die Elite, Schönheit und Hässlichkeit, Kind und Eltern, Menschen und Tiere). ).
In einem Bild können Sie mehrere Methoden gleichzeitig anwenden, um das Wesentliche hervorzuheben.
Beispielsweise kann die Technik der „Isolation“ (Abbildung der Hauptsache isoliert von anderen Objekten) verwendet werden, die die Hauptsache in Größe und Farbe hervorhebt.
Es ist wichtig, die Techniken zur Hervorhebung des handlungskompositionellen Zentrums nicht formell, sondern auf informelle Weise anzuwenden. Zu der beste Weg offenbaren die Absicht und den Inhalt der Arbeit.
Symmetrie und Asymmetrie in einer Komposition übertragen. Künstler verschiedene Epochen verwendete einen symmetrischen Aufbau des Bildes. Viele antike Mosaike waren symmetrisch. Maler der Renaissance bauten ihre Kompositionen oft nach den Gesetzen der Symmetrie. Diese Konstruktion vermittelt den Eindruck von Frieden, Majestät, besonderer Feierlichkeit und Bedeutung der Ereignisse. In einer symmetrischen Komposition sind Personen oder Gegenstände nahezu spiegelbildlich zur Mittelachse des Bildes angeordnet.
Symmetrie in der Kunst basiert auf der Realität, die voller symmetrischer Formen ist.
Beispielsweise sind eine menschliche Figur, ein Schmetterling, eine Schneeflocke usw. symmetrisch angeordnet. Symmetrische Kompositionen sind statisch (stabil), die linke und rechte Hälfte sind ausgeglichen.
In einer asymmetrischen Komposition kann die Anordnung der Objekte je nach Handlung und Absicht des Werkes sehr unterschiedlich sein; die linke und rechte Hälfte sind nicht ausbalanciert.
Gleichgewicht in der Komposition übertragen. Bei einer symmetrischen Komposition sind alle Teile ausgewogen; eine asymmetrische Komposition kann ausgeglichen oder unausgeglichen sein. Ein großer heller Fleck wird durch einen kleinen dunklen ausgeglichen.
Viele kleine Flecken können durch einen großen ausgeglichen werden. Es gibt viele Optionen: Die Teile sind nach Gewicht, Rasse und Farbe ausbalanciert. Balance betrifft sowohl die Figuren selbst als auch die Räume zwischen ihnen.
Durch spezielle Übungen wird der Gleichgewichtssinn in der Komposition gefördert. Man muss lernen, große und kleine Mengen, hell und dunkel, verschiedene Silhouetten und Farbflecken auszubalancieren. Hier ist es hilfreich, sich an Ihre Erfahrungen beim Finden des Gleichgewichts auf einer Schaukel zu erinnern.
Jeder kann leicht herausfinden, dass ein Teenager ausgeglichen werden kann, indem man zwei Kinder am anderen Ende der Schaukel platziert. Und das Baby kann auch mit einem Erwachsenen schaukeln, der nicht am Rand der Schaukel, sondern näher an der Mitte sitzt.
Das gleiche Experiment kann mit Waagen durchgeführt werden. Solche Vergleiche helfen dabei, verschiedene Teile des Bildes in Größe, Ton und Farbe auszugleichen, um Harmonie zu erreichen, also ein Gleichgewicht in der Komposition zu finden.
Bei einer asymmetrischen Komposition fehlt das Gleichgewicht manchmal völlig, wenn das semantische Zentrum näher am Bildrand liegt. Der Eindruck des Gemäldes verändert sich, wenn man sein Spiegelbild betrachtet. Auch diese Eigenschaft unserer Vision muss bei der Ausgewogenheit der Komposition berücksichtigt werden.
Kompositionsregeln, -techniken und -mittel basieren auf der reichen kreativen Erfahrung von Künstlern vieler Generationen, aber die Kompositionstechnik steht nicht still, sie entwickelt sich ständig weiter und wird durch die kreative Praxis neuer Meister bereichert. Manche Kompositionstechniken werden zu Klassikern, es tauchen aber auch neue auf, da das Leben der Kunst andere Aufgaben stellt.
3 . Gouache als eines der Materialien und Maltechniken
3.1 Malkunstmaterialien und Arbeitstechniken
Maler vermitteln die Schönheit der umgebenden Welt mit Hilfe von Farben: Gouachen, Aquarellfarben, Tempera, Ölfarben usw. Sie können einen beliebigen Untergrund wählen: Leinwand, Papier, Pappe, Karton, Wand usw. Der Untergrund wird normalerweise mit speziellen Verbindungen grundiert . Mit Rund- und Flachpinseln unterschiedlicher Stärke werden Farben auf den Untergrund aufgetragen. Manchmal wird hierfür ein Spachtel verwendet. Messer. ein Lappen, sogar ein Finger, aber es ist immer noch besser, Spezialwerkzeuge statt improvisierter Mittel zu verwenden.
Die Farben werden auf eine Palette gegeben und gemischt, um den gewünschten Farbton zu erhalten. Eine Palette ist ein kleines dünnes Brett in rechteckiger, ovaler oder anderer Form. Ölpalette Malerei hauptsächlich aus Holz hergestellt und für die Arbeit Aquarell und Gouache-- aus weißem Kunststoff, teilweise mit Aussparungen für Farben. Manchmal benutze ich es als Palette! weiße Untertasse, Fliese oder Blatt Papier. Die Liste der Farben, die ein Künstler verwendet, wird auch Palette genannt. In dieser Bedeutung steht der Begriff „Palette“ dem Begriff „Farbe“ nahe.
Die Schreibtechnik und ihre Eigenschaften hängen maßgeblich von den Eigenschaften von Farben, Lösungsmitteln und Werkzeugen ab. Vor spätes XVII -- Anfang des 18. Jahrhunderts V. Künstler und Lehrlinge fertigten die Farben selbst an; dies wurde in der Regel den Schülern anvertraut. Sie zerkleinerten Steine zu Pulver und vermischten es mit Leim, Öl oder Ei. Durch die industrielle Herstellung von Farben ist die Farbpalette vielfältiger geworden.
Malerfarben haben besondere Namen. Sehr oft werden diese Namen mit den chemischen oder natürlichen Elementen (Mineralien, Pflanzen) in Verbindung gebracht, aus denen sie hergestellt sind. Die Basis aller Farben sind Pigmente – das sind verschiedene Farbstoffe bzw. Farbstoffe. Sie sind mineralisch, chemisch, organisch(tierischer oder pflanzlicher) Herkunft. Zur Herstellung von Farben werden Pigmente fein zu Pulver gemahlen und mit Bindemitteln (Öl, Leim etc.) vermischt. Organische Pigmente haben eine geringere Festigkeit als mineralische. Heutzutage werden hauptsächlich künstliche Pigmente verwendet, da diese am haltbarsten sind.
Der Name von Farben leitet sich häufig von dem Bindemittel ab, mit dem sie hergestellt wurden. Zum Beispiel die Basis Ölfarben- Leinsamen oder ein anderes Öl. Klebefarben sind Aquarell, Gouache, Tempera. Lassen Sie sich von uns etwas ausführlicher über die Klebefarben informieren, da diese in der Praxis des Kunstunterrichts an Pädagogischen Hochschulen und in Grundschulen am häufigsten verwendet werden.
Gouache- deckende (Körper-, Deck-)Farbe, die mit Wasser verdünnt wird. Ein mit solchen Farben hergestelltes Kunstwerk wird auch „Gouache“ genannt. Gouachefarben werden aus Pigmenten und Leim unter Zusatz von Weiß hergestellt. Anders als beim Aquarell ist die auf Papier aufgetragene Farbschicht nicht transparent, sondern matt, dicht, mit einer samtigen Oberfläche, die durch eine Beimischung von Weiß verliehen wird. Beim Trocknen werden die Gouachefarben etwas weißlich (aufgehellt), was der Künstler beim Zeichenvorgang berücksichtigen muss. Gouachefarben sind leuchtend, Korrekturen sind während der Arbeit möglich, einfach eine andere Farbe auf die fehlerhafte Stelle auftragen. Dunkle Farben kann mit leichten abgedeckt werden. Um einen helleren Ton zu erhalten, wird der Gouache Weiß zugesetzt.
3. 2 Die Reihenfolge der Ausführung eines Gemäldes
Beim Erstellen eines Gemäldes müssen Sie eine bestimmte Reihenfolge einhalten. Typischerweise beginnt der Künstler die Arbeit an einem Gemälde oder Wandgemälde mit mehreren kleinen Kompositionsskizzen, in denen die Idee konkretisiert wird. Zum gleichen Zweck kann er Skizzen aus dem Leben anfertigen.
Um ein interessantes Gemälde zu schaffen, müssen Sie lernen, das Leben um Sie herum zu sehen. interessante Veranstaltungen, Charaktere, Motive, Perspektiven und Zustände. Das ständige Anfertigen von Skizzen, Skizzen und Skizzen aus der Natur entwickelt nicht nur das Auge und die Hand, sondern auch das kompositorische Denken.
Ein interessantes Kompositionsmotiv im Leben zu erkennen, ist nicht so einfach. Abhilfe schafft dabei ein Sucherrahmen, den man einfach selbst herstellen kann. Die Hauptsache ist, dass die gegenüberliegenden Seiten beweglich bleiben. Dann ist es möglich, das Format leicht zu ändern und den Kreis der im Sichtfeld enthaltenen Objekte zu vergrößern oder zu verkleinern. Wenn kein Rahmen vorhanden ist, können Sie Ihre Handflächen einfach wie in der Abbildung gezeigt falten.
Auch die Auswahl des ausdrucksstärksten Themas für eine Komposition ist keine leichte Aufgabe. Hunderte von Menschen nehmen die gleiche Geschichte auf unterschiedliche Weise wahr und interpretieren sie, das heißt, sie kreieren ihre eigene Version. Unter Handlung müssen wir verstehen, was der Künstler direkt auf der Leinwand darstellt, aber der Inhalt oder das Thema kann viel umfassender sein, das heißt, es können Werke mit unterschiedlichen Handlungssträngen zum gleichen Thema geschaffen werden.
Es ist wichtig, dass Sie versuchen, sich das zukünftige Bild vorzustellen, bevor Sie mit dem Bild beginnen. In der Regel fertigt der Künstler zunächst mehrere kleine Skizzen an, um die ausdrucksstärkste Komposition zu finden. In dieser Phase werden das Format des Gemäldes (vertikal länglich, rechteckig, quadratisch, horizontal länglich usw.) und seine Größe festgelegt.
Das nach oben verlängerte Format verleiht dem Bild ein Gefühl von Harmonie und Erhabenheit. Das horizontale Rechteckformat eignet sich zur Darstellung epischer Action. Wir haben bereits gesagt, dass ein Format, das sich an den Proportionen des Goldenen Schnitts orientiert, gut für die Darstellung eines breiten Landschaftsmotivs geeignet ist. Das Format, das durch die Vergrößerung des Quadrats um die volle Diagonale entsteht, eignet sich gleichermaßen für die Darstellung von Landschaften, Stillleben und thematischen Kompositionen.
Eine übermäßige Vergrößerung des vertikalen Formats verwandelt das Bild in eine Schriftrolle, und eine übermäßige Vergrößerung des horizontalen Formats erfordert die Verwendung einer Panorama- oder Frieskomposition. Bei der Formatwahl sollten Sie die Lage der Hauptobjekte der Komposition – horizontal oder vertikal, die Entwicklung der Handlung – von links nach rechts, in die Tiefe des Bildes usw. berücksichtigen.
Das quadratische Format eignet sich am besten für die Erstellung ausgewogener, statischer Kompositionen, da diese gedanklich auf gleiche Mittelachsen und gleiche Seiten der Bildränder bezogen sind.
Die Komposition in einem Oval und einem Kreis ist relativ zu gedachten, zueinander senkrechten Mittelachsen aufgebaut. Der obere und untere Rand des Bildes sollten hier klar definiert sein. Das Oval wird häufig als Format für Porträts verwendet, da diese Konfiguration gut mit dem Oval korreliert menschliches Gesicht oder die Kontur des Brustbildes.
Künstler verwenden auch Formate mit komplexen Konfigurationen, die aus einer Kombination zweier geometrischer Formen bestehen, beispielsweise einem Halbkreis und einem Rechteck.
Die Skizze zeigt das allgemeine Kompositionsschema, die Lage und die Beziehung der Hauptfiguren ohne detaillierte Zeichnung. Eine Ton- und Farbgestaltung der Skizze ist möglich. Als nächstes geht es zum Zeichnen der Komposition und dann zu ihrer bildlichen Verkörperung.
Ein von interessante Etappen Werke - Sammlung von Naturmaterial: Beobachtungen des umliegenden Lebens, Skizzen und Skizzen des Hauses und der Straße, je nach gewähltem Grundstück. Sie können Naturmaterial direkt nach der Auswahl eines Motivs sammeln oder dies nach der ersten Skizze der Komposition tun.
Anschließend zeichnet der Künstler mit Bleistift, Kohle oder dünn verdünnter Farbe und einem dünnen Pinsel das zukünftige Gemälde. Wenn die Zeichnung auf eine Oberfläche übertragen werden soll, besteht die Möglichkeit, sogenanntes Pauspapier oder Karton herzustellen. Wenn in der Zeichnung etwas nicht klappt, können Sie noch einmal zu den Skizzen zurückgreifen, die Details herausarbeiten, die Schwierigkeiten verursacht haben, und die Zeichnung dann mit dem gesammelten Naturmaterial verfeinern. Sie können sogar eine neue Kompositionsskizze erstellen. Unter Berücksichtigung der fertigen Skizzen und Skizzen aus dem Leben klären Sie den Plan.
Danach geht es weiter zur bildnerischen Lösung der Leinwand. Zunächst erfolgt eine Untermalung mit dünn verdünnten Farben, bei der die allgemeinen Farb- und Tonverhältnisse von Objekten sowie deren Lokalfarbe ermittelt werden. Dann beginnen sie mit der Hauptphase – dem eigentlichen Bemalen der Leinwand. Am besten arbeitet man vom Allgemeinen zum Konkreten, indem man nach und nach die Hauptfarbe der Objekte aufträgt und das Volumen fein modelliert. Es gilt, Farbkontraste und -nuancen, Farbreflexe und die Gesamtfarbgebung des Bildes zu klären. Im letzten Schritt gehen sie wieder zur Verallgemeinerung über. Um die Integrität der Arbeit zu erreichen, sollten unnötige Elemente entfernt, Kontraste abgeschwächt und das Wesentliche hervorgehoben werden.
Die aufgeführten Phasen zur Fertigstellung eines Gemäldes sind insbesondere für pädagogische Zwecke sehr wichtig. Es kommt jedoch vor, dass Künstler die eine oder andere Bühne verweigern. Jeder arbeitet anders. Manche fertigen eine detaillierte Skizze an, andere schreiben gleich, ohne vorherige Bleistiftzeichnung. Jemand sucht beharrlich in der Natur nach allem, was für das Bild flog, macht Skizzen in verschiedenen Naturzuständen, zeichnet Dargestellte in entsprechenden Kostümen und Posen, studiert das notwendige historische oder kunsthistorische Material. Ein anderer Künstler vertraut mehr auf sein visuelles Gedächtnis und seine Vorstellungskraft und weigert sich generell, die Natur zu studieren.
Ein Künstler kann gleichzeitig zeichnen, komponieren, eine Form formen und Raum und Farbe vermitteln. So arbeitete P. Cezanne gern, besonders wenn er seine Landschaften oder Stillleben nach dem Leben malte. Allerdings steht dieser Weg nicht jedem offen. Sie müssen über ein ausgezeichnetes visuelles Gedächtnis, präzises Zeichnen, kompositorisches Denken und einen tadellosen Sinn für Farben verfügen.
Die meisten Künstler ziehen es vor, alle notwendigen Schritte zur Erstellung eines Gemäldes durchzuführen. So liebte L.A. Ivanov die Arbeit. Für das Gemälde „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“ leistete er enorme Vorarbeit. Zahlreiche in der Staatlichen Tretjakow-Galerie ausgestellte Bildskizzen helfen dabei, die kreative Suche des Autors nachzuvollziehen.
Alles oben Genannte zur Arbeit an einem Gemälde sollte nicht als dauerhafte, verbindliche und unveränderliche Reihenfolge verstanden werden. Das Befolgen der Regeln hilft jedoch, gute Ergebnisse zu erzielen und Fähigkeiten zu meistern.
3. 3 Methoden zur Bearbeitung eines Stilllebengemäldes
Malerei Gouache-Farbkomposition
Das Malen von Stillleben ist im Bildungsprozess von grundlegender Bedeutung. Dies ist eine notwendige Phase in der Entwicklung der Hand und des Auges, der Entwicklung des Farbsinns und der Integrität des Sehvermögens. Durch Stillleben lernt man echte Welt in seiner ganzen Vielfalt. Ein Stillleben ist keine zufällige Ansammlung von Objekten. Ein aktiver Umgang mit der Natur und ein Sinn für Schönheit sollten in jeder Phase zum Ausdruck kommen
Bildfolge eines Stilllebens mit Haushaltsgegenständen: Erste Stufe. Anfertigen einer detaillierten Zeichnung eines Stilllebens mit dünnen Linien, Ermittlung der grundlegenden Proportionsverhältnisse und Gestaltung von Objekten.
Zweite Phase. Untermalung durchführen. Die erste Verlegung lokaler Farben von Gegenständen und Vorhängen. Die Farbe von Objekten wird auf einer Palette mit Weiß zusammengestellt.
Dritter Abschnitt. Identifizierung von Farb- und Tonbeziehungen. Ausarbeitung und Klärung von Details von hell nach dunkel und von dunkel nach hell. Mit Gouache können Sie Änderungen an der Arbeit vornehmen. Wenn etwas nicht funktioniert, überdecken Sie eine Farbe mit einer anderen. Zusammenfassung und Abschluss der Arbeiten.
Sequenz des Gouache-Landschaftsbildes: Erste Stufe. Zeichnen einer Landschaftskomposition. Die Pinselmalerei ist leicht und frei, wobei je nach Farbe des Gemäldes warme oder kühle Farbe verwendet wird.
Zweite Phase. Legen Sie die Hauptfarbe des Himmels, der Baumkronen und des Wassers fest. Übertragung korrekter Ton- und Farbverhältnisse.
Dritter Abschnitt. Details zeichnen, zusammenfassen und die Arbeit abschließen. Erreichen einer koloristischen Einheit der Landschaft.
3. 4 Methoden zur Bearbeitung eines bildlichen Bildes eines menschlichen Kopfes
Die Malerei des menschlichen Kopfes basiert auf allgemeine Grundsätze Bildhafte Bilder schaffen. Bleiben wir bei einigen stehen methodische Merkmale Durchführung von Kopfstudien. Die Aufgaben bei der Darstellung des Kopfes bestehen darin, seine Struktur zu vermitteln, die Form mit Farbe zu modellieren und die individuellen Eigenschaften der Natur zu identifizieren. Es ist notwendig, den Farbreichtum der Lebenden zu vermitteln menschlicher Körper, die Verbindung des menschlichen Kopfes mit der Umwelt.
Eine Zeichnung zum Malen kann mit Bleistift, Kohle oder direkt mit einem Pinsel erstellt werden. Es ist notwendig, dünne Linien zu verwenden, um die strukturelle Struktur des Kopfes und seine Position im Raum zu vermitteln und die Grenzen von Licht und Schatten zu skizzieren.
Die Arbeit erfolgt wie immer vom Allgemeinen zum Besonderen: Zuerst werden die allgemeinen Ton- und Farbverhältnisse großer Flächen in der Untermalung bestimmt, dann wird die Form mit kleinen Strichen modelliert, die Details werden gezeichnet und schließlich In der letzten Phase wird alles verallgemeinert, um Integrität zu erreichen.
Es ist besser, mit der Arbeit am dunkelsten Ort in der Natur zu beginnen. Die Schatten im Gesicht sind sehr transparent. verbergen den strahlenden Teint fast nicht. Wenn man die beleuchteten Teile des Lautsprechers damit vergleicht, ist es einfacher, die Halbtöne zu finden. Weiße Farbe Papier ersetzt vorübergehend beleuchtete Flächen. Beeilen Sie sich nicht, jede Wimper auszuschreiben, wenn andere Teile des Gesichts noch nicht zumindest im Allgemeinen festgelegt wurden. Arbeiten Sie alle Teile der Natur gleichzeitig durch, arbeiten Sie mit der Methode der Beziehungen. Seien Sie beim Übertragen des Kopfvolumens vorsichtig. damit die Striche zur Form passen. Die subtile Farbvielfalt hängt von vielen Reflexen ab. Die Farbe des Gesichts und der Kleidung nimmt immer einen Komplementärton zur Hintergrundfarbe an.
Achten Sie in der letzten Phase der Arbeit genau auf die Ausdruckskraft der Silhouette des Kopfes, seinen Kontakt mit ([jung. An manchen Stellen ist es notwendig, die Konturlinien aufzulösen, an anderen im Gegenteil Machen Sie sie klarer. Wenn der Maler eine ganzheitliche Sicht auf die Natur hat, wird er das Werk korrekt ausführen.
Der Ablauf einer bildlichen Studie des Kopfes eines lebenden Modells: Erste Stufe. Zeichnen mit einem Pinsel. Skizzieren Sie die allgemeine Form des Kopfes und seine Position im Raum. Zeichnen Sie die Teile der Lippe und die Form der Frisur ohne unnötige Details.
Zweite Phase. Legen Sie die Grundfarbe von Gesicht, Haaren und Hintergrund fest und achten Sie dabei auf die richtigen Ton- und Farbverhältnisse.
Dritter Abschnitt. Details vorgeben, die Arbeit zusammenfassen und abschließen, Porträtähnlichkeit erreichen, den Charakter und das Bild des Modells vermitteln.
3. 5 Methoden zur Bearbeitung eines bildlichen Bildes einer menschlichen Figur
Aus pädagogischen Gründen wird die menschliche Figur von der Hüfte aufwärts und in voller Körpergröße dargestellt. Das Malen einer Figur erfordert Kenntnisse der plastischen Anatomie, der Perspektive und der Gesetze der Farbwissenschaft. Es ist sinnvoll, vor der Arbeit an einer bildlichen Darstellung einer menschlichen Figur mehrere Studien dieses Objekts mit einer Farbe (Grisaille) durchzuführen.
Gleich zu Beginn der Arbeit ist es wichtig, die Natur nicht nur zu pflanzen oder in eine bestimmte Pose zu bringen, sondern sie zu studieren Eigenschaften und Bewegungen, denken Sie über die Wahl des Kostüms nach. Daher empfiehlt es sich, bildliche Skizzen der Natur anzufertigen. Bei der Suche nach der erfolgreichsten kompositorischen Lösung in den Skizzen sollte man die plastische Platzierung der Figur im gewählten Format und die Gesamtfarbe festlegen. Der Charakter des Modells bestimmt die gesamte Komposition.
In der Untermalung werden die Grundlagen der Ton- und Farbgebung festgelegt. Um die volumetrischen, materiellen und räumlichen Qualitäten des Modells zu vermitteln, ist es außerdem notwendig, die Form mit Strichen zu modellieren und mit Beziehungen zu arbeiten.
Bei der Darstellung einer menschlichen Figur ist es zwingend erforderlich, Farbbeziehungen in Verbindung mit umgebenden Objekten und dem Hintergrund zu finden. Derselbe Vorhang erscheint neben dem beleuchteten Teil der Natur etwas dunkler und in der Nähe seiner dunklen Stellen etwas heller.
Im letzten Schritt sollten Sie auf die Material- und Textureigenschaften von Gesicht, Haaren und Kleidung achten. Das Gesicht und die Hände sind immer sorgfältiger ausgearbeitet als die Accessoires und der Hintergrund. Es ist wichtig, die Arbeit rechtzeitig abzuschließen, um Fragmentierung, übermäßige Ausarbeitung von Details und unvollständige Skizzen zu vermeiden. Es sind verschiedene kreative Ansätze zur Darstellung der menschlichen Figur möglich.
Der Ablauf einer bildlichen Skizze einer menschlichen Figur: Erste Stufe. Zeichnen mit einem Pinsel. Skizzieren Sie die allgemeine Bewegung der Figur, ihre Proportionen und Position im Raum. Zeichne Kopf und Hals. Risse, Arme, Beine ohne unnötige Details.
Zweite Phase. Die Grundfarbe des Körpers, der Haare, der Kleidung und des Hintergrunds festlegen und die richtigen Ton- und Farbverhältnisse vermitteln.
Dritter Abschnitt. Details zeichnen, die Arbeit zusammenfassen und abschließen, den Charakter und das Bild des Modells vermitteln.
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| SELBSTSTÄNDIGE ARBEIT Vorbereitung Abstracts zu Kursthemen | Einen Bericht vortragen |
||
| FUNKTIONIERT | QUELLEN | ||
Zusätzliche Informationen/Bericht. Bereitet sich im Voraus vor. Die Norm ist 1 Leistung pro Semester – von 3 bis 5 Punkten.
IV.| SCHRIFTLICHE ABSCHLUSSARBEITEN | GESAMTPUNKTZAHL | |
| Test (Punkte) | Test (Punkte) | |
MATERIAL
3.2.1. Aktuelle Kontrolle
Formen der Stromkontrolle: Bewertungsbewertung, Umsetzung des praktischen Unterrichts und selbstständige Aufgaben. Inhalte aktueller Kontrollaktivitäten: eine ungefähre Liste praktischer Unterrichts- und unabhängiger Aufgaben. Für praktische Kurse vorgestellt in methodische Empfehlungen für Studierende.OPD.F.04 Akademische Malerei
Das Konzept von „F“ und Malerei» (didaktische Einheit).
1.Welche dieser Farben ist nicht „warm“:
A) gelb;
B) rot;
B) Orange;
2. Welche Definition passt am besten zum Konzept der „Luftperspektive“:
A) die Kunst, den dreidimensionalen Raum auf einer Ebene darzustellen;
B) Änderung der Größe von Objekten in Abhängigkeit von ihrer Entfernung vom Beobachtungspunkt;
C) eine Änderung der Farbe eines Objekts in Abhängigkeit von seiner Entfernung vom Beobachtungspunkt;
D) proportionale Änderung von Objekten.
3. Primärfarben sind...
A) rot, lila, grün;
B) rot, blau, gelb;
B) gelb, blau, grün;
D) gelb, blau, orange.
4. Eine harmonische Kombination, Wechselbeziehung, tonale Kombination verschiedener Farben in einem Bild heißt:
A) Lokalkolorit
B) Farbe
B) Kontrast
5. Beim Malen müssen Sie die folgende Reihenfolge einhalten:
A) vom Allgemeinen zum Besonderen;
B) von kalt nach warm;
B) von hell nach dunkel.
6. Welche Art von Beleuchtung lässt Form, Volumen und Textur der abgebildeten Objekte nicht erkennen?
A) von hinten beleuchtet
B) frontal
B) seitlich
7. Welche Form der Malerei kann das Volumen von Objekten im Raum und ihre Beziehung zur Umgebung vermitteln?
A) abstrakt
B) dekorativ
B) realistisch
8. Welche Phase kann beim Schreiben einer kurzfristigen Kopfskizze vernachlässigt werden?
A) Formen
B) Farbton-Ton-Beziehungen
B) Ausarbeitung von Details
9. Die Art der Malerei basiert auf dem Prinzip der Stilisierung:
A) realistisch
B) dekorativ
B) abstrakt
10. Eine Art Malerei, die auf einer nichtfigurativen Farbkomposition basiert.
A) dekorativ
B) abstrakt
B) realistisch
11. Schreiben Sie das Leben, schreiben Sie lebendig, d.h. Die Realität vollständig und überzeugend zu vermitteln bedeutet:
Ein Gemälde
B) Zeichnen
12. Aus dem Leben heraus geleistete Arbeit ist:
13. Welcher Winkel ist bei der Erstellung einer Kopfskizze am vorteilhaftesten für die Volumenvermittlung:
B) Profil
B) drei Viertel
14. Bestimmte etablierte Systeme von Arbeitsmethoden, die von verschiedenen nationalen Schulen entwickelt wurden.
A) Maltechnik
B) Gouache-Malmaterialien
15. Das Zeichnen für die Gouachemalerei erfolgt normalerweise6
B) Filzstift
B) Bleistift
16. Wie lange dauert es, bis sich der Zustand der Natur vollständig ändert, wenn man an einer Landschaft nach dem Vorbild der Natur arbeitet:
A) zwei Stunden
B) vier Stunden
B) dreißig Minuten
17. Harmonische Zustände, Zusammenhänge, tonale Kombination verschiedener Farben in einem Bild sind:
Eine Farbe
B) Leichtigkeit
B) monochrom
18. Die Hauptfarbe eines Objekts ohne Berücksichtigung äußerer Einflüsse ist:
A) Reflex
B) Lokalkolorit
B) Halbton
19. Die Hauptaufgaben der realistischen Malerei:
A) Schreiben Sie lebendig und einprägsam
B) in Beziehungen schreiben
B) mehr Farbe verwenden
20. Welcher der folgenden Verdünner wird in der Gouachemalerei verwendet:
B) Terpentin
B) Aceton
21. Was ist der wichtigste Schritt beim Verfassen einer Studie über einen Staat:
A) Einzelheiten ausarbeiten
B) Farbbeziehungen
B) Formen
22. Wie beginnt die Arbeit an einer Bildskizze:
A) Einzelheiten ausarbeiten
B) Layout im Format
B) Bau
D) Darlegung der grundlegenden Farb- und Tonverhältnisse
23. Welche dieser Farben gehört nicht zur unbunten Gruppe:
B) lila
D) schwarz
24. Wenn der Künstler nur Seestücke darstellt, dann heißen sie:
A) „Marinami“
B) „Swetlana“
B) „Elena“
25. Die Überlagerung einer Farbschicht mit einer anderen heißt:
A) Glasur
B) alla prima
B) roh
26.Welche Farbe ist nicht chromatisch:
A) rot
D) blau
27. Auf Schwarz erscheint Grau heller und auf Weiß dunkler. Dieses Phänomen heißt:
A) Lichtkontrast
B) Farbe
B) Farbkontrast
28. Das Malen einer komplexen plastischen Form – des Kopfes des Dargestellten – sollte auf Wissen basieren:
A) anatomische Struktur des Schädels
B) Kunstgeschichte
B) lineare Perspektive
29. Der Reflex in Bezug auf den beleuchteten Teil des Kopfes des Dargestellten ist immer:
Ein Feuerzeug
B) dunkler
B) genau das Gleiche
30. Die Malmethode, bei der die Farbe jedes Details der Produktion sofort in einer Schicht mit voller Kraft aufgenommen wird, heißt:
A) Glasur
B) roh
B) „alaprima“
31. Wählen Sie die richtige Reihenfolge:
A) Verallgemeinerung, Anordnung, Formung, Konstruktion
B) Layout, Formen, Konstruktion, Verallgemeinerung
C) Konstruktion, Layout, Formen, Verallgemeinerung
D) Layout, Konstruktion, Formen, Verallgemeinerung.
ANTWORTEN AUF MALERTESTS
3.2.2. Endkontrolle
Formen der Endkontrolle: akademische BetrachtungFRAGEN ZUR PRÜFUNG
7. Semester
Welche Arten von Malerei gibt es?
Welche Rolle spielt Farbe als Ausdrucksmittel bei der Gestaltung von Objekten der angewandten und dekorativen Kunst?
Welche Rolle spielt das Zeichnen in der Malerei?
Was ist der Unterschied zwischen achromatischen und chromatischen Farben? Welche Farben werden Primärfarben genannt?
Wie sich Kontraste manifestieren: Ton, Farbe.
Was ist der Unterschied zwischen optischer Farbmischung und Farbmischung?
Welche Komplementär- und Kontrastfarbenpaare kennen Sie?
Was sind die Voraussetzungen für eine Vorskizze in Farbe?
Mit Hilfe von Licht, Schatten und Farbabstufungen kann man Volumen, Materialität von Formen und Textur von Objekten ausdrücken.
Welche Rolle spielt Licht in einer Gemäldeskizze?
Wie wirkt sich die Farbumgebung auf die Oberflächenfarbe eines Objekts aus?
Wie die Art von Blendung und Reflexionen von der Oberflächenbeschaffenheit von Formen in der Natur abhängt.
In welchem Teil des Formulars ist die lokale (Subjekt-)Farbe am deutlichsten lesbar?
Was zeichnet die Darstellung eines Stilllebens in der Grisaille-Technik aus?
So bestimmen Sie warme und kühle Farben auf der Oberfläche eines Objekts in Abhängigkeit von der Richtung der Lichtstrahlen.
Wo sollten Sie anfangen, die Farbe von Stilllebenobjekten zu registrieren – von den beleuchteten oder schattigen Bereichen der Form (Aquarell).
So erreichen Sie die Farb- und Toneinheit einer Skizze.
Wie die Gesetze und Regeln der Luftperspektive bei der Lösung von Malproblemen während der Arbeit an einer Skizze angewendet werden.
Wie verstehen Sie den Fachausdruck „Beziehungen annehmen“, „Beziehungen schreiben“?
Wie Volumen und räumliche Lage von Objekten auf der Bildebene vermittelt werden und welche Rolle der eigene und der fallende Schatten dabei spielen, die Ausleuchtung eines Stilllebens sichtbar zu machen.
Was ist Farbe?
8. Semester
1. Tonmalerei, ihre Anwendung im Werk. Form als Wesen des Themas, ihre Übertragung durch bildnerische Methoden.
