„Kartenspieler“

Autor

Paul Cezanne

Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1839–1906
Stil Post-Impressionismus

Der Künstler wurde im Süden Frankreichs in der Kleinstadt Aix-en-Provence geboren, begann aber in Paris zu malen. Echter Erfolg gelang ihm nach einer persönlichen Ausstellung, die vom Sammler Ambroise Vollard organisiert wurde. 1886, 20 Jahre vor seiner Abreise, zog er an den Rand seiner Heimatstadt. Junge Künstler nannten Reisen zu ihm „eine Pilgerreise nach Aix“.

130x97 cm
1895
Preis
250 Millionen Dollar
verkauft in 2012
bei Privatauktion

Cezannes Arbeit ist leicht zu verstehen. Die einzige Regel des Künstlers war die direkte Übertragung eines Objekts oder einer Handlung auf die Leinwand, sodass seine Bilder den Betrachter nicht verwirren. Cezanne kombinierte in seiner Kunst zwei Hauptthemen Französische Traditionen: Klassizismus und Romantik. Mit Hilfe bunter Texturen verlieh er den Formen von Objekten eine erstaunliche Plastizität.

Die Serie von fünf Gemälden „Kartenspieler“ entstand in den Jahren 1890–1895. Ihre Handlung ist die gleiche – mehrere Leute spielen begeistert Poker. Die Werke unterscheiden sich lediglich in der Anzahl der Spieler und der Größe der Leinwand.

Vier Gemälde werden in Museen in Europa und Amerika aufbewahrt (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation und Courtauld Institute of Art), und das fünfte war bis vor kurzem eine Zierde der Privatsammlung des griechischen Milliardärsreeders Georg Embirikos. Kurz vor seinem Tod, im Winter 2011, beschloss er, es zum Verkauf anzubieten. Potenzielle Käufer von Cezannes „kostenlosem“ Werk waren der Kunsthändler William Acquavella und der weltberühmte Galerist Larry Gagosian, der dafür etwa 220 Millionen US-Dollar bot. Infolgedessen ging das Gemälde für 250 Millionen an die königliche Familie des arabischen Staates Katar. Der größte Kunstdeal in der Geschichte der Malerei wurde im Februar 2012 abgeschlossen. Dies berichtete die Journalistin Alexandra Pierce in Vanity Fair. Sie erfuhr den Preis des Gemäldes und den Namen des neuen Besitzers, und dann gelangten die Informationen in die Medien auf der ganzen Welt.

Das Arabische Museum wurde 2010 in Katar eröffnet. zeitgenössische Kunst und das Nationalmuseum von Katar. Jetzt wachsen ihre Sammlungen. Vielleicht hat der Scheich zu diesem Zweck die fünfte Version von „Die Kartenspieler“ erworben.

Am meistenteures Gemäldein der Welt

Eigentümer
Scheich Hamad
bin Khalifa al-Thani

Die al-Thani-Dynastie regiert Katar seit mehr als 130 Jahren. Vor etwa einem halben Jahrhundert wurden hier riesige Öl- und Gasvorkommen entdeckt, die Katar schlagartig zu einer der reichsten Regionen der Welt machten. Dank des Exports von Kohlenwasserstoffen verfügt dieses kleine Land über das größte Pro-Kopf-BIP. Scheich Hamad bin Khalifa al-Thani übernahm 1995 mit Unterstützung von Familienmitgliedern die Macht, während sein Vater in der Schweiz war. Das Verdienst des derzeitigen Machthabers liegt Experten zufolge in einer klaren Strategie für die Entwicklung des Landes und in der Schaffung eines erfolgreichen Staatsbildes. Katar hat jetzt eine Verfassung und einen Premierminister, und Frauen haben das Recht, bei Parlamentswahlen zu wählen. Übrigens war es der Emir von Katar, der den Nachrichtensender Al-Jazeera gründete. Die Behörden des arabischen Staates legen großen Wert auf die Kultur.

2

"Nummer 5"

Autor

Jackson Pollock

Ein Land USA
Lebensjahre 1912–1956
Stil Abstrakter Expressionismus

Jack the Sprinkler – diesen Spitznamen erhielt Pollock von der amerikanischen Öffentlichkeit für seine besondere Maltechnik. Der Künstler verzichtete auf Pinsel und Staffelei und goss Farbe über die Oberfläche der Leinwand oder Faserplatte, während er sich ständig um sie herum und in ihnen bewegte. Schon in jungen Jahren interessierte er sich für die Philosophie von Jiddu Krishnamurti, deren Hauptbotschaft darin besteht, dass die Wahrheit während einer freien „Ausgießung“ offenbart wird.

122x244 cm
1948
Preis
140 Millionen Dollar
verkauft in 2006
auf der Auktion Sotheby's

Der Wert von Pollocks Arbeit liegt nicht im Ergebnis, sondern im Prozess. Es ist kein Zufall, dass der Autor seine Kunst „Action Painting“ nannte. Mit seiner leichten Hand wurde es zum wichtigsten Kapital Amerikas. Jackson Pollock mischte Farbe mit Sand und Glasscherben und malte mit einem Stück Pappe, einem Spachtel, einem Messer und einer Kehrschaufel. Der Künstler war so beliebt, dass es in den 1950er Jahren sogar in der UdSSR Nachahmer gab. Das Gemälde „Nummer 5“ gilt als eines der seltsamsten und teuersten der Welt. Einer der Gründer von DreamWorks, David Geffen, kaufte es für eine Privatsammlung und verkaufte es 2006 bei Sotheby's für 140 Millionen US-Dollar an den mexikanischen Sammler David Martinez. Allerdings bald Anwaltskanzlei gab im Namen ihres Kunden eine Pressemitteilung heraus, in der sie erklärte, dass David Martinez nicht der Eigentümer des Gemäldes sei. Nur eines ist sicher: Der mexikanische Finanzier hat in der Tat in letzter Zeit Werke moderner Kunst gesammelt. Es ist unwahrscheinlich, dass ihm ein so „großer Fisch“ wie Pollocks „Nummer 5“ entgangen wäre.

3

„Frau III“

Autor

Willem de Kooning

Ein Land USA
Lebensjahre 1904–1997
Stil Abstrakter Expressionismus

Der gebürtige Niederländer wanderte 1926 in die Vereinigten Staaten aus. 1948 fand die persönliche Ausstellung des Künstlers statt. Kunstkritiker schätzten die komplexen, nervösen Schwarz-Weiß-Kompositionen und erkannten ihren Autor als großen Künstler der Moderne an. Die meiste Zeit seines Lebens litt er unter Alkoholismus, doch die Freude am Schaffen neuer Kunst ist in jedem Werk spürbar. De Kooning zeichnet sich durch die Impulsivität seiner Malerei und die breiten Striche aus, weshalb das Bild manchmal nicht in die Grenzen der Leinwand passt.

121x171 cm
1953
Preis
137 Millionen Dollar
verkauft in 2006
bei Privatauktion

In den 1950er Jahren wurden Frauen mit leere Augen, riesige Brüste, hässliche Gesichtszüge. „Woman III“ war das letzte Werk dieser Serie, das versteigert wurde.

Seit den 1970er Jahren wurde das Gemälde im Teheraner Museum für Moderne Kunst aufbewahrt, aber nach der Einführung strenger moralischer Regeln im Land versuchte man, es loszuwerden. 1994 wurde das Werk aus dem Iran exportiert und 12 Jahre später verkaufte sein Besitzer David Geffen (derselbe Produzent, der Jackson Pollocks „Nummer 5“ verkaufte) das Gemälde für 137,5 Millionen US-Dollar an den Millionär Steven Cohen. Es ist interessant, dass Geffen ein Jahr später begann, seine Gemäldesammlung zu verkaufen. Dies führte zu vielen Gerüchten: Beispielsweise beschloss der Produzent, die Zeitung „Los Angeles Times“ zu kaufen.

In einem der Kunstforen wurde eine Meinung über die Ähnlichkeit von „Frau III“ mit dem Gemälde „Dame mit Hermelin“ von Leonardo da Vinci geäußert. Hinter dem strahlenden Lächeln und der formlosen Figur der Heldin sah der Kenner der Malerei die Anmut einer Person königlichen Blutes. Davon zeugt auch die schlecht gezeichnete Krone, die den Kopf der Frau krönt.

4

„Porträt von AdeleBloch-Bauer I"

Autor

Gustav Klimt

Ein Land Österreich
Lebensjahre 1862–1918
Stil modern

Gustav Klimt wurde als zweites von sieben Kindern in die Familie eines Graveurs hineingeboren. Drei Söhne von Ernest Klimt wurden Künstler, doch nur Gustav erlangte weltweite Berühmtheit. Die meiste Zeit seiner Kindheit verbrachte er in Armut. Nach dem Tod seines Vaters übernahm er die Verantwortung für die gesamte Familie. Zu dieser Zeit entwickelte Klimt seinen Stil. Jeder Betrachter erstarrt vor seinen Gemälden: Unter den dünnen Goldstrichen ist die offene Erotik deutlich zu erkennen.

138 x 136 cm
1907
Preis
135 Millionen Dollar
verkauft in 2006
auf der Auktion Sotheby's

Das Schicksal des Gemäldes, das als „Österreichische Mona Lisa“ bezeichnet wird, könnte leicht zur Grundlage eines Bestsellers werden. Das Werk des Künstlers wurde zum Auslöser eines Konflikts zwischen einem ganzen Staat und einer älteren Dame.

So zeigt „Porträt von Adele Bloch-Bauer I“ eine Aristokratin, die Frau von Ferdinand Bloch. Ihr letzter Wunsch war die Schenkung des Gemäldes an die Österreichische Staatsgalerie. Bloch hob die Schenkung jedoch in seinem Testament auf und die Nazis enteigneten das Gemälde. Später kaufte die Galerie mit Mühe die Goldene Adele, doch dann erschien eine Erbin – Maria Altman, die Nichte von Ferdinand Bloch.

Im Jahr 2005 begann der vielbeachtete Prozess „Maria Altmann gegen die Republik Österreich“, in dessen Folge der Film mit ihr nach Los Angeles „abreiste“. Österreich ergriff beispiellose Maßnahmen: Es wurden Kreditverhandlungen geführt, die Bevölkerung spendete Geld für den Kauf des Porträts. Das Gute hat das Böse nie besiegt: Altman erhöhte den Preis auf 300 Millionen Dollar. Sie war zum Zeitpunkt des Verfahrens 79 Jahre alt und ging als die Person in die Geschichte ein, die Bloch-Bauers Testament zugunsten persönlicher Interessen änderte. Das Gemälde wurde von Ronald Lauder, dem Besitzer der New Gallery in New York, gekauft, wo es bis heute verbleibt. Nicht für Österreich, für ihn reduzierte Altman den Preis auf 135 Millionen Dollar.

5

"Schrei"

Autor

Edward Munch

Ein Land Norwegen
Lebensjahre 1863–1944
Stil Expressionismus

Munchs erstes, weltberühmtes Gemälde „Das kranke Mädchen“ (es gibt fünf Exemplare) ist der Schwester des Künstlers gewidmet, die im Alter von 15 Jahren an Tuberkulose starb. Munch interessierte sich schon immer für das Thema Tod und Einsamkeit. In Deutschland löste seine schwere, manische Malerei sogar einen Skandal aus. Doch trotz der depressiven Motive haben seine Bilder eine besondere Anziehungskraft. Nehmen wir zum Beispiel „Scream“.

73,5 x 91 cm
1895
Preis
119,992 Millionen US-Dollar
verkauft 2012
auf der Auktion Sotheby's

Der vollständige Titel des Gemäldes lautet „Der Schrei der Natur“. Das Gesicht eines Menschen oder eines Außerirdischen drückt Verzweiflung und Panik aus – dieselben Emotionen, die der Betrachter beim Betrachten des Bildes empfindet. Eines der Schlüsselwerke des Expressionismus warnt vor Themen, die in der Kunst des 20. Jahrhunderts aktuell geworden sind. Einer Version zufolge schuf der Künstler es unter dem Einfluss einer psychischen Störung, unter der er zeitlebens litt.

Das Gemälde wurde zweimal aus verschiedenen Museen gestohlen, aber zurückgegeben. Nach dem Diebstahl leicht beschädigt, wurde „The Scream“ restauriert und konnte 2008 wieder im Munch-Museum ausgestellt werden. Für Vertreter der Popkultur wurde das Werk zu einer Inspirationsquelle: Andy Warhol erstellte eine Reihe gedruckter Kopien davon, und die Maske aus dem Film „Scream“ wurde nach dem Vorbild und Abbild des Helden des Bildes angefertigt.

Für ein Thema schrieb Munch vier Versionen des Werks: Die Version, die sich in einer Privatsammlung befindet, ist in Pastell gehalten. Der norwegische Milliardär Petter Olsen hat es am 2. Mai 2012 versteigert. Käufer war Leon Black, der für „Scream“ keinen Rekordbetrag gespart hat. Gründer von Apollo Advisors, L.P. und Lion Advisors, L.P. bekannt für seine Liebe zur Kunst. Black ist Schirmherr des Dartmouth College, des Museum of Modern Art, des Lincoln Art Center und des Metropolitan Museum of Art. Es verfügt über die größte Sammlung von Gemälden zeitgenössischer Künstler und klassischer Meister vergangener Jahrhunderte.

6

„Akt vor dem Hintergrund einer Büste und grünen Blättern“

Autor

Pablo Picasso

Ein Land Spanien, Frankreich
Lebensjahre 1881–1973
Stil Kubismus

Er ist spanischer Herkunft, aber seinem Geist und seinem Wohnort nach ist er ein echter Franzose. Picasso eröffnete bereits im Alter von 16 Jahren sein eigenes Kunstatelier in Barcelona. Dann ging er nach Paris und verbrachte dort den größten Teil seines Lebens. Deshalb hat sein Nachname einen doppelten Akzent. Der von Picasso erfundene Stil basiert auf der Ablehnung der Idee, dass ein auf Leinwand dargestelltes Objekt nur aus einem Blickwinkel betrachtet werden kann.

130x162cm
1932
Preis
106,482 Millionen US-Dollar
verkauft in 2010
auf der Auktion Christie's

Während seiner Arbeit in Rom lernte der Künstler die Tänzerin Olga Khokhlova kennen, die bald seine Frau wurde. Er beendete die Landstreicherei und zog mit ihr in eine luxuriöse Wohnung. Zu diesem Zeitpunkt hatte der Held bereits Anerkennung gefunden, aber die Ehe war zerstört. Eines der teuersten Gemälde der Welt entstand quasi zufällig – aus großer Liebe, die, wie immer bei Picasso, nur von kurzer Dauer war. 1927 begann er sich für die junge Marie-Therese Walter zu interessieren (sie war 17 Jahre alt, er war 45). Heimlich vor seiner Frau reiste er mit seiner Geliebten in eine Stadt in der Nähe von Paris, wo er ein Porträt malte, das Marie-Therese im Bild von Daphne darstellte. Die Leinwand wurde vom New Yorker Händler Paul Rosenberg gekauft und 1951 an Sidney F. Brody verkauft. Die Brodys zeigten das Gemälde der Welt nur einmal und nur, weil der Künstler 80 Jahre alt wurde. Nach dem Tod ihres Mannes ließ Mrs. Brody das Werk im März 2010 bei Christie’s versteigern. In sechs Jahrzehnten ist der Preis um mehr als das 5.000-fache gestiegen! Ein unbekannter Sammler kaufte es für 106,5 Millionen Dollar. Im Jahr 2011 fand in Großbritannien eine „Ausstellung eines Gemäldes“ statt, wo es zum zweiten Mal ausgestellt wurde, der Name des Besitzers ist jedoch noch unbekannt.

7

„Acht Elvis“

Autor

Andy Warhole

Ein Land USA
Lebensjahre 1928-1987
Stil
Pop-Art

„Sex und Partys sind die einzigen Orte, an denen man persönlich erscheinen muss“, sagte der Kult-Pop-Art-Künstler, Regisseur, einer der Gründer des Interview-Magazins und Designer Andy Warhol. Er arbeitete mit Vogue und Harper's Bazaar zusammen, entwarf Plattencover und entwarf Schuhe für die Firma I.Miller. In den 1960er Jahren erschienen Gemälde mit Symbolen Amerikas: Campbells Suppe und Coca-Cola, Presley und Monroe – was ihn zur Legende machte.

358 x 208 cm
1963
Preis
100 Millionen Dollar
verkauft in 2008
bei Privatauktion

Die Warhol 60er Jahre waren die Bezeichnung für die Ära der Pop-Art in Amerika. 1962 arbeitete er in Manhattan im Factory-Studio, wo sich alle Bohemiens von New York versammelten. Seine prominenten Vertreter: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote und andere berühmte Persönlichkeiten der Welt. Gleichzeitig testete Warhol die Technik des Siebdrucks – die wiederholte Wiederholung eines Bildes. Diese Methode nutzte er auch bei der Entstehung von „The Eight Elvises“: Der Betrachter scheint Filmmaterial aus einem Film zu sehen, in dem der Star zum Leben erwacht. Hier gibt es alles, was der Künstler so sehr liebte: ein Win-Win-Bild in der Öffentlichkeit, silberne Farbe und eine Vorahnung des Todes als Hauptbotschaft.

Es gibt heute zwei Kunsthändler, die Warhols Werk auf dem Weltmarkt bewerben: Larry Gagosian und Alberto Mugrabi. Ersterer gab 2008 200 Millionen Dollar aus, um mehr als 15 Werke von Warhol zu erwerben. Der zweite kauft und verkauft seine Bilder wie Weihnachtskarten, nur zu einem höheren Preis. Aber es waren nicht sie, sondern der bescheidene französische Kunstberater Philippe Segalot, der dem römischen Kunstkenner Annibale Berlinghieri half, „Acht Elvis“ für einen für Warhol rekordverdächtigen Betrag von 100 Millionen Dollar an einen unbekannten Käufer zu verkaufen.

8

"Orange,Rot Gelb"

Autor

Mark Rothko

Ein Land USA
Lebensjahre 1903–1970
Stil Abstrakter Expressionismus

Einer der Begründer der Farbfeldmalerei wurde in Dvinsk, Russland (heute Daugavpils, Lettland) in eine große jüdische Apothekerfamilie geboren. 1911 wanderten sie in die USA aus. Rothko studierte an der Kunstfakultät der Yale University und gewann ein Stipendium, doch antisemitische Gefühle zwangen ihn, sein Studium abzubrechen. Trotz allem vergötterten Kunstkritiker den Künstler und Museen verfolgten ihn sein ganzes Leben lang.

206 x 236 cm
1961
Preis
86,882 Millionen US-Dollar
verkauft in 2012
auf der Auktion Christie's

Rothkos erste künstlerische Experimente waren surrealistisch orientiert, doch im Laufe der Zeit vereinfachte er die Handlung zu Farbflecken und beraubte sie dadurch jeglicher Objektivität. Anfangs hatten sie helle Farbtöne, in den 1960er-Jahren wurden sie braun und violett und verdichteten sich bis zum Tod des Künstlers zu Schwarz. Mark Rothko warnte davor, in seinen Bildern nach einer Bedeutung zu suchen. Der Autor wollte genau das sagen, was er sagte: nur die Farbe, die sich in der Luft auflöst, und nichts weiter. Er empfahl, die Werke aus einem Abstand von 45 cm zu betrachten, damit der Betrachter wie in einem Trichter in die Farbe „gezogen“ werde. Seien Sie vorsichtig: Das Betrachten nach allen Regeln kann zur Wirkung der Meditation führen, das heißt, das Bewusstsein der Unendlichkeit, das völlige Eintauchen in sich selbst, Entspannung und Reinigung stellen sich allmählich ein. Die Farbe in seinen Gemälden lebt, atmet und hat eine starke emotionale Wirkung (man sagt, manchmal heilend). Der Künstler erklärte: „Der Betrachter sollte beim Betrachten weinen“, und solche Fälle kamen tatsächlich vor. Nach Rothkos Theorie erleben die Menschen in diesem Moment die gleiche spirituelle Erfahrung wie er, als er an dem Gemälde arbeitete. Wenn Sie es auf einer so subtilen Ebene verstehen konnten, werden Sie nicht überrascht sein, dass diese Werke der abstrakten Kunst von Kritikern oft mit Ikonen verglichen werden.

Das Werk „Orange, Rot, Gelb“ bringt die Essenz der Malerei von Mark Rothko zum Ausdruck. Der Erstpreis bei der Christie’s-Auktion in New York liegt bei 35–45 Millionen US-Dollar. Ein unbekannter Käufer bot einen Preis an, der doppelt so hoch war wie der Schätzwert. Der Name des glücklichen Besitzers des Gemäldes wird, wie so oft, nicht bekannt gegeben.

9

"Triptychon"

Autor

Francis Bacon

Ein Land
Großbritannien
Lebensjahre 1909–1992
Stil Expressionismus

Die Abenteuer von Francis Bacon, einem vollständigen Namensvetter und entfernten Nachkommen des großen Philosophen, begannen, als sein Vater ihn verstieß, da er die homosexuellen Neigungen seines Sohnes nicht akzeptieren konnte. Bacon ging zunächst nach Berlin, dann nach Paris, und dann verwirrten sich seine Spuren in ganz Europa. Zu seinen Lebzeiten wurden seine Werke in führenden Kulturzentren der Welt ausgestellt, darunter im Guggenheim-Museum und in der Tretjakow-Galerie.

147,5x198 cm (jeweils)
1976
Preis
86,2 Millionen US-Dollar
verkauft in 2008
auf der Auktion Sotheby's

Renommierte Museen versuchten, Bacons Gemälde zu besitzen, aber das kultivierte englische Publikum hatte es nicht eilig, für solche Kunstwerke Geld auszugeben. Die legendäre britische Premierministerin Margaret Thatcher sagte über ihn: „Der Mann, der diese schrecklichen Bilder malt.“

Der Künstler selbst betrachtete die Nachkriegszeit als Ausgangspunkt seines Schaffens. Nach seiner Rückkehr aus dem Dienst widmete er sich wieder der Malerei und schuf bedeutende Meisterwerke. Vor der Teilnahme an „Triptychon, 1976“ war Bacons teuerstes Werk „Studie für ein Porträt von Papst Innozenz X.“ (52,7 Millionen US-Dollar). In „Triptychon, 1976“ schilderte der Künstler die mythische Handlung der Verfolgung des Orestes durch die Furien. Natürlich ist Orestes Bacon selbst und die Furien sind seine Qual. Das Gemälde befand sich mehr als 30 Jahre lang in einer Privatsammlung und nahm nicht an Ausstellungen teil. Diese Tatsache verleiht ihm einen besonderen Wert und erhöht dementsprechend die Kosten. Aber was sind schon ein paar Millionen für einen Kunstkenner, und noch dazu eine großzügige? Roman Abramovich begann in den 1990er Jahren mit dem Aufbau seiner Sammlung, wobei er maßgeblich von seiner Freundin Dasha Zhukova beeinflusst wurde, die im modernen Russland zu einer modischen Galeristin wurde. Inoffiziellen Angaben zufolge besitzt der Geschäftsmann persönlich Werke von Alberto Giacometti und Pablo Picasso, die für einen Betrag von über 100 Millionen US-Dollar erworben wurden. Im Jahr 2008 wurde er Eigentümer des Triptychons. Im Jahr 2011 wurde übrigens ein weiteres wertvolles Werk von Bacon erworben – „Drei Skizzen für ein Porträt von Lucian Freud“. Versteckte Quellen besagen, dass Roman Arkadjewitsch erneut der Käufer wurde.

10

„Teich mit Seerosen“

Autor

Claude Monet

Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1840–1926
Stil Impressionismus

Der Künstler gilt als Begründer des Impressionismus, der diese Methode in seinen Leinwänden „patentierte“. Das erste bedeutende Werk war das Gemälde „Mittagessen im Gras“ (die Originalversion des Werks von Edouard Manet). In seiner Jugend zeichnete er Karikaturen und begann auf seinen Reisen entlang der Küste und im Freien mit der echten Malerei. In Paris führte er einen böhmischen Lebensstil und gab ihn auch nach seinem Militärdienst nicht auf.

210x100 cm
1919
Preis
80,5 Millionen US-Dollar
verkauft in 2008
auf der Auktion Christie's

Monet war nicht nur ein großartiger Künstler, sondern auch ein begeisterter Gärtner und liebte Wildtiere und Blumen. In seinen Landschaften ist der Zustand der Natur augenblicklich, Objekte scheinen durch die Bewegung der Luft verschwommen zu sein. Der Eindruck wird durch große Striche verstärkt; ab einer gewissen Entfernung werden sie unsichtbar und verschmelzen zu einem strukturierten, dreidimensionalen Bild. In den Gemälden des späten Monet nimmt das Thema Wasser und das Leben darin einen besonderen Platz ein. In der Stadt Giverny besaß der Künstler einen eigenen Teich, in dem er Seerosen aus Samen züchtete, die er eigens aus Japan mitgebracht hatte. Als ihre Blumen blühten, begann er zu malen. Die Serie „Seerosen“ besteht aus 60 Werken, die der Künstler in fast 30 Jahren, bis zu seinem Tod, gemalt hat. Mit zunehmendem Alter verschlechterte sich sein Sehvermögen, aber er hörte damit nicht auf. Je nach Wind, Jahreszeit und Wetter veränderte sich das Erscheinungsbild des Teiches ständig und Monet wollte diese Veränderungen einfangen. Durch sorgfältige Arbeit gelangte er zum Verständnis des Wesens der Natur. Einige der Gemälde der Serie werden in führenden Galerien der Welt aufbewahrt: Nationalmuseum für westliche Kunst (Tokio), Orangerie (Paris). Eine Version des nächsten „Teichs mit Seerosen“ ging für einen Rekordpreis in die Hände eines unbekannten Käufers.

11

Falscher Stern T

Autor

Jasper Johns

Ein Land USA
Geburtsjahr 1930
Stil Pop-Art

Im Jahr 1949 besuchte Jones die Designschule in New York. Zusammen mit Jackson Pollock, Willem de Kooning und anderen gilt er als einer der bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts. 2012 erhielt er die Presidential Medal of Freedom, die höchste zivile Auszeichnung in den Vereinigten Staaten.

137,2 x 170,8 cm
1959
Preis
80 Millionen Dollar
verkauft in 2006
bei Privatauktion

Wie Marcel Duchamp arbeitete Jones mit realen Objekten und stellte sie in voller Übereinstimmung mit dem Original auf Leinwand und in Skulpturen dar. Für seine Werke nutzte er einfache und verständliche Gegenstände: eine Bierflasche, eine Fahne oder Karten. Im Film False Start gibt es keine klare Komposition. Der Künstler scheint mit dem Betrachter zu spielen, indem er die Farben im Gemälde oft „falsch“ benennt und damit den eigentlichen Farbbegriff umkehrt: „Ich wollte einen Weg finden, Farbe so darzustellen, dass sie mit einer anderen Methode bestimmt werden kann.“ Sein laut Kritikern explosivstes und „unsicherstes“ Gemälde wurde von einem unbekannten Käufer erworben.

12

„Sitzendnacktauf dem Sofa"

Autor

Amedeo Modigliani

Ein Land Italien, Frankreich
Lebensjahre 1884–1920
Stil Expressionismus

Modigliani war seit seiner Kindheit oft krank; während eines fieberhaften Deliriums erkannte er seine Bestimmung als Künstler. Er studierte Zeichnen in Livorno, Florenz und Venedig und ging 1906 nach Paris, wo seine Kunst aufblühte.

65x100 cm
1917
Preis
68,962 Millionen US-Dollar
verkauft in 2010
auf der Auktion Sotheby's

Im Jahr 1917 lernte Modigliani die 19-jährige Jeanne Hébuterne kennen, die sein Vorbild und dann seine Frau wurde. Im Jahr 2004 wurde eines ihrer Porträts für 31,3 Millionen US-Dollar verkauft, der letzte Rekord vor dem Verkauf von „Nude Seated on a Sofa“ im Jahr 2010. Das Gemälde wurde von einem unbekannten Käufer zum Höchstpreis für Modigliani erworben dieser Moment Preis. Der aktive Verkauf von Werken begann erst nach dem Tod des Künstlers. Er starb in Armut, erkrankte an Tuberkulose, und am nächsten Tag beging auch Jeanne Hébuterne, die im neunten Monat schwanger war, Selbstmord.

13

„Adler auf einer Kiefer“

Autor

Qi Baishi

Ein Land China
Lebensjahre 1864–1957
Stil Guohua

Das Interesse an der Kalligraphie führte Qi Baishi zur Malerei. Im Alter von 28 Jahren wurde er Schüler des Künstlers Hu Qingyuan. Das chinesische Kulturministerium verlieh ihm den Titel „Großer Künstler des chinesischen Volkes“, den er 1956 erhielt Internationaler Preis Frieden.

10x26 cm
1946
Preis
65,4 Millionen US-Dollar
verkauft in 2011
auf der Auktion China Guardian

Qi Baishi interessierte sich für jene Erscheinungsformen der umgebenden Welt, denen viele keine Bedeutung beimessen, und das ist seine Größe. Ein Mann ohne Bildung wurde Professor und ein herausragender Schöpfer der Geschichte. Pablo Picasso sagte über ihn: „Ich habe Angst, in Ihr Land zu gehen, weil es in China Qi Baishi gibt.“ Die Komposition „Adler auf einer Kiefer“ gilt als das größte Werk des Künstlers. Zusätzlich zur Leinwand enthält es zwei Hieroglyphenrollen. Für China stellt der Kaufpreis des Werks einen Rekordwert dar – 425,5 Millionen Yuan. Allein die Schriftrolle des antiken Kalligraphen Huang Tingjian wurde für 436,8 Millionen verkauft.

14

„1949-A-Nr. 1“

Autor

Clyfford Still

Ein Land USA
Lebensjahre 1904–1980
Stil Abstrakter Expressionismus

Im Alter von 20 Jahren besuchte ich das Metropolitan Museum of Art in New York und war enttäuscht. Später meldete er sich für einen Kurs bei der Student Arts League an, verließ den Kurs jedoch 45 Minuten nach Beginn des Kurses – es stellte sich heraus, dass dieser „nichts für ihn“ war. Die erste Einzelausstellung löste Resonanz aus, der Künstler fand sich selbst und damit Anerkennung

79x93 cm
1949
Preis
61,7 Millionen US-Dollar
verkauft in 2011
auf der Auktion Sotheby's

Still vermachte alle seine Werke, mehr als 800 Leinwände und 1.600 Arbeiten auf Papier, einer amerikanischen Stadt, wo ein nach ihm benanntes Museum eröffnet werden soll. Denver wurde zu einer solchen Stadt, aber allein der Bau war für die Behörden teuer, und um ihn fertigzustellen, wurden vier Werke versteigert. Es ist unwahrscheinlich, dass Stills Werke noch einmal versteigert werden, was ihren Preis bereits im Vorfeld erhöht hat. Das Gemälde „1949-A-No.1“ wurde für den Künstler für einen Rekordpreis verkauft, obwohl Experten den Verkauf auf maximal 25–35 Millionen Dollar prognostizierten.

15

„Suprematistische Komposition“

Autor

Kasimir Malewitsch

Ein Land Russland
Lebensjahre 1878–1935
Stil Suprematismus

Malewitsch studierte Malerei an der Kiewer Kunstschule und anschließend an der Moskauer Akademie der Künste. Im Jahr 1913 begann er, abstrakte geometrische Gemälde in einem Stil zu malen, den er Suprematismus (aus dem Lateinischen für „Dominanz“) nannte.

71x 88,5 cm
1916
Preis
60 Millionen Dollar
verkauft in 2008
auf der Auktion Sotheby's

Das Gemälde wurde etwa 50 Jahre lang im Amsterdamer Stadtmuseum aufbewahrt, doch nach einem 17-jährigen Streit mit Malewitschs Verwandten verschenkte das Museum es. Der Künstler malte dieses Werk im selben Jahr wie das „Manifest des Suprematismus“, weshalb Sotheby’s bereits vor der Auktion bekannt gab, dass es nicht für weniger als 60 Millionen US-Dollar in eine Privatsammlung gelangen würde. Und so geschah es. Besser ist es, es von oben zu betrachten: Die Figuren auf der Leinwand ähneln einer Luftaufnahme der Erde. Übrigens haben dieselben Verwandten einige Jahre zuvor eine weitere „Suprematistische Komposition“ aus dem MoMA Museum enteignet, um sie bei der Phillips-Auktion für 17 Millionen Dollar zu verkaufen.

16

„Badende“

Autor

Paul Gauguin

Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1848–1903
Stil Post-Impressionismus

Bis zu seinem siebten Lebensjahr lebte der Künstler in Peru, kehrte dann mit seiner Familie nach Frankreich zurück, doch Kindheitserinnerungen trieben ihn ständig zum Reisen. In Frankreich begann er zu malen und freundete sich mit Van Gogh an. Er verbrachte sogar mehrere Monate mit ihm in Arles, bis Van Gogh ihm während eines Streits das Ohr abschnitt.

93,4 x 60,4 cm
1902
Preis
55 Millionen Dollar
verkauft im Jahr 2005
auf der Auktion Sotheby's

Im Jahr 1891 organisierte Gauguin einen Verkauf seiner Gemälde, um mit dem Erlös eine Reise tief in die Insel Tahiti unternehmen zu können. Dort schuf er Werke, in denen eine subtile Verbindung zwischen Natur und Mensch spürbar ist. Gauguin lebte in einer strohgedeckten Hütte und auf seinen Leinwänden erblühte ein tropisches Paradies. Seine Frau war die 13-jährige Tahitianerin Tehura, was den Künstler jedoch nicht davon abhielt, promiskuitive Beziehungen einzugehen. Er erkrankte an Syphilis und reiste nach Frankreich. Allerdings war es dort für Gauguin überfüllt und er kehrte nach Tahiti zurück. Diese Zeit wird als „zweiter Tahitianer“ bezeichnet – damals entstand das Gemälde „Badende“, eines der luxuriösesten seiner Werke.

17

„Narzissen und Tischdecke in Blau- und Rosatönen“

Autor

Henri Matisse

Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1869–1954
Stil Fauvismus

Im Jahr 1889 erlitt Henri Matisse einen Anfall einer Blinddarmentzündung. Als er sich von der Operation erholte, kaufte ihm seine Mutter Farben. Zunächst kopierte Matisse aus Langeweile Farbpostkarten, dann kopierte er Werke großer Maler, die er im Louvre sah, und entwickelte zu Beginn des 20. Jahrhunderts einen Stil – den Fauvismus.

65,2 x 81 cm
1911
Preis
46,4 Millionen US-Dollar
verkauft in 2009
auf der Auktion Christie's

Gemälde „Narzissen und Tischdecke in Blau- und Rosatönen“ lange Zeit gehörte Yves Saint Laurent. Nach dem Tod des Couturiers gelangte seine gesamte Kunstsammlung in die Hände seines Freundes und Liebhabers Pierre Berger, der beschloss, sie bei Christie’s zur Versteigerung zu bringen. Die Perle der verkauften Sammlung war das Gemälde „Narzissen und eine Tischdecke in Blau- und Rosatönen“, das auf einer gewöhnlichen Tischdecke statt auf Leinwand gemalt wurde. Als Beispiel des Fauvismus ist es von der Energie der Farbe erfüllt, die Farben scheinen zu explodieren und zu schreien. Aus der berühmten Serie von Gemälden auf Tischdecken ist dieses Werk heute das einzige, das sich in einer Privatsammlung befindet.

18

„Schlafendes Mädchen“

Autor

RoyLee

Htenstein

Ein Land USA
Lebensjahre 1923–1997
Stil Pop-Art

Der in New York geborene Künstler ging nach seinem Schulabschluss nach Ohio, wo er Kunstkurse belegte. 1949 erlangte Liechtenstein seinen Magistertitel Bildende Kunst. Sein Interesse für Comics und seine Fähigkeit zur Ironie machten ihn zum Kultkünstler des letzten Jahrhunderts.

91x91cm
1964
Preis
44,882 Millionen US-Dollar
verkauft in 2012
auf der Auktion Sotheby's

Eines Tages fiel Lichtenstein Kaugummi in die Hände. Er zeichnete das Bild aus der Einlage neu auf Leinwand und wurde berühmt. Diese Geschichte aus seiner Biografie enthält die gesamte Botschaft der Pop-Art: Konsum ist der neue Gott, und in einer Kaugummiverpackung steckt nicht weniger Schönheit als in der Mona Lisa. Seine Gemälde erinnern an Comics und Cartoons: Lichtenstein vergrößerte einfach das fertige Bild, zeichnete Raster, verwendete Siebdruck und Siebdruck. Das Gemälde „Schlafendes Mädchen“ gehörte fast 50 Jahre lang den Sammlern Beatrice und Philip Gersh, deren Erben es versteigerten.

19

"Sieg. Boogie Woogie"

Autor

Piet Mondrian

Ein Land Niederlande
Lebensjahre 1872–1944
Stil Neoplastizismus

Als der Künstler 1912 nach Paris zog, änderte er seinen richtigen Namen Cornelis in Mondrian. Zusammen mit dem Künstler Theo van Doesburg gründete er die Neoplastizismus-Bewegung. Die Programmiersprache Piet ist nach Mondrian benannt.

27x127 cm
1944
Preis
40 Millionen Dollar
verkauft In 1998
auf der Auktion Sotheby's

Der „musikalischste“ Künstler des 20. Jahrhunderts lebte von Aquarellstillleben, obwohl er als neoplastischer Künstler berühmt wurde. In den 1940er Jahren zog er in die USA und verbrachte dort den Rest seines Lebens. Jazz und New York haben ihn am meisten inspiriert! Gemälde „Sieg. „Boogie-Woogie“ ist das beste Beispiel dafür. Die charakteristischen sauberen Quadrate wurden mit Klebeband, Mondrians Lieblingsmaterial, erzielt. In Amerika wurde er als „der berühmteste Einwanderer“ bezeichnet. In den sechziger Jahren brachte Yves Saint Laurent weltberühmte Mondrian-Kleider mit einem großen farbigen Karodruck heraus.

20

„Komposition Nr. 5“

Autor

BasilikumKandinsky

Ein Land Russland
Lebensjahre 1866–1944
Stil Avantgarde

Der Künstler wurde in Moskau geboren und sein Vater stammte aus Sibirien. Nach der Revolution versuchte er, mit ihm zusammenzuarbeiten Sowjetmacht, erkannte aber bald, dass die Gesetze des Proletariats nicht für ihn geschaffen waren, und emigrierte nicht ohne Schwierigkeiten nach Deutschland.

275 x 190 cm
1911
Preis
40 Millionen Dollar
verkauft in 2007
auf der Auktion Sotheby's

Kandinsky war einer der ersten, der die Objektmalerei völlig aufgab, wofür er den Titel eines Genies erhielt. Während des Nationalsozialismus galten seine Bilder in Deutschland als „entartete Kunst“ und wurden nirgendwo ausgestellt. 1939 nahm Kandinsky die französische Staatsbürgerschaft an und beteiligte sich in Paris frei am künstlerischen Prozess. Seine Bilder „klingen“ wie Fugen, weshalb viele als „Kompositionen“ bezeichnet werden (die erste entstand 1910, die letzte 1939). „Komposition Nr. 5“ ist eines der Schlüsselwerke dieses Genres: „Das Wort „Komposition“ klang für mich wie ein Gebet“, sagte der Künstler. Im Gegensatz zu vielen seiner Anhänger plante er, was er auf einer riesigen Leinwand darstellen würde, als würde er Notizen schreiben.

21

„Studie einer Frau in Blau“

Autor

Fernand Léger

Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1881–1955
Stil Kubismus-Postimpressionismus

Léger erhielt eine Architekturausbildung und besuchte anschließend die Ecole des Beaux-Arts in Paris. Der Künstler verstand sich als Anhänger Cezannes, war ein Apologet des Kubismus und war im 20. Jahrhundert auch als Bildhauer erfolgreich.

96,5 x 129,5 cm
1912–1913
Preis
39,2 Millionen US-Dollar
verkauft in 2008
auf der Auktion Sotheby's

David Norman, Präsident der internationalen Abteilung für Impressionismus und Moderne bei Sotheby's, hält den hohen Betrag, der für „Die Dame in Blau“ gezahlt wurde, für völlig gerechtfertigt. Das Gemälde gehört zur berühmten Léger-Sammlung (der Künstler malte drei Gemälde zum gleichen Thema, das letzte davon befindet sich heute in Privatbesitz. - Ed.), und die Oberfläche der Leinwand ist in ihrer ursprünglichen Form erhalten geblieben. Der Autor selbst schenkte dieses Werk der Galerie Der Sturm, dann gelangte es in die Sammlung von Hermann Lang, einem deutschen Sammler der Moderne, und gehört nun einem unbekannten Käufer.

22

„Straßenszene. Berlin"

Autor

Ernst LudwigKirchner

Ein Land Deutschland
Lebensjahre 1880–1938
Stil Expressionismus

Für den deutschen Expressionismus wurde Kirchner zu einer Ikone. Allerdings warfen ihm die örtlichen Behörden einen Anhänger der „entarteten Kunst“ vor, was sich auf tragische Weise auf das Schicksal seiner Gemälde und das Leben des Künstlers auswirkte, der 1938 Selbstmord beging.

95x121 cm
1913
Preis
38,096 Millionen US-Dollar
verkauft in 2006
auf der Auktion Christie's

Nach seinem Umzug nach Berlin fertigte Kirchner 11 Skizzen von Straßenszenen an. Er ließ sich von der Hektik und Nervosität der Großstadt inspirieren. Auf dem 2006 in New York verkauften Gemälde ist die Angst des Künstlers besonders deutlich zu spüren: Menschen auf einer Berliner Straße ähneln Vögeln – anmutig und gefährlich. Es war das letzte Werk der berühmten Serie, das auf einer Auktion verkauft wurde; der Rest wird in Museen aufbewahrt. 1937 behandelten die Nazis Kirchner hart: 639 seiner Werke wurden aus deutschen Galerien entfernt, zerstört oder ins Ausland verkauft. Der Künstler konnte dies nicht überleben.

23

„Urlauber“Tänzer"

Autor

Edgar Degas

Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1834–1917
Stil Impressionismus

Die Geschichte von Degas als Künstler begann mit seiner Arbeit als Kopist im Louvre. Er träumte davon, „berühmt und unbekannt“ zu werden, und am Ende gelang es ihm. Am Ende seines Lebens besuchte der 80-jährige Degas, taub und blind, weiterhin Ausstellungen und Auktionen.

64x59 cm
1879
Preis
37,043 Millionen US-Dollar
verkauft in 2008
auf der Auktion Sotheby's

„Ballerinas waren für mich schon immer nur ein Vorwand, um Stoffe darzustellen und Bewegung einzufangen“, sagte Degas. Szenen aus dem Leben der Tänzer scheinen ausspioniert worden zu sein: Die Mädchen posieren nicht für den Künstler, sondern werden einfach Teil der Atmosphäre, die Degas‘ Blick einfängt. „Resting Dancer“ wurde 1999 für 28 Millionen US-Dollar verkauft und weniger als zehn Jahre später für 37 Millionen US-Dollar gekauft – heute ist es das teuerste Werk des Künstlers, das jemals versteigert wurde. Degas legte großen Wert auf Rahmen, entwarf sie selbst und verbot deren Veränderung. Ich frage mich, welcher Rahmen auf dem verkauften Gemälde installiert ist?

24

"Malerei"

Autor

Joan Miro

Ein Land Spanien
Lebensjahre 1893–1983
Stil abstrakte Kunst

Während des Spanischen Bürgerkriegs stand der Künstler auf der Seite der Republikaner. 1937 floh er vor dem faschistischen Regime nach Paris, wo er mit seiner Familie in Armut lebte. In dieser Zeit malte Miro das Gemälde „Helfen Sie Spanien!“ und machte damit die ganze Welt auf die Dominanz des Faschismus aufmerksam.

89x115 cm
1927
Preis
36,824 Millionen US-Dollar
verkauft in 2012
auf der Auktion Sotheby's

Der zweite Titel des Gemäldes lautet „Blue Star“. Der Künstler malte es im selben Jahr, als er verkündete: „Ich will die Malerei töten“ und die Leinwände gnadenlos verspottete, die Farbe mit Nägeln zerkratzte, Federn auf die Leinwand klebte und die Werke mit Müll bedeckte. Sein Ziel war es, die Mythen über das Geheimnis der Malerei zu entlarven, doch nachdem er damit fertig geworden war, schuf Miro seinen eigenen Mythos – die surreale Abstraktion. Sein „Gemälde“ gehört zum Zyklus der „Traumbilder“. Bei der Auktion kämpften vier Käufer darum, doch ein Inkognito-Anruf löste den Streit und „Gemälde“ wurde zum teuersten Gemälde des Künstlers.

25

"Blaue Rose"

Autor

Yves Klein

Ein Land Frankreich
Lebensjahre 1928–1962
Stil monochrome Malerei

Der Künstler wurde in eine Malerfamilie hineingeboren, studierte aber orientalische Sprachen, Navigation, das Handwerk eines Rahmenvergolders, Zen-Buddhismus und vieles mehr. Seine Persönlichkeit und seine frechen Possen waren um ein Vielfaches interessanter als monochrome Gemälde.

153x199x16 cm
1960
Preis
36,779 Millionen US-Dollar
2012 verkauft
bei Christie's Auktion

Die erste Ausstellung monochromatischer Werke in Gelb, Orange und Rosa erregte kein öffentliches Interesse. Klein war beleidigt und präsentierte das nächste Mal 11 identische Leinwände, bemalt mit Ultramarin, gemischt mit einem speziellen Kunstharz. Er hat diese Methode sogar patentieren lassen. Die Farbe ging als „internationales Kleinblau“ in die Geschichte ein. Der Künstler verkaufte auch Leere, schuf Gemälde, indem er Papier dem Regen aussetzte, Karton in Brand setzte und Abdrücke des Körpers einer Person auf Leinwand anfertigte. Kurz gesagt, ich habe so gut ich konnte experimentiert. Um „Blue Rose“ zu kreieren, habe ich trockene Pigmente, Harze, Kieselsteine ​​und einen Naturschwamm verwendet.

26

„Auf der Suche nach Moses“

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Ein Land Großbritannien
Lebensjahre 1836–1912
Stil Neoklassizismus

Sir Lawrence selbst fügte seinem Nachnamen das Präfix „alma“ hinzu, damit er in Kunstkatalogen an erster Stelle aufgeführt werden konnte. Im viktorianischen England waren seine Gemälde so gefragt, dass der Künstler zum Ritter geschlagen wurde.

213,4 x 136,7 cm
1902
Preis
35,922 Millionen US-Dollar
verkauft in 2011
auf der Auktion Sotheby's

Das Hauptthema von Alma-Tademas Werk war die Antike. In seinen Gemälden versuchte er, die Ära des Römischen Reiches bis ins kleinste Detail darzustellen, dafür führte er sogar archäologische Ausgrabungen auf der Apenninenhalbinsel durch und reproduzierte in seinem Londoner Haus das historische Interieur dieser Jahre. Mythologische Themen wurden für ihn zu einer weiteren Inspirationsquelle. Der Künstler war zu Lebzeiten sehr gefragt, doch nach seinem Tod geriet er schnell in Vergessenheit. Jetzt erwacht das Interesse wieder, wie der Preis des Gemäldes „Auf der Suche nach Moses“ zeigt, der siebenmal höher ist als der Vorverkaufspreis.

27

„Porträt eines schlafenden nackten Beamten“

Autor

Lucian Freud

Ein Land Deutschland,
Großbritannien
Lebensjahre 1922–2011
Stil figurative Malerei

Der Künstler ist der Enkel von Sigmund Freud, dem Vater der Psychoanalyse. Nach der Etablierung des Faschismus in Deutschland wanderte seine Familie nach Großbritannien aus. Freuds Werke befinden sich im Wallace Collection Museum in London, wo bisher kein zeitgenössischer Künstler ausgestellt hat.

219,1 x 151,4 cm
1995
Preis
33,6 Millionen US-Dollar
verkauft in 2008
auf der Auktion Christie's

Während Modekünstler des 20. Jahrhunderts positive „Farbflecken an der Wand“ schufen und sie für Millionen verkauften, malte Freud äußerst naturalistische Gemälde und verkaufte sie für noch mehr. „Ich fange die Schreie der Seele und das Leiden des verblassenden Fleisches ein“, sagte er. Kritiker glauben, dass dies alles das „Erbe“ von Sigmund Freud ist. Die Gemälde wurden so aktiv ausgestellt und erfolgreich verkauft, dass Experten zu zweifeln begannen: Haben sie hypnotische Eigenschaften? Das auf einer Auktion verkaufte Porträt eines nackten schlafenden Beamten wurde laut Sun von einem Schönheitskenner und Milliardär Roman Abramovich gekauft.

28

„Violine und Gitarre“

Autor

Xein Gris

Ein Land Spanien
Lebensjahre 1887–1927
Stil Kubismus

Geboren in Madrid, wo er die Schule für Kunst und Handwerk abschloss. 1906 zog er nach Paris und schloss sich dem Kreis der einflussreichsten Künstler seiner Zeit an: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, und arbeitete auch mit Sergej Diaghilew und seiner Truppe zusammen.

5x100 cm
1913
Preis
28,642 Millionen US-Dollar
verkauft in 2010
auf der Auktion Christie's

Gris, von In Meinen Eigenen Worten Er beschäftigte sich mit „planarer, farbiger Architektur“. Seine Bilder sind präzise durchdacht: Er hat keinen einzigen zufälligen Strich hinterlassen, was Kreativität der Geometrie ähnelt. Der Künstler schuf seine eigene Version des Kubismus, obwohl er Pablo Picasso, den Gründervater der Bewegung, großen Respekt zollte. Der Nachfolger widmete ihm sogar sein erstes Werk im kubistischen Stil, „Tribute to Picasso“. Das Gemälde „Violine und Gitarre“ gilt als herausragend im Schaffen des Künstlers. Zu seinen Lebzeiten war Gris berühmt und beliebt bei Kritikern und Kunstkritikern. Seine Werke werden in den größten Museen der Welt ausgestellt und in Privatsammlungen aufbewahrt.

29

"PorträtFelder von Eluard“

Autor

Salvador Dali

Ein Land Spanien
Lebensjahre 1904–1989
Stil Surrealismus

„Ich bin der Surrealismus“, sagte Dali, als er aus der Gruppe der Surrealisten ausgeschlossen wurde. Mit der Zeit wurde er zum berühmtesten surrealistischen Künstler. Dalis Arbeiten sind überall, nicht nur in Galerien. Er war es zum Beispiel, der sich die Verpackung für Chupa Chups ausgedacht hat.

25x33 cm
1929
Preis
20,6 Millionen US-Dollar
verkauft in 2011
auf der Auktion Sotheby's

Im Jahr 1929 besuchten der Dichter Paul Eluard und seine russische Frau Gala den großen Provokateur und Schläger Dali. Das Treffen war der Beginn einer Liebesgeschichte, die mehr als ein halbes Jahrhundert dauerte. Das Gemälde „Porträt von Paul Eluard“ entstand während dieses historischen Besuchs. „Ich hatte das Gefühl, dass mir die Verantwortung anvertraut wurde, das Gesicht des Dichters einzufangen, aus dessen Olymp ich eine der Musen gestohlen hatte“, sagte der Künstler. Bevor er Gala traf, war er Jungfrau und empfand Ekel bei dem Gedanken an Sex mit einer Frau. Die Dreiecksbeziehung existierte bis zu Eluards Tod, danach wurde daraus das Dali-Gala-Duett.

30

"Jubiläum"

Autor

Marc Chagall

Ein Land Russland, Frankreich
Lebensjahre 1887–1985
Stil Avantgarde

Moishe Segal wurde in Witebsk geboren, emigrierte jedoch 1910 nach Paris, änderte seinen Namen und kam den führenden Avantgarde-Künstlern seiner Zeit nahe. In den 1930er Jahren, während der Machtergreifung der Nazis, reiste er mit Hilfe des amerikanischen Konsuls in die USA. Erst 1948 kehrte er nach Frankreich zurück.

80x103 cm
1923
Preis
14,85 Millionen US-Dollar
1990 verkauft
bei Sotheby's Auktion

Das Gemälde „Jubiläum“ gilt als eines der besten Werke des Künstlers. Es enthält alle Merkmale seines Werkes: Die physikalischen Gesetze der Welt werden ausgelöscht, das Gefühl eines Märchens bleibt in der Szenerie des bürgerlichen Lebens erhalten und die Liebe steht im Mittelpunkt der Handlung. Chagall hat die Menschen nicht aus dem Leben gezeichnet, sondern nur aus der Erinnerung oder der Vorstellungskraft. Das Gemälde „Jubiläum“ zeigt den Künstler selbst und seine Frau Bela. Das Gemälde wurde 1990 verkauft und seitdem nicht mehr versteigert. Interessanterweise beherbergt das New Yorker Museum of Modern Art MoMA genau dasselbe, nur unter dem Namen „Birthday“. Es wurde übrigens schon früher geschrieben – im Jahr 1915.

hat das Projekt vorbereitet
Tatiana Palasova
Die Bewertung wurde erstellt
gemäß der Liste www.art-spb.ru
tmn-Magazin Nr. 13 (Mai-Juni 2013)

Einleitung S.3
1. Künstler und Kunstvereine der 20er Jahre S.5
2. Künstler und Kunstvereine der 30er Jahre S.11
Referenzen S.20

Einführung

Der Oktober 1917 eröffnete eine neue Ära nicht nur im gesellschaftlichen Leben, sondern auch im Leben der Kunst. Jede Revolution zerstört etwas, und dann beginnt die Schaffung von etwas Neuem. Dabei handelt es sich nicht um eine einfache Entwicklung, sondern um eine entscheidende Umgestaltung der Grundlagen bisheriger sozialer, politischer, ideologischer und anderer Strukturen, einschließlich der Kunst.
Die Revolution warf mindestens zwei Probleme auf. Das erste Problem ist der Klassismus der Kunst. Der Versuch, es eng mit dem Klassenkampf zu verknüpfen, führte zu einer Verzerrung seines multifunktionalen Charakters. Ein besonders stark vereinfachtes Verständnis des Klassencharakters der Kunst manifestierte sich in den Aktivitäten des bekannten Proletkults. Das Element des Kampfes führte zur Zerstörung von Kulturdenkmälern, die nicht nur durch militärische Aktionen während des Bürgerkriegs und ausländische Interventionen verursacht wurde, sondern auch durch eine Politik, die auf die Zerschlagung der bürgerlichen Kultur abzielte. Daher wurden viele abgerissen oder zerstört skulpturale Denkmäler, Werke antiker Architektur, die mit religiösem Kult verbunden sind.
Das zweite Problem ist das Problem der Klassenpolitik in der Kunst. An der Lösung waren alle Kräfte beteiligt: ​​„bürgerlich“ und „proletarisch“, destruktiv und kreativ, sowjetisch und nichtsowjetisch, „links“ und „rechts“, kulturell und ignorant, professionell und amateurhaft.
Die vom Staat proklamierten Prinzipien der gesellschaftlichen Entwicklung bestimmten maßgeblich die allmähliche Bewegung der Kunst. Es kam zu einer Art Kräfteschichtung, aus deren Addition ein Vektor des realen Standes der Technik entstand. Einerseits ist dies die Kraft der Selbstentwicklung der Kunst, in der sich die Bewegungsmuster der Formen widerspiegeln, die in der Natur des künstlerischen Schaffens liegen; andererseits - der Einfluss gesellschaftlicher Kräfte, öffentliche Einrichtungen, interessiert an dieser und nicht an einer anderen Kunstrichtung, in bestimmten ihrer Formen. Drittens das Diktat der Staatspolitik, das, ob es sich auf gesellschaftliche Kräfte stützte oder nicht, einen bedingungslosen Einfluss auf die Struktur der Kunst, auf ihr Wesen, auf ihr evolutionäres und revolutionäres Potenzial hatte. Seit Ende der 1920er Jahre hat die Politik offensichtlich begonnen, den normalen Entwicklungsprozess der Kunst zu verzerren und durch das Verbot oder die Verurteilung bestimmter „nichtproletarischer“ Erscheinungsformen einen gewissen Druck auf sie auszuüben.

1. Künstler und Kunstvereine der 20er Jahre.

Die 1920er Jahre waren eine turbulente Zeit für die Kunst. Es gab viele verschiedene Gruppen. Jeder von ihnen stellte eine Plattform vor, jeder brachte sein eigenes Manifest heraus. Die von der Idee des Suchens besessene Kunst war vielfältig; es brodelte und brodelte und versuchte, mit der Zeit Schritt zu halten und in die Zukunft zu blicken.
Die bedeutendsten Gruppen, deren Erklärungen und kreative Praxis die wichtigsten kreativen Prozesse dieser Zeit widerspiegelten, waren AHRR, OST und „4 Arts“ (8, S. 87).
Die AHRR-Gruppe (Vereinigung der Künstler des revolutionären Russlands) entstand 1922 (1928 wurde sie in AHRR – Vereinigung der Künstler der Revolution) umbenannt. Der Kern der AHRR bestand überwiegend aus ehemaligen Teilnehmern des Wanderausstellungsverbandes. Die AHRR-Erklärung wurde im Ausstellungskatalog von 1922 niedergelegt: „Unsere bürgerliche Pflicht gegenüber der Menschheit ist die künstlerische und dokumentarische Aufzeichnung des größten Moments der Geschichte in ihrem revolutionären Impuls.“ Wir werden heute darstellen: das Leben der Roten Armee, das Leben der Arbeiter, Bauern, Revolutionäre und Helden der Arbeit.“
AHRR-Künstler versuchten, ihre Malerei dem damaligen Massenpublikum zugänglich zu machen. In ihren Arbeiten bedienten sie sich oft mechanisch der alltäglichen Schriftsprache der verstorbenen Wanderers. AHRR organisierte eine Reihe thematischer Kunstausstellungen, deren eigentliche Namen lauten: „Leben und Leben der Arbeiter“ (1922), „Leben und Leben der Roten Armee“ (1923), „Revolution, Leben und Arbeit“ (1924 – 1925), „Leben und Leben der Nationen der UdSSR“ (1926) – sprechen über die Aufgaben der direkten Widerspiegelung der modernen Realität.
Die Besonderheit der Praxis der „Akhroviten“ bestand darin, dass sie Fabriken und Fabriken, in die Kasernen der Roten Armee, gingen, um dort das Leben und den Alltag ihrer Helden zu beobachten. Während der Vorbereitung der Ausstellung „Leben und Leben der Völker der UdSSR“ besuchten ihre Teilnehmer die entlegensten Winkel des Sowjetlandes und brachten von dort eine beträchtliche Anzahl von Skizzen mit, die die Grundlage ihrer Arbeiten bildeten. AHRR-Künstler spielten eine wichtige Rolle bei der Entwicklung neuer Themen und beeinflussten Vertreter verschiedener Künstlergruppen dieser Zeit.
Unter den Künstlern der AHRR sticht das Werk von I. I. Brodsky (1883 - 1939) hervor, der sich eine genaue, dokumentarische Wiedergabe der Ereignisse und Helden der Revolution zur Aufgabe gemacht hat. Weithin bekannt wurden seine Gemälde, die den Aktivitäten von W. I. Lenin gewidmet waren. Die Geburtsstunde der bildlichen Leniniana geht auf das Gemälde „Lenins Rede in der Putilow-Fabrik“ zurück, das Brodsky 1929 malte, und auf eines seiner berühmtesten Werke, „Lenin im Smolny“ (1930), das Lenin in seinem Büro bei der Arbeit zeigt . Brodsky sah Lenin viele Male und fertigte Skizzen von ihm an (12, S. 92).
Brodskys Werke haben eine wichtige Qualität – Authentizität, die eine große historische pädagogische Bedeutung hat. Der Wunsch nach Dokumentation führte jedoch manchmal zu einer empirischen, naturalistischen Interpretation des Ereignisses. Die künstlerische Bedeutung von Brodskys Gemälden wurde auch durch den trockenen Naturalismus und die diätetische Farbgebung gemindert, die für einen wesentlichen Teil seiner Werke charakteristisch sind.
Der Meister der Porträtmalerei G. G. Ryazhsky (1895 - 1952) trat 1923 der AHRR bei. Seine berühmtesten Werke sind „Delegierter“ (1927) und „Vorsitzende“ (1928), in denen der Künstler die typischen sozialpsychologischen Merkmale von zeigt eine Frau der neuen Gesellschaft, eine aktive Teilnehmerin an der Produktion und öffentliches Leben Länder. Ihre „Vorsitzende“ ist eine Arbeiteraktivistin. Ihre Haltung und Gestik zeugen von Selbstbewusstsein und Gelassenheit als Beleg für die Stellung der Frau in der neuen Arbeitsgesellschaft.
Unter den Porträtmalern der AHRR spielte S. V. Malyutin (1859 – 1937) eine herausragende Rolle. Die von ihm vor der Revolution begonnene Porträtgalerie wurde zu Sowjetzeiten durch Porträts von V.K. Byalynitsky-Birulya, A.V. Lunacharsky und vielen anderen ergänzt. Unter ihnen ist das Porträt von Dmitri Furmanow aus dem Jahr 1922 am interessantesten, das überzeugend das Bild des Schriftsteller-Kriegers, eines Vertreters der neuen sowjetischen Intelligenz, offenbart.
Ein aktiver Teilnehmer der AHRR-Ausstellungen war ein bedeutender russischer Maler der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. A. E. Arkhipov. In den 20er Jahren schuf Arkhipov Bilder von Bäuerinnen – „Frau mit Krug“, „Bäuerin in grüner Schürze“, „Bäuerin mit rosa Schal in der Hand“ usw. Diese Gemälde wurden mit einem breiten Pinsel gemalt. temperamentvoll und farbenfroh.
Die genaue Beobachtung und Aufmerksamkeit für neue Phänomene des Lebens prägten das Werk von E. M. Cheptsov (1874 - 1943), der die Wandertraditionen im Bereich des Alltagsgenres fortsetzte. Weithin bekannt ist sein Gemälde „Treffen der Dorfzelle“ (1924), das Dorfaktivisten der ersten Jahre der Revolution zeigt. Die Beobachtungsgabe und Aufrichtigkeit des Autors, die Einfachheit der Erscheinung seiner Figuren und die Schlichtheit der umgebenden Accessoires machten Cheptsovs kleines, bescheidenes Kunstwerk zu einem der interessantesten Kunstbeispiele der AHRR.
Das Gleiche gilt für eines der Werke des Landschaftsmalers B. N. Jakowlew (1880 - 1972). Sein „Transport wird besser“ (1923) ist eine bescheidene und zugleich tiefgründige Geschichte über die schwierige Zeit der ersten Jahre der Revolution, über die tägliche Arbeit der Menschen. Dieses ruhig und einfach gemalte Gemälde ist eines der ersten Beispiele einer Industrielandschaft in der sowjetischen Malerei.
Einen besonderen Platz in der Malerei des AHRR nimmt das Werk von M. B. Grekov (1882-1934) ein, dem Begründer des Kampfgenres in der sowjetischen Kunst. Eineinhalb Jahrzehnte lang – bis zu seinem Lebensende – war er damit beschäftigt, eine Reihe von Gemälden zu schaffen, die der Ersten Kavallerie-Armee gewidmet waren, an deren Feldzügen und Schlachten der Künstler teilnahm. In seinem Werk, insbesondere in der Frühzeit, sind die Traditionen Wereschtschagins deutlich spürbar. Grekovs Hauptfigur ist ein Volk, das alle Schwierigkeiten des Krieges auf sich genommen hat. Grekovs Werke sind lebensbejahend. In Gemälden der Mitte der 20er Jahre wie „Tachanka“ (1925) verbindet sich die wandernde Präzision des Bildes mit romantischer Hochstimmung. Später schuf Grekov in Fortsetzung der einzigartigen Bildchronik der Ersten Kavalleriearmee epische Gemälde, unter denen die Gemälde „An den Kuban“ und „Trompeter der Ersten Kavalleriearmee“ (beide 1934) hervorstechen.
Neben der AHRR, zu der Künstler der älteren und mittleren Generation gehörten, die zum Zeitpunkt der Revolution bereits über umfassende kreative Erfahrung verfügten, spielte die 1925 gegründete Gruppe OST (Society of Easel Painters) eine aktive Rolle im künstlerischen Leben von In diesen Jahren vereinte es die künstlerische Jugend der ersten sowjetischen Kunstuniversität - VHU-TEMASA. (3)
Als Hauptaufgabe des Vereins galten sowohl bei den OST-Künstlern als auch bei den Akroviten der Kampf für die Wiederbelebung und Weiterentwicklung der Staffeleimalerei in modernes Thema oder mit moderne Inhalte. Die kreativen Ambitionen und Methoden der OST-Künstler wiesen jedoch charakteristische Unterschiede auf. Sie versuchten, in einzelnen Fakten die neuen Qualitäten ihrer heutigen Ära im Verhältnis zur vorherigen Ära widerzuspiegeln. Ihr Hauptthema war die Industrialisierung Russlands, das bis dahin noch agrarisch und rückständig war, und der Wunsch, die Dynamik der Beziehung zwischen moderner Produktion und Menschen aufzuzeigen.
Einer der talentiertesten Vertreter der OST-Gruppe war A. A. Deineka. Die OST am nächsten kommenden Aussagen sind seine Gemälde: „Beim Bau neuer Werkstätten“ (1925), „Vor dem Abstieg in die Mine“ (1924), „Fußballer“ (1924), „Textilarbeiter“ (1926). Das figurative Pathos von Deineka – das Skelett fand einen Ausweg in journalistischen Grafiken, in denen der Künstler als Illustrator in Magazinen für breite Lektüre auftrat – wie „At the Machine“, „Atheist at the Machine“, „Spotlight“, „ Jugend“ usw. Das zentrale Werk von Deinekas Ostow-Zeit war das Gemälde „Verteidigung Petrograds“, das 1928 für die thematische Ausstellung „10 Jahre Rote Armee“ gemalt wurde. Diese Arbeit enthüllt das grundlegende Pathos und die Bedeutung der innovativen Traditionen der lebensspendenden OST, die ihre Entwicklung in der sowjetischen Kunst späterer Epochen fanden. Deineka verkörperte in diesem Bild die ganze Originalität seines Stils, reduzierte die Ausdrucksmittel auf ein Minimum, machte sie aber sehr aktiv und wirkungsvoll (8, S. 94).
Unter den anderen Mitgliedern von OST sind Yu. I. Pimenov, P. V. Williams und S. A. Luchishkin in der Art ihrer Werke stilistisch am nächsten. Die im gleichen Zeitraum entstandenen Werke „Heavy Industry“ von Pimenov, „The Hamburg Uprising“ von Williams, „The Ball Has Flew Away“ und „I Love Life“ von Luchishkin enthüllten und spiegelten auf innovative Weise die wichtigen Qualitäten der modernen Realität wider.
Im Gegensatz zur Ostov-Gruppe, die in ihrer Komposition noch jung war, gab es zwei andere kreative Gruppen, die einen wichtigen Platz im künstlerischen Leben jener Jahre einnahmen – „4 Arts“ und OMH. (Gesellschaft Moskauer Künstler) - vereinte Meister der älteren Generation, die sich in vorrevolutionären Zeiten kreativ entwickelt hatten, die die Probleme der Bewahrung der Bildkultur mit besonderer Ehrfurcht behandelten und die Sprache selbst, die plastische Form, für sehr wichtig hielten Teil der Arbeit. Die Gesellschaft „4 Künste“ entstand 1925. Die prominentesten Mitglieder dieser Gruppe waren P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin, M. S. Saryan, N. P. Ulyanov, K. N. Istomin, V. A. Favorsky.
Petrov-Vodkins Werke wie „After the Battle“ (1923), „Girl at the Window“ (1928) und „Anxiety“ (1934) bringen die ethische Bedeutung verschiedener Perioden – Meilensteine ​​in der Entwicklung der sowjetischen Gesellschaft – am besten zum Ausdruck . Sein Gemälde „Der Tod eines Kommissars“ (1928) steht wie Deinekas „Verteidigung Petrograds“ im Zusammenhang mit der Ausstellung „10 Jahre Rote Armee“ im Gegensatz zum spezifischen Journalismus – der Grundlage von Deinekas figurativen Entscheidungen seine philosophische Lösung des Problems: durch Fakten, die Vorstellungen über Ereignisse auf dem gesamten Planeten Erde verallgemeinern, durch die Identifizierung des ethischen Wesens dieser Ereignisse. Ein Kommissar ist eine Person, die sowohl im Leben als auch im Tod eine Leistung im Namen der Menschheit vollbringt. Sein Bild ist Ausdruck der Unbesiegbarkeit brillanter Ideen, die sich in der Zukunft durchsetzen werden, ungeachtet und trotz des Todes der aktivsten Träger dieser Ideen. Der Abschiedsblick des sterbenden Kommissars ist wie ein Abschiedswort an eine Kämpferabteilung vor einem Angriff – er ist voller Siegesglaube.
Petrov-Vodkins philosophische Ideen finden einen angemessenen plastischen Ausdruck. Der dargestellte Raum scheint sich über die Kugeloberfläche des Planeten zu erstrecken. Die Kombination aus direkter und umgekehrter Perspektive vermittelt überzeugend und eindringlich das „planetarische“ Panorama des Geschehens. Bildprobleme werden auch im Farbsystem deutlich gelöst. In seiner Malerei hält der Künstler am Prinzip der Trikolore fest, als ob sie die Grundfarben der Erde verkörpern würde: kalte blaue Luft, blaues Wasser; braunrote Erde; Grün der Pflanzenwelt.
Einen bedeutenden Eindruck in der Geschichte der sowjetischen Malerei hinterließen die Künstler der 1927 gegründeten OMH-Gruppe. Viele von ihnen schlossen sich in den vorrevolutionären Jahren im Verein „Karo-Bube“ zusammen. Die aktivsten in OMX waren P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, V. V. Rozhdestvensky, A. A. Osmerkin.
In ihrer Erklärung sagten die OMKh-Künstler: „Wir fordern vom Künstler die größtmögliche Wirksamkeit und Ausdruckskraft der formalen Aspekte seiner Arbeit, die einen untrennbaren Teil der ideologischen Seite seiner Arbeit bilden.“ Dieses Programm fühlt sich der 4 Arts-Gruppe nahe.
Einer der prominentesten Vertreter dieses Programms in der sowjetischen Kunst der frühen Jahre war P. P. Konchalovsky. Er versuchte, die Trends des „Karo-Buben“ mit dem Erbe russischer realistischer Künstler zu verbinden, was sein kreatives Spektrum erheblich erweiterte und ihm half, organischer in die sowjetische Kunst der 20er Jahre einzusteigen. Werke des Meisters wie „Selbstporträt mit seiner Frau“ (1922), „Porträt von O. V. Konchalovskaya“ (1925) und „Porträt seiner Tochter Natasha“ (1925) zeichnen sich durch ihre koloristische Integrität und die Intensität einzelner Farben aus . In denselben Jahren versuchte P. P. Konchalovsky zu schaffen thematische Gemälde, unter denen die besten „Novgorodians“ (1921) und „From the Fair“ (1926) sind. Der Künstler interessiert sich für traditionelle Bilder „russischer Bauern“ – mächtig, stämmig, umgeben von vertrauten Gegenständen, nach den Gesetzen alter Bräuche und zusammen mit ihrer Umgebung etwas typisch Nationales bildend.

2. Künstler und Kunstvereine der 30er Jahre.

Die 30er Jahre in der Geschichte der sowjetischen Kunst sind eine schwierige Zeit und spiegeln die Widersprüche der Realität selbst wider. Nachdem die Meister der Kunst die erheblichen Veränderungen in der Gesellschaft und das Pathos der Industrialisierung wahrgenommen hatten, bemerkten sie gleichzeitig die großen sozialen Widersprüche fast nicht und brachten die sozialen Konflikte, die mit der Stärkung des Personenkults um Stalin verbunden waren, nicht zum Ausdruck (1).
Am 23. April 1932 verabschiedete das Zentralkomitee der Partei eine Resolution „Über die Umstrukturierung literarischer und künstlerischer Organisationen“. Dieses Dekret löste alle zuvor bestehenden Künstlergruppen auf und zeigte allgemeine Wege und Formen der Stabilisierung und Entwicklung aller kreativen Kräfte der sowjetischen Kunst auf. Der Beschluss schwächte die Konfrontation zwischen einzelnen Verbänden ab, die sich an der Wende der 20er und 30er Jahre so verschärfte. Andererseits verstärkten sich aber auch die Vereinheitlichungstendenzen im künstlerischen Leben. Die avantgardistischen Experimente, die sich in den 1920er Jahren bemerkbar machten, wurden unterbrochen. Es entbrannte ein Kampf gegen den sogenannten Formalismus, der viele Künstler dazu zwang, ihre bisherigen Errungenschaften aufzugeben.
Die Gründung einer einzigen Gewerkschaft fiel mit der Billigung des von A.M. formulierten Prinzips des sozialistischen Realismus zusammen. Gorki auf dem Ersten Allunionskongress sowjetischer Schriftsteller. Der sozialistische Realismus übernahm das Erbe der Traditionen des Realismus Kunst des 19. Jahrhunderts V. und zielte darauf ab, die Realität in ihrer revolutionären Entwicklung darzustellen. Wie die weitere Praxis der sowjetischen Kunst jedoch zeigte, erwies sich der Begriff „sozialistischer Realismus“ als unzureichend umfangreich und den komplexen und vielschichtigen Tendenzen nicht angemessen neue Kultur. Seine formale Anwendung auf die künstlerische Praxis verlieh ihm oft die Rolle eines dogmatischen Bremsers für die Entwicklung der Kunst. Unter den Bedingungen der gesellschaftlichen Umstrukturierung der 80er Jahre wurde der Begriff „sozialistischer Realismus“ in Fachkreisen auf verschiedenen Ebenen diskutiert.
Viele der progressiven Trends, die in den 20er Jahren aufkamen, entwickelten sich in den 30er Jahren weiter. Dies gilt beispielsweise für das fruchtbare Zusammenspiel verschiedener Landesschulen.
In großen Kunstausstellungen, organisiert in den 1930er Jahren, nehmen Künstler aus allen Republiken der Sowjetunion teil. Gleichzeitig werden in Moskau republikanische Ausstellungen im Zusammenhang mit den Jahrzehnten der nationalen Kunst organisiert. Fragen der nationalen Kunst sind für Künstler aus den Bruderrepubliken von besonderem Interesse.
In den 1930er Jahren weitete sich die Praxis staatlicher Aufträge und kreativer Reisen für Künstler aus. Die größten Ausstellungen werden organisiert: „15 Jahre Rote Armee“, „20 Jahre Rote Armee“, „20 Jahre Komsomol“, „Industrie des Sozialismus“, „Ausstellung beste Werke Sowjetische Malerei“ und andere. Sowjetische Künstler nehmen daran teil internationale Ausstellungen In Paris und New York führen sie Arbeiten für die All-Union-Landwirtschaftsausstellung in Moskau durch, bei deren Vorbereitung eine beträchtliche Anzahl monumentaler und dekorativer Werke geschaffen wurde, die im Wesentlichen eine wichtige Etappe der Wiederbelebung darstellten der monumentalen Malerei als eigenständiger Kunstform mit eigenen Zielen und Mustern. Diese Werke drückten die Tendenz der sowjetischen Kunst zum Monumentalismus aus.
Einer der bedeutendsten Vertreter Staffelei-Malerei Zu dieser Zeit gehörte der Künstler Boris Vladimirovich Ioganson (1893 - 1973), der sich in seinem Werk den höchsten Traditionen der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts zuwandte. Er interpretiert das Erbe von Surikow und Repin und bringt im Einklang mit der Zeit neue revolutionäre Inhalte in seine Werke ein. Aus dieser Sicht sind Iogansons Gemälde „Interrogation of Communists“ (1933) und „At the Old Ural Factory“ (1937) besonders wichtig.
Das Gemälde „Verhör der Kommunisten“ wurde erstmals in der Ausstellung „15 Jahre Rote Armee“ ausgestellt. Darin zeigte der Künstler die Kommunisten, die sich für die Verteidigung des revolutionären Vaterlandes einsetzten, und ihre Gegner – die Weißgardisten, die während des Bürgerkriegs versuchten, den Sowjetstaat zu erdrosseln. Der Künstler führt seine historische Verallgemeinerung in der Tradition Repins durch, indem er eine bestimmte Handlung in einem bestimmten Umfeld zeigt. Wir kennen die Namen der hier abgebildeten Personen nicht, zumal das Bild als Ganzes von uns als historisch universell wahrgenommen wird. Die Kommunisten in Iogansons Film sind dem Tode geweiht. Aber der Künstler zeigt ihre Ruhe, ihren Mut, ihre Stärke und ihre Widerstandsfähigkeit, die im Gegensatz zu der Angst, Nervosität und psychischen Uneinigkeit stehen, die in der Gruppe der Weißgardisten herrscht, die nicht nur in dieser Situation, sondern gleichsam angesichts der Geschichte machtlos sind .
In dem Gemälde „In der alten Ural-Fabrik“, das für die Ausstellung „Industrie des Sozialismus“ geschrieben wurde, kontrastiert Ioganson die Bilder des Fabrikbesitzers und des Arbeiters, in denen er ein Gefühl des aufkommenden Klassenbewusstseins und der inneren Überlegenheit gegenüber dem Ausbeuter offenbart. Mit diesem Gemälde zeigte der Künstler den historischen Konflikt zwischen Alt und Neu, Reaktionär und Fortschrittlich auf und begründete die Siegesmacht des Revolutionären und Fortschrittlichen. Dies sind die neuen charakteristischen Merkmale des sowjetischen historisch-revolutionären Genres am Beispiel der Malerei von Ioganson.
Einen besonderen Platz nimmt in dieser Zeit das in Bildern, Themen und Genres vielfältige Schaffen von Sergej Wassiljewitsch Gerassimow ein. Das auffälligste Werk des historischen Genres in seinem Werk ist das Gemälde „Der Eid der sibirischen Partisanen“ (1933), das durch seine offene Ausdruckskraft besticht, die sich durch koloristische Ausdruckskraft, scharfe Zeichnung und dynamische Komposition offenbart. S. V. Gerasimov widmete sich bei seiner Arbeit im alltäglichen Genre dem Bauernthema. Der Künstler näherte sich dieser Lösung durch ein Porträt und schuf eine ganze Reihe überzeugender Bauernbilder. Während des Baus des Kollektivbauerndorfes malte er eines der eindrucksvollsten Porträts, „Kollektiver Bauernwächter“ (1933). Zu den bedeutendsten Werken Genremalerei Zu den 30er Jahren gehörte das Gemälde „Gemeinsamer Urlaub auf dem Bauernhof“ (1937), das in der Ausstellung „Industrie des Sozialismus“ ausgestellt wurde. Der größte sowjetische Kunstkritiker, Akademiker I. E. Grabar, charakterisiert dieses Gemälde treffend und prägnant: „Als das wunderbare Gemälde „Kollektiver Bauernhofurlaub“ erschien, war eines der besten Gemälde der Ausstellung „Industrie des Sozialismus“ ein neues, außergewöhnliches Wachstum des Meister wurde offensichtlich. Kaum einer der sowjetischen Künstler außer Sergej Gerassimow hätte eine solche Kompositions-, Beleuchtungs- und Farbaufgabe gemeistert, und das sogar mit Hilfe so einfacher Mittel und Techniken. Es war das sonnigste Bild der russischen Malerei während der Revolution, obwohl es in einem zurückhaltenden Plan ausgeführt wurde“ (1, S. 189).
Der „Sänger“ der sowjetischen Bauernschaft war Arkadi Alexandrowitsch Plastow (1893 - 1983), der durch seine Herkunft mit dem russischen Dorf verbunden war. Sein ganzes Leben lang wurde er stark von den Eindrücken seiner Kindheit beeinflusst, die er in enger Verbindung mit der Natur, mit dem Land und mit den auf diesem Land lebenden Bauern verbrachte.
Nach der Großen Sozialistischen Oktoberrevolution arbeitete Plastov leidenschaftlich gerne in seinem Heimatdorf Prislonikhe und widmete seine Freizeit der Malerei. Er sammelte Skizzen und Eindrücke für seine zukünftigen Werke Bauernleben. Einer der Ersten bedeutende Arbeit Plastovs Gemälde „Baden der Pferde“ voller Luft und Licht wurde von ihm für die Ausstellung „20 Jahre Rote Armee“ angefertigt. Für die Ausstellung „Industrie des Sozialismus“ malte Plastov eine große Leinwand „Gemeinsamer Urlaub auf dem Bauernhof“. Ein weiteres markantes Werk von Plastov aus dieser Zeit ist „The Collective Farm Herd“ (1938). Auf allen aufgeführten Bildern sind welche vorhanden Gemeinsamkeiten. Plastov denkt nicht an eine Genreszene außerhalb der Landschaft, außerhalb der russischen Natur, die immer lyrisch interpretiert wird und ihre Schönheit in den einfachsten Erscheinungsformen offenbart. Ein weiteres Merkmal von Plastovs Genrewerken ist das Fehlen jeglicher Konflikte oder besonderer Momente in der vom Künstler gewählten Handlung. Manchmal gibt es in seinen Gemälden, wie zum Beispiel in „The Collective Farm Herd“, überhaupt keine Ereignisse, nichts passiert. Gleichzeitig strebt der Künstler jedoch stets nach einer poetischen Ausdruckskraft des Bildes.
Das Talent von A. A. Deineka entwickelte sich in den 30er Jahren auf seine eigene Weise. Er blieb weiterhin bei seinen bisherigen Themen, Handlungssträngen, Lieblingsbilder, Farb- und Kompositionssystem. Zwar ist sein Malstil etwas milder, wie die besten Werke der 30er Jahre zeigen – „Mutter“ (1932), „Mittagspause im Donbass“ (1935), „Zukünftige Piloten“ (1938). Sport, Luftfahrt, ein nackter, trainierter Körper, Lakonizität und Einfachheit der Bildsprache, klangvolle Kombinationen von Braun-Orange und Blau werden teilweise durch Lyrik, einen Moment der Kontemplation, gemildert. Darüber hinaus erweiterte Deineka den thematischen Rahmen seines Schaffens um Geschichten aus dem Leben fremder Länder, die als Ergebnis von Reisen in die USA, nach Frankreich, Deutschland und Italien entstanden.
Ein weiteres ehemaliges Mitglied von OST - Yu. I. Pimenov (1903-1977) schuf eines der besten Gemälde der 30er Jahre, „Neues Moskau“ (1937). Die Landschaft des Zentrums von Moskau (Swerdlow-Platz) scheint aus einem rasenden Auto gesehen zu werden, hinter dessen Steuer eine junge Frau mit dem Rücken zum Betrachter sitzt. Neue Gebäude entstehen, das Auto fährt schnell, helle Farben, die Fülle der Luft, die Weite des Raumes und der Rahmen der Komposition – alles ist von einer optimistischen Haltung durchdrungen.
In den 30er Jahren entwickelte sich das Landschaftsschaffen von G. G. Nissky (1903 - 1987), einem Anhänger der Ostoviten, der deren Lakonismus und Schärfe kompositorischer und rhythmischer Lösungen übernahm. Dies sind seine Gemälde „Herbst“ (1932) und „Auf den Gleisen“ (1933). In den Landschaften von Nyssa ist die transformative Aktivität des Menschen immer sichtbar.
Unter den Landschaftsmalern der älteren Generation ist das Werk von N.P. Krymov (1884 - 1958) interessant, der 1937 das berühmte Gemälde „Morgen im nach Gorki benannten Zentralpark für Kultur und Freizeit“ schuf. Der weite Panoramablick auf den Park, die sich öffnenden Abstände dahinter, die glatte Horizontlinie, die den Blick des Betrachters über die Leinwand hinausführt – alles atmet Frische und Weite.
A. Rylov, dessen Werk zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstand, verbindet in dem Gemälde „Lenin in Razliv“ (1934) Landschaft mit dem historischen Genre, vermittelt ein Gefühl für die Weite der Natur, der Gedanken und Gefühle und bekräftigt den historischen Optimismus .
Die Anziehungskraft auf Panoramalandschaften manifestierte sich in den Werken vieler Maler aus verschiedenen Republiken. Diese Anziehungskraft war mit dem ausgeprägten Heimatgefühl, dem Heimatland, verbunden, das in den 30er Jahren stärker wurde und wuchs. D. N. Kakabadze (1889 - 1952) zeigt in seiner „Imeretischen Landschaft“ (1934) eine weite Verbreitung der kaukasischen Berge, die sich in die Ferne erstrecken – Bergrücken nach Bergrücken, Hang nach Hang. Auch im Werk von M. S. Saryan waren die 30er Jahre von einem Interesse an der nationalen Landschaft und den Panoramablicken Armeniens geprägt.
In dieser Zeit fand auch eine fruchtbare Entwicklung statt. Porträtgenre, in dem sich die Künstler der älteren Generation P. P. Konchalovsky, I. E. Grabar, M. V. Nesterov und einige andere am prägnantesten offenbaren.
P. P. Konchalovsky, am bekanntesten für seine Werke verschiedene Genres Neben der Malerei schuf er in den 30er und 40er Jahren eine ganze Reihe von Porträts von Persönlichkeiten der sowjetischen Wissenschaft und Kunst. Unter beste Porträts V. V. Sofronitsky am Klavier (1932), S. S. Prokofjew (1934), V. E. Meyerhold (1937). In diesen Werken bringt Konchalovsky seine hervorragende Fähigkeit zum Ausdruck, Leben durch ein plastisches Farbsystem auszudrücken. Er verbindet die besten Traditionen der alten Kunst mit einer innovativen scharfen Farbvision, einem lebensbejahenden, großen, emotional kraftvollen Bildklang.
Der wahre Höhepunkt der Entwicklung der Porträtmalerei dieser Zeit waren die Werke von M. V. Nesterov. Während seines gesamten Schaffens, das das 19. und 20. Jahrhundert vereinte, pflegte Nesterov eine lebendige Verbindung zum Leben. In den 1930er Jahren erlebte er einen fulminanten Aufstieg und entdeckte sein Talent als Porträtmaler wieder. Die bildliche Bedeutung in Nesterovs Porträts ist die Bestätigung des kreativen Geistes der Zeit durch die Identifizierung des kreativen Pathos einer Vielzahl von Menschen, die diese Zeit repräsentieren. Nesterovs Heldenkreis besteht aus Vertretern der älteren Generation der sowjetischen Intelligenz, Menschen aus kreativen Berufen. Zu Nesterovs bedeutendsten Werken zählen daher Porträts von Künstlern – den Brüdern Korin (1930), dem Bildhauer I. D. Shadr (1934), dem Akademiker I. P. Pavlov (1935), dem Chirurgen S. S. Yudin (1935) und dem Bildhauer V. I. Mukhina (1940). Nesterov setzt die Porträttraditionen von V. A. Serov fort. Er betont die Charaktereigenschaften, betont die Gesten und charakteristischen Posen seiner Helden. Akademiker Pawlow ballte fest seine Fäuste auf dem Tisch, und diese Pose zeugt von Standhaftigkeit, die im Kontrast zu seinem offensichtlich senilen Alter steht. Auch der Chirurg Yudin ist im Profil dargestellt, wie er an einem Tisch sitzt. Doch die Ausdruckskraft dieses Bildes beruht auf der charakteristischen, „fliegenden“ Geste der nach oben erhobenen Hand. Yudins ausgestreckte Finger sind typische Finger eines Chirurgen, geschickt und stark, bereit, seinen Willen auszuführen. Mukhina wird im Moment der Kreativität dargestellt. Sie formt eine Skulptur – konzentriert, ohne Rücksicht auf die Künstlerin, völlig ihrem Impuls untergeordnet.
Accessoires werden in diesen Porträts lakonisch präsentiert. Sie gehen mit ihrer Farbe, Beleuchtung und Silhouette voll und ganz auf die Charaktereigenschaften der dargestellten Personen ein. Die Farbgebung der Porträts ist dramatisch aktiv, gesättigt mit klangvollen, subtil harmonisierten Zusatztönen. So charakterisiert die komplexe Farbigkeit in Pawlows Porträt, die auf einer Kombination feinster Kalt- und Warmtöne basiert, die spirituelle Klarheit und Integrität der inneren Welt des Wissenschaftlers. Und im Porträt der Korin-Brüder verdichtet es sich zu tiefem Blau, Schwarz und sattem Braun und drückt die Dramatik ihres kreativen Zustands aus. Nesterovs Porträts führten in die Kunst ein grundlegend neues, lebensbejahendes Prinzip ein: das schöpferische Feuer als typischste und lebendigste Manifestation des Zustands der Menschen in einer Zeit großer Arbeitsbegeisterung.
Der Künstler, der Nesterov am nächsten steht, ist Pavel Dmitrievich Korin (1892 - 1967). Er wuchs unter Palech-Malern auf, begann seinen kreativen Weg mit dem Malen von Ikonen und trat 1911 auf Anraten Nesterows in die Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur ein. Korin stellte hohe Ansprüche an sich selbst und die Menschen und trug diese Qualität in all seinen Arbeiten bei. A. M. Gorki, den er 1931 kennenlernte, spielte eine bedeutende Rolle in der kreativen Entwicklung und im Leben des Künstlers im Allgemeinen und half Korin, ins Ausland zu reisen, um die besten Denkmäler der Weltkunst zu studieren.
Vielleicht begann deshalb die Porträtgalerie von Wissenschaftlern, Künstlern und Schriftstellern unserer Zeit, die Korin seit vielen Jahren aufbaut, mit dem Bild von A. M. Gorki (1932). Im Wesentlichen werden bereits in diesem Werk die Hauptmerkmale von Korin als Porträtmaler offenbart. Das Porträt von Gorki ist ein wahrhaft monumentales Werk, in dem eine klar definierte Silhouette, ein kontrastierender Hintergrund, eine breite Farbfüllung großer Flächen der Leinwand und eine scharfe ausdrucksstarke Zeichnung eine historische Verallgemeinerung der Persönlichkeit des Schriftstellers zum Ausdruck bringen. Dieses, wie auch andere Porträts von Korin, zeichnet sich durch eine raue Palette mit einer Fülle von dunkelgrauen, dunkelblauen und manchmal sogar schwarzen Tönen aus. Diese Bandbreite sowie die klar modellierte Form des Kopfes und der Figur der dargestellten Person bringen die emotionalen Qualitäten des eigenen Wesens des Künstlers zum Ausdruck (6).
In den 30er Jahren schuf Korin Porträts der Schauspieler L. M. Leonidov und V. I. Kachalov, des Künstlers M. V. Nesterov, des Schriftstellers A. N. Tolstoi und des Wissenschaftlers N. F. Gamaleya. Es ist offensichtlich, dass das Interesse an einer kreativen Persönlichkeit für ihn wie für seinen spirituellen Lehrer M.V. Nesterov kein Zufall ist.
Die Erfolge der Malerei in den 1930er Jahren bedeuten nicht, dass der Weg ihrer Entwicklung einfach und widerspruchsfrei war. In vielen Werken dieser Jahre tauchten Merkmale auf, die durch den Kult um J. W. Stalin hervorgerufen wurden, und stabilisierten sich. Das ist das falsche Pathos einer pseudoheroischen, pseudoromantischen, pseudooptimistischen Lebenseinstellung, die das Wesen und die Bedeutung der „zeremoniellen“ Kunst bestimmt. Es entstand ein Wettbewerb zwischen Künstlern im Kampf um unverkennbare „Superplots“, die mit dem Bild von I.V. Stalin, den Erfolgen der Industrialisierung, den Erfolgen der Bauernschaft und der Kollektivierung verbunden sind. Es sind eine Reihe von Künstlern entstanden, die sich auf dieses Thema „spezialisiert“ haben. Am tendenziösesten in dieser Hinsicht war Alexander Gerasimov („Stalin und K. E. Woroschilow im Kreml“ und seine anderen Werke).

Referenzliste

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5. Likhachev D.S. Russische Kunst von der Antike bis zur Avantgarde. - M.: Kunst, 1992.
6. Ilyina T.V. Kunstgeschichte. Häusliche Kunst. - M.: Höher. Schule, 1994.
7. Kunstgeschichte der Völker der UdSSR. In 9 Bänden - M., 1971 - 1984.
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9. Polikarpov V.M. Kulturologie. – M.: Gardarika, 1997.
10. Rozin V.M. Einführung in die Kulturwissenschaften. – M.: Forum, 1997.
11. Stepanyan N. Kunst Russlands des 20. Jahrhunderts. Ein Look aus den 90ern. – Moskau: EKSMO-PRESS, 1999.
12. Suzdalev P.K. Geschichte der sowjetischen Malerei. – M., 1973.

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Künstler der 30er Jahre

Künstler Deineka, Pimenov, Williams, S. Gerasimov, Kuprin, Konchalovsky, Lentulov, Mashkov, Ulyanov, Mukhina, Kuznetsov, Saryan

Ich traf Deineka zum ersten Mal in Leningrad. Er kam an, als die Ausstellung bereits aufgehängt war. In den allerletzten Tagen vor der Eröffnung nahm er alle seine Werke von der Wand und hängte sie auf seine eigene Weise auf, wobei er sie stark reduzierte: Einige seiner weniger erfolgreichen Werke wurden mitgebracht, und er entfernte sie. Immerhin gab es „Die Verteidigung von Petrograd“, „Der schlafende Junge mit den Kornblumen“, eine ganze Reihe erstklassiger Dinge. Dann machte Deineka einen seltsamen und eher negativen Eindruck auf mich. Er war hart, ein wenig unhöflich. Die meisten Menschen nahmen ihn so wahr – als eine Art Sportler, Fußballspieler oder Boxer. Aber zum Glück habe ich seinen wahren Charakter ziemlich schnell herausgefunden. Er hatte so etwas nicht in sich, es war eine Art, sich gegenüber Fremden zu verhalten, gegenüber Fremden. Ich kam ihm Mitte der 30er Jahre nahe, als ich bei Detizdat zu arbeiten begann; darüber werden wir später sprechen. Und je länger die Zeit verging, desto näher kam er mir. Unser letztes Treffen in Abwesenheit, zwei Tage vor seinem Tod, war ein Austausch der zärtlichsten Worte am Telefon auf beiden Seiten.

Ich traf ein anderes OST-Mitglied, Juri Iwanowitsch Pimenow, nicht in Leningrad. Es gab nur sehr wenige seiner Werke in Leningrad, und das erste Mal, dass ich ihn sah, war in Moskau, als der stellvertretende Direktor des Russischen Museums, Dobychina, kam, um die Künstler für die von ihnen in Leningrad gekauften Werke zu bezahlen. Sie waren alle auf Wolchonka versammelt, in einem dieser kleinen Häuser, die zwischen der Frunze-Straße und dem Museum liegen. Alle Künstler saßen im Flur und unterhielten sich und wurden der Reihe nach in einen bestimmten Raum eingeladen. Und dort sah und erinnerte ich mich zum ersten Mal an Pimenov. Er zeigte, wie drei Künstler Landschaften zum Verkauf anfertigten: Einer legt viele identische Leinwände aus und füllt sie mit blauer Farbe, die das Meer darstellt, der zweite geht durch und bemalt einige Boote mit schwarzer Farbe, und der letzte setzt auf einem mit weißer Farbe Segel auf fiel auf einen Schlag. Er hat dies ungewöhnlich temperamentvoll und sehr ausdrucksstark dargestellt.

Wir haben sehr schnell eine Beziehung zu ihm aufgebaut, aber nicht aus musealen Gründen, denn er hat keine Grafik gemacht – keine Gravur, und auch nicht viel gezeichnet, er war ein reiner Maler. Bereits 1932 entwickelte sich zwischen uns eine innigste Freundschaft. In dieser Zeit, zwischen 1930 und 1932, erlitt er eine sehr schwere Gehirnerkrankung, die entweder mit einer Gehirnerschütterung oder sogar mit einer Gehirnerschütterung einherging Geisteskrankheit, und als er sie schließlich loswurde, veränderte sie seinen gesamten Charakter völlig. So sehr, dass er die meisten seiner zerstörte frühe Arbeiten, zu geschärft, ausdrucksstark, skizzenhaft, er tauschte sogar in Museen aus, was sie von ihm kaufen konnten. Und er wurde ganz anders, so wie er es für den Rest seines Lebens blieb: strahlend, hell, sonnig, erfüllt von einer Art größter Lebensgier. Von Jahr zu Jahr vertieften sich unsere freundschaftlichen Beziehungen immer mehr und am Ende stand er mir unter meinen Kollegen genauso nahe wie Shmarinov. Eigentlich müsste ich die beiden als erstes zu meinen engsten Freunden meiner Generation zählen. Ich war eineinhalb Jahre jünger als Pimenov und eineinhalb Jahre älter als Shmarinov.

In den frühen 30ern freundete ich mich auch mit Williams an. Er war damals Maler und ein sehr starker, guter Maler. Er hatte hervorragende Werke: ein Porträt von Meyerhold, ein Porträt des Regisseurs Barnet, ein großes Gemälde „Matrosen von der Aurora“, das zu einer Ausstellung in Venedig geschickt und dort der dortigen kommunistischen Organisation präsentiert wurde. Dort blieb sie. Aber ich habe tatsächlich eine Reproduktion davon. Das ist eine sehr gute Sache, ich erinnere mich noch sehr gut daran. Doch dann, Mitte der 30er Jahre, begann er sich für das Theater zu interessieren, hatte außergewöhnlichen Erfolg, entwarf beispielsweise den „Pickwick Club“ am Moskauer Kunsttheater mit ungewöhnlich skurrilen Dekorationen, in die menschliche Figuren eingeführt wurden. Und dann wurde er der angesagteste Künstler Bolschoi-Theater und schlüpfte sogar in ein Outfit, das einer erfolgreichen Theaterfigur angemessen war: eine Art außergewöhnlicher Pelzmantel, der fast bis zum Boden reichte, mit Fell vom Kragen bis ganz unten, eine Pelzmütze wie ein Mühlstein auf dem Kopf, die Gegenstand des größten Spotts war von mir und Pimenov im Besonderen. Er lächelte nur schüchtern. Im Allgemeinen trat er vollständig in die Theaterumgebung, das Theaterleben ein.

Ich habe eine sehr schöne Erinnerung an Williams. Mitte der 30er Jahre reisten Natasha und ich in den Kaukasus nach Tegenekli – das ist ein Ort oberhalb des Baksan-Flusses am Fuße des Elbrus. Es gab dort ein Rasthaus, dessen Besitzer – ich weiß es nicht – aber für die kreative Intelligenz gedacht war. Auf jeden Fall mussten Eintrittskarten dafür beim Kunstfonds der Moskauer Union besorgt werden, und als ich dort ankam, sagten sie mir, dass Williams gerade dort gewesen sei und auch mit seiner Frau dorthin gehen würde.

Es gab viele Bekannte in Tegenekli. Natasha und ich waren dort Enger Freund- Wissenschaftler und Geograph Lazar Sholomovich Gordonov, mit dem wir tatsächlich vereinbart hatten, dorthin zu gehen. Der Filmregisseur Alexandrov war mit seiner Frau Lyubov Orlova dort. Es gab einen Dichter Nikolai Tichonow. Es gab eine gelangweilte Übersetzerin – man ging davon aus, dass dort Ausländer sein würden, aber es waren keine da, und sie irrte traurig umher, ohne etwas zu tun. Eines Abends wurde sie munter: Der Engländer Mr. Williams kam endlich! Sie puderte sich, bemalte ihre Lippen und machte sich im Allgemeinen fertig. Doch als dieser Herr Williams auftauchte, stellte sich heraus, dass es mein Freund Pjotr ​​Wladimirowitsch Williams war, der kein einziges Wort Englisch konnte. Sein Vater war zwar meiner Meinung nach englischer Herkunft, ein bekannter Agrarwissenschaftler, aber er selbst hatte nichts mit England zu tun, daher war der Übersetzer enttäuscht.

Ich erinnere mich, wie wir einmal zum Elbrus gingen, natürlich nicht bis ganz nach oben, sondern bis zum Horizont, irgendwo auf halber Strecke, schon über den Wolken – eine Plattform und ein kleines Hotel. Wir kletterten über einen steilen Pfad durch die Wolke und kamen, nachdem wir aus dieser Wolke herausgeklettert waren, völlig nass dort an. Die Damen gingen ins Hotel, um sich umzuziehen und fertig zu machen, und Williams und ich schlenderten über das Gelände. Und plötzlich rief jemand: „Elbrus öffnet sich!“ Es war vollständig mit Wolken bedeckt, und plötzlich brachen die Wolken auf und ein schneeweißer Kegel des Elbrus-Gipfels erschien vor dem Hintergrund eines völlig grünen Himmels. Williams eilte ins Haus, um Papier und einen Bleistift zu holen – er nahm nichts anderes mit – und begann im Regen, der zu dieser Zeit von oben strömte, alle Konturen zu skizzieren und die Farben aufzuschreiben. Ich erinnerte mich an ihn, wie er mit den Haaren, die ihm in die Stirn klebten, hektisch genau diese Farben zeichnete und aufschrieb. Doch daraus wurde leider nichts: Als er mir in Moskau eine aus dieser Skizze angefertigte Skizze zeigte, kam alles ganz anders. Und er selbst wusste das ganz genau. Ich erinnere mich, dass unsere Damen völlig halb bekleidet herauskamen, um Elbrus zu bewundern. Die „Erscheinung des Elbrus“ war ein flüchtiges Spektakel; wir hatten nur zwei oder drei Minuten Zeit, um alles zu erleben.

Williams war ein einfacher, freundlicher, guter Mann, der mit seinen modischen Theaterhobbys ein wenig komisch war.

Ich hatte auch gute Beziehungen zu anderen OST-Mitgliedern – sowohl zu Labas als auch zu Shifrin, aber sie waren nicht so eng. Shifrin war ein charmanter Mensch, ein sehr guter Theaterkünstler, ein brillanter Theatermeister. Labas war schon immer eine etwas verrückte und unorganisierte Figur. Aber wer war natürlich ein absolut wunderbarer Mensch und ein wunderbarer Künstler, das ist Tyshler. Aber meine Bekanntschaft und Freundschaft mit ihm reicht bis in die jüngste Zeit zurück, bereits nach dem Krieg. Irgendwie stellte sich heraus, dass er in Leningrad nicht vertreten war, und dann musste ich ihn nicht treffen. Vor dem Krieg kannte ich ihn, aber aus der Ferne. Erst nach dem Krieg entwickelte sich eine sehr innige Freundschaft, die sich nur noch vertiefte und verbesserte. Er ist eines der entzückendsten Geschöpfe, die ich je in meinem Leben getroffen habe.

Nach OST muss ich, wenn wir über Künstlergruppen der 20er Jahre sprechen, natürlich zwei nennen, mit denen ich sehr enge Freunde geworden bin. Zuallererst sind dies die „4 Künste“, zu denen Favorsky, Uljanow, Pawel Kusnezow, Sarjan und eine ganze Reihe von Menschen gehörten, die mir am nächsten standen. Und die zweite ist die Gesellschaft Moskauer Künstler – „OMH“, die mir eine der liebsten Freundschaften bescherte – mit Sergej Wassiljewitsch Gerassimow, aber auch mit Rodionow, Osmerkin und anderen.

Ich traf Sergej Wassiljewitsch zum ersten Mal in Leningrad, er war einer der Organisatoren der Ausstellung, gehörte zu den Vorarbeitern und hängte Gemälde von ihm selbst und ihm nahestehenden Künstlern auf. Obwohl er an der VKHUTEIN Zeichnen unterrichtete, lernte ich seine Grafiken erst viel später kennen und musste sie nicht für das Museum kaufen. Aber in Leningrad mussten wir jeden Tag zusammenstoßen, uns bei der gemeinsamen Arbeit treffen und vor allem gingen wir als Gruppe zusammen zum Mittagessen: er, ich, Kupreyanov und Istomin. Das passierte so oft, dass ich sehr schnell seinen Charakter, seinen Witz, seine Witze und seinen Spott lernte, die nur der Verteidigung gegen Fremde dienten. Schon damals schätzte ich seinen tollen Charakter und seine wunderbare Kunst. Obwohl es sich noch um eine sehr frühe Zeit handelte, die Werke stammten erst aus den 20er-, ganz frühen 30er-Jahren, waren sie schon sehr gut. Und dann wurde aus dieser Bekanntschaft nach und nach eine immer größere Intimität, und in der Nachkriegszeit war er natürlich einer der Menschen, die mir am nächsten standen. Und ich muss mit großer Freude sagen, dass ich offenbar zu den Menschen gehörte, die ihm am nächsten standen, seine volle Vollmacht genoss und alle seine Anweisungen ausführte, insbesondere als er Chef des Künstlerverbandes der UdSSR wurde. Tatsächlich galt er schon vorher als ein allgemein anerkannter, wenn auch völlig inoffizieller Kopf der sowjetischen Kunst. Doch als 1957 der Erste All-Union-Künstlerkongress stattfand, war es ganz natürlich, dass Sergej Wassiljewitsch an der Spitze der Union landete.

Eine vielleicht eher äußerliche, aber sehr freundschaftliche Beziehung war geprägt von meiner Bekanntschaft mit Osmerkin, einem der Hauptteilnehmer des „Karo-Buben“, der im Alter von 30 Jahren ein sehr einfacher, subtiler und sanfter lyrischer Landschaftsmaler geworden war. Und er selbst war ein wunderbarer Mensch, attraktiv, subtil. Aber ich habe mich seltener mit ihm getroffen, und es war immer noch eine Randfreundschaft und keine grundlegende, verwurzelte Freundschaft.

Sprechen über ehemalige Teilnehmer In der Gruppe „Karo-Bube“ müssen wir uns an einen anderen sanften, süßen und attraktiven Menschen erinnern, Alexander Wassiljewitsch Kuprin. Kuprin war klein, mit einem kleinen Bart, ein sehr stiller und schüchterner Mann, sehr bescheiden gekleidet, ohne äußere Einflüsse, beschäftigt mit einigen seiner Gedanken und seiner Kreativität. Osmerkin und Kuprin sind vielleicht die beiden subtilsten Künstler dieser gesamten Gruppe.

Sowohl zu Kuprin als auch zu Osmerkin hatte ich das freundschaftlichste und man könnte sagen aufrichtigste Verhältnis. Nicht wie bei Konchalovsky, vor dem ich großen Respekt hatte, der mich bevorzugte, aber dennoch gab es eine große Distanz zwischen uns.

Mein Verhältnis zu Pjotr ​​Petrowitsch Kontschalowski war sehr freundschaftlich, ich habe über ihn geschrieben und ihm gefiel die Art, wie ich schreibe. Aber eine besondere Intimität konnte es nicht geben, er war zu anders. Er war in erster Linie ein Gentleman, ein bisschen kaufmännisch, der in großem Stil lebte, ungewöhnlich temperamentvoll und mit einem riesigen künstlerischen „Haushalt“ ausgestattet war. Als ich einmal in seiner Werkstatt war, sagte er: „Ich habe schon Probleme Nummer eintausendachthundert.“ Dies galt nur für seine Gemälde; Er zählte nicht einmal Aquarelle und Zeichnungen. Auf jeden Fall war unsere Beziehung freundschaftlich, was sich später dank der Gnade seiner Tochter und seines Schwiegersohns, der Dichterin Natalia Petrovna Konchalovskaya, und ihres Mannes Mikhalkov stark abkühlte. Aber Pjotr ​​​​Petrowitsch hatte damit nichts zu tun, ebenso wenig wie er bis zu einem gewissen Grad nichts mit dem herrschaftlichen Snobismus seines Hauses zu tun hatte – er wurde ihm von seiner Frau eingeflößt, einer Dame mit schwierigem Charakter, deren Tochter er war Surikov verstand viel über sich selbst und respektierte Konchalovskys Würde äußerst. Als ich auf seine Bitte hin einen Artikel für seine letzte Lebensausstellung im Jahr 1956 schrieb, war dieser Artikel peinlich. Ich gab es Pjotr ​​Petrowitsch zum Lesen. Er stimmte dem sehr zu und mochte es sehr. Und dann kam Nikolai Georgievich Mashkovtsev, ein alter Kunsthistoriker und Museumsmitarbeiter, der damals an der Akademie der Künste arbeitete und korrespondierendes Mitglied dieser Akademie war, mit einem verlegenen Blick zu mir, dass Olga Wassiljewna mein Veto gegen meinen Artikel eingelegt hatte, weil Ich kritisiere Konchalovsky dort für einige Dinge. Pjotr ​​​​Petrowitsch achtete darauf nicht und seine Frau erlaubte nicht, dass diese Kritik veröffentlicht wurde. Ich sagte, ich würde den Artikel zurücknehmen, ihn nicht in den Katalog aufnehmen und ihn irgendwie in unkorrigierter Form veröffentlichen. Als ich mich danach mit Pjotr ​​Petrowitsch traf, schüttelte er den Kopf und bedauerte, dass es so schlimm ausgegangen war. Aber ich beruhigte ihn, tröstete ihn und sagte, ich hätte es bereits der Zeitschrift „Art“ gegeben und es würde in der Form veröffentlicht, in der ich es geschrieben habe. Da er jedoch während dieser Ausstellung starb, wurde mein Artikel nicht veröffentlicht. Und es erwies sich als so erfolgreich, dass es später ohne mein Wissen nachgedruckt wurde, insbesondere in einer riesigen Auflage.“ Künstlerisches Erbe Konchalovsky“ und fügte es sogar, ohne mich zu fragen, als Einführungsartikel ein. Offensichtlich hat es seinen Zweck erfüllt. Dennoch waren diese Beziehungen nicht eng, wenn auch gut und freundschaftlich.

Favorsky erzählte mir eine lustige Episode im Zusammenhang mit seiner Arbeit an der Gestaltung des Gedichts „Unsere alte Hauptstadt“ von Pjotr ​​​​Petrowitschs Tochter Natalja Petrowna Konchalowskaja. Er musste ziemlich lange zum Haus der Konchalovskys gehen: „Unsere antike Hauptstadt“ bestand aus drei ganzen Büchern, er musste viele Illustrationen anfertigen. Natalya Petrovna bezog sich in ihren Gedichten oft einfach auf ihn: Alles andere zeigt Ihnen der Künstler.

Während er und Natalja Petrowna arbeiteten, betrat Pjotr ​​Petrowitsch den Raum, schaute auf die ausgelegten Blätter und sagte: „Ich hätte nie gedacht, dass aus meiner Narrin Natascha etwas Wertvolles herauskommen würde.“

Seitdem ist sie in unserem Haus „die Narre Natascha“ geblieben. Dieser Name hat sich fest und hoffnungslos etabliert. Was Mikhalkov betrifft, werden wir der Reihe nach über ihn sprechen, wenn es um Detizdat geht, wo er zum ersten Mal auftrat und wo er vor meinen Augen zu einem erfolgreichen offiziellen Dichter der Zeit des Personenkults heranwuchs und sich entwickelte.

Die anderen „Karo-Buben“ waren sehr unterschiedlicher Natur. Lentulov war eine mutige Persönlichkeit; Man kann sich gut vorstellen, wie er völlig fröhlich auf einen rücksichtslosen Taxifahrer losfliegt und bis zum Morgen in irgendeinem „Yar“ rücksichtslos zechelt. Vielleicht war es protzig, aber so verhielt er sich – seine Seele war weit offen, seine Natur war weit offen. Tatsächlich war er sehr ernst und ein wahrer Meister, obwohl er, wie man auf der Moskau-Paris-Ausstellung sehen konnte, mit sehr ausgelassenen Dingen begann, bei denen der Kubismus halb und halb mit Futurismus und mit dem Erbe der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts vermischt ist. Und das alles in äußerst üppiger Form auf riesigen Leinwänden. Tatsächlich war er trotz alledem ein sehr subtiler Künstler. Lentulov war mit Pimenov sehr befreundet, und tatsächlich entwickelte sich meine Beziehung zu ihm hauptsächlich durch Pimenov. Er war ein angenehmer, guter Mann.

Ich hatte kein gutes Verhältnis zu Maschkow. Er war sehr talentiert. Aber schon beim ersten Treffen mit ihm begann ich mich zu wundern, wie Gott, der Herr, Talent in einen so hundert Jahre alten Verein, in einen so hoffnungslos dummen Menschen investieren konnte. Dies wurde besonders deutlich, als er versuchte, menschliche Figuren zu zeichnen. Er trat in die AHR ein und malte einige Pioniere mit Krawatten an den Ufern des Schwarzen Meeres – das war etwas völlig Unmögliches, sabbernde Vulgarität, der vulgärste und dümmste Blick. Und doch hat er sein ganzes Leben lang hervorragende Stillleben gemalt. Ich konnte keine Intimität mit ihm aufbauen. Und als ich in einem meiner Artikel sein zeremonielles „Porträt der Partisanen“ kritisierte, in dem die Partisanen mit Drekoly, mit Gewehren, mit Patronengürteln und Maschinengewehrgürteln wie in einem Volkslied um einen prächtigen, riesigen, luxuriös bemalten Ficus herum dargestellt wurden Druckfoto eines Provinzfotografen - als ob sie ihre Gesichter in die Löcher der fertigen Kulisse stecken würden, - war Maschkow natürlich völlig wütend auf mich und unsere Beziehung brach völlig zusammen.

Auch zu einem anderen ehemaligen „Karo-Buben“, Falk, hatte ich kein gutes Verhältnis. Aber ich werde später über ihn sprechen, wenn es um die Kriegsjahre geht – erst dann habe ich ihn bei der Evakuierung in Samarkand getroffen. Es war ein sehr unangenehmes Treffen, und ich habe eine sehr kühle Haltung ihm gegenüber – sowohl gegenüber seiner Kunst als auch insbesondere gegenüber seiner eigenen Person. Eine sehr selbstgefällige, sehr arrogante, arrogante Person und äußerst unfreundlich gegenüber Menschen.

Was den Verein „4 Künste“ betrifft, habe ich dort gute Freunde gefunden. Das ist nicht nur Favorsky, sondern nach ihm auch Uljanow. Ich traf Nikolai Pawlowitsch Uljanow zum ersten Mal, als ich in Moskau eine Grafikausstellung organisierte. Dort war sein Stand, wo sehr gute Zeichnungen von ihm ausgewählt wurden, hauptsächlich Porträts. Ich erinnere mich, dass es ein Porträt von Mashkovtsev gab, ein Porträt von Efros. Seitdem entwickelten sich immer engere Beziehungen zwischen uns, die sich schließlich zu einer Freundschaft entwickelten, die mir sehr am Herzen lag. Ich besuchte ihn ständig, er schrieb mir Briefe, obwohl wir beide in Moskau lebten. Und in Samarkand, wo wir beide evakuiert wurden, sah ich ihn fast jeden Tag. Zu Beginn des Krieges wurde er zusammen mit einer ganzen Gruppe bedeutender Schriftsteller, Künstler und Künstler nach Naltschik und dann nach Tiflis geschickt. (Übrigens zusammen mit Alexander Borisovich Goldenweiser.) Im Herbst 1942 wurden sie alle nach Zentralasien transportiert, die meisten gingen jedoch nach Taschkent, und er blieb in Samarkand.

Jeden Tag, wenn ich nach Registan kam, wo sich das Moskauer Kunstinstitut befand, ging ich zu ihm, um ihn zu trösten, denn sein Leben in Samarkand war sehr schwierig. Ihm wurde eine völlig hässliche, unbequeme, heruntergekommene Hudjra im Shir-Dora-Hof ohne jegliche Möbel gegeben. Und er brachte es aus dem Kaukasus sterbende Frau, bereits regungslos daliegend. Sie starb dort, in Samarkand.

Nikolai Pawlowitsch Uljanow und nach seinem Tod seine zweite Frau Vera Evgenievna schenkten meinem Vater viele erstklassige Uljanowsk-Werke: ein Porträt von Wjatscheslaw Iwanow, ein Aquarell „Diderot bei Katharina“, eine seiner besten Zeichnungen von Puschkin, Kostümskizzen für „ Molière“ und eine Reihe anderer. Wir haben auch ein seltenes Werk – eine Landschaft seiner ersten Frau, der Künstlerin Glagoleva, die in Samarkand starb. Mit einem großen Werk von Uljanow, „Das Modell und das Pferd von Silena“, ist eine ganze Geschichte verbunden. Der junge Uljanow schrieb dieses Stück, als er Serows Assistent an der Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur war – es war eine pädagogische „Produktion“, die Serow seinen Schülern anbot. Als Uljanow von der Evakuierung nach Moskau zurückkehrte, entdeckte er, dass die Nachbarn diese von der Trage abgenommene Leinwand benutzt hatten, um damit einen Korb zur Lagerung von Kartoffeln auszukleiden. Das Bild war ein schwarzer, rissiger Klumpen, auf dem kaum etwas zu erkennen war. Uljanow gab es seinem Vater und sagte traurig: Wenn es dir gelingt, es zu retten, behalte es für dich. Mein Vater gab die Leinwand dem bemerkenswerten GM II-Restaurator Stepan Churakov und er rettete die Arbeit! Er duplizierte es auf eine neue Leinwand, säuberte es – es sind fast keine Spuren der Restaurierung sichtbar, und „Das Modell und das Pferd von Silena“ hing in seiner wahren „Serov“-Malerei über dem Sofa seines Vaters Amt seit einem halben Jahrhundert.

Aus derselben Gruppe von „4 Künsten“ kamen andere mir nahestehende Menschen, wie Vera Ignatievna Mukhina, eine wunderbare Bildhauerin und ein wunderbarer Mensch, von außergewöhnlicher Stärke, Autorität und Energie, absoluter Unabhängigkeit, mit einem ungewöhnlich großen Seelenfrieden und großartig spiritueller Bereich. Dabei entstanden sowohl grandiose monumentale Plastizität als auch lyrische Stücke – die berühmte Gruppe, die 1937 für eine Ausstellung in Paris angefertigt wurde, wurde von Werken wie „Brot“ begleitet, einer der poetischsten und zartesten Skulpturen, die es in der sowjetischen Kunst gibt. Sie war auch eine wunderbare Porträtmalerin.

Aus derselben Gesellschaft stammte tatsächlich einst Sara Dmitrievna Lebedeva. Ex-Frau Wladimir Wassiljewitsch Lebedew, einer der besten Bildhauer, die wir je hatten, und eine liebenswerte Person, sehr zurückhaltend, sehr still, sehr ruhig und mit einem erstaunlichen, ausgeprägten Sinn für Charakter und Bewegung in ihrer Kunst. Was auch immer sie tut, sei es ihre große Statue „Mädchen mit Schmetterling“, eines ihrer besten Werke, seien es Porträts, wie zum Beispiel ein Ganzkörperporträt, wenn auch in Miniaturgröße, von Tatlin mit seinen gespreizten Beinen , langes Pferdegesicht – war ungewöhnlich bedeutend und äußerst talentiert. Auch die Begegnung mit Sara Lebedeva und die gute Beziehung zu ihr gehören zu meinen liebsten Erinnerungen.

Auch zu Pavel Varfolomeevich Kuznetsov, einem sehr selbstgefälligen, ein wenig engstirnigen Mann, entwickelte ich eine sehr gute Beziehung, obwohl es nie eine besondere spirituelle Nähe gab. Möglicherweise handelte es sich dabei jedoch um eine Verhaltensweise, hinter der sich noch mehr verbarg. Kupreyanov nannte ihn jedoch nicht sehr gut nette Worte: „Ein Seehund, der versucht, sich als Löwe auszugeben.“ Vielleicht entsprach das seinem Charakter.

Er war sehr einfältig, und das äußerte sich in vielen verschiedenen Formen. Eines Tages taucht zum Beispiel Kusnezow plötzlich in der Halle auf, in der ich Stiche und Radierungen von Nivinsky, Kravchenko und Drucken anderer Grafiker aufgehängt habe, und schleppt dabei eine riesige Leinwand eines seiner Schüler hinter sich her – amorph, locker, völlig malerisch. Und wenn ich überrascht sage: „Na, wo soll ich das hinstellen?“, antwortet Pavel Varfolomeevich: „Aber das ist perfekte Grafik!“ Es war unmöglich, sich etwas vorzustellen, das der Grafik weniger ähnelte. Er kümmerte sich sehr um seine Schüler. Dieses Gemälde stammt übrigens von Davidovich, der während des Krieges in der Miliz starb. Aber ich kannte ihn kaum.

Während unserer Arbeit in Leningrad mussten Pavel Varfolomeevich und ich manchmal im Russischen Museum selbst zu Mittag essen. Das Essen dort war ekelhaft, aber man konnte nichts machen – es war nicht immer möglich, sich ins Europäische Hotel oder ins Haus der Wissenschaftler zurückzuziehen. Ich erinnere mich, dass wir einmal mit Pavel Varfolomeevich zusammensaßen und er einen langen Fischschwanz aus der Suppe herausholte, die ihm serviert wurde. Er rief die Kellnerin an und fragte sie ganz ruhig: „Was hast du mir serviert, Fischsuppe oder Kohlsuppe?“ Sie sagte: „Suppensuppe.“ Dann zeigte er ihr zu ihrer großen Verlegenheit den Schwanz des Fisches. Sein ernsthaftes Interesse daran, herauszufinden, was ihm tatsächlich serviert wurde, gefiel mir sehr.

Es war für mich sehr angenehm, ihn Anfang der 50er Jahre in Gursuf zu treffen, als er beschloss, mein Porträt zu malen. Er schlug mir das mehrmals in Moskau vor, aber in Moskau hatte ich keine Zeit zum Posieren, und in Gursuf hatte ich keinen Grund, es abzulehnen. Er setzte mich auf die Spitze der Korovinskaya-Datscha vor dem Hintergrund des Meeres und malte einen riesigen leuchtend roten Kopf, der vor dem Hintergrund des blendend blauen Meeres wie eine riesige Tomate aussah. Er hat dieses Porträt mit großer Freude gemalt, und es tut mir schrecklich leid, dass es irgendwo verloren gegangen ist. Kürzlich wurde mir jedoch angeblich gesagt, dass nach dem Tod von Kusnezow und seiner Frau (sie hatten keine Kinder) alles, was in der Werkstatt übrig blieb, nach Saratow, ins Radischtschow-Museum, ging. Es ist sehr gut möglich, dass mein Porträt dort gelandet ist. Allzu viele Gemeinsamkeiten gab es da wohl nicht, aber die Erinnerung an sich war einfach angenehm. Ich sehe ihn einfach sitzen und mit großer Freude genau diesen Kontrast aus leuchtendem Rot und leuchtendem Blau malen. Aber ehrlich gesagt fiel es mir schwer, zu sitzen, weil seine Frau Bebutova, ebenfalls Künstlerin, beschloss, mich während dieser Sitzung mit gelehrten Gesprächen zu unterhalten. Die Gespräche mit all ihren Lernversuchen waren derart, dass ich mir das Lachen kaum verkneifen konnte. Auch sie war eine einfältige und einfältige Person.

Eine enge Freundschaft mit Kusnezow hätte kaum entstehen können – wir auch unterschiedliche Leute. Aber ich erinnere mich mit großem Respekt an ihn. Und er ist ein sehr guter Künstler, wie seine jüngste Ausstellung zusammen mit Matveev zeigte.

Aber Matveev, meine Bekanntschaft mit ihm, die zu einer sehr guten Beziehung wurde, war einer meiner wichtigsten „Erfolge“. Er war ein sehr strenger Mann, sehr schweigsam, sehr zurückhaltend, zurückgezogen, arbeitete langsam und wenig und übte viele Jahre lang jede seiner Aufgaben aus. Nach ihm blieb nicht mehr viel übrig, aber es war wunderbar.

Ungefähr zu dieser Zeit, spätestens Mitte 30, lernte ich Saryan kennen. Dies ist eines der sehr wichtigen Ereignisse in meiner künstlerischen Biografie. Wann und wo ich ihn traf, weiß ich überhaupt nicht mehr, denn er kam nicht, um mich im Museum zu besuchen, da er sich nicht besonders mit der Grafik beschäftigte und an den Ausstellungen, die ich besuchte, nicht teilnahm organisiert. Aber er selbst war 1932 nicht in Leningrad. Da war seine Wand, die in ihrer Zusammensetzung recht zufällig war und im Allgemeinen nicht ihrem Niveau und ihrer Bedeutung entsprach, obwohl sie wunderschön war. Aber im Vergleich zu den anderen drei glänzenden Wänden derselben Halle – Petrov – Wodkin, Schewtschenko und Kusnezow – wirkte er bescheidener, obwohl er in den Ergebnissen seines kreativen Weges alle drei um viele Köpfe übertraf. Ich habe 1936 einen sehr lobenden, einfach enthusiastischen Artikel über ihn geschrieben, da ich ihn bereits kannte, und dieser Artikel markierte den Beginn einer dauerhaften Freundschaft, die bis zum Ende von Saryans Leben andauerte. Übrigens, dieser Artikel in „ Literarische Zeitung„Das Jahr 1936 erregte bei Kemenow großen Unmut, der damals wie ich als Kritiker im Literaturblatt arbeitete. Wir veröffentlichten fast abwechselnd mit ihm, standen in diametral entgegengesetzten Positionen und missbilligten einander sehr.

Nach dem Krieg habe ich Saryan oft gesehen – jedes Mal, wenn er nach Moskau kam. Ich habe später mehrmals über ihn geschrieben, bereits in den 60er Jahren und später. Es gibt nichts, was Saryan beschreiben könnte – jeder kennt ihn, aber ich war immer erstaunt über die Kindlichkeit dieses Mannes, seine offene, einfältige Bewunderung für die Schönheit der realen Welt, seine endlos gutmütige Haltung gegenüber Menschen Er verstand vollkommen, wer ihn wie behandelte. Im Jahr 1952 sprach Boris Weymarn bei einer Diskussion der Jubiläumsausstellung mit ungewöhnlich leidenschaftlichen Tiraden und war sehr empört über die prinzipienlose Jury, die Saryans schreckliche Gemälde zur Ausstellung mitnahm. Dann, nur fünf Jahre später, brachten dieselben Gemälde Saryan den Lenin-Preis ein, sodass Weimarn nur das verdiente, was Saryan bis zum Ende seiner Tage nicht anders ausdrückte als „dieser Bastard Weimarn“. Und das trotz all seiner Freundlichkeit und seines Sonnenscheins, der nicht nur in Saryans Gemälden zum Ausdruck kam, sondern auch in seinem gesamten Verhalten, in seinem gesamten Erscheinungsbild – der Personifizierung der Sonne und sogar der Sonne Armeniens. Das ist eine ganz besondere Sonne. Eines der schönsten Länder der Erde ist Armenien. Das habe ich in den Nachkriegsjahren gelernt, als ich zweimal dort war.

Ich erinnere mich noch gut daran, wie mein Vater und ich Saryan in seiner Werkstatt in Eriwan in der „Saryan-Straße“ besuchten und wie er uns seine Werke zeigte – sowohl frühe als auch ganz neue, sehr tragische und kraftvolle Staffeleizeichnungen. Wegen der Hitze bekam mein Vater starkes Nasenbluten – Saryan wurde furchtbar aufgeregt, legte seinen Vater auf die Couch und kümmerte sich mit rührender Fürsorge um ihn. Er war schon sehr alt und obwohl immer noch aufgeweckt, sehr traurig – kurz bevor sein Sohn bei einem Autounfall starb .

GOGOL UND KÜNSTLER Happy ist der Schriftsteller, der sich, vorbei an langweiligen, ekelhaften Charakteren, die durch ihre traurige Realität auffallen, Charakteren nähert, die die hohe Würde des Menschen demonstrieren ... Gogol, „Tote Seelen“ Für die Nachwelt ist Gogols Verbindung mit Ivanov erhalten geblieben

Künstler und Bildhauer Es gibt Künstler, deren Werke ich heute bewundere, aber ich habe in meiner Jugend gelernt, viele ihrer Werke zu bewundern. Am meisten liebe ich die Impressionisten. Cezanne ist für mich ein Gott. Er überlässt immer etwas der Fantasie. Er hat genug

Künstler Die Künstler der Welt der Kunst traf ich zum ersten Mal im Jahr 1904. Einer der Mitarbeiter des „Neuen Weges“ und ein enger Freund von A. N. Benois brachte mich zu einem Zhurfix zu diesem Führer und Apologeten der St. Petersburger Meister. Später erfuhr ich, dass mich Künstler damals so ansahen

Künstler Der Pinsel des Künstlers findet überall Wege. Und zur Versuchung der Wachpolizisten malen unbekannte Künstler Europas mit Farben auf den düsteren Gehwegen. Unter den Sohlen des Wanderzeitalters schlafen Gemälde, lächelnd und traurig. Aber sowohl das Gute als auch das Schlechte verschwinden nach dem ersten

KÜNSTLER Yakov Vinkovetsky, der selbst Künstler, aber kein Profi ist, stellte mir zwei weitere vor – nicht nur Profis, sondern Champions, Helden ihres Fachs, die trotz ihrer Superfähigkeiten und Meisterschaften weder erfolgreich noch erfolgreich waren

Künstler Konstantin Korovin lebt in Paris. Wie viele Gedanken über die russische Nationalmalerei sind mit diesem Namen verbunden. Viele Menschen erinnern sich daran als Name eines großartigen Dekorateurs, der die unterschiedlichsten Theateraufgaben erfüllte. Aber das ist nur ein Teil von Korovins Wesen.

Mexikanische Künstler dominierten das intellektuelle Leben Mexikos. Diese Künstler bemalten die gesamte Stadt Mexiko mit Themen aus Geschichte und Geographie, Bildern zu bürgerlichen Themen, in denen das Metall der Polemik erklang. Clemon te Orozco, dünn

Künstler im Museum Beginn der Begegnung mit den Künstlern – Besucher des Gravurraums. Rodionov, Favorsky, Shterenberg, Goncharov, Kupreyanov, Shevchenko, Bruni, Tatli. Der Beginn dieser immer umfassenderen Verbindungen wurzelte im Museum der Schönen Künste – seitdem

Künstler Mein Vater Wladimir ließ die Kirche erneut renovieren; die Gemälde wurden gewaschen und die Decken gestrichen. Der Tempel in Losinka ist nicht alt, er wurde 1918 erbaut. Vor der Revolution hatten sie keine Zeit, ihre Wände zu streichen, und dann gab es keine Zeit für Schönheit. So entschied mein Vater, der Rektor geworden war

„Antisowjetische“ Künstler In mehr als 70 Jahren (1917–1991) der Praxis des sogenannten „grausamen, kompromisslosen“ Kampfes gegen politische Gegner, Antisowjetisten und Dissidenten gibt es mehr als hundert offene oder geheime Absprachen der Parteifunktionäre dieser Kategorie

Künstler Lieber Oleg Leonidovich! Einer von hier Kunstkritiker fragt mich hastig, wie Künstler in Moskau leben und wie hoch ihr tatsächlicher Verdienst ist? Aber ich habe diese Daten nicht. Wir haben gehört, dass Schriftsteller gut verdienen, und zwar die Jahreshonorare von Tolstoi und Scholochow

Künstler als schöne Verrückte Heute würdigen wir Sergei Shchukin und Ivan Morozov nicht nur für ihr Sammeln, sondern auch für ihren visionären Geschmack, für ihre Fähigkeit, die nächste Welle des künstlerischen Prozesses zu erraten. Und es war alles andere als einfach. Wie bereits erwähnt

KÜNSTLER Das Interesse an Kunst brachte Gogol der Kolonie russischer Künstler in Rom näher. Sie lebten in freundschaftlicher Gesellschaft und lebten von bescheidenen Zuschüssen der Akademie der Künste. Unter ihnen waren herausragende Talente, die zum Stolz der russischen Kunst wurden. Gogol ist es nicht

Künstler Irina Brzeska, Künstlerin (Estland) „Dieses Porträt wurde auf dem Cover der Schallplatte platziert“ Reproduktion eines Gemäldes von Irina Brzeska aus der Schallplatte von Anna German, 1977 Viele Menschen kennen das Porträt dieser Tallinner Künstlerin: Es ziert das Cover von eine der berühmtesten Schallplatten

Dabei handelt es sich nicht um Werke professioneller Fotografen, denen Einseitigkeit vorgeworfen werden kann. Dies sind Fotos aus privaten Alben - wahres Leben, die das gewöhnliche durchschnittliche Sowjetvolk in den 20er bis 50er Jahren lebte.
Natürlich sind sie nicht mit der Arbeit professioneller Fotoreporter vergleichbar; die meisten davon wurden von Amateuren gemacht. Aber sie spiegeln das Leben so wider, wie diese Menschen es sahen und es teilweise auf Familienfotos festhalten konnten ...
Es bleibt viel hinter den Kulissen. Zum Beispiel Bildungsprogramme, bei denen 80 % der Analphabeten des Landes Lesen und Schreiben beigebracht wurden – woher hatten die Bauern jener Jahre ihre Kameras? Aber das ist es nicht. Schauen Sie sich an, was das sowjetische Volk jener Jahre umgab, die Kleidung, die Gesichter, die ihre Zeit widerspiegelten. Manchmal sprechen sie besser über ihre Zeit als alle Historiker, Propagandisten und Analysten.

Kinder der Mitte 20
Schulbücher – zum ersten Mal in meinem Leben. Zum ersten Mal auf der Welt sorgte die Sowjetregierung für Bildung für alle.


1926 Tscherepowez. Feier des 1. Mai
Neben dem Podium stehen obdachlose Kinder – die Folgen des Bürgerkriegs. Die Obdachlosigkeit wird erst Anfang 30 beseitigt sein.


1928 Region Krasnojarsk. Kongress der Parteiarbeiter.
Schauen Sie, wie die Parteimitarbeiter gekleidet sind – genau wie der Durchschnittsmensch dieser Jahre.
In den 20er Jahren hatte nicht jeder einen Anzug. Und Parteiarbeiter hatten zwei Tuniken oder sogar eine als übliche Garderobe.


Familienfeier, 20-30er

Foto einer Frau. 1930 Moskau


Personengruppe 1930 Ort unbekannt


Der Gemeinderat beginnt 30er Jahre. Pawlo-Posadski Bezirk Moskau Region


Auto auf Holz (!) Autokilometerstand 1931
Designbegeisterte der 30er Jahre. Das Öl in der UdSSR war zu dieser Zeit nicht sehr gut – fast alle nachgewiesenen Reserven waren im Kaukasus konzentriert. Die Ölfelder Tatarstans und Sibiriens wurden erst in den 40er und 50er Jahren entdeckt, als eine Basis für geologische Forschung geschaffen wurde. Zuvor herrschte im Land ein katastrophaler Mangel an Geologen, Ausrüstung, Ingenieuren, Transportmitteln ... es gab praktisch nichts. All dies wurde in den 30er Jahren geschaffen.


1931 Das beste Team beim Bau des Hüttenwerks Kusnezk, Nowokusnezk.
Der Grundstein für die Schwerindustrie wird gelegt.
Schauen Sie sich die Gesichter dieser Menschen an. Sie bauten, ohne sich selbst zu schonen, Fabriken und Städte für ihre Nachkommen, für uns. In zehn Jahren werden sie das verteidigen, was sie im schrecklichsten Krieg der Menschheitsgeschichte getan haben: Sie werden sterben, damit wir überleben können. Und wir haben zugelassen, dass alles gestohlen und zerstört wurde. Könnten wir ihnen in die Augen schauen?


Die Familie. Leningrad 1930-31
Die Intelligenz und die Spezialisten verdienten in diesen Jahren sehr gut.


Entspannung auf dem Wasser. Gebiet Kirow 1932 - 1936


18. April 1934. „Arbeitsbrigade“. Neverovsko-Slobodskaya Agrarartikel „Testament Lenins“ S.Neverovo-Sloboda Ver.Landeh. Bezirk Schuisk. env.
Landarbeiter einer abgelegenen sibirischen Provinz. Ein Artel ist eine Nichtregierungsorganisation, sondern eine Genossenschaft vereinter Unternehmer, die selbst Vereinbarungen mit dem Staat und anderen Genossenschaften getroffen, Steuern gezahlt usw.
Die Genossenschaftsbewegung war in der stalinistischen UdSSR äußerst entwickelt. Neben Kollektivwirtschaften, bei denen es sich um Genossenschaftsorganisationen handelte, gab es damals über 114.000 Industriewerkstätten, in denen etwa 2 Millionen Menschen arbeiteten. Sie produzierten in ihrer Zusammensetzung fast 6 % der Bruttoindustrieproduktion der UdSSR: 40 % aller Möbel des Landes, 70 % aller Metallutensilien, 35 % der Oberbekleidung, fast 100 % der Spielzeuge.
In genossenschaftlichen ländlichen Artels waren die Arbeiter (sowohl Kollektivbauern als auch Einzelbauern) in der Regel Teilzeitbeschäftigte. In den 1930er Jahren zählten sie bis zu 30 Millionen Menschen.
Die Genossenschaftsbewegung in der UdSSR wurde von Chruschtschow gleichzeitig mit der Entfaltung der antistalinistischen Hysterie zerstört.

1934 Wanderung entlang der georgischen Militärstraße
Können Sie sich einen Arbeiter vorstellen? Zaristisches Russland Wer hat auf Staatskosten einen Campingausflug gemacht? Wie G. Wells sagte, ist dies das einzige Land der Welt, in dem klassische Musik für Arbeiter gespielt wird.

„Nach dem Baden“ Mitte 30.
„Terrorisiertes Sowjetvolk. „© Schauen Sie, ist da Angst in diesen Gesichtern? Auf keinem der Fotos. Offene, optimistische und strahlende Gesichter.


Kollektivbauern. Gebiet Kirow zwischen 1932 und 1936
Gewöhnliche sowjetische Kollektivbauern auf dem Heufeld.


Bezirk Kolomna. Mitte 30.


1935, Region Orjol, Ferienhaus Bogdanovsky.
Das ganze Land engagierte sich im Sport. Das sind gewöhnliche sowjetische Mädchen, überhaupt nicht die Turnmannschaft. Versuchen Sie zu reproduzieren, was sie tun.

Pädagogische Schüler, 1935, Gebiet Kirow
Die Uniformen wurden den Studenten vom Sowjetstaat ausgegeben. Dies ist ein Land, das vor ein paar Jahren noch in Bastschuhen herumlief und nicht lesen und schreiben konnte.


Junge Männer der 30er Jahre, Region Kirow.
Abzeichen – erfüllt die Standards GTO (Ready for Labour and Defense) und GTSO (gleich, aber hygienisch). In jenen Jahren war es für einen Jungen mit Selbstachtung absolut notwendig, ein solches Abzeichen zu erhalten. Ein Mensch wurde aufgrund seiner persönlichen Qualitäten geschätzt und nicht aufgrund des Geldbeutels und der Verbindungen seiner Eltern. Wer Verbindungen nutzte, wurde verachtet.
In ein paar Jahren werden solche Leute den Krieg gewinnen, eine Weltmacht fast aus dem Nichts aufbauen und den Menschen in den Weltraum schicken.
Achten Sie auf die gesammelten, willensstarken, erwachsenen Gesichter dieser Jungen – sie sind etwa 16 Jahre alt. Und vergleichen Sie sie mit den aktuellen.


Spiel „Pionierbank“. Pionierlager 1937
Jedes Kind konnte den ganzen Sommer über praktisch kostenlos ein Pionierlager besuchen, wo es großgezogen, ausgebildet und ausgebildet wurde. IN westliche Länder Ich kann immer noch nicht einmal davon träumen. Und das ist bei uns seit den 30er Jahren alltäglich.


Aerosleigh auf dem Eis der Wolga in der Nähe der Kanavdinsky-Brücke. Mitte 30.
Hightech jener Jahre. Sie spielten eine wichtige Rolle bei der Entwicklung von Luftfahrttechnologien und wurden in großem Umfang bei der Entwicklung des Nordkriegs, des Finnischen Krieges und des Vaterländischen Krieges eingesetzt.

Vera Woloschina, 1. Oktober 1941. Zwei Monate später, am 29. November, wird dieses äußerst schöne Mädchen sterben.
Eine acht Meter hohe Skulptur eines Mädchens mit Ruder des wunderbaren Bildhauers Ivan Shadr (Ivanov). Vorbild war die wunderbare sowjetische Sportlerin Vera Woloschina, die im November 1941 bei einer Sabotageoperation hinter den feindlichen Linien vermisst wurde.
Einen Monat vor ihrem Tod wurde die Skulptur durch eine deutsche Bombe zerstört. Erst ein Vierteljahrhundert später wurden die Einzelheiten ihres Todes bekannt: Sie wurde bei der Rückkehr von einer Mission schwer verwundet, von den Deutschen gefangen genommen und nach vielen Folterungen im Wald gehängt. Dies geschah am selben Tag, 10 km vom Ort des Todes von Zoya Kosmodemyanskaya entfernt. Vera Voloshina, die das gleiche Kunststück vollbrachte, war eine Komsomol-Organisatorin der Komsomol-Aufklärungs- und Sabotagegruppe, zu der auch Zoya gehörte.
Vera war auch eine ausgezeichnete Fallschirmspringerin, und der Bildhauer sagte halb im Scherz, dass er sie speziell für den Blick auf den Fallschirmturm platziert habe.


Geologiestudenten 1937


Worum es auf dem Foto geht, geht aus der Inschrift oben hervor. Bitte beachten Sie, dass fast alle jungen Männer GTO-Abzeichen haben. Ein dystrophisches Komsomol-Mitglied zu sein war einfach wild. Komsomol-Mitglieder und Kommunisten könnten persönliche Waffen haben.


Gewöhnliche Moskauer Familie 1939-1940


1939 Chakassien. Dorf
Ein Fahrrad wurde im Land der Sowjets alltäglich – fast jeder konnte es sich und seinen Kindern leisten. Im Westen beispielsweise konnte sich damals nicht jeder ein Fahrrad leisten. Der Fünfjahresplan für Konsumgüter wurde gestartet und äußerst erfolgreich umgesetzt. Der Lebensstandard der Sowjetbevölkerung stieg von 1939 bis zum 22. Juni 1941 rapide an.

1942, zwei Monate später, wird er in den Kämpfen bei Wjasma sterben.

In den Ruinen des Familienhauses 1942. Region Moskau.


Eid. 1944


1947 Ländliche Schule in der Region Wologda
Auf Fotografien der ersten Nachkriegsjahre sind selbst in den Gesichtern der Kinder Spuren von schwerem Stress und hartem Leben sichtbar. Schon in den frühen 50er Jahren sind Spuren des Krieges auf menschlichen Gesichtern sichtbar, die dann nach und nach verschwinden und die Gesichter von 10-jährigen Kindern nicht mehr wie Erwachsene aussehen.
Bei fast allen von ihnen wurde jemand in ihrer Nähe getötet oder schwer verletzt, wenn nicht ihre Familie, dann ihre Freunde, ihre Familien, Klassenkameraden. Viele von ihnen hatten verwitwete Mütter.


Country Boys 1947


4 „A“-Klasse, Ende Oktober 1948, Dorf bei Smolensk.


„Trinity, 1949.“ Gebiet Kirow
Seit 20 Jahren weiß „jeder“, dass religiöse Rituale in der UdSSR streng verboten waren und der Terror zu Stalins Zeiten besonders groß war. Wie sie uns versichern: Setzen Sie ein Kreuz auf das Grab, schmücken Sie den Weihnachtsbaum – und marschieren Sie in einer Kolonne nach Kolyma. Und es war so.


Jahrgang 1950. Eine der Moskauer Schulen.


„Erholung im Freien“ – Ende der 40er – Anfang der 50er Jahre


An einem Schreibtisch in einem Büro. 1949, Gebiet Kirow


Urlaub Oktoberrevolution. Anfang der 50er Jahre


Redaktion der Lokalzeitung. Nachrichten hören. Region Wladimir, Anfang 50er Jahre


Einwohner von Kaunas 1950


Student, 50er.

Junger Mann. Ufa, 1953.


Village Boys, Dorf. Chupakhino, Region Orjol. 1953
Einmal im Fernsehen sagten sie, dass der „Reißverschluss“ in der UdSSR erst in den 60er Jahren aufgetaucht sei und bei Konsumgütern bisher weit hinter den „zivilisierten Ländern“ zurückgeblieben sei. Gemeint war: „Warum brauchen wir Platz, wenn wir keine Blitze erzeugen können.“ Anscheinend hat der Typ auf der linken Seite des Fotos den toten Amerikaner gehäutet.


1954. Bereit für Arbeit und Verteidigung. Bestehen der GTO-Standards.

„Nadya“ – Mitte 50, Moskau
Der Krieg spiegelt sich nicht mehr in ihren Gesichtern wider, sie werden sorglos und boshaft. Kinder, die in den 50er Jahren nach den Hungerkriegsjahren versuchten, besser „mästen“ zu werden.

Riga-50er Jahre.

Auf dem Schießplatz der Dynamo-Gesellschaft 1955


In einer neuen Wohnung. Personalarbeiter des Werks „Roter Oktober“ Shubin A.I. Moskau, Tuschino, 1956


Leute, Kolomna, 1958.


Kislowodsk Zeremonie zum Trinken von Mineralwasser. 1957 Autor - Javad Bagirov


Kiewer Wohnung 1957

Baku, gehe müde. 1959 Autor - Javad Bagirov


Gerät zum Verkauf von Parfüm und Eau de Cologne. 50er Jahre
Seit den 50er Jahren konnte man sich in großen Geschäften mit Parfüm oder Eau de Cologne „bespritzen“. Vor der Chruschtschow-Reform kostete es 15 Kopeken.

Details Kategorie: Bildende Kunst und Architektur der Sowjetzeit Veröffentlicht 14.09.2018 13:37 Aufrufe: 1845

Seit den 1930er Jahren des 20. Jahrhunderts. Die offizielle Kunst in Russland entwickelte sich im Einklang mit dem sozialistischen Realismus. Der Vielfalt künstlerischer Stile wurde ein Ende gesetzt.

Die neue Ära der sowjetischen Kunst war geprägt von strenger ideologischer Kontrolle und Elementen der Propaganda.
Im Jahr 1934 formulierte Maxim Gorki auf dem Ersten Allunionskongress sowjetischer Schriftsteller die Grundprinzipien des sozialistischen Realismus als Methode der sowjetischen Literatur und Kunst:

Staatsangehörigkeit.
Ideologie.
Spezifität.

Die Prinzipien des sozialistischen Realismus wurden nicht nur erklärt, sondern auch vom Staat unterstützt: staatliche Anordnungen, kreative Reisen von Künstlern, thematische und Jubiläumsausstellungen, die Wiederbelebung der Monumentalkunst als eigenständige Kunst, weil es spiegelte „großartige Aussichten für die Entwicklung der sozialistischen Gesellschaft“ wider.
Die bedeutendsten Vertreter der Staffeleimalerei dieser Zeit waren Boris Ioganson, Sergei Gerasimov, Arkadi Plastow, Alexander Deineka, Juri Pimenow, Nikolai Krymow, Arkadi Rylow, Pjotr ​​Kontschalowski, Igor Grabar, Michail Nesterow, Pawel Korin und andere Artikel zu einigen Künstlern.

Boris Wladimirowitsch Ioganson (1893-1973)

B. Joganson. Selbstporträt

Einer der führenden Vertreter des sozialistischen Realismus in der Malerei. Er arbeitete in den Traditionen der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts, führte jedoch in seine Werke „neue revolutionäre Inhalte im Einklang mit der Zeit“ ein.
Er war außerdem Lehrer für Malerei, Direktor der Staatlichen Tretjakow-Galerie von 1951 bis 1954, erster Sekretär des Künstlerverbandes der UdSSR, Chefredakteur der Enzyklopädie „Kunst der Länder und Völker der Welt“ und hatte viele staatliche Auszeichnungen und Titel.
Besonders berühmt sind zwei seiner Gemälde: „Verhör der Kommunisten“ und „In der alten Ural-Fabrik“ (1937).

B. Joganson „Interrogation of Communists“ (1933). Leinwand, Öl. 211 x 279 cm. Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)
Die Entstehungsgeschichte des Gemäldes ist in diesem Fall notwendig, um seine Idee zu verstehen. „Mich persönlich verfolgte die Idee, Klassen zu vergleichen, der Wunsch, unversöhnliche Klassengegensätze in der Malerei auszudrücken.
Die Weiße Garde ist ein besonderes Wachstum in der Geschichte, sie ist ein Gesindel, in dem sich die Überreste der alten Offiziere, Spekulanten in Militäruniformen, regelrechte Banditen und Kriegsplünderer vermischen. Was für ein auffallender Kontrast zu dieser Bande waren unsere Militärkommissare, Kommunisten, die die ideologischen Führer und Verteidiger ihres sozialistischen Vaterlandes und der Werktätigen waren. Diesen Kontrast zum Ausdruck zu bringen und ihn gegenüberzustellen, war meine kreative Aufgabe“ (B. Ioganson).
Ein Offizier der Weißen Garde sitzt mit dem Rücken zum Betrachter auf einem vergoldeten Stuhl. Die restlichen weißen Offiziere schauen weg. Um den dramatischen Effekt zu verstärken, sorgt der Künstler für künstliche Nachtbeleuchtung. Die Figur des Wächters ist am oberen dunklen Rand der linken Ecke platziert und stellt eine kaum wahrnehmbare Silhouette dar. In der rechten Ecke befindet sich ein Fenster mit Vorhang, durch das zusätzliches Nachtlicht strömt.
Die Kommunisten scheinen im Vergleich zu den Weißgardisten auf einer höheren Ebene zu stehen.
Kommunisten – ein Mädchen und ein Arbeiter. Sie stehen in der Nähe und schauen ruhig in die Gesichter ihrer Feinde, ihre innere Erregung bleibt verborgen. Junge Kommunisten symbolisieren einen neuen Typus des sowjetischen Volkes.

Sergej Wassiljewitsch Gerassimow (1885-1964)

S. Gerasimov. Selbstporträt (1923). Leinwand, Öl. 88 x 66 cm. Kunstmuseum Charkow (Charkow, Ukraine)
Russischer Künstler, Vertreter des russischen Impressionismus, der sich insbesondere in seinen Landschaften manifestiert. Er schuf auch eine Reihe von Standardgemälden des sozialistischen Realismus.

S. Gerasimov „Frühling. Marsch". Leinwand, Öl
Im historischen Genre ist sein berühmtestes Werk „Der Eid der sibirischen Partisanen“.

S. Gerasimov „Der Eid der sibirischen Partisanen“ (1933). Leinwand, Öl. 173 x 257 cm. Staatliches Russisches Museum (St. Petersburg)
Das Bild ist inhaltlich hart, aber ausdrucksstark und ausdrucksstark. Es hat eine klare Zusammensetzung und ideologische Ausrichtung.
Das Genregemälde von S. Gerasimov „Gemeinsame Ferien auf dem Bauernhof“ (1937) gilt als eines der bedeutendsten Werke der sowjetischen Kunst der 30er Jahre des 20. Jahrhunderts.

S. Gerasimov „Gemeinsamer Bauernhofurlaub“ (1937). Leinwand, Öl. 234 x 372 cm. Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)
Eines der berühmtesten Gemälde über den Krieg war S. Gerasimovs Gemälde „Mutter des Partisanen“.

S. Gerasimov „Mutter des Partisanen“ (1943-1950). Leinwand, Öl. Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)
Der Künstler selbst äußerte sich über die Idee des Gemäldes so: „Ich wollte in ihrem Bild alle Mütter zeigen, die ihre Söhne in den Krieg schickten.“
Die Frau ist fest davon überzeugt, dass sie recht hat; sie verkörpert die große Macht des Volkszorns. Sie leidet, aber das ist das Leiden einer stolzen, starken Person, daher wirkt ihr Gesicht in diesem tragischen Moment ruhig.

Arkadi Alexandrowitsch Plastow (1893-1972)

P. Bendel. Porträt des Künstlers Plastov

Der Künstler A. Plastov wird „der Sänger der sowjetischen Bauernschaft“ genannt. Alles von ihm Genrebilder geschaffen vor dem Hintergrund einer Landschaft. Die russische Natur des Künstlers ist stets lyrisch und lebhaft. Seine Bilder zeichnen sich durch poetische Ausdruckskraft und nahezu Konfliktfreiheit aus.

A. Plastov „Erster Schnee“ (1946)
Der Künstler stellte einen kleinen Ausschnitt aus dem Dorfleben dar. Auf der Schwelle eines Holzhauses stehen zwei Bauernkinder, höchstwahrscheinlich eine Schwester und ein Bruder. Als sie morgens aufwachten, sahen sie Schneefall und rannten auf die Veranda. Das Mädchen hatte nicht einmal Zeit, den warmen gelben Schal zu binden, sie warf ihn einfach über ein helles Hauskleid und steckte ihre Füße in Filzstiefel. Kinder blicken überrascht und erfreut auf den ersten Schnee. Und diese Freude, diese kindliche Freude an der Schönheit der Natur überträgt sich auf das Publikum.
Plastov ist ein überzeugter Realist. Die Suche nach etwas völlig Neuem und noch nie Dagewesenem war ihm fremd. Er lebte in der Welt und bewunderte ihre Schönheit. Plastov glaubte, dass das Wichtigste für einen Künstler darin besteht, diese Schönheit zu sehen und sie auf die Leinwand zu übertragen. Man muss nicht schön schreiben, man muss die Wahrheit schreiben, und sie wird schöner sein als jede Fantasie.

A. Plastov „Goldener Rand“ (1952). Leinwand, Öl. 57 x 76 cm. Staatliches Museumsreservat„Rostower Kreml“

A. Plastov „Heuernte“ (1945). Leinwand, Öl. 193 x 232 cm. Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)
Der Künstler schuf eine Reihe von Gemälden über den Großen Vaterländischen Krieg. Das Gemälde „Der Faschist flog vorbei“ ist voller Tragödien und gilt als Meisterwerk der sowjetischen Kunst der Kriegs- und Nachkriegszeit.

A. Plastov „Der Faschist flog vorbei“ (1942). Leinwand, Öl. 138 x 185 cm. Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)
Der Künstler A. Deineka arbeitet weiterhin an seinen Lieblingsthemen.

Juri Iwanowitsch Pimenow (1903-1977)

Bekannt als Maler, Theaterkünstler, Bühnenbildner und Grafiker, Plakatkünstler und Lehrer.
Sein bekanntestes Gemälde ist „Neues Moskau“.

Yu. Pimenov „Neues Moskau“ (1937). Leinwand, Öl. 140 × 170 cm. Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)
Geschrieben auf dem Höhepunkt des Wiederaufbaus der Hauptstadt. Eine Frau am Steuer ist in diesen Jahren eher eine Seltenheit. Dies ist ein Symbol für neues Leben. Ungewöhnlich ist auch die kompositorische Lösung: Das Bild sieht aus wie ein Kamerabild. Die Frau wird von hinten gezeigt und dieser Blickwinkel lädt den Betrachter ein, die Morgenstadt mit ihren Augen zu betrachten. Es entsteht ein Gefühl von Freude, Frische und Frühlingsstimmung. Dies wird durch die impressionistische Pinselführung des Künstlers und die zarte Farbgebung des Gemäldes erleichtert. Das Bild ist von einer für diese Zeit charakteristischen optimistischen Haltung geprägt.
Diese Technik verwendete der Künstler auch beim Gemälde „Front Road“. Der emotionale Inhalt des Bildes basiert auf dem Kontrast zwischen dem Bild eines friedlichen, sich verändernden Moskaus und der durch die faschistische Invasion geplünderten und zerstörten Stadt, dargestellt im Gemälde „Front Road“.

Y. Pimenov „Front Road“ (1944)
In der frühen Phase seines Schaffens wurde Pimenov vom deutschen Expressionismus beeinflusst, was weitgehend die dramatische Eindringlichkeit seiner besten Gemälde dieser Jahre erklärt: „Invaliden des Krieges“, „Gib uns Schwerindustrie!“ (1927), „Soldaten gehen auf die Seite der Revolution“ (1932). Nach und nach wandte er sich dem Impressionismus zu und hielt sich dabei an das Gestaltungsprinzip des „schönen Augenblicks“.

Y. Pimenov „Invaliden des Krieges“ (1926). Staatliches Russisches Museum (St. Petersburg)

Georgi Grigorjewitsch Nisski (1903-1987)

Georgy Nissky beschäftigte sich in dieser Zeit aktiv mit der Landschaftsmalerei. Seine Gemälde zeichnen sich durch malerische Lakonie, Dynamik, helle kompositorische und rhythmische Lösungen aus. Die Natur des Künstlers wird immer von Menschenhand verändert.

G. Nyssky „Herbst. Semaphoren“ (1932)

G. Nissky „Region Moskau. Februar“ (1957). Leinwand, Öl. Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)
Nikolai Krymow gilt als Landschaftsmaler der älteren Generation.

Nikolai Petrowitsch Krymow (1884-1958)

Nikolai Krymow (1921)
N.P. Krymov wurde in die Familie des Wanderkünstlers hineingeboren, daher war die ursprüngliche Richtung seiner Arbeit dieselbe. Während seiner Studienzeit (1905-1910) tendierte er zu impressionistischen Naturdarstellungen; zarte Pastellfarben und leichte Striche verliehen seinen Leinwänden ein spirituelles und schwereloses Aussehen. In den 20er Jahren wurde er ein Anhänger der russischen realistischen Malerei.

N.P. Krymow „Morgen im Zentralpark für Kultur und Freizeit, benannt nach. M. Gorki in Moskau“ (1937). Leinwand, Öl. 81 x 135 cm. Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)
Die letzte Schaffensperiode des Künstlers ist mit dem Fluss Oka verbunden Kleinstadt Tarusa, wo Krymow wohnte. Er war fasziniert von den lokalen Landschaften und dem Fluss Oka, der „Freiheit atmete“.

N. Krymov „Straße in Tarusa“ (1952)
Die Gemälde „Before Twilight“, „Polenovo. Oka River“ und eine Reihe anderer. Der Künstler hat viele Winterlandschaften.

N. Krymov „Winter. Dächer“ (1934)

Arkadi Alexandrowitsch Rylow (1870-1939)

A. Rylov. Selbstporträt mit einem Eichhörnchen (1931). Papier, Tinte, italienischer Bleistift. Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)

Russischer und sowjetischer Landschaftsmaler, Grafiker und Lehrer.
Sein bekanntestes Gemälde ist „Lenin in Razliv“.

A. Rylov „V.I. Lenin in Rasliw im Jahr 1917.“ (1934). Leinwand, Öl. 126,5 × 212 cm. Staatliches Russisches Museum (St. Petersburg)
Dies ist eines der besten Werke des Künstlers in seiner späten Schaffensperiode. In diesem Gemälde verbindet der Künstler die Landschaft mit dem historischen Genre. Lenins Aufenthalt in Rasliw im Sommer 1917 ist eines der Hauptthemen des Lenin-Themas in der sowjetischen bildenden Kunst. Die Aufregung und Spannung des Augenblicks ist in der Landschaft und in der dynamischen Figur des Anführers spürbar. Wolken ziehen über den Himmel, der Wind beugt mächtige Bäume im Kampf gegen diese Naturkräfte Die Gestalt Lenins stürmt dem Wind entgegen mit der festen Entschlossenheit, im Namen der Zukunft den Sieg zu erringen.
Ein stürmischer See und ein alarmierender Himmel symbolisieren einen Sturm. Die Dämmerung bricht über die Erde herein. Lenin bemerkt nichts davon und blickt angestrengt in die Ferne. Diese Interpretation des Führerbildes ist eine ideologische Ordnung der Sowjetzeit.
Zu dieser Zeit entwickelte sich das sowjetische Porträtgenre aktiv, in dem sich Pjotr ​​​​Kontschalowski, Igor Grabar und Michail Nesterow am deutlichsten zeigten.

P. Konchalovsky. Porträt des Komponisten Sergej Sergejewitsch Prokofjew (1934). Leinwand, Öl. 181 x 140,5 cm. Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)

P. Konchalovsky. Porträt von V.E. Meyerhold (1938). Leinwand, Öl. 211 x 233 cm. Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)
Während der Zeit der Massenrepressionen, kurz vor der Verhaftung und dem Tod Meyerholds, schuf P. Konchalovsky ein Porträt dieser herausragenden Theaterfigur. Am 7. Januar 1938 fasste der Ausschuss für Kunst den Beschluss zur Auflösung des Staatstheaters Meyerhold.
Der Künstler vermittelte den Konflikt der Persönlichkeit mit der umgebenden Realität durch eine komplexe kompositorische Lösung. Die Leinwand zeigt keinen Träumer, sondern einen Mann, dessen Schicksal auf dem Spiel steht, und er weiß es. Durch den Vergleich eines hellen, dicht mit Ornamenten bedeckten Teppichs und der monochromen Figur des Regisseurs offenbart Konchalovsky das tragische Bild des Regisseurreformers.

I. Grabar. Porträt des Akademikers N.D. Zelinsky (1935). Leinwand, Öl. 95 x 87 cm. Staatliche Tretjakow-Galerie (Moskau)

I. Grabar. Porträt von Wladimir Iwanowitsch Wernadski (1935)

Pawel Dmitrijewitsch Korin (1892-1967)

Pawel Korin (1933)
Russischer und sowjetischer Maler, Monumentalist, Porträtmeister, Restaurator und Lehrer, Professor.
Er wuchs in Palech auf und begann mit dem Malen von Ikonen. Er studierte an der Moskauer Schule für Bildhauerei und Architektur und wurde schließlich einer der bedeutendsten Meister der frühen sowjetischen Porträtmalerei und schuf eine ganze Galerie mit Porträts von Intellektuellen seiner Zeit.
Die Werke dieses Künstlers zeichnen sich durch Monumentalität, grelle Farben und klar geformte Formen aus.
Die berühmtesten Werke von P. Korin: das Triptychon „Alexander Newski“, Porträts von Georgi Schukow und Maxim Gorki.

P. Korin. Triptychon „Alexander Newski“
Das Triptychon wurde während des Großen Vaterländischen Krieges beim Künstler in Auftrag gegeben, als das Thema des Widerstands gegen den Eindringling im Mittelpunkt der Kunst stand.
Im linken und rechten Teil des Triptychons bereiten sich Soldaten auf den Krieg vor. Sie werden von Frauen begleitet: einer alten Mutter, einer Frau, die ein kleines Kind im Arm hält. Sie und ihr Heimatland brauchen Schutz.

In der Mitte ist das Bild eines Kriegers zu sehen. Alexander Newski stoppte in der Antike die deutschen Ritter, um die Verteidiger zum Kampf gegen die faschistischen Eindringlinge zu inspirieren. Seine Figur ist monumental – sie ist eine Erinnerung an russische Helden. Das Banner mit dem Antlitz Christi erinnert an die Heiligkeit des russischen Landes. Er steht da, auf sein Schwert gestützt – die Feinde müssen durch das Schwert sterben, mit dem sie kamen.
Hinter ihm liegt sein Heimatland, das geschützt werden muss.
Die thematischen Gemälde und Porträts des Meisters zeichnen sich durch Spiritualität und Gelassenheit der Bilder, Strenge der Komposition und Zeichnung aus.
Interessiert an kreative Individuen charakteristisch für die Atmosphäre dieser Zeit.