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„Die Kreuztragung“ ist eines der tragischsten Werke Raffaels. Es vermittelt nicht nur den in religiösen Quellen beschriebenen Moment ihres Lebens als Christus, sondern auch die menschlichen Emotionen, die der Autor so sorgfältig vermittelt hat. Das Gefühl der Trauer, [...]

„Bridgewater Madonna“ ist Teil einer Gemäldeserie von Raphael Santi, die Bildern der Madonna gewidmet ist. Der Pinsel des legendären Künstlers malte sorgfältig die Bilder der Madonna und versuchte jedes Mal, das Ideale, Geheimnisvolle und Unerreichbare zu finden und zu „erforschen“. Der Wunsch, darzustellen, [...]

Das Fresko „Feuer in Borgo“ erzählt von den Ereignissen in einem der zentralen Bereiche Roms. Der Legende nach brach in der Nähe des Papstpalastes ein Feuer aus, das erst nach dem Erscheinen von Papst Leo IV. selbst nachließ. Nach dem Erscheinen […]

Deckenfresko, Mosaik. Abmessungen: 120 x 105 cm. Datiert 1509-1511. Befindet sich in der Stanza della Segnatura, Apostolischer Palast, Vatikanstadt. Die besagte Strophe – aus dem Italienischen als Raum übersetzt – ist das Büro des Papstes […]

Großartig Italienischer Künstler Raphael Santi wurde früh als Waise zurückgelassen, sammelte aber erste Erfahrungen als Maler im Atelier seines Vaters, der am Hofe des Herzogs von Urbino malte. Anschließend ließ sich Raffael in seiner Arbeit von dem ersten [...]

Die erstaunliche Zeit der Renaissance brachte die Geschichten vieler brillanter Bildhauer und Künstler hervor. Es ist bemerkenswert, dass die talentierten Menschen dieser Zeit über eine vielseitige Begabung verfügten – Malerei, Bildhauerei, Grafik und manchmal auch Architektur. Raffaels Genie ist mehr […]

Auf dem Bild ist deutlich zu erkennen, wie sehr Raffael von der Arbeit eines anderen Künstlers, Michelangelos, beeinflusst wurde. In der Mitte der Leinwand befindet sich eine heilige Gruppe – die vier Evangelisten werden von vier Tieren dargestellt. Im Zentrum steht der unbekleidete Gottvater. Sein Körper […]

Das Werk wurde 1502–1503 für den Oddi-Altar gemalt. Eine interessante Tatsache bei der Erstellung dieser Leinwand war, dass der Künstler die Hauptbestandteile des Bildes nicht unabhängig bestimmte. Darüber hinaus war sein liebstes religiöses Thema in den frühen […]

Rafael Santi (Raffaello Santi) ist ein italienischer Künstler, Meister der Grafik und architektonischen Lösungen, Vertreter der umbrischen Malschule.

Raphael Santi wurde am 6. April 1483 um drei Uhr morgens in der Familie eines Künstlers und Dekorateurs in der italienischen Stadt (Urbino) geboren. Es ist das kulturelle und historische Zentrum der Region (Marken) im Osten Italiens. Die Ferienorte Pesaro und Rimini liegen in der Nähe von Raffaels Geburtsort.

Eltern

Der Vater der zukünftigen Berühmtheit, Giovanni Santi, arbeitete im Schloss des Herzogs von Urbino Federico da Montefeltro, seine Mutter Margie Charla erledigte die Hausarbeit.

Der Vater bemerkte früh die Fähigkeit seines Sohnes zum Malen und nahm ihn oft mit in den Palast, wo der Junge mit so berühmten Künstlern wie Piero della Francesca, Paolo Uccello und Luca Signorelli kommunizierte.

Schule in Perugia

Lieber Leser, um eine Antwort auf alle Fragen zum Urlaub in Italien zu finden, verwenden Sie. Alle Fragen beantworte ich mindestens einmal täglich in den Kommentaren unter den jeweiligen Artikeln. Ihr Reiseführer in Italien Artur Yakutsevich.

Im Alter von 8 Jahren verlor Rafael seine Mutter und sein Vater brachte eine neue Frau ins Haus, Bernardina, die dem Kind eines anderen keine Liebe entgegenbrachte. Im Alter von 12 Jahren wurde der Junge als Waise zurückgelassen., nachdem er seinen Vater verloren hatte. Das Kuratorium schickte das junge Talent zum Studium bei Pietro Vannucci nach Perugia.

Bis 1504 wurde Raffael an der Schule von Perugino unterrichtet, studiert begeistert die Fähigkeiten des Lehrers und versucht, ihn in allem nachzuahmen. Freundlich, charmant und frei von Arroganz fand der junge Mann überall Freunde und übernahm schnell die Erfahrungen seiner Lehrer. Bald waren seine Werke nicht mehr von den Werken Pietro Peruginos zu unterscheiden.

Erste berühmte Meisterwerke Aus Raffaels Gemälden wurden:

1. „Die Verlobung der Jungfrau Maria“ (Lo sposalizio della Vergine), 1504, ausgestellt in der Mailänder Galerie (Pinacoteca di Brera);
2. „Madonna Connestabile“, 1504, gehört zur Eremitage (St. Petersburg);
3. „Der Traum eines Ritters“ (Sogno del cavaliere), 1504, das Gemälde ist in der National Gallery in London ausgestellt;
4. Die drei Grazien (Tre Grazie), 1504, sind im Musée Condé im Château de Chantilly, Frankreich, ausgestellt;

Der Einfluss Peruginos ist in den Werken deutlich sichtbar; wenig später begann Raffael, seinen eigenen Stil zu entwickeln.

In Florenz

Im Jahr 1504 zog Raffael Santi nach Florenz und folgte seinem Lehrer Perugino. Dank des Lehrers lernte der junge Mann das architektonische Genie Baccio d'Agnolo, den herausragenden Bildhauer Andrea Sansovino, den Maler Bastiano da Sangallo und seinen zukünftigen Freund und Beschützer Taddeo Taddei kennen. Ein Treffen mit Leonardo da Vinci hatte einen erheblichen Einfluss auf Raffaels Schaffensprozess. Eine Kopie des Gemäldes „Leda und der Schwan“ ist bis heute erhalten. und die Schwan“), im Besitz von Raphael (einzigartig, da das Original selbst nicht erhalten ist).

Unter dem Einfluss neuer Lehrer schafft Rafael Santi, während er in Florenz lebt, mehr als 20 Madonnen und bringt darin seine Sehnsucht nach der Liebe und Zuneigung zum Ausdruck, die er von seiner Mutter nicht erhalten hat. Die Bilder atmen Liebe, sind zart und raffiniert.

Im Jahr 1507 nahm der Künstler einen Auftrag von Atalanta Baglióni an, deren einziger Sohn starb. Rafael Santi schafft das Gemälde „La deposizione“, das letzte Werk in Florenz.

Leben in Rom

Im Jahr 1508 lädt Papst Julius II. (Iulius PP. II) in der Welt - Giuliano della Rovere (Giuliano della Rovere) Raffael nach Rom ein, um den alten Vatikanpalast zu malen. Von 1509 bis zu seinem Lebensende arbeitete der Künstler und ließ sein ganzes Können, sein ganzes Talent und sein ganzes Wissen in sein Werk einfließen.

Als der Architekt Donato Bramante starb, ernannte Papst Leo X. (Leo PP . Der junge Mann übernahm die Verantwortung für die Volkszählung und Denkmalpflege. Für den Petersdom entwarf Raffael einen anderen Plan und vollendete den Bau eines Innenhofs mit Loggien.

Weitere architektonische Werke Raffaels:

• Die Kirche Sant'Eligio degli Orefici wurde 1509 an der gleichnamigen Straße erbaut und mit dem Bau begonnen.
• Chigi-Kapelle (La cappella Chigi) der Kirche (Basilica di Santa Maria del Popolo), gelegen auf der Piazza del Popolo. Der Bau begann im Jahr 1513 und wurde 1656 (von Giovanni Bernini) abgeschlossen.
• Palazzo Vidoni-Caffarelli in Rom, an der Kreuzung von Piazza Vidoni und Corso Vittorio Emanuele gelegen. Der Bau begann im Jahr 1515.
• Der heute zerstörte Palazzo Branconio dell'Aquila befand sich vor dem Petersdom. Der Bau wurde 1520 abgeschlossen.
• Der Pandolfini-Palast in Florenz in der Via San Gallo wurde vom Architekten Giuliano da Sangallo nach den Skizzen Raffaels erbaut.

Papst Leo In Rom malt Rafael Santi weiterhin Madonnen, ohne von seinem Lieblingsthema der Mutterschaft abzuweichen.

Persönliches Leben

Die Gemälde von Rafael Santi brachten ihm nicht nur Ruhm herausragender Künstler, aber auch viel Geld. Es mangelte ihm nie an der Aufmerksamkeit des Königshauses und an finanziellen Mitteln.

Während der Herrschaft von Leo X. erwarb er ein luxuriöses Haus im antiken Stil, das nach seinem eigenen Entwurf erbaut wurde. Mehrere Versuche seiner Gönner, den jungen Mann zu heiraten, führten jedoch zu nichts. Raffael war ein großer Bewunderer weiblicher Schönheit. Auf Initiative von Kardinal Bibbiena verlobte sich der Künstler mit seiner Nichte Maria Dovizi da Bibbiena, die Hochzeit kam jedoch nicht zustande. Der Maestro wollte den Bund fürs Leben nicht schließen.

Der Name einer berühmten Geliebten Raffaels ist Beatrice aus (Ferrara), aber höchstwahrscheinlich war sie eine gewöhnliche römische Kurtisane.

Die einzige Frau, die es schaffte, das Herz eines wohlhabenden Frauenhelden zu gewinnen, war Margherita Luti, die Tochter eines Bäckers mit dem Spitznamen La Fornarina.

• Der Künstler traf im Chigi-Garten ein Mädchen, als er nach einem Bild für „Amor und Psyche“ suchte. Der dreißigjährige Raphael Santi malte (Villa Farnesina) in Rom, die seinem wohlhabenden Gönner gehörte, und die Schönheit eines siebzehnjährigen Mädchens passte perfekt zu diesem Bild.

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• Der Vater des Mädchens erlaubte seiner Tochter, für 50 Goldstücke für den Künstler zu posieren, und später erlaubte er Raphael, sie für 3.000 Goldstücke mitzunehmen. Sechs Jahre lang lebten die jungen Leute zusammen, Margarita inspirierte ihren Verehrer immer wieder mit neuen Meisterwerken, darunter:
• „Donna Velata“ („La Velata“), Palatinische Galerie (Palazzo Pitti), Florenz, 1515;
• „Fornarina“ („La Fornarina“), Palazzo Barberini, Rom, 1519;

Nach Raffaels Tod erhielt die junge Margarita lebenslangen Unterhalt und ein Haus. Doch 1520 wurde das Mädchen Novizin im Kloster, wo sie später starb.

Tod

Raffaels Tod hinterließ viele Geheimnisse. Einer Version zufolge kehrte der Künstler, müde von seinen nächtlichen Abenteuern, geschwächt nach Hause zurück. Die Ärzte sollten ihn bei Kräften unterstützen, führten jedoch einen Aderlass durch, der den Patienten tötete. Einer anderen Version zufolge erkältete sich Raffael bei Ausgrabungen in den unterirdischen Grabgalerien.

Am 6. April 1520 verstarb der Maesto. Er wurde mit gebührenden Ehren im (Pantheon) beigesetzt. Raffaels Grab kann man bei einem Besuch der Sehenswürdigkeiten Roms im Morgengrauen sehen.

Madonnen

In Anlehnung an seinen Lehrer Pietro Perugino Raffael malte eine Galerie mit 42 Gemälden der Jungfrau und des Kindes. Trotz der Vielfalt der Handlungsstränge eint die Werke die berührende Schönheit der Mutterschaft. Mangel Mutterliebe Der Künstler überträgt es auf die Leinwände und hebt und idealisiert eine Frau, die ängstlich ein Engelsbaby beschützt.

Die ersten Madonnen von Raphael Santi wurden im damals üblichen Quattrocento-Stil geschaffen Frührenaissance im 15. Jahrhundert. Die Bilder sind zurückhaltend, trocken, menschliche Figuren werden streng frontal dargestellt, der Blick ist bewegungslos, in ihren Gesichtern liegt Ruhe und feierliche Abstraktion.

Die Florentiner Zeit bringt Gefühle in die Bilder der Muttergottes ein, Angst und Stolz um ihr Kind manifestieren sich. Die Landschaften im Hintergrund werden komplexer und das Zusammenspiel der dargestellten Charaktere wird deutlich.

In späteren römischen Werken wird der Ursprung (Barocco) vermutet, Gefühle werden komplexer, Posen und Gesten sind weit von der Harmonie der Renaissance entfernt, die Proportionen der Figuren werden verlängert und es ist ein Überwiegen düsterer Töne zu beobachten.

Unten sind die meisten berühmte Gemälde und ihre Beschreibungen:

Die Sixtinische Madonna (Madonna Sistina) ist das berühmteste aller Muttergottesbilder mit den Maßen 2 m 65 cm x 1 m 96 cm. Das Bild der Madonna stammt von der 17-jährigen Margherita Luti, der Tochter von a Bäcker und die Geliebte des Künstlers.

Maria, die aus den Wolken herabsteigt, trägt ein ungewöhnlich ernstes Baby in ihren Armen. Sie werden von Papst Sixtus II. und der Heiligen Barbara empfangen. Am unteren Rand des Gemäldes befinden sich zwei Engel, die sich vermutlich auf einen Sargdeckel stützen. Der Engel links hat einen Flügel. Der Name Sixtus wird aus dem Lateinischen mit „sechs“ übersetzt, die Komposition besteht aus sechs Figuren – die drei Hauptfiguren bilden ein Dreieck, der Hintergrund der Komposition sind Engelsgesichter in Form von Wolken. Das Gemälde wurde 1513 für den Altar der Basilika St. Sixtus (Chiesa di San Sisto) in Piacenza geschaffen. Seit 1754 ist das Werk in der Galerie der Alten Meister ausgestellt.

Madonna und Kind

Ein anderer Name für das 1498 entstandene Gemälde ist „Madonna aus dem Hause Santi“ („Madonna di Casa Santi“). Es war der erste Appell des Künstlers an das Bild der Muttergottes.

Das Fresko wird im Geburtshaus des Künstlers in der Via Raffaello in Urbino aufbewahrt. Heute heißt das Gebäude „Hausmuseum von Raphael Santi“ („Casa Natale di Raffaello“). Madonna ist im Profil zu sehen und liest ein Buch, das auf einem Ständer steht. Sie hat ein schlafendes Baby in ihren Armen. Die Hände der Mutter stützen das Kind und streicheln es sanft. Die Posen beider Figuren sind natürlich und entspannt, die Stimmung wird durch den Kontrast von dunklen und weißen Tönen bestimmt.

Madonna del Granduca ist Raffaels geheimnisvollstes Werk, das 1505 fertiggestellt wurde. Die vorläufige Skizze lässt deutlich die Präsenz einer Landschaft im Hintergrund erkennen. Die Zeichnung wird im Kabinett der Skizzen und Etüden in der Galleria degli Uffizi in Florenz (Firenze) aufbewahrt.

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Röntgen fertige Arbeit bestätigt, dass das Gemälde ursprünglich einen anderen Hintergrund hatte. Die Analyse der Farbe zeigt, dass die oberste Schicht des Gemäldes 100 Jahre nach seiner Entstehung aufgetragen wurde. Vermutlich könnte dies dem Künstler Carlo Dolci zu verdanken sein, dem Besitzer der Granduca-Madonna, der den dunklen Hintergrund religiöser Bilder bevorzugte. Im Jahr 1800 verkaufte Dolci das Gemälde in der bis heute erhaltenen Form an Herzog Franz III. (François III). Den Namen „Granduka“ erhält Madonna vom Namen desselben Besitzers (Grand Duca – Großherzog). Das 84 cm x 56 cm große Gemälde ist in der Galerie Palatine des Palazzo Pitti in Florenz ausgestellt.

Zum ersten Mal bemerkte A. S. Puschkin die Ähnlichkeit zwischen Madonna Bridgewater und seiner Frau Natalya Nikolaevna im Sommer 1830, nachdem er im Schaufenster eines Buchladens am Newski-Prospekt eine Kopie eines Gemäldes aus dem Jahr 1507 gesehen hatte. Dies ist ein weiteres mysteriöses Werk von Raffael, bei dem die Landschaft im Hintergrund mit schwarzer Farbe übermalt ist. Sie reiste lange Zeit um die Welt, danach wurde der Herzog von Bridgewater ihr Besitzer.

Anschließend behielten die Erben das Werk mehr als hundert Jahre lang im Bridgewater-Anwesen in London. Im Zweiten Weltkrieg Die blonde Madonna wurde in die National Gallery of Scotland in Edinburgh transportiert, wo sie heute ausgestellt ist.

Madonna Connestabile ist das Abschlusswerk des Meisters in Umbrien, gemalt im Jahr 1502. Vor ihrem Erwerb durch den Grafen Conestabile della Staffa wurde sie „Madonna del Libro“ genannt.

Im Jahr 1871 kaufte Alexander II. es vom Grafen, um es seiner Frau zu schenken. Heute ist dies das einzige Werk Raffaels, das zu Russland gehört. Es ist in der St. Petersburger Eremitage ausgestellt.

Das Werk wird in einem reichhaltigen Rahmen präsentiert, der gleichzeitig mit der Leinwand erstellt wurde. Bei der Übertragung des Gemäldes von Holz auf Leinwand im Jahr 1881 stellte man fest, dass die Madonna statt eines Buches zunächst einen Granatapfel bei sich trug – ein Zeichen des Blutes Christi. Zum Zeitpunkt der Schaffung der Madonna beherrschte Raffael die Technik des Weichzeichnens von Linienübergängen – Sfumato – noch nicht, daher präsentierte er sein Talent mit dem unverfälschten Einfluss von Leonardo da Vinci.

„Madonna d'Alba“ wurde 1511 von Raffael auf Wunsch von Bischof Paolo Giovio geschaffen. während des Schaffenshöhepunktes des Künstlers. Das Gemälde befand sich lange Zeit, bis 1931, im Besitz der St. Petersburger Eremitage, wurde anschließend nach Washington, USA, verkauft und ist heute in der National Gallery of Art ausgestellt.

Die Haltung und Falten der Kleidung der Muttergottes erinnern an Skulpturen aus der Antike. Das Besondere an der Arbeit ist, dass sie von einem Kreis mit einem Durchmesser von 945 mm eingerahmt wird. Der Titel „Alba“ wurde der Madonna im 17. Jahrhundert zum Gedenken an die Herzöge von Alba verliehen (das Gemälde befand sich einst im Palast von Sevilla, der den Erben von Olivares gehörte). Im Jahr 1836 Russischer Kaiser Nikolaus I. kaufte es für 14.000 Pfund und ließ es von einem Holzträger auf eine Leinwand übertragen. Gleichzeitig ging ein Teil der Natur auf der rechten Seite verloren.

„Madonna della Seggiola“ entstand 1514 und ist in der Galerie Palatine des Palazzo Pitti ausgestellt. Die Muttergottes trägt die elegante Kleidung einer Frau aus dem Italien des 16. Jahrhunderts.

Madonna umarmt und umarmt ihren Sohn fest mit beiden Armen, als würde sie spüren, was er erleben muss. Rechts betrachtet Johannes der Täufer sie in der Form kleiner Junge. Alle Figuren sind gezeichnet Nahaufnahme und der Hintergrund für das Bild wird nicht mehr benötigt. Hier gibt es keine Strenge geometrische Formen und lineare Perspektiven, aber es gibt grenzenlose Mutterliebe, ausgedrückt durch die Verwendung warmer Farben.

Raffaels große Leinwand (1 m 22 cm x 80 cm) „Der schöne Gärtner“ (La Belle Jardiniere) aus dem Jahr 1507 gehört zu den wertvollsten Exponaten des Pariser Louvre (Musée du Louvre).

Ursprünglich hieß das Gemälde „Die Heilige Jungfrau im Bauernkleid“, doch erst 1720 beschloss der Kunstkritiker Pierre Mariette, ihm einen anderen Namen zu geben. Dargestellt ist Maria mit Jesus und Johannes dem Täufer im Garten sitzend. Der Sohn greift nach dem Buch und schaut seiner Mutter in die Augen. Johannes hält einen Stab mit einem Kreuz und blickt auf Christus. Über den Köpfen der Charaktere sind Lichthöfe kaum sichtbar. Frieden und Ruhe werden durch einen türkisfarbenen Himmel mit weißen Wolken, einen See, blühende Kräuter und dicke Kinder in der Nähe der freundlichen und sanften Madonna vermittelt.

Madonna mit dem Stieglitz

Madonna mit dem Stieglitz (Madonna del Cardellino) gilt als eine der besten Kreationen Raffaels und wurde 1506 gemalt. Ausgestellt in der Uffizien-Galerie (Galleria degli Uffizi) in Florenz.

Der Kunde für das Gemälde war der Freund des Künstlers, der Kaufmann Lorenzo Nazi, der darum bat, das Werk für seine Hochzeit fertigzustellen. Im Jahr 1548 ging das Gemälde fast verloren, als der Monte San Giorgio auf das Kaufmannshaus und die Nachbarhäuser einstürzte. Lorenzos Sohn Batista sammelte jedoch alle Teile des Gemäldes aus den Ruinen und übergab sie Ridolfo del Ghirlandaio zur Restaurierung. Er tat alles, um dem Meisterwerk sein ursprüngliches Aussehen zu verleihen, doch Spuren von Beschädigungen konnten nicht vollständig verborgen werden. Das Röntgenbild zeigt 17 durch Nägel verbundene Einzelelemente, neue Lackierung und vier Einsätze auf der linken Seite.

Die Kleine Madonna von Cowper (Piccola Madonna Cowper) wurde 1505 geschaffen und nach Earl Cowper benannt, in dessen Sammlung sich das Werk viele Jahre lang befand. 1942 Schenkung an die National Gallery of Art in Washington. Die Heilige Jungfrau wird, wie auf vielen anderen Gemälden Raffaels, in roten Gewändern dargestellt und symbolisiert das Blut Christi. Oben ist ein blauer Umhang als Symbol der Unschuld angebracht. Obwohl niemand in Italien so ging, stellte Raffael die Mutter Gottes in genau dieser Kleidung dar. In der Haupteinstellung sitzt Maria auf einer Bank. Mit ihrer linken Hand umarmt sie den lächelnden Christus. Dahinter sieht man eine Kirche, die an den Tempel San Bernardino (Chiesa di San Bernardino) in Urbino, der Heimat des Autors des Bildes, erinnert.

Porträts

Es gibt nicht viele Porträts in Raffaels Sammlung; er ist früh verstorben. Darunter sind frühe Werke aus Florentiner Zeit und Werke seines reifen Alters, die während seines Aufenthalts in Rom von 1508 bis 1520 entstanden sind. Der Künstler schöpft viel aus dem Leben, definiert stets klar die Umrisse und erreicht so eine möglichst genaue Übereinstimmung des Bildes mit dem Original. Die Urheberschaft vieler Werke wird in Frage gestellt; andere mögliche Autoren sind: Pietro Perugino, Francesco Francia, Lorenzo di Credi.

Porträts, die vor dem Umzug nach Florenz entstanden sind

Eine Öl-auf-Holz-Arbeit (45 cm x 31 cm) aus dem Jahr 1502 ist in der Galleria Borghese ausgestellt.

Bis ins 19. Jahrhundert die Urheberschaft des Porträts wurde Perugino zugeschrieben, aber neueste Forschung deuten darauf hin, dass das Meisterwerk vom frühen Raffael gemalt wurde. Vielleicht ist dies ein Bild eines der Herzöge, der Zeitgenossen des Künstlers. Fließende Haarlocken und das Fehlen von Gesichtsfehlern idealisieren das Bild etwas. dies entsprach nicht dem Realismus der damaligen Künstler Norditaliens.

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In der Uffizien-Galerie ist ein Porträt von Elizabeth Gonzaga aus dem Jahr 1503 mit den Maßen 52 cm x 37 cm ausgestellt.

Elisabeth war die Schwester von Francesco II. Gonzaga und die Frau von Guidobaldo da Montefeltro. Die Stirn der Frau ist mit einem Skorpionanhänger geschmückt, ihre Frisur und Kleidung sind im Stil der Zeitgenossen der Autorin dargestellt.. Kunsthistorikern zufolge wurden die Porträts von Gonzaga und Montefeltro teilweise von Giovanni Santi ausgeführt. Elizabeth lag Raphael am Herzen, weil sie an seiner Erziehung beteiligt war, als er als Waise zurückgelassen wurde.

Das Porträt von Pietro Bembo, eines von Raffaels ersten Werken aus dem Jahr 1504, stellt den jungen Pietro Bembo dar, der Kardinal wurde, praktisch der Doppelgänger des Künstlers.

Auf dem Bild strömen die langen Haare des jungen Mannes sanft unter einer roten Mütze hervor. Die Hände sind auf der Brüstung gefaltet, in der rechten Handfläche ist ein Stück Papier umklammert. Raphael traf Bembo zum ersten Mal im Schloss des Herzogs von Urbino. Das Porträt in Öl auf Holz (54 cm x 39 cm) ist im Museum der Schönen Künste (Szépművészeti Múzeum) in Budapest, Ungarn, ausgestellt.

Porträts aus der Florentiner Zeit

Das Porträt einer schwangeren Frau von Donna Gravida (La donna gravida) wurde 1506 in Öl auf Leinwand mit den Maßen 77 cm x 111 cm ausgeführt und wird im Palazzo Pitti aufbewahrt.

Zur Zeit Raffaels war es nicht üblich, Frauen mit einem Kind darzustellen, doch der Porträtmaler malte Bilder, die seiner Seele nahestanden, ohne Rücksicht auf Dogmen. Das Thema der Mutterschaft, das sich durch alle Madonnen zieht, spiegelte sich auch in den Bildern weltlicher Bewohner wider. Kunsthistoriker glauben, dass es sich dabei um eine Frau aus der Familie Bufalini, Città di Castello oder Emilia Pia da Montefeltro handeln könnte. Die Zugehörigkeit zu einer wohlhabenden Klasse wird durch ein modisches Outfit, Schmuck an den Haaren und Ringe angezeigt Edelsteine an den Fingern und eine Kette um den Hals.

Das Porträt einer Dame mit einem Einhorn (Dama col liocorno) in Öl auf Holz, 65 cm x 61 cm, gemalt im Jahr 1506, ist in der Galleria Borghese ausgestellt.

Vermutlich posierte Giulia Farnese, die heimliche Liebe von Papst Alexander VI. (Alexander PP. VI), für das Bild. Das Werk ist interessant, weil bei zahlreichen Restaurierungen das Bild der Dame mehrfach verändert wurde. Das Röntgenbild zeigt die Silhouette eines Hundes statt eines Einhorns. Möglicherweise durchlief die Arbeit an dem Porträt mehrere Phasen. Raphael könnte der Autor des Rumpfes, der Landschaft und des Himmels der Figur gewesen sein. Giovanni Sogliani könnte die Säulen an den Seiten der Loggia, Arme mit Ärmeln und einen Hund gemalt haben. Ein weiterer späterer Anstrich erhöht das Volumen der Frisur, verändert die Ärmel und vervollständigt den Hund. Nach einigen Jahrzehnten wird der Hund zum Einhorn, Zeiger sind neu geschrieben. Im 17. Jahrhundert wird die Dame im Umhang zur Heiligen Katharina.

Selbstporträt

Das 47,5 cm x 33 cm große Selbstporträt (Autoritratto) aus dem Jahr 1506 wird in der Uffizien-Galerie in Florenz aufbewahrt.

Arbeit für eine lange Zeit Es gehörte Kardinal Leopoldus Medices und ist seit 1682 Teil der Sammlung der Uffizien. Das Spiegelbild des Porträts wurde von Raffael auf das Fresko gemalt. Athener Schule„(„Scuola di Atene“) in der Haupthalle des Vatikanischen Palastes (Apostolischer Palast (Palazzo Apostolico)). Der Künstler stellte sich selbst in einem schlichten schwarzen Gewand dar, das nur mit einem kleinen Streifen weißen Kragens verziert war.

Porträt von Agnolo Doni, Porträt von Maddalena Doni

Das Porträt von Agnolo Doni und das Porträt von Maddalena Doni (Porträt von Agnolo Doni, Porträt von Maddalena Doni) wurden 1506 in Öl auf Holz gemalt und ergänzen sich perfekt.

Agnolo Doni war ein wohlhabender Wollhändler und gab unmittelbar nach ihrer Hochzeit ein Gemälde von sich und seiner jungen Frau (geb. Strozzi) in Auftrag.

Das Bild des Mädchens ist der „Mona Lisa“ (Leonardo da Vinci) nachempfunden: die gleiche Drehung des Körpers, die gleiche Position der Hände. Die sorgfältige Detaillierung von Kleidung und Schmuck weist auf den Reichtum des Paares hin.

Rubine symbolisieren Wohlstand, Saphire symbolisieren Reinheit und der Perlenanhänger an Maddalenas Hals symbolisiert Jungfräulichkeit. Zuvor waren beide Werke durch Scharniere miteinander verbunden. Ab Mitte der 20er Jahre. 19. Jahrhundert Nachkommen der Familie Doni geben die Porträts weiter.

Das 64 cm x 48 cm große Gemälde „La Muta“ in Öl auf Leinwand entstand 1507 und wurde in der Nationalgalerie der Marken (Galleria nazionale delle Marche) in Urbino ausgestellt.

Als Prototyp des Bildes gilt Elisabetta Gonzaga, die Frau des Herzogs Guidobaldo da Montefeltro. Einer anderen Version zufolge könnte es sich um die Schwester des Herzogs, Giovanna, handeln. Bis 1631 befand sich das Porträt in Urbino; ​​anschließend wurde es nach Florenz transportiert. 1927 wurde das Werk erneut in die Heimat des Künstlers zurückgebracht. 1975 wurde das Gemälde aus der Galerie gestohlen und ein Jahr später in der Schweiz entdeckt.

Das 1505 gemalte Porträt eines jungen Mannes in Öl auf Holz (35 cm x 47 cm) ist in den Uffizien in Florenz ausgestellt.

Francesco Maria della Rovere, hier abgebildet, war der Sohn von Giovanni Della Rovere und Juliana Feltria. Sein Onkel ernannte den jungen Mann 1504 zu seinem Erben und gab sofort dieses Porträt in Auftrag. Ein junger Mann im roten Gewand wird in der bescheidenen Natur Norditaliens präsentiert.

Das Porträt von Guidobaldo da Montefeltro (Ritratto di Guidóbaldo da Montefeltro) in Öl auf Holz (69 cm x 52 cm) wurde 1506 angefertigt. Das Werk wurde im Schloss der Herzöge von Urbino (Palazzo Ducale) aufbewahrt und danach aufbewahrt in die Stadt Pesaro transportiert. Im Jahr 1631 gelangte das Gemälde in die Sammlung der Frau von Ferdinando II. de Medici, Vittoria della Rovere. Der schwarz gekleidete Montefeltro steht im Zentrum der Komposition, die von den dunklen Wänden des Raumes eingerahmt wird. Rechts dargestellt offenes Fenster

Strophen von Raffael im Vatikan

1508 zog der Künstler nach Rom, wo er bis zu seinem Tod blieb. Der Architekt Domato Bramante half ihm, Künstler am päpstlichen Hof zu werden. Papst Julius II. überlässt seinem Schützling die Bemalung der Prunkräume (Strophen) des alten Vatikanpalastes, der später den Namen „Stanze di Raffaello“ erhielt. Nachdem der Papst Raffaels erstes Werk gesehen hatte, befahl er, seine Zeichnungen auf allen Oberflächen anzubringen, die Fresken der anderen Autoren zu entfernen und nur die Lampenschirme unberührt zu lassen.

• Unbedingt besuchen:

Wörtliche Übersetzung„Stanza della Segnatura“ klingt wie „Signaturraum“; es ist der einzige, der nicht entsprechend dem Thema der Fresken umbenannt wurde.

Raffael arbeitete von 1508 bis 1511 an seinem Gemälde. In dem Raum unterzeichneten Könige wichtige Dokumente und direkt dort befand sich eine Bibliothek. Dies ist die erste von vier Strophen, an denen Raphael gearbeitet hat.

Fresko „Schule von Athen“

Der zweite Titel der „Scuola di Atene“, des besten der geschaffenen Fresken, lautet „Philosophische Gespräche“ („Discussioni filosofiche“). Hauptthema- Der Streit zwischen Aristoteles (Aristoteles) und Platon ((Platon), geschrieben mit Leonardo da Vinci) unter den Bögen eines fantastischen Tempels soll philosophische Tätigkeit widerspiegeln. Die Länge an der Basis beträgt 7 m 70 cm, mehr als 50 Zeichen sind in der Komposition platziert, darunter Heraklit (Heraklit, gemalt mit), Ptolemaeus, Selbstporträt von Raffael, Sokrates, Diogenes, Pythagoras, Euklid, gemalt mit Bramante, Zoroaster (Zoroastr) und anderen Philosophen und Denkern.

Fresko „Disputation“ oder „Streit um die Heilige Kommunion“

Die Größe des „Streits um die Heilige Kommunion“ („La disputa del sacramento“), der die Theologie symbolisiert, beträgt 5 m x 7 m 70 cm.

Im Fresko führen die himmlischen Bewohner eine theologische Debatte mit irdischen Sterblichen (Fra Beato Angelico, Augustinus Hipponensis, Dante Alighieri, Savonarola und anderen). Die klare Symmetrie im Werk ist nicht deprimierend; im Gegenteil, dank Raffaels Organisationstalent wirkt es natürlich und harmonisch. Die Leitfigur der Komposition ist ein Halbkreis.

Fresko „Weisheit. Mäßigung. Stärke"

Fresko „Weisheit. Mäßigung. „Stärke“ („La saggezza. La moderazione. Forza“) ist an der von einem Fenster durchschnittenen Wand angebracht. Ein anderer Name für ein Werk, das die weltliche und kirchliche Gesetzgebung verherrlicht, ist „Rechtswissenschaft“ (Giurisprudenza).

Unterhalb der Figur der Jurisprudenz an der Decke, an der Wand über dem Fenster sind drei Figuren zu sehen: Die Weisheit blickt in den Spiegel, die Stärke im Helm und die Mäßigkeit mit Zügeln in der Hand. Auf der linken Seite des Fensters knien Kaiser Justinian (Iustinianus) und Tribonianus (Tribonianus). Auf der rechten Seite des Fensters ist ein Bild von Papst Gregor VII. (Gregorius PP. VII) zu sehen, der einem Anwalt die Dekrete der Päpste vorlegt.

Fresko „Parnass“

An der Wand gegenüber von „Weisheit“ befindet sich das Fresko „Parnassus“ („er Parnassus“) oder „Apollo und die Musen“ („Apollo und die Musen“). Mäßigung. Powers“ und stellt antike und moderne Dichter dar. In der Bildmitte ist der antike griechische Apollo mit einer handgefertigten Leier zu sehen, umgeben von neun Musen. Rechts sind: Homer, Dante, Anakreon, Virgil, rechts sind Ariosto, Horatius, Terentius, Ovidius.

Als Thema für das Gemälde der Stanza di Eliodoro wurde die Fürbitte gewählt höhere Mächte für die Kirche. Der Saal, an dem seit 1511 gearbeitet wird. um 1514, wurde nach einem der vier von Raffael an der Wand gemalten Fresken benannt. Der beste Schüler des Masters, Giulio Romano, unterstützte den Lehrer bei seiner Arbeit.

Fresko „Die Vertreibung Eliodors aus dem Tempel“

Das Fresko „Cacciata di Eliodoro dal tempio“ stellt die Legende dar, nach der der treue Diener königliche Dynastie Der seleukidische General Eliodorus wurde nach Jerusalem geschickt, um die Schatzkammer der Witwen und Waisen aus Salomos Tempel abzuholen.

Als er die Tempelhalle betrat, sah er ein wütendes Pferd mit einem Engel als Reiter herbeistürmen. Das Pferd begann, Eliodor mit seinen Hufen zu zertrampeln, und die Gefährten des Reiters, ebenfalls Engel, schlugen den Räuber mehrmals mit der Peitsche. Papst Julius II. ist im Fresko als außenstehender Beobachter dargestellt.

Fresko „Messe in Bolsena“

Rafael Santi arbeitete alleine am Fresko „Messe in Bolsena“, ohne Assistenten einzubeziehen. Die Handlung zeigt ein Wunder, das im Tempel von Bolsena geschah. Der deutsche Priester wollte gerade mit dem Ritus der Kommunion beginnen, glaubte aber tief in seinem Inneren nicht an dessen Wahrheit. Dann flossen fünf Blutströme aus der Hostie (Kuchen) in seinen Händen (zwei davon sind ein Symbol für die durchbohrten Hände Christi, zwei für seine Füße, einer davon ist Blut aus der Wunde seiner durchbohrten Seite). Die Komposition enthält Notizen über einen Zusammenstoß mit deutschen Ketzern des 16. Jahrhunderts.

Fresko „Aus dem Gefängnis den Apostel Petrus holen“

Auch das Fresko „Die Befreiung des Apostels Petrus aus dem Gefängnis“ („la Delivrance de Saint Pierre“) ist vollständig ein Werk von Raffael. Die Handlung ist der „Apostelgeschichte“ entnommen, das Bild ist in 3 Teile gegliedert. Im Zentrum der Komposition steht der strahlende Apostel Petrus, eingesperrt in einer düsteren Gefängniszelle. Auf der rechten Seite tauchen Petrus und der Engel aus der Gefangenschaft auf, während die Wachen schlafen. Links ist die dritte Aktion zu sehen, bei der der Wachmann aufwacht, den Verlust entdeckt und Alarm schlägt.

Fresko „Begegnung Leos I. des Großen mit Attila“

Ein bedeutender Teil des über 8 m breiten Werkes „Die Begegnung zwischen Leo dem Großen und Attila“ wurde von Raffaels Schülern angefertigt.

Leo der Große hat das Aussehen von Papst Leo X. Der Legende nach ging Leo der Große ihm zusammen mit anderen Mitgliedern der Delegation entgegen, als sich der Anführer der Hunnen den Mauern Roms näherte. Mit seiner Beredsamkeit überzeugte er die Eindringlinge, ihre Absichten, die Stadt anzugreifen, aufzugeben und zu verlassen. Der Legende nach sah Attila hinter Leo einen Geistlichen, der ihn mit einem Schwert bedrohte. Es könnte der Apostel Petrus (oder Paulus) gewesen sein.

Die Stanza dell’Incendio di Borgo ist die Endhalle, an der Raffael von 1514 bis 1517 arbeitete.

Der Raum wurde nach dem wichtigsten und besten Fresko von Rafael Santi benannt, „Feuer im Borgo“ des Maestro. An den übrigen Gemälden arbeiteten seine Schüler nach den vorgegebenen Zeichnungen.

Fresko „Feuer in Borgo“

Im Jahr 847 ging das römische Viertel Borgo neben dem Vatikanpalast in Flammen auf. Es wuchs, bis Leo IV. (Leo PP. IV) aus dem Vatikanpalast erschien und die Katastrophe stoppte Zeichen des Kreuzes. Im Hintergrund angezeigt alte Fassade Petersdom. Links die erfolgreichste Gruppe: Ein sportlicher junger Mann trägt seinen alten Vater auf seinen Schultern aus dem Feuer. In der Nähe versucht ein anderer junger Mann, die Mauer zu erklimmen (vermutlich hat der Künstler sich selbst gemalt).

Strophe von Konstantin

Raphael Santi erhielt 1517 den Auftrag, den „Saal des Konstantin“ („Sala di Costantino“) zu malen, schaffte es jedoch nur, Skizzen der Zeichnungen anzufertigen. Der plötzliche Tod des brillanten Schöpfers hinderte ihn daran, sein Werk zu vollenden. Alle Fresken wurden von Raffaels Schülern ausgeführt: Giulio Romano, Gianfrancesco Penni, Raffaellino del Colle, Perino del Vaga.

1. Giovanni Santi bestand darauf, dass die Mutter den neugeborenen Raphael selbst ernähren sollte, ohne auf die Hilfe einer Krankenschwester zurückgreifen zu müssen.
2. Bis heute sind etwa vierhundert Zeichnungen des Maestro erhalten., darunter Skizzen und Bilder verlorener Gemälde.
3. Die erstaunliche Freundlichkeit und spirituelle Großzügigkeit des Künstlers zeigte sich nicht nur gegenüber nahestehenden Menschen. Raphael verbrachte sein ganzes Leben damit, sich wie ein Sohn um einen armen Wissenschaftler und Übersetzer des Hippokrates ins Lateinische, Rabio Calve, zu kümmern. Der Gelehrte war ebenso heilig wie er gelehrt war, also häufte er kein Vermögen an und lebte bescheiden.
4. In den Klosterunterlagen wurde Margarita Luti als „die Witwe von Raffael“ bezeichnet. Darüber hinaus entdeckten Restauratoren bei der Untersuchung der Farbschichten auf dem Gemälde „Fornarina“ darunter einen Rubinring, möglicherweise einen Ehering. Auch der Perlenschmuck im Haar von „Fornarina“ und „Donna Velata“ weist auf eine Heirat hin.
5. Ein schmerzhafter bläulicher Fleck auf der Brust der Fornarina deutet darauf hin, dass die Frau Brustkrebs hatte.
6. Im Jahr 2020 jährt sich sein Todestag zum 500. Mal genialer Künstler. Im Jahr 2016 fand zum ersten Mal in Russland eine Ausstellung von Raphael Santi in Moskau im Staatlichen Puschkin-Museum der Schönen Künste statt. In der Ausstellung „Raphael. Poesie des Bildes“ präsentierte 8 Gemälde und 3 grafische Zeichnungen, die aus verschiedenen Museen in Italien gesammelt wurden.
7. Raphael (alias Raf) ist Kindern als einer der „Teenage Mutant Ninja Turtles“ im gleichnamigen Cartoon bekannt, der eine durchdringende Klingenwaffe trägt – die Sai, die wie ein Dreizack aussieht.

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großer italienischer Maler, Grafiker und Architekt, Vertreter der umbrischen Schule

Kurze Biographie

Rafael Santi(Italienisch: Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, Rafael, Raffael da Urbino, Rafaelo; 26. oder 28. März oder 6. April 1483, Urbino – 6. April 1520, Rom) – ein großer italienischer Maler, Grafiker und Architekt, Vertreter von die umbrische Schule.

Kreative Biografie

Urbino. Kindheit und Jugend

Rafael hat seine Eltern früh verloren. Seine Mutter, Margie Charla, starb 1491 und sein Vater, Giovanni Santi, starb 1494. Sein Vater war Künstler und Dichter am Hofe des Herzogs von Urbino, und Raphael sammelte seine ersten Erfahrungen als Künstler in der Werkstatt seines Vaters . Das früheste Werk ist das Fresko Madonna mit Kind, das sich noch heute im Hausmuseum befindet.

Zu den ersten Werken zählen das Banner mit dem Bild der Heiligen Dreifaltigkeit (um 1499-1500) und das Altarbild Die Krönung des Heiligen. Nikolaus von Tolentino“ (1500–1501) für die Kirche Sant’Agostino in Città di Castello.

Ausbildung

Im Jahr 1501 kam Raffael in die Werkstatt von Pietro Perugino in Perugia, sodass die frühen Werke im Stil Peruginos angefertigt wurden.

Zu dieser Zeit verlässt er Perugia häufig in Richtung seines Hauses in Urbino, in Città di Castello, besucht Siena zusammen mit Pinturicchio und führt im Auftrag von Città di Castello und Perugia eine Reihe von Arbeiten aus.

Im Jahr 1502 erschien die erste Raffael-Madonna – „Madonna Solly“; Raphael schrieb sein ganzes Leben lang Madonnen.

Die ersten Gemälde ohne religiöse Themen waren „Der Traum des Ritters“ und „Die drei Grazien“ (beide um 1504).

Nach und nach entwickelte Raffael seinen eigenen Stil und schuf seine ersten Meisterwerke – „Die Verlobung der Jungfrau Maria mit Joseph“ (1504), „Die Krönung Mariens“ (um 1504) für den Oddi-Altar.

Neben großen Altargemälden malte er kleine Gemälde: „Madonna Conestabile“ (1502–1504), „Der heilige Georg tötet den Drachen“ (um 1504–1505) und Porträts – „Porträt von Pietro Bembo“ (1504–1506). .

1504 traf er in Urbino Baldassar Castiglione.

Florentiner Zeit. Madonnen

Ende 1504 zog er nach Florenz. Hier trifft er Leonardo da Vinci, Michelangelo, Bartolomeo della Porta und viele andere florentinische Meister. Studiert sorgfältig die Maltechniken von Leonardo da Vinci und Michelangelo. Eine Zeichnung von Raffael aus dem verschollenen Gemälde von Leonardo da Vinci „Leda und der Schwan“ und eine Zeichnung aus „St. Matthäus“ Michelangelo. „...die Techniken, die er in den Werken von Leonardo und Michelangelo sah, zwangen ihn, noch härter zu arbeiten, um aus ihnen beispiellose Vorteile für seine Kunst und sein Auftreten zu ziehen.“

Der erste Auftrag in Florenz kommt von Agnolo Doni für Porträts von ihm und seiner Frau, letztere wurde von Raphael unter dem offensichtlichen Eindruck von La Gioconda gemalt. Für Agnolo Doni schuf Michelangelo Buonarroti zu dieser Zeit den Tondo „Madonna Doni“.

Raffael malt Altargemälde „Thronende Madonna mit Johannes dem Täufer und Nikolaus von Bari“ (um 1505), „Grablegung“ (1507) und Porträts – „Dame mit Einhorn“ (um 1506-1507).

1507 traf er Bramante.

Raffaels Popularität wächst stetig, er erhält viele Aufträge für Heiligenbilder – „Die Heilige Familie mit St. Elisabeth und Johannes der Täufer“ (um 1506–1507). „Heilige Familie (Madonna mit bartlosem Josef)“ (1505-1507), „Hl. Katharina von Alexandrien“ (um 1507-1508).

Florentiner Madonnen

In Florenz schuf Raffael etwa 20 Madonnen. Obwohl die Handlungen Standard sind: Die Madonna hält entweder das Kind in ihren Armen oder er spielt neben Johannes dem Täufer, sind alle Madonnen individuell und zeichnen sich (anscheinend) durch einen besonderen mütterlichen Charme aus früher Tod Seine Mutter hinterließ einen tiefen Eindruck in Raphaels Seele.

Raffaels wachsender Ruhm führte zu einer Zunahme der Aufträge für Madonnen; er schuf die „Madonna von Granduca“ (1505), „Madonna mit den Nelken“ (um 1506) und „Madonna unter dem Baldachin“ (1506-1508). Zu den besten Werken dieser Zeit zählen „Madonna Terranuova“ (1504-1505), „Madonna mit dem Distelfink“ (1506), „Madonna mit Kind und Johannes dem Täufer (Der schöne Gärtner)“ (1507-1508).

Vatikan

In der zweiten Hälfte des Jahres 1508 zog Raffael nach Rom (wo er den Rest seines Lebens verbrachte) und wurde mit der Unterstützung von Bramante offizieller Künstler des päpstlichen Hofes. Er erhielt den Auftrag, die Stanza della Segnatura mit Fresken zu versehen. Für diese Strophe malte Raffael Fresken, die vier Arten menschlicher intellektueller Aktivität widerspiegeln: Theologie, Rechtswissenschaft, Poesie und Philosophie – „Disputa“ (1508-1509), „Weisheit, Mäßigkeit und Stärke“ (1511) und das herausragendste „Parnassus“. (1509–1510) und der „Schule von Athen“ (1510–1511).

Parnassus zeigt Apollo mit neun Musen, umgeben von achtzehn berühmten antiken griechischen, römischen und italienischen Dichtern. „So malte er an der dem Belvedere zugewandten Wand, wo sich Parnassus und die Quelle des Helikon befinden, auf die Spitze und die Hänge des Berges einen schattigen Hain aus Lorbeerbäumen, in dessen Grün man das Zittern der Blätter spüren kann. Sie wiegen sich unter dem sanftesten Windhauch, während in der Luft unzählige nackte Amoretten mit dem bezauberndsten Ausdruck auf ihren Gesichtern schweben, Lorbeerzweige pflücken und sie zu Kränzen flechten, die sie über den ganzen Hügel verteilen, wo alles aufgefächert ist mit einem wahrhaft göttlichen Hauch - sowohl die Schönheit der Figuren als auch die Erhabenheit des Gemäldes selbst, das jeder, der es aufmerksam betrachtet, betrachtet, es ist erstaunlich, wie menschliches Genie trotz aller Unvollkommenheiten einfacher Farbe so etwas erreichen konnte, Dank der Perfektion der Zeichnung wirkte das Bild lebendig.“

„Die Schule von Athen“ ist eine brillant ausgeführte mehrfigurige Komposition (ca. 50 Zeichen), die antike Philosophen vorstellt, von denen viele Raffael die Züge seiner Zeitgenossen wiedergeben, zum Beispiel ist Platon nach dem Vorbild von Leonardo da Vinci gemalt. Heraklit im Bild von Michelangelo und der am rechten Rand stehende Ptolemaios sind dem Autor des Freskos sehr ähnlich. „Es stellt die Weisen der ganzen Welt dar, die auf jede erdenkliche Weise miteinander streiten ... Unter ihnen befindet sich Diogenes mit seiner Schale, der auf den Stufen liegt, eine Figur, die in ihrer Distanziertheit sehr bedächtig ist und wegen ihrer Schönheit und ihrer Schönheit Lob verdient die dafür so passende Kleidung... Die Schönheit und die der oben erwähnten Astrologen und Geometer, die mit Zirkeln allerlei Figuren und Zeichen auf Tafeln zeichnen, ist wahrlich unbeschreiblich.“

Papst Julius II. mochte Raffaels Werk sehr, auch als es noch nicht fertig war, und der Papst beauftragte den Maler, drei weitere Strophen zu malen, und die Künstler, die dort bereits mit dem Malen begonnen hatten, darunter Perugino und Signorelli, wurden aus dem Werk entfernt. Angesichts der enormen Menge an Arbeit, die vor ihm lag, rekrutierte Raffael Studenten, die auf der Grundlage seiner Skizzen den größten Teil des Auftrags fertigstellten und die vierte Strophe von Constantine vollständig von den Studenten gemalt hatten.

In der Eliodoro-Strophe wurden „Die Vertreibung des Eliodorus aus dem Tempel“ (1511-1512), „Messe in Bolsena“ (1512) und „Attila unter den Mauern Roms“ (1513-1514) geschaffen, aber die erfolgreichste war das Fresko „Die Befreiung des Apostels Petrus aus dem Gefängnis“ (1513-1514). „Der Künstler zeigte nicht weniger Können und Talent in der Szene, in der St. Petrus, von seinen Ketten befreit, verlässt das Gefängnis in Begleitung eines Engels ... Und da diese Geschichte von Raffael über dem Fenster dargestellt wird, erscheint die gesamte Wand dunkler, da das Licht den Betrachter beim Betrachten des Freskos blendet. Das aus dem Fenster fallende natürliche Licht konkurriert so erfolgreich mit den abgebildeten Nachtlichtquellen, dass es scheint, als ob man vor dem Hintergrund der nächtlichen Dunkelheit tatsächlich sowohl die rauchende Flamme einer Fackel als auch das Strahlen eines Engels sehen würde, so natürlich und so vermittelt Ehrlich gesagt würde man nie sagen, dass es sich dabei nur um Malerei handelt – so überzeugend hat der Künstler die schwierigste Idee verkörpert. Tatsächlich kann man auf der Rüstung seine eigenen und fallenden Schatten und Reflexionen sowie die rauchige Hitze der Flamme erkennen, die sich vor dem Hintergrund eines so tiefen Schattens abhebt, dass man Raphael wirklich als den Lehrer aller anderen Künstler betrachten kann, der es geschafft hat eine solche Ähnlichkeit in der Darstellung der Nacht, wie sie die Malerei noch nie zuvor erreicht hatte.

Leo X., der 1513 die Nachfolge von Julius II. antrat, schätzte Raffael ebenfalls sehr.

In den Jahren 1513-1516 beschäftigte sich Raffael im Auftrag des Papstes mit der Herstellung von Pappen mit Szenen aus der Bibel für zehn Wandteppiche, die für die Sixtinische Kapelle bestimmt waren. Der erfolgreichste Karton“ Wundervoller Fang„(Insgesamt sind bis heute sieben Kartons erhalten geblieben).

Ein weiterer Befehl des Papstes sah Loggien mit Blick auf den Innenhof des Vatikans vor. Nach Raffaels Entwurf wurden sie 1513–1518 in Form von 13 Arkaden errichtet, in denen 52 Fresken zu biblischen Themen von Schülern nach Raffaels Skizzen gemalt wurden.

1514 starb Bramante und Raphael wurde Chefarchitekt des damals im Bau befindlichen Petersdoms. Im Jahr 1515 erhielt er die Position des Hauptverwalters der Altertümer.

1515 kam Dürer nach Rom und besichtigte die Strophen. Raphael gibt ihm seine Zeichnung, als Antwort schickte der deutsche Künstler Raphael sein Selbstporträt, dessen weiteres Schicksal unbekannt ist.

Altarmalerei

Obwohl Raffael mit der Arbeit im Vatikan beschäftigt ist, erfüllt er Aufträge von Kirchen zur Schaffung von Altarbildern: „Heilige Cäcilia“ (1514-1515), „Die Kreuztragung“ (1516-1517), „Vision des Hesekiel“ (um 1518).

Das letzte Meisterwerk des Meisters ist die majestätische „Verklärung“ (1516-1520), ein Gemälde, in dem barocke Züge sichtbar sind. Im oberen Teil stellt Raffael in Anlehnung an das Tabor-Evangelium das Wunder der Verklärung Christi vor Petrus, Jakobus und Johannes dar. Der untere Teil des Gemäldes mit den Aposteln und dem von Dämonen besessenen Jüngling wurde von Giulio Romano nach Skizzen Raffaels fertiggestellt.

Römische Madonnen

In Rom malte Raffael etwa zehn Madonnen. Die Madonna von Alba (1510), die Madonna von Foligno (1512), die Madonna mit den Fischen (1512-1514) und die Madonna im Sessel (um 1513-1514) zeichnen sich durch ihre Majestät aus.

Raffaels vollkommenste Schöpfung war die berühmte „Sixtinische Madonna“ (1512-1513). Dieses Gemälde wurde von Julius II. für den Altar der Kirche des Klosters St. Sixtus in Piacenza in Auftrag gegeben. „Die Sixtinische Madonna ist wirklich symphonisch. Die Verflechtung und Begegnung von Linien und Massen dieser Leinwand verblüfft durch ihren inneren Rhythmus und ihre Harmonie. Aber das Phänomenalste an dieser großen Leinwand ist die geheimnisvolle Fähigkeit des Malers, alle Linien, alle Formen, alle Farben in eine so wundersame Übereinstimmung zu bringen, dass sie nur einem dienen, dem Hauptwunsch des Künstlers – uns unermüdlich schauen zu lassen in die traurigen Augen Mariens.“

Porträts

Zusätzlich zu der großen Anzahl von Gemälden auf religiöse Themen Raphael schafft auch Porträts. Im Jahr 1512 malte Raffael das „Porträt von Papst Julius II.“ „Zur gleichen Zeit, die sich bereits größter Berühmtheit erfreute, malte er ein Ölporträt von Papst Julius, so lebendig und ähnlich, dass die Menschen beim bloßen Anblick des Porträts zitterten, als würden sie einen lebenden Papst sehen.“ Auf Befehl des päpstlichen Gefolges wurden „Porträt des Kardinals Alessandro Farnese“ (um 1512) und „Porträt von Leo X. mit den Kardinälen Giulio Medici und Luigi Rossi“ (um 1517-1518) gemalt.

Besonders hervorzuheben ist das Porträt von Baldassare Castiglione (1514-1515). Viele Jahre später kopierte Rubens dieses Porträt, Rembrandt skizzierte es zunächst und schuf dann, inspiriert von diesem Gemälde, sein „Selbstporträt“. In einer Pause von der Arbeit an den Strophen malte Raffael das „Porträt von Bindo Altoviti“ (um 1515).

Das letzte Mal, dass Raffael sich selbst darstellte, war in „Selbstporträt mit einem Freund“ (1518-1520), obwohl nicht bekannt ist, welcher Freund auf dem Gemälde Raffaels Hand auf die Schulter legte; Forscher haben viele nicht überzeugende Versionen vorgelegt.

Villa Farnesina

Der Bankier und Kunstmäzen Agostino Chigi baute eine Landvilla am Ufer des Tiber und lud Raffael ein, sie mit Fresken mit Szenen aus der antiken Mythologie zu schmücken. So erschien 1511 das Fresko „Der Triumph der Galatea“. „Raphael stellte in diesem Fresko Propheten und Sibyllen dar. Dies wird zu Recht als sein Eigentum angesehen beste Arbeit, das Schönste unter so vielen Schönen. Tatsächlich zeichnen sich die dort dargestellten Frauen und Kinder durch ihre außergewöhnliche Vitalität und die Perfektion ihrer Farbgebung aus. Dieses Stück verschaffte ihm sowohl zu Lebzeiten als auch nach seinem Tod große Anerkennung.“

Die restlichen Fresken, die auf Skizzen Raffaels basieren, wurden von seinen Schülern gemalt. Eine herausragende Skizze von „Die Hochzeit Alexanders des Großen und Roxana“ (um 1517) ist erhalten geblieben (das Fresko selbst wurde von Sodoma gemalt).

Architektur

„Das Werk des Architekten Raffael ist von außerordentlicher Bedeutung und stellt ein Bindeglied zwischen den Werken von Bramante und Palladio dar.“ Nach Bramantes Tod übernahm Raffael die Leitung der Kathedrale St. Peter (nachdem er einen neuen Plan für die Basilika erstellt hatte) und vollendete den von Bramante begonnenen Bau des vatikanischen Innenhofs mit Loggien. In Rom baute er die Rundkirche Sant'Eligio degli Orefici (ab 1509) und die elegante Chigi-Kapelle der Kirche Santa Maria del Popolo (1512-1520). Raffael baute auch den Palazzo: Vidoni-Caffarelli (ab 1515) mit doppelten Halbsäulen des 2. Obergeschosses im rustizierten 1. Obergeschoss (angebaut), Branconio del Aquila (1520 fertiggestellt, nicht erhalten) mit reichster plastischer Fassade (beide). in Rom), Pandolfini in Florenz (ab 1520 nach dem Entwurf Raffaels vom Architekten G. da Sangallo erbaut), zeichnet sich durch edle Zurückhaltung der Formen und Intimität der Innenräume aus. Bei diesen Arbeiten verband Raffael stets die Gestaltung und das Relief der Fassadendekoration mit den Merkmalen des Geländes und der Nachbargebäude, der Größe und dem Zweck des Gebäudes und versuchte, jedem Palast ein möglichst elegantes und individuelles Aussehen zu verleihen. Der interessanteste, aber nur teilweise realisierte architektonische Plan von Raffael ist die römische Villa Madama (ab 1517 wurde der Bau von A. da Sangallo dem Jüngeren fortgesetzt, nicht abgeschlossen), die organisch mit den umliegenden Innenhöfen und Gärten und einem riesigen Terrassenpark verbunden ist. ”

Zeichnungen und Gravuren

Von Raffael sind etwa 400 Zeichnungen erhalten. Darunter sind Vorzeichnungen und Skizzen für Gemälde sowie eigenständige Arbeiten.

Raffael selbst hat keine Stiche angefertigt. Marcantonio Raimondi schuf jedoch zahlreiche Stiche nach Raffaels Zeichnungen, wodurch uns mehrere Bilder verlorener Gemälde Raffaels überliefert sind. Der Künstler selbst übergab die Zeichnungen an Marcantonio, um sie in Stichen zu reproduzieren. Marcantonio hat sie nicht kopiert, sondern auf ihrer Grundlage neue geschaffen Kunstwerke, er tat dies auch nach Raffaels Tod.

Der Stich „Das Urteil des Paris“ wird Manets berühmtes „Mittagessen im Gras“ inspirieren.

Poesie

Wie viele Künstler seiner Zeit, etwa Michelangelo, schrieb Raffael Gedichte. Seine Zeichnungen, begleitet von Sonetten, sind erhalten. Nachfolgend finden Sie in der Übersetzung von A. Makhov ein Sonett, das einem Liebhaber des Malers gewidmet ist.

Amor, hör auf mit dem blendenden Licht

Zwei wundersame Augen, die du geschickt hast.

Sie versprechen entweder Kälte oder Sommerhitze,

Aber es ist kein kleiner Tropfen Mitgefühl in ihnen.

Ich kannte ihren Charme kaum,

Wie ich meine Freiheit und meinen Frieden verloren habe.

Weder der Wind von den Bergen noch die Brandung

Sie werden das Feuer als Strafe für mich nicht verkraften.

Bereit, deine Unterdrückung klaglos zu ertragen

Und lebe als Sklave, angekettet,

Und sie zu verlieren ist gleichbedeutend mit dem Tod.

Jeder wird mein Leiden verstehen,

Der seine Leidenschaften nicht kontrollieren konnte

Und er wurde ein Opfer des Wirbelsturms der Liebe.

Tod

Vasari schrieb, dass Raffael „nachdem er eine noch ausschweifendere Zeit als sonst verbracht hatte“, aber moderne Forscher glauben, dass die Todesursache das römische Fieber war, das sich der Maler zugezogen hatte, als er eine Ausgrabungsstätte besuchte. Raffael starb am 6. April 1520 in Rom Alter von 37 Jahren. Er wurde im Pantheon begraben: „Hier ruht der große Raphael, zu dessen Lebzeiten die Natur Angst hatte, besiegt zu werden, und nach seinem Tod Angst hatte, zu sterben“ (lateinisch: Ille hic est Raffael, timuit quo sospite vinci, rerum magna parens et moriente mori).

Studenten

Raffael hatte zahlreiche Schüler, doch keiner von ihnen entwickelte sich zu einem herausragenden Künstler. Der talentierteste war Giulio Romano. Nach Raffaels Tod schuf er eine Reihe pornografischer Zeichnungen, die einen Skandal auslösten und ihn zwangen, nach Mantua zu ziehen. Seine im Stil des Lehrers angefertigten Werke, die teilweise auf seinen Skizzen basierten, fanden bei seinen Zeitgenossen keine Wertschätzung. Giovanni Nanni kehrte nach Udine zurück, wo er eine Serie schuf gute Gemälde. Francesco Penni zog nach Neapel, starb jedoch früh. Perin del Vaga wurde Künstler und arbeitete in Florenz und Genua.

Im Alter von 17 Jahren schuf er seine erste gemalte Madonna, und sein berühmtestes Gemälde – ebenfalls ein Bild der Jungfrau mit Kind, die große „Sixtinische Madonna“ – wird in der Dresdner Galerie aufbewahrt.

Jüngerschaft

Über Menschen wie Rafael Santi sagt man: Er lebte kurz, aber sehr helles Leben. Ja, mit 37 Jahren zu gehen bedeutet, der Welt viele, viele weitere Ihrer Meisterwerke vorzuenthalten. Michelangelo beispielsweise schuf bis zu seinem Tod im hohen Alter weiter. In den traurigen Augen Raffaels im nachgebildeten „Selbstbildnis“ lässt sich das tragisch bevorstehende Ende seines irdischen Daseins erahnen.

Auch Raphaels Eltern waren nicht langlebig. Der Vater starb, als der Junge gerade 11 Jahre alt war (aber er, der Künstler, schaffte es, die Grundlagen seines Handwerks an seinen Erben weiterzugeben), und die Mutter des zukünftigen Genies der Renaissance überlebte ihren Ehemann um 7 Jahre.

Jetzt hielt ihn nichts mehr in seiner Heimatstadt Urbino. Und Raffaello wird einer der Schüler des Meisters Perugino in Perugia. Dort trifft er auf ein weiteres Talent der umbrischen Schule – Pinturicchio; die Künstler führen gemeinsam mehrere Werke auf.

Erste Meisterwerke

Im Jahr 1504 (der Maler war erst 21 Jahre alt) entstand das Meisterwerk „Die drei Grazien“. Santi entfernt sich allmählich von der Nachahmung des Lehrers und entwickelt seinen eigenen Stil. Aus derselben Zeit stammt auch die Miniatur „Madonna Conestabile“. Dies ist eines von zwei Gemälden des Meisters, die in Russland aufbewahrt werden (in der Eremitage-Sammlung). Die zweite ist „Madonna mit bartlosem Josef“ (ein anderer Name ist „Heilige Familie“).

Das „Gepäck“ des aufstrebenden Malers wurde durch seine Bekanntschaft mit den „Säulen“ der Renaissance – Michelangelo Buonarotti und Leonardo da Vinci – erheblich bereichert. Dies geschah in der damaligen „Hauptstadt der italienischen Kunst“, Florenz. Leonardos Einfluss ist im Porträt der „Dame mit dem Einhorn“ spürbar. Es ist erstaunlich, ein winziges einhörniges Tier zu sehen (das Aussehen ist eher den filmischen weißen Pferden mit weißer Mähne und einem Horn in der Stirn bekannt), das ruhig auf dem Schoß eines blonden Mädchens (genauer gesagt Mädchen – der Legende nach Einhörner) sitzt wurde nur mit Jungfrauen zahm). Die florentinische Zeit war geprägt von der Schaffung von zwei Dutzend Madonnen. Vermutlich lag Raphael das Thema Mutterliebe sehr am Herzen – schließlich verlor er diesen Vorteil früh.

Die besten Werke von Raffael

Eines der berühmtesten Werke von Raffael Santi entstand in Rom, wohin der Maler 1508 übersiedelte. Das Fresko „Schule von Athen“ (es schmückt den Apostolischen Vatikanischen Palast) ist eine sehr komplexe Komposition (auf der Leinwand sind mehr als 50 Helden abgebildet). Im Zentrum stehen die Weisen Platon und Aristoteles, der erste verkündet den Vorrang des Geistigen (er hebt seine Hand zum Himmel), der zweite ist ein Anhänger des Irdischen (er zeigt auf den Boden). In den Gesichtern einiger Charaktere erkennt man die Züge der Freunde des Autors (Platon da Vinci, Heraklit-Michelangelo), und er selbst erscheint im Bild des Ptolemäus.

Unter den Dutzenden römischen Raffael-Madonna ist die „Sixtinische Madonna“ das berührendste und berühmteste aller existierenden Bilder der Muttergottes. „Ein Stück Himmel, eine Wolkenbrücke – und Madonna kommt zu dir und mir herab. Sie umarmte ihren Sohn so liebevoll und beschützte ihn vor seinen Feinden ...“ Die Hauptfigur auf der Leinwand ist natürlich Maria. Sie trägt ein ungewöhnlich ernstes Kind und wird von der Heiligen Barbara und Papst Sixtus II. mit dem „verschlüsselten“ Namen in ihrer rechten Hand begrüßt (schauen Sie genau hin – es sind 6 Finger darauf). Unten bewunderte ein Paar phlegmatischer, rundlicher Engel Mutter und Kind. Es ist unmöglich, sich von ihren besorgten Augen loszureißen.

Liebe meines Lebens

Im Erscheinungsbild der Hauptfigur der „Sixtinischen Madonna“ erkennt man die Liebe zum Leben der großen italienischen Schöpferin – sie ging unter dem Spitznamen „Fornarina“ in die Geschichte ein. Die wörtliche Übersetzung des Wortes lautet „Bäckerei“. Die schöne Margherita Lute wuchs tatsächlich in einer Bäckerfamilie auf. Das Mädchen verbrachte Zeit als Model und Liebhaberin von Raffaello seit vielen Jahren- bis zum Tod des Künstlers.

Ihre schönen Gesichtszüge sind auf dem „Porträt einer jungen Frau“ (auch „Fornarina“ genannt) aus dem Jahr 1519 zu bewundern. Nach dem Tod des Lehrers (der ein Jahr später eintrat) malte einer der berühmtesten Schüler Raffaels, Giulio Romano, für eine Frau ein Armband mit dem Namen des Autors auf Leinwand. Ein weiteres berühmtes Bild der Muse ist „Donna Velato“ („Die verschleierte Dame“). Als Rafael die 17-jährige Margherita sah, verliebte er sich unsterblich in sie und kaufte sie von seinem Vater. Viele Vertreter der damaligen Boheme waren homosexuell (die Renaissance war allgemein von einem ungezügelten Triumph des Fleisches geprägt), doch Santi stellte eine Ausnahme dar.

Zwei Versionen des Todes

Eine der Legenden über seinen Tod besagt, dass der Tod den Künstler in Fornarinas Bett ereilte. Derselbe böse Klatsch besagt, dass das Mädchen ihrem Geliebten nicht treu war. Und nach seinem frühen Weggang, nachdem sie ein beträchtliches Vermögen erhalten hatte, folgte sie dennoch dem Beispiel ihrer bösartigen Natur und wurde eine der berühmten Kurtisanen Roms.

Bewunderer des Talents des Malers vertreten jedoch eine andere Version: Ein Fieber brachte ihn ins Grab. Und um die Liebe des Paares Rafael-Fornarina könnten viele beneiden. Nach dem Tod ihres unverheirateten Mannes legte sie die Mönchsgelübde ab und überlebte den Maestro kurzzeitig, da sie sich als seine Witwe betrachtete.

Raffaellos Talent war vielfältig. Er erwies sich als Architekt und Dichter. Und eine seiner Zeichnungen wurde Ende 2012 bei Sotheby's für den Rekordpreis von 29.721.250 britischen Pfund versteigert.

Kurze Biographie

Raphael- Sohn des kompetenten und einflussreichen Malers Giovanni Santi, der ein intelligenter und gelehrter Vater war. Geboren am 28. März (nach einigen Quellen am 6. April) 1483.

Die Fähigkeiten und Fertigkeiten seines Vaters ermöglichten dem jungen Rafael eine hervorragende Erziehung. Es schien, dass progressives Wachstum, berühmte Gönner und Geldvermögen für ihn ist es eine Frage der Zeit. Der Maler war von Anfang an gesegnet.

Doch 1491 stirbt die Mutter des damals 8-jährigen Raphael. Und der Vater stirbt drei Jahre später.

Erste Arbeiten

Vor seinem Tod gelang es Giovanni, seinen Sohn als Lehrling in die Werkstatt von Pietro Perugino zu vermitteln, der ein erfolgreicher und gefragter Meister war. Um 1500 wurde Raphael im Alter von siebzehn Jahren ein junger Meister, der aus einer schwierigen Zeit hervorging finanzielle Situation, vor allem dank des Selbstporträts und der ersten Auftragsarbeiten.

Obwohl Raffael sich schnell vom Stil seines Lehrers „befreite“, verfolgte ihn Peruginos Methode, Gemälde zu konstruieren, während seiner gesamten kreativen Karriere.

Ruhm und Anerkennung

Kunden aus umbrischen Städten boten dem jungen Künstler eine Quelle potenzieller Kunden und hohe Honorare. Die Qualität der Arbeit ließ schon in jungen Jahren keinen Zweifel daran aufkommen, dass das junge Talent eine gewinnbringende Karriere aufbauen würde.

Liebe und Tod

Santi schaffte es zeitlebens nicht, zu heiraten, doch wie einige Quellen berichten, hatte er Geliebte und Bewunderer, darunter Margarita Luti. Der Maler war auch, höchstwahrscheinlich auf Wunsch des Kardinals von Medici, mit Maria Bibbien, seiner Nichte, verlobt.

Er war kein Pionier, er war kein Sucher nach neuen Wegen, eines jener geheimnisvollen Phänomene, deren Kräfte wie aus unbekannten Quellen strömen. Nein, er ging von dem aus, was bereits bekannt und verfügbar war. Er übernimmt, fälscht, synthetisiert und eignet sich die Früchte einer ganzen Generation an.

Selbstporträt

Wenn Sie Raffaels Selbstporträt betrachten, werden Sie zweifellos die Individualität seines Stils spüren. Dieser junge Mann mit einem intelligenten, hübschen Gesicht, mit nacktem Hals und langen Haaren eines Künstlers, mit reinen, sanften, mädchenhaften Augen, die an Peruginos Madonnen erinnern, entspricht voll und ganz dem von Vasari gemalten Porträt Raffaels: „Als er vorher erschien Seine Kameraden, deren böser Wille verschwand, verdunstete niedrige Gedanken. Dies geschah, weil seine Zärtlichkeit, seine schöne Seele sie besiegte.“ So wie er nie etwas Trauriges erlebt hat, so ist auch seine Kunst der sonnigen Freude erfüllt. Selbst in den Fällen, in denen er Horror, Gewalt und scharfe dramatische Momente darstellen musste, war er sanftmütig und sanft, attraktiv und liebevoll. So wie sein Porträt eher einen typischen als einen individuellen Eindruck hervorruft, so eliminiert er in seinem Werk alles Individuelle und erhebt es auf die Ebene des Typischen. So wie er weder mit seinen Kunden noch mit seinen Assistenten stritt, sondern sich anpasste, Befehle ausführte und erteilte, so gibt es in seiner Kunst keine Dissonanz.

Raffaels Werk ist geprägt von der Fähigkeit, die Gedanken anderer Menschen wahrzunehmen. Dies erklärt die große Anzahl an Werken, die er in seinem kurzen Leben schuf. Sein Stil ändert sich fast jedes Jahr. Raphael, der sensibelste aller Künstler, die es je gab, verbindet alle Fäden in seinen Händen und verwandelt die von anderen Genies geschaffenen Werte in eine neue Einheit des Stils. Dieser Eklektizismus hat bei ihm den Charakter des Genies.

Raffaels jugendliche Gemälde sind durchdrungen von der Sentimentalität der umbrischen Schule seines Lehrers Perugino. Man beginnt sie nicht nur zu lieben, weil sie sich durch eine gewissenhafte Verarbeitung auszeichnen, sondern auch, weil sie das Bekenntnis einer schönen Seele sind, die viel Zärtlichkeit in das steckt, was sie leihen. Besonders die Landschaft im Hintergrund ist oft reizvoll, zum Beispiel in der „Madonna Conestabile“, wo ein Bach leise durch die Wiese fließt und der letzte Frühlingsschnee auf den Bergen glitzert.

Florentiner Zeit

Da Vincis Einfluss

In Florenz wird Raffael zum Erben der florentinischen Kunst. Er beobachtet, studiert, imitiert und versucht, die gesamte florentinische Malerei der Vergangenheit in sich aufzunehmen. Allerdings studiert der Meister noch mehr Vorgänger als seine Zeitgenossen. Wie einst Perugino steht heute Leonardo hinter seinen Madonnen.

Unter dem Einfluss von da Vinci verändert sich die Sprache der Gestaltung. Zuvor stand das Jesuskind direkt auf dem Schoß seiner Mutter oder saß darauf und bildete einen spitzen Winkel. Später bevorzugt Raffael Bewegungsmotive, die die Entstehung wellenförmiger Linien ermöglichen.

Kleine Madonna von Cowper

Der Maler schafft Gemälde, indem er Vincis Pyramidenkomposition weiterentwickelt. Diese Bestrebungen Raffaels werden durch „Madonna unter den Grünen“, „Madonna mit dem Distelfink“ und „Der schöne Gärtner“ anschaulich veranschaulicht. Nicht nur das Jesuskind mit den pausbäckigen Wangen, sondern die gesamte Komposition geht hier auf Leonardo zurück. Maria streckt im Werk „Madonna unter den Grünen“ ihr nacktes Bein weit nach links, sodass es vollständig dem Bein des rechts knienden Johannes entspricht. Beim Betrachten des „Schönen Gärtners“ gleitet der Blick vom Fuß des Christuskindes über seine schön geschwungene Gestalt, weiter zum Mantel und Haupt Mariens und dann zurück entlang der Wellenlinie, die ihr wallender Schal und das Bein bilden des knienden kleinen Johannes. Auf der „Madonna mit dem Stieglitz“ sind sogar zwei Pyramiden übereinander aufgereiht. Die Oberseite des unteren Bildes wird von den Händen zweier Kinder gebildet, die mit einem Vogel spielen, und die Oberseite des oberen Bildes ist der Kopf Mariens. Das Gebetbuch, das sie bei sich trägt, bringt Abwechslung in das streng konsequente Muster.

Charakterisiert am besten den Schreibstil von Raphael letztes Stück seiner Florentiner Zeit - „Grablegung“. Hier gelang es ihm, Perugino, Mantegna, Fra Bartolomeo und sogar Michelangelo in einem Werk zu vereinen. Als er begann, dieses Bild zu malen, ließ er sich von Peruginos Pieta inspirieren. Mantegnas Stiche enthüllten ihm Techniken, um Tragödien in den Gesten und Gesichtsausdrücken der Charaktere darzustellen. Er entlehnt den Leichnam Christi aus Michelangelos „Pieta“ und die rechts sitzende Frau, die ihre Arme nach hinten über den Kopf streckt, aus derselben „Heiligen Familie“ von Michelangelo. Der Einfluss von Fra Bartolomeo spiegelt sich in der Betonung der dekorativen rhythmischen Anordnung der Figuren wider – darin, dass der ideologische Inhalt des Themas formalen Überlegungen völlig untergeordnet ist.

Grablegung

Am Ende wurde der Autor im Alter von vierundzwanzig Jahren nach Rom eingeladen. Dann beginnt der Wandel, der die gesamte Kunstgeschichte maßgeblich beeinflusst hat.

Sein kompositorisches Können und sein dekoratives Gespür manifestieren sich nun in grandiosem Ausmaß. Ein Stück der feierlichen Erhabenheit und strengen Erhabenheit der Ewigen Stadt dringt nun in die Gemälde ein. Der noch nicht einmal 25 Jahre alte Künstler schafft all jene Kreationen, in denen wir den klassischen Ausdruck der Kultur der Renaissance sehen.

Antiker Einfluss

Nach einem atemberaubenden Debüt in den Vatikanischen Hallen hat die antike Kunst seit 1514 zunehmend Einfluss auf den Meister genommen. In dieser Zeit nicht nur grandiose Kreationen antike Skulptur, aber auch Werke antiker Malerei. Die Thermen des Titus wurden ausgegraben und mit der Verzierung der spätrömischen Kultur bekannt gemacht – den „Grotesken“. Nach Bramantes Tod wurde Santi nicht nur der Erbauer des Petersdoms, sondern auch der Verwalter der Antiquitäten. Die Ehrfurcht vor der antiken Kunst spiegelt sich heute häufiger in seinen unabhängigen Werken wider. Der Meister schloss den Auftrag für die Gestaltung eines der Korridore des Vatikans – der Loggia – ab, indem er den Inhalt seines Notizbuchs mit antiken Skizzen verwendete.

„Es gibt keine solche Vase oder Statue“, sagt Vasari, „es gibt keine solche Säule oder Skulptur, die Raffael nicht kopieren und die er nicht zur Dekoration der Loggia verwenden würde.“ Es darf nicht vergessen werden, dass Raffael aus all diesen Anleihen ein eigenständiges Ganzes geschaffen hat. Er schuf eine Kreation, die zwar Altes wieder aufleben lässt, aber gleichzeitig eines der schönsten Beispiele ist dekorative Künste Renaissance.

Raffael drückte seine Verehrung der Antike mit verspielten und koketten Ornamenten aus und unterwarf sich auch dem stilistischen Einfluss der antiken Kunst.

Neben der antiken Malerei imitierte er auch antike Skulpturen. Das Problem von Raum und Farbe interessiert ihn nicht mehr. Ein typisches Beispiel ist das Fresko „Der Triumph der Galatea“, das für die Villa Farnesina gemalt wurde. Lediglich die Hauptfigur ist von einem zeitgenössischen Werk inspiriert – Leonardos „Eis“. Alle anderen Details – der Meereszentaur, die Nereiden, der Molch, das Genie auf dem Rücken eines Delfins – wurden Basreliefs auf antiken Gräbern entlehnt.

Auch die Figuren auf der Schalung des Gewölbes ragen mit dem plastischen Relief von Skulpturen aus dem Hohlraum hervor. Raffaels Genialität spiegelte sich hier in der spielerischen Leichtigkeit wider, mit der er die Figuren in die Dreiecke einfügte, die sie umrahmen.

Ein Beweis für Raffaels erstaunliche Vielseitigkeit ist die Tatsache, dass er immer noch über eine beträchtliche Fähigkeit verfügte, realistische Züge auszudrücken, die es ihm ermöglichten, eine Reihe von Porträts zu schaffen, die neben den Porträts von Tizian zu den größten Phänomenen der Porträtmalerei des Cinquecento gehören. Man könnte meinen, dass große Aufträge ihn zu einem einfachen kreativen Dekorateur machen würden. Aber die Porträts beweisen, dass Raffael sich weiterhin mit der Natur beschäftigte und dass es dieses beharrliche Studium der Natur war, das es ihm ermöglichte, ein brillanter Zeichner und Maler zu bleiben. Santi betrachtete Ähnlichkeit als unabdingbare Voraussetzung für die Porträtmalerei.

Porträt von Baldassare Castiglione

Der Maler wandelt sich auch als Schöpfer von Madonnen. Sie sind nicht mehr so ​​sanft wie zuvor, jetzt sind sie majestätisch. An die Stelle der ehemals sanftmütigen Kreaturen traten heroischere Frauenbilder mit kräftigem Körperbau und kühnen Bewegungen. Die berühmte „Madonna von Alba“ gehört zur römischen Bühne. Raffael war damals von den Werken Michelangelos fasziniert. Hauptfigur dargestellt, sitzend auf einem Feld, umgeben von Blumen. Sie legt ihren Arm um die Kinder, von denen eines, John, dem anderen ein gesammeltes Schilfkreuz überreicht. Die Madonna betrachtet dieses Kreuz mit einem nachdenklich traurigen Gesichtsausdruck, als würde sie das Ereignis vorwegnehmen, das es ihrem Sohn verspricht. Hier ist die Pose der Muttergottes kühner und vitaler als in der Florentiner Schaffenszeit. Die Figurengruppe ist mit der umgebenden Landschaft verbunden, so dass eine makellose Raumkomposition entsteht, was Raffaels größte Leistung war. Die Landschaft spiegelt die raue Erhabenheit der Umgebung Roms wider. Den Hintergrund bilden nicht mehr die sanften Hügel des Arno-Tals, sondern die strengen Formen Kampaniens, belebt durch antike Ruinen und Aquädukte.

Verklärung

Die Erinnerungen an die hellenische Welt in Raffaels letztem Gemälde „Die Verklärung“ sind nicht ganz vergessen. Die unten stehende Mutter, die den Jungen auf die Apostel zeigt, ist eine der inspirierendsten Figuren, die von ihr inspiriert wurden antike Skulptur. Am oberen Bildrand sind jedoch deutlich Geräusche aus der Heimat des Franz von Assisi – Urbino – zu hören. Die von der Abenddämmerung beleuchtete Landschaft dient als farbenfroher Übergang zum überirdischen Glanz des Äthers.

„Sixtinische Madonna“ rundet Raffaels Werk mit einem harmonischen Akkord ab. Hier war alles vereint, was die Kraft des Genies ausmachte. verschiedene Epochen seine Kreativität.

Abschluss

Wenn man noch einmal auf alles zurückblickt, was Raffael in der ihm zur Verfügung stehenden Zeit geschaffen hat, spürt man deutlich, welche ewigen Werte sein Werk noch enthielt und was der Welt fehlen würde, wenn sein schillerndes Bild aus dem Bild der Renaissance-Kunst entfernt würde. Oft fehlt ihm diese individuelle Note, diese Originalität, die uns an anderen Künstlern fasziniert. Aber gerade weil sie nicht in ihm sind, gerade weil er wie ein fast körperloser Geist über seinen Bildern schwebt, scheinen sie sich durch dasselbe auszuzeichnen, was einst den Werken namenloser religiöser Kunst ihre Kraft und Kraft gab: als ob sie nicht wären schufen eine eigene Persönlichkeit, als ob der Geist eines schönen Jahrhunderts in ihnen verkörpert wäre.

Das Genie von Raffael. Biografie und Stil. aktualisiert: 25. Oktober 2017 von: Gleb