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VORTRAG 22.

Hugo

1 Nach einer dreiwöchigen Krankheit von Naum Jakowlewitsch.

Wir haben uns schon lange nicht mehr gesehen. Soweit ich mich erinnere, habe ich gesagt, dass die stärkste Welle der französischen Romantik irgendwo in der zweiten Hälfte der zwanziger Jahre beginnt und Anfang der dreißiger Jahre einen besonderen Höhepunkt erreicht. Das ist die sogenannte Romantik der dreißiger Jahre. Extrem reich an Namen und Talenten. Sowohl in der Literatur als auch in anderen Bereichen der Kreativität. Die Romantik der dreißiger Jahre, die wunderbare Prosaautoren, Dichter, Dramatiker, Maler und Komponisten hervorbrachte. Und Victor Hugo wurde sehr bald zum allgemein anerkannten Anführer dieser Romantik.

1802-1885. Dies sind seine Lebensdaten. Sie durchliefen fast das gesamte 19. Jahrhundert. Darüber hinaus begann er schon sehr früh mit seiner literarischen Tätigkeit. Er war etwa zwanzig Jahre alt, als er ein berühmter Dichter wurde. Sie sehen also, sein Leben auf der literarischen Tour beträgt sechzig Jahre.

Victor Hugo war äußerst produktiv, wie seine gesamte Generation. Und das ist ein sehr bemerkenswertes Merkmal dieser Generation – Fruchtbarkeit. Es gab hier Schriftsteller, die einen Band nach dem anderen schufen. Ganze Heere von Werken erschaffen. Neben Victor Hugo nenne ich Georges Sand. Mehrbändiger George Sand. Einen noch umfangreicheren und Ihnen allen bekannten, von uns allen geliebten Namen nenne ich Alexandre Dumas. Dies ist eine Zeit sehr produktiver Prosaautoren auf dem Gebiet der Geschichte. Wunderbare Historiker. Es ist Michelet-Zeit, Thierry. Sie alle sind Autoren zahlreicher Bände.

Und es ist sehr Gutes Zeichen- das ist ihre Fruchtbarkeit. Das ist natürlich kein Zufall. Es gibt Zeiten, in denen sogar sehr gute Schriftsteller Mit großer Mühe gebären sie eineinhalb Bücher. Und hier, sehen Sie, wurden von diesen Leuten ganze Armeen von Büchern herausgebracht. Sie hatten etwas zu sagen – das ist der Grund für ihre Fruchtbarkeit. Sie waren überfüllt mit Material für Stellungnahmen. Und deshalb haben sie sich so reichlich ausgedrückt, so reichhaltig – die Schriftsteller dieser Zeit.

Victor Hugo war nicht nur produktiv, sondern auch äußerst vielfältig in seinem Werk. Er war ein Dichter und Autor vieler Bücher Gedichtsammlungen, das im Laufe seines Lebens von Zeit zu Zeit erschien. Er war ein Dramatiker, der mit seinen Stücken ein völlig neues Theater für die Franzosen schuf. Schließlich war er Romanautor, Autor großer Romane. Romane, die oft epischen Charakter haben, wie „Lesmiserables“ („Les Miserables“).

Aber nicht nur das, er war auch ein wunderbarer Publizist und Pamphletschreiber. Schrieb wunderbare Werkeüber Literatur. Wie, sagen wir mal, er wunderbares Buch, das bei uns immer noch nicht ausreichend geschätzt wird, über Shakespeare.

Sie sehen, Dramatiker, Dichter, Kritiker, Publizist – alles in einer Person.

Es gibt einen Unterschied zwischen der französischen Einschätzung von Victor Hugo und unserer Einschätzung. Die Franzosen schätzen Victor Hugo vor allem als Dichter. Für sie ist er vor allem ein großer Dichter. Junge französische Dichter erkennen Victor Hugo oft widerwillig als den Kopf der französischen Poesie an, obwohl ihnen nicht alles gefällt, was er geschrieben hat.

Als eine berühmte Person zu uns kam Französischer Schriftsteller Andre Gide wurde gefragt, welchen französischen Dichter sie für den besten hielten. Und er antwortete: „Helas, VictorHugo“ – „Alas, Victor Hugo.“

Für die Franzosen ist dies also in erster Linie ein Dichter. Und erst zweitens – ein Dramatiker. Und erst drittens - ein Romanautor. Unsere Reihenfolge ist umgekehrt. Wir lieben Victor Hugo, den Schriftsteller. Wie berühmt ist Victor Hugo? Als Autor von „Sobor“ Notre Dame von Paris„, „Werktätige des Meeres“, „Les Miserables“. Das ist Victor Hugo. Für die Franzosen liegt das alles nur im Schatten.

Victor Hugo ist ein wunderbarer Dramatiker und ein äußerst dankbarer Autor für das Theater. Aus den Dramen von Victor Hugo lassen sich kolossale Effekte ziehen. Ja, sie sind auf Effekte ausgelegt. Mittlerweile wird es hier eher selten aufgeführt. Wir wissen nicht, wie man es spielt. Statt Victor Hugo spielen sie einen anderen Autor. Unsere Theater beherrschen den Stil von Victor Hugo nicht. Dramatischer Stil. Es wird auch, würde ich sagen, nüchtern gespielt. Und aus dieser Nüchternheit verdorrt Victor Hugo sofort. Für seine Dramen ist ein besonderer übertriebener Schwung nötig. Manchmal muss man nervös und überdreht sein. Aber hier spielen sie es mit einer alltäglichen Coolness, die auf der Bühne alles ruiniert.

In den 1830er Jahren war Victor Hugo der allgemein anerkannte Anführer nicht nur der jungen Literatur, sondern der Kunst im Allgemeinen in Frankreich. Hier ist eine typische Geschichte aus dieser Zeit von Théophile Gautier. Dies ist ein wunderbarer Dichter, der als Romantiker begann und dann die Romantik verließ. Er hinterließ sehr interessante Memoiren. Er studierte an einer Malschule, was für französische romantische Dichter allgemein typisch ist. Viele von ihnen begannen mit der Malerei. Théophile Gautier erzählt, wie er und seine Freunde zu dem Haus gingen, in dem Victor Hugo lebte. Und alle trauten sich nicht, an der Tür zu klingeln. Am Ende öffnete Victor Hugo selbst die Tür, um nach unten zu gehen, und sah die ganze Gesellschaft. Er verstand natürlich sofort, warum diese Leute die Treppe seines Hauses in Besitz nahmen. Er begrüßte sie und es kam zu einem Gespräch. Gespräch mit dem Meister. Der Meister selbst war noch sehr jung, aber bereits ein allgemein anerkannter Führer und Lehrer.

Ich werde nicht geben vollständige Rezension seine Kreativität. Ich werde nur geben allgemeine Charakteristiken die Grundlagen seiner Arbeit am Beispiel einiger Werke. Ich werde mich auf seine Dramaturgie konzentrieren. Denn erstens ist es besser sichtbar. Es ist kompakter. Und vielleicht kommen darin die Merkmale seiner Poetik und seines Stils schärfer zum Ausdruck.

Victor Hugo spielte wie seine gesamte Generation eine sehr wichtige Rolle in der Geschichte des französischen Dramas. Für die französischen Romantiker war es eine sehr wichtige Aufgabe, das Theater, die Bühne zu erobern. IN verschiedene Länder es geschah auf unterschiedliche Weise. Sagen wir Englische Romantiker meisterte die Etappe ohne große Schwierigkeiten. Ja, das haben sie nicht wirklich angestrebt. Englische Bühne wurde von Shakespeare auf die Romantik vorbereitet. Dort regierte Shakespeare, und nach Shakespeare hatten die Romantiker auf der Bühne nichts mehr zu tun.

Die Deutschen übernahmen sehr leicht die Kontrolle über die Bühne.

Aber in Frankreich war das eine andere Sache. Bereits 1830 dominierte die Romantik in Frankreich die Prosa. Die Prosa wurde von Chateaubriand erobert. Auch die Poesie war teilweise bereits von Lamartine, Musset und dann Hugo erobert worden. Doch die Bühne gab nicht nach. Für die Romantik ist es am schwersten, auf die Bühne zu dringen. Hierauf wirkten sich die Besonderheiten der französischen nationalen Verhältnisse aus.

In Frankreich war der Klassizismus, das Theater des Klassizismus, wie nirgendwo sonst stark.

In Paris tobten Romantiker, und Corneille, Racine, Voltaire und andere regierten immer noch auf der Bühne. Sie haben der Revolution widerstanden. Sie hielten auch Napoleon stand, der übrigens den Klassizismus stark förderte. Unter ihm blühte vor allem der Klassizismus auf der Bühne auf. Das Repertoire war, wie Sie sehen, klassisch. Der Spielstil war klassisch. Klassizismus ist nicht nur ein Repertoire. Dies ist ein theatralischer Schauspielstil. Es handelt sich um ein deklamatorisches Theater, das auf dem deklamatorischen Wort, auf der deklamatorischen Geste beruht. Für Französische Romantik Das war eine äußerst wichtige Frage: die Bühne erobern. Es würde die Eroberung der Literatur im Allgemeinen bedeuten.

Und so begannen ab Ende der Zwanzigerjahre die Angriffe der Novel-Tics auf die Bühne. Zunächst in relativ bescheidener Form.

Victor Hugo veröffentlicht das Drama Cromwell. Hier geht es um diesen historischen Cromwell. Das Drama ist sehr interessant, in vielerlei Hinsicht sehr mutig. Und in einer Hinsicht schüchtern. Dieses Drama ist nicht als Inszenierung gedacht. Victor Hugo wagte es immer noch nicht, zur Inszenierung zu gehen. Cromwell ist ein riesiges Drama. Das ist ein riesiges Volumen. Genau genommen ein Roman. Ich würde sagen: „Cromwell“ ist sehr theatralisch und überhaupt nicht inszeniert. Es wurde mit einem sehr großen Verständnis dafür geschrieben, was das Theater braucht, was klingt, was auf der Bühne beeindruckt. Aber es ist nicht bühnenwürdig, weil es auf der Bühne nicht umsetzbar ist. Das ist ein so kolossales Werk, dass die Aufführung drei Tage hätte dauern sollen. Das ist ein Drama von enormer Länge.

Hugo stellte Cromwell ein Vorwort voran. Streng genommen war es ein romantisches Manifest, das die Prinzipien einer neuen Richtung, einer romantischen Richtung, verkündete.

Und dann schrieb Victor Hugo ein Drama, das bereits sowohl auf Theatralik als auch auf Bühnenaufführung ausgelegt war. Sein berühmt gewordenes Drama ist „Ernani“. „Ernani“, gespielt im Jahr 1830, entschied über das Schicksal Französisches Theater.

Es gibt viele Geschichten über die ersten Auftritte von Ernani. Es waren sehr stürmische Auftritte. In der Öffentlichkeit gab es regelrechte Auseinandersetzungen zwischen denen, die für dieses Drama waren, und denen, die dagegen waren. Victor Hugo war ein sehr geschickter Mann, wenn es um seinen eigenen Ruhm ging. (Von ihm hieß es nicht ohne Grund, dass er wusste, wie man Ruhm erlangt.) Er verteilte Eintrittskarten Unterstützer im Theater zu haben. Anhänger von Hernani – junge Künstler, Schriftsteller, Musiker, Architekten – kamen in exzentrischer Kleidung ins Theater. Théophile Gautier etwa trug eine speziell angefertigte rote Weste, die später zur Legende wurde. Und diese jungen Leute – sie stießen mit Theaterkonservativen zusammen. Und sie haben dieser Leistung einen beispiellosen Erfolg beschert. Ernani erwies sich als Sieg für Victor Hugo und die Romantik. Sieg auf der Bühne. Nur ein einziges Mal wiederholte sich so etwas wie diese Schlacht aus der Zeit „Hernani“ auf der Pariser Bühne. Dies geschah später, als Wagners Tannhäuser erstmals an der Großen Oper aufgeführt wurde. Es gab die gleiche Intensität der Leidenschaften: für Wagner oder gegen Wagner. Diese theatralischen Leidenschaften, Kämpfe um ein neues Repertoire; neuer Stil - sie sind sehr klar.

Jedes Theater hatte sein eigenes Publikum. Leute, die es gewohnt sind, in dieses Theater zu gehen. Nicht weil sie ihn so sehr lieben, sondern weil dies der vereinbarte Ort ist, an dem sie sich treffen. Sie gehen zu den Lodges und finden dort alle ihre Freunde. Das Theater ist, wenn man so will, eine Art Club. Und hier sind einige Gruppen von Menschen – sie sind es gewohnt, sich im Zeichen dieses oder jenes Theaters zu treffen. Dies ist fast dasselbe wie die Gewohnheit, sich in dem einen oder anderen Restaurant zu treffen. Genau wie beispielsweise im Westen hat jedes Restaurant sein eigenes Publikum. Für einen Neuen ist der Einstieg schwierig, da alle Tische schon seit Jahrzehnten abonniert sind und man weiß, wer wo sitzt.

Es ist also das gleiche Theater. Die Leute, die der Romantik eine so wütende Absage erteilten, waren das alte Publikum der Pariser Theater, das es gewohnt war, unter diesen und jenen Umständen dieses und jenes auf der Bühne zu sehen, um sich mit seinen Freunden und Bekannten zu treffen. Und jetzt, in Ihrem Lieblingsclub, Ihrer Lieblingseinrichtung, in Ihrem Zuhause, wenn Sie so wollen, dringen einige neue Leute in Ihr Zuhause ein und übernehmen genau die Bühne, die Sie als eine Bühne betrachten, die nur Ihnen und niemandem sonst dient. Und es ist klar, dass dies auf so heftigen Widerstand stößt. Das ist die wahre Ursache der Kämpfe um Hernani. Diese indigene Öffentlichkeit – sie wehrte sich gegen die Außerirdischen, die aus dem Nichts kamen.

Tatsächlich verteidigte das alte Publikum den Klassizismus nicht. Wir kennen die Bräuche des französischen Theaters. Am wenigsten wegen der Aufführung strömte das Publikum in die Kinos. Und hier, sehen Sie, taucht aus dem Nichts ein neues Publikum auf, einige Schauspieler mit einem neuen Stil, die Aufmerksamkeit verlangen. Das allein machte mich wütend, dass ich der Aufführung folgen musste. Aus diesem Grund fanden solche Schlachten in den frühen Tagen von Hernani statt.

Und diese jungen Theaterbesucher, Freunde von Victor Hugo, erwiesen sich als Gewinner. Victor Hugo zwang das Pariser Theater, seine Stücke, die Stücke von ihm und seinen Freunden, aufzuführen. Mit ihm betrat Alexandre Dumas die Bühne. Am Anfang war Alexandre Dumas ein produktiver Dramatiker, der ein Stück nach dem anderen schrieb. Nun, ein dritter wunderbarer romantischer Dramatiker erschien – Musset. Alfred de Musset, Autor wunderbarer Komödien.

Also, sehen Sie, Victor Hugo, Dumas, Musset und noch mehr. Sie füllten die französische Bühne mit einem romantischen Repertoire.

Es traten romantische Schauspieler auf, Schauspieler mit einem neuen Schauspielstil, der nicht dem Klassizismus ähnelte. Schauspieler und Schauspielerinnen sind romantisch. Sie gaben diesen klassischen Deklamationsstil auf, vereinfachten den Bühnenstil und machten ihn emotionaler, direkt emotionaler.

Aber das ist alles äußere Geschichte romantische Dramaturgie, die Dramaturgie von Victor Hugo. Lassen Sie uns nun auf unsere eigene Weise herausfinden, was es ist künstlerische Merkmale war seine Dramaturgie? Was war dieses Stück seines „Ernani“? Was war daran neu und unerwartet? Dies lohnt sich umso mehr, als diese Prinzipien sowohl für seine Gedichte als auch für seine Romane charakteristisch sind.

Wie wird ein Stück normalerweise analysiert? Sie beginnen, sie nach Charakteren zu sortieren. Dies ist das fünfte, zehnte Zeichen. Es wird davon ausgegangen, dass man das Ganze beherrschen kann, wenn man diese Analysen zusammenfasst.

Die Stücke von Victor Hugo sind also bemerkenswert, weil diese Charakteranalysen Ihnen nichts bringen. Wenn Sie sein Stück verpassen möchten, können Sie es auf diese Weise analysieren. Das Stück geht für Sie verloren.

Wenn Sie nach dem üblichen Zusammenhang von Ursache und Wirkung in einem Stück suchen, wenn Sie das Stück einer pragmatischen Analyse unterziehen, beginnen Sie sich zu fragen, warum und warum die Charaktere so und so handeln – auch hier wird Victor Hugo an Ihnen vorbeigehen .

Balzac, ein Schriftsteller völlig anderer Art als Victor Hugo, obwohl er viel mit ihm gemeinsam hatte, schrieb einen interessanten Artikel über Hernani, einen zerstörenden, verheerenden Artikel. Sie werden diesen Artikel lesen. Sie ist sehr interessant. Destruktive Analyse. Zerstörerisch, weil Balzac „Ernani“ pragmatisch analysiert. Aber Victor Hugo hält pragmatischen Analysen weder bei Ernani noch in anderen Werken stand. Wenn Sie Victor Hugo im Stich lassen wollen, dann treten Sie mit einer solch pragmatischen Analyse an ihn heran.

Die üblichen Standards der dramatischen Analyse gelten also nicht für Victor Hugo. Und Balzac hat es gezeigt. Er unterzog Victor Hugo einer Standardbefragung. Aber Victor Hugo gibt solchen Umfragen nach. In seinen Dramen gibt es keine so gewöhnliche Geschäftslogik – ich denke, es ist am besten, es so auszudrücken. Ich denke, dass kein einziger guter Dramatiker über Geschäftslogik verfügt.

Und hier ist „Ernani“. Worauf basiert dieses ganze Drama? Das ist die Renaissance, die spanische Renaissance. Prächtige Renaissance. Die Renaissance, für die Victor Hugo wie alle Romantiker eine große Vorliebe hatte. Also die spanische Renaissance, der junge spanische König Don Carlos, der bald Kaiser Karl V., Kaiser des Heiligen Römischen Reiches, werden wird.

Hernani ist der Sohn eines hingerichteten spanischen Granden. Seines Eigentums und seiner Rechte beraubt, verwandelte er sich in einen Waldräuber, diesen Sohn eines spanischen Granden. Lebt mit seinen Leuten im Wald. Die Handlung des Dramas dreht sich um die Liebe von Hernani und Dona Sol. Doña Sol ist eine junge, schöne Frau, die unter der Obhut von de Silva steht, dem alten Mann de Silva, der sie heiraten wird. Hier ist also die Ausgangssituation: eine Schönheit, ein alter Vormund, der ihr mit der Heirat droht, und ein Liebhaber.

Hernani hat einen Rivalen. Das ist Don Carlos. Auch Don Carlos ist in Dona Sol verliebt. Und hier ist der erste Akt. Im Fall von de Silva kollidieren versehentlich ein König und ein Räuber. Victor Hugo liebt Kontraste. Genau das braucht er, damit der Waldräuber und der König auf einem Brett stehen.

Es kommt fast zu einem Kampf zwischen ihnen. Aber de Silva erscheint. Im zweiten Akt ist der König in den Händen von Ernani. Hernani kann dem König, seinem Rivalen, dem Feind usw. ein Ende bereiten. Die Besonderheit von Victor Hugo besteht jedoch darin, dass der Held, wenn er jede Gelegenheit hat, sein sozusagen Lebensproblem zu lösen, es nicht löst. Hugos Drama ist immer so aufgebaut: Wenn es den Anschein hat, als könne der eine oder andere dramatische Knoten gelöst werden, lösen ihn die Helden nicht. Man kann dem König ein Ende bereiten, aber er lässt den König frei.

Dritter Akt. Das ist de Silvas Schloss. Schloss im Wald. Hier sind de Silva und seine Gönnerin Dona Sol. Und dann bricht er in die Burg Ernani ein. Gejagt. Es gibt eine Verfolgungsjagd hinter ihm. Der König und seine Truppen umzingelten den gesamten Wald. Sie holen Hernani bereits ein. Hernani bittet um Zuflucht vor seinem Rivalen und Feind de Silva. Und de Silva gewährt Hernani Unterschlupf. Er schiebt ein Porträt zur Seite, dahinter ist eine Nische: Versteck dich hier. Nach einiger Zeit erscheint der König. Doch de Silva lässt Hernani nicht aus der Hand.

Das ist der besondere Rhythmus des Dramas von Victor Hugo. Eine praktische Lösung für das Drama steht kurz vor der Reife – und sie wird zurückgedrängt. Aufgrund der besonderen Großzügigkeit der Helden wird es beiseite geschoben. Ernani wird den König nicht berühren, weil der König nicht gegen ihn kämpfen wollte und Ernani nur einen fairen Kampf anerkennt. De Silva rettet seinen Rivalen gemäß dem Gesetz der Gastfreundschaft vor dem König. Und so weiter und so fort. Das ist immer dann der Fall, wenn es den Anschein hat, dass eine pragmatische Entscheidung bereits fertig ist, alles dafür vorhanden ist, alles dafür gegeben ist, sie verschoben wird. Es wird immer wieder verschoben.

Balzac stellt fest, dass das alles kindischer Unsinn ist – dieses ganze Drama. Was ist das für ein Drama, wenn Menschen, die kurz vor der Lösung ihrer Probleme stehen, sich plötzlich zurückziehen? Was sind diese ewigen Verzögerungen? Eine Art Verzögerungsspiel in diesem Drama. Darüber hinaus sind diese Verzögerungen nicht auf die Feigheit der Helden zurückzuführen. Nein nein. Dies sind Verzögerungen aufgrund ihrer Großzügigkeit. Sie können ihren Gegnern das Handwerk legen, wollen es aber nicht. Wenn man ein solches Drama liest, errät man nach und nach (oder errät es nicht, eines von zwei Dingen) – man errät, wie spannend es ist. Was bedeuten diese ständigen Verzögerungen und Verzögerungen? Was bedeuten diese ewig unlösbaren Heldenprobleme?

Die Helden begreifen sozusagen nicht die Möglichkeiten des Nachfolgers, die vor ihnen liegen. Jeder andere hätte diese Gelegenheit genutzt. Aber Victor Hugo nicht. Warum ist das so? Das kommt von überschüssiger Energie, von überschüssiger Kraft. Die Helden haben eine so große Lebenskraft, ihnen wird so viel Energie gegeben, dass sie es nicht eilig haben. Sie legen keinen Wert auf Erfolgschancen. Der Held hat hier den Erfolg verpasst – das wird er morgen nachholen. Er wird es ein anderes Mal, an einem anderen Ort, nachholen. Dieses seltsame Verhalten der Helden ist ein Beweis für die enorme Lebensenergie, mit der sie aufgeladen sind. Sie spielen sozusagen mit ihren eigenen Zielen. Sie spielen, weil sie davon überzeugt sind, dass diese Ziele sie nicht verlassen werden. Es ist besser, ein Ziel auf schönere und edlere Weise zu erreichen, als die ersten Chancen, die sich bieten, zu nutzen: das Glück.

Wir sind es gewohnt, in Dramen ein sinnvolles Verhalten der Charaktere zu finden. Das ist Pragmatismus: Verhalten, das Zielen untergeordnet ist. Doch bei Victor Hugo werden die Ziele von den Helden selbst freiwillig zurückgedrängt. Sie sind sozusagen nicht zielgierig. Sie sind zu stark, um die Möglichkeit eines Erfolgs zu schätzen, wie auch immer dieser sein mag. Hernani möchte seine Rivalen besiegen, aber er möchte wunderschön und großartig gewinnen. Er könnte einfach den König töten. Aber nein, das ist für ihn keine Option. De Silva könnte Ernani loswerden, indem er ihn dem König übergibt, aber de Silva würde das niemals tun. Bei Victor Hugo sind seine Helden keineswegs das, was man normalerweise als Charaktere in einem Theaterstück bezeichnet. Nun, natürlich haben Hernani und de Silva irgendeinen Charakter. Aber das ist überhaupt nicht von Bedeutung. Wichtig ist nicht der Charakter, sondern die Menge an Energie, die ihm innewohnt. Es ist wichtig, welche Ladung Leidenschaft in eine Person investiert wird. Victor Hugos Theater ist, wie das Theater aller Romantiker, ein Theater der Leidenschaften. Leidenschaften sind die treibende Kraft der Seele, die treibende Kraft der Persönlichkeit – es geht nur um sie. Und für Victor Hugo ist romantisches Handeln nur eine Möglichkeit, Leidenschaften offenzulegen. Drama ist dazu da, Leidenschaften sichtbar zu machen. Das sind die Leidenschaften, die die Menschen erfüllen, die Welt erfüllen.

Wie unterscheiden sich die Charaktere von Victor Hugo von anderen Charakteren? Sie unterscheiden sich in keinerlei charakteristischen Merkmalen. Nun, es gibt welche Charaktereigenschaften in Don Carlos, in Hernani – aber das alles geschieht im Hintergrund. Die Helden von Victor Hugo zeichnen sich durch die Leidenschaft aus, die jedem gegeben wird. Vielleicht ist das ein grober Vergleich, aber ich würde sagen: Für Victor Hugo ist es wichtig, auf wie vielen Kerzen diese Person brennt.

Es gibt Charaktere, die hundert Kerzen wert sind, zweihundert Kerzen, tausend Kerzen. Spannung ist ihm sozusagen wichtig. Und seine Helden konkurrieren, konkurrieren in genau diesem Sinne: wie viele Kerzen jede einzelne kostet. Auch König Don Carlos brennt mit vielen Kerzen, aber er ist weit entfernt von Hernani. Und diese Intensität eines Menschen hängt bei Victor Hugo nicht von individuellen Charakterzügen ab, die für diesen oder jenen Helden charakteristisch sind. Eine der leidenschaftlichsten Persönlichkeiten des Dramas ist de Silva. De Silva ist ein alter Mann. Dies ist ein klassischer Wächter. Dieses Thema wurde bereits tausendfach diskutiert. Vor allem in der Komödie. Wie passiert das normalerweise? Ein Wächter, so ein alter Wächter, ist immer eine komische Persönlichkeit. Es wurde aber immer von Komödien entwickelt. Das sind komische Ansprüche an Jugend und Liebe. Nehmen wir an, ein klassisches Beispiel ist Don Bartolo in „Der Barbier von Sevilla“. Und Victor Hugos de Silva ist nicht lustig. Daran ist nichts Komisches. Beängstigend – ja. Und Lachen – nie und nirgendwo. Ich würde sagen, dass bei Victor Hugo die Leidenschaft – dieses Prinzip der Leidenschaft in seinen Dramen – die Charaktere verschlingt. Der Charakter verschwindet hinter der Leidenschaft. Und hier ist de Silva. De Silva, ja, das ist ein Wächter, das ist ein Aufseher, das ist ein Tyrann – das alles ist wahr. Aber die Intensität der Leidenschaft ist bei dieser Person so hoch, dass all diese Merkmale, all diese Details völlig verschwinden, verblassen. Das ist es, was von Leidenschaft verschlungener Charakter bedeutet.

Für Victor Hugo (das ist sein romantisches Theater) ist das Theater ein Spielplatz der Leidenschaften, es ist eine Demonstration menschliche Leidenschaft, ihre Allmacht. Es ist, würde ich sagen, übernatürlich. Es gibt keine Barrieren, keine Barrieren der Leidenschaft. Wie Sie sehen, gibt es nicht einmal Altersgrenzen. Leidenschaft stürzt die Natur, die Naturgesetze, die Grenzen der Natur um. Leidenschaft ist die Domäne menschlicher Herrschaft. Hier und in dem herrscht der Mensch – in der Welt der Leidenschaft. Für ihn gibt es hier keine Verbote, keine Einschränkungen. Für ihn gibt es hier kein „Nein“. Er kann alles tun. Erinnern Sie sich an die Romane von Victor Hugo, auch dort liegt es an der Macht der Leidenschaft, dass Menschen etwas Unvorstellbares, Undenkbares tun. Zum Beispiel Jean Valjean in „Les Miserables“.

Die Leidenschaft von Victor Hugo verwandelt, wie bei allen französischen Romantikern, einen Menschen in einen Übermenschen.

Sie kommen ins Victor-Hugo-Theater, um zu beobachten, wie Menschen, die durch Leidenschaft verwandelt werden, zu Übermenschen werden.

Diese Verwandlung von Menschen in Übermenschen schildert Victor Hugo in all seinen Romanen. Denken Sie an die Kathedrale Notre Dame. Zuerst da vor dir gewöhnliche Menschen in gewöhnlichen Rollen. Hier ist die Tänzerin Esmeralda mit ihrer Ziege mit vergoldeten Hörnern. Der düstere Erzdiakon Claude Frollo. Der hässliche Glöckner Quasimodo. Und beobachten Sie, wie sich alles nach und nach verändert. Wie Menschen aus ihren Rollen ausbrechen. Realistische Schriftsteller zeigen normalerweise, wie Menschen ihre Rollen spielen. Das ist ihre Aufgabe. Aber bei Victor Hugo kommt es darauf an, wie Sie aus Ihrer Rolle herausgekommen sind – ein Roman oder ein Drama wird aus diesem Grund geschrieben. Der strenge Claude Frollo, schulisch, literarisch – er verwandelt sich in einen verrückten Liebhaber. Vergessen, von Menschen gejagt, Quasimodo – in ihm offenbart sich die zärtlichste Seele. Diese Straßentänzerin Esmeralda – sie wird zum Schicksal so vieler Menschen. Das Auftauchen des Lebens aus seinen Grenzen, das Auftauchen der Menschen aus ihren Grenzen – das ist das Pathos von Victor Hugo und das ist das Pathos der Romantik. Denken Sie daran, was ich Ihnen über den Mississippi erzählt habe, der seine Ufer untergräbt. Das ist so ein Symbol der Romantik. Der Mississippi berücksichtigt seine Ufer nicht. Das Leben berücksichtigt seine Grenzen nicht, die Menschen berücksichtigen ihre Rollen nicht. Alles überschreitet seine Grenzen.

Das Vorwort zum Drama „Cromwell“ wurde von Zeitgenossen als Manifest wahrgenommen romantische Kunst. Es ebnete den Weg für das romantische Drama, das die französische Bühne zu erobern begann. „Ernani“ ist das erste dramatische Werk von Victor Hugo – die erste Verkörperung seiner Ideen. Die Uraufführung fand am 25. Februar 1830, am Vorabend der Julirevolution, im Französischen Komödientheater statt. Die angespannte Atmosphäre dieser Zeit verschärfte den literarischen Kampf, was zu den gesteigerten Leidenschaften rund um das Stück beitrug. Die Premiere von „Ernani“ wurde zu einer echten Manifestation.

Die Atmosphäre der Aufführung ist in den Memoiren von Théophile Gautier in seiner „Geschichte der Romantik“ und in den Memoiren der brillanten Mademoiselle Mars, die die Rolle der Doña Sol spielte, und im Tagebuch von Joannie, die diese Rolle spielte, festgehalten von Ruy Gomez, wo er schrieb: „ Wütende Intrige. Sogar Damen der gehobenen Gesellschaft mischen sich in sie ein... Im Saal kann kein Apfel hinfallen und es ist immer gleich laut" Und hier ist der Eintrag vom 5. März 1830: „ Der Saal ist voll, der Pfiff wird immer lauter; Darin liegt eine Art Widerspruch. Wenn das Stück so schlecht ist, warum wollen sie es sich dann ansehen? Und wenn sie so eifrig gehen, warum pfeifen sie dann?.»

Und sie pfiffen, weil die Anhänger des Klassizismus sich über die ständige Verletzung etablierter Theaterregeln, Verssysteme, des freien Wortschatzes und der Einheit von Zeit und Ort ärgerten. Die Ereignisse in „Ernani“, die manchmal unglaubwürdig erschienen, hallten in den Seelen des Publikums wider (Zeitgenossen konnten sich von der historischen Maskerade der Kostüme nicht täuschen lassen), das mit der Liebe eines Gesetzlosen zu einem Mädchen aus a sympathisierte privilegierte Gesellschaft und der den Verrat der Mächtigen, die Gemeinheit und Feigheit der Höflinge verachtete.

In Ernani verlängert sich die Dauer der Aktion deutlich über einen Tag hinaus und der Ort der Aktion ändert sich – die Ereignisse finden in Saragossa, Aachen und Aragonien statt. Allerdings hält der Autor, wie er im Vorwort zu Cromwell schrieb, strikt an der Einheit der Handlung fest: Der Konflikt von Liebe und Ehre verbindet alle Charaktere und ist der Motor der Intrige. Banaler Konflikt: „tres para una“, d.h. „ drei Männer für eine Frau“ (neben Hernani wetteifert bei Charles I. auch Doña Sols Onkel, Don Ruy Gomez Silva, um ihre Hand), – erhält in Hugos Stück eine erhaben dramatische Auflösung. Der glücklichste Tag der Helden, der Hochzeitstag, erweist sich auch als der tragischste: Der Klang eines fernen Horns entscheidet über ihr Schicksal: Sie müssen sterben. Einmal schwor der Räuber Ernani seinem Retter, dem Onkel der Braut, einen Eid, auf dessen erste Bitte hin sein Leben zu geben:

Was auch immer auf uns zukommt,

Wann immer Sie sich entscheiden, wo immer Sie sind,

Da der Tag dieser schrecklichen Rache bereits gekommen ist,

Blasen Sie zu meiner Zerstörung sofort in mein Horn.

Ich bin dein.

Der grausame Don Ruy Gomez Silva forderte am Tag der Hochzeit Hernanis Leben. Beim Versuch, ihren Geliebten zu retten, stirbt Dona Sol als Erste. In Hernani gelang es Hugo, seine Idee einer Verschmelzung aller Arten von Poesie zu verwirklichen.

Beeindruckend waren das rebellische Pathos, die Intensität der Leidenschaften, der Humanismus, der die Seele von Hugos Dramaturgie ausmachte. Der lyrische Held des Dramas ist ein Rebell, ein Verbannter, ein Tyrannenkämpfer. Er ist mutig und stolz auf sein Schicksal als Ausgestoßener:

Und ich... ich bin arm, nackt,

Mein Reich ist ein Wald, mein Zuhause ist eine abgelegene Schlucht.

Aber ich selbst könnte ein berühmtes Wappen haben,

Nicht mit blutigem Rost bedeckt, wie es jetzt ist,

Hohe Rechte auf Ruhm und Ehre,

Was das Gerüst in den Trauerfalten verbirgt.

Der Kampf zwischen Hernani und König Karl I. ist ein Duell der Tapferkeit und des Adels, bei dem der Räuber dem König ebenbürtig ist und ihn sogar übertrifft:

Ich habe als Kind geflucht

Dass meine Rache den Sohn für den Vater treffen wird.

O Carlos, ich suche dich, König von Kastilien,

Wir haben die Fehde zwischen zwei Familien begonnen.

Die Väter führten fast dreißig Jahre lang Feindschaft,

Ohne Mitleid zu kennen. Und lass sie jetzt verschwinden

Dennoch lebt der Hass weiter, ohne dass es eine Versöhnung gibt.

Dona Sol, eine junge Schönheit, ist ihrer Auserwählten würdig: Ihre Liebe ist rein, edel und erhaben, sie ist bereit, alle Nöte und Nöte des Lebens im Exil zu erleben, sie ist bereit, Hernani überall hin zu folgen:

Morgen geht es also über Nacht los!

Macht dir nichts aus, nein! Was ist der Herzog für mich, warum brauche ich ihn?

Ernani, ich bin bei dir. Du bist mein Engel oder mein Dämon,

Ich weiß nicht... Ich folge dir als Sklave überall hin

Ich werde dorthin gehen, wohin sie auch gehen. Bleibst du oder nicht?

Ich bin bei dir. Warum? Und ich werde nicht fragen.

Die Komplexität der Charaktere entsteht nach den Gesetzen der Romantik: Die Hauptsache jeder Figur ist der Kontrast. Ernani zum Beispiel ist ständig hin- und hergerissen von den Widersprüchen zwischen Liebe und Rachegelüsten, zwischen Liebe und dem Bedürfnis, der Ehre treu zu bleiben:

Oder willst du, dass ich dorthin gehe, wohin meine Augen schauen?

Mit einer Marke auf meiner Stirn? Gib es zurück, gib mir das Gift zurück,

Bringt ihn zurück – ich bete von ganzem Herzen, mit all meiner Leidenschaft!

Die Stärke der Leidenschaften bestimmt das Verhalten jedes Helden. Selbst die sanftmütige Donna Sol ist in der Lage, den König zu töten, wenn er ihre Ehre verletzt.

Wenn früher in der Tragödie der König der Träger der höchsten Gerechtigkeit war, wird jetzt die Stelle eines solchen Schiedsrichters von einer benachteiligten Person eingenommen Bürgerrechte, - Ernani. Obwohl Hugos Drama lange Monologe und manchmal Beilagen enthält, basiert es im Allgemeinen auf einer Abfolge dramatisch intensiver Szenen, in denen sich jeweils Ereignisse am Rande von Leben und Tod entwickeln: Melodram ist diesem Werk wie allen Dramen Hugos inhärent.

In Übereinstimmung mit der Wahrnehmung von W. Scott gibt Hugo den Zeitpunkt der Aktion an - 1519, macht auf die Merkmale der Kleidung des Königs und Ernani aufmerksam und stellt fest, dass Charles nach seiner Wahl zum Kaiser aufhört, ein Abenteurer zu sein, und wird Staatsmann, da es ihm wirklich innewohnte. Seiner Auffassung vom romantischen Historismus entsprechend richtet er den Fokus jedoch nicht auf gesellschaftliche Konflikte, sondern auf die persönlichen Schicksale auch historischer Persönlichkeiten.

Neuinszenierung von „ERNANI“ von VICTOR HUGO

Ein Triumphzug, die Rückkehr der siegreichen Truppen, vorbei unter zu diesem Anlass errichteten Bögen und über die Straße gespannten Blumengirlanden; die Schreie und der Jubel der begeisterten Menge, die erhobenen Hände, die nackten Köpfe; Donner des Ruhms, unterbrochen von Minuten ehrfürchtiger, ehrfürchtiger Stille, die nur das Klingeln der Waffen und den gemessenen Schritt von Halbzügen über das widerhallende Pflaster betont, als ob sie durch die respektvolle Bewunderung des Volkes erweitert würden – das ist es, was diese Produktion ausmacht „Ernani“ war eines der brillantesten und beeindruckendsten, die wir je gesehen oder gesehen haben.

So empfing das Premiere-Publikum, abgestumpft, kritisch, das die mittelmäßige Gleichförmigkeit und die banalen Ereignisse der modernen Komödie liebte, diese schönen Gedichte, die zu ihrer Zeit die Helden der Schlachten der Romantik waren: jetzt sind sie es nicht mehr erstickend vor Raserei, wie damals, in durch Schläge verbeulten Kürassen, im blutigen Rauch der Schlachten – mal sind sie stolz ruhig, atmen selbstbewusst und friedlich, mal sind sie in stille Feierlichkeit und allgemeine Anerkennung gehüllt.

In diesem feierlichen Bataillon gibt es keinen einzigen mittelmäßigen Soldaten. Doch hier und da erhob sich ein Vers über die anderen, wie ein zerrissenes, von Kugeln durchbohrtes Banner, wie eine mit Ruhm bedeckte Standarte, um die die Menschen heftig und tapfer kämpften, und bei ihrem Anblick erwachten längst vergessene Gefühle in uns wieder.

Selbst die Kritik konnte trotz ihrer demonstrativen Leidenschaftslosigkeit der allgemeinen Begeisterung nicht widerstehen. Wieder einmal ließen wir uns vorbehaltlos bewundern, denn alles in diesem Drama, das wir noch nie auf der Bühne gesehen hatten, erschien uns gleich schön – bis auf einige rein dramatische Fehler, die der Dichter absichtlich gemacht hatte, dessen Genialität unweigerlich war zieht ihn zur erhabenen Naivität großer Leidenschaften und großer Taten, deren epische Charaktere in der legendären Atmosphäre längst vergangener Zeiten agieren, und sie alle haben eine stolze Haltung und titanische Seelen, erheben sich hoch über die Kleinlichkeit unserer Konventionen, und sie alle sprechen die Sprache der unsterblichen Menschheit.

Wir haben nur einige Kommentare zur Bühneninszenierung, und selbst diese sind unbedeutend, da das ganze Drama als Ganzes perfekt gespielt wurde. Noch nie war Madame Sarah Bernhardt so berührend wie in ihrer neuen Rolle als Doña Sol. Noch nie zuvor hatte sie sie benutzt ein seltenes Geschenk Fühlen Sie tief und drücken Sie Ihre Gefühle auf einzigartige Weise aus. Bekannte Gedichte, die das Publikum flüstert, noch bevor es sie auszusprechen beginnt, erhalten dank ihrer musikalischen Diktion plötzlich eine unerwartete, herzergreifende Intonation, zum Beispiel der berühmte Vers:

Oh, wie schön bist du, mein edler Löwe!

die sie ihrem Partner mit einem ungewöhnlich jugendlichen, freudigen Impuls, voller naiver, ungezügelter Leidenschaft, zuwirft. Und welche Fähigkeit muss sie haben, zuzuhören, um sich anzustecken? dramatische Aktion! Doch alle Möglichkeiten ihres Talents entfalten sich besonders in den letzten Szenen, auf der duftenden Terrasse des aragonesischen Schlosses, als sie ihrem Mann, der sie mitnehmen will, zuflüstert: „Jetzt!“ - Sie sitzt weiterhin neben ihm und genießt ihr Glück in der geheimnisvollen Stille einer wundervollen Nacht.

Alles ist zu still und die Dunkelheit ist zu tief.

Möchten Sie das Licht der Sterne sehen?

Aus der Ferne fliegen?

O wankelmütiger Freund!

Du wolltest nur vor den Leuten davonlaufen.

Dona Sol

Vom Ball, ja! Aber wo die Vögel zwischen den Feldern sind.

Wo die Nachtigall mit einem leidenschaftlichen Gesang im Schatten schmachtet

Oder eine Flöte in der Ferne!.. Oh, mit wunderschöner Musik

Frieden senkt sich auf die Seele, wie ein himmlischer Chor.

Die Gedichte sind wunderbar. Aber welchen zusätzlichen Charme verleiht ihnen der Künstler! Wir befürchteten, dass diese sanfte Stimme, dieser klare Kristall, klangvoll und zerbrechlich, für die tragische Schlussexplosion nicht stark genug sein könnte. Aber wir haben das Talent der Künstlerin unterschätzt, die selbst aus dieser Schwäche die Gelegenheit herausholte, einige nie zuvor gehörte, reißende Intonationen zu finden, die ihrer schwierigen Doppelposition – zwischen Ruy Gomez und Hernani – entsprachen. Mounet-Sully, wie immer großartig und temperamentvoll, liefert Donna Sols Text brillant. Vielleicht ist er ein wenig hemmungslos, ein wenig übertrieben. An manchen Stellen spielt er zu wenig, geht nicht ins Detail, aber in allen lyrischen und Liebesszenen sucht er seinesgleichen. Der einzige gravierende Nachteil ist seine Rede, die so fieberhaft leidenschaftlich ist, dass es für den Zuschauer manchmal schwierig ist, ihm zuzuhören. Es muss jedoch gesagt werden, dass die Rolle von Hernani nicht dadurch gespielt werden kann, dass jeder Vers geprägt wird. Und wir ziehen das Talent von Mounet-Sully mit all seinen Patzern, mit ungezügelter Energieverschwendung, mit einem ungeordneten, ungestümen Verhalten dem ruhigen und vernünftigen Verhalten des alten Ruy Gomez de Silva vor.

M. Mauban verfügt immer über genügend Eifer und Anstrengung, aber keine Anstrengung könnte ihn zu den epischen Höhen bringen, auf denen sich das Bild des Herzogs befindet. Das ist das meiste lyrische Rolle in einem Theaterstück eine Rolle, die auf dem Proszenium in der Art einer italienischen Cavatina ausgesprochen werden muss, denn sie wird in majestätischen Tiraden ausgegossen, die der Handlung des Dramas nichts hinzufügen, aber seine moralische Schönheit verstärken.

Der Schauspieler hat nicht genug echte Stärke für diese poetischen Ergüsse. Er zieht sie wie Erzählabschnitte in einer Tragödie in die Länge und wird von streng kalkulierten Gesten begleitet – wie Bewegungen einer Hand, die unter einer römischen Toga hervorragt. Doch der Künstler, dem die Rolle des Don Carlos, also die schwierigste und undankbarste Rolle, zugeteilt wurde, meisterte seine Aufgabe so, dass er alle Erwartungen übertraf. Bis vor Kurzem sahen wir Herrn Worms nur in den Rollen des ersten Liebenden, in die er eine jugendliche Begeisterung einbrachte, die ihn zu einem würdigen Rivalen von Delaunay machte, und in der er durch hervorragende Diktion bestach. Aber an diesem Abend zeigte er in der Rolle des Don Carlos großes Können, großartige Kunst, die Fähigkeit, eine Rolle zu konstruieren, eine seltene Fähigkeit, sich selbst zu kontrollieren, eine Tendenz, das verkörperte Bild zu studieren, die vielleicht nicht mitgerissen werden sollte, damit die Aufführung nicht trocken wird, die sich aber in diesem Fall in angemessener Weise zeigte Maß, verdient Bewunderung. Der mal arrogante, mal leidenschaftliche, mal spöttische Worms begeisterte das Publikum vor allem mit seiner Lesung des unvergleichlichen Monologs aus dem vierten Akt. Mit großer Kraft und zugleich ungewöhnlich klar hebt er alle Schattierungen der Intonation hervor, alle beängstigenden, wechselhaften Böen des Sturms, der in seinem königlichen Kopf brodelt. Bravo-Rufe, die zu regelrechten Ovationen führten, belohnten ihn für seine Bemühungen.

Dennoch erlauben wir uns eine leichte Kritik, die sich jedoch weniger auf den Künstler als vielmehr auf die Inszenierung dieser Szene bezieht. Wir glauben, dass es dem plötzlichen Auftauchen von Don Carlos unter den Verschwörern an Feierlichkeit mangelt. Denken Sie: In dieser Situation liegt etwas Übernatürliches. Der Dichter häuft hier Effekte voller erhabener Lyrik an: König Carlos entsteigt dem Grab Karls des Großen, bleich und wie erhaben durch sein Gespräch mit dem Toten; er verzichtete auf sein früheres Wesen, seine Leidenschaften, seinen Hass, und zwar gerade in dem Moment, als drei Kanonenschüsse seine Wahl zum Kaiser verkündeten. Aber in der französischen Komödie verschwindet dieser Bühneneffekt. Die Bühne ist zu hell beleuchtet. Und es muss in tiefe Dunkelheit getaucht sein; Nur die Silhouette des Kaisers sollte beleuchtet werden, sie sollte sich vom Hintergrund des blassen, übernatürlichen Lichts abheben, das aus den Tiefen des Grabes ausgeht. Gleichzeitig hätte sich der Künstler nicht beeilen dürfen; er musste langsam und feierlich sprechen, damit die Verschwörer denken konnten, dass er zu ihnen sprach, dass Karl der Große selbst zu ihnen zurückkehrte. Unserer Meinung nach ist die Bühne zu hell und letzter Akt, als nach drei Hupenrufen oben auf der Treppe eine spitze Kapuze des alten Sidva auftaucht, die sein gesamtes Gesicht verbirgt. Wäre es dunkler gewesen, wäre dieses Phänomen eindrucksvoller gewesen. Generell ist jedoch anzuerkennen, dass die Inszenierung des Stücks sorgfältig durchgeführt wurde und alle darin enthaltenen Bildeffekte gut aufeinander abgestimmt waren. Der nächtliche Überfall von Hernanis Kameraden auf Saragossa, die Alarmglocke, die Schreie, die in Flammen stehende Stadt ergeben ein lebendiges Bild, das uns an den unvergesslichen Beginn des Dramas „Hass“ erinnert.