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Jede literarische Gattung ist in Gattungen unterteilt, die sich durch gemeinsame Merkmale einer Werkgruppe auszeichnen. Es gibt epische, lyrische, lyrisch-epische und dramatische Genres.

Epische Genres

Märchen(literarisch) – ein Werk in Prosa- oder Poesieform, das auf Folkloretraditionen basiert Volksmärchen(ein Handlungsstrang, Fiktion, Darstellung des Kampfes zwischen Gut und Böse, Antithese und Wiederholung als Leitprinzipien der Komposition). Zum Beispiel, satirische Geschichten MICH. Saltykow-Schtschedrin.
Gleichnis(von der griechischen Parabel – „hinten gelegen (platziert)“) – ein kleines Genre des Epos, ein kleines narrative Arbeit erbaulicher Natur, mit moralischen oder religiösen Lehren, basierend auf breiter Verallgemeinerung und der Verwendung von Allegorien. Russische Schriftsteller verwendeten in ihren Werken häufig Gleichnisse als eingefügte Episode, um die Erzählung zu ergänzen. tiefe Bedeutung. Erinnern wir uns an das kalmückische Märchen, das Pugachev Pjotr ​​​​Grinev erzählte (A. Puschkin „ Tochter des Kapitäns") - Tatsächlich ist dies der Höhepunkt bei der Enthüllung des Bildes von Emelyan Pugachev: „Anstatt dreihundert Jahre lang Aas zu essen, ist es besser, sich mit lebendigem Blut zu betrinken, und was wird Gott dann geben!“ Die Handlung des Gleichnisses über die Auferstehung des Lazarus, das Sonechka Marmeladova Rodion Raskolnikov vorlas, regt den Leser zum Nachdenken über die mögliche spirituelle Wiedergeburt der Hauptfigur des Romans F.M. an. Dostojewski „Verbrechen und Strafe“. In M. Gorkis Stück „In der Tiefe“ erzählt der Wanderer Lukas ein Gleichnis „über das gerechte Land“, um zu zeigen, wie gefährlich die Wahrheit für schwache und verzweifelte Menschen sein kann.
Fabel- kleines episches Genre; komplett mit Handlung, mit allegorische Bedeutung Die Fabel ist eine Illustration einer bekannten Alltags- oder Sittenregel. Eine Fabel unterscheidet sich von einem Gleichnis durch die Vollständigkeit der Handlung; eine Fabel zeichnet sich durch die Einheit der Handlung, die Prägnanz der Darstellung, das Fehlen detaillierter Merkmale und anderer Elemente nicht-narrativer Natur aus, die die Entwicklung der Handlung behindern. Normalerweise besteht eine Fabel aus zwei Teilen: 1) einer Geschichte über ein Ereignis, die spezifisch, aber leicht verallgemeinerbar ist, 2) einer moralischen Lektion, die der Geschichte folgt oder ihr vorausgeht.
Feature-Artikel- ein Genre, dessen Besonderheit das „Schreiben aus dem Leben“ ist. Die Rolle der Handlung wird im Essay abgeschwächt, weil... Fiktion spielt hier keine große Rolle. Der Autor eines Aufsatzes erzählt in der Regel in der Ich-Perspektive, was ihm ermöglicht, seine Gedanken in den Text einzubeziehen, Vergleiche und Analogien anzustellen – d.h. die Mittel des Journalismus und der Wissenschaft nutzen. Ein Beispiel für die Verwendung des Essay-Genres in der Literatur ist „Notes of a Hunter“ von I.S. Turgenjew.
Novelle(italienische Novelle – Nachrichten) ist eine Art Erzählung, ein episches, actiongeladenes Werk mit unerwartetem Ausgang, das sich durch Kürze, einen neutralen Präsentationsstil und einen Mangel an Psychologismus auszeichnet. Der Zufall, das Eingreifen des Schicksals, spielt eine große Rolle bei der Entwicklung der Handlung der Novelle. Ein typisches Beispiel Russische Kurzgeschichte ist ein Erzählzyklus von I.A. Bunin“ Dunkle Gassen„: Der Autor zeichnet die Charaktere seiner Figuren nicht psychologisch; Eine Laune des Schicksals, ein blinder Zufall bringt sie für eine Weile zusammen und trennt sie für immer.
Geschichte- ein episches Genre mit geringem Umfang, einer geringen Anzahl von Helden und einer kurzen Dauer der dargestellten Ereignisse. Im Zentrum der Geschichte steht ein Bild eines Ereignisses oder eines Lebensphänomens. Auf Russisch klassische Literatur Anerkannte Meister des Geschichtenerzählens waren A.S. Puschkin, N.V. Gogol, I.S. Turgenev, L.N. Tolstoi, A.P. Tschechow, I.A. Bunin, M. Gorki, A.I. Kuprin et al.
Geschichte- ein Prosagenre, das keinen stabilen Umfang hat und eine Zwischenstellung zwischen dem Roman einerseits und der Erzählung und Kurzgeschichte andererseits einnimmt und zu einer Chronikhandlung tendiert, die den natürlichen Verlauf des Lebens wiedergibt. Eine Geschichte unterscheidet sich von einer Kurzgeschichte und einem Roman durch den Textumfang, die Anzahl der Charaktere und aufgeworfenen Probleme, die Komplexität des Konflikts usw. In einer Geschichte kommt es nicht so sehr auf den Handlungsablauf an, sondern auf die Beschreibungen: Charaktere, Handlungsorte, psychologischer Zustand Person. Zum Beispiel: „The Enchanted Wanderer“ von N.S. Leskova, „Steppe“ von A.P. Tschechow, „Village“ von I.A. Bunina. In der Geschichte folgen Episoden oft nach dem Prinzip der Chronik aufeinander, es gibt keinen inneren Zusammenhang zwischen ihnen oder er ist abgeschwächt, daher ist die Geschichte oft als Biografie oder Autobiografie strukturiert: „Kindheit“, „Jugend“, „Jugend“ von L.N. Tolstoi, „Das Leben des Arsenjew“ von I.A. Bunin usw. (Literatur und Sprache. Moderne illustrierte Enzyklopädie / herausgegeben von Prof. A.P. Gorkin. - M.: Rosman, 2006.)
Roman(französischer Roman – ein Werk, das in einer der „lebenden“ romanischen Sprachen und nicht in „totem“ Latein geschrieben wurde) – ein episches Genre, dessen Bildthema einen bestimmten Zeitraum oder das gesamte Leben einer Person darstellt; Was ist dieser Roman? - Ein Roman zeichnet sich durch die Dauer der beschriebenen Ereignisse, das Vorhandensein mehrerer Handlungsstränge und ein Charaktersystem aus, das Gruppen gleicher Charaktere umfasst (z. B. Hauptcharaktere, Nebencharaktere, Episoden); Werke dieses Genres decken ein breites Spektrum von Lebensphänomenen und ein breites Spektrum gesellschaftlich bedeutsamer Probleme ab. Es gibt verschiedene Ansätze zur Klassifizierung von Romanen: 1) nach Strukturmerkmale(Gleichnisroman, Mythenroman, dystopischer Roman, Reiseroman, Versroman usw.); 2) zu Themen (Familie und Alltag, Sozial- und Alltagsleben, sozialpsychologisch, psychologisch, philosophisch, historisch, abenteuerlich, fantastisch, sentimental, satirisch usw.); 3) je nach der Epoche, in der die eine oder andere Romanart vorherrschte (ritterlich, aufklärerisch, viktorianisch, gotisch, modernistisch usw.). Es ist zu beachten, dass die genaue Klassifizierung der Genrevarianten des Romans noch nicht festgelegt ist. Es gibt Werke, deren ideologische und künstlerische Originalität nicht in den Rahmen einer Klassifizierungsmethode passt. Zum Beispiel die Arbeit von M.A. Bulgakovs „Der Meister und Margarita“ enthält sowohl akute soziale als auch philosophische Fragen; darin entwickeln sich die Ereignisse der biblischen Geschichte (in der Interpretation des Autors) und das zeitgenössische Moskauer Leben der 20-30er Jahre des 20. Jahrhunderts parallel, Szenen voller Dramatik sind satirisch eingestreut. Aufgrund dieser Merkmale des Werkes kann es als sozialphilosophischer satirischer Mythenroman eingestuft werden.
Epischer Roman- es handelt sich um ein Werk, bei dem es nicht um die Geschichte des Privatlebens geht, sondern um das Schicksal eines ganzen Volkes oder einer ganzen gesellschaftlichen Gruppe; Die Handlung basiert auf Knotenpunkten – wichtigen Wendepunkten historischer Ereignisse. Gleichzeitig spiegelt sich in den Schicksalen der Helden wie in einem Wassertropfen das Schicksal der Menschen wider und andererseits setzt sich das Lebensbild der Menschen aus individuellen Schicksalen, privaten Lebensgeschichten zusammen. Ein wesentlicher Bestandteil des Epos sind Massenszenen, dank derer der Autor ein verallgemeinertes Bild des Lebensflusses der Menschen und der Bewegung der Geschichte schafft. Bei der Erstellung eines Epos wird vom Künstler höchstes Geschick in der Verbindung von Episoden (Szenen des Privatlebens und Massenszenen), psychologische Authentizität bei der Darstellung von Charakteren, Historismus des künstlerischen Denkens gefordert – all dies macht das Epos zum Höhepunkt literarische Kreativität, die nicht jeder Schriftsteller erklimmen kann. Aus diesem Grund sind in der russischen Literatur nur zwei Werke des epischen Genres bekannt: „Krieg und Frieden“ von L.N. Tolstoi, „ Ruhiger Don» M.A. Scholochow.

Lyrische Genres

Lied- ein kleines poetisches lyrisches Genre, das sich durch die Einfachheit der musikalischen und verbalen Konstruktion auszeichnet.
Elegie(griechisch elegeia, elegos – klagendes Lied) – ein Gedicht mit meditativem oder emotionalem Inhalt, das philosophischen Gedanken gewidmet ist, die durch die Betrachtung der Natur oder zutiefst persönliche Erfahrungen über Leben und Tod, über (in der Regel) unerwiderte Liebe entstehen; Die vorherrschende Stimmung der Elegie ist Traurigkeit, leichte Traurigkeit. Elegie ist V.A.s Lieblingsgenre. Schukowski („Meer“, „Abend“, „Sänger“ usw.).
Sonett(italienisch sonetto, von italienisch sonare – ton) ist ein lyrisches Gedicht mit 14 Zeilen in Form einer komplexen Strophe. Die Zeilen eines Sonetts können auf zwei Arten angeordnet werden: zwei Vierzeiler und zwei Terzette oder drei Vierzeiler und ein Distichon. Vierzeiler können nur zwei Reime haben, während Terzette zwei oder drei haben können.
Das italienische (Petrarccan) Sonett besteht aus zwei Vierzeilern mit dem Reim abba abba oder abab abab und zwei Terzetten mit dem Reim cdc dcd oder cde cde, seltener cde edc. Französische Sonettform: abba abba ccd eed. Englisch (Shakespearean) – mit Reimschema abab cdcd efef gg.
Das klassische Sonett geht von einer bestimmten Abfolge der Gedankenentwicklung aus: These – Antithese – Synthese – Auflösung. Dem Namen dieser Gattung nach zu urteilen, wird besonderer Wert auf die Musikalität des Sonetts gelegt, die durch den Wechsel männlicher und weiblicher Reime erreicht wird.
Europäische Dichter entwickelten viele originelle Sonetttypen sowie den Sonettkranz – eine der schwierigsten literarischen Formen.
Russische Dichter wandten sich dem Genre des Sonetts zu: A.S. Puschkin („Sonett“, „An den Dichter“, „Madonna“ usw.), A.A. Fet („Sonett“, „Rendezvous im Wald“), Dichter des Silbernen Zeitalters (V.Ya. Bryusov, K.D. Balmont, A.A. Blok, I.A. Bunin).
Nachricht(Griechisch epistole - epistole) - ein poetischer Brief, zur Zeit von Horaz - philosophischer und didaktischer Inhalt, später - jeglicher Art: erzählerisch, satirisch, liebevoll, freundlich usw. Ein zwingendes Merkmal einer Nachricht ist das Vorhandensein einer Ansprache an einen bestimmten Adressaten, Motiven für Wünsche, Bitten. Zum Beispiel: „Meine Penaten“ von K.N. Batjuschkow, „Puschtschina“, „Nachricht an den Zensor“ von A. S. Puschkin usw.
Epigramm(Griechisch epgramma – Inschrift) – ein kurzes satirisches Gedicht, das sowohl eine Lehre als auch eine direkte Reaktion auf aktuelle, oft politische Ereignisse darstellt. Zum Beispiel: Epigramme von A.S. Puschkin über A.A. Arakcheeva, F.V. Bulgarin, Sasha Chernys Epigramm „Im Album an Bryusov“ usw.
Oh ja(aus dem Griechischen ōdḗ, lateinisch Ode, oda – Lied) – ein feierliches, erbärmliches, verherrlichendes lyrisches Werk, das der Darstellung wichtiger historischer Ereignisse oder Personen gewidmet ist und über bedeutende Themen religiösen und philosophischen Inhalts spricht. Das Genre der Ode war im Russischen weit verbreitet XVIII Literatur — Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte in den Werken von M.V. Lomonossow, G.R. Derzhavina, in frühe Arbeit V.A. Schukowski, A.S. Puschkina, F.I. Tyutchev, aber Ende der 20er Jahre des 19. Jahrhunderts. Ode wurde durch andere Genres ersetzt. Einige Versuche einiger Autoren, eine Ode zu schaffen, entsprechen nicht den Kanons dieses Genres („Ode an die Revolution“ von V. V. Mayakovsky usw.).
Lyrisches Gedicht- ein kleines poetisches Werk ohne Handlung; Der Fokus des Autors liegt auf der inneren Welt, intimen Erfahrungen, Reflexionen und Stimmungen des lyrischen Helden (der Autor des lyrischen Gedichts und der lyrische Held sind nicht dieselbe Person).

Lyrische epische Genres

Ballade(provenzalische Ballada, von ballar – zum Tanz; italienisch – ballata) – ein Handlungsgedicht, also eine Geschichte historischer, mythischer oder heroischer Natur, präsentiert in poetischer Form. Normalerweise basiert eine Ballade auf Dialogen zwischen Charakteren, die Handlung hingegen nicht unabhängige Bedeutung- Dies ist ein Mittel, um eine bestimmte Stimmung, einen Subtext, zu erzeugen. So ist „Lied vom prophetischen Oleg“ von A.S. Puschkin hat philosophische Untertöne, „Borodino“ von M. Yu. Lermontov - sozialpsychologisch.
Gedicht(Griechisch poiein – „erschaffen“, „Schöpfung“) – ein großes oder mittelgroßes poetisches Werk mit einer erzählerischen oder lyrischen Handlung (zum Beispiel „Der eherne Reiter“ von A. S. Puschkin, „Mtsyri“ von M. Yu. Lermontov , „Die Zwölf“ von A. A. Blok usw.) kann das Bildsystem des Gedichts einen lyrischen Helden enthalten (zum Beispiel „Requiem“ von A. A. Akhmatova).
Prosagedicht- ein kleines lyrisches Werk in Prosaform, das sich durch gesteigerte Emotionalität auszeichnet und subjektive Erfahrungen und Eindrücke zum Ausdruck bringt. Zum Beispiel: „Russische Sprache“ von I.S. Turgenjew.

Genres des Dramas

Tragödie- ein dramatisches Werk, dessen Hauptkonflikt durch außergewöhnliche Umstände und unlösbare Widersprüche verursacht wird, die den Helden in den Tod führen.
Theater- ein Theaterstück, dessen Inhalt sich auf die Darstellung des Alltagslebens bezieht; Trotz der Tiefe und Schwere betrifft der Konflikt in der Regel das Privatleben und kann ohne tragischen Ausgang gelöst werden.
Komödie- ein dramatisches Werk, in dem Handlung und Charaktere in witziger Form dargestellt werden; Die Komödie zeichnet sich durch die schnelle Entwicklung der Handlung, das Vorhandensein komplexer, komplizierter Handlungsstränge, ein Happy End und einen einfachen Stil aus. Es gibt Sitcoms, die auf listigen Intrigen und besonderen Umständen basieren, und Manierenkomödien (Charaktere), die auf der Verspottung menschlicher Laster und Unzulänglichkeiten basieren, High Comedy, Alltagskomödie, satirische Komödie usw. Zum Beispiel „Woe from Wit“ von A.S. Griboyedov – große Komödie, „The Minor“ von D.I. Fonvizina ist satirisch.

„Text“ ist ein ziemlich schwer zu definierendes Wort. Laut Wörterbüchern sind Texte im alltäglichen Sinne die Stimmung einer Person, wenn emotionale Elemente gegenüber rationalen Elementen überwiegen. Auch in der Literatur und Musik fand der Begriff „Lyrik“ seine besondere Bedeutung.

In diesem Artikel erklären wir Ihnen genauer, was Liedtexte sind.

Texte im Alltag

Wie wir oben sagten, sind Texte laut Wörterbüchern das Überwiegen des Emotionalen gegenüber dem Rationalen, jedoch eine gewisse Sensibilität diese Definition beschreibt sehr sparsam die volle Tiefe dieses Begriffs.

Das Wort „Lyrik“ ist vielfältig. So beschreibt der ziemlich gebräuchliche Ausdruck „lyrische Stimmung“ den Zustand einer romantischen, verliebten, emotionalen Person, aber in der Phrase „Lass die Texte“ spricht das Wort „Lyrik“ von erhabenen, langwierigen Überlegungen, und diese Überlegungen sind es nicht unbedingt über Liebe und Romantik. Aus diesem Grund sind Formulierungen wie „wenn“ sehr typisch.

Texte in der Literatur

Liedtexte gehören neben Epos und Drama zu den Gattungen der Literatur. Zu den lyrischen Genres gehören Ode, Elegie, Epigramm usw. Als Liedtext bezeichnet man auch eine Werksammlung dieser Art, beispielsweise eine Songtextsammlung.

Der Sinn lyrischer Literatur besteht darin, das Leben durch die Gefühle, Eindrücke, Erfahrungen und Gedanken einer einzelnen Figur – des lyrischen Helden – widerzuspiegeln. Der Fokus der künstlerischen Aufmerksamkeit liegt auf dem Bilderlebnis, und alle Ereignisse, die dem Helden widerfahren, werden durch das Prisma dieses Erlebnisses beschrieben.

Der größte russische Dichter A. S. Puschkin schenkte der Welt viele lyrische Gedichte, darunter die berühmtesten: „Ich habe dich geliebt ...“, „ Winterabend„, „Pushchina“ usw. A. A. Akhmatova begeisterte das Publikum auch mit einer Fülle lyrischer Werke – „Ich habe gelernt, einfach und weise zu leben ...“, „Lied letztes Treffen„, „Weißt du, ich schmachte in Gefangenschaft.“ S. A. Yesenin war auch ein berühmter Lyriker – „Geh weg, mein lieber Rus“, „Ich bereue nichts, ich rufe nicht an, ich weine nicht.“ ...“, „Brief an meine Mutter.“ Jeder Dichter ist also ein Lyriker.

Texte in der Musik

Lyrische Musik sind Kompositionen, bei denen emotionale und subjektive Elemente vorherrschen. Eines der häufigsten Genres von Musiktexten ist Romantik. Die Melodie einer Romanze ist in der Regel sehr eng mit dem Text verknüpft, viele Komponisten kombinieren sogar Romanzen zu Gesangsloops, zum Beispiel „Winterreise“ von Schubert oder „To a Distant Beloved“ von Beethoven.

Darüber hinaus gibt es in der Musik lyrisch-epische Symphonien, deren Begründer Schubert ist. Charakteristisch für solche Symphonien ist die Erzählung von Ereignissen, gepaart mit emotionalen Erlebnissen.

Texte (griechisch 1upkoB – musikalisch, melodisch) schildern im Gegensatz zu Epos und Drama, in denen komplette Figuren in verschiedenen Situationen agieren, die individuellen Zustände der Figur in einzelnen Momenten ihres Lebens. Dabei steht nicht der Gegenstand im Vordergrund, sondern das Subjekt der Aussage und sein Verhältnis zum Dargestellten. Die Bandbreite lyrischer Werke ist grenzenlos, da alle Phänomene des Lebens – Natur und Gesellschaft – menschliche Erfahrungen hervorrufen können. Der Lyriker nutzt solche, um ein Bilderlebnis zu schaffen Ausdrucksmittel und schafft Genreformen, die dem lyrischen Werk mehr Emotionalität verleihen.

Der Text tendiert zu einer kleinen Form. Das Prinzip des lyrischen Literaturtyps wurde von T. Silman formuliert: „So kurz wie möglich und so vollständig wie möglich“244.

Die Texte stehen im Widerspruch zur Tonneutralität, die in einem epischen Werk zu finden ist. In der phonetisch-rhythmischen Struktur ihres Textes, in der Wortwahl, in syntaktischen Konstruktionen steckt ein lyrischer Ausdruck, der Texte der Musik ähnlich macht.

In der Natur von Texten stehen, so der Hinweis des deutschen Wissenschaftlers J. Petersen, einzelne Zustände im Vordergrund menschliches Bewusstsein. Der Handlungsablauf wird im Liedtext nicht immer und sehr spärlich angedeutet. Wenn wir Puschkins Gedicht „Auf den Hügeln Georgiens liegt die Dunkelheit der Nacht ...“ lesen, können wir uns nur die Geschichte der Trennung zweier Menschen vorstellen, von denen einer mit heller Traurigkeit (...meine Traurigkeit ist hell, meine Traurigkeit ist voll von dir) erinnert sich an den anderen.

In Texten wird das Erlebnis nicht so sehr durch Worte ausgedrückt, sondern vielmehr maximal ausgedrückt. Das gesamte System der künstlerischen Mittel in der Lyrik unterliegt der Offenlegung der Dynamik menschlicher Gefühle. Deshalb L.Ya. Ginzburg schreibt über Lyrik als „die subjektivste Art von Literatur“, die „wie keine andere nach dem Allgemeinen, nach der Darstellung des Seelenlebens als Universellem strebt“245.

Literaturwissenschaftler sprechen bei der Charakterisierung von Texten von ihrer Suggestivität – der Fähigkeit, einen emotionalen Zustand „vorzuschlagen“ und intensiv zu vermitteln, und von ihrer Meditativen – der Fähigkeit, über die ewigen Probleme der Existenz nachzudenken.

„Suggestive Poesie, poetische Suggestion (von lat. viddesio – Hinweis, Suggestion) ist Poesie, überwiegend lyrischer Natur, die weniger auf logisch gebildeten Zusammenhängen als vielmehr auf Assoziationen, auf zusätzlichen semantischen und intonatorischen Nuancen basiert“246. So treten in Lermontovs Strophe unscharfe Bilder und unsichere Sprachstrukturen in den Vordergrund, die durch die Kraft des Rhythmus unterstützt werden:

Es gibt Reden – deren Bedeutung dunkel oder unbedeutend ist,

Aber es ist ihnen unmöglich, unbesorgt zuzuhören.

(M. Lermontov)

EIN. Veselovsky verstand Suggestivität als die Wirkung von Anregungen: „Diese Formeln, Bilder, Handlungen, die uns zu einem bestimmten Zeitpunkt nichts vorschlagen, nicht auf unsere Forderung nach fantasievoller Idealisierung eingehen, sterben vor der Wende aus oder werden vergessen; Diejenigen, deren Suggestivität vollständiger und vielfältiger ist und länger anhält, bleiben im Gedächtnis erhalten und werden aktualisiert ...<...>Wir sind alle mehr oder weniger offen für die Suggestivität von Bildern und Eindrücken; der Dichter ist sensibler für ihre kleinen Schattierungen und Kombinationen, nimmt sie besser wahr; Auf diese Weise ergänzt er uns, offenbart sich uns, aktualisiert alte Handlungsstränge mit unserem Verständnis und bereichert vertraute Wörter und Bilder mit neuer Intensität ...“247

Suggestive poetische Sprache ist mit der emotionalen Sphäre des Lesers verbunden. Es zeichnet sich durch melodische, philosophische und deklamatorische Intonationen aus,

die im Gedicht von V.V. zu hören sind. Mayakovsky „Hör zu!...“:

Hören!

Wenn die Sterne leuchten, bedeutet das schließlich, dass jemand sie braucht?

Möchte also irgendjemand, dass sie existieren?

Also nennt jemand diese Spucknäpfe eine Perle?

Die deklamatorische Intonation wird durch Figuren poetischer Syntax erzeugt – rhetorische Mittel, Wiederholungen.

N. Zabolotskys Gedicht „Der Wacholderbusch“ aus dem Zyklus „Letzte Liebe“ beschreibt den skurrilen Geisteszustand des lyrischen Helden. Der Dichter besaß das Geheimnis, unerwartete Kombinationen zu schaffen, gewagte Übergänge von einem Gefühl zum anderen. Hier sind zwei Strophen aus diesem Gedicht:

Ich habe im Traum einen Wacholderbusch gesehen,

Ich hörte ein metallisches Knirschen in der Ferne, ich hörte das Klingeln von Amethystbeeren,

Und im Schlaf, in der Stille, mochte ich ihn.

Im Schlaf roch ich leicht nach Harz. Biegen Sie diese niedrigen Stämme zurück,

Ich bemerkte in der Dunkelheit der Äste ein leicht lebendiges Abbild deines Lächelns.

Romantische Stimmung, „fesselnde Dunkelheit“, „Flüchtigkeit“ von Gefühlen, Bilder von Träumen, Nächten, alliterierte Linien, anaphorische Konstruktionen, Gedichte mit schönem Wohlklang – alles wird betont philosophischer Inhalt dieses Gedicht.

„Meditative Lyrik (von lateinisch tesIShyu – vertiefte und zielgerichtete Reflexion), eine genre-thematische Vielfalt der Poesie, die der philosophischen Lyrik ähnelt, aber nicht mit ihr verschmilzt …“1

Poetische Meditationen wurden ursprünglich mit der Meditationslehre in Verbindung gebracht – psychologischem, intensivem Nachdenken über etwas.

Dieses Genre nahm in der russischen Poesie der 1800er und 1810er Jahre einen herausragenden Platz ein, wodurch die Elegie die Ode ersetzte. Auch ein elegischer Anflug von „Nachdenklichkeit“ zeigte sich in den Botschaften. K.N. Batjuschkow hat in seinem Gedicht „An einen Freund“ den Zweck der „Nachdenklichkeit“ treffend formuliert: Ich suche darin Trost für mein Herz.

Die meditativen Texte basieren auf dem Thema der geheimnisvollen menschlichen Seele und ihres Schicksals.

Laut G.N. Pospelov: „Sprache, die emotionale Gedanken ausdrückt, ist meditative Sprache. Texte sind in erster Linie die verbalen Meditationen des Dichters, die seine innere Welt zum Ausdruck bringen. Dies ist die Hauptform der Lyrik, in der sie besondere Merkmale und Muster besonders deutlich zum Vorschein bringt“248.

Zusammen mit den meditativen Texten von G.N. Pospelov identifiziert auch seine anderen Spielarten: erstens visuelle Lyrik, vor allem beschreibende Lyrik, die die Außenwelt in ihrer „Statik“ wiedergibt, und zweitens visuell-narrative Lyrik, die die Phänomene der Existenz in ihrer Variabilität und Widersprüchlichkeit wiedergibt.

In der russischen Literatur gaben meditative Texte die abstrakte Kontemplation auf und erlangten philosophische und seltener soziale und figurative Konkretheit. Es genügt, sich an „Wandere ich durch die lauten Straßen?“ von A. Puschkin und „Ich gehe allein auf der Straße ...“ von M. Lermontov zu erinnern.

Im 20. Jahrhundert Beispiele für meditative Texte finden sich bei I. Annensky („Desire“, „Awakening“), B. Pasternak („Chalk, Chalk all over the Earth...“), R.M. Rilke (Duineser Elegien).

Liedtexte neigen mehr als andere Arten von Literatur dazu, einen positiven Start ins Leben darzustellen. „Texte sind ihrem Wesen nach ein Gespräch über das Bedeutsame, Erhabene, Schöne (manchmal in einer widersprüchlichen, ironischen Brechung); eine Art Ausstellung menschlicher Ideale und Lebenswerte. Aber auch Antiwerte – im Grotesken, in der Denunziation und der Satire; aber der Hauptweg der Lyrik führt hier nicht vorbei“, bemerkte A. Ya. Ginsburg249.

Texte beschränken sich nicht nur auf den Bereich des Innenlebens eines Menschen, den intime Texte offenbaren; sie werden auch von der äußeren Realität angezogen, denn die Beziehung eines Menschen zur Welt ist mehrdimensional, zur Zeit, in der er lebt, zur Natur, die ihn umgibt - daher die Konzepte philosophischer, bürgerlicher, landschaftlicher Lyrik.

Der Träger der in den Texten zum Ausdruck gebrachten Erfahrung ist der lyrische Held. Der lyrische Held ist, wie M. Prishvin feststellt: „Ich bin erschaffen“, „ein ganz spezifisches Bild einer Person, das sich grundlegend von den Bildern der Erzähler unterscheidet, über deren Inneres.“ Welt kennen wir in der Regel nichts. Wir kennen auch die Charaktere epischer und dramatischer Werke, die stets distanziert vom Autor sind.

Der lyrische Held ist nicht nur eng mit dem Autor, mit seiner Einstellung zur Welt, seiner spirituellen und biografischen Erfahrung, seiner spirituellen Stimmung, seinem Sprachverhalten verbunden, sondern erweist sich (fast in den meisten Fällen) als nicht von ihm zu unterscheiden. Die Texte im Haupt-„Array“ sind autopsychologisch. Gleichzeitig ist das lyrische Erlebnis nicht identisch mit dem, was der Dichter als biografische Persönlichkeit erlebt hat“250. Texte reproduzieren nicht nur die Gefühle des Dichters, sie transformieren sie.

Das Erscheinungsbild des lyrischen Helden wird vom Dichter wie ein künstlerisches Bild in anderen Literaturgattungen gestaltet. Die Beziehung zwischen der Persönlichkeit des Dichters mit seinen Gedanken und Gefühlen und dem lyrischen Helden ist die Verbindung, die zwischen einer realen Person, die gewissermaßen zum Prototyp einer bestimmten Figur geworden ist, und der vom Schriftsteller (dem Dichter) geschaffenen Figur entsteht ist der Prototyp des lyrischen Helden). Der Lyriker drückt sich in der Poesie aus (Mayakovsky sagte: „Ich bin ein Dichter. Und das macht mich interessant...“).

Eine der grundlegenden Fragen für das Verständnis der Lyrik als Literaturgattung ist die Frage, wie sich Autor und Subjekt (Sprecher) der Rede in der Lyrik verhalten. Von Platon und Aristoteles bis zum 19. Jahrhundert. Es gab die Auffassung, dass ein lyrisches Gedicht eine direkte Aussage über das lyrische Selbst und in gewisser Weise eine „autobiografische Aussage des Dichters“ sei. Nur Wissenschaft des 20. Jahrhunderts. hörte auf, den biografischen Autor mit dem Bild des Autors zu verwechseln, das in den Texten erscheint.

„Die Daten der historischen Poetik legen nahe, dass allen drei Arten von Literatur eine schwache Zerstückelung oder ein Synkretismus zwischen Autor und Held zugrunde liegt. Aber Epos und Drama gingen den Weg, diese Themen klar abzugrenzen und den Helden als „Anderen“ im Verhältnis zum Autor zu objektivieren. Der Text hingegen zeigte eine andere Entwicklungslinie: Indem er sich weigerte, den Helden zu objektivieren, entwickelte er keine klaren Subjekt-Objekt-Beziehungen zwischen dem Autor und dem Helden, sondern behielt die Subjekt-Subjekt-Beziehungen zwischen ihnen bei. Der Preis dafür war die Nähe des Autors und des Helden im Text, die das naive Bewusstsein als ihre Identität wahrnimmt“251.

B.O. Korman252 schlägt vor, den lyrischen Helden zu differenzieren. Er unterscheidet zwischen dem Autor-Erzähler, dem Autor selbst, dem lyrischen Helden und dem Helden von Rollenspieltexten. S.N. Broitman hält den Begriff „der Autor selbst“ für nicht ganz gelungen, da er auf die Identifizierung des Autors und des Helden drängt, und schlägt vor, das lyrische Selbst in diese Reihe einzubeziehen253.

Ansätze zur Lösung der theoretischen Seite der Frage nach dem Helden des Liedtextes wurden von M. Bakhtin skizziert und argumentierten, dass der Autor der geschaffenen Welt als einem in der Welt verwirklichten Wert innewohnt, zu dem auch ausgedrückte Werte gehören. d.h. bereits „heroische“ subjektive Formen, und dass die Besonderheit der lyrischen Literatur darin besteht, dass es in ihr im Gegensatz zu Epos und Drama keine „klaren und signifikanten Grenzen des Helden und damit keine grundsätzlichen Grenzen zwischen Autor und Autor“ gibt der Held m"254.

Der lyrische Held ist eine subjektive Form, die der „heroischen“ Ebene am nächsten kommt. Er ist nicht nur ein Subjekt an sich als lyrisches Ich, also ein eigenständiges Bild (was beim Autor-Erzähler und „dem Autor selbst“ nicht der Fall ist), sondern auch ein Subjekt – für – mit e b I, d.h. es wird zu einem eigenen Thema.

Nicht jeder Dichter hat einen lyrischen Helden. Und obwohl es in einem Gedicht offenbart werden kann, kann es nur in einem Gedichtzyklus oder im Kontext des Gesamtwerks des Dichters vollständig zum Ausdruck gebracht werden. Yu. Tynyanov, der den Begriff „lyrischer Held“ prägte, schrieb: „Blok ist Bloks größtes lyrisches Thema. Dieses Thema zieht als Thema eines Romans eine noch neue, ungeborene (oder unbewusste) Formation an. Sie sprechen jetzt über diesen lyrischen Helden. Er war notwendig, er war bereits von einer Legende umgeben, und nicht nur jetzt – sie umgab ihn von Anfang an, es schien sogar, als ob sie Bloks Poesie selbst vorausging, dass seine Poesie nur das postulierte Bild entwickelte und ergänzte. Die gesamte Kunst von Blok ist in diesem Bild personifiziert; Wenn sie über seine Gedichte sprechen, ersetzen sie die Poesie fast immer unfreiwillig durch ein menschliches Gesicht – und alle haben sich in das Gesicht verliebt, nicht in die Kunst.“

Das „menschliche Gesicht“ des lyrischen Helden ist in der Poesie des sehnsüchtigen und hin und her treibenden M. Lermontov, des leidenschaftlichen M. Tsvetaeva, des „schwerfüßigen Erzengels“ V. Mayakovsky und des lyrischen S. Yesenin deutlich zu erkennen.

Die konzeptionellste Beschreibung des lyrischen Helden stammt von L.Ya. Ginzburg, der glaubt, dass eine notwendige Voraussetzung für die Entstehung eines lyrischen Helden das Vorhandensein einer gewissen „Einheit des Bewusstseins des Autors“ ist, die sich „auf einen bestimmten Bereich von Problemen“ konzentriert und mit „stabilen Merkmalen – biografisch, psychologisch, Handlung“ ausgestattet ist “ und „nicht nur Subjekt, sondern auch Gegenstand des Werkes“ zu sein255.

Neben dem lyrischen Helden findet man die Empfänger seiner Gedichte – lyrische Charaktere, Gespräche mit denen unterschiedlicher Art sein können: Der junge Puschkin spricht mit einem älteren Freund im Gedicht „An Chaadaev“ und denkt über die Zukunft Russlands nach; Nekrasov wendet sich zunächst an den General, der seinem kleinen Sohn die Wahrheit über die Eisenbahnbauer verheimlicht, und beginnt dann im Gedicht „Die Eisenbahn“ ein Gespräch mit dem Jungen; M. Tsvetaeva wendet sich mit einer tragischen Frage an ihre Geliebte: Meine Liebe, was habe ich dir angetan? ^

Lyrische Charaktere können Prototypen haben, wie in M. Lermontovs Gedicht „Ich werde mich vor dir nicht erniedrigen ...“, das das Leiden des Dichters aufgrund von Verrat einfängt

N. Ivanova, wie im Gedichtzyklus von F. Tyutchev, der Erinnerung gewidmet E. Deniseva. In der Poesie von S. Yesenin gibt es Prototypen sowohl für das „Mädchen in Weiß“ als auch für das „Mädchen in Blau“.

Die Typologie lyrischer Charaktere kann biografisch reale und historische Personen (Chaadaev, Katharina die Große, Puschchin, V. Mayakovsky, A. Blok usw.) sowie fiktive Personen umfassen, die durch die Fantasie des Dichters geschaffen wurden (das Bild einer Seite, die „müde“ war). von der Königin“, die den „Turm von Chopins Schloss“ im Gedicht von I. Severyanin „Es war am Meer...“ spielte, das Bild der schönen Dame von A. Blok).

Lev Todorov stellt beim Aufbau einer Typologie lyrischer Charaktere fest, dass „der geistige Zusammenbruch eines Menschen im 20. Jahrhundert, ausgedrückt in poetische Kreativität, verkompliziert seine Typologie.“ Als Beispiel nennt er A. Akhmatovas Gedicht „Ich hatte eine Stimme. Er rief tröstend ...“, in dem das Bild des „beharrlichen, aber fremden Begleiters des Dichters eine unerwartete kompositorische und strukturelle Erscheinung annimmt: Er bleibt außerhalb des spezifischen poetischen Textes“ (und weist damit auf seine geringe, zweitrangige Bedeutung für den Autor hin). ) und „Für die lyrische Heldin ist die tragische Situation ihres Heimatlandes wichtig, die Ablehnung des Konflikts ist von grundlegender Bedeutung: Russland ist die Dichterin Achmatowa“256.

In der Poesie der Zeit des Großen Vaterländischen Krieges tauchte ein lyrischer Held bzw. eine lyrische Heldin auf, die in den Gedichten von K. Simonov, A. Surkov, O. Berggolts zum Symbol für Treue, Mut und Leben wurde.

A. Akhmatova, M. Isakovsky und andere.

Das Bild einer lyrischen Figur ist ein spezifisch und ästhetisch komplexes Phänomen der Poesie. Es enthüllt die allgemeinen Muster russischer Buchtexte.

Im 18. bis 19. Jahrhundert. Genres wie Duma, Idylle, Madrigal, Ode, Epistel, Ekloge, Elegie, Epitaph und Epigramm waren beliebt. Einige von ihnen wurden auch im 20. Jahrhundert kontaktiert.

Lyrische Werke von Dichtern des 19. – 20. Jahrhunderts. am häufigsten nach dem thematischen Prinzip klassifiziert. Herkömmlicherweise wird unterschieden zwischen: Bürgern mit solchen Texten – Gedichten mit gesellschaftspolitischem Klang („To Chaadaev“, „Arion“ von A. Puschkin, „Lebe wohl, ungewaschenes Russland...“ von M. Lermontov), ​​​​philosophische Texte – Gedichte – Reflexionen über die grundlegenden Fragen der Existenz („Brunnen“, „ZPepyit“ von F. Tyutchev), intime Texte – Gedichte über persönliche, hauptsächlich Liebeserlebnisse („Ich erinnere mich wundervoller Moment...“, „Madonna“ von A. Puschkin), Landschaftstexte – Gedichte über Naturerlebnisse („Frühlingsgewitter“ von F. Tyutchev, „Birke“ von S. Yesenin). Es muss jedoch berücksichtigt werden, dass die meisten lyrischen Werke mehrthematisch sind und verschiedene Motive enthalten können: Liebe, Freundschaft, bürgerliche Gefühle („19. Oktober 1825“ von A. Puschkin, „Ich schreibe Ihnen“ von M. Lermontov, „Ein Ritter für eine Stunde“ von N. Nekrasova).

Die Genreform eines lyrischen Gedichts, das entweder im Auftrag des Autors („Ich liebte dich“ von A. Puschkin) oder im Namen eines fiktiven lyrischen Helden („Ich wurde in der Nähe von Rschew getötet“ von A. Tvardovsky) geschrieben wurde, dient ein einzigartiges Erlebnis auszudrücken. In Fällen, in denen der Dichter eine ganze Reihe enger Erlebnisse festhalten muss, erstellt er einen poetischen Zyklus. In den 40er und 50er Jahren schrieb Nekrasov den berühmten „Panaev-Zyklus“ (Gedichte über A.Ya. Panaeva), in dem zum ersten Mal in der russischen Poesie neben dem Bild des lyrischen Helden auch das Bild einer Heldin auftauchte , mit eigener Stimme, wechselt von Vers zu Vers 257. Der Dichter schien sich hier der unmittelbaren Erfahrung der verschiedenen Wechselfälle einer Liebesbeziehung hinzugeben. Und das Bild seiner geliebten Frau offenbarte sich in immer neuen, manchmal unerwarteten Wendungen in ihm. Und im Zyklus „Die schreckliche Welt“ hielt A. Blok die tragischen Erfahrungen fest, die die düstere Realität Russlands in den Jahren 1909-1916 verursachte.

Neben dem Gedicht als Hauptform lyrischer Kreativität gibt es in der Lyrik auch eine größere Gattungseinheit – ein Gedicht (griech. ro1eta – Schöpfung, was natürlich mit dem russischen Wort „Kreativität“ verwandt ist). Das ist viel umfangreicher als ein Gedicht, ein Werk, in dem nicht eine, sondern eine ganze Reihe von Erfahrungen verkörpert werden. Dies ist beispielsweise das Gedicht „Requiem“ von A. Akhmatova, in dem die Haltung gegenüber der komplexen und tragischen Zeit der stalinistischen Repressionen mit großer Kraft zum Ausdruck gebracht und das Leiden einer Frau, Mutter und Ehefrau vermittelt wird.

Am häufigsten wird das Gedicht als lyrisch-episch eingestuft. Im Laufe der Geschichte des Schreibens ist das Gedicht eine der führenden Gattungen der Literatur, die Veränderungen durchmacht, aber zwei bedeutungsvolle Strukturzentren beibehält – die Wahl eines Themas, das den „Geist der Zeit, den Geist der Nation“ als Bedingung widerspiegelt sein epischer Inhalt und die Position des Erzählers, mit der das bewertende Moment in der Darstellung von Charakteren und laufenden Ereignissen, also der subjektive, persönliche Anfang, verbunden wird. Bereits im klassischen Gedicht war jene subjektive Sicht auf das Geschehen vorhanden, die im Laufe der Entwicklung der Gattung ihren Ausdruck fand lyrische Exkurse, an die Muse gerichtet, in Einleitungen und Epilogen1. Die Hauptmerkmale des Gedichts sind das Vorhandensein einer detaillierten Handlung und gleichzeitig die tiefe Entwicklung des Bildes des lyrischen Helden (A. Tvardovsky „By the Right of Memory“). Die Schwerpunkte können sich ändern: Beispielsweise stehen in Puschkins Gedicht „Graf Nulin“ Ereignisse an erster Stelle und in V. Mayakovskys „Eine Wolke in Hosen“ das „Feuer des Herzens“ des lyrischen Helden.

Ein modernes Gedicht im Sinne von L.I. Timofeev ist „eine große Form des lyrisch-epischen Genres, ein poetisches Werk mit einer handlungserzählerischen Organisation, eine Geschichte oder ein Roman in Versen“258. In der modernen Literatur hat sich auch ein dramatischer Zweig des Gedichts entwickelt – das poetische Drama, in dem „das epische Prinzip vorherrscht und die Anwesenheit eines lyrischen Helden äußerlich ausschließt.“ Das Subjektive oder Lyrische manifestiert sich hier durch ein System objektivierter Bilder, ist aber stets präsent. Erinnern wir uns an die berühmte Bemerkung aus der Verstragödie von A. Puschkin „Boris Godunow“: Das Volk schweigt. In diesem Schlagwort enthält nicht nur ein bewertendes Moment, ein subjektives, auktoriales Prinzip, sondern skizziert auch Puschkins historisches und philosophisches Konzept von „Volk und Staat“259.

Auch poetische Dramen stehen dem Gedicht nahe: „Pugachev“

S. Yesenina, „Rembrandt“ von Dm. Kedrin, „Die Kathedrale“ von J. Marcinkevičius.

Ein weiteres Genre, das ebenfalls mit dem Lyrik-Epos verwandt ist, ist die Ballade (französische Ballade aus Mittellateinisch balla-ge – tanzen, aus der Provence balada – Tanzlied) – ein Chorlied in der mittelalterlichen europäischen Poesie. Das Wort „Ballade“ hat mehrere Bedeutungen. 1.

Die solide Form der französischen Poesie des 14.-15. Jahrhunderts: drei Zeilen identischer Reime mit einem Refrain und einer abschließenden Halbstrophe „Prämisse“ (Ansprache an den Adressaten). Anschauliche Beispiele finden sich in der Poesie von F. Villon. 2.

Lyrisch-episches Genre der schottischen Volksdichtung des XIV.-XVI. Jahrhunderts. zu historischen (später - märchenhaften und alltäglichen) Themen über Grenzkriege, über den Volkshelden Robin Hood. Normalerweise mit Tragödie, Mysterium, abrupter Erzählung, dramatischem Dialog260.

In der mündlichen Volksdichtung wurde die Ballade als lyrisch-episches Werk gestaltet, das sich durch eine fantastische Farbgebung auszeichnet.

Zu Volksballaden gab es großes Interesse im Zeitalter der Vorromantik und des Realismus. Die deutschen Volksballaden „Der Bauer und der Ritter“, „Die Ballade von Heinrich dem Löwen“, „Der Streit zwischen Leben und Tod“, „Der kleine Geiger“, „Die Ballade vom hungrigen Kind“, „Alte Vorhersagen eines „Imminent War“ sind weithin bekannt.

die jedoch im Frühjahr enden wird“, „Lorelei“, Volksdichtungssammlungen von T. Percy „Monuments of Ancient English Poetry“ (1765) und L. Arnim zusammen mit C. Brentano „ Zauberhorn Junge“ (1806-1808), Beispiele der russischen Familienballade „Wassili und Sophia“.

Es gibt verschiedene Arten von Balladen: heroische, historische, alltägliche, lyrische, komische und Liebesballaden. Aus der Volksballade entstand ein ähnliches Genre literarischer Balladen sowohl in der ausländischen als auch in der russischen Literatur.

Wunderbare Balladenbeispiele stammen von F. Schiller („Cup“, „Glove“, „Polycrates‘ Ring“), I.-V. Goethe („Die korinthische Braut“, „Der Waldkönig“); R. Burns („John Barleycorn“), R.-L. Stevenson („Heather Honey“), A. Milne („The Ballad of the Royal Sandwich“). Die größte Verbreitung erlangte die Ballade im Zeitalter der Romantik. Viele Balladen sind mit Legenden verbunden („Lied vom prophetischen Oleg“ von A. Puschkin), mit fantastischen mysteriösen Vorfällen („Ljudmila“, „Svetlana“ von V. Schukowski). In einer romantischen Ballade erscheint die Welt als ein Königreich mystischer, übernatürlicher Kräfte, die Ereignisse spielen sich in einer Atmosphäre des Mysteriums ab, die Charaktere sind Geister, Tote usw.

Im 20. Jahrhundert Während der Krise der romantischen Weltanschauung verliert die Ballade allmählich ihren mystischen Charakter, behält aber das Interesse an außergewöhnlichen Phänomenen („Die Ballade vom blauen Sack“, „Die Ballade der Nägel“ von N. Tichonow, „Die Ballade der Zwanzig“) -Sechs"

S. Yesenin, „Grenada“ von M. Svetlov, „Ballad of a Comrade“ von A. Tvardovsky, „Ballad of Three Soldiers“ von K. Simonov).

Elegie (griechisch elegeia von elegos – klagendes Lied) ist ein lyrisches Gedicht, das von einer Stimmung der Traurigkeit und Traurigkeit durchdrungen ist. Sie entschied sich dafür Antikes Griechenland im 7. Jahrhundert N. e. wie ein Gedicht, das unabhängig vom Inhalt in elegischen Versen geschrieben wird. Die Themen der Elegie waren zunächst vielfältig: von sehr sozial bis hin zu stark subjektiv. In der neuen europäischen Literatur verliert die Elegie ihre formale Klarheit, erlangt aber inhaltliche Gewissheit und wird zum Ausdruck überwiegend philosophischer Überlegungen, trauriger Gedanken und Trauer. So definierte N.V. das Genre der Elegie. Gogol: Elegie – „Das ist eine herzliche Geschichte – es war wie ein freundlicher, offener Brief, in dem die Wendungen und Zustände von selbst zum Ausdruck kommen.“ innere Seele... Wie ein herzlicher Brief kann sie sowohl kurz als auch lang sein, sparsam mit Worten und unerschöpflich gesprächig, sie kann einen Gegenstand und viele Gegenstände umarmen, je nachdem, wie nah diese Gegenstände ihr am Herzen liegen. Am häufigsten trägt sie melancholische Kleidung, am häufigsten sind darin Klagen zu hören, denn normalerweise möchte ihr Herz in solchen Momenten seine Meinung sagen und ist gesprächig.“261

Mit der Entwicklung des Sentimentalismus und insbesondere der Romantik kam Neues in die elegische Poesie.

Die Elegie fängt die Diskrepanz zwischen romantischem Ideal und Realität ein. Bezeichnend in diesem Sinne sind die Elegien von V. Schukowski („Abend“, „Meer“). Er „war der erste in Russland, der in elegischer Sprache die Klagen eines Menschen über das Leben äußerte“, schrieb V.G. Belinsky.

Romantiker, die sich über das Schicksal beklagten, suchten normalerweise in der von ihnen geschaffenen Traumwelt das Vergessen. Für realistische Lyriker liegen sowohl Traurigkeit als auch Freude innerhalb der Grenzen der irdischen Realität. Dies sind die Elegien von A. Puschkin. In seiner Elegie „Wandere ich durch die lauten Straßen?“ werden Gedanken über den Tod, über die Zerbrechlichkeit alles Lebendigen durch Gedanken an den Wechsel der menschlichen Generationen, an die Ewigkeit des Lebens gemildert. Im Wesentlichen endet es mit einer Hymne an die Jugend:

Und möge das Leben am Eingang von Youngs Grab spielen,

Und die gleichgültige Natur erstrahlt in ewiger Schönheit.

In der Elegie „Verrückte Jahre, verblasster Spaß ...“ werden Puschkins eher düstere Gedanken über die Zukunft (das aufgewühlte Meer verspricht mir Arbeit und den Kummer der Zukunft) durch die Überzeugung ersetzt, dass das Leben schön und voller großer Bedeutung ist. Darin formulierte der Dichter seine Lebensphilosophie:

Aber ich möchte nicht sterben, ihr Freunde.

Ich möchte so leben, dass ich denken und leiden kann ...

In der Poesie von N. Nekrasov diente die Elegie als Mittel zur gesellschaftlichen Enthüllung der hässlichen Seiten der russischen Gesellschaft. Die Stimmung der Traurigkeit wird durch Reflexionen über das Schicksal der Menschen im leibeigenen Russland verursacht. Die Elegie „Fahre ich nachts eine dunkle Straße entlang?“ wurde vom tragischen Schicksal einer Frau inspiriert: Hunger, Tod eines Kindes, Zwangsprostitution. In dem Gedicht „Elegie“ spricht N. Nekrasov mit Bitterkeit über den russischen Bauern, dessen Situation sich nach der Reform nicht verbessert hat, und stellt die Frage: Das Volk ist befreit, aber ist das Volk glücklich?

Elegische Motive in der russischen Poesie des 20. Jahrhunderts. werden in erster Linie mit der Arbeit von S. Yesenin in Verbindung gebracht („Ich bereue nicht, ich rufe nicht, ich weine nicht ...“, „Jetzt gehen wir nach und nach ...“ usw.) . Beim Nachdenken über den Tod freut sich der Dichter darüber, dass er die Gelegenheit hatte, das Leben, seine Freude und Schönheit zu erleben:

Ich weiß, dass es in diesem Land keine in Dunkelheit erstarrten Felder geben wird ...

Deshalb liegen mir die Menschen am Herzen,

Dass sie mit mir auf der Erde leben.

Bei der Beherrschung der Definition von Elegie muss man bedenken, dass „die Welt der elegischen Poesie in keine Definitionen der Kritik und der Literaturtheorie passt; sie konnten ihre Umrisse nur mit einem gewissen Grad an Sicherheit skizzieren“262.

Duma ist ein episch-lyrisches Genre der ukrainischen verbalen und musikalischen Kreativität des 15.-17. Jahrhunderts. Ursprünglich wurden sie von Kobzari-Sängern (Bandura-Spielern) gesungen. Sie hatten einen historischen Inhalt und zeichneten sich durch freien Rhythmus und Improvisation aus.

Die Dumas hatten heroischen, alltäglichen und satirischen Inhalt. Im 19. Jahrhundert Poetische Überlegungen zu historischen, philosophischen und moralischen Themen wurden zunehmend als Gedanke bezeichnet. Einige Merkmale der Poetik der Duma wurden in ihren Werken von K. Ryleev verwendet, der am Beispiel der Helden der russischen Geschichte Iwan Susanin, Ermak, Dmitri Donskoi und anderen seinen Zeitgenossen beibrachte, ihrem Vaterland zu dienen, und M. Lermontov, der in seiner „Duma“ die Generation der 30er Jahre des 19. Jahrhunderts charakterisierte

I d yll and I (griechisch e1s1uShop – Bild) ist eine Genreform der bukolischen Poesie. Es handelt sich um ein kurzes Gedicht in narrativer oder dialogischer Form mit einer Beschreibung friedliches Leben Hirten Idyllen wurden von A. Sumarokov, Y. Knyazhnin, N. Gnedich, V. Zhukovsky geschrieben.

Traum? t (italienisch Sonett, von Provence-Sonet – Lied) als lyrische Gattung mit langer Tradition ist eine stabile poetische Form, bestehend aus 14 Zeilen (zwei Vierzeiler und zwei Terzetten).

Erste große Meister Auf dem Sonett erschienen italienische Dichter des 13. – 16. Jahrhunderts. Dante und Petrarca. Petrarcas Sonette zu Ehren Lauras und zum Tod Lauras gehören zu den Höhepunkten der Renaissance-Dichtung. Im XI-XVII Jahrhundert. Das Sonett war das beliebteste Genre der italienischen Poesie. Ein klassisches Beispiel für Sonette, die im sogenannten „italienischen Reim“ geschrieben sind, ist das Sonett von L. de Camoes, ein Klassiker der portugiesischen Literatur (16. Jahrhundert):

Leere Träume, die nichts bedeuten

Mittlerweile richten sie erheblichen Schaden an,

Erst später wird einem klar, wie viele Probleme dort verborgen waren, wo der Erfolg sichtbar war.

Das Schicksal ist launisch, die Liebe ist blind,

Worte werden wie der Wind davonfliegen – und nein;

Viele Jahre später blicke ich zurück,

Was Ihnen komisch vorkam, werden Sie sich weinend erinnern.

Das Leben ist ein geliehenes Juwel

Dessen äußere Brillanz selbst dem Unwissenden zugänglich ist,

Aber die Essenz ist im Schutz der Dunkelheit verborgen.

Vertraue keinen Chimären, vertraue nur dieser Hoffnung

Was wird leben, solange wir die Liebe in unseren Herzen behalten, und wird nicht zuerst ausgehen.

Im 16. Jahrhundert Das Sonett ist seit dem 18. Jahrhundert in der portugiesischen, spanischen, französischen und englischen Poesie weit verbreitet. - auf Russisch. Seine Geschichte reicht mehrere Jahrhunderte zurück. In der Epoche des Klassizismus und der Aufklärung war die Gattung des Sonetts nicht weit verbreitet; in der Blütezeit der Romantik und des Symbolismus erwachte sie als Gattung der Philosophie, Landschaft und Kunst wieder zum Leben Liebestexte. Die Sonettform eignete sich zum Ausdruck vielfältiger Gedanken und Gefühle, was durch die klare innere Gliederung des Sonetts erleichtert wird.

Für die Sonettform gelten bestimmte Anforderungen: 1)

seine Zusammensetzung ist wie folgt: 14 Zeilen mit 2 Vierzeilern und 2

Terzette; 2)

die Normativität der Anzahl der Reime und Reimmethoden (in einem „französischen“ Sonett ist es am häufigsten abba abba cde dedf im „Englischen“ – abab cdcd efef gg); 3)

Die Versgröße für ein Sonett war recht stabil – elf Silben in italienischer und spanischer Poesie, alexandrinische Verse in französischer Sprache, jambischer Pentameter in englischer Sprache, jambischer Pentameter und Hexameter in deutscher Sprache. Russische Sonette wurden oft in jambischen Pentametern und Hexametern geschrieben, es war jedoch üblich, auf jambische Tetrameter, trochäische Verse und dreisilbige Metren zurückzugreifen; 4)

Verbot der Wortwiederholung; das letzte Wort muss „Schlüssel“ sein; 5)

die Vollständigkeit jedes Teils des Sonetts.

Die ersten Experimente in diesem Genre in der russischen Literatur stammen von V. Trediakovsky. Besondere Popularität erlangte das Sonett im 19. Jahrhundert. mit der Entwicklung der Romantik (A. Delvig, V. Venediktov, A. Grigoriev). A. Puschkin schuf brillante Sonette. Eines seiner Sonette enthält eine kurze Geschichte Entwicklung dieser Gattung (Der strenge Dante verachtete das Sonett nicht, / Petrarca schüttete darin die Hitze seiner Seele aus...). Puschkin hat die jahrhundertealte Geschichte des Sonetts in 14 Zeilen nachgebildet. Im ersten Vierzeiler - die Geschichte des Sonetts vom Mittelalter bis Puschkin; es enthält die Namen von Dante, F. Petrarca, W. Shakespeare, Camões. Im zweiten schreibt der Dichter über seinen Zeitgenossen – den englischen romantischen Dichter W. Wordsworth, dessen Zeile „Verachte das Sonett nicht, Kritiker“ zum Epigraph wurde Puschkins Gedicht. Tercetto A.C. Puschkin richtete sich an seine Freunde A. Mitskevich und A. Delvig263.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Sonette wurden von K. Balmont geschaffen,

V. Bryusov, M. Voloshin, I. Bunin und andere. Später experimentierten S. Kirsanov und I. Selvinsky mit der Sonettform, einer ihrer poetischen Zeilen „Es gibt Strophen aus Perlen“ kann als poetische Definition von a angesehen werden Sonett. Das 20. Jahrhundert gilt zu Recht als das „Goldene Zeitalter“ des russischen Sonetts. Die Thematik des russischen Sonetts ist vielfältig: von intimen (Liebes-)Lyriken bis hin zu tiefgründigen philosophischen Reflexionen, von Legenden und Mythen bis hin zu konkreten historischen Ereignissen, von Beschreibungen von Naturbildern bis hin zu Reflexionen über gesellschaftspolitische Probleme.

Ein Beispiel für intime Texte ist das Sonett von M. Woloschin:

Wie die Milchstraße flackert deine Liebe in mir mit sternenklarer Feuchtigkeit,

In Spiegelträumen über dem wässrigen Abgrund ist der Diamant der Folter verborgen.

Du bist ein tränenreiches Licht in der eisernen Dunkelheit,

Du bist bitterer Sternensaft. Und ich,

Ich bin der dunkle Rand der blinden und nutzlosen Morgendämmerung.

Und die Nacht tut mir leid... Deshalb

Dass die ewigen Sterne unser angeborener Schmerz sind neuer Tod Wird es dein Herz zusammenhalten?

Wie blaues Eis mein Tag ist... Schau!

Und das diamantene Zittern der Sterne verblasst in der schmerzlosen Kälte der Morgendämmerung.

F. Sologub reflektiert in seinem Sonett die historische Prädestination Russlands:

Du spielst immer noch, du bist immer noch eine Braut.

Sie alle in Erwartung eines hohen Schicksals,

Du entfernst dich schnell von der tödlichen Linie,

Und der Durst nach Leistung begann in deiner Seele zu glühen.

Als der Frühling deine Felder mit Gras bedeckte,

Du strebst nach deinen Träumen in die neblige Ferne,

Du beeilst dich, machst dir Sorgen und zerknitterst und zerknitterst Blumen, mit einer geheimnisvollen Hand von der himmlischen Grenze

Hier verstreut als schönes Geschenk für Sie.

Gestern dem langsamen Schicksal gehorsam,

Du bist plötzlich empört, wie ein mächtiges Element,

Und du spürst, dass deine Zeit gekommen ist,

Und du bist nicht mehr derselbe wie gestern,

Mein plötzliches, unerwartetes Russland. A.A. Achmatowa ist sich des schwierigen Weges des Schöpfers bewusst:

Ich stelle mir immer wieder Ihre Arbeit vor.

Deine gesegneten Werke:

Linden, ewiger Herbst, Vergoldung und Blau des heute geschaffenen Wassers.

Denken Sie, und der subtilste Schlaf führt mich bereits in Ihre Gärten,

Wo, von jeder Wendung erschrocken,

In der Bewusstlosigkeit suche ich nach deinen Spuren.

Werde ich unter das verklärte Gewölbe eintreten,

Von deiner Hand in den Himmel verwandelt,

Um mein hasserfülltes Fieber abzukühlen?

Dort werde ich für immer gesegnet sein,

Und die rotglühenden Augenlider schließen sich,

Dort werde ich das Geschenk der Tränen wiederfinden.

(An den Künstler)

Die Form des Sonetts hat sich im Laufe der Jahrhunderte verändert, sowohl in der Wahl der Größe und Reimmethode als auch in der Anordnung der Vierzeiler und Terzette, an der Grundstruktur des Sonetts hat sich jedoch nichts geändert. Im Sonett von K. Balmont werden alle Vorteile dieser poetischen Gattung erwähnt:

Ich liebe dich, Vollständigkeit des Sonetts,

Mit deiner arroganten Schönheit,

Wie die korrekte Klarheit der Silhouette einer Schönheit, außerordentlich einfach,

Dessen Figur ist luftig mit einer jugendlichen Brust, die den Glanz von mattem Licht in der Welle bewegungsloser goldener Haare behält,

Durch deren Prunk ist sie halb bekleidet.

Ja, ein wahres Sonett ist wie du, plastische Freude an der Schönheit, -

Aber manchmal rächt er sich mit seiner Melodie.

Und mehr als einmal traf das Sonett das Herz, brachte den Tod, brannte vor Wut, kalt, scharf, präzise, ​​wie ein Dolch.

(Lob an das Sonett)

Obwohl das Sonett ist traditionelles Genre, aber er ist mobil. Trotz strenger Regelung kommt es in vielen Sonetten zu berechtigten Abweichungen vom Standard. In den Gedichten moderner Dichter, die glauben, dass jedes Gedicht mit 14 Zeilen ein Sonett sei, verschwimmen leider die Genregrenzen des Sonetts.

Madrigal (von italienisch tapsga – Herde oder Provence chaps!ge – Hirte) – in der klassischen Poesie ein Gedicht mit lobendem, schmeichelhaftem Inhalt, das normalerweise einer Frau gewidmet ist. Dieses Genre entstand im XIV.-XVI. Jahrhundert. und war eine beliebte Liedform. Es wurde von Dichtern der Renaissance (Petrarca, Boccaccio, Sacchetti) gepflegt und in freien Versen verfasst. Seit dem 17. Jahrhundert Das Madrigal verlor den Bezug zur Musik und blieb eine Art galantes Kompliment. I. Dmitriev nutzte eines der Merkmale dieses Genres, nämlich dass das Ende des Madrigals normalerweise eine paradoxe Bedeutung hatte:

Ehrlich gesagt kann ich meine Augen nicht von dir lassen;

Aber was reizt Sie? Das Rätsel ist unverständlich!

Du bist nicht schön, wie ich sehe... aber angenehm!

Du hättest besser sein können; aber es ist besser so wie es ist.

In der russischen Poesie des 19. Jahrhunderts. Das Madrigal wird zu einer Gattung von Salon- und Albumtexten. Die Meister dieses Genres waren N. Karamzin, A. Puschkin, M. Lermontov.

„Die Seele ist körperlich“, versichern Sie allen kühn.

Ich stimme zu und atme Liebe:

Dein schönster Körper ist nichts weiter als eine Seele!

(M. Lermontov)

Epistel oder Epistola (griechisch ep151о1ё – Brief) – Literarisches Genre, ein poetischer Brief an eine Person. Die Zeit seiner Verbreitung ist das 17.-18. Jahrhundert. In Frankreich klassische Designs Die Botschaften wurden von N. Boileau und Voltaire erstellt, in Deutschland von F. Schiller und I.-W. Goethe, in Russland kennt man die „Botschaft an Dmitriev“ von N. Karamzin mit 170 Zeilen, die Botschaft von A. Kantemir („An meine Gedichte“), D. Fonvizin („Botschaft an meine Diener“), A. Puschkin („In den Tiefen des sibirischen Erzes ...“). Puschkin befreite dieses Genre von der Ausführlichkeit, sättigte es mit Gedanken und brachte die Sprache näher an die Umgangssprache heran, beispielsweise in „Botschaft an den Prinzen. Gortschakow.“ Im Zeitalter der Romantik geriet die Epistol nach und nach aus der Mode Mitte des 19 V. hört als Genre auf zu existieren.

Der Tabakrauch hat sich aus der Luft gefressen.

Zimmer -

Kapitel in Kruchenykhovs Hölle.

Denken Sie daran – zum ersten Mal hinter diesem Fenster

In seiner Raserei streichelte er deine Hände;

oder eine Gruppe von Menschen, wie in seinem Gedicht „Hey!“:

Damit jeder seinen nördlichen Geist vergisst, liebt, kämpft und sich Sorgen macht.

Rufen Sie die Erde selbst zum Walzer!

Werke dieser Art in Prosa behalten den Namensbuchstaben (zum Beispiel „Brief von V.G. Belinsky an N.V. Gogol“).

Hymne (griechisch lympos – Lobpreis) ist ein feierliches Lied, das auf programmatischen Versen basiert. Bekannt sind Staats-, Revolutions-, Militär- und Religionshymnen. Im antiken Griechenland und in vielen anderen Ländern wurden Hymnen zu Ehren der Gottheit als Kultlieder gesungen. Soziale und religiöse Bewegung des XV.-XVI. Jahrhunderts. ließ geistliche Hymnen entstehen. In der neuen europäischen Poesie gibt es eine Form weltlicher Hymne, zum Beispiel Parodie-Hymnen auf Bacchus. V. Mayakovsky schuf satirische Hymnen („Hymn to Lunch“, „Hymn to the Critic“, „Hymn to the Bribe“ usw.).

Die Ode stammt aus dem antiken Griechenland (griechisch b1е – Lied). Zunächst waren Oden Lieder mit feierlichem Inhalt, die von einem Chor vorgetragen wurden. Dann begann dieser Name ein Gedicht zu bezeichnen, das der Verherrlichung eines Ereignisses gewidmet war („Über die Eroberung von Khotin“, „Über die Eroberung von Ismail“ von M. V. Lomonosov), einem wichtigen Regierungsbeamten („Am Tag des Beitritts zum Allrussischer Thron Ihrer Majestät Kaiserin Elisabeth

Petrowna 1747" M.V. Lomonosov), ein majestätisches Naturphänomen („Abendbesinnung auf die Majestät Gottes im Falle des großen Nordlichts“ von M. V. Lomonosov). Die Ode nahm in der Poesie der Klassiker einen Ehrenplatz ein. Wie Odopisten berühmt wurden G.R. Derzhavin („Über den Tod des Fürsten Meshchersky“) und M.V. Lomonosov, und seine ersten Proben gehören A.D. Kantemiru („Über diejenigen, die die Lehre lästern...“, „Über die schamlose Unverschämtheit“, „Über das menschliche Böse im Allgemeinen...“) und V.K. Trediakovsky („Über die Vergänglichkeit der Welt“, „Feierliche Ode an die Kapitulation der Stadt Danzig“). Derzhavins Oden enthielten neben der Verherrlichung der gekrönten Fürsten auch satirische Elemente („Edelmann“, „An Herrscher und Richter“). Freiheitsliebende, patriotische Oden wurden von A. Radishchev („Freiheit“) und A. Puschkin („Erinnerungen an Zarskoje Selo“, „Freiheit“) geschrieben. Mit der Etablierung des kritischen Realismus verschwindet die Ode als eigenständiges Genre, und wenn sie verwendet wird, dient sie der Parodie („Moderne Ode“ von N. Nekrasov).

Epigramm (griechisches Epigramma – Inschrift). 1.

In der antiken Poesie - ein kurzes lyrisches Gedicht mit beliebigem Inhalt (zuerst Widmungsinschriften, dann Epitaphien, Lehren, Beschreibungen, Liebe, Trinken, satirische Gedichte), geschrieben in elegischem Distichon.

Das literarische Epigramm erschien in der griechischen Poesie (VII-VI Jahrhundert v. Chr.), seine Blütezeit reicht bis ins 3. Jahrhundert zurück. Chr e. - Ich Jahrhundert N. e. (Griechische Dichter der „Palatinischen Anthologie“, römischer Satiriker Martial), ihre Traditionen entwickelten sich in der lateinischen Poesie des Mittelalters und der Renaissance, teilweise auch später („Venezianische Epigramme“ von J.-W. Goethe). 2.

In der modernen europäischen Poesie sind Epigramme kurze satirische Gedichte, meist mit einem Witz (Pointe) am Ende, teilweise Überarbeitung traditioneller Kriegsmotive in den Werken von C. Marot, Voltaire, J.-J. Rousseau, G.-E. Lessing, R. Burns, A.P. Sumarokova und andere (16. – 18. Jahrhundert), teilweise als Reaktion auf aktuelle, oft politische Ereignisse, wie in den Epigrammen von A.S. Puschkin über A.A. Arakcheeva, F.V. Bulgarin. Die erste Tendenz verschwindet im 19. Jahrhundert, die zweite existiert weiterhin sowohl in mündlicher als auch schriftlicher Form in den Werken vieler Dichter des 19. und 20. Jahrhunderts.1

Im modernen Sinne ist ein Epigramm ein kurzes Gedicht, das eine bestimmte Person lächerlich macht. Es reagiert auf alle Phänomene des Lebens – sowohl private als auch öffentliche. Dichter XIX V. E. Baratynsky definierte seine Funktion wie folgt:

Okogchepny-Flyer,

Ep igram a-lachend,

Epigramm-egoza

Reiben und Weben unter den Menschen,

Und nur der Freak ist neidisch -

Sofort fesselt er deine Augen.

Die emotionale Bandbreite des Epigramms ist sehr breit – von freundlichem Spott bis hin zu wütender Denunziation.

Die Wirksamkeit des Epigramms liegt in seinem Witz und seiner Kürze. Sie fängt das Charakteristischste des Themas Spott ein. Die Inschrift eines unbekannten Dichters zum skulpturalen Bild von Nikolaus I. ist lakonisch und ausdrucksstark:

Das Original sieht aus wie eine Büste:

Es ist auch kalt und leer.

Die Epigramme von L. Trefolev sind von sozialer Eindringlichkeit geprägt. Sein Epigramm über Pobedonostsew, den Initiator der Reaktion in Russland, ist weithin bekannt. letztes Quartal letztes Jahrhundert:

Pobedonostsev - für die Synode,

Obedonostsev - für den Hof,

Bedonostsev - für die Menschen,

Und Informanten – für den König.

In der Kunst der Weltsatire steht das klassische russische Epigramm an erster Stelle spezieller Ort. Sie nahm die Erfahrungen antiker und europäischer Epigramme auf und bereicherte sie mit den Traditionen der nationalen Kultur.

Bis ins 16. Jahrhundert Epigramme in Russland wurden in Latein und dann in ihrer Muttersprache verfasst. Der Mitarbeiter von Peter I., Feofan Prokopovich, „der Martial nicht aus der Hand ließ“, erhob Epigramme auf die Ebene politischer Satire. Sein Anhänger war A. Cantemir, der mit Übersetzungen von Boileaus Satiren begann und deren Handlungen und Charaktere russifizierte. Seine Muse begann durch die Kommunikation mit Dichtern anderer Länder Russisch zu sprechen:

Was Horaz gab, borgte er sich vom Franzosen.

Oh, wie arm ist meine Muse!

Ja, es stimmt: Zumindest sind die Grenzen des Geistes eng,

Was er auf Gallisch einnahm, bezahlte er auf Russisch.

Das russische Epigramm basierte schon immer auf der Folkloretradition. Dieses Genre zog V. Trediakovsky und M. Lomonosov und dann A. Sumarokov an, der das Epigramm als betrachtete satirisches Werk. In „Epistole II. Über die Poesie“ (1748) formulierte Sumarokov die Essenz des Epigramm-Genres:

Dann leben sie, reich an ihrer Schönheit,

Im zusammengesetzten Zustand scharf und knorrig;

Sie müssen kurz sein und ihre ganze Stärke liegt darin, etwas spöttisches über jemanden zu sagen.

Auch sein Epigramm ist von bitterer Ironie durchdrungen:

Tänzer! Du bist reich. Professor! Du bist elend. Natürlich ist der Kopf deutlich kleiner als die Beine.

In den Epigrammen von G.R. sind gesellschaftspolitische Motive zu hören. Derzhavin, I.I. Khemnitser, V.V. Kapnist hingegen blieb die Verspottung universeller menschlicher Mängel ohne Nennung konkreter Individuen charakteristisch für die Ära des russischen Klassizismus.

In der Literatur des Sentimentalismus und Realismus wurde der emotionale Anfang des Epigramms verstärkt, es ist satirischer Anfang: N.M. Karamzin, V.A. Schukowski, V.L. Puschkin verlieh ihm einen Saloncharakter.

Das russische Epigramm in Sachen Kreativität hat sich verändert

ALS. Puschkin; Seine Neuheit wird am deutlichsten in Puschkins Epigramm-Porträts mit ihrem besonderen Psychologismus sichtbar:

Auf A.A. Arakcheeva

Unterdrücker ganz Russlands,

Er ist der Peiniger der Gouverneure und der Lehrer des Rates,

Und er ist ein Freund und Bruder des Königs.

Voller Wut, voller Rache,

Ohne Verstand, ohne Gefühle, ohne Ehre,

Wer ist er? Loyal ohne Schmeichelei ... ein Penny-Soldat.

Auf M.T. Kachenovsky

Hunter vor dem Magazinkampf,

Dieses einschläfernde Zoil verdünnt das Opium der Tinte mit dem Speichel eines verrückten Hundes.

I. Krylov liebte epigrammatische Aphorismen,

A. Griboyedov, M. Lermontov und andere:

Fedka isst Rettich mit Wodka,

Fedka isst Wodka mit Rettich.

(I.A. Krylov)

Grabinschrift für meine Frau

Dieser Stein steht über meiner geliebten Frau!

Sie ist da, ich bin hier in Frieden!

(VA. Schukowski)

Auf F.V. Bulgarin

Thaddäus verkauft Russland

Nicht zum ersten Mal, wie Sie wissen,

Vielleicht verkauft er seine Frau, seine Kinder,

Sowohl die irdische Welt als auch das himmlische Paradies.

Er würde sein Gewissen für einen vernünftigen Preis verkaufen,

Schade, es wurde in die Staatskasse gelegt.

(M. Yu. Lermontov)

Das Element des Epigramms war im Werk von M.E. zu spüren. Saltykov-Shchedrin, in Briefen an I.S. Turgenev, in den satirischen Gedichten von N.A. Nekrasova sowie D.D. Minaeva, K.K. Sluchevsky, M.L. Mikhailova, B.C. Brüder Kurochkin, Kozma Prutkov, Zhemchuzhnikov.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. das Epigramm existierte weiterhin. Die Epigramme von V. Gilyarovsky waren weithin bekannt. Dies war seine Reaktion auf die Uraufführung von L. Tolstois Stück „Die Macht der Dunkelheit“:

In Russland gibt es zwei Unglücke:

Unten ist die Macht der Dunkelheit,

Und oben ist die Dunkelheit der Macht.

Auch der wunderbare Dichter Sasha Cherny zeichnete sich durch seinen Witz aus:

Scharfen Kritikern zufolge steht Parnassus seit vielen Jahren leer.

Zweifellos gibt es keine neuen Puschkins,

Aber... es gibt auch keine Belinskys.

Zu den Ursprüngen des Epigramms der neuen Ära, die im Schmelztiegel der Revolutionen von 1905, 1917 begann. stand D. Bedny und

V. Mayakovsky, der das Epigramm „in der rauen Sprache eines Plakats“ sprechen ließ, zum Beispiel:

Iss Ananas, kaue Haselhuhn,

Denyvoy ist der Letzte, der kommt, Bourgeois.

Als Phänomen der Kunst verteidigt das Epigramm seit jeher bleibende spirituelle Werte, es drückt die Zeichen der Zeit und die Stimmung der Menschen aus:

Berliner Epigramm

„Das Jahr achtzehn wird sich heute nicht wiederholen!“ - Die Worte faschistischer Führer schreien von den Wänden.

Und oben drauf steht mit Kreide: „Ich bin in Berlin“

Und die Unterschrift ist ausdrucksstark: „Sidorov.“

(S.Ya. Marshak)

Epitaph (griechisch eryarYoB – Grabstein) – eine poetische Grabinschrift oder ein kurzes Gedicht, das dem Verstorbenen gewidmet ist; existierte als reale Inschrift, konnte aber bedingt sein (für ein nicht existierendes Grab eines imaginären Toten). Neben dem traditionell Lobenswerten könnte es auch satirischer Natur sein, wie zum Beispiel in R. Burns‘ „Epitaph to William Graham, Esquire“:

Verbeugung am Grabeingang,

O Tod! - rief die Natur aus. -

Wann kann ich wieder so einen Dummkopf erschaffen?

Das Epitaph gelangte als eine Art antikes Epigramm in die Literatur und erfreute sich im Mittelalter, in der Renaissance und im Klassizismus großer Beliebtheit. Es sind komische Grabinschriften bekannt, die die Autoren sich selbst gewidmet haben. Puschkin schrieb 1815:

Puschkin ist hier begraben; er und seine junge Muse verbrachten eine fröhliche Zeit voller Liebe und Faulheit,

Er hat nichts Gutes getan, aber er war eine Seele,

Bei Gott, guter Mann.

Die Genreformen der Liedtexte sind reichhaltig und vielfältig. Texte als eine Art Literatur haben einen jahrhundertelangen Weg zurückgelegt und das komplexe spirituelle und spirituelle Verständnis erfasst Seelenfrieden Person. Insbesondere im historischen Prozess, den die Russen durchgemacht haben

Russische Texte, nach den Beobachtungen von B.C. Baevsky lassen sich drei Dominanten unterscheiden: im 18. Jahrhundert. im dichterischen Bewusstsein dominierte im 19. Jahrhundert die Hierarchie der Gattungen – im 20. Jahrhundert das stilistische Denken. - der Kampf der poetischen Schulen. Während dieser ganzen Zeit veränderte sich die Einstellung der Dichter zum Wort, zum Klang, es fand ein Prozess der Veränderung und Kombination statt. verschiedene Wege Intonation, eine gewisse Weiterentwicklung der Verstechniken264. Aber... Poesie ist ewig. Echte Gedichte sind vielschichtig: Jeder Leser entdeckt in ihnen etwas Eigenes, das seiner persönlichen Weltanschauung nahe kommt, seine Fähigkeit, den vom Dichter geschaffenen „Abgrund des Raums“ zu verstehen (wie Gogol über Puschkin sagte). Laut E. Etkind „... beschäftigen wir uns unser ganzes Leben lang mit der Poesie und erschöpfen ihren Inhalt nie: Der „Abgrund des Raumes“ bleibt ein Abgrund“265.

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Liedtexte wiederum sind ebenfalls in Werke unterteilt verschiedene Typen, Genres. Ein Genre ist ein bestimmtes Lager eines Kunstwerks, seine konstante Grundlage, eine Kombination bestimmter Merkmale, die Werke eines bestimmten Typs vereinen. Das Genre ist nichts, was außerhalb der Bedeutung des Werkes liegt. Dabei handelt es sich nicht um ein Regelwerk Dekoration Ideen des Werkes, sondern im Gegenteil ein tiefer Ausdruck der Einstellung des Autors zum Thema des Bildes. Für den analysierenden Leser Kunstwerk Der Untertitel eines Buches, der dem Titel folgt und das Genre des Werkes definiert, ist von großer Bedeutung. Das Genre gibt dem gesamten Werk einen bestimmten Ton vor und weckt beim Leser bestimmte Erwartungen. Wenn wir über die Hauptmerkmale der Genres lyrischer Werke sprechen, können wir sie mit der antiken Schutzpatronin der Kunst – den Musen – vergleichen. In der griechischen Mythologie waren neun Schwestern, Töchter von Zeus und der Göttin der Erinnerung Mnemosyne, Gefährtinnen von Apollo, dem Schutzpatron der Sonne und der Künste. Bleiben wir bei den Musen, die mit Texten als einer Form der Literatur verbunden sind. Polyhymnia ist eine strenge und edle Muse feierlicher Gesänge und Hymnen. In ihren Gesten steckt die Energie des Impulses und der Zurückhaltung. Die Hymne ist eine literarische Gattung, die ihren Ursprung in der Antike hat und auch heute noch existiert. Die Hymne verherrlicht ein Ereignis, eine Person, ein Bild; Es ist aus Bewunderung geboren, feierlich, kraftvoll, majestätisch. Darin Hauptmerkmal Genre. Die Hymne kann in ungereimten, freien Versen geschrieben werden, es enthält jedoch immer eine starke, feierliche Melodie. Das Genre, das bestimmte Merkmale von Kunstwerken sammelt, wird zum Hüter der Erinnerung in der Kunst. Von einer Hymne erwarten wir Feierlichkeit, Klangfülle und Kraft, von einem Liebeslied spirituelle Aufrichtigkeit und Emotion. Erato ist die Muse der Liebespoesie. Sie zeichnet sich sowohl durch Zärtlichkeit als auch durch Leiden aus. Von Fusty durchdrungene Gedichte werden Elegien genannt. Sie enthalten meist Motive wie Liebe, Trennung von der Heimat, Reflexionen über die Natur und Unzufriedenheit mit der Gesellschaft. Euterpe ist die höchste Muse aller Lyrik, der alle anderen poetischen Genres gegeben wurden. Normalerweise wurde die Muse mit einer Doppelflöte in der Hand dargestellt, zart und anmutig, leicht und gewagt. Beim Lesen von Lyrik ist es wichtig, die Verbundenheit zwischen dem Leser und dem Dichter zu spüren, um die Musik und die Bedeutung des Verses zu hören. Der Leser und der Dichter müssen in einem einzigen Gefühl verschmelzen, wie zwei Flöten in den Händen von Euterpe. Dann erklingt das Gedicht, seine tiefe Bedeutung offenbart sich. Die Anziehungskraft der Lyrik auf den Leser macht sich in einem Genre wie der Botschaft besonders bemerkbar.

Die Wahl der Gattung gibt Aufschluss über die Einstellung des Dichters zum Dargestellten. Daher ist es bei der Analyse eines lyrischen Werkes notwendig, anzugeben, zu welcher Gattung der literarische Text gehört, und in manchen Fällen charakteristische Gattungsmerkmale hervorzuheben, die zum Verständnis des Ideologischen beitragen und thematische Originalität des Gedichts. In manchen Fällen hilft die Kenntnis des Genrecharakters eines lyrischen Werks bei der Analyse und gibt Aufschluss darüber, welchen Aspekten mehr Aufmerksamkeit geschenkt werden sollte.

Allerdings haben nicht alle lyrischen Werke eine klare Genrestruktur. Solche lyrischen Werke von A.S. sind beispielsweise gattungsmäßig undefinierbar. Puschkin, wie „Auf den Hügeln Georgiens liegt die Dunkelheit der Nacht ...“, M. Yu. Lermontov „Segel“, „Prophet“ usw.

Wichtigste lyrische Genres:

Elegie ist eine Gattung der Lyrik, in der die traurigen Gedanken, Gefühle und Reflexionen des Dichters in poetischer Form zum Ausdruck gebracht werden. Die Hauptfragen, die in der Elegie aufgedeckt werden: der Sinn des Lebens, die menschliche Existenz, der Platz des Dichters in der Welt, philosophische Gedanken(zum Beispiel die Elegien von A. S. Puschkin „Das Tageslicht ist ausgegangen...“, „Die verblasste Freude verrückter Jahre...“, A. A. Achmatowas „März-Elegie“ usw.).

Strophen – in der russischen Poesie des 18. – frühen 19. Jahrhunderts, Werke elegischer Texte (meist meditativ, seltener Liebe), meist in Vierzeilern geschrieben, meist im jambischen Tetrameter (zum Beispiel Strophen von A.S. Puschkin „In der Hoffnung auf Ruhm“. und Güte ...")

Epigramm – aus dem Griechischen übersetzt bedeutet ep1§gatta „Inschrift“: 1) ein kleines lyrisches Gedicht in der antiken Literatur, geschrieben zu einem beliebigen Thema in einem elegischen Distichon; 2) ein kleines satirisches Gedicht, das in der Regel auf Kontrasten aufgebaut ist (zum Beispiel das Epigramm von A.S. Puschkin: „Die Schlange hat Markel gebissen.“ / – „Er ist gestorben?“ – „Nein, die Schlange, im Gegenteil, gestorben!“ usw.).

Ein Sonett ist ein lyrisches Gedicht, das aus vierzehn Zeilen besteht, die in zwei Vierzeiler und zwei Terzette unterteilt sind; In Vierzeilern werden nur zwei Reime wiederholt, in Terzetten zwei oder drei. Die Anordnung der Reime erlaubt Verschiedene Optionen(zum Beispiel das Sonett von N. S. Gumilev „Wie ein Konquistador in einer eisernen Hülle ...“ usw.).

Epitaph – eine Grabinschrift in poetischer Form; ein kurzes Gedicht, das dem Verstorbenen gewidmet ist.

Ein Lied ist ein Genre schriftlicher Poesie, das eine bestimmte ideologische und emotionale Haltung zum Ausdruck bringt; Grundlage für spätere musikalische Adaptionen.

Hymne ist ein feierliches Lied, das als Symbol der staatlichen oder sozialen Einheit angenommen wird (zum Beispiel die Hymne Russlands von S. V. Mikhalkov und anderen).

Ein Brief ist ein poetisches Werk, das in Form eines Briefes oder einer Ansprache an eine Person verfasst ist (z. B. der Brief von A. S. Puschkin „An Chaadaev“, „In den Tiefen der sibirischen Erze ...“ usw.).

Romanze ist ein kleines melodisches lyrisches Gedicht, das die Erfahrungen, Stimmungen und Gefühle des lyrischen Helden widerspiegelt; kann mit Musik vertont werden (z. B. S.A. Yesenins Romanze „Du bist mein gefallener Ahorn, eisiger Ahorn ...“ usw.).

Fragen zum Bericht:

1) Was ist ein Genre?

2) Womit antike griechische Musen Ist es möglich, lyrische Genres zu vergleichen?

3) Listen Sie die wichtigsten lyrischen Genres auf.

4) Ist es immer möglich, das Genre eines lyrischen Werks zu bestimmen?

1. Oh ja- ein Genre, das normalerweise etwas Wichtiges verherrlicht Historisches Ereignis, Person oder Phänomen (zum Beispiel A. S. Puschkins Ode „Freiheit“, M. V. Lomonosovs Ode „Am Tag des Beitritts ...“). Die Ursprünge des Genres reichen bis in die Antike zurück (zum Beispiel die Oden des Horaz). Eine besondere Entwicklung erfuhr es im Klassizismus. 2. Lied- kann sowohl als episches als auch als lyrisches Genre fungieren. Ein episches Lied hat eine Handlung (siehe Definition epischer Genres) und ist in der Regel volumenmäßig größer als ein lyrisches Lied (z. B. „Lied vom prophetischen Oleg“ von A. S. Puschkin), ein lyrisches Lied jedoch schon basierend auf den Erfahrungen der Hauptfigur oder des Autors (z. B. Marienlied aus „Ein Fest während der Pest“ von A. S. Puschkin). 3. Elegie- ein Genre romantischer Poesie, die traurige Reflexion des Dichters über das Leben, das Schicksal und seinen Platz in dieser Welt (zum Beispiel „Die Sonne des Tages ist erloschen“ von A. S. Puschkin). 4. Nachricht- ein Genre, das keiner bestimmten Tradition zugeordnet ist (romantisch, klassisch usw.). Hauptsächlich charakteristisch- an eine beliebige Person gerichtet (zum Beispiel „Pushchin“, „To Chaadaev“ von A.S. Puschkin). 5. Sonett- eine besondere Art von lyrischem Gedicht, die durch strenge Formanforderungen gekennzeichnet ist: Ein Sonett muss 14 Zeilen haben (z. B. „Der strenge Dante verachtete das Sonett nicht ...“ von A. S. Puschkin). Es gibt zwei Arten von Sonetten: 1. Englisches Sonett, bestehend aus drei Vierzeilern und einem Couplet am Ende (z. B. Sonette von W. Shakespeare). 2. Französisches Sonett, bestehend aus zwei Vierzeilern und zwei Terzetten. Diese Sorte wurde, wie der Name schon sagt, häufig von französischen Dichtern verwendet (zum Beispiel von den Dichtern der Plejaden – P. Ronsard, J. Du Bellay usw., später von französischen Symbolisten – P. Verdun, C. Baudelaire usw.). . In Russland war diese Sorte im Zeitalter des Symbolismus besonders beliebt; fast alle russischen Symbolisten verwendeten sie in ihren Werken (z. B. K. D. Balmont, V. Ya. Bryusov, A. A. Blok und andere). 6. Epigramm, Satire. Ein Epigramm ist ein kurzes Gedicht, normalerweise nicht mehr als ein Vierzeiler, das eine bestimmte Person lächerlich macht oder auf humorvolle Weise darstellt – (zum Beispiel „Über Woronzow“ von A. S. Puschkin). Satire ist ein detaillierteres Gedicht, sowohl im Umfang als auch im Maßstab der Dargestellten. Meist werden in der Satire nicht die Unzulänglichkeiten einer einzelnen Person lächerlich gemacht, sondern gesellschaftliche Laster. Satire zeichnet sich durch bürgerliches Pathos aus (z. B. die Satiren von A. D. Kantemir, „Mein rothaariger Kritiker, dickbäuchiger Spötter …“ von A. S. Puschkin). Die Ursprünge von Epigrammen und Satire reichen bis in die Antike zurück, insbesondere in die antike römische Literatur (z. B. die Werke von Martiallus, Catull usw.). Diese Einteilung in Genres ist willkürlich, da in reiner Form Die aufgeführten Genres sind recht selten. Normalerweise vereint ein Gedicht Merkmale mehrerer Genres. Zum Beispiel vereint „To the Sea“ von A. S. Puschkin die Zeichen von Elegie und Botschaft, während Puschkins „Village“ eine Elegie ist, aber gleichzeitig bürgerliche Fragen aufwirft.

Genres des Dramas

Die Dramaturgie hat ihren Ursprung in der Antike. Schon damals entstanden zwei wichtige dramatische Genres – Tragödie und Komödie. Der Hauptkonflikt in der Tragödie war der Konflikt in der Seele des Protagonisten zwischen Pflicht und Gewissen. Das antike Drama hatte jedoch seine eigenen Besonderheiten, von denen das wichtigste die Idee des Schicksals, der Vorherbestimmung, des Schicksals war. Der Chor spielte eine wichtige Rolle im antiken Drama – er formulierte die Einstellung des Publikums zu dem, was auf der Bühne geschah, und drängte es zur Empathie (d. h. das Publikum schien selbst Teilnehmer des Geschehens zu sein). Man geht davon aus, dass die Inszenierung von Tragödien zunächst fester Bestandteil der sogenannten „Dionysia“ oder, in der römischen Version, „Bacchanalien“ war, Feierlichkeiten zur Verehrung des Gottes des Weinbaus und des Weinbaus, Dionysos (Bacchus); Die Darstellung von Szenen aus dem Leben dieses Gottes war ein wichtiges Glied in den sogenannten „orgaistischen“ (also erotischen) Ritualen, deren ultimatives Ziel darin bestand, durch die Freisetzung aufgestauter Triebwünsche eine Reinigung zu erfahren, die sog. „Katharsis“ genannt, die in der „Poetik“ des Aristoteles als „Reinigung durch Angst und Mitgefühl“ definiert wird. Die Komödie basierte hauptsächlich auf Alltagsgeschichten, die auf lustigen Missverständnissen, Fehlern, komischen Vorfällen usw. beruhten. Im Mittelalter trug die christliche Kirche zur Entstehung neuer dramatischer Genres bei – liturgisches Drama, Mysterium, Wunder, Moral, Schuldrama. Im 18. Jahrhundert entstand das Drama als Genre (siehe unten), und auch Melodramen, Possen und Varietés verbreiteten sich. Nach der Antike erreichte das Drama im Zeitalter des Klassizismus eine besondere Blüte. In der Ära des Klassizismus wurden besondere Regeln des Dramas formuliert, deren wichtigste die sogenannte „Einheit von Ort, Zeit und Handlung“ war (siehe Abschnitt „Klassizismus“). In moderner Dramaturgie alles höherer Wert erwirbt ein Genre wie die Tragikomödie. Das Drama des letzten Jahrhunderts beinhaltet auch ein lyrisches Element – ​​die sogenannten „lyrischen Dramen“ (M. Maeterlinck, A. A. Blok).