Hilfe zu Tele2, Tarife, Fragen

„Kann sich ein Künstler vom Leben distanzieren? … Daran halte ich mich
der Glaube, dass ein Komponist, wie ein Dichter, Bildhauer, Maler, genannt wird
Diene dem Mann und dem Volk... Er ist zuallererst verpflichtet, Bürger zu sein
seine Kunst, das menschliche Leben zu verherrlichen und dazu zu führen
glänzende Zukunft ...“

Mit diesen Worten genialer Komponist Sergej Sergejewitsch Prokofjew
der Sinn und die Bedeutung seiner Arbeit, seines ganzen Lebens wird offenbart,
ständiger gewagter Suche unterworfen, immer neue Höhen erobernd
Möglichkeiten, Musik zu schaffen, die die Gedanken der Menschen zum Ausdruck bringt.

Sergej Sergejewitsch Prokofjew wurde am 23. April 1891 im Dorf Sontsovka geboren
in der Ukraine. Sein Vater fungierte als Verwalter des Anwesens. Schon in sehr jungen Jahren
Seryozha verliebte sich dank seiner guten Mutter in ernsthafte Musik
spielte Klavier. Schon als Kind komponierte das talentierte Kind Musik.
Prokofjew erhielt gute Ausbildung und beherrschte drei Fremdsprachen.
Schon sehr früh entwickelte er eigenständige und strenge Urteile über Musik
Einstellung zu Ihrer Arbeit. Im Jahr 1904 trat der 13-jährige Prokofjew in die Schule ein
St. Petersburger Konservatorium. Er verbrachte zehn Jahre innerhalb seiner Mauern. Ruf
Während seiner Studienzeit am Petersburger Konservatorium war Prokofjew sehr erfolgreich
hoch. Zu ihren Professoren zählten erstklassige Musiker wie z
als: N.A. Rimsky-Korsakov, A.K. Glasunow, A.K. Lyadov und in
Aufführungskurse - A.N. Esipova und L.S. Auer. Stammt aus dem Jahr 1908
Erste öffentliches Reden Prokofjew, der seine Werke aufführte
am Abend moderne Musik. Aufführung des Ersten Klavierkonzerts
mit Orchester (1912) in Moskau bescherte Sergej Prokofjew einen gewaltigen Erfolg
Ruhm. Die Musik überraschte mich mit ihrer außergewöhnlichen Energie und ihrem Mut. Real
In der rebellischen Kühnheit der Jugend ist eine kühne und fröhliche Stimme zu hören
Prokofjew. Asafiev schrieb: „Was für ein wunderbares Talent! Feurig,
lebensspendend, voller Kraft, Elan, mutigem Willen und fesselnd
Spontaneität der Kreativität. Prokofjew ist manchmal grausam, manchmal
unausgewogen, aber immer interessant und überzeugend.“

Neue Bilder von Prokofjews dynamischer, blendend heller Musik
geboren aus einer neuen Weltanschauung, der Ära der Moderne, dem 20. Jahrhundert. Nach
Nach seinem Abschluss am Konservatorium reiste der junge Komponist ins Ausland – nach London,
wo damals die Russlandtournee stattfand Balletttruppe organisiert
S. Diaghilew.

Der Auftritt des Balletts „Romeo und Julia“ stellt einen wichtigen Wendepunkt dar
Werke von Sergej Prokofjew. Es wurde zwischen 1935 und 1936 geschrieben. Libretto
entwickelt vom Komponisten zusammen mit dem Regisseur S. Radlov und
Choreograf L. Lavrovsky (L. Lavrovsky und führte die erste durch
Inszenierung des Balletts 1940 im Leningrader Opern- und Balletttheater
benannt nach S. M. Kirov). Überzeugt von der Sinnlosigkeit des Formalen
Durch das Experimentieren strebt Prokofjew danach, den lebenden Menschen zu verkörpern
Emotionen, Bestätigung des Realismus. Prokofjews Musik offenbart deutlich das Wesentliche
der Konflikt der Shakespeare-Tragödie – der Zusammenprall strahlender Liebe mit der Liebe der Vorfahren
Feindschaft der älteren Generation, die die Wildheit des Mittelalters charakterisiert
Lebensweise. Die Musik reproduziert die lebendigen Bilder von Shakespeares Helden, ihren
Leidenschaften, Impulse, ihre dramatischen Zusammenstöße. Ihre Form ist frisch und
selbstvergessene, dramatische und musikalisch-stilistische Bilder
abhängig vom Inhalt.

Die Handlung von „Romeo und Julia“ wurde oft angesprochen: „Romeo und Julia“ -
Ouvertüre-Fantasie von Tschaikowsky, dramatische Sinfonie mit Chor von Berlioz,
und auch - 14 Opern.

Prokofjews „Romeo und Julia“ ist eine reich entwickelte Choreografie
Drama mit einer komplexen Motivation für psychologische Zustände, eine Fülle klarer
Musikalische Porträts-Charakteristika. Das Libretto ist prägnant und überzeugend
zeigt die Grundlagen der Shakespeare-Tragödie. Es enthält das Wichtigste
Szenenfolge (nur einige Szenen wurden gekürzt - 5 Akte).
Die Tragödien sind in drei große Akte unterteilt.

In der Musik ist Prokofjew bestrebt, moderne Vorstellungen von der Antike zu vermitteln
(Die Ära der beschriebenen Ereignisse ist das 15. Jahrhundert). Menuett und Gavotte prägen
etwas Steifheit und konventionelle Anmut („Zeremonie“ der damaligen Zeit) in der Szene
Capulets Ball. Prokofjew verkörpert Shakespeares Werke anschaulich in der Musik
Kontraste von Tragik und Komik, Erhabenem und Possenreißer. Neben
dramatische Szenen - die fröhlichen Exzentrizitäten von Mercutio. Derbe Witze
Ammen. Erklingt die Scherzolinie in den Gemälden deutlich?????????????
Die Straße von Verona, im Possenreißer „Maskentanz“, in Julias Streiche, in
lustiges altes Damenthema der Krankenschwester. Eine typische Personifizierung von Humor -
Fröhlicher Mercutio.

Eines der wichtigsten dramatischen Mittel im Ballett „Romeo und Julia“
ist das Leitmotiv – das ist es nicht kurze Motive und die erweiterten Episoden
(zum Beispiel das Thema Tod, das Thema Untergang). Meist musikalische Porträts
Prokofjews Charaktere sind aus mehreren Themen gewoben, die unterschiedliche charakterisieren
Aspekte des Bildes – die Entstehung neuer Qualitäten des Bildes bewirkt das Erscheinen
neues Thema. Das deutlichste Beispiel für drei Liebesthemen als drei Entwicklungsstadien
Gefühle:

1 Thema – sein Ursprung;

2 Thema - Blüte;

Das dritte Thema ist seine tragische Intensität.

Den zentralen Platz in der Musik nimmt der lyrische Strom ein – das Thema Liebe,
den Tod besiegen.

Mit außergewöhnlicher Großzügigkeit schilderte der Komponist die Welt der Geisteszustände
Romeo und Julia (mehr als 10 Themen) zeichnet sich durch eine besonders vielschichtige Charakteristik aus
Juliet verwandelt sich von einem sorglosen Mädchen in ein starkes, liebevolles Mädchen.
Frau. Nach Shakespeares Plan ist das Bild von Romeo gegeben: zunächst er
umarmt romantische Sehnsüchte und zeigt dann feurige Begeisterung
ein Liebhaber und der Mut eines Kämpfers.

Die musikalischen Themen, die die Entstehung des Liebesgefühls skizzieren, sind transparent,
sanft; charakterisierend das reife Gefühl der Liebenden sind gefüllt mit saftigem,
harmonische Farben, scharf verchromt. Ein scharfer Kontrast zur Welt der Liebe
und jugendliche Streiche werden durch die zweite Linie – „die Linie der Feindschaft“ – die Elemente repräsentiert
blinder Hass und mittelalterlich????????? - die Todesursache von Romeo und
Julia. Das Thema des Streits im scharfen Leitmotiv der Feindschaft – ein formidabler Gleichklang
Bässe im „Tanz der Ritter“ und im Bühnenporträt von Tybalt -
die Verkörperung von Wut, Arroganz und Klassenarroganz in Kampfepisoden
Kämpfe im bedrohlichen Klang des Themas des Herzogs. Das Bild von Pater wird auf subtile Weise enthüllt
Lorenzo – ein humanistischer Wissenschaftler, Schutzpatron der Liebenden, in der Hoffnung, dass ihre
Liebe und Ehe werden verfeindete Familien versöhnen. Es gibt keine
kirchliche Heiligkeit, Distanziertheit. Sie betont Weisheit und Größe
Geist, Freundlichkeit, Liebe für Menschen.

Ballettanalyse

Das Ballett besteht aus drei Akten (der vierte Akt ist ein Epilog), zwei Nummern und neun
Gemälde

Akt I – Bilderausstellung, Bekanntschaft mit Romeo und Julia auf dem Ball.

Akt II. 4. Bild – helle Welt der Liebe, Hochzeit. 5 Bild -
eine schreckliche Szene der Feindseligkeit und des Todes.

Akt III. Szene 6 – Abschied. 7, 8 Gemälde – Julias Entscheidung
nimm einen Schlaftrank.

Epilog. Szene 9 – der Tod von Romeo und Julia.

Nr. 1 Die Einleitung beginnt mit dem 3. Thema der Liebe – hell und traurig; Bekanntschaft
mit Grundbildern:

2. Thema - mit dem Bild des keuschen Julia-Mädchens - anmutig und
schlau;

Thema 3 – mit dem Bild eines glühenden Romeo (Begleitung zeigt einen federnden
der Gang eines jungen Mannes).

1 Bild

Nr. 2 „Romeo“ (Romeo wandert durch die Stadt vor Tagesanbruch) – beginnt mit
zeigt den leichten Gang eines jungen Mannes – ein nachdenkliches Thema prägt ihn
romantischer Look.

Nr. 3 „Die Straße wacht auf“ – Scherzo – zur Melodie eines Tanzlagers,
zweite Synkopen, unterschiedliche tonale Gegenüberstellungen verleihen Würze,
Unfug als Symbol für Gesundheit, Optimismus – das Thema klingt anders
Schlüssel.

Nr. 4 „Morgentanz“ – charakterisiert die erwachende Straße, den Morgen
Trubel, scharfe Witze, lebhafte verbale Duelle – Scherzosn-Musik,
verspielt, die Melodie ist rhythmisch elastisch, tänzerisch und rauschend -
charakterisiert die Art der Bewegung.

Nr. 5 und 6 „Streit zwischen den Dienern der Montagues und den Capulets“, „Kampf“ – noch nicht gewalttätig
Wut, die Themen klingen großspurig, aber frech, setzen die Stimmung fort
„Morgentanz“ „Kampf“ – wie ein „Lernen“ – motorische Bewegung, Rasseln
Waffen, das Geräusch von Bällen. Hier taucht das Thema der Feindschaft zum ersten Mal auf, vergeht
polyphon.

Nr. 7 „Der Befehl des Herzogs“ – helle visuelle Mittel (theatralisch).
Effekte) – bedrohlich langsamer „Schritt“, scharfer dissonanter Klang (ff)
und umgekehrt, entladene, leere Tonika-Dreiklänge (pp) - scharf
dynamische Kontraste.

Nr. 8 Zwischenspiel – die angespannte Atmosphäre eines Streits entschärfen.

2 Bild

In der Mitte befinden sich zwei Gemälde „Porträt“ von Julia, einem verspielten, verspielten Mädchen.

Nr. 9 „Vorbereitungen für den Ball“ (Julia und die Krankenschwester) das Thema der Straße und
Das Thema der Krankenschwester, das ihren schlurfenden Gang widerspiegelt.

Nr. 10 „Julia das Mädchen“. Verschiedene Seiten des Bildes erscheinen scharf und
plötzlich. Die Musik ist in Rondo-Form geschrieben:

1 Thema – Die Leichtigkeit und Lebendigkeit des Themas kommt in einer einfachen Skala zum Ausdruck
„laufende“ Melodie, die ihren Rhythmus, ihre Schärfe und Beweglichkeit betont,
endet mit einer funkelnden Kadenz T-S-D-T, ausgedrückt durch Verwandte
Tonika-Dreiklänge – As, E, C, die sich in den Terzen nach unten bewegen;

2 Themen – Anmut von 2 Themen, vermittelt im Rhythmus der Gavotte (sanftes Bild).
Julia Mädchen) – die Klarinette klingt verspielt und spöttisch;

3 Thema – spiegelt subtile, reine Lyrik wider – als das bedeutendste
„Facette“ ihres Bildes (Änderung von Tempo, Textur, Klangfarbe - Flöte,
Celli) - klingt sehr transparent;

Thema 4 (Coda) – ganz am Ende (erklingt in Nr. 50 – Julia trinkt
Getränk) lässt das tragische Schicksal des Mädchens ahnen. Dramatische Aktion
entfaltet sich vor der festlichen Kulisse eines Balls im Capulet-Haus - jeder Tanz
hat eine dramatische Funktion.

Nr. 11 Gäste versammeln sich offiziell und feierlich zu den Klängen des „Menuetts“. IN
Im Mittelteil, melodisch und anmutig, treten junge Freunde auf
Julia.

Nr. 12 „Masken“ – Romeo, Mercutio, Benvolio in Masken – Spaß am Ball –
eine Melodie, die der Figur des fröhlichen Mercutio nahe kommt: ein skurriler Marsch
weicht einer spöttischen, komischen Serenade.

Nr. 13 „Tanz der Ritter“ – eine erweiterte Szene in Rondoform,
Gruppenporträt - ein verallgemeinerndes Merkmal von Feudalherren (wie
Merkmale der Familie Capulet und Tybalt).

Refren – ein springender punktierter Rhythmus im Arpeggio, kombiniert mit einem gemessenen
Der schwere Tritt des Basses erzeugt ein Bild von Rachsucht, Dummheit und Arroganz
- das Bild ist grausam und unversöhnlich;

Episode 1 – das Thema Feindschaft;

Folge 2 – Tanz von Julias Freunden;

Folge 3 – Julia tanzt mit Paris – eine fragile, raffinierte Melodie, aber
eingefroren und charakterisiert Julias Verlegenheit und Beklommenheit. Mitten drin
Das 2. Thema von Julia, dem Mädchen, erklingt.

Nr. 14 „Julia-Variation“. Thema 1 – Echos eines Tanzes mit dem Bräutigam-Geräusch –
Verlegenheit, Steifheit. Thema 2 – das Thema von Julia, dem Mädchen – erklingt
anmutig, poetisch. In der 2. Hälfte wird erstmals das Thema Romeo thematisiert
sieht Julia (aus der Einleitung) – im Rhythmus des Menuetts (sieht sie tanzen) und
das zweite Mal mit Romeos charakteristischer Begleitung (federnder Gang).

Nr. 15 „Mercutio“ – Porträt eines fröhlichen Kerls mit Witz – Scherzo-Satz
voller Textur, Harmonie und rhythmischer Überraschungen, verkörpernd
Brillanz, Witz, Ironie von Mercutio (als würde er hüpfen).

Nr. 16 „Madrigal“. Romeo spricht Julia an – 1 Themenklänge
„Madrigal“, das traditionelle zeremonielle Tanzbewegungen widerspiegelt und
gegenseitige Erwartung. Thema 2 bricht durch – freches Thema
Julia Mädchen (klingt lebhaft, lustig), 1 Liebesthema erscheint zum ersten Mal
- Herkunft.

Nr. 17 „Tybalt erkennt Romeo“ – die Themen Feindschaft und Ritter klingen bedrohlich.

Nr. 18 „Gavotte“ – Abschied der Gäste – traditioneller Tanz.

Liebesthemen werden in dem großen Heldenduett „Szene am Balkon“ weit verbreitet.
Nr. 19-21, abschließender Akt I.

Nr. 19. beginnt mit dem Thema von Romeo, dann dem Thema des Madrigals und dem Thema der 2. Julia. 1
Liebesthema (aus Madrigal) – klingt emotional aufgeregt (aus
Cello und Englischhorn). Diese ganze große Szene (Nr. 19 „Szene bei
Balcony“, Nr. 29 „Romeo Variation“, Nr. 21 „Love Dance“) ist einer Single untergeordnet
musikalische Entwicklung - mehrere Leitthemen sind ineinander verwoben, die sich nach und nach entwickeln
werden immer intensiver – in Nr. 21, „Love Dance“, erklingt es
enthusiastisch, ekstatisch und feierlich 2 Thema der Liebe (grenzenlos
Tonumfang) - melodisch und sanft. Im Code Nr. 21 – das Thema „Romeo sieht zum ersten Mal
Julia.“

3 Bild

Der zweite Akt ist voller Kontraste – Volkstänze umrahmen die Hochzeitsszene,
In der 2. Hälfte (Szene 5) weicht die festliche Atmosphäre der Tragik
ein Bild des Duells zwischen Mercutio und Tybalt und des Todes von Mercutio. Trauer
Die Prozession mit Tybalts Leichnam ist der Höhepunkt des zweiten Aktes.

4 Bild

Nr. 28 „Romeo bei Pater Lorenzo“ – Hochzeitsszene – Porträt von Pater Lorenzo
- ein weiser, edler, von Chor geprägter Mensch
ein Thema, das sich durch Sanftheit und Wärme der Intonation auszeichnet.

Nr. 29 „Julia mit Pater Lorenzo“ – die Entstehung eines neuen Themas in
Flöten (Julias Hauptklangfarbe) – Duett von Cello und Violine – leidenschaftlich
eine Melodie voller sprechender Intonationen – nah an der menschlichen Stimme, sozusagen
würde den Dialog von Romeo und Julia wiedergeben. Chormusik,
Die Begleitung der Hochzeitszeremonie rundet die Szene ab.

5 Bild

Im 5. Film gibt es eine tragische Wendung in der Handlung. Prokofjew meisterhaft
verkörpert das fröhlichste Thema – „Die Straße erwacht“, das in 5
Das Bild klingt düster und bedrohlich.

Nr. 32 „Treffen von Tybalt und Mercutio“ – das Thema der Straße ist verzerrt, ihre Integrität
zerstört – kleine, scharfe chromatische Echos, „heulendes“ Timbre
Saxophon

Nr. 33 „Tybalt kämpft mit Mercutio“-Themen charakterisieren Mercutio, der
kämpft schneidig, fröhlich, übermütig, aber ohne Bosheit.

Nr. 34 „Mercutio Dies“ – eine Szene, die Prokofjew großartig geschrieben hat
psychologische Tiefe, basierend auf einem ständig wachsenden Thema
Leiden (manifestiert in einer Nebenversion des Straßenthemas) - zusammen mit
Der Schmerzausdruck zeigt das Bewegungsmuster einer schwächelnden Person – unter Anstrengung
Mercutios Wille zwingt sich zum Lächeln (im Orchester finden sich Fragmente früherer Themen,
aber im entfernten oberen Register der hölzernen - Oboe und Flöte -
Wiederkehrende Themen werden durch Pausen unterbrochen, das Ungewöhnliche wird durch Fremde betont
Schlussakkorde: nach d-Moll - h- und es-Moll).

Nr. 35 „Romeo beschließt, den Tod von Mercutio zu rächen“ – Kampfthema aus Bild 1 –
Romeo tötet Tybalt.

Nr. 36 „Final“ – grandioses dröhnendes Kupfer, Dichte der Textur, eintönig
Rhythmus - näher an das Thema Feindschaft heranführen.

Akt III basiert auf der heroischen Entwicklung der Bilder von Romeo und Julia
ihre Liebe verteidigen – besonderes Augenmerk auf das Bild von Julia (tief
Die Charakterisierung von Romeo findet sich in der Szene „In Mantua“, in der Romeo verbannt wird – dies
die Szene wurde während der Aufführung des Balletts eingeführt und darin erklingen die Themen von Liebesszenen).
Im gesamten dritten Akt werden die Themen des Porträts von Julia, die Themen Liebe,
Er erhält ein dramatisches und trauriges Aussehen und einen neuen tragischen Klang
Melodien. Der dritte Akt unterscheidet sich von den vorherigen durch eine größere Kontinuität
End-to-End-Aktion.

6 Bild

Nr. 37 „Introduction“ gibt die Musik des beeindruckenden „Herzogsordens“ wieder.

Nr. 38 Julias Zimmer – die Atmosphäre wird mit den subtilsten Techniken wiederhergestellt
Stille, Nacht - Abschied von Romeo und Julia (der Flöten- und Celesta-Pass
Thema aus der Hochzeitsszene)

Nr. 39 „Farewell“ – ein kleines Duett voller verhaltener Tragik – neu
Melodie. Das Thema des Abschieds erklingt, drückt sowohl fatale Untergangsstimmung als auch Lebhaftigkeit aus
Impuls.

Nr. 40 „Krankenschwester“ – Thema der Krankenschwester, Thema des Menuetts, Thema der Freunde Julias –
charakterisieren das Haus Capulet.

Nr. 41 „Julia weigert sich, Paris zu heiraten“ – 1 Thema von Julia, dem Mädchen
- klingt dramatisch, ängstlich. 3. Thema von Julia – klingt traurig,
Eingefroren ist die Antwort die Rede von Capulet – das Thema der Ritter und das Thema der Feindschaft.

Nr. 42 „Julia ist allein“ – unentschlossen – das 3. und 2. Liebesthema erklingt.

Nr. 43 „Zwischenspiel“ – das Thema Abschied nimmt den Charakter eines Leidenschaftlichen an
Appell, tragische Entschlossenheit – Julia ist bereit, im Namen der Liebe zu sterben.

7 Bild

Nr. 44 „Bei Lorenzo“ – die Themen von Lorenzo und Julia werden verglichen, und im Moment
Als der Mönch Julia Schlaftabletten gibt, erklingt zum ersten Mal das Thema Tod -
musikalisches Bild, das genau Shakespeares entspricht: „Kalt
träge Angst bohrt sich in meine Adern. Es friert die Hitze des Lebens ein.“

automatisch pulsierende Bewegung???? vermittelt Taubheit, dumpf
wogender Bass – wachsende „träge Angst“.

Nr. 45 „Zwischenspiel“ – schildert Julias komplexen inneren Kampf – Klänge
3 das Thema Liebe und als Reaktion darauf das Thema Ritter und das Thema Feindschaft.

8 Bild

Nr. 46 „Zurück bei Julia“ – Fortsetzung der Szene – Julias Angst und Verwirrung
ausgedrückt im eingefrorenen Julia-Thema aus den Variationen und Thema 3
Julia-Mädchen.

Nr. 47 „Julia ist allein (entscheidet)“ – das Thema des Getränks und das 3. Thema wechseln sich ab
Julia, ihr tödliches Schicksal.

Nr. 48 „Morgenserenade“. Im dritten Akt prägen Genreelemente
sind abhängig von der Einstellung der Aktion und werden sehr sparsam eingesetzt. Zwei anmutige Miniaturen -
Zur Erstellung wurden „Morgenserenade“ und „Tanz der Mädchen mit Lilien“ vorgestellt
feinster dramatischer Kontrast.

Nr. 50 „An Julias Bett“ – beginnt mit Julias Thema 4
(tragisch). Mutter und Krankenschwester wollen Julia wecken, aber sie ist tot
Das 3. Thema durchläuft traurig und schwerelos die höchsten Register der Violinen
Julia.

Akt IV – Epilog

9 Bild

Nr. 51 „Julias Beerdigung“ – mit dieser Szene beginnt der Epilog –
wunderbare Musik für den Trauerzug. Todesthema (Geigen)
nimmt einen traurigen Charakter an. Der Auftritt von Romeo wird von Thema 3 begleitet
Liebe. Tod von Romeo.

Nr. 52 „Der Tod der Julia“. Julias Erwachen, ihr Tod, ihre Versöhnung
Montagues und Capulets.

Das Finale des Balletts ist eine helle Hymne der Liebe, die auf allmählich basiert
der zunehmende, schillernde Klang von Julias 3. Thema.

Prokofjews Werk führte die klassischen Traditionen des Russischen fort
Ballett Dies drückte sich in der großen ethischen Bedeutung des gewählten Themas aus
Reflexion tiefer menschlicher Gefühle in einer entwickelten Symphonie
Dramaturgie einer Ballettaufführung. Und gleichzeitig die Ballettmusik
Romeo und Julia war so ungewöhnlich, dass es einige Zeit in Anspruch nahm
„gewöhnen“ daran. Es gab sogar ein ironisches Sprichwort: „Es gibt keine Geschichte.“
trauriger auf der Welt als Prokofjews Ballettmusik.“ Erst nach und nach alles
Dies wich der enthusiastischen Haltung der Künstler und dann der Öffentlichkeit gegenüber
Musik. Zunächst einmal war die Handlung ungewöhnlich. Der Appell an Shakespeare war
ein mutiger Schritt für die sowjetische Choreographie, wie allgemein angenommen wurde
dass die Verkörperung solch komplexer philosophischer und dramatischer Themen unmöglich ist
mit den Mitteln des Balletts. Prokofjews Musik und Lawrowskis Auftritt
durchdrungen vom Shakespeare-Geist.

Referenzen.

Sowjetisch Musikalische Literatur herausgegeben von M.S. Pekelisa;

I. Maryanov „Sergej Prokofjews Leben und Schaffen“;

L. Dalko „Volksmonographie von Sergej Prokofjew“;

Sowjetisch Musik-Enzyklopädie herausgegeben von I.A. Prokhorova und G.S.
Skudina.

Ballett in drei Akten mit Prolog und Epilog

Libretto von L. Lawrowski, A. Piotrowski, S. Radlow und S. Prokofjew nach der gleichnamigen Tragödie von W. Shakespeare.
Choreograf L. Lawrowski.
Uraufführung: Leningrad, Opern- und Balletttheater. S. M. Kirov, 11. Januar 1940
Charaktere:
Escalus, Herzog von Verona. Paris, ein junger Adliger, Julias Verlobter. Capulet. Capulets Frau. Julia, ihre Tochter Tybalt, Capulets Neffe. Julias Krankenschwester.
Montagues. Montagues Frau. Romeo, ihr Sohn. Mercutio und Benvolio, Freunde von Romeo. Lorenzo, Mönch.

Samsone, Gregorio, Pietro – Diener des Capulet. Abramio, Balthazar – Diener von Montague. Pariser Seite. Seite Romeo. Julias Freunde.
Der Besitzer der Zucchini. Dienstmädchen. Bettler. Troubadour. Narr.
Ein junger Mann im Kampf. Gemüsehändler. Städter.

Mitten in der Orchestereinleitung öffnet sich der Vorhang und gibt dem Publikum den Blick auf ein dreiteiliges Triptychon-Gemälde frei: rechts Romeo, links Julia, in der Mitte Lorenzo. Dies ist das Epigraph des Stücks.

Verona am frühen Morgen. Die Stadt ruht immer noch. Romeo allein kann nicht schlafen. Er wandert ziellos durch die verlassenen Straßen, versunken in Liebesträume.
Nach und nach erwachen die Straßen zum Leben, frühe Passanten tauchen auf. Die Zimmermädchen des Gasthauses räumen träge die Tische ab, da sie sich träge strecken und kaum schlafen können.
Die Diener Gregorio, Samsone und Pietro verlassen das Haus der Capulet. Sie freunden sich mit den Dienstmädchen an und beginnen zu tanzen. Auf der anderen Seite des Platzes kommen Balthazar und Abramio aus Montagues Haus.
Diener zweier verfeindeter Familien werfen einander einen Seitenblick zu und suchen nach einem Grund zum Streit. Aus beißenden Witzen wird Streit, jemand schubst jemanden und es kommt zum Streit. Die Waffe ist gezogen. Einer der Diener ist verwundet. Benvolio, Montagues Neffe, trennt die Kämpfer und befiehlt allen, sich zu zerstreuen. Die Diener gehorchen unzufrieden murrend.
Und hier kommt Tybalt, Capulets Neffe. Als Abenteurer und Tyrann wartet er nur auf die Chance, gegen die verhassten Montagues zu kämpfen. Happening
stellte sich vor. Der Kampf beginnt. Als Reaktion auf den Lärm rennen die Montagues und Capulets aus ihren Häusern. Der Kampf verschärft sich. Die ganze Stadt war in Bewegung. Schwere Töne des Alarmtons. Der Herzog von Verona erscheint. Mit der Bewegung seines Schwertes gibt er ein Zeichen, seine Waffe niederzulegen. Von nun an, so kündigt der Herzog an, werde jeder hingerichtet, der mit einer Waffe in der Hand einen Kampf beginne. Das Volk, zufrieden mit dem Befehl des Herzogs, zerstreut sich.

Julias Zimmer. Die ungezogene Julia neckt fröhlich ihre Krankenschwester, wirft Kissen nach ihr, rennt vor ihr davon und sie versucht ungeschickt watschelnd, sie zu fangen.
Der fröhliche Trubel wird von Julias Mutter unterbrochen. Allmählich und streng fordert sie ihre Tochter auf, keine Streiche mehr zu spielen, schließlich sei Julia bereits eine Braut. Diese bittet um ihre Hand
ein würdiger junger Mann, wie Paris. Juliet lacht als Antwort. Dann führt die Mutter ihre Tochter feierlich vor den Spiegel. Juliet kann es selbst sehen – sie ist ziemlich erwachsen.
Im Capulet-Palast ist ein Ball angekündigt. Der Adel von Verona geht in festlicher Kleidung zur Feier. Begleitet von Sängern und Musikern gehen sie zu
Ball von Julias Freund und Paris mit seiner Seite. Mercutio rennt vorbei, redet lebhaft und lacht. Er ist mit Romeo unzufrieden, er versteht seine Traurigkeit nicht. UND
Romeo selbst kann nicht verstehen, was mit ihm passiert. Er wird von unheilvollen Vorahnungen gequält.
Die Handlung verlagert sich in die Halle des Capulet-Hauses. Feierlich an den Tischen sitzend führen die Gäste ein feierliches Gespräch. Der Tanz beginnt. Die Gäste bitten Julia zum Tanz. Sie stimmt zu. Julias Tanz offenbart ihre Reinheit, ihren Charme und ihre Poesie. Romeo, der die Halle betritt, kann seinen Blick nicht von ihr lassen.
Mercutio trägt eine urkomische Maske und amüsiert die Gäste zu Tränen. Romeo nutzt die Tatsache aus, dass Mercutio die Aufmerksamkeit aller auf sich gezogen hat, und nähert sich Julia
erzählt ihr aufgeregt von dem Gefühl, das in ihm aufgekommen ist. Die Maske fällt versehentlich von Romeos Gesicht. Julia ist erstaunt über Romeos Schönheit und Adel. IN
Auch Julias Herz war voller Liebe.
Tybalt, ein unfreiwilliger Zeuge dieser Szene, erkannte Romeo. Romeo setzt die Maske auf und verschwindet. Als die Gäste gehen, erzählt die Krankenschwester Julia, dass Romeo zum Montague-Clan gehört. Doch nichts kann Romeo Julia aufhalten.

In einer mondhellen Nacht treffen sie sich im Garten. Juliet ist dem erstmals aufflammenden Gefühl völlig ausgeliefert. Julia kann selbst die kürzeste Trennung von ihrer Geliebten nicht ertragen und schickt Romeo einen Brief, den die Krankenschwester ihm geben soll. Auf der Suche nach Romeo geraten die Krankenschwester und ihr Begleiter Pietro mitten ins Karnevalsvergnügen.
Hunderte Stadtbewohner tanzen, singen und toben auf dem Platz. Zu den Klängen eines Orchesters erscheint eine Prozession mit einer Madonnenstatue.
Einige schelmische Leute necken die Krankenschwester, aber sie ist mit einer Sache beschäftigt – der Suche nach Romeo. Und hier ist er. Der Brief wurde zugestellt. Romeo liest ehrfürchtig Julias Nachricht.
Sie willigt ein, seine Frau zu werden.
Romeo kommt in die Zelle von Pater Lorenzo. Er erzählt Lorenzo von seiner Liebe zu Julia und bittet ihn, sie zu heiraten. Berührt von der Reinheit und Stärke der Gefühle
Romeo und Julia, Lorenzo stimmt zu. Und als Julia die Zelle betritt, segnet Lorenzo ihre Verbindung.
Und auf den Plätzen von Verona ist der Karneval laut und prickelnd. Unter den fröhlichen Veronesern sind Romeos Freunde Mercutio und Benvolio. Mercutio und Tybalt sehen
beginnt einen Streit und fordert ihn zum Duell heraus. Romeo, der zu dieser Zeit angekommen ist, versucht, die Streitigkeiten zu beruhigen, aber Tybalt verspottet Romeo und ruft
er ist ein Feigling. Und als Romeo Mercutios Schwert zurückzieht, um Blutvergießen zu verhindern, versetzt Tybalt Mercutio einen tödlichen Schlag. Überwindung
Schmerz, versucht Mercutio zu scherzen; er tanzt, aber seine Bewegungen werden schwächer und er fällt tot um.
Romeo erinnert sich vor Kummer nicht an sich selbst und rächt seinen geliebten Freund. Er kämpft mit Tybalt und tötet ihn.
Julias Mutter rennt aus dem Haus der Capulets. Sie ruft nach Rache. Benvolio nimmt Romeo mit, der sofort fliehen muss. Nachts, Romeo
schleicht sich heimlich in Julias Zimmer, um ihre Geliebte vor der Trennung zu sehen ... Die Morgendämmerung naht. Liebende verabschieden sich für eine lange Zeit. Endlich Romeo
Blätter.
Morgen. Die Krankenschwester kommt herein, gefolgt von Julias Eltern. Sie berichten, dass der Tag ihrer Hochzeit mit Paris feststeht. Julia fleht ihre Mutter und ihren Vater an
um sie zu schonen, nicht um sie zu einer Verbindung zu zwingen, die sie hasst, mit jemandem, den sie nicht liebt. Der Wille der Eltern ist unnachgiebig. Der Vater hebt seine Hand zu Julia. Sie ist verzweifelt
rennt zu Lorenzo. Er gibt Julia einen Trank, den sie nach dem Trinken in einen tiefen Schlaf fallen lässt, der dem Tod ähnelt. Nur Romeo wird es wissen
die wahrheit. Er wird für sie zurückkehren und sie heimlich aus der offenen Krypta mitnehmen. Juliet nimmt Lorenzos Plan freudig an.
Als sie nach Hause zurückkehrt und vorgibt, unterwürfig zu sein, willigt sie ein, Paris zu heiraten. Allein gelassen trinkt Juliet die Droge. Wenn am Morgen
Freunde kommen, um sie für die Hochzeit einzukleiden; sie finden die Braut tot vor. Die Nachricht von Julias Tod erreicht Mantua, wohin Romeo floh.
Voller Trauer eilt er nach Verona.
Der Trauerzug zieht um. IN offener Sarg Julia ruht. Der Sarg wird in die Familiengruft gelegt. Alle gehen.
Nacht. Romeo rennt auf den Friedhof. Er fällt zum Grab, verabschiedet sich von Julia und trinkt Gift.
Julia wacht auf. Bewusstsein und Erinnerung kehren nicht sofort zu ihr zurück. Doch als sie sich auf dem Friedhof sieht, erinnert sie sich an alles. Ihr Blick fällt auf Romeo.
Sie stürzt auf ihn zu. Julia verabschiedet sich von ihm, verabschiedet sich vom Leben und ersticht sich mit Romeos Dolch.
Die alten Männer Montagues und Capulets nähern sich dem Grab. Entsetzt blicken sie auf die toten Kinder. Dann strecken sie einander die Hände entgegen und schwören im Namen des Lebens
Die Erinnerung an zwei wunderschöne Kreaturen wird die Fehde für immer beenden.

Mit einem Libretto (auf Französisch) von Jules Barbier und Michel Carré, basierend auf der Tragödie von W. Shakespeare.

Charaktere:

SIGNOR CAPULET (Bass)
JULIET, seine Tochter (Sopran)
GERTRUDE, ihre Krankenschwester (Mezzosopran)
TYBALD, Neffe von Capulet (Tenor)
GREGORIO, einer der Capulets (Bariton)
ROMEO, einer der Montagues (Tenor)
MERCUTIO, ein weiterer Montagues (Bariton)
BENVOLIO, ein weiterer Montagues (Tenor)
STEFANO, Seite Romeo (Sopran)
HERZOG VON VERONA (Bass)
SIGNOR PARIS (Verwandter des Herzogs von Verona), verlobt mit Julia (Bariton)
FATHER LAURENT (Bass)

Zeitraum: XIV. Jahrhundert.
Standort: Verona.
Uraufführung: Paris, Théâtre Lyricique, 27. April 1867.

Von allen literarischen Meisterwerken, die die „Firma“ Barbier & Carré, diese außergewöhnlichen Produzenten von Libretti aller Art, für ihr literarisches Handwerk nutzte, wurde Shakespeares Tragödie Romeo und Julia am wenigsten entstellt. Zwar fiel das Drehbuch vor allem im ersten Akt deutlich gekürzt aus und die Figur der Low-Comedy, Pietro, wurde komplett gestrichen (aber der charmante Pagenjunge Stefano, der bei Shakespeare überhaupt nicht vorkommt, wurde in die Komödie eingeführt Libretto) wurde der allgemeine Verlauf der Handlung korrekt wiedergegeben und die Hauptfiguren behielten ihre wahrhaft Shakespeare-Lebendigkeit. Viele der Textzeilen wurden von den Librettisten entweder wörtlich übersetzt oder zumindest paraphrasiert. Ein großes Zugeständnis an die Anforderungen der Oper mussten diese fleißigen Literaturschaffenden allerdings machen: Sie erlaubten Julia, so schnell von ihrer Droge zu erwachen, dass sie ihr Liebesduett mit Romeo singen konnte, bevor er an dem Gift starb, das er getrunken hatte. Aber auch für diese Abweichung von Shakespeare gibt es in der Literaturgeschichte eine gewisse Begründung: A. Brooke, der Autor des Gedichts, das eine der Hauptquellen für Shakespeare war, tat seinerzeit dasselbe.

Auch Adeline Patti, die berühmteste Julia, folgte dem Geist des Textes mit erstaunlicher Lebenstreue. In den 1880er Jahren, als sie mit dem Marquis de Caux verheiratet war (aber nicht mit ihm zusammenlebte), spielte sie diese Rolle an der Pariser Grand Opera. Ihr Partner war der französische Sänger Nicoloni (sein richtiger Name war Ernest Nicolas, aber er änderte ihn aus Bewunderung für Italien, das seine Stimme viel mehr schätzte als sein eigenes Land). Diese Darsteller der beiden Hauptteile waren offenbar ebenso leidenschaftlich ineinander verliebt wie die Charaktere, die sie darstellten. Ein nüchterner Beobachter (war er ein Kritiker?) zählte neunundzwanzig echte Küsse, die sie während der Balkonszene austauschten. Als Patti sich schließlich vom Marquis trennte, heiratete das Opernpaar – zwölf Jahre lang lebten sie glücklich zusammen, bevor der Tenor starb und die Sopranistin als Baronin Sedeström in die aristokratische Welt zurückkehrte.

PROLOG

Shakespeares Stück geht ein Prolog in Form eines Sonetts voraus, das einem Schauspieler namens „The Chorus“ anvertraut wird. Seine ersten bekannten Zeilen sind:

In zwei Familien, gleich an Adel und Ruhm,
In Verona flammte die Üppigkeit erneut auf
Die Feindschaften vergangener Tage sind blutige Zwietracht ...

Gounods Oper beginnt mit demselben Sonett, aber die Zeilen des „Chorus“ werden von einem wirklich vollen Chor gesungen.

AKT I

Der erste Akt beginnt sofort mit der Ballszene, der fünften in Shakespeares Stück. Den Librettisten gelang es jedoch, uns die wichtigsten Dinge zu erzählen, die in früheren Szenen passierten, und sogar Dinge, die Shakespeare überhaupt nicht hatte! Der Vorhang hebt sich zur Musik eines Walzers, der auf einem Ball der Familie Capulet aufgeführt wird. Tybalt bespricht mit seiner Verwandten Julias bevorstehende Hochzeit mit Signor Paris. (Übrigens machte sich niemand die Mühe, Juliet zu sagen, dass sie bereits mit ihm verlobt war. Damals führten Eltern solche Geschäfte auf die herrschsüchtigste Art und Weise durch.)

Bald erscheint Signor Capulet, Julias Vater. Er stellt der Menge seine Tochter vor und sie macht alle glücklich, indem sie eine bezaubernde kleine Arie singt. Mit dieser Arie demonstriert sie mindestens eines ihrer bemerkenswerten Talente – großartige Koloraturen.

Es scheint jedoch, dass bei der Feier mehrere ungebetene Gäste anwesend sind – eine Gruppe verhasster Montagues. Einer von ihnen ist Romeo. Er verliebt sich natürlich auf den ersten Blick in Julia. Mercutio neckt ihn leicht und singt eine leichte Bariton-Arie (Ballade) – eine französische Paraphrase seiner Gedanken über Königin Mab (in Shakespeare – Meb. – AM), eine fantastische Figur, die anscheinend von Shakespeare selbst geschaffen wurde, aber im Geiste von Folklorebilder (bei Shakespeare befindet sich diese Episode in der vierten Szene des ersten Akts – A.M. Was folgt, ist eine Szene zwischen der Krankenschwester und Julia, und als sie eine Andeutung der Hochzeit macht, erklärt Julia, dass sie nichts davon hören will. Der Moment ist gekommen für ihre berühmte Arie – das bekannte Walzerlied „Ah! Unbeschwert leben, genießen.“ Die Ironie besteht darin, dass sie im nächsten Moment einen Mann trifft, der in ihr sofort den Wunsch weckt, ihn zu heiraten. Und hier kommt das erste einer Reihe von Liebesduetten, für die diese Oper berühmt ist, und am Ende ist Julia ebenso leidenschaftlich in Romeo verliebt wie er in sie.

Aber Tybalt, der Neffe von Capulet (in Shakespeare - Signora Capulet; da sie in der Oper abwesend ist, machten die Librettisten sie zum Neffen von Capulet selbst. - A.M.), glaubt, die Stimme eines der Montagues erkannt zu haben. Er ist sich noch nicht ganz sicher, da die Gäste Masken tragen. Als hitzköpfiger junger Mann ist er jedoch bereit, für Aufregung zu sorgen, und nur mit einiger Mühe gelingt es dem Besitzer, Signor Capulet, ihn zu beruhigen und darauf zu bestehen, dass es an den Feiertagen in seinem Haus keine Streitereien gibt . Er ruft alle zum Tanzen auf, und die Aktion endet dort, wo sie begonnen hat – ein Walzer, an dem alle Versammelten teilnehmen.

AKT II

Der zweite Akt ist die berühmte Balkonszene. Es beginnt – genau wie diese Szene in Shakespeare – damit, dass Romeo von seinen fröhlichen Freunden getrennt wird und sich nun unter Julias Balkon befindet. „Derjenige, der nicht verwundet wurde, macht Witze über die Narbe“, sagt er (wie in der russischen Übersetzung von Shakespeare und als Antwort auf Mercutios offen gesagt zweideutige Bemerkung; in der akzeptierten russischen Übersetzung der Oper ist es anders: „Ich höre Mercutios Stimme . / Wer verwundet ist, kennt die Herzen nicht / Und macht immer nur Witze“) und singt dann seine große Arie – Kavatina „Ah! leve-toi, soleil! („Sonne, gehe schnell auf“). Den Ausgleich zur gesamten Szene bildet ein ungewöhnlich schönes Liebesduett. Wie in Shakespeare ist es auch in der Oper Julia, die einen Heiratsantrag macht – und zwar sehr schnell. Romeo, der leidenschaftlich dasselbe will, stimmt zu. Zweimal wird ihr langes Duett unterbrochen. Eines Tages versuchen die Capulets, Mitglieder des Montague-Clans zu finden. Ein anderes Mal ruft die Krankenschwester Julia, damit sie zu Bett geht. Am Ende dieser Handlung erklingt der berühmte Reim: „Wie traurig es für mich ist, die Abschiedsworte zu wiederholen“, den die Helden gemeinsam singen. Und als Julia sich nach ihrer Amme ins Haus zurückzieht, spricht Romeo leidenschaftlich ein noch ein paar Sätze („Lass dir alles zuflüstern: Ich liebe dich!“ Ich liebe dich unendlich! / Lass die Nachtbrise deine Lippen küssen!

Akt III

Szene 1 ganz kurz: das geheime Hochzeit Romeo und Julia. Unsere Helden kamen in die Zelle des guten alten Pater Laurent; Romeo erklärt ihm, dass sie schnell und heimlich heiraten wollen; Pater Laurent glaubt, dass diese Heirat der erbitterten Erbfehde zwischen den Montagues und den Capulets ein Ende setzen kann, und die Zeremonie wird durchgeführt. Die Szene endet mit einem freudigen Quartett („Oh, ein wunderbarer Moment!“), in dem sich die Krankenschwester zu den Helden gesellt.

IN Bild 2 Es passieren ziemlich viele Ereignisse, und außerdem taucht darin eine völlig neue Figur auf, die es bei Shakespeare nicht gibt – der Page Stefano. Dies ist ein eleganter, fröhlicher und furchtloser junger Montague. Er ist wirklich so jung, dass seine Rolle von einer Sopranistin gespielt wird. Die Szene beginnt mit seiner gewagten und beleidigenden Serenade: „Que fais-tu, blanche tourterelle?“ („Ah, meine weiße Taube“). Gregorio, einer der Capulets, versucht ihn mit einem Schwert anzugreifen. Doch die Montagues tauchen auf und die Lage wird augenblicklich ernst. Tybalt fordert Romeo heraus, doch Romeo, der gerade Tybalts Cousine geheiratet hat, weigert sich, die Herausforderung anzunehmen. Stattdessen nimmt der hitzige Mercutio diese Herausforderung an. Es kommt zum Duell, und als Tybalt Mercutio tötet, kann Romeo nicht länger daneben stehen. Ältere und weisere Köpfe tauchen auf, darunter der alte Capulet und der Herzog von Verona. Der Herzog, schockiert über das vergossene Blut, bestraft Romeo: Er schickt ihn aus der Stadt („Bis der Tag kommt, / Du wirst die Stadt verlassen!“). Das ist der schlimmste Satz für den jungen Ehegatten, und nun erklingt das Ensemble, in dem er die Hauptrolle spielt und in dem er über sein Unglück klagt („Oh, trauriger Tag! Vertreibung! Vertreibung! / Nein, der Tod ist besser, aber Ich werde es sehen!“) .

Akt IV

Der vierte Akt beginnt mit dem dritten und vierten Liebesduett, die sanft, wie eine gepunktete Linie, diese ganze traurige Geschichte durchziehen. Romeo und Julia verbrachten ihre einzige gemeinsame Nacht und nun ist es für Romeo an der Zeit, seine Geliebte zu verlassen. Der Herzog gab den Befehl, Romeo hinrichten zu lassen, wenn er in der Stadt gefunden würde. Vergebens versuchen Liebende, sich einzureden, dass der Gesang, den sie hören, kein Lerchengesang ist, der so „verstimmt“ singt (um Shakespeare zu zitieren) (die Lerche singt im Morgengrauen und kündigt das Kommen des Tages an, an dem Romeo die Stadt verlassen muss). sondern eine Nachtigall (die Nachtsängerin der Liebe). Ganz „im Einklang“ singen Sopran und Tenor ihren tragischen Abschied voneinander („Wir müssen uns trennen“).

Doch das Schlimmste steht der armen Julia noch bevor. Ihr Vater kommt, um ihr mitzuteilen, dass sie sofort Signor Paris heiraten muss. Sie ist völlig schockiert. Juliet bleibt mit Pater Laurent allein und bittet ihn um Rat. Sie ist zu allem bereit. Pater Laurent reicht ihr eine Flasche. Es enthält, wie er erklärt, ein Medikament. Wenn sie es trinkt, scheint sie genau zweiundvierzig Stunden lang tot zu sein. Bis zum Ende dieser Zeit verspricht der Mönch, dass er Romeo zu ihr bringen wird. Juliet nimmt diesen Trank schnell.

Anschließend wird ein mehrteiliges Ballett aufgeführt. Er macht einen ziemlich seltsamen Eindruck. Ich sage „ziemlich seltsam“, weil es in der Originalfassung der Partitur nicht enthalten war. Gounod musste es hinzufügen, als die Oper ein Jahr nach ihrer Premiere auf der Bühne des Lyric Theatre erstmals auf der Bühne der Nationaloper aufgeführt wurde. Mitglieder des Jockey Clubs, diese jungen Dandys, die die jungen Tänzer dieses Theaters förderten, forderten, dass in der Mitte jeder auf dieser Bühne aufgeführten Oper immer Ballettnummern stehen sollten. Und könnte ein einfacher Komponist gegen diese Forderung rebellieren? Das Ballett hat hier keine dramatische Bedeutung, aber seine Musik macht einen angenehmen Eindruck.

Signor Capulet erscheint; Er kam, um Julia zum Heiraten zu überreden. Julia ist verzweifelt, sie ruft aus, dass ihr Hochzeitsbett das Grab sein wird – und stürzt zum Entsetzen aller tot um. Das Medikament begann offenbar während des Balletts zu wirken.

Akt V

Die letzte kurze und tragische Handlung besteht hauptsächlich aus den abschließenden Liebesduetten der Helden. Es fängt jedoch klein an Symphonisches Gedicht, was wie Julias totenähnlicher Schlaf in der Familiengruft der Capulets klingt. Romeo (der hörte, dass sie gestorben war – aber nicht wusste, dass es eine Täuschung war) kommt in die Krypta, um sich ein letztes Mal von seiner Geliebten zu verabschieden („O ma femme! oh ta bien aimee!“ – „Oh Julia, oh mein lieber Engel!“ Er küsst Julia, holt dann eine Flasche Gift heraus und trinkt sie ebenfalls – aber dieses Gift, das er mitgebracht hat, ist echt und nicht nur ein Beruhigungsmittel, das Juliet getrunken hat. In diesem Moment erwacht Julia und erfährt zu ihrem Entsetzen, was Romeo getan hat. Sie singen ein weiteres Duett, aber das Gift wirkt zu schnell und Romeo stirbt. Julia zieht ihren Dolch – und zwei der berühmtesten Liebenden der Literatur sterben in den Armen des anderen.

Henry W. Simon (übersetzt von A. Maikapara)

Geschichte der Schöpfung

Gounods Oper basiert auf der Tragödie des großen englischen Dramatikers William Shakespeare (1564–1616). „Romeo und Julia“ ist eines seiner frühesten Werke, das höchstwahrscheinlich aus dem Jahr 1595 stammt und sich sowohl zu Lebzeiten des Autors als auch in den folgenden Jahrhunderten großer Beliebtheit erfreute. In Italien galt die Geschichte der Verliebten in Verona als wahre Begebenheit, und bereits zu Shakespeares Zeiten tauchte dort das Grab der Julia auf. Das Grab wird, ebenso wie das Haus mit dem berühmten Balkon und der Statue der Heldin darunter, noch immer Touristen gezeigt. Gounods Librettisten waren die berühmten französischen Dramatiker Jules Barbier (1819–1872) und Michel Carré (1822–1901). Sie arbeiteten oft zusammen und schufen etwa 25 Libretti für Opern und Operetten, darunter die Libretti für Faust und sieben weitere Opern von Gounod. Wie in anderen Libretti, die auf Werken der Weltliteratur basieren, stand bei Barbier und Carré die Liebesgeschichte im Mittelpunkt. In vier der fünf Akte standen Liebesduette im Mittelpunkt. Wie der französische Biograph Gounod C. Bellague witzig bemerkte, besteht die Oper „fast ausschließlich aus vier Duetten. Werden sie entfernt, existiert das Werk nicht; wenn sie existieren, lebt es weiter.“ Das im Vergleich zu Shakespeares Tragödie deutlich erweiterte letzte Duett nimmt den gesamten Schlussakt ein (in Shakespeares Romeo stirbt er, nachdem er Gift genommen hat, bevor Julia erwacht). Für Librettisten ist die Fehde zwischen den Montagues und den Capulets nur ein Hintergrund Liebesgeschichte, und es ist kein Zufall, dass die Oper mit dem Tod eines Liebespaares endet und nicht mit der Versöhnung verfeindeter Familien. Es ist kein Zufall, dass auch die Zahl der Massenszenen und Teilnehmer an der Fehde auf ein Minimum reduziert wurde und Herzog Escalus nicht einmal in der Liste der Charaktere aufgeführt ist. Es gibt weder das Oberhaupt der Familie Montague – Romeos Vater, noch die Mütter beider Helden, die Rolle von Julias Bruder Tybalt ist klein und ihr Verlobter Paris wird zu einer Figur auf der Massenbühne verbannt. Aber Ihr Favorit wurde vorgestellt Französische Oper junge Travestie - Seite Romeo Stefano.

Anfang April 1865 ließ sich Gounod in einer Villa in der Stadt Saint-Raphael am Ufer des Mittelmeers nieder, wo alles an Italien erinnerte – die Vororte von Neapel, das römische Kampanien. Um fünf Uhr morgens stand der Komponist auf und begrüßte den Sonnenaufgang. Er ließ sich in einem kleinen Haus zwanzig Schritte von den kochenden Wellen entfernt oder unter einer Kiefer am Meer nieder und arbeitete nach seinen eigenen Worten bis zehneinhalb bis elf Uhr „mit Liebe“, ohne die Zeit zu bemerken, die verging: „fünf Stunden“. verging, während ich Romeo oder Julia oder Bruder Lorenzo oder irgendjemandem anderen zuhörte und dachte, dass ich ihnen erst seit einer Stunde zuhöre.“ „Ich höre meine Charaktere so deutlich singen, wie ich alles um mich herum sehe, und diese Klarheit erfüllt mich mit Glückseligkeit.“ Nichts störte den Frieden, und in 4-5 Tagen schrieb er so viel, wie er in der Stadt nie komponiert hätte. Wochen vergingen so: „Ich spüre keine Müdigkeit, ich bin 20 Jahre alt, ich bin sogar 10, ich fühle mich so sehr wie ein Kind.“ Am 9. April war fast der gesamte erste Akt mit „dem ersten galanten Duett von Romeo und Julia“ komponiert. Das Duett auf dem Balkon im zweiten Akt entstand vollständig in einem Durchgang. Für das Duett war es schwieriger, im Schlafzimmer geboren zu werden: „Endlich habe ich es mir geschnappt, dieses verdammte Duett aus Akt IV.“ Oh! Ich wünschte, ich wüsste, ob er es wirklich war! Es scheint mir, dass er das ist. Ich sehe sie beide, ich höre sie; Aber Bußgeld sehe ich Bußgeld Kann ich diese beiden Liebenden hören? Wenn sie mir das nur selbst sagen und ein „Ja“-Zeichen machen könnten! Ich lese es, dieses Duett, ich lese es noch einmal, ich höre es mit ganzer Aufmerksamkeit an; Ich versuche, ihn schlecht zu finden; Ich habe Angst, ihn gut zu finden und getäuscht zu werden!“ Der Entwurf der Partitur wurde innerhalb eines Monats fertiggestellt. Die nervöse Anspannung war so groß, dass Gounod glücklich seinen Arzt traf und mit ihm nach Saint-Cloud bei Paris ging. Hier begann er nach einer zweiwöchigen Pause am 25. Mai energisch wieder mit der Arbeit. Es gibt keine Informationen darüber, wie es lief dauerte die folgenden Monate, bis eine der Pariser Zeitungen am 19. August 1866 den Beginn der Proben für Romeo und Julia im Lyrischen Theater ankündigte. Die für Anfang 1867 geplante Premiere konnte jedoch erst am 27. April stattfinden (Einer der Gründe für die Verschiebung war das Fehlen eines Tenors.) Im Rahmen der einen Monat zuvor in Paris eröffneten Weltausstellung brachte Gounod seinen ersten echten Erfolg, der laut einem Zeitgenossen wie ein Feuerwerk explodierte. Noch vor Jahresende wurde „Romeo und Julia“ auf vielen Bühnen in Deutschland und Belgien, in Mailand und sogar in New York aufgeführt -Comique und der Grand Opera, die Oper hatte bis zum Ende des 19. Jahrhunderts etwa 500 Aufführungen, und in den 50 Jahren seit ihrer Uraufführung näherte sich ihre Zahl der 1000.

Musik

„Romeo und Julia“ ist ein eindrucksvolles Beispiel französischer lyrischer Oper. Seine Hauptepisoden sind vier Liebesduette und ihre beiden kleinen Arien mit melodischen Melodien, ausdrucksstark und einprägsam.

Im ersten Akt zeichnet Julias beliebter Walzer „In unklaren Träumen“ mit seinen spektakulär brillanten Passagen das Bild eines jungen, unbeschwerten Mädchens. Das Duett der ersten Begegnung von Romeo und Julia „Himmlischer Engel, ich möchte die liebliche Hand berühren“ (der Titel des Autors ist ein zweistimmiges Madrigal) zeichnet sich durch seinen zurückhaltenden, eleganten, etwas feierlichen Charakter aus. Akt II enthält Romeos Cavatina „Sonne, schnell aufgehen“, erwärmt von aufrichtigen und leidenschaftlichen Gefühlen. Auch das Beichtduett auf dem Balkon „Oh, Nacht der Glückseligkeit!“, das aus mehreren Episoden besteht, die sich in Tempo und Rhythmus unterscheiden, aber gleichermaßen leicht in der Stimmung sind, steht ihm nahe. Im Duett der Jungvermählten, das den vierten Akt eröffnet, heißt es „Die Nacht des Jungfernhäutchens!“ O Nacht der heiligen Liebe! Episoden voller Freude, Rausch der Liebe werden durch ängstliche, aufgeregte Episoden ersetzt. Der fünfte Akt ist vollständig von dem sterbenden Duett „Hallo an dich, düsterer und stiller Sarg“ eingenommen. Es ist das umfangreichste von allen und umfasst sowohl rezitativische als auch melodische Abschnitte, in denen die Themen des vorherigen Duetts erklingen; Das Orchester spielt eine wichtige Rolle.

A. Königsberg

Dieses Werk von Gounod ist (nach Faust) das zweitwichtigste im Werk des Komponisten und eines der besten (zusammen mit Bellinis Oper Capulet und die Montagues) unter den vielen Versionen von Shakespeares Tragödie auf der Musikbühne. Die Handlung wird modifiziert und melodramatisiert. Die Oper ist in typischer Sprache geschrieben Französische Traditionen lyrische Oper. Wie im Faust bezog der Autor das Ballett in das Werk ein.

Zum ersten Mal auf der russischen Bühne im Jahr 1870 (St. Petersburg, am Italienisch). Die erste russische Produktion fand 1883 ebenfalls in St. Petersburg (Mariinsky-Theater) statt. Unter den modernen Produktionen erwähnen wir die Aufführung der Metropolitan Opera im Jahr 1967 (Solisten Freni, Corelli). Dirigent Lombard nahm 1968 mit diesen Sängern bei EMI Aufnahmen auf.

Diskographie: CD - EMI. Dir. Plasson, Romeo (Kraus), Julia (Malfitano), Pater Laurent (Van Damme), Mercutio (Quilico), Capulet (Baquier), Stefano (Marri).

Eines der besten sowjetischen Ballette auf der Bühne des Staatlichen Akademischen Bolschoi-Theaters UdSSR, einer der ersten Plätze, der zu Recht vom Ballett „Romeo und Julia“ von S. Prokofjew besetzt wurde. Er fasziniert den Betrachter stets mit seiner hohen Poesie und seinem echten Humanismus, einer hellen, wahrheitsgetreuen Verkörperung menschlicher Gefühle und Gedanken. Das Ballett wurde 1940 im nach S. M. Kirov benannten Leningrader Opern- und Balletttheater uraufgeführt. 1946 wurde diese Aufführung mit einigen Änderungen auf die Bühne des Bolschoi-Theaters der UdSSR übertragen.

Das vom Choreografen L. Lawrowski inszenierte Ballett „Romeo und Julia“ (Libretto von S. Prokofjew und L. Lawrowski nach Shakespeare) ist einer der bedeutendsten Meilensteine ​​auf dem Weg des sowjetischen Balletttheaters zum Realismus. Anforderungen an hohe Ideologie und Realismus, die allen gemeinsam sind Sowjetische Kunst, bestimmte die Herangehensweise von Prokofjew und Lawrowsky an die Verkörperung des tiefen ideologischen Konzepts von Shakespeares unsterblicher Tragödie. In der lebhaften Wiedergabe von Shakespeares Figuren versuchten die Autoren des Balletts, die Hauptidee der Tragödie offenzulegen: den Zusammenstoß zwischen den dunklen Mächten des Mittelalters einerseits und den Gefühlen, Ideen und Stimmungen von die Menschen dieser Zeit Frührenaissance, - auf der anderen Seite. Romeo und Julia leben in einer rauen Welt grausamer mittelalterlicher Moral. Eine Fehde, die von Generation zu Generation weitergegeben wird, spaltet ihre alten Patrizierfamilien. Unter diesen Umständen sollte die Liebe von Romeo und Julia für sie tragisch sein. Romeo und Julia stellten die Vorurteile des sterbenden Mittelalters in Frage und starben im Kampf um persönliche Freiheit und Gefühlsfreiheit. Mit ihrem Tod schienen sie den Siegeszug humanistischer Ideen zu bestätigen neue Ära, dessen Morgendämmerung immer heller wurde. Leichte Lyrik, trauriges Pathos, amüsante Possenreißer – alles, was Shakespeares Tragödie lebendig macht – findet in der Musik und Choreographie des Balletts eine helle und charakteristische Verkörperung.

Inspirierte Szenen der Liebe von Romeo und Julia, Bilder des Alltags und der grausamen, trägen Moral der Verona-Aristokratie, Episoden des pulsierenden Straßenlebens werden vor dem Betrachter lebendig. Italienische Stadt, wo lockerer Spaß blutigen Kämpfen und Trauerumzügen Platz macht. Die Kräfte des Mittelalters und der Renaissance werden in der Ballettmusik figurativ und künstlerisch überzeugend kontrastiert. Die scharfen, bedrohlichen Klänge erinnern an düstere mittelalterliche Bräuche, die die menschliche Persönlichkeit und ihren Freiheitsdrang gnadenlos unterdrückten. Episoden des Zusammenstoßes zwischen den verfeindeten Familien – den Montagues und den Capulets – basieren auf dieser Art von Musik und sie charakterisiert typische Vertreter Welt des Mittelalters - arroganter und böser Tybalt, seelenloser und grausamer Signor und Signora Capulet. Die Herolde der Renaissance werden unterschiedlich dargestellt. Die reiche Gefühlswelt von Romeo und Julia offenbart sich in heller, aufgeregter und melodiöser Musik.

Das Bild von Julia wird in Prokofjews Musik am umfassendsten und ansprechendsten eingefangen. Das unbeschwerte und verspielte Mädchen, wie wir es zu Beginn des Balletts sehen, zeigt wahre Selbstlosigkeit und Heldentum, wenn es sich im Kampf um die Treue zu seinen Gefühlen gegen absurde Vorurteile auflehnt. Die musikalische Entwicklung des Bildes reicht vom Ausdruck kindlichen spontanen Spaßes bis hin zu den zärtlichsten Texten und tiefer Dramatik. Der Charakter von Romeo wird in der Musik prägnanter umrissen. Zwei kontrastierende Themen – lyrisch-kontemplativ und aufgeregt leidenschaftlich – schildern die Verwandlung Romeos unter dem Einfluss der Liebe zu Julia von einem melancholischen Träumer in einen mutigen, zielstrebigen Menschen. Auch andere Vertreter der neuen Zeit schildert der Komponist anschaulich. In der witzigen Musik, voller heiterem, etwas rauem Humor und manchmal scharfem Sarkasmus, offenbart sich der Charakter von Mercutio, einem fröhlichen, fröhlichen Kerl und Witzbold.

Das musikalische Porträt von Pater Lorenzo, einem Philosophen und Humanisten, ist sehr ausdrucksstark. Weise Einfachheit und ruhige Ausgeglichenheit vereinen sich bei ihm mit großer Wärme und Menschlichkeit. Die Musik, die Lorenzo auszeichnet, spielt eine wichtige Rolle bei der Schaffung der allgemeinen Atmosphäre, die das Ballett durchdringt – eine Atmosphäre der Menschlichkeit und emotionalen Fülle. Prokofjew verkörpert den Inhalt von Shakespeares Tragödie wahrheitsgetreu und interpretiert ihn auf einzigartige Weise, was durch die Besonderheiten seiner schöpferischen Individualität erklärt wird.

„Romeo und Julia“ in der Sprache von Terpsichore

„Seelenerfüllter Flug.“
„Eugen Onegin“ A. S. Puschkin.

Die unsterbliche Geschichte von Romeo und Julia hat zweifellos seit langem ihren unerschütterlichen Platz im Olymp der Weltkultur eingenommen. Der Charme der bewegenden Liebesgeschichte und ihre Popularität haben im Laufe der Jahrhunderte die Voraussetzungen für zahlreiche Adaptionen in allen möglichen künstlerischen Formen geschaffen. Auch das Ballett konnte nicht fernbleiben.

In Venedig wurde bereits 1785 E. Luzzis fünfaktiges Ballett „Julia und Romeo“ aufgeführt.
Der herausragende Meister der Choreografie August Bournonville in seinem Buch „My Theaterleben“ beschreibt die merkwürdige Inszenierung von Romeo und Julia im Jahr 1811 in Kopenhagen durch den Choreografen Vincenzo Galeotte zur Musik von Schall. In diesem Ballett wurde ein so wesentliches Shakespeare-Motiv wie die Familienfehde zwischen den Montagues und den Capulets weggelassen: Julia wurde einfach zwangsweise mit dem verhassten Grafen verheiratet, und der Tanz der Heldin mit ihrem ungeliebten Bräutigam am Ende des vierten Akts war ein großer Erfolg mit der Öffentlichkeit. Das Witzigste war, dass die Rollen der jungen Veroneser-Liebhaber – entsprechend der bestehenden Theaterhierarchie – Künstlern in einem sehr respektablen Alter zugewiesen wurden; der Darsteller Romeo war fünfzig Jahre alt, Julia war etwa vierzig, Paris war dreiundvierzig und der Mönch Lorenzo spielte sich selbst berühmter Choreograf Vincenzo Galeotti, der 78 Jahre alt ist!

VERSION VON LEONID LAWROWSKI. UdSSR.

1934 wandte sich das Moskauer Bolschoi-Theater an Sergej Prokofjew mit dem Vorschlag, Musik für das Ballett Romeo und Julia zu schreiben. Dies war die Zeit, als der berühmte Komponist aus Angst vor der Entstehung diktatorischer Regime im Herzen Europas in die Sowjetunion zurückkehrte und nur eines wollte: in aller Ruhe für das Wohl seiner Heimat arbeiten, die er 1918 verließ. Nach Abschluss einer Vereinbarung mit Prokofjew hoffte die Leitung des Bolschoi-Theaters auf die Aufführung eines Balletts im traditionellen Stil zu einem ewigen Thema. Glücklicherweise gab es in der Geschichte der russischen Musik bereits hervorragende Beispiele dafür, geschaffen von dem unvergesslichen Pjotr ​​​​Iljitsch Tschaikowsky. Text tragische Geschichte Verona-Liebhaber waren in dem Land bekannt, in dem sie lebten Shakespeare-Theater erfreute sich der Volksliebe.
1935 war die Partitur fertiggestellt und die Vorbereitungen für die Produktion begannen. Sofort erklärten die Balletttänzer die Musik für „nicht tanzbar“ und die Orchestermitglieder erklärten sie für „im Widerspruch zu den Spieltechniken“. Musikinstrumente" Im Oktober desselben Jahres spielte Prokofjew bei einem Konzert in Moskau eine für Klavier arrangierte Suite aus dem Ballett. Ein Jahr später fasste er die ausdrucksstärksten Passagen des Balletts in zwei Suiten zusammen (eine dritte erschien 1946). So begann die Musik für das nie aufgeführte Ballett in Symphonieprogrammen der größten europäischen und amerikanischen Orchester aufgeführt zu werden. Nachdem das Bolschoi-Theater schließlich den Vertrag mit dem Komponisten gebrochen hatte, interessierte sich das Leningrader Kirow-Theater (heute Mariinski-Theater) für das Ballett und führte es im Januar 1940 auf seiner Bühne auf.

Vor allem dank der Choreografie von Leonid Lawrowsky und der Verkörperung der Bilder von Julia und Romeo durch Galina Ulanova und Konstantin Sergeev wurde die Uraufführung der Produktion zu einem beispiellosen Ereignis im kulturellen Leben der zweiten Hauptstadt. Das Ballett erwies sich als majestätisch und tragisch, gleichzeitig aber auch romantisch bis zur Ehrfurcht. Dem Regisseur und den Künstlern ist das Wichtigste gelungen: Das Publikum spürte eine tiefe innere Verbindung zwischen Romeo und Julia und Tschaikowskys Balletten. Auf der Erfolgswelle schuf Prokofjew später zwei weitere schöne, wenn auch nicht so erfolgreiche Ballette – „Aschenputtel“ und „Die steinerne Blume“. Der Kulturminister äußerte den Wunsch, dass die Liebe im Ballett über die kriminelle Schurkerei der Behörden siegen würde. Der Komponist war derselben Meinung, wenn auch aus unterschiedlichen Gründen, die mit den Anforderungen der Bühnenproduktion zusammenhingen.

Die einflussreiche Moskauer Shakespeare-Kommission lehnte diese Entscheidung jedoch ab und verteidigte die Rechte des Autors, und die mächtigen Anhänger des sozialistischen Optimismus mussten kapitulieren. In einer Atmosphäre, die bewusst volkstümlich und realistisch war und daher im Gegensatz zu den avantgardistischen und modernistischen Tendenzen des zeitgenössischen Balletts jener Zeit stand, begann eine neue Etappe in der Kunst des klassischen Tanzes. Doch bevor diese Blüte Früchte tragen konnte, folgte die Zweite Weltkrieg, um fünf viele Jahre Irgendwelche suspendieren kulturelle Aktivitäten sowohl in der UdSSR als auch in Westeuropa.

Das erste und wichtigste Merkmal des neuen Balletts war seine Länge – es bestand aus dreizehn Szenen, Prolog und Epilog nicht mitgerechnet. Die Handlung war so nah wie möglich an Shakespeares Text angelehnt, und die Grundidee hat eine versöhnende Bedeutung. Lawrowski beschloss, die veraltete Mimik des 19. Jahrhunderts, die in russischen Theatern weit verbreitet war, zu minimieren und dem Tanz als Element den Vorzug zu geben, einem Tanz, der in der direkten Manifestation von Gefühlen entsteht. Dem Choreografen gelang es, den Schrecken des Todes und den Schmerz unerfüllter Liebe, den der Komponist bereits deutlich zum Ausdruck gebracht hatte, in einfachen Worten darzustellen; Er schuf Live-Massenszenen mit atemberaubenden Kämpfen (für die Inszenierung zog er sogar einen Waffenspezialisten zu Rate). Im Jahr 1940 wurde Galina Ulanowa dreißig Jahre alt; manchen mag sie zu alt für die Rolle der Julia erscheinen. Tatsächlich ist nicht bekannt, ob ohne diese Aufführung das Bild eines jungen Liebhabers entstanden wäre. Das Ballett wurde zu einem Ereignis von solcher Bedeutung, dass es eine neue Etappe in der Ballettkunst eröffnete die Sowjetunion– und das trotz der strengen Zensur seitens der herrschenden Regierung in den schwierigen Jahren des Stalinismus, die Prokofjew die Hände gebunden hat. Mit Kriegsende trat das Ballett seinen Siegeszug durch die ganze Welt an. Es gelangte in das Repertoire aller Balletttheater der UdSSR und europäischer Länder, wo neue, interessante choreografische Lösungen dafür gefunden wurden.

Das Ballett „Romeo und Julia“ wurde am 11. Januar 1940 im Kirow-Theater (heute Mariinski-Theater) in Leningrad uraufgeführt. Dies ist die offizielle Version. Die eigentliche „Premiere“ fand jedoch – wenn auch in verkürzter Form – am 30. Dezember 1938 in der tschechoslowakischen Stadt Brünn statt. Das Orchester wurde geleitet Italienischer Dirigent Guido Arnoldi, choreografiert vom jungen Ivo Vania-Psota, spielte er zusammen mit Zora Semberova auch die Rolle des Romeo – Julia. Durch die Ankunft der Nazis in der Tschechoslowakei im Jahr 1939 gingen alle dokumentarischen Beweise dieser Produktion verloren. Aus dem gleichen Grund musste der Choreograf nach Amerika fliehen, wo er erfolglos versuchte, das Ballett erneut aufzuführen. Wie konnte es passieren, dass eine so bedeutende Produktion fast illegal außerhalb Russlands aufgeführt wurde?
1938 tourte Prokofjew zum letzten Mal als Pianist durch den Westen. In Paris führte er beide Suiten des Balletts auf. Der Dirigent der Brünner Oper war im Saal anwesend und zeigte großes Interesse an der neuen Musik.

Der Komponist schenkte ihm eine Kopie seiner Suiten, auf deren Grundlage das Ballett inszeniert wurde. Inzwischen genehmigte das Kirow-Theater (heute Mariinski-Theater) schließlich die Aufführung des Balletts. Alle wollten lieber verschweigen, dass die Produktion in Brünn stattfand; Prokofjew – um das Kulturministerium der UdSSR nicht zu verärgern, das Kirow-Theater – um das Recht auf die Uraufführung nicht zu verlieren, die Amerikaner – weil sie in Frieden leben und Urheberrechte respektieren wollten, die Europäer – weil sie viel waren mehr Sorgen wegen der ernsten politischen Probleme, die gelöst werden mussten. Nur wenige Jahre nach der Leningrader Premiere tauchten Zeitungsartikel und Fotografien aus den tschechischen Archiven auf; dokumentarischer Beweis dieser Produktion.

In den 50er Jahren des 20. Jahrhunderts eroberte das Ballett „Romeo und Julia“ wie eine Hurrikan-Epidemie die ganze Welt. Zahlreiche Interpretationen und Neufassungen des Balletts erschienen, was teilweise heftige Proteste der Kritiker hervorrief. Niemand in der Sowjetunion hob die Hand zu Lawrowskys Originalinszenierung, außer vielleicht Oleg Wladimirow auf der Maly-Bühne Opernhaus Das Leningrad der 70er Jahre brachte der Geschichte junger Liebender noch ein glückliches Ende. Er kehrte jedoch bald zur traditionellen Produktion zurück. Beachten Sie auch die Stockholmer Fassung von 1944 – darin liegt, auf fünfzig Minuten reduziert, der Schwerpunkt auf dem Kampf zweier verfeindeter Fraktionen. Man kann die Versionen von Kenneth Mac Milan und dem London Royal Ballet mit den unvergesslichen Rudolf Nurejew und Margot Fonteyn nicht ignorieren; John Neumeier und das Royal Danish Ballet, in dessen Interpretation die Liebe als eine Kraft verherrlicht und gepriesen wird, die jedem Zwang widerstehen kann. Es wäre möglich, viele andere Interpretationen aufzuzählen, angefangen bei der Londoner Inszenierung von Frederick Ashton, dem Ballett auf den singenden Fontänen in Prag bis hin zur Moskauer Aufführung von Juri Grigorowitsch, aber wir werden uns auf die Interpretation des brillanten Rudolf Nurejew konzentrieren.

Dank Nuriev erhielt Prokofjews Ballett einen neuen Aufschwung. Die Bedeutung von Romeos Partei nahm zu und erreichte die gleiche Bedeutung wie die von Julia. Es gab einen Durchbruch in der Geschichte des Genres – zuvor war die männliche Rolle sicherlich der Primaballerina untergeordnet. In diesem Sinne ist Nurejew in der Tat ein direkter Erbe mythischer Figuren wie Waslaw Nijinsky (der von 1909 bis 1918 auf der Bühne des Russischen Balletts regierte) oder Serge Lefar (der in grandiosen Produktionen glänzte). Pariser Oper in den 30er Jahren).

RUDOLF NURIEVS VERSION. UdSSR, ÖSTERREICH.

Rudolf Nurejews Inszenierung ist viel düsterer und tragischer als Leonid Lawrowskys leichte und romantische Inszenierung, aber das macht sie nicht weniger schön. Schon in den ersten Minuten wird klar, dass das Damoklesschwert des Schicksals bereits über die Helden erhoben wurde und sein Sturz unausweichlich ist. Nurejew erlaubte sich in seiner Version eine gewisse Abweichung von Shakespeare. Er führte Rosaline in das Ballett ein, die im Klassiker nur als ätherisches Phantom präsent ist. Zeigte warme Familiengefühle zwischen Tybalt und Julia; Die Szene, in der sich die junge Capulet zwischen zwei Feuern wiederfindet, nachdem sie vom Tod ihres Bruders erfahren hat und dass ihr Mann sein Mörder ist, löst im wahrsten Sinne des Wortes eine Gänsehaut aus, als ob selbst dann ein Teil der Seele des Mädchens stirbt. Der Tod von Lorenzos Vater ist ein wenig erschütternd, aber in diesem Ballett steht er im völligen Einklang mit dem Gesamteindruck. Interessante Tatsache: Künstler proben die letzte Szene nie vollständig; sie tanzen hier und jetzt, wie es ihr Herz verlangt.

VERSION VON N. RYZHENKO UND V. SMIRNOV-GOLOVANOV. UdSSR.

1968 wurde ein Miniballett aufgeführt. Choreografie von N. Ryzhenko und V. Smirnov – Golovanov zur Musik von „Fantasy Overture“ von P.I. Tschaikowsky. In dieser Version fehlen alle Charaktere außer den Hauptcharakteren. Rolle tragische Ereignisse und die Umstände, die den Liebenden im Weg stehen, werden vom Corps de Ballet aufgeführt. Dies hindert eine mit der Handlung vertraute Person jedoch nicht daran, die Bedeutung und Idee zu verstehen und die Vielseitigkeit und Bildsprache der Inszenierung zu schätzen.

Der Film – das Ballett „Shakespeare“, das neben „Romeo und Julia“ auch Miniaturen zum Thema „Othello“ und „Hamlet“ enthält, unterscheidet sich trotz der Verwendung derselben Musik dennoch von der oben genannten Miniatur und die Regisseure sind die gleichen oder Choreografen. Hier wurde die Figur von Pater Lorenzo hinzugefügt, und die übrigen Figuren sind, obwohl im Corps de Ballet, immer noch vorhanden, und auch die Choreographie wurde leicht verändert. Ein wunderbarer Rahmen für ein Bild ist ein altes Schloss am Meeresufer, in dessen Mauern und Umgebung die Handlung stattfindet. ...Und jetzt ist der Gesamteindruck völlig anders....

Zwei gleichzeitig so ähnliche und so unterschiedliche Kreationen, die jeweils besondere Aufmerksamkeit verdienen.

VERSION VON RADU POKLITARU. MOLDAWIEN.

Die Inszenierung des moldawischen Choreografen Radu Poklitaru ist insofern interessant, als sich Tybalts Hass während des Duells weniger gegen Romeo als vielmehr gegen Mercutio richtet, da er auf dem Ball, als Frau verkleidet, um seinen Freund zu beschützen, mit dem „ Katzenkönig“ und küsste ihn sogar, wodurch er allgemein lächerlich gemacht wurde. In dieser Fassung wird die „Balkon“-Szene durch eine Szene ersetzt, die einer Szene aus einer Miniaturaufführung zu Tschaikowskys Musik ähnelt und die Situation als Ganzes darstellt. Der Charakter von Pater Lorenzo ist interessant. Er ist blind und verkörpert so gewissermaßen die Idee, die zuerst Victor Hugo im Roman „Der Mann, der lacht“ und dann Antoine de Saint-Exupéry in „Der Mann, der lacht“ zum Ausdruck brachte. Der kleine Prinz“ über die Tatsache, dass „nur das Herz wachsam ist“, weil es trotz Blindheit allein sieht, was sehende Menschen nicht bemerken. Die Szene von Romeos Tod ist unheimlich und zugleich romantisch; er legt seiner Geliebten einen Dolch in die Hand, streckt die Hand aus, um sie zu küssen, und spießt sich sozusagen mit der Klinge auf.

MAURICE BEJARTS VERSION. FRANKREICH, SCHWEIZ.

Die dramatische Ballettsymphonie „Romeo und Julia“ zur Musik von Hector Berlioz wurde von Maurice Bejart inszeniert. Die Aufführung wurde in den Boboli-Gärten (Florenz, Italien) gefilmt. Es beginnt mit einem Prolog, der in der Neuzeit spielt. Im Proberaum, in dem sich eine Gruppe Tänzer versammelt hat, kommt es zu einem Streit, der in eine allgemeine Schlägerei mündet. Hier von Auditorium Bejar selbst, der Choreograf und Autor, springt auf die Bühne. Eine kurze Handbewegung, ein Fingerschnippen – und alle gehen auf ihre Plätze. Gleichzeitig mit dem Choreografen tauchen zwei weitere Tänzer aus den Tiefen der Bühne auf, die zuvor nicht dort waren und am vorherigen Kampf nicht teilgenommen haben. Sie tragen die gleichen Anzüge wie alle anderen, aber Weiß. Noch sind es nur Tänzer, doch plötzlich sieht der Choreograf in ihnen seine Helden – Romeo und Julia. Und dann wird er zum Autor, und der Betrachter spürt, wie auf mysteriöse Weise ein Plan entsteht, den der Autor wie der Schöpfer-Demiurg den Tänzern übermittelt – durch sie muss der Plan verwirklicht werden. Der Autor ist hier der mächtige Herrscher seines Bühnenuniversums, der jedoch nicht in der Lage ist, das Schicksal der von ihm zum Leben erweckten Helden zu ändern. Dies liegt außerhalb der Macht des Autors. Er kann den Schauspielern nur seinen Plan mitteilen, sie nur in einen Teil dessen einweihen, was passieren wird, und dabei die Last der Verantwortung für seine Entscheidung auf sich nehmen.... In dieser Aufführung fehlen einige Helden des Stücks, und die Die Inszenierung selbst vermittelt eher das allgemeine Wesen der Tragödie als eine Shakespeare-Geschichte.

VERSION VON MAURO BIGONZETTI.

Innovatives Design eines charismatischen Multimedia-Künstlers, klassische Musik Prokofjew und die lebendige, vielseitige Choreografie von Mauro Bigonzetti konzentrieren sich nicht auf tragische Geschichte Liebe, und aus ihrer Energie erschaffen sie eine Show, in der Medienkunst und Ballettkunst verschmelzen. Leidenschaft, Konflikt, Schicksal, Liebe, Tod – das sind die fünf Elemente, die die Choreografie dieses kontroversen Balletts ausmachen, das auf Sinnlichkeit und Kraft basiert emotionale Wirkung beim Betrachter.

MATS EKA-VERSION. SCHWEDEN.

Der schwedische Theaterbesucher Mats Ek unterwarf sich jeder Note Tschaikowskys und komponierte sein eigenes Ballett. In seiner Aufführung gibt es keinen Platz für Prokofjews überschwängliches Verona mit seinen überfüllten Feiertagen, dem ausgelassenen Spaß der Menge, dem Karneval, den religiösen Prozessionen, den höfischen Gavotten und den malerischen Massakern. Der Bühnenbildner hat die heutige Metropole gebaut, eine Stadt der Alleen und Sackgassen, Garagenhinterhöfe und luxuriösen Lofts. Dies ist eine Stadt voller Einzelgänger, die sich zusammenschließen, nur um zu überleben. Hier töten sie ohne Pistole und Messer – schnell, leise, routiniert und so oft, dass der Tod weder Entsetzen noch Wut mehr hervorruft.

Tybalt wird Mercutios Kopf gegen die Ecke der Portalwand schlagen und dann auf seine Leiche urinieren; Der wütende Romeo wird Tybalt, der im Kampf gestolpert ist, auf den Rücken springen, bis er sich das Rückgrat bricht. Hier herrscht das Gesetz der Gewalt, und es sieht erschreckend unerschütterlich aus. Eine der schockierendsten Szenen ist der Monolog des Herrschers nach dem ersten Massaker, aber seine erbärmlichen Bemühungen sind bedeutungslos, niemand kümmert sich um die offiziellen Behörden, der alte Mann hat den Kontakt zu Zeit und Menschen verloren. Vielleicht zum ersten Mal Die Tragödie der Verliebten in Verona ist kein Ballett mehr; Mats Ek hat jeder Figur eine großartige Tanzbiografie gegeben – detailliert, psychologisch ausgefeilt, mit Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.

In der Szene von Tybalts Trauer, als seine Tante den Händen ihres verhassten Mannes entkommt, kann man das ganze Leben von Lady Capulet lesen, die gegen ihren Willen verheiratet war und von einer kriminellen Leidenschaft für ihren Neffen gequält wurde. Hinter der abenteuerlichen Virtuosität des schüchternen kleinen Benvolio, der wie ein Hund hinter dem Ausgestoßenen Mercutio herläuft, ist seine hoffnungslose Zukunft sichtbar: Wenn der feige Kerl nicht im Tor erstochen wird, dann wird dieser störrische Mann von unten eine Ausbildung erhalten und eine Stelle als Angestellter in irgendeinem Büro. Mercutio selbst, ein luxuriöser, rasierter Kerl mit Tätowierungen und Lederhosen, gequält von unerwiderter und schüchterner Liebe zu Romeo, lebt nur in der Gegenwart. Auf Perioden der Depression folgen Ausbrüche wütender Energie, wenn dieser Riese in verdrehten Leggings schwebt oder sich wie ein Narr auf einem Ball verhält und im Tutu das klassische Entrechat aufführt.

Mats Ek hat der nettesten Krankenschwester eine reiche Vergangenheit beschert: Man muss einfach zusehen, wie diese ältere Dame mit vier Männern jongliert, dabei auf Spanisch ihre Hände ringt, ihre Hüften wiegt und ihren Rock schwingt. Im Titel des Balletts hat Mats Ek Julias Namen an die erste Stelle gesetzt, weil sie die Anführerin des Liebespaares ist: Sie trifft schicksalhafte Entscheidungen, sie ist die Einzige in der Stadt, die den unversöhnlichen Clan herausfordert, sie ist die Erste, die dem Tod begegnet – durch die Hand ihres Vaters: Es gibt keinen Lorenzos Vater im Stück, keine Hochzeit, keine Schlaftabletten – das alles ist für Ek unwichtig.

Schwedische Rezensenten verbanden den Tod seiner Julia einstimmig mit der sensationellen Geschichte einer jungen muslimischen Frau in Stockholm: Das Mädchen, das den Auserwählten der Familie nicht heiraten wollte, lief von zu Hause weg und wurde von ihrem Vater getötet. Vielleicht ja: Mats Ek ist überzeugt, dass die Geschichte von Romeo und Julia die DNA der gesamten Menschheit ist. Aber was reale Ereignisse Keiner von beiden hat die Produktion inspiriert. Wichtiger ist, was die Aufführung über den Rahmen der Relevanz hinausführt. Egal wie abgedroschen, für Ek ist es Liebe. Das Mädchen Julia und der Junge Romeo (er sieht aus wie ein „Millionär aus den Slums“, nur ein Brasilianer) hatten keine Zeit zu verstehen, wie sie mit unwiderstehlicher Sehnsucht umgehen sollen. Eks Tod ist statisch: In einer durch und durch tänzerischen Performance wird der Tod von Teenagern rein inszeniert und trifft daher zu: Julia und Romeo verschwinden langsam im Untergrund, und nur ihre wie verdorrte Bäume verdrehten Beine ragen als … über die Bühne Denkmal der ermordeten Liebe.

GOYO MONTERO-VERSION.

In der Version des spanischen Choreografen Goyo Montero sind alle Charaktere nur Spielfiguren, die nach dem Willen des Schicksals handeln, in einem vom Schicksal verdrehten Spiel. Hier gibt es weder Lord Capulet noch den Prinzen, aber Lady Capulet verkörpert zwei Aspekte: Entweder ist sie eine fürsorgliche Mutter, oder sie ist eine herrische, grausame, kompromisslose Geliebte. Das Thema des Kampfes kommt im Ballett deutlich zum Ausdruck: Die emotionalen Erlebnisse der Figuren werden als Versuch, gegen das Schicksal zu kämpfen, und das letzte Adagio der Liebenden als Julias Kampf mit sich selbst dargestellt. Die Hauptfigur beobachtet den Plan, die verhasste Ehe loszuwerden, wie von der Seite, in der Krypta, anstatt sich selbst zu erstechen, öffnet sie ihre Adern. Der Tänzer, der die Rolle des Schicksals spielt, bricht mit allen Stereotypen und rezitiert und singt sogar Auszüge aus Shakespeare.

JOEL BOUVIERS VERSION. FRANKREICH.

Das Bolschoi-Theaterballett Genf präsentierte eine Version des Balletts von Sergej Prokofjew. Autorin der Inszenierung ist die französische Choreografin Joelle Bouvier, die mit dieser Aufführung ihr Debüt am Grand Theatre Genf gab. In ihrer Vision kann die Geschichte von Romeo und Julia, „eine Geschichte der vom Hass erstickten Liebe“, als Beispiel für jeden Krieg dienen, der heute geführt wird. Dies ist eine abstrakte Inszenierung, es gibt keine klar definierten Ereignisse des Stücks, vielmehr wird der innere Zustand der Charaktere stärker gezeigt und die Handlung wird nur leicht umrissen.

Der große Komponist Hector Berlioz verspürte einst eine fieberhafte Faszination für Shakespeare, die ihn später zu dem gewagten Plan der „Shakespeareanisierung der Musik“ führte, und schrieb aufgeregt aus Rom: „Shakespeares Romeo! Gott, was für eine Verschwörung! Alles darin scheint für die Musik bestimmt zu sein!... Der schillernde Ball im Haus der Capulets, diese hektischen Kämpfe auf den Straßen von Verona... diese unbeschreibliche Nachtszene auf Julias Balkon, wo zwei Liebende über Liebe, Zärtlichkeit, süß und rein, wie die Strahlen der Nachtsterne... pikante Possenreißer des sorglosen Mercutio... dann eine schreckliche Katastrophe... Seufzer der Wollust, verwandelt in das Keuchen des Todes und schließlich ein feierlicher Schwur von zwei streitende Familien – um die Leichen ihrer unglücklichen Kinder – um die Fehde zu beenden, die so viel Blut und Tränen verursacht hat ...“

THIERRY MALANDINS VERSION. FRANKREICH.

Thierry Malandin verwendete in seiner Inszenierung die Musik von Berlioz. In dieser Interpretation werden die Rollen der Verliebten von Verona von mehreren Künstlerpaaren gleichzeitig aufgeführt, und die Inszenierung selbst besteht aus einer Reihe von Szenen aus der berühmten Tragödie. Die Welt von Romeo und Julia besteht hier aus Eisenkisten, die entweder zu Barrikaden, zu einem Balkon oder zu einem Bett der Liebe werden ... bis sie sich schließlich in einen Sarg verwandeln, der sie umschließt große Liebe, von dieser grausamen Welt nicht verstanden.

SASHA WALTZ'S VERSION. DEUTSCHLAND.

Die deutsche Choreografin Sasha Waltz wollte nicht die literarische Version vermitteln, sondern bleibt wie Berlioz, dessen gesamte Geschichte in einem Prolog erzählt wird, bei Momenten stehen, die starken Emotionen gewidmet sind. Erhabene, spirituelle, leicht außerirdische Helden wirken sowohl in lyrischen und tragischen Szenen als auch in der spielerischen Szene „am Ball“ gleichermaßen harmonisch. Die sich verändernde Szenerie verwandelt sich in einen Balkon, eine Wand oder wird zur zweiten Bühne, sodass zwei Szenen gleichzeitig gezeigt werden können. Dies ist keine Geschichte des Kampfes mit bestimmten Umständen, es ist eine Geschichte der Konfrontation mit dem unvermeidlichen Schicksal des Schicksals.

VERSION VON JEAN-CHRISTOPHE MAILOT. FRANKREICH.

In der französischen Version von Jean-Christophe Maillot, vertont von Prokofjew, sind zwei Teenager-Liebende dem Untergang geweiht, nicht weil ihre Familien sich streiten, sondern weil ihre blendende Liebe zur Selbstzerstörung führt. Der Priester und der Herzog (in diesem Ballett gibt es eine Person), ein Mann, der die Tragödie der Feindschaft zweier unversöhnlicher Clans intensiv erlebt, aber aufgegeben hat, sich mit dem Geschehen abgefunden hat und zum externen Beobachter des Alltags geworden ist Blutbad. Rosaline flirtet zurückhaltend mit Romeo, reagiert jedoch viel bereitwilliger auf die heißen Manifestationen von Tybalts Gefühlen, dessen Ambitionen als Frauenheld zu einem weiteren Anstoß für den Konflikt mit Mercutio werden. Die Szene von Tybalts Ermordung ist in Zeitlupe gedreht, die mit der schnellen, heftigen Musik im Einklang steht und so den Zustand der Leidenschaft, in dem Romeo ein schreckliches Verbrechen begeht, visuell demonstriert. Der Witwe, der Vampirin Lady Capulet, ist der junge Graf offenbar nicht gleichgültig, der lieber Stiefvater als Bräutigam der jungen Erbin der Familie werden möchte. Und auch verbotene Liebe, jugendlicher Maximalismus und vieles mehr werden zum Grund dafür, dass Julia die Schlinge um ihren Hals enger zieht und leblos auf den Körper ihres Geliebten fällt.

ANGELAN PRELJOCAJS VERSION. FRANKREICH.

Angelin Preljocajs Performance ist durchdrungen von Leitmotiven aus Orwells Roman 1984. Aber anders als Orwell, der eine totalitäre Gesellschaft unter der Aufsicht von „ großer Bruder", gelang es dem Choreografen, die Atmosphäre eines Gefängnisses in einer Kastengesellschaft zu vermitteln. In einer Gesellschaft, die einen dramatischen Zusammenbruch der Deklassifizierung erlebt. Julia ist die Tochter des Leiters des Gulag-Gefängnisses aus dem elitären Capulet-Clan, das mit Stacheldraht von der Außenwelt abgeschirmt ist und von Schäferhunden bewacht wird, mit denen Wärter mit Suchscheinwerfern am Rand der Zone entlanggehen. Und Romeo ist ein Emporkömmling am Rande der proletarischen Unterschicht, der ungezügelten Welt des Mobs am Rande der Metropole, wo Messerstechereien an der Tagesordnung sind. Romeo ist aggressiv und brutal und überhaupt kein romantischer Heldenliebhaber. Anstelle des abwesenden Tybalt tötet Romeo, der sich heimlich mit Julia verabredet, den Wachmann. Er fegt den ersten Kordon hinweg, springt über die Hierarchieebene und dringt in die Elitewelt ein, als wäre er in ein verführerisches „kafkaeskes“ Schloss. In Preljocaj wird bewusst unklar, ob die ganze Welt ein Gefängnis ist oder ob sich die Machthaber starr gegen die deklassierte Welt zur Wehr setzen, sich in Ghettos konservieren und mit Gewalt gegen Übergriffe von außen vorgehen. Hier sind alle Konzepte „umgekehrt“. Es ist eine Belagerung aller gegen alle.

Dabei spielt es keine Rolle, in welcher Sprache große Geschichten erzählt werden: ob sie auf der Bühne oder im Film gespielt werden, ob sie durch Gesang oder Ton erzählt werden schöne Musik, eingefroren auf der Leinwand, in der Skulptur, im Objektiv einer Kamera, ob sie aus Linien menschlicher Seelen und Körper bestehen – Hauptsache, sie lebten, leben und werden leben und zwingen uns, besser zu werden.

Das Kopieren dieses Materials in jeglicher Form ist untersagt. Ein Link zur Seite ist willkommen. Bei Fragen wenden Sie sich bitte an: Diese Adresse E-Mail vor Spam-Bots geschützt. Um es anzuzeigen, muss JavaScript aktiviert sein.