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Vafina Oksana Nikolaevna

Arbeitsort, Position:

MOU"SOSH 28"

Region Belgorod

Ressourceneigenschaften

Bildungsstufen:

Grundlegende Allgemeinbildung

Klassen):

Artikel):

Literatur

Zielgruppe:

Lehrer (Lehrer)

Ressourcentyp:

Didaktisches Material

Kurze Beschreibung der Ressource:

Unterrichtsentwicklung

Integrierter Literatur- und MHC-Unterricht.

Thema: Künstlerische Symbole der Völker der Welt. „Im Land des Birkenchintz.“

Ziele:1) Den Schülern die künstlerischen Symbole der Völker der Welt näher bringen, die Bedeutung des Bildes der russischen Birke in Poesie, Malerei und Musik enthüllen; zeigen Sie das brillante Originaltalent von Sergei Yesenin; die Fähigkeit zu entwickeln, bildliche und ausdrucksstarke Sprachmittel zu finden und deren Rolle in Texten zu bestimmen.

2) Verbessern Sie Ihr Sprachgefühl und Ihre ausdrucksstarken Lesefähigkeiten.

3) Kultiviere die Liebe für poetisches Wort, die Fähigkeit, beim Lesen poetischer Werke sorgfältig und nachdenklich mit dem Wort umzugehen, ein Gefühl der Liebe zum Vaterland und zur Natur kultivieren.

Während des Unterrichts

Ich kann mir Russland ohne Birke nicht vorstellen, -
Sie ist so hell auf Slawisch,
das vielleicht in anderen Jahrhunderten
Aus der Birke wurde ganz Russland geboren.
Oleg Schestinsky

1. Psychologische Einstellung. (Das Lied „Da war eine Birke auf dem Feld“)

2. Kommunizieren Sie das Thema und die Ziele der Lektion. Heute machen wir in einer Literatur- und Kunststunde eine kurze Weltreise und lernen die künstlerischen Symbole der Völker der Welt kennen, wandern durch das „Land des Birkenchintz“ und enthüllen die Bedeutung des poetischen Symbols Russlands in Poesie, Malerei und Musik.

3. Neues Material lernen.

Lehrer:Auf unserem Planeten gibt es mehr als 250 Länder, in denen mehrere tausend Menschen leben. verschiedene Völker, jaJedes davon hat seine eigenen Traditionen und Merkmale.Sie haben solche Kombinationen wahrscheinlich schon mehr als einmal gehört: „Deutsche Ordentlichkeit“, „Französische Galanterie“,„Afrikanisches Temperament“, „Kälte des Englischen.“Lichan“, „das heiße Temperament der Italiener“, „die Gastfreundschaft der Georgier“ usw.Hinter jedem von ihnen stehen Eigenschaften und Eigenschaften, die sich bei einem bestimmten Volk über viele Jahre hinweg entwickelt haben.

Nun, was ist mit der künstlerischen Kultur? Gibt es ähnliches?stabile Bilder und Funktionen? Zweifellos. Jede Nation hat ihre eigenen Sym-Ochsen, die künstlerische Vorstellungen von der Welt widerspiegeln.

Stellen Sie sich vor, Sie wären angekommen unbekanntes Land. Was zunächst einmalwären Sie interessiert? Welche Sprache wird hier natürlich gesprochen? Welche Attraktionen werden zuerst gezeigt? Was verehren und glauben sie? Welche Geschichten, Mythen und Legenden werden erzählt? Wie man tanztund singen? Und viele, viele andere.

Was werden sie Ihnen zum Beispiel zeigen, wenn Sie Ägypten besuchen?

Student: D neidische Pyramiden, die als eines der Weltwunder gelten und längst zu einem geworden sindShiye künstlerisches Symbol dieses Landes.

Student:Auf einem felsigen PlateauWüsten, die seit mehr als vierzig Jahrhunderten klare Schatten auf den Sand werfenEs gibt drei riesige geometrische Körper – tadellos korrekttetraedrisch Pyramiden, Gräber der Pharaonen Cheops, Khafre und MiKerina. Ihre ursprüngliche Auskleidung ist längst verloren gegangen, sie wurden geplündertRuderkammern mit Sarkophagen, aber weder Zeit noch Menschen konnten ihre ideal stabile Form stören. Dreiecke von Pyramiden vor dem Hintergrund vonDer blaue Himmel ist von überall sichtbar und erinnert an die Ewigkeit.

Lehrer: Wenn Sie ein Treffen mit Paris haben, möchten Sie auf jeden Fall auf die Spitze des Berühmten klettern Eiffelturm, wurde auch hu-ein stolzes Symbol dieser erstaunlichen Stadt. Was weißt du über sie?

Student:Erbaut im Jahr 1889Jahr als Dekoration Weltausstellung, sie löste zunächst Empörung und Empörung bei den Parisern aus. Miteinander wetteifernde Zeitgenossen riefen:

„Wir protestieren gegen diese mit verschraubten Blechen bedeckte Säule, gegen diesen lächerlichen und schwindelerregenden Fabrikschornstein, der im Glanz des Industrievandalismus installiert wurde. Der Bau dieses nutzlosen und monströsen Eiffelturms mitten im Zentrum von Paris ist nichts weiter als eine Profanierung ...“

Interessanterweise wurde dieser Protest von sehr unterzeichnet berühmte Persönlichkeiten Kulturen: Komponist Charles Gounod, Schriftsteller Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... Der Dichter Paul Verlaine sagte, dass diese „Skelett-Calancha nicht lange Bestand haben wird“, aber seine düstere Prognose sollte nicht wahr werden. Der Eiffelturm steht noch immer und ist ein Wunderwerk der Ingenieurskunst.

Student:Übrigens war es damals das höchste Gebäude der Welt, seine Höhe betrug 320 Meter! Die technischen Daten des Turms sind auch heute noch erstaunlich: Fünfzehntausend Metallteile, verbunden durch mehr als zwei Millionen Nieten, bilden eine Art „Eisenspitze“. Siebentausend Tonnen ruhen auf vier Stützen und üben nicht mehr Druck auf den Boden aus als ein Mensch, der auf einem Stuhl sitzt. Sie wollten es mehr als einmal abreißen, aber es erhebt sich stolz über Paris und bietet die Möglichkeit, die Sehenswürdigkeiten der Stadt aus der Vogelperspektive zu bewundern ...

Lehrer:Was sind die künstlerischen Symbole der USA, Chinas, Russlands?

Student:Freiheitsstatue für die USA, Kaiserlicher Palast„Verbotene Stadt“ für China, der Kreml für Russland.

Lehrer:Aber viele Völker haben auch ihre eigenen besonderen, poetischen Symbole. Erzählen Sie uns von einem davon?

Student:Die phantasievoll geschwungenen Zweige eines niedrig wachsenden Kirschbaums – Sakura – sind ein poetisches Symbol Japans.

Wenn du fragst:

Was ist die Seele?

Inseln Japans?

Im Duft von Bergkirschen

In der Dämmerung.

Norinaga (Übersetzung von V. Sanovich)

Lehrer:Was ist daran so attraktiv? Kirschblüten Japanisch? Kann sein, eine Fülle von weißen und blassrosa Sakura-Blütenblättern auf kahlen Zweigen, die noch keine Zeit hatten, sich mit Grün zu bedecken?

Student:Die Schönheit der Blumen verblasste so schnell!

Und der Charme der Jugend war so flüchtig!

Das Leben ist umsonst vergangen...

Ich schaue auf den langen Regen

Und ich denke: Wie um alles in der Welt dauert nicht alles ewig!

Komati (Übersetzung von A. Gluskina)

Student:Der Dichter wird von der Schönheit der Vergänglichkeit, Zerbrechlichkeit und Flüchtigkeit des Lebens angezogen. Die Kirschblüten verblassen schnell und die Jugend vergeht.

Lehrer:Welche künstlerisches Gerät verwendet der Autor?

Student:Personifikation. Für den Dichter ist eine Sakura-Blume ein Lebewesen, das die gleichen Gefühle wie ein Mensch empfinden kann.

Student:

Frühlingsnebel, warum hast du dich versteckt?

Kirschblüten, die jetzt herumfliegen

An den Berghängen?

Nicht nur der Glanz liegt uns am Herzen,-

Und der Moment des Verblassens ist bewundernswert!

Tsurayuki (Übersetzung von V. Markova)

Lehrer:Kommentieren Sie die Zeilen aus.

Student:Sakura-Blütenblätter verblassen nicht. Fröhlich wirbelnd fliegen sie entgegenSchützen Sie den Boden vor dem kleinsten Windhauch und bedecken Sie ihn, bevor er überhaupt dazu Zeit hatdie Blumen verwelken. Der Moment selbst ist wichtig, die Zerbrechlichkeit der Blüte. Name-aber das ist die Quelle der Schönheit.

Lehrer:Künstlerisch poetisches Symbol Russland wurde BelostvolNaya Birke.

Ich liebe russische Birke
Manchmal hell, manchmal traurig,
In einem gebleichten Sommerkleid,
Mit Taschentüchern in den Taschen,
Mit schönen Verschlüssen
Mit grünen Ohrringen.
Ich liebe, wie elegant sie ist
Dann klar, überschwänglich,
Dann traurig, weinend.
Ich liebe russische Birke.
Biegt tief im Wind
Und es biegt sich, bricht aber nicht!
A. Prokofjew.

Lehrer:Wahrscheinlich wird es nie aufhören Russisches Herz Lassen Sie sich vom Unerwarteten überraschen und einheimische Schönheit das Übliche, so scheint es, Birke. Schon im Erwachsenenalter sagte Igor Grabar: „Was könnte schöner sein als die Birke, der einzige Baum in der Natur, dessen Stamm strahlend weiß ist, während alle anderen Bäume auf der Welt dunkle Stämme haben.“ Fantastischer, übernatürlicher Baum, Märchenbaum. Ich habe mich leidenschaftlich in die russische Birke verliebt und lange Zeit fast ausschließlich darüber geschrieben.“

Die Geschichte eines Studenten über I. Grabars Gemälde „February Azure“.

Schrieb mein „ Februarblau„I. Grabar im Winter – Frühjahr 1904, als er Freunde in der Region Moskau besuchte. Bei einem seiner üblichen Morgenspaziergänge wurde er vom Feiertag des erwachenden Frühlings beeindruckt und erzählte anschließend, da er bereits ein ehrwürdiger Künstler war, sehr anschaulich die Entstehungsgeschichte dieser Leinwand. „Ich stand neben einem wunderbaren Birkenexemplar, das in der rhythmischen Struktur seiner Zweige selten ist. Als ich sie ansah, ließ ich den Stock fallen und bückte mich, um ihn aufzuheben. Als ich von unten, von der Schneeoberfläche aus, auf die Spitze der Birke blickte, war ich überwältigt von dem Schauspiel fantastischer Schönheit, das sich vor mir eröffnete: einige Glockenspiele und Echos aller Farben des Regenbogens, vereint durch die blaue Emaille vom Himmel. Die Natur schien ein beispielloses Fest aus azurblauem Himmel, Perlenbirken, Korallenzweigen und saphirblauen Schatten auf lila Schnee zu feiern.“ Es ist nicht verwunderlich, dass der Künstler leidenschaftlich daran interessiert war, „mindestens ein Zehntel dieser Schönheit“ zu vermitteln.

Lehrer: Leute, nicht nur Grabar hat sich dem Bild einer schönen Birke zugewandt, vor euch liegt eine Ausstellung mit Werken von Künstlern, in der die Heldin dieser schöne Baum ist. Welche Stimmung strahlen die Reproduktionen dieser Künstler aus?

Was können Sie über die Gemälde der Künstler sagen?

Student:Fröhlich, voller Licht ist die Birke in ihnen spirituell.

Student: Kuindzhi „Birch Grove“ (1879), – erfüllt von gesundem und fröhlichem Optimismus. Der Künstler hat die jubelnde, vom Regen überflutete Natur in ihrer schönsten und luxuriösesten Sommerzeit eingefangen. Die Komposition des Gemäldes ist originell, die Harmonie seiner reinen Farben ist erstaunlich.

Lehrer.Birke. Was ist das für ein Baum?

„Birke ist ein Baum mit weißer Rinde, hartem Holz und herzförmigen Blättern“, berichtet das Erklärende Wörterbuch der russischen Sprache nüchtern.

Vielleicht, erklärendes Wörterbuch Du solltest leidenschaftslos sein.

Aber was die russische Sprache betrifft, so verdient vielleicht kein einziger Baum so etwas große Menge Beinamen, Vergleiche und liebevolle Phrasen wurden nicht mit so enthusiastischen Worten wie Birke gepaart. Das kann man verbal erkennen. Volkskunst, und vor allem - in der russischen Poesie, wo sich die Birke vor langer Zeit fest und, wie es scheint, für immer niedergelassen hat.

Yesenins „Land des Birkenchintz“ ist einzigartig schön und liegt jedem am Herzen. Ein Land, in dem man stundenlang wandern kann Kiefernwald, ertrinkend in einem weichen Teppich aus grauem Moos. In einem Land, in dem hohe Wacholderdickichte wachsen. Und auf den Sumpfhügeln blühen Preiselbeeren und Preiselbeeren. Ein Land, in dem in den Tiefen des Waldes geheimnisvolle Seen lauern. Ein Land, in dem alles um Sie herum zum Leben erwacht. Die natürliche Welt ist nicht nur voller Farben, Geräusche und Bewegungen, sondern auch belebt.

Student: Guten Morgen

Die goldenen Sterne dösten ein,

Der Spiegel des Rückstaus bebte,

Das Licht dämmert über den Nebengewässern des Flusses

Und errötet das Himmelsgitter.

Die verschlafenen Birken lächelten,

Seidenzöpfe sind zerzaust,

Grüne Ohrringe rascheln

Und der silberne Tau brennt.

Der Zaun ist mit Brennnesseln überwuchert

Gekleidet in helles Perlmutt

Und schwankend flüstert er spielerisch:

"Guten Morgen!"

Lehrer: Welche Bilder haben Sie in dem Gedicht gesehen?

Student:Stern, Birke, Brennnessel.

Lehrer:Mit welchen bildlichen und ausdrucksstarken Mitteln entsteht das Bild einer Birke?

Student:Personifikation (die Birken lächelten, die Zöpfe waren zerzaust), Beinamen (schläfrige Birken, Seidenzöpfe, silberner Tau), Metaphern (der Tau brannte, die Zöpfe waren zerzaust).

Lehrer:Die Farbmalerei ist eines der charakteristischen Merkmale von Yesenins Gedichten. Mit welchen Farben beschreibt er Birke? Wofür werden „farbige Teile“ benötigt?

Student:Silber, Grün, andere – Perlmutt. „Farbige Details“ helfen, die Stimmung des Dichters zu verstehen, Gefühle und Gedanken zu schärfen und ihre Tiefe zu offenbaren.

Lehrer:Von welcher Stimmung ist das Gedicht durchdrungen?

Student:Romantisch, optimistisch, fröhlich, aufgeregt.

Lehrer:Im Gedicht „Grüne Frisur“. (1918) erreicht die Humanisierung des Aussehens der Birke in Yesenins Werk ihre volle Entfaltung.

Student:Ein Gedicht lesen

Lehrer: Von wem handelt das Gedicht? Wie sieht eine Birke aus?

Student: Die Birke wird wie eine Frau.

Grüne Frisur,

Mädchenhafte Brüste,

O dünne Birke,

Warum hast du in den Teich geschaut?

Lehrer: Was symbolisiert die Birke in der russischen Poesie?

Student: Dies ist ein Symbol für Schönheit, Harmonie und Jugend; sie ist hell und keusch.

Lehrer: In der Antike heidnische Rituale er diente oft als „Maibaum“, ein Symbol des Frühlings. Yesenin, wenn er Leute beschreibt Frühlingsferien, erwähnt Birke im Sinne dieses Symbols in den Gedichten „Trinity Morning...“ (1914) und „Das Schilf raschelte über dem Backwater...“ (1914)

Lehrer: Worüber Volksbrauch es wird in dem Gedicht „Das Schilf raschelte über den Backwaters …“ besprochen.

Student: Das Gedicht „Das Schilf raschelte über dem Stauwasser“ erzählt von einem wichtigen und faszinierenden Ereignis der semitischen Dreifaltigkeitswoche – der Wahrsagerei mit Kränzen.

Das schöne Mädchen sagte um sieben Uhr die Wahrsagerei.

Eine Welle entwirrte einen Kranz aus Dodder.

Die Mädchen webten Kränze und warfen sie in den Fluss. Anhand des Kranzes, der weit weg schwebte, an Land gespült, stehen blieb oder sank, beurteilten sie das Schicksal, das sie erwartete (ferne oder nahe Ehe, Mädchenzeit, Tod der Verlobten).

Oh, ein Mädchen wird im Frühling nicht heiraten,

Er schüchterte sie mit Waldschildern ein.

Lehrer: Was überschattet das Treffen des Frühlings?

Lehrer: Mit welchen Bildern wird das Motiv des Unglücks gestärkt?

Poetische Symbole der Länder der Welt

Flora und Fauna als Symbole von Ländern

Füllen Sie das Diagramm aus

Der Name des Landes,

künstlerisches Symbol

Russland

Tragen

Birke

Birkenhain

Warum bist du traurig, Birkenhain?

Welcher Gedanke belastet Sie?

Ich schaue auf das Licht durch die dichten Blütenkronen

Und ich höre deinem grünen Rauschen zu.

Du raschelst erschrocken mit den Blättern,

Ich beeile mich, meine ganze Seele wieder zu öffnen.

Und ich schüttle auch den Kopf,

Ich kann meine bitteren Gedanken nicht beruhigen.

Hier in Russland gibt es keine Grenzen für Sorgen ...

Lass uns schweigen, mein Lieber.

Und alles, was du mir sagen wolltest,

Und so werde ich es an deinen Tränen verstehen.

Byvshev Alexander

weiße Birke

Unter meinem Fenster

Mit Schnee bedeckt

Genau Silber.

Auf flauschigen Zweigen

Schneegrenze

Die Pinsel sind aufgeblüht

Weißer Rand.

Und die Birke steht

In schläfriger Stille,

Und die Schneeflocken brennen

Im goldenen Feuer.

Und die Morgendämmerung ist faul

Herumlaufen

streut Zweige

Neues Silber.

Sergey Yesenin

Japan

Fujiyama

Sakura

Rotkronenkranich

Japanischer Fasan

Haiku (oder Haiku)

• Haiku (oder Haiku) ist eine besondere Art japanischer Gedichte, die aus einem Terzett bestehen. Der Text ist größtenteils philosophisch geprägt und reimt sich nicht. Natürlich ist ein Thema wie Kirschblüten, konnte nicht unbemerkt bleiben. Daher schlage ich vor, ein paar Haiku über Sakura zu lesen.

Ist sie traurig?

Was zur aufgehenden Sonne folgende

Träume zärtlich unter der Sakura

Es gibt keine Fremden zwischen uns

Wir sind alle Brüder des anderen

Unter den Kirschblüten

Die Frühlingsnacht ist vorbei

Die weiße Morgendämmerung drehte sich um

Meer aus Kirschblüten

China

Panda

Pfingstrose

Australien

Känguru

Kanada

Biber

Ahorn

Indien

Lotus

bengalischer Tiger

Pfau

England

ein Löwe

Rose

Thailand

Indischer Elefant

Mongolei

Mongolisches Pferd

USA

Weißkopfseeadler

Mustang

Arabische Emirate

Falke

Deutschland

Kornblume

Thema 2: MHC. Künstlerische Symbole (Folie 1)

Wir haben herausgefunden, dass Kultur in der Zivilisation geboren wird und außerhalb dieser existieren kann.

Kultur ist in nationale und weltweite Kultur unterteilt. (Folie 2)

Heute werden wir uns ansehen, was das Konzept der weltweiten künstlerischen Kultur beinhaltet. (Folie 3)

Weltkunst- Hierbei handelt es sich um eine Reihe von Kulturen der Völker der Welt, die sich im Laufe der historischen Entwicklung der menschlichen Zivilisation in verschiedenen Regionen entwickelt haben.

Künstlerische Kultur wird am häufigsten in Kunstwerken repräsentiert, die die Realität in künstlerischen Bildern kreativ wiedergeben. (Folie 4)

Ein Künstler ist ein besonderer Mensch; er erschafft die Welt nach seinen persönlichen Vorstellungen davon. Gefühle, Gedanken und Erlebnisse, gebrochen in seinem Kopf, lassen einzigartige künstlerische Bilder entstehen.

Sie entstehen als Ergebnis von Reflexion, Bewertung, Auswahl das benötigte Material aus den vielen Dingen, die man gesehen und gehört hat. Der Künstler betrachtet das Leben voreingenommen, er sucht darin nach dem, was in der menschlichen Seele wechselseitige Gefühle und Erfahrungen wecken kann. Seiner Fantasie sind keine Grenzen gesetzt, sie ist in der Lage, Wunder zu schaffen ...

Im 15. Jahrhundert lebte der Künstler Hieronymus Bosch in den Niederlanden. (Folie 5)

Kinder lesen

1. Was auch immer er sich für seine Bilder ausgedacht hat! (klicken)In ihnen agieren die unglaublichsten Lebewesen: Tiere mit Vogelköpfen und Menschenbeinen, manche sogar mit Schmetterlingsflügeln. Die Helden seiner Werke sind Menschen mit einem menschlichen Kopf, der aus dem Stamm und den Zweigen eines Baumes oder aus der leeren Schale einer geheimnisvollen Frucht besteht. (Klick klick)In solch einem fantastischen Kopf schlemmen kleine Leute bei einer Flasche Wein.

2. Hier ist alles auf die unglaublichste Weise durcheinander, verwirrt, verzerrt. Aber gleichzeitig scheint es einige die schreckliche Wahrheit wie aus dem Leben gezogen. (Klick klick)Vielleicht ist genau das passiert? Im Leben gesehen und dann nach den Gesetzen der Vorstellungskraft des Künstlers neu interpretiert? Anscheinend gefielen Bosch seine Zeit und die schlechten Sitten der Gesellschaft nicht. Aber er wusste, wie man mit Liebe, schön und im Einklang mit der Realität schreibt. (Klick klick)Er schenkte der Natur, den endlosen Weiten der Ebenen, den glatten Seen und den hügeligen Weiten nur seine Liebe. Dort fand er Ruhe und Freude für sich.

Über herausragende Werke der Welt künstlerische Kultur- unser Hauptgespräch während des Studiums des Themas MHC.

Jede Nation hat ihre eigenen künstlerischen Symbole.

Auf unserem Planeten gibt es mehr als 250 Länder, in denen mehrere tausend Völker leben, von denen jedes seine eigenen Traditionen und Besonderheiten hat. Sie haben wahrscheinlich schon mehr als einmal Wortkombinationen wie „deutsche Ordentlichkeit“, „französische Galanterie“, „chinesische Zeremonien“, „afrikanisches Temperament“, „Kälte der Briten“, „heißes Temperament der Italiener“, „Gastfreundschaft“ gehört die Georgier“ usw. Hinter jedem von ihnen verbergen sich Eigenschaften und Eigenschaften, die sich bei einem bestimmten Volk über viele Jahre hinweg entwickelt haben.

-Nun, was ist mit der künstlerischen Kultur?

-Gibt es bei ihr ähnliche stabile Bilder und Merkmale?

Zweifellos. Jede Nation hat ihre eigenen Symbole, die künstlerische Vorstellungen von der Welt widerspiegeln.

Stellen Sie sich vor, Sie sind in einem unbekannten Land angekommen.

Was wird Sie zuerst interessieren??

Welche Sprache wird hier natürlich gesprochen? Welche Attraktionen werden zuerst gezeigt? Was verehren und glauben sie? Welche Geschichten, Mythen und Legenden werden erzählt? Wie tanzen und singen sie? Und viele, viele andere.

Was werden sie Ihnen zum Beispiel zeigen, wenn Sie Ägypten besuchen?

Natürlich die alten Pyramiden (Folie 6)) gelten als eines der Weltwunder und sind längst zu einem künstlerischen Symbol dieses Landes geworden.

Kinder lesen

3. Auf dem felsigen Plateau der Wüste, das klare Schatten auf den Sand wirft, befinden sich seit mehr als vierzig Jahrhunderten drei riesige geometrische Körper – makellos regelmäßige tetraedrische Pyramiden, die Gräber der Pharaonen Cheops, Khafre und Mykerin. (klicken)

4. Ihre ursprüngliche Verkleidung ist längst verloren, die Grabkammern mit Sarkophagen wurden geplündert, aber weder Zeit noch Menschen konnten ihre ideal stabile Form stören. Die Dreiecke der Pyramiden vor dem Hintergrund des blauen Himmels sind von überall aus zu sehen und erinnern an die Ewigkeit.

Wenn Sie ein Treffen mit Paris haben, Sie werden auf jeden Fall die Spitze des berühmten Eiffelturms erklimmen wollen, (Folie 7) wurde auch zu einem künstlerischen Symbol dieser erstaunlichen Stadt.

Kinder lesen

5. 1889 als Dekoration für die Weltausstellung erbaut, entworfen von Alexandre Gustave Eiffel (klicken)es löste zunächst Empörung und Empörung bei den Parisern aus. Miteinander wetteifernde Zeitgenossen riefen:

„Wir protestieren gegen diese mit verschraubten Blechen bedeckte Säule, gegen diesen lächerlichen und schwindelerregenden Fabrikschornstein, der im Glanz des Industrievandalismus installiert wurde. Der Bau dieses nutzlosen und monströsen Eiffelturms mitten im Zentrum von Paris ist nichts weiter als eine Profanierung ...“ (Folie 8)

5. Es ist interessant, dass dieser Protest von sehr berühmten Kulturschaffenden unterzeichnet wurde: dem Komponisten Charles Gounod, den Schriftstellern Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... Der Dichter Paul Verlaine sagte, dass dieser „Skelettturm nicht lange stehen wird“, aber er ist düster Die Prognose sollte nicht wahr werden. Der Eiffelturm steht noch immer und ist ein Wunderwerk der Ingenieurskunst. (klicken)Übrigens war es damals das höchste Gebäude der Welt, seine Höhe betrug 320 Meter!

6. Die technischen Daten des Turms sind auch heute noch erstaunlich: fünfzehntausend Metallteile, (klicken)Verbunden durch mehr als zwei Millionen Nieten, bilden sie eine Art „Eisenspitze“. Siebentausend Tonnen ruhen auf vier Stützen und üben nicht mehr Druck auf den Boden aus als ein Mensch, der auf einem Stuhl sitzt. (klicken)Es war mehr als einmal geplant, es abzureißen, aber es erhebt sich stolz über Paris und bietet die Möglichkeit, die Sehenswürdigkeiten der Stadt aus der Vogelperspektive zu bewundern ... (klicken)

Die Freiheitsstatue für die USA ist seit langem zu denselben künstlerischen Symbolen geworden. (Folie 9+2Klicks) Himmelstempel und Große Mauer für China, (Folie 10) Der Kreml für Russland. (Folie 11+5 Klicks)

Aber viele Völker haben auch ihre eigenen besonderen, poetischen Symbole.

Bizarr geschwungene Zweige eines niedrig wachsenden Kirschbaums - Sakura (Folie 12)- ein poetisches Symbol Japans.

Wenn du fragst:

Was ist die Seele?

Inseln Japans?(klicken)

Im Duft von Bergkirschen

In der Dämmerung.(klicken)

Norinaga (Sanovich)

Was fasziniert die Japaner an Kirschblüten so sehr? (Folie 13) Vielleicht eine Fülle von weißen und blassrosa Sakura-Blütenblättern auf kahlen Zweigen, die noch keine Zeit hatten, sich mit Grün zu bedecken? Nein, sie werden von der Schönheit der Vergänglichkeit, der Zerbrechlichkeit und Flüchtigkeit des Lebens angezogen. (klicken) Eine Sakura-Blume ist ein Lebewesen, das die gleichen Gefühle wie ein Mensch empfinden kann.

Ist die Schönheit der Blumen so schnell verblasst?

Und der Charme der Jugend war so flüchtig!

Das Leben ist umsonst vergangen...

Ich schaue auf den langen Regen

Und ich denke: Wie um alles in der Welt dauert nicht alles ewig!(klicken)

Komati (Gluskina)

Sakura-Blütenblätter verblassen nicht. (Folie 14) Fröhlich wirbelnd fliegen sie beim geringsten Windhauch zu Boden und bedecken den Boden mit Blumen, die noch nicht verwelkt sind. Der Moment selbst ist wichtig, die Zerbrechlichkeit der Blüte. Genau darin liegt die Quelle der Schönheit. (klicken)

Frühlingsnebel, warum hast du dich versteckt?

Kirschblüten, die jetzt herumfliegen

An den Berghängen?

Nicht nur der Glanz liegt uns am Herzen,-

Und der Moment des Verblassens ist bewundernswert!(klicken)

Tsurayuki (Markova)

-Ein künstlerisch-poetisches Symbol Russlands?

wurde zu einer weißstämmigen Birke (Folie 15) Aber wächst es nicht auch in den Ausläufern des Kaukasus und der Alpen, im nebligen England und im fernen Kanada? Es wächst natürlich. Aber nur in Russland wurde die Birke auf besondere Weise geliebt und besungen, ehrfürchtig und mit Inspiration. (klicken)

Künstler I. Grabar () (Folie 16) sagte:

„Was gibt es Schöneres als eine Birke,(klicken)Der einzige Baum in der Natur, dessen Stamm strahlend weiß ist, während alle anderen Bäume auf der Welt dunkle Stämme haben.(klicken)Fantastischer, übernatürlicher Baum, Märchenbaum. Ich habe mich leidenschaftlich in die russische Birke verliebt und lange Zeit fast nur sie bemalt.“(klicken)

Und er ist nicht der Einzige. Berühmtes Gemälde Kuindzhi (Folie 17)„Birkenhain“ (klicken) Viele Künstler, Dichter und Komponisten komponierten Werke zu Ehren der Birke. Sie wurde zur wahren Verkörperung und zum Symbol Russlands. (Folie 18)

Mein Rus, ich liebe deine Birken,

Von den ersten Jahren an, in denen ich mit ihnen gelebt und aufgewachsen bin,

Deshalb kommen Tränen

Auf von Tränen entwöhnten Augen!

N. Rubtsov

Und die berühmte Poesie von Sergei Yesenin, (Folie 19) Sie kennen sich zweifellos auch aus (klicken)

Kinder lesen.

7. Der weißhaarige und blonde Mann verliebte sich nicht nur wegen seiner festlichen Schönheit (Folie 20) Birke für das russische Volk. Seit der Antike ist sie ein Freundbaum. (klicken)Bauern stellten Körbe, Kisten und Bastschuhe aus Birkenrinde her. (klicken)Birkenrinde (Birkenrinde) war in Russland das Hauptmaterial, auf dem sie lernten, Briefe zu schreiben, Briefe zu schreiben ... (Folie 21)

8. Nach einem langen Winter erwachte die Birke als erste, (Folie 22) und deshalb wurde es als Symbol für Schönheit und blühende Natur wahrgenommen. In Russland glaubte man, dass Birke (klicken)kann Sie vor Hexenzaubern auf Trinity retten (Folie 23) Sie stellten Birkenschmuck her, um sich vor dem bösen Blick zu schützen. Zwei Tage vor der Dreifaltigkeit, am Semik – einem Feiertag für Mädchen – wurden die Häuser mit Birkenzweigen geschmückt, und im Wald kräuselten sie sich Kränze auf Zweigen, (klicken)Sie flochten ihre Zöpfe mit Bändern, banden die Wipfel zweier Birken so zusammen, dass ein Tor entstand – ein symbolischer, magischer Kreis. (klicken)Im Schatten der Birken tanzten sie im Kreis, sangen Lieder, spielten Spiele, warfen Birkenkränze ins Wasser und erzählten damit Wahrsagereien. Wo der Kranz schwebt, wird das Mädchen heiraten. IN Volkssprichwörter, Lieder, Tänze, Werke der dekorativen und angewandten Kunst wandten sich besonders oft diesem poetischen Bild zu.

Produkte aus Birkenrinde und Birkenholz. (Folie 24+19 Klicks)

(Folie 25) Hausaufgaben:

Erzählen Sie uns von den künstlerischen Symbolen der Völker der Welt, die in unserer Lektion nicht erwähnt wurden.

Wesentliche Vielfalt oder semantische Modifikation, künstlerisches Bild, sondern auch sein spiritueller Kern ist künstlerisches Symbol, Handeln in der Ästhetik einer der bedeutenden Kategorien. Im Inneren des Bildes stellt es die wesentliche Komponente dar, die auf analytischer Ebene nur schwer zu isolieren ist und gezielt eingesetzt werden kann richtet sich auf Geist des Empfängers spirituelle Realität, nicht im Kunstwerk selbst enthalten. Beispielsweise basiert das künstlerische Bild selbst in den bereits erwähnten „Sonnenblumen“ von Van Gogh in erster Linie auf dem visuellen Bild eines Sonnenblumenstraußes in einem Keramikkrug und beschränkt sich für die meisten Betrachter möglicherweise darauf. Auf einer tieferen Ebene der künstlerischen Wahrnehmung bei Rezipienten mit erhöhter künstlerischer und ästhetischer Sensibilität beginnt sich dieses Primärbild zu einem künstlerischen Symbol zu entfalten, das sich jeglicher verbalen Beschreibung entzieht, aber dem Geist des Betrachters die Tore zu anderen Realitäten öffnet. völlig umsetzen Ereignis ästhetischer Wahrnehmung dieses Bildes. Ein Symbol als tiefe Vollendung eines Bildes, sein wesentlicher künstlerischer und ästhetischer (nicht verbalisierbarer!) Inhalt zeugt von der hohen künstlerischen und ästhetischen Bedeutung des Werkes, der hohen Begabung oder gar Genialität des Meisters, der es geschaffen hat. Unzählige Kunstwerke auf durchschnittlichem (wenn auch gutem) Niveau haben in der Regel nur ein künstlerisches Bild, aber kein Symbol. Sie verleiten den Empfänger nicht dazu höhere Stufen spirituelle Realität, sondern beschränken sich auf die emotionale, psychologische und sogar physiologische Ebene der Psyche des Empfängers. Fast die meisten Werke der realistischen und naturalistischen Strömungen, Komödien, Operetten und die gesamte Massenkunst befinden sich auf dieser Ebene – sie haben künstlerische Bilder, sind aber frei von künstlerischer Symbolik. Es ist nur typisch für hoch Kunst jeglicher Art und heiliger Kult Werke von hoher künstlerischer Qualität.

Darüber hinaus gibt es in der Weltkunst ganze Klassen von Kunstwerken (und manchmal ganze große Epochen – zum Beispiel die Kunst). Antikes Ägypten), in dem das künstlerische Bild praktisch auf das Symbolische reduziert wird. Absolute Beispiele solcher Kunst sind gotische Architektur, byzantinisch-russisch Symbol die Zeit ihrer Blütezeit (XIV.-XV. Jahrhundert für Russland) oder die Musik Bachs. Man kann viele weitere spezifische Kunstwerke aus fast allen Arten und Epochen der Geschichte zitieren symbolisches künstlerisches Bild, oder künstlerisches Symbol. Hier stellt es eine konkret geformte, sinnlich wahrgenommene Realität dar, die mehr gerichtet ist als ein Bild und den Empfänger im Prozess der nicht-utilitaristischen, spirituell aktiven Betrachtung des Werks auf die spirituelle Realität verweist. Im Prozess der ästhetischen Kommunikation mit einem Symbol entsteht eine einzigartige überdichte figurativ-semantische Substanz ästhetischen Seinsbewusstseins, die die Absicht hat, sich in eine andere Realität, in einen integralen spirituellen Kosmos, in eine grundsätzlich nicht verbalisierbare Vielschichtigkeit zu entfalten. ebene semantischer Raum, ein eigenes Bedeutungsfeld für jeden Empfänger, Eintauchen in das ihm ästhetisches Vergnügen, spirituelle Freude, ein Gefühl der Freude aus dem Gefühl einer tiefen, unverschmelzten Verschmelzung mit diesem Feld, Auflösung darin unter Beibehaltung des persönlichen Selbstbewusstseins bereitet und intellektuelle Distanz.

Im künstlerisch-semiotischen Bereich liegt ein Symbol irgendwo zwischen einem künstlerischen Bild und einem Zeichen. Ihr Unterschied zeigt sich im Grad der Isomorphie und semantischen Freiheit, in der Ausrichtung auf unterschiedliche Wahrnehmungsebenen des Rezipienten, im Niveau der spirituellen und ästhetischen Energie. Der Grad der Isomorphie betrifft hauptsächlich die äußere Form der entsprechenden semantischen Strukturen und nimmt von mimetisch (in im engeren Sinne Begriff Mimesis) künstlerisches Bild (hier erreicht es seine höchste Grenze in dem, was als bezeichnet wird Ähnlichkeit)über ein künstlerisches Symbol zu einem konventionellen Zeichen, das in der Regel keine Isomorphie in Bezug auf das Signifikat aufweist. Der Grad der semantischen Freiheit ist für ein Symbol am höchsten und wird maßgeblich von einer bestimmten „Identität“ (Schelling), „Gleichgewicht“ (Losev) der „Idee“ und dem äußeren „Bild“ des Symbols bestimmt. In einem Zeichen und einem künstlerischen Bild ist es niedriger, weil in einem Zeichen (= in einem philosophischen Symbol, und auf der Ebene der Kunst - in einer mit einem Zeichen identischen Funktion Allegorien) es wird im Wesentlichen durch eine abstrakte, abstrakte Idee begrenzt, die das Bild dominiert, und im künstlerischen Bild ist es umgekehrt. Mit anderen Worten, in einem Zeichen (gleich einer Allegorie) steckt eine rationale Idee, und in den Bildern der (klassischen) Kunst schränkt ein ziemlich hoher Grad an Isomorphie mit dem Prototyp die semantische Freiheit dieser semiotischen Formationen im Vergleich zu einer künstlerischen ein Symbol.

Dementsprechend orientieren sie sich an unterschiedlichen Wahrnehmungsebenen: einem Zeichen (Allegorie) – dem rein Rationalen, und einem künstlerischen Bild und Symbol – dem Geistig-Ästhetischen. Darüber hinaus ist das Symbol (überall, wie im Fall des Bildes, wir reden überÖ künstlerisch Symbol) hat einen stärkeren Fokus auf die höheren Ebenen der spirituellen Realität als ein Bild, dessen künstlerisches und semantisches Feld viel breiter und vielfältiger ist. Schließlich ist das Niveau der spirituell-ästhetischen (meditativen) Energie eines Symbols höher als das eines Bildes; es ist, als ob er sich ansammelt die Energie des Mythos, eine der Emanationen, die in der Regel auftritt. Das Symbol richtet sich eher an Empfänger mit erhöhter spiritueller und ästhetischer Sensibilität, was von den Theoretikern des Symbolismus und russischen religiösen Denkern des frühen 20. Jahrhunderts deutlich gespürt und in ihren Texten zum Ausdruck gebracht wurde, was wir bereits mehrfach gesehen haben und worauf wir näher eingehen werden Hier.

Das Symbol enthält in sich selbst in einer zusammengebrochenen Form und offenbart dem Bewusstsein etwas, das an sich für andere Formen und Methoden der Kommunikation mit der Welt, in der es sich befindet, unzugänglich ist. Daher kann es in keiner Weise auf die Konzepte der Vernunft oder auf andere (von ihm verschiedene) Methoden der Formalisierung reduziert werden. Die Bedeutung eines Symbols ist von seiner Form untrennbar, sie existiert nur in ihm, scheint durch sie hindurch, entfaltet sich aus ihr, denn nur in ihr, in ihrer Struktur, enthält sie etwas organisch Inhärentes (zum Wesen gehörendes) des Symbolisierten. Oder wie A.F. es formulierte Losev: „Der Signifikant und das Signifikat sind hier gegenseitig umkehrbar. Die Idee ist konkret, sinnlich gegeben, es gibt nichts Visuelles darin, was nicht auch im Bild wäre, und umgekehrt“ 276.

Unterscheidet sich ein künstlerisches Symbol von einem philosophischen Symbol (= Zeichen) auf der semantischen Ebene, dann unterscheidet es sich gewissermaßen von kulturellen, mythologischen und religiösen Symbolen im Wesentlichen bzw. substantiell. Ein künstlerisches oder ästhetisches Symbol ist ein dynamischer, schöpferischer Mittler zwischen dem Göttlichen und dem Menschlichen, Wahrheit und Erscheinung (Erscheinung), Idee und Phänomen auf der Ebene der spirituellen und ästhetischen Erfahrung, des ästhetischen Bewusstseins (d. h. auf der semantischen Ebene). Im Lichte eines künstlerischen Symbols werden integrale spirituelle Welten dem Bewusstsein offenbart, nicht erforscht, nicht offenbart, nicht ausgesprochen und nicht auf andere Weise beschrieben.

Darüber hinaus haben wiederum religiös-mythologische Symbole (oder allgemein kulturelle, archetypische) erheblich oder zumindest Energie Gemeinsamkeit mit dem Symbolisierten. Das christliche Denken hat sich seit den Zeiten der Patristik dem Wesen dieses Verständnisses des Symbols genähert, am deutlichsten wurde es jedoch von Pater Dr. Pavel Florensky, Er stützte sich einerseits auf die Erfahrung der Patristik und andererseits auf die Theorien seiner symbolistischen Zeitgenossen, insbesondere seines Lehrers Vyach. Iwanow hingegen.

Er war überzeugt, „dass in einem Namen das ist, was benannt wird, in einem Symbol das, was symbolisiert wird, in einem Bild die Realität dessen, was dargestellt wird.“ gegenwärtig, und deshalb das Symbol Es gibt symbolisiert“ 277. In seinem Werk „Imeslavie als philosophische Prämisse“ gab Florensky eine der prägnantesten Definitionen eines Symbols, die seine Doppelnatur zeigt: „Sein, das größer ist als es selbst – das ist die Hauptdefinition eines Symbols A.“ Symbol ist etwas, das etwas darstellt, was er selbst nicht ist, größer als er selbst und dennoch im Wesentlichen durch ihn manifestiert wird: Ein Symbol ist eine Essenz, deren Energie mit der Energie von etwas verschmolzen oder, genauer gesagt, aufgelöst ist Die andere, in dieser Hinsicht wertvollere Essenz wird somit in dir selbst getragen“ 278.

Ein Symbol ist laut Florensky grundsätzlich antinomisch, diese. bringt Dinge zusammen, die sich aus der Sicht des eindimensionalen diskursiven Denkens gegenseitig ausschließen. Daher ist seine Natur für einen Menschen der modernen europäischen Kultur schwer zu verstehen. Für das Denken der alten Menschen stellte das Symbol jedoch keine Schwierigkeiten dar, da es oft das Hauptelement dieses Denkens war. Jene Personifizierungen der Natur in der Volksdichtung und in der Poesie der Antike, die heute als Metaphern wahrgenommen werden, sind keineswegs solche, glaubte Florensky, sie sind es genau Symbole im oben genannten Sinne und nicht „Verzierungen und Würzungen des Stils“, nicht rhetorische Figuren. „...Für den antiken Dichter war das Leben der Elemente kein Stilphänomen, sondern ein sachlicher Ausdruck des Wesens.“ Für einen modernen Dichter durchbrechen „diese tiefen Schichten des spirituellen Lebens nur in Momenten besonderer Inspiration die Kruste der fremden Weltanschauung unserer Moderne, und in verständlicher Sprache erzählt uns der Dichter von einem für uns unverständlichen Leben mit allen Kreaturen.“ unserer eigenen Seele“ 279 .

Das Symbol im Verständnis von Pater Dr. Paulus hat „zwei Schwellen der Empfänglichkeit“ – eine obere und eine untere –, innerhalb derer er immer noch ein Symbol bleibt. Die obere schützt das Symbol vor „Übertreibung der natürlichen Mystik der Materie“, vor „Naturalismus“, wenn das Symbol vollständig mit dem Archetyp identifiziert wird. Die Antike verfiel oft in dieses Extrem. Das New Age ist dadurch gekennzeichnet, dass es über die Untergrenze hinausgeht, wenn die objektive Verbindung zwischen dem Symbol und dem Archetyp unterbrochen wird, ihre gemeinsame Substanz-Energie ignoriert wird und das Symbol nur als Zeichen des Archetyps und nicht als materielles Element wahrgenommen wird. Energieträger.

Ein Symbol, so ist Florensky überzeugt, ist „das Erscheinen außerhalb des innersten Wesens“, die Entdeckung des Wesens selbst, seine Verkörperung in der äußeren Umgebung. In diesem Sinne fungiert Kleidung beispielsweise in der sakralen und weltlichen Symbolik als Symbol des Körpers. Nun, die ultimative Manifestation eines solchen Symbols in der Kunst ist laut Florensky und den alten Kirchenvätern: Symbol als ideales sakrales-künstlerisches Phänomen, ausgestattet mit der Energie eines Archetyps.

Das Ergebnis auf dem Gebiet der philosophischen Suche nach dem Verständnis des künstlerischen Symbols wurde in einer Reihe von Werken zusammengefasst A.F. Losev, genau wie Florensky, der sich selbst betrachtete Symbolist. In „Dialektik der künstlerischen Form“ zeigt er, wie wir gesehen haben, die Ontologie der Entfaltung einer Ausdrucksreihe vom Ersten bis zum Eidos – Mythos – Symbol – Persönlichkeit usw. Das Symbol erscheint daher im frühen Losev als Emanation oder Ausdruck, Mythos. „Endlich unter Symbol Ich verstehe diese Seite Mythos, was konkret ist ausdrücken. Ein Symbol ist die semantische Ausdruckskraft eines Mythos, oder äußerlich offenbartes Gesicht des Mythos„280. Mit Hilfe eines Symbols erreicht der wesentliche Ausdruck erstmals die Ebene der äußeren Manifestation. Der Mythos als Grundlage und tiefes Leben des Bewusstseins manifestiert sich äußerlich im Symbol und macht es (das Symbol) tatsächlich aus. Lebensgrundlage, seine Bedeutung, sein Wesen. Losev spürt diese Dialektik von Mythos und Symbol zutiefst und ist bestrebt, sie auf der verbalen Ebene so genau wie möglich zu erfassen. „Das Symbol ist das Eidos des Mythos, Mythos als Eidos, das Gesicht des Lebens. „Mythos ist das Innenleben eines Symbols – das Element des Lebens, das sein Gesicht und seine äußere Erscheinung hervorbringt“ 281. So fand im Mythos die wesentliche Bedeutung oder Eidos eine tiefe Verkörperung im „Element des Lebens“ und erhielt im Symbol eine äußere Bedeutung Ausdruck, diese. offenbarte sich tatsächlich darin künstlerische Realität.

Losev beschäftigte sich sein ganzes Leben lang mit dem Problem des Symbols. In einem seiner späteren Werke, „The Problem of Symbol and Realistic Art“ (1976), fasst er seine Forschungen wie folgt ausführlich zusammen:

„1) Das Symbol einer Sache ist in Wirklichkeit ihre Bedeutung. Dies ist jedoch die Bedeutung, die sie konstruiert und in einem Modell erzeugt. Gleichzeitig ist es unmöglich, sich mit der Tatsache zu befassen, dass das Symbol einer Sache ist seine Reflexion, oder auf der Tatsache, dass das Symbol einer Sache die Sache selbst erzeugt. Und in beiden Fällen geht die Spezifität des Symbols verloren und seine Beziehung zur Sache wird im Stil des metaphysischen Dualismus oder Logizismus interpretiert Das Symbol einer Sache ist jedoch nicht passiv, nicht tot, sondern eines, das Kraft und Kraft in sich trägt, denn sobald die Reflexion aufgenommen wird, wird sie im Bewusstsein verarbeitet und im Denken analysiert , von allem Zufälligen und Unwichtigen befreit und erreicht nicht nur die Reflexion der sinnlichen Oberfläche der Dinge, sondern auch ihrer inneren Muster. In diesem Sinne müssen wir verstehen, dass das Symbol einer Sache in diesem Fall „erzeugt“. bedeutet „dasselbe objektive Ding, aber in seiner inneren Regelmäßigkeit und nicht im Chaos zufälliger Anhäufungen.“ vage und chaotisch.

2) Das Symbol einer Sache ist ihre Verallgemeinerung. Diese Verallgemeinerung ist jedoch nicht tot, nicht leer, nicht abstrakt und nicht steril, sondern eine, die es erlaubt oder vielmehr sogar befiehlt, zu den Dingen zurückzukehren, die verallgemeinert werden, und ihnen ein semantisches Muster einzuführen. Mit anderen Worten: Die Gemeinschaft, die im Symbol steckt, enthält bereits implizit alles, was symbolisiert wird, auch wenn es unendlich ist.

3) Das Symbol einer Sache ist ihr Gesetz, aber ein solches Gesetz, das die Dinge auf semantische Weise entstehen lässt und ihre ganze empirische Konkretheit intakt lässt.

4) Das Symbol einer Sache ist die natürliche Ordnung einer Sache, jedoch in der Form gegeben allgemeines Prinzip semantische Konstruktion in Form eines Modells, das sie generiert.

5) Das Symbol einer Sache ist ihr innerlich-äußerlicher Ausdruck, der jedoch nach dem allgemeinen Prinzip seiner Gestaltung gestaltet ist.

6) Das Symbol einer Sache ist ihre Struktur, aber nicht einzeln oder isoliert, sondern aufgeladen mit einer endlichen oder unendlichen Reihe entsprechender individueller Manifestationen dieser Struktur.

7) Das Symbol einer Sache ist ihr Zeichen, jedoch nicht tot und bewegungslos, sondern das zahlreiche, vielleicht unzählige, regelmäßige und individuelle Strukturen entstehen lässt, die von ihm bezeichnet werden Gesamtansicht als abstrakt gegebene ideologische Bildsprache.

8) Das Symbol einer Sache ist ihr Zeichen, das nichts mit dem unmittelbaren Inhalt der hier bezeichneten Einheiten zu tun hat, sondern diese unterschiedlichen und gegensätzlich bezeichneten Einheiten werden hier durch das allgemeine Konstruktionsprinzip definiert, das sie zu a macht einzelne Ganzheit, auf eine bestimmte Weise ausgerichtet.

9) Das Symbol einer Sache ist Identität, die Durchdringung der bezeichneten Sache und der ideologischen Bildsprache, die sie bezeichnet, aber diese symbolische Identität ist eine einzige Ganzheit, definiert durch das eine oder andere einzelne Prinzip, das sie erzeugt und in ein endliches oder endliches verwandelt unendliche Reihe verschiedener natürlich gewonnener Einheiten, die in der allgemeinen Identität des Prinzips oder Modells, das sie hervorgebracht hat, als etwas Gemeinsames verschmelzen Grenze ". 282

In der Geschichte des ästhetischen Denkens wurde der klassische Symbolbegriff, wie wir oben bereits besprochen haben, am weitesten von den Symbolisten des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts entwickelt. Im 20. Jahrhundert Der Symbolbegriff nimmt in der hermeneutischen Ästhetik einen herausragenden Platz ein. Insbesondere, G.G. Gadamer glaubte, dass das Symbol einigermaßen identisch sei Spiel; es verweist den Wahrnehmenden nicht auf etwas anderes, wie viele Symbolisten glaubten, sondern es selbst verkörpert seine Bedeutung, es selbst offenbart seine Bedeutung, genau wie das darauf basierende Kunstwerk, d. h. stellt eine „Steigerung des Seins“ dar. Damit markiert Gadamer die Zerstörung des traditionellen klassischen Verständnisses des Symbols und skizziert neue nichtklassische Zugänge dazu, auf deren semantischen Variationen die Ästhetik der Postmoderne und viele Kunstpraktiken der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts basieren werden.

In der nichtklassischen Ästhetik traditionelle Kategorien des Künstlerischen Bild Und Symbol werden oft vollständig durch das Konzept verdrängt und ersetzt Simulakrum- „Ähnlichkeit“, die keinen Prototyp, Archetyp hat. Einige Denker der Postmoderne behalten die Konzepte von Symbol und Symbolik bei, füllen sie jedoch im Sinne der strukturpsychoanalytischen Theorie mit unkonventionellen Inhalten. Insbesondere, J. Lacan begreift das Symbolische als ein primäres Universelles in Bezug auf Sein und Bewusstsein und erzeugt das gesamte semantische Universum der symbolischen Sprache als das einzig Reale und der menschlichen Wahrnehmung zugängliche, indem es die Person selbst durch den Akt ihrer Benennung hervorbringt.

Kanon

Für eine Reihe von Epochen und Bewegungen in der Kunst, in denen das künstlerische Symbol und nicht das Bild vorherrschte, spielten kanonisches künstlerisches Denken, die Normierung der Kreativität und die Kanonisierung des Systems visueller und ausdrucksstarker Mittel und Prinzipien eine herausragende Rolle im Kreativen Verfahren. Also zunächst auf der Ebene der impliziten Ästhetik Kanon wurde zu einer der wesentlichen Kategorien der klassischen Ästhetik und definierte eine ganze Klasse von Phänomenen in der Kunstgeschichte. In der Regel handelt es sich dabei um ein System innerer gestalterischer Regeln und Normen, die in einer bestimmten historischen Epoche oder in einer bestimmten künstlerischen Richtung die Kunst beherrschen und die grundlegenden strukturellen und konstruktiven Muster bestimmter Kunstgattungen festlegen.

Kanonizität ist in erster Linie der Antike inhärent und mittelalterliche Kunst. In der bildenden Kunst ist seit dem alten Ägypten ein Kanon der Proportionen etabliert. menschlicher Körper, das von den antiken griechischen Klassikern neu interpretiert und vom Bildhauer Polykletus (5. Jahrhundert v. Chr.) in der Abhandlung „Kanon“ theoretisch fixiert und in der Statue „Doriphoros“, auch „Kanon“ genannt, praktisch verkörpert wurde. Das von Polykletus entwickelte System der idealen Proportionen des menschlichen Körpers wurde zur Norm für die Antike und mit einigen Änderungen auch für die Künstler der Renaissance und des Klassizismus. Vitruv verwendete den Begriff „Kanon“ auf eine Reihe von Regeln für architektonische Kreativität. Cicero verwendete das griechische Wort „Kanon“, um ein Maß für den Stil zu bezeichnen rednerische Rede. In der Patristik Kanon war die Bezeichnung für den durch Kirchenkonzile legitimierten Textbestand der Heiligen Schrift.

In der bildenden Kunst des östlichen und europäischen Mittelalters, insbesondere im Kult, etablierte sich ein ikonografischer Kanon. Die wesentlichen Kompositionsschemata und die entsprechenden Bildelemente bestimmter Charaktere, ihrer Kleidung, Posen, Gesten, Landschafts- oder Architekturdetails wurden im Prozess jahrhundertealter künstlerischer Praxis seit dem 9. Jahrhundert entwickelt. wurden als kanonisch etabliert und dienten bis ins 17. Jahrhundert als Vorbilder für Künstler der Länder des ostchristlichen Raumes. Auch der Gesang und das poetische Schaffen von Byzanz gehorchten seinen Kanonen. Insbesondere eine der komplexesten Formen der byzantinischen Hymnographie (8. Jahrhundert) wurde „Kanon“ genannt. Es bestand aus neun Liedern, von denen jedes eine spezifische Struktur hatte. Die erste Strophe jedes Liedes (irmos) wurde fast immer auf der Grundlage von Themen und Bildern komponiert Altes Testament In den übrigen Versen wurden die Themen des Irmos poetisch und musikalisch entwickelt. In der westeuropäischen Musik des XII-XIII Jahrhunderts. Unter dem Namen „Kanon“ wird eine besondere Form der Polyphonie entwickelt. Seine Elemente blieben bis ins 20. Jahrhundert in der Musik erhalten. (in P. Hindemith, B. Bartok, D. Schostakowitsch und anderen). Die kanonische Normierung der Kunst in der Ästhetik des Klassizismus ist bekannt und entwickelt sich häufig zu einem formalisierenden Akademismus.

Das Problem des Kanons wurde in der ästhetischen und kunsthistorischen Forschung erst im 20. Jahrhundert auf eine theoretische Ebene gehoben; am produktivsten in den Werken von P. Florensky, S. Bulgakov, A. Losev, Yu. Lotman und anderen russischen Wissenschaftlern. Florensky und Bulgakov betrachteten das Problem des Kanons in Bezug auf die Ikonenmalerei und zeigten, dass der ikonografische Kanon die jahrhundertealte spirituell-visuelle Erfahrung der Menschheit (die kollektive Erfahrung der Christen) beim Eindringen in die göttliche Welt festigte, die „die“ maximal befreite schöpferische Energie des Künstlers für neue Errungenschaften, für kreative Aufschwünge“ 283 . Für Bulgakow war der Kanon eine der wesentlichen Formen der „kirchlichen Tradition“.

Losev definierte den Kanon als „ein quantitatives und strukturelles Modell eines Kunstwerks eines solchen Stils, das als gewisser soziohistorischer Indikator als Prinzip für die Konstruktion einer bekannten Reihe von Werken interpretiert wird“284. Lotman interessierte sich für den informationssemiotischen Aspekt des Kanons. Er glaubte, dass der kanonisierte Text nicht nach dem Vorbild der natürlichen Sprache, sondern „nach dem Prinzip der musikalischen Struktur“ organisiert sei und daher nicht so sehr als Informationsquelle, sondern eher als Informationsquelle fungiere. Der kanonische Text ordnet die dem Subjekt zur Verfügung stehenden Informationen auf neue Weise neu, „kodiert seine Persönlichkeit neu“285.

Die Rolle des Kanons im Prozess der historischen Existenz der Kunst ist zweifach. Als Träger der Traditionen eines bestimmten künstlerischen Denkens und einer entsprechenden künstlerischen Praxis drückte der Kanon auf struktureller und konstruktiver Ebene das ästhetische Ideal einer bestimmten Epoche, Kultur, eines bestimmten Volkes, einer bestimmten künstlerischen Bewegung usw. aus. Das ist seine produktive Rolle in der Kulturgeschichte. Als sich mit dem Wandel der kulturellen und historischen Epochen das ästhetische Ideal und das gesamte System des künstlerischen Denkens veränderten, wurde der Kanon der vergangenen Epoche zu einer Bremse für die Entwicklung der Kunst und hinderte sie daran, ihre geistige und praktische Situation angemessen zum Ausdruck zu bringen Zeit. Im Prozess der kulturellen und historischen Entwicklung wird dieser Kanon durch neue kreative Erfahrungen überwunden. In einem bestimmten Kunstwerk ist das kanonische Schema nicht Träger der eigentlichen künstlerischen Bedeutung, die auf seiner Grundlage (in den „kanonischen“ Künsten – dank ihr) in jedem Akt künstlerischen Schaffens oder ästhetischer Wahrnehmung im Prozess entsteht der Bildung eines künstlerischen Bildes.

Die künstlerische und ästhetische Bedeutung des Kanons liegt darin, dass das kanonische Schema irgendwie materiell fixiert ist oder nur im Kopf des Künstlers (und in der Wahrnehmung der Träger einer bestimmten Kultur) existiert die konstruktive Grundlage eines künstlerischen Symbols, als würde es einen talentierten Meister dazu provozieren, es durch das System kaum wahrnehmbarer, aber künstlerisch bedeutsamer Abweichungen davon in den Nuancen aller Elemente der figurativen und ausdrucksstarken Sprache konkret in sich selbst zu überwinden. In der Psyche des Wahrnehmenden rief das kanonische Schema einen stabilen, für seine Zeit und Kultur traditionellen Informationskomplex hervor, und spezifische künstlerisch organisierte Variationen der Formelemente veranlassten ihn, sich eingehend mit einem scheinbar vertrauten, aber immer etwas neuen Bild zu befassen. danach streben, in seine wesentlichen, archetypischen Grundlagen einzudringen, um einige noch unbekannte spirituelle Tiefen zu entdecken.

Die Kunst der Neuzeit hat sich, beginnend mit der Renaissance, aktiv vom kanonischen Denken hin zu einer persönlichen und individuellen Art der Kreativität entwickelt. Die „konziliare“ Erfahrung wird durch die individuelle Erfahrung des Künstlers, seine ursprüngliche persönliche Vision der Welt und die Fähigkeit, diese in künstlerischen Formen auszudrücken, ersetzt. Und nur in schnell-Kultur, beginnend mit Pop-Art, Konzeptualismus, Poststrukturalismus und Postmodernismus, sind im System des künstlerischen und humanitären Denkens teilweise kanonische Prinzipien etabliert simulacra Kanon auf der Ebene konventioneller Prinzipien der Kreativität, wenn in den Bereichen der Kunstproduktion und ihrer verbalen Beschreibung (die neueste Kunsthermeneutik) einzigartige kanonische Techniken und Arten der Schaffung von Kunstprodukten und deren verbale Unterstützung Gestalt annehmen. Heute könnten wir über „Kanons“, genauer gesagt Quasi-Kanons der Pop-Art, des Konzeptualismus, der „neuen Musik“, der „fortgeschrittenen“ Kunstkritik, des philosophischen und ästhetischen Diskurses usw. sprechen, deren Bedeutung nur „Eingeweihten“ zugänglich ist ” in den „Regelspielen“ innerhalb dieser kanonisch-konventionellen Räume und ist für alle anderen Mitglieder der Gemeinschaft verschlossen, egal auf welchem ​​spirituellen, intellektuellen oder ästhetischen Entwicklungsstand sie sich befinden.

Stil

Eine weitere bedeutende Kategorie in der Kunstphilosophie und Kunstgeschichte ist Stil. Tatsächlich ist es mehr frei in Erscheinungsformen und eigentümlichen Modifikationen Kanon, etwas präziser - ziemlich stabil für eine bestimmte Periode der Kunstgeschichte, eine bestimmte Bewegung, Bewegung, Schule oder einen Künstler, schwer zu beschreiben mehrstufiges System von Prinzipien des künstlerischen Denkens, Methoden des figurativen Ausdrucks, Bild- und Ausdruckstechniken, konstruktive und formale Strukturen usw. Im XIX-XX Jahrhundert. Diese Kategorie wurde von vielen Historikern und Kunsttheoretikern, Ästhetikern und Philosophen energisch weiterentwickelt. Die Kunsthistorikerschule G. Wölfflin, A. Riegl und andere verstanden Stil als ein ziemlich stabiles System formaler Merkmale und Organisationselemente eines Kunstwerks (Fläche, Volumen, Bildhaftigkeit, Grafik, Einfachheit, Komplexität, offene oder geschlossene Form). usw.) und hielt es auf dieser Grundlage für möglich, die gesamte Kunstgeschichte als überindividuelle Stilgeschichte zu betrachten („Kunstgeschichte ohne Namen“ – Wölfflin). A.F. Losev definierte Stil als „das Prinzip, das gesamte Potenzial eines Kunstwerks auf der Grundlage seiner verschiedenen überstrukturellen und außerkünstlerischen Voraussetzungen und seiner primären Modelle zu konstruieren, die jedoch den künstlerischen Strukturen des Kunstwerks als immanent empfunden werden.“ Arbeit“ 286 .

U. Spengler In „Der Untergang Europas“ widmete er dem Stil als einem der wesentlichen und wesentlichen Merkmale der Kultur, ihrer bestimmten Epochenstadien, besondere Aufmerksamkeit. Für ihn ist Stil ein „metaphysischer Formsinn“, der von der „Atmosphäre der Spiritualität“ einer bestimmten Epoche bestimmt wird. Es hängt nicht von Persönlichkeiten, Materialien oder Kunstarten oder gar von Kunstrichtungen ab. Als eine Art metaphysisches Element einer bestimmten Kulturstufe schafft der „große Stil“ selbst Persönlichkeiten, Trends und Epochen in der Kunst. Gleichzeitig versteht Spengler Stil in einem viel weiteren Sinne als der künstlerischen und ästhetischen Bedeutung. „Stile folgen einander, wie Wellen und Pulsschläge. Sie haben nichts mit der Persönlichkeit einzelner Künstler, ihrem Willen und Bewusstsein zu tun. Im Gegenteil, es ist der Stil, der am meisten schafft.“ Typ Künstler. Stil ist wie Kultur ein Primärphänomen im strengsten Goetheschen Sinne, sei es der Stil der Künste, der Religionen, des Denkens oder der Lebensstil selbst. Stil ist wie „Natur“ eine immer neue Erfahrung des wachen Menschen, seines Alter Egos und Spiegelbildes in der Welt um ihn herum. Deshalb kann es im allgemeinen historischen Bild jeder Kultur nur einen Stil geben – Stil dieser Kultur“ 287 . Gleichzeitig ist Spengler mit der eher traditionellen Klassifizierung „großer Stile“ in der Kunstgeschichte nicht einverstanden. Er glaubt beispielsweise, dass Gotik und Barock keine unterschiedlichen Stile seien: „Sie sind Jugend und Alter derselben Formenreihe: der reifende und ausgereifte Stil des Westens“288. Der zeitgenössische russische Kunstkritiker V.G. Wlassow definiert Stil als „die künstlerische Bedeutung der Form“, wie Gefühl„ein Künstler und Betrachter der umfassenden Integrität des Prozesses künstlerischer Bildung in historischer Zeit und Raum.“ Stil ist eine künstlerische Zeiterfahrung.“ Er versteht Stil als „Kategorie künstlerischer Wahrnehmung“289. Und diese Reihe recht unterschiedlicher Definitionen und Verständnisse von Stil lässt sich fortsetzen 290.

Jeder von ihnen hat etwas gemeinsam und etwas, das anderen Definitionen widerspricht, aber im Allgemeinen wird davon ausgegangen, dass alle Forscher völlig ausreichend sind fühlen(innerlich verstehen) die tiefe Essenz dieses Phänomens, können es aber nicht genau in Worte fassen. Dies zeigt einmal mehr, dass Stil, wie viele andere Phänomene und Phänomene der künstlerischen und ästhetischen Realität, eine relativ subtile Angelegenheit ist, sodass er mehr oder weniger angemessen und eindeutig definiert werden kann. Hier sind nur einige zirkuläre Beschreibungsansätze möglich, die letztendlich in der Wahrnehmung des Lesers eine einigermaßen angemessene Vorstellung davon schaffen, wovon wir eigentlich sprechen.

Auf der Ebene Kulturepochen und Kunsttrends sprechen Forscher über die Kunststile des alten Ägypten, Byzanz, Romanik, Gotik, Klassizismus, Barock, Rokoko und Moderne. In Zeiten der Verwischung der globalen Stile einer Epoche oder einer großen Bewegung sprechen sie über die Stile einzelner Schulen (zum Beispiel für die Renaissance: die Stile von Siena, Venezianern, Florentinern und anderen Schulen) oder die Stile bestimmter Künstler (Rembrandt, Van Gogh, Gauguin, Bergman usw.).

In der Kunstgeschichte entstanden große Stile in der Regel in synthetischen Epochen, als die Hauptkünste gewissermaßen auf dem Prinzip einer Art Vereinigung um und auf der Grundlage der führenden Kunst, bei der es sich in der Regel um die Architektur handelte, gebildet wurden. Malerei, Skulptur, angewandte Künste, manchmal orientierte sich die Musik daran, d.h. über das System der Prinzipien der Arbeit mit Form und künstlerischem Bild (insbesondere Prinzipien der Raumorganisation), das in der Architektur auftaucht. Es ist klar, dass der Stil in der Architektur und anderen Kunstformen (genauso wie ein Lebensstil oder ein Denkstil – man spricht auch von solchen Stilen) historisch und intuitiv, unbewusst geformt wurde. Niemand hat sich jemals eine bestimmte Aufgabe gestellt: den einen oder anderen Stil zu schaffen, der sich durch diese oder jene Merkmale und Eigenschaften auszeichnet. Tatsächlich ist der „große“ Stil ein komplex vermitteltes Optimum künstlerische Darstellung und Ausdruck auf der Makroebene (der Ebene einer ganzen Epoche oder einer großen künstlerischen Bewegung) bestimmte wesentliche spirituelle, ästhetische, ideologische, religiöse, soziale, subjektpraktische Merkmale einer bestimmten historischen Menschengemeinschaft, einer bestimmten ethnohistorischen Kulturstufe; eine Art Makrostruktur des künstlerischen Denkens, angemessen für eine bestimmte soziokulturelle, ethnohistorische Gemeinschaft von Menschen. Auch bestimmte künstlerische Materialien, Techniken und Technologien zu deren Verarbeitung im kreativen Prozess können einen gewissen Einfluss auf den Stil haben.

Stil ist gewissermaßen ein materiell festgelegtes, relativ bestimmtes System visueller und ausdrucksstarker Prinzipien des künstlerischen Denkens, das von allen Rezipienten, die über ein gewisses Maß an künstlerischem Flair, ästhetischer Sensibilität und „Stilgefühl“ verfügen, gut und recht genau wahrgenommen wird; Dies ist eine gewisse mehr oder weniger deutlich spürbare Tendenz zur ganzheitlichen künstlerischen Bildung, die tiefe spirituell-plastische Intuitionen (kollektives künstlerisches Unbewusstes, plastische Archetypen, Prototypen, Kathedralenerlebnisse usw.) einer bestimmten Epoche, historischen Periode, Richtung, kreativen Persönlichkeit zum Ausdruck bringt hat den Geist der Zeit gespürt; das ist, bildlich gesprochen, ästhetischer Stil Epochen; optimal für eine bestimmte Epoche (Richtung, Schule, Persönlichkeit) Ästhetisches Ausstellungsmodell(System der Charakteristik Prinzipien der Organisation künstlerische Mittel und Ausdrucksmethoden), intern vergeistigt nonverbale Prinzipien, Ideale, Ideen und kreative Impulse aus den höchsten Ebenen der Realität, die für eine bestimmte Zeit lebenswichtig sind. Fehlt diese Spiritualität, verschwindet der Stil. Es bleiben nur seine äußeren Spuren: Art und Weise, System der Techniken.

Stil ist trotz aller Wahrnehmbarkeit eines hochentwickelten ästhetischen Sinns für seine Präsenz in bestimmten Kunstwerken, selbst bei „großen“ Stilphänomenen, nichts absolut Bestimmtes und „Reines“. Angesichts des Vorhandenseins und Vorherrschens einer vollständigen Reihe bestimmter vorherrschender Stilmerkmale in fast jedem Werk eines bestimmten Stils gibt es immer Elemente und Merkmale, die ihm zufällig und fremd sind, was nicht nur den „Stil“ nicht beeinträchtigt. eines bestimmten Werkes, sondern steigert im Gegenteil seine künstlerische Qualität, seine spezifische Lebendigkeit als ästhetisches Phänomen eines bestimmten Stils. Beispielsweise unterstreicht das Vorhandensein vieler romanischer Elemente in Denkmälern der gotischen Architektur nur den Ausdruck der gotischen Originalität dieser Denkmäler.

Zum Abschluss des Gesprächs über Stil möchte ich versuchen, etwas zu geben kurze Beschreibung Einer der „großen“ Stile, der gleichzeitig die Unzulänglichkeit einer solchen verbalen Beschreibung zeigt. Nehmen wir zum Beispiel gotisch– einer der größten internationalen Stile der entwickelten europäischen Kunst (kurze Beschreibung stilistischer Merkmale). Klassizismus Und Barock finden sich oben (Abschnitt Eins. Kapitel I. § 1), wo sie als Beschreibungen der Merkmale des künstlerischen und ästhetischen Bewusstseins der entsprechenden Kunstrichtungen erscheinen).

Gotik (der Begriff kommt von „Goten“ – ein allgemeiner Name, den die Römer den europäischen Stämmen gaben, die im 3.-5. Jahrhundert das Römische Reich eroberten, ein Synonym für „Barbaren“; als Merkmal der Kunst begannen Renaissance-Denker damit (im spöttisch abwertenden Sinne auf mittelalterliche Kunst anwenden), die im 13. und 15. Jahrhundert die westeuropäische Kunst dominierte, entstand als höchste, ultimative und angemessenste stilistische Form des künstlerischen Ausdrucks des Geistes selbst Christliche Kultur in seiner westlichen Modifikation (im Osten – im orthodoxen Raum – wurde ein ähnlicher Ausdruck zum byzantinischen Stil, der in Byzanz und den Ländern seines spirituellen Einflusses blühte – besonders aktiv bei den südslawischen Völkern und im alten Russland). Es entstand vor allem in der Architektur und verbreitete sich auf andere Kunstarten, die hauptsächlich mit dem christlichen Gottesdienst und der Lebensweise mittelalterlicher christlicher Stadtbewohner verbunden waren.

Die tiefe Bedeutung dieses Stils ist der konsequente künstlerische Ausdruck des Wesens der christlichen Weltanschauung, die darin besteht, den Vorrang des spirituellen Prinzips im Menschen und im Universum gegenüber dem Materiellen zu bekräftigen, mit einem inneren tiefen Respekt vor der Materie als Träger des spirituell, ohne und ohne das es auf der Erde nicht existieren kann. Gothic hat in dieser Hinsicht vielleicht das Beste erreicht, was in der christlichen Kultur möglich ist. Die Überwindung von Materie, Material, Dinghaftigkeit durch Geist, Spiritualität wurde hier mit erstaunlicher Kraft, Ausdruck und Konsequenz verwirklicht. Dies war in der Steinarchitektur besonders schwer zu erreichen, und hier erreichten die gotischen Meister den Höhepunkt ihrer Perfektion. Durch die sorgfältige Arbeit vieler Generationen von Bauherren, geleitet von einem einzigen Kathedralenkünstler ihrer Zeit, wurden immer wieder Wege gefunden, die schweren Steinstrukturen der Tempelgewölbe beim Übergang vom Kreuzgewölbe zum Rippengewölbe vollständig zu entmaterialisieren. in dem der Ausdruck konstruktiver Tektonik vollständig durch künstlerische Plastizität ersetzt wurde.

Dadurch sind die Schwere des Materials (Stein) und die Bautechniken, die auf die Überwindung seiner physikalischen Eigenschaften abzielen, für diejenigen, die den Tempel betreten, völlig verborgen. Der gotische Tempel wurde mit rein künstlerischen Mitteln (durch die Organisation des Innenraums und der äußeren plastischen Erscheinung) in ein besonderes skulpturales und architektonisches Phänomen der wesentlichen Transformation (Transformation) des irdischen Raum-Zeit-Kontinuums in einen völlig anderen Raum verwandelt – mehr erhaben, äußerst spirituell, in seiner inneren Ausrichtung irrational-mystisch. Letztlich dienen dazu alle grundlegenden künstlerischen und ausdrucksstarken (und sie sind auch konstruktiven und kompositorischen) Techniken und Elemente, die zusammen den gotischen Stil ausmachen.

Dazu gehören dünne, anmutige, komplex profilierte Säulen (im Gegensatz zu massiven romanischen Säulen), die sich zu fast unzugänglichen Höhen zu durchbrochenen, schwerelosen Spitzbogengewölben erheben und die Vorherrschaft der Vertikalen über die Horizontale, der Dynamik (Aufstieg, Aufrichtung) über der Statik und des Ausdrucks bekräftigen Frieden. Unzählige Spitzbögen und Gewölbe wirken in die gleiche Richtung, auf deren Grundlage der Innenraum des Tempels tatsächlich geformt wird; riesige, mit farbigem Buntglas gefüllte Lanzettenfenster, die im Tempel eine unbeschreibliche, ständig vibrierende und wechselnde, helle, surreale Atmosphäre schaffen; langgestreckte Kirchenschiffe, die den Geist des Betrachters auf einem schmalen, visuell nach oben gerichteten und weit entfernten Weg zum Altar führen (spirituell tragen sie auch zum Aufstieg, zur Erhebung nach oben, in einen anderen Raum bei); geschnitzte mehrblättrige Lanzett-Abschlussaltäre mit gotischen Bildern zentraler Ereignisse und Charaktere des Evangeliums und durchbrochene Lanzettenaltarbilder – Retabel (französisch: Retabel – hinter dem Tisch). Die Sitze im Altar und im Tempel, Dienst- und Gebrauchsgegenstände sowie Tempelutensilien sind in der gleichen spitz-länglichen Form gefertigt.

Gotische Kirchen sind innen und außen mit einer Vielzahl dreidimensionaler Skulpturen gefüllt, die wie die gotische Malerei in einer dem Naturalismus nahestehenden Weise gestaltet sind, was im Mittelalter auch durch die realistische Farbgebung der Skulpturen betont wurde. So entstand ein gewisser räumlich-ökologischer Gegensatz zwischen der äußerst irrationalen, nach mystischen Distanzen strebenden Architektur und der irdischen Skulptur und Malerei, die organisch konstruktiv in sie einfließt, ihr aber im Geiste entgegensteht. An künstlerisches Niveau(und das ist ein charakteristisches Merkmal des gotischen Stils) wurde die wesentliche Antinomie des Christentums zum Ausdruck gebracht: die Einheit gegensätzlicher Prinzipien im Menschen und in der irdischen Welt: Geist, Seele, Geistiges und Materie, Körper, Körperlich.

Gleichzeitig kann man nicht wörtlich vom Naturalismus der gotischen Skulptur und Malerei sprechen. Dabei handelt es sich um einen besonderen, künstlerisch inspirierten Naturalismus voller subtiler künstlerischer Materie, der den Geist des Wahrnehmenden in spirituelle und ästhetische Welten erhebt. Neben dem eigentümlichen Naturalismus der Mimik und Gestik der scheinbar statuarisch anmutenden Reihen gotischer Statuen ist man erstaunt über den Reichtum und die künstlerische Plastizität der Falten ihrer Kleidung, die einigen physisch unbedingten Kräften unterliegen; oder die exquisite Krümmung der Körper vieler gotischer Stehfiguren – die sogenannte Gotikkurve (S-förmige Krümmung der Figur). Die gotische Malerei unterliegt einigen besonderen Gesetzen des besonderen Farb-Form-Ausdrucks. Viele nahezu naturalistisch (oder illusorisch-fotografisch) dargestellte Gesichter, Figuren und Kleidungsstücke auf den Altargemälden verblüffen durch ihre überreale, überirdische Kraft. Ein herausragendes Beispiel hierfür ist die Kunst des niederländischen Künstlers Rogier van der Weyden und einiger seiner Schüler.

Die gleichen Stilmerkmale sind auch für das äußere Erscheinungsbild gotischer Tempel charakteristisch: skulpturaler, nach oben gerichteter Anspruch des gesamten Erscheinungsbildes durch die spitzen Formen von Bögen, Gewölben, allen kleinen architektonischen Elementen und schließlich riesigen Pfeilen, die durchbrochene Tempel wie gewebt krönen aus Steinspitzen, Türme, die rein dekorativen architektonischen Zwecken dienen; geometrisch präzise Fensterrosetten und dekorative, unzählige Ornamentdekorationen, die in einem einzigen architektonischen Gesamtorganismus mit der halbnaturalistischen Plastizität von Skulpturen und häufigen Pflanzenmustern von Zweigen und Blättern kontrastieren. Organische Natur und eine mathematisch verifizierte und geometrisch definierte Form bilden in der Gotik ein ganzheitliches, hochkünstlerisches und hochspirituelles Bild, das den Geist eines Gläubigen oder ästhetischen Subjekts auf andere Realitäten, auf andere Ebenen des Bewusstseins (oder Seins) orientiert, lenkt und erhebt. . Wenn wir dazu noch die Klangatmosphäre (die Akustik in gotischen Kirchen ist ausgezeichnet) der Orgel und des Kirchenchors hinzufügen, die beispielsweise gregorianische Gesänge aufführen, dann ist das Bild einiger wesentlicher Merkmale des gotischen Stils mehr oder weniger vollständig , wenn auch bei weitem nicht ausreichend.