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Am Mittwoch sind meine Mutter und ich wieder einmal dabei hohe Kunst, nämlich, wir besuchten das Mariinsky-Theater für die Oper „ Pik-Dame" In diesem Fall wurde unsere Wahl nicht so sehr durch unsere Liebe zu Tschaikowsky und Puschkin erklärt, sondern durch unsere Teilnahme an der Aktion von Wassili Gerello. Darüber hinaus gab es, der Reaktion des Publikums nach zu urteilen, viele so kluge Leute :)
IN In letzter Zeit Bei Theaterbesuchen bekam ich zunehmend Angst vor der Möglichkeit, jemandem über den Weg zu laufen moderne Produktion und sehen Sie einen Blick auf klassisch ein nächster kreativer Kamerad. Kürzlich habe ich im Fernsehen gehört, dass einige moderne Opernproduktionen mit zehn Minuten Stille beginnen würden. Anscheinend wird der nächste Punkt sein Ballettaufführung, die mit zehn Minuten Dunkelheit beginnen wird ( Eine Idee patentieren lassen?). Und deshalb war ich zunächst einmal froh, dass wir dieses Mal keine Überraschungen erlebten und die klassische Inszenierung „Die Pik-Dame“ genießen konnten (die 1984 im Mariinski-Theater Premiere feierte, als das Theater noch hieß). das nach Kirow benannte Leningrader Opern- und Balletttheater).
Die Kostüme und Bühnenbilder sind sehr schön. Und auch die Landschaft ist in ihrer Größe beeindruckend. Aufgrund dieses Ausmaßes nimmt der Wechsel zwar einige Zeit in Anspruch, aber es lohnt sich.
Unter den Darstellern freute sich natürlich Vasily Gerello (Graf Tomsky). Ich hatte nicht damit gerechnet, Irina Bogacheva (Gräfin) auf der Bühne zu sehen – ich hätte nicht gedacht, dass sie noch auftritt. Gut gemacht! Maxim Aksyonov (Herman) sang im ersten Akt, gelinde gesagt, nicht so heiß, aber im zweiten Akt verlor er die Beherrschung. Ich nehme an, er brach in ein Lied aus. Zu den anderen Darstellern kann ich nichts sagen – Alexander Gergalov (Prinz Yeletsky), Tatyana Pavlovskaya (Liza) und Ekaterina Sergeeva (Polina).
Wir hatten Sitzplätze in der zweiten Loge des ersten Rangs. Als wir die Tickets kauften, gab es nicht viel Auswahl, aber wenn es eine Wahl gäbe, würde ich nicht empfehlen, diese Plätze einzunehmen – von dort aus ist nicht die gesamte Bühne klar zu sehen. Vor allem, wenn man mit seinen Nachbarn sagenhaftes Glück hatte – neben uns saßen Mutter und Tochter, die fast aus der Kiste hingen, um besser sehen zu können. Und natürlich dachten sie nicht daran, dass sie damit anderen Zuschauern die Möglichkeit nehmen, zumindest etwas zu sehen. Ich musste zweimal eine Bemerkung machen. Nachdem wir jedoch in der Pause einen Dialog zwischen diesem Paar über die dorischen und ionischen Ordnungen erwischt hatten, verschwanden alle Fragen irgendwie sofort :))
Aber von unseren Plätzen aus war es bequem, dem Orchester zuzusehen. So habe ich zum Beispiel herausgefunden, dass der Dirigent (Pavel Smelkov), wie sich herausstellte, sitzt.
Es war nicht möglich, das Programm zu kaufen – es ist nicht das erste Mal, dass ich auf die Tatsache stoße, dass sie in der ersten Pause nur noch für verfügbar sind Englische Sprache. Ich frage mich, warum das passiert?
Ein wesentlicher Nachteil der alten Szene Mariinski-Theater es gibt noch kleine Toiletten ( Ich frage mich, ob es einen Plan gibt, dieses Problem während der Renovierung zu lösen?). Daher muss man vor der Pause aus dem Saal rennen und unter dem freundlichen Gelächter der Theatermitarbeiter zur Toilette laufen ( Fairerweise muss ich sagen, dass ich der Erste war, der lachte). Ansonsten besteht die Gefahr, dass ich die ganze Pause lang Schlange stehen muss – als ich ging, hatten sich bereits etwa dreißig Leute versammelt. Ich beneide Menschen, die vier Stunden ohne diese Attraktion auskommen können.
Nachdem ich ins Theater gegangen war, hatte ich den Wunsch, Puschkin noch einmal zu lesen – ich scheine mich an die Handlung zu erinnern, aber die Details sind bereits aus meinem Gedächtnis gelöscht.
Besonderer Dank an

Auf den Ruinen des Grafen

„Die Pik-Dame“ im Mariinsky

IN letzten Jahren Das Mariinsky-Theater ist zu seinem früheren Glanz zurückgekehrt, und deshalb erwarten Sie von seinen Führungen etwas Unglaubliches. Vielleicht war die Pik-Dame deshalb so eine Enttäuschung.

Unter Gergievs starker Führung klingt das Mariinsky-Theaterorchester (an dessen hoher Professionalität niemand zweifelt) oft angespannt und unflexibel, und obwohl es überraschend schöne Momente in seinem Spiel gibt, ist es im Großen und Ganzen uninteressant anzuhören, und man kann nur raten, wie Gut, dass es sein kann. Tschaikowskys Musik ist hell, tief, dramatisch, tragisch.

Das Orchester klingt müde, und das ist nicht verwunderlich: Fast jeden Abend finden Auftritte statt, tagsüber Proben für eine neue Produktion.

Die Oper ist es jedoch nicht Sinfoniekonzert, also lassen wir das Orchester in Ruhe und wenden uns den Solisten zu. Leider ist in der ersten Besetzung nur der Tenor Vladimir Galuzin (deutsch) wirklich gut; Er ist ein echter „Singschauspieler“, der die Tragödie seines Helden gesanglich und dramatisch durchlebt, zerrissen von zwei Leidenschaften – der Liebe zu Lisa und der Liebe zum Geld, und am Ende verrückt wird. Die Leistung ruhte nur auf ihm allein. Liza (Sopranistin Tatyana Borodina) sieht eher blass aus; Ihre Lisa ist nur ein unglückliches, bescheidenes Mädchen, und es ist unmöglich zu glauben, dass sie in der Lage ist, eine erfolgreiche Ehe mit einem reichen Mann zugunsten der Unsicherheit und eines Moments der Liebe zu opfern.

Polina (Marianna Tarasova) hat eine wunderschöne Mezzosopranistin und der Eletsky-Bariton Vasily Gerelo ist sehr beeindruckend, aber dennoch ist der Mangel an echter Dramatik, der in Tschaikowskys Musik deutlich erkennbar ist, vorhanden das Hauptproblem aktuelle Produktion. Prilepa (Olga Trifonova und Ekaterina Solovyova), Chekalinsky und Chaplitsky (Tenor Leonid Lyubavin, der in NIOs Falstaff sang) sind in beiden Besetzungen gut; Der einzige, der in der zweiten Besetzung würdevoll sang, war der Bariton Viktor Chernomortsev (Tomsky), der in Israel lebt und am Mariinsky arbeitet. Allerdings machen sie nicht das Wetter.

Als Theateraufführung lässt die Inszenierung viel zu wünschen übrig. Regie (Alexander Galibin) fehlt bis auf zwei, drei Momente praktisch, und wenn sie da ist, wirkt sie meist hilflos. Das Spiel ist altmodisch: Der Sänger geht in die Mitte der Bühne, tritt auf, streckt die Hand aus, singt seine Arie und geht. Über Bühnenbewegung braucht man nicht zu reden – das hat nichts mit Musik zu tun, die Schauspieler und der Chor drängen sich einfach auf der Bühne. Das minimalistische Bühnenbild (Alexander Orlov) mit Schwingtüren und flatternden Vorhängen, die sich über die Bühne hin und her bewegen, sowie die grelle Beleuchtung (Gleb Filshtinsky) haben weder mit Tschaikowskys Musik noch mit St. Petersburg zu tun – ein Aquarell, grau, kalt , arrogante Stadt, einer der wenigen Orte auf der Erde, wo solche seltsame Geschichten- Nicht umsonst hat Puschkin seine Handlung genau in „Die Stadt des Petrus“ angesiedelt. Maskeradekostüme sind interessant und ungewöhnlich – die Künstlerin Irina Cherednikova hat zweifellos einen guten Geschmack.

Wir behandeln die New Israeli Opera oft ohne den gebührenden Respekt, und das ist völlig vergeblich – das NIO hatte hervorragende Produktionen, sowohl traditionelle als auch moderne, und das Rishon Lezion Orchestra, das „Heimorchester“ der Oper, mit einem guten Dirigenten es klingt ausgezeichnet. Vor zwei Jahren brachte Franco Zeffirelli seine absolut traditionelle Inszenierung von La Bohème auf den Markt. Ohne irgendwelche Tricks zu erfinden, las Zeffirelli einfach die Partitur sehr sorgfältig und übersetzte sie in sichtbare Sprache Musiktheater. Er sah, wie Rodolfo das Fenster schloss, wie es anfing, aufhörte und wieder es schneit wie unglücklich Mimi auf ihrem Sterbebett aufsteht; er spürte, wie sich das Licht von Bild zu Bild veränderte; und in der Weihnachtsnacht brachte er fünftausend Menschen, ein lebendes Pferd und einen lebenden Esel auf die Bühne – all das lebte, atmete und war vor allem bedeutungsvoll und ganz.

Aber ist die Schaffung eines Ganzen, in dem Musik, Bewegung, Licht und Farbe verschmelzen, nicht die Inszenierung einer Opernaufführung?

Es gibt jedoch eine Szene in „Die Pik-Dame“, die ein Vergnügen für alle Sinne ist: die pastorale „Die Aufrichtigkeit der Hirtin“, stilisiert nach Watteaus Gemälden und mit tadelloser Anmut vorgetragen – sie wissen wirklich, wie man darin tanzt Mariinski-Theater.

Wenn während der Einführung Auf dem Proszenium spielt ein Junge an einem Kartenhaus herum – besteht kein Zweifel daran, dass das Haus im Finale einstürzen wird? Das ist nicht nötig, denn die Regie von Alexey Stepanyuk besteht immer aus solch völlig kalkulierten Nebensächlichkeiten. Allerdings muss man sich eine Aufführung in drei Akten anhören, um am Ende der siebten Szene davon überzeugt zu sein, dass sich die zu Beginn der ersten Szene getroffene Annahme bestätigt hat. Die Banalität des Denkens des Regisseurs widerspricht jedoch nicht dem Mangel an Logik darin. Der Junge, im Programm „der kleine Herman“ genannt, wagt einen Schritt in die Tiefen der Bühne und entpuppt sich als Anführer der Jungen, die im Sommergarten Soldaten spielen. Danach kommt erwartungsgemäß der erwachsene Herman heraus. Wie kann ein und dieselbe Figur gleichzeitig eine Vision aus der Vergangenheit in der konventionellen Realität und ein echter Junge im Sommergarten sein? Allerdings war der gesunde Menschenverstand nie die Stärke von Herrn Stepaniuk.

Obwohl natürlich im Vergleich mit seinen anderen Werken – zum Beispiel mit „Onegin“, das hier im Mariinsky-2 gezeigt wird, wo Lensky mit Olga im Heuhaufen fleischlichen Genüssen frönt, oder mit „ Der Barbier von Sevilla„V Konzerthalle, wo jeder jeden „tröstet“, unabhängig von Geschlecht, Alter und sozialer Status, diese „Pik-Dame“ ist Stepanyuk-light. Das Einzige, was darin zu sehen ist, ist, dass Herman in der vierten Szene Lisa zu Boden stößt, und das sogar noch fast in den Kulissen und in den letzten Takten. Gleichzeitig erhebt sich die Gräfin, die gerade aus unbekannten Gründen gestorben ist, von ihrem Stuhl und entfernt sich, um die Aufmerksamkeit von der pikanten Verschwörung zwischen ihrem unwissenden Mörder und ihrer Enkelin abzulenken.

Zum Glück eine solche Regie Die Aufführung ist nicht reich an Fundstücken und die gestalterische Hauptfunktion wurde von der Szenografie von Alexander Orlow übernommen. Von den Seiten bewegen sich an Stangen befestigte goldene Säulen sanft heraus und schweben davon, während die gleichen Stuckgesimse parallel absteigen und ansteigen. Die Flüge dunkler transparenter Vorhänge reimen sich auf diese Manöver – ein Selbstzitat aus „Spade“ 1999, inszeniert von Alexander Galibin, das ebenfalls von Orlov entworfen wurde. Das Bühnenbild des Balletts ist so schön, dass es für die Tänzer am sinnvollsten wäre, einfach nur hinzustehen und zu singen – in den besten Momenten passiert genau das.

Fährt lautlos hinter der Bühne Vorne ist eine riesige Plattform mit mehrstufigen Stufen, mit Teppichen bedeckt und mit Kandelabern ausgestattet – Lisas Zimmer im zweiten Bild gleicht einem luxuriösen Harem, ebenfalls mit goldener Harfe und Cembalo.

Im dritten Bild - Auf dem Ball von Catherines Edelmann ist alles einfach golden, auch die Skulpturen, die bald zum Leben erwachen und sich der Modenschau schicker Kleider von Irina Cherednikova anschließen.

Kostüme - Styling für Ende des 18. Jahrhunderts, als das Libretto von Modest Tschaikowsky spielt. Aber die seit langem bestehende Debatte ist, ob dieser Zeitpunkt eingehalten oder der erste zurückgegeben werden soll drittes XIX Jahrhundert, wie Puschkin, oder sagen wir, alles auf unsere Tage übertragen, ist für diese Aufführung nicht relevant. Seine Wirkung tritt ein, egal wann und bei wem es unbekannt ist.

Neben dem gesammelten, kompletten innere Würde von Prinz Yeletsky (Vladislav Sulimsky) - Graf Tomsky, den Roman Burdenko aus irgendeinem Grund als dummen Kerl darstellte. Maxim Aksenov – Herman porträtiert fleißig Graf Dracula. Die 37-jährige Maria Maksakova reduzierte ihre Arbeit an der Rolle der 87-jährigen Gräfin darauf, ihr ein Netz ins Haar zu legen. Usw.

Aber egal, wie man diese Oper inszeniert, Pjotr ​​Iljitsch wird seinen Willen durchsetzen. Zum Beispiel löste sich Irina Churilova – Liza nach und nach und sang so sehr „Ah, ich bin erschöpft vor Trauer“, dass es unmöglich war, nicht mitzufühlen.

Und genauso herzlich Der Chor verabschiedete sich vom unglücklichen Herman. Und genauso – oft in langsamem Tempo, als würde es es genießen – spielte das Orchester von Valery Gergiev die brillante Partitur.

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Die Inszenierung von Yuri Temirkanov läuft seit mehr als 20 Jahren im Mariinski-Theater und ist für mehrere Generationen von Zuschauern zum Standard geworden. Zufälligerweise wird es als stilistische Verbindung zu Temirkanovs früherer und vom Publikum gleichermaßen verehrter Inszenierung „Eugen Onegin“ aus dem Jahr 1982 wahrgenommen. An Neue Szene Parallel zum Klassiker führt das Mariinski-Theater in der zweiten Staffel „Onegin“ in der Fassung von Alexey Stepanyuk auf. Jetzt ist es an der Zeit, eine neue Lesart von „Spade“ vorzustellen. Die Uraufführungen fanden am 27., 28. und 29. Mai statt und eröffneten eine Veranstaltungsreihe XXIII. Fest„Sterne der Weißen Nächte“.

Die üblichen Stellen in dieser Geschichte sind nur teilweise wiederzuerkennen. Umrisse Sommergarten im ersten Akt werden vage vermutet, und letztes Treffen German und Lisa gehen eher an Strelka vorbei Wassiljewski-Insel vor dem Hintergrund einer Granitkugel, aber nicht am Winterkanal. Und doch ist dies St. Petersburg. Petersburg ist literarisch und mythologisch.

In der schwarz-grauen Szenerie (Produktionsdesigner Alexander Orlov), in der endlosen Reihe dunkler Figuren erkennt man eher die Stadt Dostojewskis als Puschkin. Die flackernden, hackenden Silhouetten, die sich in die Mitläufer der Gräfin verwandeln, lassen Gedanken an „ kleiner Mann» Gogol. Dies ist eine Stadt, in der die Menschen in der Dunkelheit leben und sich nach und nach in lebende Tote verwandeln. Tatsächlich sind zu Beginn der Oper alle außer Lisa bereits „tot“. Der Betrachter beobachtet ihren Tod – im übertragenen und wörtlichen Sinne – fast vier Stunden lang.

Für den Zuschauer bleibt also die Frage ungeklärt: Ob Herman Lisa liebte oder sie nur als Mittel nutzte, um sein liebgewonnenes Ziel zu erreichen. Das Bild der Hauptfigur basiert auf der Superidee – herauszufinden, wie man die Welt erobern kann. Im Prolog wird uns ein Junge (dargestellt von Yegor Maksimov) gezeigt, der auf dem Proszenium ein Kartenhaus errichtet – ein Symbol einer Obsession, die Herman sein ganzes Leben lang beschäftigen wird. Vor uns steht praktisch ein kleiner Napoleon – ein Dreispitz und die Bildpose „Hände hinter dem Rücken, Füße schulterbreit auseinander“ ist bereits bei ihm. So sieht der erwachsene Herman aus. Dies ist ein typischer Träger äußerst wertvoller Ideen, wie wir ihn aus den Romanen von Dostojewski und Tolstoi kennen. Mit seinen Augen sehen wir, was passiert – Unsinn oder Realität, Parodie oder Kitsch.

Wirklich parodistisch und für viele Zuschauer sogar schockierend war die Anzahl der goldenen Objekte im schwarzen Raum der Bühne. Im echten St. Petersburg, wo grüner Samt gegenüber Rot stark bevorzugt wird und die Fähigkeit, sich zu kleiden, untrennbar mit der Wahl des einzig richtigen Grautons verbunden ist, ist eine solche szenografische Entscheidung ein echter Schlag ins Gesicht des öffentlichen Geschmacks. Zu diesem Zeitpunkt kann die Bekanntschaft mit der Inszenierung enden, wenn der Zuschauer keine Lust hat, Witze über seine Lieblingsoper und seine Heimatstadt zu machen. Aber manche freuen sich über solch einen Luxusrausch auf der Bühne: goldene Statuen, die zum Leben erwachen, ein goldenes Cembalo, eine goldene Harfe, goldene Kandelaber, goldene Zierbäume, goldene Säulen, goldene Frisuren und Kostüme. Übrigens wurden die Kostüme, die genau der Epoche – den 1790er Jahren – entsprechen, im großen Stil angefertigt. Opernstil„und die Fantasie in Erstaunen versetzen, wofür man der Künstlerin Irina Cherednikova unbedingt danken muss. Fügen wir dem oben Gesagten noch Lisas mit Teppich ausgelegtes Zimmer hinzu, das eher an das Frauenquartier in einem orientalischen Palast als an das Zimmer eines russischen Mädchens erinnert. Es lässt sich jedoch nicht leugnen, dass diese Anmaßung innerhalb der starren Grenzen eines von allen Seiten (auch von oben!) begrenzten Raumes eine gewisse Atmosphäre schafft. Eine Atmosphäre aus Moder, Verfall und Tod. Eine Art Grab von Tutanchamun mit lebenden Mumien darin, eine Welt lebender Leichen, die essen, trinken, auf Bällen tanzen und im Luxus baden.

Eines der szenografischen Merkmale der Inszenierung waren die Säulen: Sie bewegen sich auf der Bühne und bilden für jedes Bild Labyrinthe, Tunnel oder Käfige. Dieselben Kolumnen haben wir bereits in „Eugen Onegin“ von Alexey Stepanyuk beim St. Petersburger Ball gesehen, wo Onegin Tatiana wieder trifft. Wenn Sie eine unsichtbare Achse zwischen den beiden Inszenierungen ziehen, können Sie den Kontrast zwischen der ländlichen Welt voller Luft und freiem Raum, erfüllt vom Duft von Antonovka (der mit Hilfe der überall verstreuten Äpfel szenografisch sogar zu wörtlich vermittelt wird) verfolgen. und die Großstadtwelt, in der es nie Licht und frische Luft gibt.

Wie im ersten Teil dieser, relativ gesehen, Dilogie, Bühnensprache Der Inhalt der Neuinszenierung ist überzogen und ähnelt eher einem Crashkurs in „Klassik für alle“. Die Mimik der Schauspieler ist teilweise übertrieben, ihre Posen malerisch und die Pausen wirken gewollt. Aber ziehen Sie keine voreiligen Schlüsse. Wie der Besuch zweier Uraufführungen zeigte, verschiedene Zusammensetzungen Sie spielen mit unterschiedlichen semantischen Akzenten, Variabilität ist auch in der Inszenierung und beim Aufbau von Beziehungen zwischen den Charakteren vorhanden.

Ein detailliertes Beziehungssystem ist ein charakteristisches Merkmal des Regisseurs Stepanyuk. Zugleich bleiben Libretto und Partitur die Grundlage der Recherche des Regisseurs. Es scheint, dass in berühmte Oper Innerhalb der Grenzen dessen, was der Komponist geschrieben hat, kann es keine Interpretationsfreiheit mehr geben. Doch die in der Neuinszenierung präsentierten Charaktere beweisen das Gegenteil.

Polina (die Uraufführung wurde von Ekaterina Sergeeva gesungen) ist weniger eine Freundin als vielmehr Lisas Rivale. Eine durchaus mögliche Interpretation, wenn man bedenkt, dass die Romanze, die sie spielt, die Melancholie nur noch verstärkt Hauptfigur, und der Vorwurf „Schau, ich werde mich beim Prinzen über dich beschweren.“ / Ich werde ihm sagen, dass du am Tag der Verlobung traurig warst ...“ kann auch als Schadenfreude verstanden werden.

Auch die Beziehung zwischen German und Lisa (Maxim Aksenov und Irina Churilova) kann kaum als vertraut bezeichnet werden. Die Sinnlichkeit, die Tschaikowskys Musik durchströmt, kommt hier eindeutig zum Ausdruck. Auch hier kann man dem Libretto nicht widersprechen: „Beide seine kriminelle Hand / Sowohl mein Leben als auch meine Ehre wurden genommen.“ Infolgedessen findet das Treffen zwischen Lisa und Herman am Ende des ersten Akts vor dem Hintergrund der enormen Größe der Ottomane im selben Teppichkissen-„Serail“ statt. Es ist visuell und modern und vor allem für junge Menschen verständlich, die sich nicht mit den Nuancen von Wörtern wie „Schande“ und „Verführer“ befassen.

Wenn Irina Churilovas Lisa ein Opfer einer tödlichen Anziehungskraft ist, ein einfaches, bodenständiges Mädchen, dann kann Tatyana Serzhans Lisa, die am zweiten Tag sang, als Turgenjews junge Dame bezeichnet werden. Ihr Charakter ähnelt eher einem Bild, das man aus der Kindheit kennt. Auch die Beziehungen zu Herman - Mikhail Vekua sind eher auf einer platonischen Ebene aufgebaut. Der Tod ihrer Heldin wird als Ergebnis eines langjährigen inneren Zusammenbruchs und geistiger Zerbrechlichkeit wahrgenommen, während Liza von Irina Churilova kopfüber in die Arme des Todes stürzt, in jener glühenden Trauer, zu der nur von Natur aus fröhliche Naturen fähig sind. Übrigens wirft sich Lisa in der Inszenierung nicht in den Fluss, sondern geht quasi in den Nebel hinein, buchstäblich durch eine mit grünem Filz bedeckte Kiste – ein Spielhaus –, das sich aus diesem Nebel nähert.

Das bestätigen die Partner zweier sehr unterschiedlicher Sänger weltliche Weisheit dass Gegensätze sich anziehen. Irina Churilovas Liza, die unter „gesünderen“ Bedingungen zweifellos zum Gespött werden würde, verliebt sich in den Deutschen Maxim Aksenov, einen zutiefst fehlerhaften Charakter, der unter schwerwiegenden Persönlichkeitsveränderungen leidet. Die bis zur Transparenz zerbrechliche Lisa von Tatyana Serzhan wurde mit Mikhail Vekuas frechem, eher gefräßigem als krankem Herman gepaart.

Die Darsteller der Hauptrollen erwiesen sich als bild- und stimmtreu. Maxim Aksenov klang nicht immer stabil und gleichmäßig, zeigte aber während des gesamten Spiels eine reiche Palette an Nuancen, eine Vielfalt an Farben und Stimmungen. Der Gesangsstil von Mikhail Vekua ist geradlinig, der Part ist in der gleichen Farbe, aber hell geschrieben. Der Höhepunkt des Programms wurde die berühmte Arie „Was ist unser Leben? Game!“, das Mikhail in der Originaltonart B-Dur vortrug und souverän die Spitze erreichte si(normalerweise wird die von Tschaikowsky selbst genehmigte Version einen Ton tiefer gespielt).

Auch die Gesangsdarbietung der Sopranistin war unterschiedlich. Man hat den Eindruck, dass sich Irina Churilovas große, warme Stimme in Lizas sehr komplexer Rolle sehr wohl fühlt. Das Teil wurde im großen Stil mit breiten Strichen ausgeführt. Gleichzeitig erklingt die Stimme in den Registern über den gesamten Tonumfang gleichmäßig, frei, ohne Überspannung. Das Einzige, was ich mir wünschen würde, wäre mehr Kontrolle bei hohen Tönen auf dem Höhepunkt. Am Klavier beweist die Sängerin voll und ganz, dass sie es versteht, ihre gewaltige Stimme zu bändigen und ihr Transparenz zu verleihen. Das gibt ihr die Gewissheit, dass sie in dramatisch spannungsgeladenen Passagen ein Gleichgewicht zwischen Kraft und Wohlklang erreichen kann.

Tatiana Serzhan demonstrierte wie immer die höchste Kultur Singen und vollständige Kontrolle über Ihre Stimme. Ihre Rolle erlangt Tiefe, Subtilität und unglaubliche Seelenfülle. Aber aus allem, was wir vor uns haben, ist ein erfolgreicher Interpret des italienischen Repertoires klar: Die Vielfalt der Nuancen, wenn der Sänger fast jedes gesungene Wort auf besondere Weise hervorhebt, verweist eindeutig auf Verdis Kanons. Für das russische Ohr ist die Darstellung noch vertrauter, wenn die Phrase wie ein Fluss fließt und nicht in einzelne, sorgfältig ausgearbeitete Wortakzente zerlegt wird, da eine klare Verwandtschaft zwischen Tschaikowskys Musik und Russisch und Ukrainisch besteht Volkslieder basierend auf Kettenatmung.

Unter den Darstellern anderer Rollen möchte ich Elena Vitman in der Rolle der Gräfin hervorheben. Diese Figur wurde vom Regisseur als grotesk konzipiert. Der Umzug ist üblich, kommt aber beim Betrachter immer gut an. Elena Vitmans hochwertiger Gesang, ihr bezaubernder Charme und ihr enormes schauspielerisches Talent machten sie praktisch zur Heldin des Abends. Dies ist eine junge alte Frau, deren Gefolge ihr Alter fleißig „nicht bemerkt“. Als sie Herman in ihrem Zimmer sieht, hält sie ihn, was in einer solchen Situation logisch ist, dafür, dass er die Liebe ihrer – der Gräfin – sucht. Dieses Thema ist nicht neu und wurde sogar im Ballett nach der Pique Dame verwendet. Bezeichnend ist, dass die zweite Gräfin, Maria Maksakova, ein etwas anderes Design für die Rolle hatte, das eindeutig für sie gemacht war, was jedoch nicht wirklich zur Authentizität des Bildes beitrug.

Einen angenehmen Eindruck hinterließ Ekaterina Krapivina, die bei allen drei Uraufführungen auf der Bühne stand – am 27. und 29. Mai als Gouvernante und am 28. Mai als Polina und Milovzor. Ein freies, farbenfrohes unteres Register ermöglicht es der Sängerin, Polinas Altpartie natürlich und ohne sichtbare Anstrengung auszusprechen. Als Tomsky und Yeletsky nominierte das Theater seine führenden Baritonen – Roman Burdenko und Viktor Korotich (Tomskys Rolle), Vladislav Sulimsky und Vladimir Moroz (Eletskys Rolle). Alle vier sangen auf einem anständigen Niveau, blieben aber vor allem wegen der präzise eingefangenen Charaktere ihrer Charaktere in Erinnerung.

Das Orchester unter der Leitung von Valery Gergiev präsentierte eine tragisch-monumentale Interpretation dieser Musik. Langsame Tempi, kraftvoller Druck, dicker, dichter Sound, der Leidenschaft, Trägheit und Verzweiflung bis zum Äußersten bringt – all das lässt uns darauf hoffen Neuproduktion wurde nicht als leicht unterhaltsame Option für „Dummies“ konzipiert (und das ist der erste Gedanke, der mir nach dem Ende der Aufführung in den Sinn kommt), sondern kann als eigenständige tragikomische Geschichte über eine Stadt existieren, die kein Licht kennt.

Fotos mit freundlicher Genehmigung des Pressedienstes des Mariinsky-Theaters

Dirigent: Pavel Smelkov
Deutsch: Vladimir Galuzin
Graf Tomsky: Roman Burdenko
Fürst Jeletski: Wladimir Moroz
Gräfin – Lyubov Sokolova
Lisa: Tatiana Pawlowskaja
Polina: Julia Matochkina
Bei dem Wetter, das seit Sonntagabend vorherrscht, möchte man nirgendwo hingehen oder irgendetwas unternehmen. Aber ich habe mir eine Eintrittskarte gekauft, meine Neugier schläft auch nicht, und damit der Besuch meines Lieblingstheaters keineswegs einem Kunststück ähnelt, fahre ich mit dem Bus dorthin. Ich weiß von dem Stau auf dem Truda-Platz, aber das Autofahren ist mir völlig egal, ich tröste mich damit, dass ich nicht weiß, in welchem ​​Zustand Galuzins Stimme von den anderen ist, ich bin mir nur bei Tomsky sicher; und Polina, also ist es gut möglich, dass meine Ohren die meiste Zeit ruhen müssen, um zu genießen und zu ertragen. Darüber hinaus ist „Die Pik-Dame“ eine lange Oper, die Inszenierung ist dumm, und wenn man bedenkt, wie alle Karten auf einmal verschwunden sind, könnte sich herausstellen, dass das Publikum größtenteils zufällig ist.
Der Stau war vorhanden, klein, aber praktisch tot, so dass all diese beruhigenden Gedanken viele Male im Kreis verfolgt werden mussten, und ich kam nicht nur zu spät zur Ouvertüre, sondern auch zu „Ich kenne ihren Namen nicht“. Der erste Eindruck von Galuzins Gesang ist überraschend. Nein, ich habe mehr als einmal gelesen, dass es schwierig ist, ihn aufgrund seiner Stimme als Tenor zu bezeichnen, aber das ist mir in den Aufnahmen nicht aufgefallen. Und hier, live, klang er mehr Bariton als Moroz-Eletsky. Wenn meine Unwissenheit etwas größer gewesen wäre und ich Pikovaya zum ersten Mal gehört hätte, wäre ich zu dem Schluss gekommen, dass Hermans Rolle die eines Baritons war, und zwar eine dramatische. Die Stimme selbst war in einem viel besseren Zustand, als ich erwartet hatte. Das Alter ist natürlich spürbar; komplexe Passagen wurden teilweise mit reiner Professionalität behandelt, aber aus der Sicht eines Laien kann man nichts anderes vorbringen, als einen Vorwurf zu machen. Und wenn man es damit vergleicht, wie die Stimme von Moroz schwingt, der noch sehr jung ist, dann kann man dieses Manko einfach aufgeben, was ich auch getan habe. Lisa und die Gräfin zeichneten sich übrigens nicht durch einen gleichmäßigen Klang aus, was gibt es also für Vorwürfe gegen Herman? Dramatisch gesehen war alles völlig einwandfrei.
Burdenko ist mein Lieblings-Tomsky, und dieses Mal hat er mich nicht enttäuscht, er beherrscht komische Rollen, die nicht schlechter sind als schurkische. Ja, Tomsky war gestern lustig und schelmisch, und er war nicht der Einzige, als wäre die Pik-Dame, wenn schon keine Komödie, so doch zumindest eine Tragikomödie. UND Allgemeine Stimmung gestern – „Was ist das für ein Leben? Ein Spiel!" Irgendwie sah die Produktion früher ernster aus. Ich weiß nicht, was los ist, vielleicht das Fehlen von VAG.
Ich möchte auch die anderen loben. Pavlovskaya-Liza war in der Szene am Kanal wunderschön, die gehorsam leidenden Mädchen waren ihre Rollen. Für Moroz-Eletsky war es wirklich schade; trotz aller Probleme hat die Sängerin ein schönes Timbre und eine gute Diktion. Matochkina-Polina war erwartungsgemäß gut. Sokolova-Gräfin ist die erste Gräfin in dieser Produktion, die mir auf jeden Fall gefallen hat.
Unerwarteterweise wurde mir während des Prozesses klar, dass mir die Produktion zu gefallen begann. Die Teppiche und unzähligen Vergoldungen sind vertraut geworden und stören nicht mehr, aber die sonstige Szenografie gefällt. Es wird notwendig sein, Samson und Delilah in der neuen Staffel zu wiederholen, vielleicht wird dann ein ähnlicher Effekt eintreten.
Der Gesamteindruck war sehr angenehm. Dennoch ist es richtig, keine hohen Erwartungen zu haben. Das Publikum hat den Auftritt sehr positiv aufgenommen; wenn es nur weniger Anrufe gegeben hätte, wäre es absolut gut gewesen.