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재즈 혁신의 기원과 그 다양성을 이야기하는 "재즈"라는 주제로 발표

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주요 악장 다양한 재즈 편집자: Alina Ibrasheva 및 Malika Gazgireeva, 7학년, 학교 No. 28. 교사: Kolotova Tamara Gennadievna

재즈는 19세기 말~20세기 초 미국에서 아프리카와 유럽 문화의 융합으로 생겨난 음악 예술의 한 형태로, 이후 널리 확산되었습니다. 재즈 음악 언어의 특징은 처음에는 즉흥 연주, 당김음에 기반한 폴리리듬, 리듬 질감을 연주하는 독특한 기술 세트인 스윙이었습니다. 재즈란 무엇인가요?

재즈의 기원은 블루스와 연결되어 있다. 그것은 19세기 말 아프리카의 리듬과 유럽의 조화가 융합되면서 생겨났지만, 그 기원은 아프리카에서 신세계의 영토로 노예가 유입된 순간부터 찾아야 한다. 모든 아프리카 음악은 매우 복잡한 리듬이 특징이며, 음악에는 항상 빠른 구르기와 박수로 구성된 춤이 동반됩니다. 통합의 필요성으로 인해 많은 문화가 통합되어 아프리카 계 미국인의 단일 문화가 탄생했습니다. 18세기부터 아프리카와 유럽 문화가 혼합되는 과정이 일어났고, 19세기에는 '프로토-재즈', 그리고 재즈가 등장했습니다. 태생

뉴올리언스, 즉 전통 재즈라는 용어는 일반적으로 1900년에서 1917년 사이에 뉴올리언스에서 재즈를 연주한 음악가들의 스타일을 지칭할 뿐만 아니라, 1917년경부터 1920년대까지 시카고에서 연주하고 녹음한 뉴올리언스 음악가들의 스타일을 지칭합니다. 재즈 역사의 이 시기는 재즈 시대라고도 알려져 있습니다. 그리고 이 개념은 뉴올리언스 학교의 음악가들과 같은 스타일로 재즈를 연주하고자 했던 뉴올리언스 부흥의 대표자들이 다양한 역사적 시기에 연주한 음악을 설명하는데도 사용됩니다. 뉴올리언스 재즈 또는 전통 재즈

이 용어에는 두 가지 의미가 있습니다. 첫째, 재즈의 표현수단이다. 지원 비트에서 리듬의 지속적인 편차를 기반으로 하는 특징적인 유형의 맥동입니다. 덕분에 불안정한 평형 상태에 있는 내부 에너지가 크다는 인상이 생성됩니다. 둘째, 1920년대와 30년대에 흑인과 유럽 스타일의 재즈 음악이 결합된 결과로 발전한 오케스트라 재즈 스타일입니다. 출연자: 조 패스, 프랭크 시나트라, 베니 굿맨, 노라 존스, 미셸 르그랑, 오스카 피터슨, 아이크 퀘벡, 파울리뉴 다 코스타, 윈튼 마살리스 셉텟, 밀스 브라더스, 스테판 그라펠리. 그네

재즈의 실험적이고 창의적인 방향인 재즈 스타일은 주로 소규모 앙상블(콤보)의 연습과 관련이 있으며, 이는 20세기 40년대 초반에서 중반까지 발전하여 현대 재즈 시대를 열었습니다. 빠른 템포와 복잡한 즉흥 연주가 특징입니다. 비밥 단계는 재즈의 강조점이 대중적인 댄스 음악에서 보다 예술적인 음악으로 크게 바뀌었음을 나타냅니다. 주요 연주자: 색소폰 연주자 Charlie Parker, 트럼펫 연주자 Dizzy Gillespie, 피아니스트 Bud Powell, Thelonious Monk, 드러머 Max Roach. 밥

클래식하고 확립된 형태의 빅 밴드는 1920년대 초부터 재즈에서 알려졌습니다. 이 형식은 1940년대 후반까지 유효하게 유지되었습니다. 대부분의 빅 밴드에 합류한 뮤지션들은 리허설이나 음표에서 암기한 매우 특정한 부분을 연주했습니다. 세심한 오케스트레이션과 대규모 금관 및 목관 악기 섹션이 결합되어 풍부한 재즈 하모니를 이끌어냈고, '빅 밴드 사운드'로 알려진 감각적으로 큰 사운드를 만들어 냈습니다. 가장 유명한 사람은 Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glen Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford입니다. 빅 밴드

빅밴드 시대 대형오케스트라의 유행이 끝난 뒤, 무대 위 대형오케스트라의 음악이 소규모 재즈앙상블에 밀려나기 시작하면서 스윙음악은 계속해서 들려왔다. 많은 유명 스윙 솔리스트들은 연회장에서 콘서트 공연을 마친 후 뉴욕 52번가에 있는 작은 클럽에서 즉흥적으로 열리는 즉흥 연주에서 즐겁게 연주하는 것을 좋아했습니다. 더욱이 이들은 벤 웹스터(Ben Webster), 콜먼 호킨스(Coleman Hawkins)와 같은 대규모 오케스트라에서 "사이드맨"으로 일했던 사람들뿐만 아니라 처음에는 솔리스트였으며 지휘자일 뿐 아니라 대규모 앙상블과 별도로 소규모로 연주할 기회를 찾고 있었습니다. 구성. 주류

재즈의 역사는 20세기에 들어서면서 뉴올리언스에서 시작되었지만, 음악은 트럼펫 연주자 루이 암스트롱(Louis Armstrong)이 뉴올리언스를 떠나 시카고에서 혁명적인 새로운 음악을 창조한 1920년대 초에 본격적으로 시작되었습니다. 그 직후부터 시작된 뉴올리언스 재즈 마스터들의 뉴욕 이주는 재즈 뮤지션들이 남부에서 북부로 끊임없이 이동하는 추세를 나타냈습니다. 시카고는 뉴올리언스의 음악을 가져와 뜨겁게 만들었으며, 암스트롱의 유명한 핫 파이브(Hot Five)와 핫 세븐(Hot Seven) 앙상블뿐만 아니라 다른 앙상블의 노력으로 그 강렬함을 높였습니다. 북동부재즈. 보폭

비밥의 높은 강렬함과 압박감은 쿨재즈의 발전과 함께 약화되기 시작했다. 1940년대 후반과 1950년대 초반부터 음악가들은 스윙 시절 테너 색소폰 연주자 레스터 영(Lester Young)의 가볍고 건조한 연주를 모델로 즉흥 연주에 대한 덜 폭력적이고 부드러운 접근 방식을 개발하기 시작했습니다. 그 결과는 감정적인 "멋짐"을 바탕으로 분리되고 균일하고 플랫한 사운드가 탄생했습니다. 비밥을 식힌 트럼펫 연주자 마일스 데이비스는 비밥 장르의 가장 위대한 혁신가가 되었습니다. 1949~1950년 앨범을 녹음한 그의 노넷은 쿨 재즈의 서정성과 절제를 구현한 작품이다. 쿨(쿨재즈)

비밥의 출현과 병행하여 재즈, 즉 프로그레시브 재즈 또는 단순히 프로그레시브라는 새로운 장르가 발전했습니다. 이 장르의 주요 차이점은 빅 밴드의 얼어붙은 진부함과 소위 구식이고 낡은 기술에서 벗어나려는 욕구입니다. 1920년대 Paul Whiteman이 소개한 심포닉 재즈. 보퍼와 달리 진보적인 창작자들은 당시 발전했던 재즈 전통을 근본적으로 거부하려고 노력하지 않았습니다. '프로그레시브'라는 개념의 발전에 가장 큰 공헌을 한 사람은 피아니스트이자 지휘자인 스탠 켄튼(Stan Kenton)이었습니다. 실제로 1940년대 초반 프로그레시브 재즈는 그의 첫 작품부터 시작됐다. 그의 첫 번째 오케스트라가 연주한 음악의 사운드는 라흐마니노프에 가까웠고 작곡은 후기 낭만주의의 특징을 담고 있었습니다. 프로그레시브 재즈

하드밥(영어 - hard, hard bop)은 1950년대에 등장한 재즈의 일종이다. XX세기 밥에서. 블루스를 기반으로 한 표현력이 풍부하고 잔인한 리듬이 특징입니다. 현대 재즈의 스타일을 나타냅니다. 쿨 재즈가 서부 해안에 뿌리내린 것과 거의 같은 시기에 디트로이트, 필라델피아, 뉴욕의 재즈 뮤지션들은 하드 밥(Hard Bop) 또는 하드 비밥(Hard Bebop)이라고 불리는 오래된 비밥 공식의 더 강하고 무거운 변형을 개발하기 시작했습니다. 공격성과 기술적 요구 면에서 전통적인 비밥과 매우 유사하며, 1950년대와 1960년대의 하드 밥은 표준적인 노래 형식에 덜 의존하고 블루스 요소와 리듬 드라이브에 더 중점을 두기 시작했습니다. 하드밥

소울 재즈(영어 소울 - 소울) - 넓은 의미의 소울 음악은 때때로 블루스 전통과 관련된 올 블랙 음악이라고도 합니다. 블루스와 아프리카계 미국인 민속의 전통에 의존하는 것이 특징입니다. 하드 밥의 가까운 친척인 소울 재즈는 1950년대 중반에 등장하여 1970년대까지 계속 연주된 소규모 오르간 기반 미니 형식으로 대표됩니다. 블루스와 가스펠을 기반으로 한 소울 재즈 음악에 아프리카계 미국인의 영성이 깃들어 있습니다. 소울재즈

아마도 재즈 역사상 가장 논란이 많은 운동은 프리 재즈(나중에 "New Thing"이라고 불림)의 출현과 함께 일어났을 것입니다. 프리 재즈의 요소는 용어 자체가 만들어지기 오래 전에 재즈의 음악 구조 내에 존재했지만 Coleman Hawkins, Pee Wee Russell 및 Lenny Tristano와 같은 혁신가의 "실험"에서 가장 독창적이었지만 1950년대 후반부터 색소폰 연주자 Ornette Coleman과 피아니스트 Cecil Taylor와 같은 선구자들의 노력으로 이러한 방향은 독립적인 스타일로 구체화되었습니다. 무료 재즈

포스트밥 시대는 1960년대 같은 시기에 전개된 프리 재즈 실험을 기피하고 비밥 분야에서 계속 창작 활동을 이어온 재즈 뮤지션들의 음악을 포괄한다. 앞서 언급한 하드 밥과 마찬가지로 이 형식은 비밥의 리듬, 앙상블 구조 및 에너지, 동일한 호른 조합 및 라틴 요소의 사용을 포함한 동일한 음악 레퍼토리를 기반으로 했습니다. 포스트밥 음악의 가장 뛰어난 점은 펑크, 그루브, 소울 요소를 사용하여 팝 음악이 지배하는 새로운 시대의 정신에 맞게 재구성되었다는 것입니다. 가장 잘 알려진 인물: 색소폰 연주자 Hank Mobley, 피아니스트 Horace Silver, 드러머 Art Blakey, 트럼펫 연주자 Lee Morgan. 포스트밥

애시드 재즈 또는 애시드 재즈라는 용어는 매우 광범위한 음악을 지칭하기 위해 느슨하게 사용됩니다. 애시드 재즈는 재즈 전통의 일반 트리에서 발전한 재즈 스타일로 완전히 합법적으로 분류되지는 않지만 재즈 음악의 장르 다양성을 분석할 때 완전히 무시할 수는 없습니다. 1987년 영국 댄스계에 등장한 애시드 재즈는 엄선된 클래식 재즈 트랙, 힙합, 소울 및 라틴 그루브를 추가하여 펑크를 기반으로 주로 악기 스타일의 뮤지컬로서 형성되었습니다. 실제로 이 스타일은 재즈 부흥의 다양한 유형 중 하나이며, 이 경우 살아있는 베테랑의 공연에서 영감을 받은 것이 아니라 1960년대 후반의 오래된 재즈 녹음과 1970년대 초반의 초기 재즈 펑크에서 영감을 받았습니다. 애시드 재즈

퓨전 스타일에서 진화한 스무스 재즈는 이전 스타일의 에너지 넘치는 솔로와 다이내믹한 크레센도를 버렸습니다. 부드러운 재즈는 주로 의도적으로 강조된 세련된 사운드로 구별됩니다. 즉흥 연주는 장르의 음악 무기고에서도 크게 제외됩니다. 리드미컬한 샘플과 결합된 다양한 신디사이저의 사운드로 풍부해진 윤기 나는 사운드는 구성 요소보다 앙상블 하모니가 더 중요한 음악 제품의 매끄럽고 세련된 포장을 만듭니다. 가장 유명한 사람은 Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater, Larry Carlton, Stanley Clarke, Bob James, Al Jarreau, Diana Krall, Bradley Lighton, Lee Ritenour, Dave Grusin, Jeff Lorber, Chuck Loeb입니다. 부드러운 재즈

재즈는 국적에 관계없이 항상 전 세계 음악가와 청취자들의 관심을 불러일으켰습니다. 트럼펫 연주자 Dizzy Gillespie의 초기 작업과 1940년대 흑인 쿠바인의 음악과 재즈 전통의 합성 또는 이후 피아니스트 Dave Brubeck의 작품으로 유명한 일본, 유라시아 및 중동 음악과 재즈의 결합을 추적하는 것으로 충분합니다. 재즈는 서양 음악의 전통뿐만 아니라 지속적으로 흡수해 왔습니다. 세계화가 계속되면서 재즈는 계속해서 다른 음악 전통의 영향을 받아 미래 연구를 위한 좋은 자료를 제공하고 재즈가 진정한 월드 음악임을 입증합니다. 재즈의 확산

관심을 가져주셔서 감사합니다

재즈– 세계 음악 문화의 독특한 현상. 이 다각적인 예술 형식은 미국에서 세기 전환기(XIX 및 XX)에 시작되었습니다. 재즈 음악은 유럽과 아프리카 문화의 산물이 되었으며, 세계 두 지역의 트렌드와 형식이 독특하게 융합되었습니다. 그 후 재즈는 미국을 넘어 널리 퍼져 거의 모든 곳에서 인기를 얻었습니다. 이 음악은 아프리카 민요, 리듬, 스타일에 기초를 두고 있습니다. 이러한 재즈 방향의 발전 역사에서 리듬과 하모니의 새로운 모델이 마스터되면서 등장한 많은 형식과 유형이 알려져 있습니다.

재즈의 특징

두 가지 음악 문화의 통합으로 재즈는 세계 예술에서 근본적으로 새로운 현상이 되었습니다. 이 새로운 음악의 구체적인 특징은 다음과 같습니다.

• 폴리리듬을 일으키는 당김음 리듬.
• 음악의 리드미컬한 맥동이 바로 비트입니다.
• 비트-스윙으로부터의 복잡한 편차.
• 작곡의 끊임없는 즉흥 연주.
• 풍부한 하모니, 리듬, 음색.

특히 개발의 첫 번째 단계에서 재즈의 기본은 사려 깊은 형식과 결합된 즉흥 연주였습니다(동시에 작곡의 형식이 반드시 어딘가에 고정된 것은 아닙니다). 그리고 아프리카 음악에서 이 새로운 스타일은 다음과 같은 특징을 가지고 있습니다.

• 각 악기를 타악기로 이해합니다.
• 작곡을 할 때 인기 있는 대화 억양.
• 악기를 연주할 때 대화를 비슷하게 흉내냅니다.

일반적으로 재즈의 모든 방향은 지역적 특성에 따라 구별되므로 역사적 발전의 맥락에서 고려하는 것이 논리적입니다.

재즈, 래그타임의 등장(1880~1910년대)

재즈는 18세기에 아프리카에서 미국으로 건너온 흑인 노예들 사이에서 유래되었다고 믿어집니다. 포로 아프리카인들은 단일 부족으로 대표되지 않았기 때문에 신세계에 있는 친척들과 공통 언어를 찾아야 했습니다. 이러한 통합은 음악 문화를 포함하는 미국 내 통일된 아프리카 문화의 출현으로 이어졌습니다. 그 결과 최초의 재즈 음악이 등장한 것은 1880년대와 1890년대가 되어서였습니다. 이 스타일은 대중 댄스 음악에 대한 세계적인 수요에 의해 주도되었습니다. 아프리카 음악 예술은 이러한 리드미컬한 춤이 풍부했기 때문에 이를 바탕으로 새로운 방향이 탄생했습니다. 귀족의 고전 무용을 배울 수 없었던 수천 명의 미국 중산층이 래그타임 피아노에 맞춰 춤을 추기 시작했습니다. Ragtime은 재즈의 미래 기반을 음악에 도입했습니다. 따라서 이 스타일의 주요 대표자인 Scott Joplin은 "3 대 4" 요소(각각 3 및 4 단위의 교차 사운드 리듬 패턴)의 저자입니다.

뉴올리언스 (1910-1920년대)

클래식 재즈는 20세기 초 미국 남부 주, 특히 뉴올리언스에서 나타났습니다(노예 무역이 널리 퍼진 곳이 남부였기 때문에 논리적입니다).

아프리카와 크리올 오케스트라가 이곳에서 연주하며 래그타임, 블루스, 흑인 노동자 노래의 영향을 받아 음악을 만들었습니다. 군악대의 많은 악기가 도시에 등장한 후 아마추어 그룹이 나타나기 시작했습니다. 전설적인 뉴올리언스 음악가이자 자신의 오케스트라를 창시한 올리버 왕(King Oliver)도 독학을 했습니다. 재즈 역사상 중요한 날짜는 Original Dixieland Jazz Band가 최초의 축음기 음반을 발표한 1917년 2월 26일이었습니다. 스타일의 주요 특징은 타악기의 비트, 뛰어난 솔로, 음절이 있는 보컬 즉흥 연주(스캣) 등 뉴올리언스에 정리되어 있습니다.

시카고 (1910-1920년대)

고전주의자들이 '광란의 20년대'라고 일컬은 1920년대 재즈음악은 '부끄러운', '음란한'이라는 타이틀을 잃어가며 점차 대중문화에 편입됐다. 오케스트라는 레스토랑에서 공연을 시작하고 남부 주에서 미국의 다른 지역으로 이동합니다. 시카고는 미국 북부 재즈의 중심지가 되었으며, 이곳에서 음악가들의 무료 야간 공연이 인기를 얻었습니다(이러한 쇼 중에는 즉흥 연주와 외부 솔리스트가 자주 등장했습니다). 음악 스타일에는 더 복잡한 편곡이 나타납니다. 이 시대의 재즈 아이콘은 뉴올리언스에서 시카고로 이주한 루이 암스트롱이었다. 그 후 두 도시의 스타일이 하나의 재즈 음악 장르인 Dixieland로 결합되기 시작했습니다. 이 스타일의 주요 특징은 재즈의 주요 아이디어를 절대적인 수준으로 끌어 올린 집단적 즉흥 연주였습니다.

스윙과 빅밴드 (1930~1940년대)

재즈의 인기가 지속적으로 높아지면서 대규모 오케스트라에서 댄스 곡을 연주해야 한다는 수요가 생겼습니다. 이것이 스윙이 나타난 방식으로 리듬에서 양방향으로 특징적인 편차를 나타냅니다. 스윙은 당시의 주요 스타일 방향이되었으며 오케스트라 작업에서 나타났습니다. 조화로운 댄스 작곡을 연주하려면 오케스트라의보다 조화로운 연주가 필요했습니다. 재즈 뮤지션들은 많은 즉흥 연주 없이 균등하게 참여해야 했기 때문에(솔리스트 제외) Dixieland의 집단 즉흥 연주는 과거의 일이 되었습니다. 1930년대에는 빅 밴드라고 불리는 유사한 그룹이 번성했습니다. 당시 오케스트라의 특징은 악기 그룹과 섹션 간의 경쟁이었습니다. 전통적으로 색소폰, 트럼펫, 드럼의 세 가지가있었습니다. 가장 유명한 재즈 뮤지션과 오케스트라는 Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington입니다. 마지막 음악가는 흑인 민속에 대한 헌신으로 유명합니다.

비밥 (1940년대)

스윙이 초기 재즈의 전통, 특히 고전적인 아프리카 멜로디와 스타일에서 벗어난 것은 역사 전문가들 사이에 불만을 불러일으켰습니다. 점점 대중을 위해 활동하는 빅 밴드와 스윙 연주자들은 소규모 흑인 음악가 앙상블의 재즈 음악에 반대하기 시작했습니다. 실험자들은 초고속 멜로디를 도입하고 긴 즉흥 연주, 복잡한 리듬, 솔로 악기의 거장 컨트롤을 다시 가져왔습니다. 독점적으로 자리 잡은 새로운 스타일은 비밥이라고 불리기 시작했습니다. 이 시대의 아이콘은 찰리 파커(Charlie Parker)와 디지 길레스피(Dizzy Gillespie) 등 터무니없는 재즈 뮤지션이었습니다. 재즈의 상업화에 반대하는 미국 흑인들의 반란, 이 음악에 친밀감과 독특함을 되돌려 주고자 하는 열망이 핵심이 되었습니다. 지금 이 순간부터, 이 스타일로부터 모던 재즈의 역사가 시작된다. 동시에 빅밴드 리더들도 큰 홀에서 벗어나 휴식을 취하고 싶어 소규모 오케스트라를 찾아온다. 콤보라고 불리는 앙상블에서 그러한 음악가들은 스윙 스타일을 고수했지만 즉흥적으로 자유롭게 연주할 수 있었습니다.

쿨 재즈, 하드 밥, 소울 재즈, 재즈 펑크(1940년대~1960년대)

1950년대에는 재즈 등 음악 장르가 서로 상반되는 방향으로 발전하기 시작했다. 클래식 음악의 지지자들은 "냉각된" 비밥을 통해 학술 음악, 다성음악, 편곡을 다시 패션으로 가져왔습니다. 쿨 재즈는 절제되고 건조하며 우울한 것으로 유명해졌습니다. 이 재즈 방향의 주요 대표자는 Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck입니다. 그러나 반대로 두 번째 방향은 비밥의 아이디어를 발전시키기 시작했습니다. 하드 밥 스타일은 흑인 음악의 뿌리로 회귀한다는 사상을 전파했다. 전통적인 민속 선율, 밝고 공격적인 리듬, 폭발적인 솔로 연주와 즉흥 연주가 다시 패션으로 돌아왔습니다. 하드 밥 스타일로 알려진 사람은 Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane입니다. 이 스타일은 소울 재즈, 재즈 펑크와 함께 유기적으로 발전했습니다. 이러한 스타일은 블루스에 더 가까워져 리듬이 연주의 핵심 요소가 되었습니다. 특히 재즈 펑크는 Richard Holmes와 Shirley Scott에 의해 소개되었습니다.

무료 음악(1960년대~현재)

1950년대 중반 '재즈 르네상스' 이후 이 스타일이 다른 음악 스타일과 동등해지면서 일종의 재즈 해방이 일어났다. 새로운 즉흥 연주를 찾기 위해 실험이 수행되었으며 새로운 장르가 나타났습니다 (퓨전-록 음악과의 결합-재즈 록 및 팝 음악-재즈 팝, 프리 재즈-톤과 리듬 조절 거부). 새로운 음악의 제작자는 Ornette Coleman, Cecil Taylor, Pat Metheny, Wayne Shorter, Lee Wrightnaur였습니다. 재즈는 소련과 CIS에서 발전했는데, 주요 대표자는 Valentin Parnakh(국내 최초의 오케스트라 창시자), Alexander Varlamov, Oleg Lundstrem, Konstantin Orbelyan이었습니다. 현대 사회에서도 재즈 음악에 대한 유사한 실험이 계속되고 있으며, 새로운 문화를 혼합하고 다른 스타일과 혼합하여 완전히 새로운 스타일을 만들어냅니다. 현재 Mats Gustafson, Evan Parker, Benny Greene, Chick Corea, Elvin Jones 등의 인재를 개발하고 있습니다.

재즈는 19세기 말과 20세기 초 미국에서 시작된 음악 운동이다. 그 출현은 아프리카와 유럽의 두 문화가 얽힌 결과입니다. 이 악장은 미국 흑인의 영성(교회 성가), 아프리카 민속 리듬, 유럽의 조화로운 멜로디를 결합합니다. 그 특징은 다음과 같습니다: 당김음의 원리에 기초한 유연한 리듬, 타악기의 사용, 즉흥 연주, 소리와 역동적인 긴장이 특징인 표현적인 연주 방식, 때로는 엑스터시 지점에 도달함. 재즈는 원래 래그타임(ragtime)과 블루스(blues) 요소의 조합이었습니다. 사실 이 두 가지 방향에서 성장했습니다. 재즈 스타일의 특징은 무엇보다도 재즈 거장의 개별적이고 독특한 연주이며, 즉흥 연주는 이 움직임에 지속적인 관련성을 부여합니다.

재즈 자체가 형성된 이후에도 계속적인 발전과 변용의 과정이 시작되었고, 이로 인해 다양한 방향이 탄생하게 되었다. 현재 약 30개가 있습니다.

뉴올리언스(전통) 재즈.

이 스타일은 일반적으로 1900년에서 1917년 사이에 연주된 재즈를 정확하게 의미합니다. 스토리빌(뉴올리언스의 홍등가)이 개장한 것과 동시에 등장했다고 볼 수 있는데, 이곳은 당김음 음악을 연주하는 음악가들이 항상 일자리를 찾을 수 있는 바와 유사한 시설로 인해 인기를 얻었습니다. 이전에 널리 퍼져 있던 거리 오케스트라는 소위 "스토리빌 앙상블"로 대체되기 시작했으며, 이들의 연주는 전임자에 비해 점점 더 개성을 획득하고 있습니다. 이 앙상블은 나중에 클래식 뉴올리언스 재즈의 창시자가 되었습니다. 이 스타일의 공연자의 생생한 예는 Jelly Roll Morton ( "His Red Hot Peppers"), Buddy Bolden ( "Funky Butt"), Kid Ory입니다. 아프리카 민속 음악을 최초의 재즈 형식으로 전환한 것은 바로 그들이었습니다.

시카고 재즈.

1917년 재즈 음악 발전의 다음 중요한 단계가 시작되었는데, 이는 시카고의 뉴올리언스 출신 이민자들의 출현으로 표시됩니다. 새로운 재즈 오케스트라가 형성되고 있으며, 그 연주는 초기 전통 재즈에 새로운 요소를 도입합니다. 이것이 시카고 공연 학교의 독립적 인 스타일이 나타나는 방식으로 흑인 음악가의 핫 재즈와 백인 딕시 랜드의 두 가지 방향으로 나뉩니다. 이 스타일의 주요 특징: 개별 솔로 파트, 뜨거운 영감의 변화(원래의 무료 황홀한 연주가 더욱 긴장되고 긴장감이 넘쳤습니다), 합성(음악에는 전통적인 요소뿐만 아니라 래그타임 및 유명한 미국 히트곡도 포함됨) ) 및 악기 연주의 변화(악기의 역할 및 연주 기술이 변경됨). 이 무브먼트의 기본 인물("What Wonderful World", "Moon Rivers") 및 ("Someday Sweetheart", "Ded Man Blues").

스윙은 시카고 학교에서 직접 성장하여 빅 밴드(오리지널 딕시랜드 재즈 밴드)에 의해 연주되었던 1920년대와 30년대 재즈의 오케스트라 스타일입니다. 서양음악이 우세한 것이 특징이다. 오케스트라에는 색소폰, 트럼펫, 트롬본으로 구성된 별도의 섹션이 등장했습니다. 밴조는 기타, 튜바 및 사소폰(더블베이스)으로 대체됩니다. 음악은 집단 즉흥 연주에서 벗어나 연주자들은 미리 작성된 악보를 엄격하게 준수하여 연주합니다. 특징적인 기술은 리듬 섹션과 멜로디 악기의 상호 작용이었습니다. 이 방향의 대표자: , (“Creole Love Call”, “The Mooche”), Fletcher Henderson (“When Buddha Smiles”), Benny Goodman And His Orchestra, .

비밥(Bebop)은 40년대에 시작된 현대 재즈 운동으로 실험적이고 반상업적인 운동이었습니다. 스윙과 달리 복잡한 즉흥성을 많이 강조하고, 멜로디보다 화성을 더 강조하는 좀 더 지적인 스타일이다. 이 스타일의 음악은 또한 매우 빠른 템포가 특징입니다. 가장 뛰어난 대표자는 Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker ( "Night In Tunisia", "Manteca") 및 Bud Powell입니다.

주류. Stride(북동부 재즈), Kansas City 스타일, West Coast 재즈의 세 가지 악장이 포함되어 있습니다. 루이 암스트롱(Louis Armstrong), 앤디 콘돈(Andy Condon), 지미 맥 파트랜드(Jimmy Mac Partland)와 같은 대가들이 이끄는 핫 스트라이드가 시카고에서 최고의 자리를 차지했습니다. 캔자스시티는 블루스 스타일의 서정적인 연극이 특징입니다. 그의 리더십 하에 로스앤젤레스에서 웨스트코스트 재즈가 발전했고 결국 쿨재즈로 발전했다.

쿨 재즈(cool jazz)는 다이나믹하고 충동적인 스윙과 비밥에 대한 대위법으로 50년대 로스앤젤레스에서 등장했습니다. 레스터 영(Lester Young)은 이 스타일의 창시자로 간주됩니다. 재즈에서는 특이한 사운드 제작 스타일을 도입 한 사람이 바로 그 사람이었습니다. 이 스타일은 교향악 악기를 사용하고 감정을 절제하는 것이 특징입니다. Miles Davis(“Blue In Green”), Gerry Mulligan(“Walking Shoes”), Dave Brubeck(“Pick Up Sticks”), Paul Desmond와 같은 거장은 이러한 맥락에서 흔적을 남겼습니다.

아반떼가르드는 60년대부터 발전하기 시작했습니다. 이 아방가르드 스타일은 원래의 전통적인 요소에서 벗어나 새로운 기술과 표현 수단을 사용하는 것이 특징입니다. 이 운동의 음악가들에게는 음악을 통한 자기표현이 최우선이었다. 이 악장의 연주자는 Sun Ra(“Kosmos in Blue”, “Moon Dance”), Alice Coltrane(“Ptah The El Daoud”), Archie Shepp입니다.

프로그레시브 재즈는 40년대 비밥과 병행하여 생겨났지만 스타카토 색소폰 기술, 리드미컬한 맥동과 심포닉 재즈 요소가 있는 다음성의 복잡한 얽힘으로 구별되었습니다. 이 트렌드의 창시자는 Stan Kenton이라고 할 수 있습니다. 저명한 대표자: 길 에반스(Gil Evans)와 보이드 레이번(Boyd Rayburn).

하드밥(Hard bop)은 비밥(Bebop)에 뿌리를 둔 재즈의 일종이다. 디트로이트, 뉴욕, 필라델피아 - 이 스타일은 이 도시에서 탄생했습니다. 공격성에서는 비밥을 연상케하지만 여전히 블루스 요소가 우세합니다. 주요 공연자로는 Zachary Breaux("Uptown Groove"), Art Blakey 및 The Jass Messengers가 있습니다.

소울재즈. 이 용어는 일반적으로 모든 흑인 음악을 설명하는 데 사용됩니다. 전통적인 블루스와 아프리카계 미국인의 민속음악을 활용합니다. 이 음악은 오스티나토 베이스 연주와 리드미컬하게 반복되는 샘플이 특징이며, 이로 인해 다양한 대중에게 폭넓은 인기를 얻었습니다. 이 방향의 히트곡으로는 Ramsey Lewis의 "The In Crowd"와 Harris-McCain의 "Compared To What" 작곡이 있습니다.

그루브(일명 펑크)는 소울의 파생물이지만 리드미컬한 초점으로 구별됩니다. 기본적으로 이 방향의 음악은 큰 색채를 띠고 있으며 구조상 각 악기마다 명확하게 정의된 부분으로 구성되어 있습니다. 솔로 연주는 전체 사운드에 조화롭게 어울리며 너무 개별화되지 않습니다. 이 스타일의 연주자는 Shirley Scott, Richard "Groove" Holmes, Gene Emmons, Leo Wright입니다.

프리 재즈는 Ornette Coleman과 Cecil Taylor와 같은 혁신적인 거장들의 노력 덕분에 50년대 후반에 시작되었습니다. 그 특징은 무조성과 화음 순서 위반입니다. 이 스타일은 흔히 "프리 재즈"라고 불리며, 그 파생형에는 로프트 재즈, 모던 크리에이티브, 프리 펑크가 포함됩니다. 이 스타일의 음악가로는 Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier(“Varech”), AMM(“Sedimantari”)이 있습니다.

재즈 형식의 광범위한 아방가르드와 실험주의로 인해 창의성이 나타났습니다. 그러한 음악은 너무 다면적이고 이전 악장의 많은 요소를 결합하기 때문에 특정 용어로 특성화하기가 어렵습니다. 이 스타일의 첫 추종자로는 Lenny Tristano(“Line Up”), Gunter Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cirilla(“The Big Time Stuff”)가 있습니다.

당시 존재했던 거의 모든 음악적 움직임의 요소를 융합한 퓨전입니다. 가장 활발한 개발은 70년대에 시작되었습니다. 퓨전(Fusion)은 복잡한 박자표, 리듬, 긴 구성, 보컬 부재가 특징인 체계적인 악기 스타일입니다. 이 스타일은 영혼보다 덜 광범위한 대중을 위해 설계되었으며 완전히 반대입니다. 이러한 추세의 선두에는 Larry Corall과 밴드 Eleventh, Tony Williams 및 Lifetime(“Bobby Truck Tricks”)이 있습니다.

애시드 재즈(그루브 재즈" 또는 "클럽 재즈")는 80년대 후반(1990~1995년 전성기) 영국에서 생겨났고 70년대 펑크, 90년대 힙합, 댄스 음악이 결합되었습니다. 이 스타일의 출현은 재즈 펑크 샘플의 광범위한 사용에 의해 결정되었습니다. 창립자는 DJ Giles Peterson으로 간주됩니다. 이 방향의 출연자로는 Melvin Sparks(“Dig Dis”), RAD, Smoke City(“Flying Away”), Incognito 및 Brand New Heavies가 있습니다.

포스트밥은 50~60년대에 발전하기 시작해 하드밥과 구조가 비슷하다. 소울, 펑크, 그루브 요소가 존재하는 것이 특징입니다. 종종 이 방향을 특성화할 때 블루스 록과 평행선을 그립니다. 행크 모블린(Hank Moblin), 호레이스 실버(Horace Silver), 아트 블레이키(“Like someone In Love”), 리 모건(“예스터데이”), 웨인 쇼터(Wayne Shorter)가 이런 스타일로 작업했습니다.

스무드 재즈(Smooth Jazz)는 퓨전 무브먼트에서 탄생한 현대 재즈 스타일이지만, 사운드를 의도적으로 다듬는다는 점에서 다릅니다. 이 분야의 특별한 특징은 전동 공구의 광범위한 사용입니다. 유명 연주자: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater(“All Of Me”, “God Bless The Child”), Larry Carlton(“Dont Give It Up”).

Jazz-Manush(집시 재즈)는 기타 연주에 특화된 재즈 악장입니다. Manush 그룹의 집시 부족의 기타 기술과 스윙을 결합합니다. 이 트렌드의 창시자는 페레(Ferre) 형제입니다. 가장 유명한 공연자 : Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen ( "Stella By Starlight", "Fiso Place", "Autumn Leaves").

재즈는 유럽인들에게 미국을 개방한 콜럼버스로부터 시작된 유럽과 아프리카 음악 문화의 혼합에서 유래되었습니다. 아프리카 서부 해안에서 미국으로 이송된 흑인 노예로 대표되는 아프리카 문화는 재즈 즉흥 연주, 가소성과 리듬, 유럽 문화(멜로디와 소리의 조화, 마이너 및 메이저 표준)를 제공했습니다.

재즈 음악이 처음 연주된 장소에 대해서는 여전히 논쟁이 있습니다. 일부 역사가들은 이 음악 운동이 미국 북부에서 시작되었다고 믿습니다. 그곳에서 개신교 선교사들은 흑인들을 기독교 신앙으로 개종시켰고, 그들은 감정과 즉흥 연주가 특징인 특별한 유형의 영적 성가인 "영적"을 만들어냈습니다. 다른 사람들은 재즈가 아프리카 계 미국인 민속 음악이 독창성을 유지할 수 있었던 미국 남부에서 시작되었다고 믿습니다. 단지 대륙의 이 지역에 거주하는 유럽인들의 가톨릭 견해가 그들이 외국 문화에 기여하는 것을 허용하지 않았기 때문입니다. 그들은 경멸로 대했습니다.

역사가들의 견해 차이에도 불구하고 재즈가 미국에서 시작되었다는 것은 의심의 여지가 없으며 재즈 음악의 중심은 자유로운 사고를 가진 모험가들이 살았던 뉴 올리언스였습니다. 1917년 2월 26일, 오리지널 Dixieland Jazz Band의 재즈 음악이 포함된 최초의 축음기 음반이 녹음된 곳이 바로 여기 Victor 스튜디오였습니다.

재즈가 사람들의 마음 속에 확고히 자리잡은 후, 재즈의 다양한 방향이 나타나기 시작했습니다. 오늘날에는 30개 이상이 있습니다.
그 중 일부는 다음과 같습니다.

영적

재즈의 창시자 중 하나는 Spirituals(영어: Spirituals, Spiritual music) - 아프리카계 미국인의 영적인 노래입니다. 장르로서 영가는 19세기 후반 미국 남부 흑인들의 변형된 노예 노래로 형성되었습니다(그 당시에는 "jubiliz"라는 용어가 사용되었습니다).
흑인 영성의 원천은 백인 정착민들이 미국으로 가져온 영적 찬송가입니다. 영성의 주제는 흑인의 일상 생활과 일상 생활의 특정 조건에 맞게 조정되고 민속 처리를 거친 성서적 이야기였습니다. 그들은 아프리카 공연 전통의 특징적인 요소(집단 즉흥 연주, 뚜렷한 폴리리듬이 있는 특징적인 리듬, 글리샌드 소리, 절제되지 않은 화음, 특별한 감성)와 앵글로-켈트족을 기반으로 발생한 미국 청교도 찬송가의 문체적 특징을 결합합니다. 영성체는 설교자와 교구민 사이의 대화로 표현되는 질문과 답변 구조를 가지고 있습니다. 영적인 사람들은 재즈의 기원, 형성 및 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 그 중 다수는 재즈 뮤지션이 즉흥 연주를 위한 테마로 사용합니다.

블루스

가장 널리 퍼진 것 중 하나는 미국 흑인들의 세속적인 음악 제작의 후손인 블루스입니다. "blue"라는 단어에는 잘 알려진 "blue"의 의미 외에도 "sad", "melancholic"과 같은 음악 스타일의 특징을 완전히 특성화하는 다양한 번역 옵션이 있습니다. "Blues"는 "고양이가 영혼을 긁을 때"를 의미하는 영어 표현 "blue Devils"와 관련이 있습니다. 블루스 음악은 서두르지 않고 서두르지 않으며 가사에는 항상 절제된 표현과 모호함이 담겨 있습니다. 오늘날 블루스는 재즈 즉흥 연주와 같은 악기 형태로만 가장 자주 사용됩니다. 루이 암스트롱(Louis Armstrong)과 듀크 엘링턴(Duke Ellington)의 수많은 뛰어난 연주의 기초가 된 것은 블루스였습니다.

래그타임

래그타임(Ragtime)은 19세기 말에 등장한 재즈 음악의 또 다른 구체적인 방향이다. 스타일 이름 자체는 "찢어진 시간"으로 번역되며 "래그"라는 용어는 소절의 박자 사이에 나타나는 사운드를 나타냅니다. 모든 재즈와 마찬가지로 래그타임(Ragtime)은 아프리카계 미국인이 자신만의 방식으로 연주하는 또 다른 유럽 음악 취미입니다. 우리는 슈베르트, 쇼팽, 리스트 등을 레퍼토리로 포함하여 당시 유럽에서 유행했던 낭만적인 피아노 학교에 대해 이야기하고 있습니다. 이 레퍼토리는 미국에서 청취되었지만 아프리카계 미국인 흑인의 해석에서는 더욱 복잡한 리듬, 역동성 및 강렬함을 얻었습니다. 나중에 즉흥 래그 타임이 악보로 바뀌기 시작했고, 자존심이 강한 모든 가족이 복잡한 래그 타임 멜로디를 연주하는 데 매우 편리한 기계식 피아노를 포함하여 피아노를 가져야한다는 사실로 인해 그 인기가 높아졌습니다. 래그타임이 가장 인기 있는 음악적 목적지였던 도시는 텍사스의 세인트루이스, 캔자스시티, 세달리아(미주리) 마을이었습니다. 래그타임 장르의 가장 유명한 연주자이자 작곡가인 스콧 조플린(Scott Joplin)이 탄생한 것도 바로 이 상태에서였다. 그는 종종 1897년에 작곡된 유명한 래그타임 노래 "Maple Leaf Rag"의 이름을 따온 Maple Leaf Club에서 공연했습니다. 다른 유명한 래그타임 작가이자 공연자로는 James Scott과 Joseph Lamb이 있습니다.

그네

30년대 초반 미국의 경제 위기로 인해 수많은 재즈 앙상블이 붕괴되었고, 주로 오케스트라가 가짜 재즈 상업 댄스 음악을 연주하게 되었습니다. 스타일 개발의 중요한 단계는 재즈가 스윙(영어 "스윙" - "스윙"에서 유래)이라는 새롭고 깨끗하고 부드러운 방향으로 진화한 것입니다. 따라서 당시 속어인 "재즈"를 없애고 새로운 "스윙"으로 바꾸려는 시도가 이루어졌습니다. 스윙의 주요 특징은 복잡한 반주를 배경으로 솔리스트의 밝은 즉흥 연주였습니다.

스윙의 위대한 재즈맨:

"스윙은 내가 이해하는 진정한 리듬이다." 루이 암스트롱.
“스윙은 같은 템포로 연주하면서도 템포를 빠르게 하는 느낌이에요.” 베니 굿맨.
“관현악은 집단적 해석이 리드미컬하게 통합되면 진동합니다.” 존 해먼드.
“스윙은 느껴져야 하고, 다른 사람에게도 전달될 수 있는 느낌입니다.” 글렌 밀러.

스윙은 음악가들에게 좋은 기술, 조화에 대한 지식, 음악 조직의 원리를 요구했습니다. 이러한 음악제작의 주된 형태는 대규모 오케스트라나 빅밴드인데, 이는 30년대 후반 일반 대중들 사이에서 엄청난 인기를 얻었다. 오케스트라의 구성은 점차적으로 표준 형식을 획득했으며 10명에서 20명까지 포함되었습니다.

부기 우기

스윙 시대에는 '부기우기'라고 불리는 특별한 형태의 피아노 블루스 연주가 특별한 인기와 발전을 이루었습니다. 이 스타일은 캔자스시티와 세인트루이스에서 시작되어 시카고로 퍼졌습니다. 부기우기는 밴조와 기타 연주자부터 남부 피아니스트까지 채택했습니다. 부기우기 피아니스트는 일반적으로 왼손으로 워킹 베이스를 연주하고 오른손으로 블루스 하모니 즉흥 연주를 결합합니다. 이 스타일은 금세기 두 번째 10년에 피아니스트 지미 얀시(Jimmy Yancey)가 연주하면서 나타났습니다. 그러나 부기우기를 댄스 음악에서 콘서트 음악으로 전환시킨 세 명의 거장 "Mid Lax" Lewis, Pete Johnson, Albert Ammons의 등장으로 진정한 인기를 얻었습니다. 부기우기의 추가 사용은 스윙 장르와 리듬 앤 블루스 밴드에서 발생했으며 로큰롤의 출현에 큰 영향을 미쳤습니다.

밥

40 년대 초반, 많은 창의적인 음악가들이 엄청난 수의 세련된 댄스와 재즈 오케스트라의 출현으로 인해 발생하는 재즈 발전의 정체를 심각하게 느끼기 시작했습니다. 그들은 재즈의 진정한 정신을 표현하려고 노력한 것이 아니라 최고의 그룹의 준비와 기술을 복제하여 사용했습니다. 교착 상태에서 벗어나려는 시도는 알토 색소폰 연주자 Charlie Parker, 트럼펫 연주자 Dizzy Gillespie, 드러머 Kenny Clarke, 피아니스트 Thelonious Monk를 포함하여 주로 뉴욕의 젊은 음악가들에 의해 이루어졌습니다. 점차적으로 그들의 실험에서 Gillespie의 가벼운 손으로 "bebop"또는 간단히 "bop"이라는 이름을 얻은 새로운 스타일이 나타나기 시작했습니다. 그의 전설에 따르면, 이 이름은 그가 bop의 특징적인 음악 간격인 블루스 5번을 노래한 음절의 조합으로 형성되었으며, 이는 블루스 3번과 7번 외에 bop에 등장했습니다. 새로운 스타일의 주요 차이점은 다양한 원칙을 기반으로 한 더욱 복잡한 조화였습니다. 전문가가 아닌 사람들이 새로운 즉흥 연주를 하지 못하도록 하기 위해 Parker와 Gillespie는 초고속 연주 템포를 도입했습니다. 스윙에 비해 프레이즈 구성의 어려움은 주로 초기 비트에 있습니다. 비밥의 즉흥적 프레이즈는 당김음 비트, 아마도 두 번째 비트에서 시작할 수 있습니다. 종종 이미 알려진 주제나 조화로운 격자(인류학)에서 연주되는 문구입니다. 무엇보다도 모든 비보피스트의 특징은 충격적인 행동이었습니다. "Dizzy" Gillespie의 구부러진 트럼펫, Parker와 Gillespie의 행동, Monk의 우스꽝스러운 모자 등. 비밥이 낳은 혁명은 결과적으로 풍부했습니다. 창의력의 초기 단계에서 Erroll Garner, Oscar Peterson, Ray Brown, George Shearing 등은 boppers로 간주되었습니다. 비밥의 창시자 중 Dizzy Gillespie의 운명만이 잘 드러났습니다. 그는 실험을 계속하고 쿠바노 스타일을 창시했으며 라틴 재즈를 대중화했으며 라틴 아메리카 재즈의 스타인 Arturo Sandoval, Paquito DeRivero, Chucho Valdez 등을 세계에 발견했습니다.

비밥을 악기의 기교와 복잡한 하모니에 대한 지식이 필요한 음악으로 인식한 재즈 악기 연주자는 빠르게 인기를 얻었습니다. 그들은 복잡성이 증가하는 코드 변화에 반응하여 지그재그로 회전하는 멜로디를 작곡했습니다. 즉흥 연주에서 솔리스트들은 음조가 불협화음인 음을 사용하여 더욱 이국적이고 날카로운 사운드를 지닌 음악을 만들어냈습니다. 당김음의 매력은 전례 없는 악센트로 이어졌습니다. Bebop은 4중주, 5중주와 같은 소규모 그룹 형식으로 연주하는 데 가장 적합했으며 이는 경제적, 예술적 측면 모두에서 이상적인 것으로 입증되었습니다. 음악은 도시의 재즈 클럽에서 번창했고, 청중들은 자신이 좋아하는 히트곡에 맞춰 춤을 추기보다는 독창적인 솔리스트의 노래를 듣기 위해 왔습니다. 간단히 말해서, 비밥 음악가들은 재즈를 아마도 감각보다는 지성에 조금 더 호소하는 예술 형태로 변화시키고 있었습니다.

비밥 시대에는 트럼펫 연주자 Clifford Brown, Freddie Hubbard 및 Miles Davis, 색소폰 연주자 Dexter Gordon, Art Pepper, Johnny Griffin, Pepper Adams, Sonny Stitt 및 John Coltrane, 트롬본 연주자 JJ Johnson을 포함한 새로운 재즈 스타가 등장했습니다.

비밥은 1950년대와 1960년대에 하드밥, 쿨재즈, 소울재즈 등 여러 변화를 겪었습니다. 일반적으로 하나 이상의(보통 3개 이하) 관악기, 피아노, 더블 베이스 및 드럼으로 구성된 소규모 음악 그룹(콤보)의 형식은 오늘날에도 표준 재즈 작곡으로 남아 있습니다.

프로그레시브 재즈

비밥의 출현과 병행하여 재즈, 즉 프로그레시브 재즈 또는 단순히 프로그레시브라는 새로운 장르가 발전했습니다. 이 장르의 주요 차이점은 빅 밴드의 얼어붙은 진부함과 소위 구식이고 낡은 기술에서 벗어나려는 욕구입니다. 1920년대 Paul Whiteman이 소개한 심포닉 재즈. 보퍼와 달리 진보적인 창작자들은 당시 발전했던 재즈 전통을 근본적으로 거부하려고 노력하지 않았습니다. 그들은 오히려 스윙 프레이즈 모델을 업데이트하고 개선하여 음조와 조화 분야에서 유럽 교향악의 최신 성과를 작곡 실습에 도입하려고 노력했습니다.

'프로그레시브'라는 개념의 발전에 가장 큰 공헌을 한 사람은 피아니스트이자 지휘자인 스탠 켄튼(Stan Kenton)이었습니다. 실제로 1940년대 초반 프로그레시브 재즈는 그의 첫 작품부터 시작됐다. 그의 첫 번째 오케스트라가 연주한 음악의 사운드는 라흐마니노프에 가까웠고 작곡은 후기 낭만주의의 특징을 담고 있었습니다. 그러나 장르적으로는 심포닉재즈에 가장 가깝다. 나중에 그의 유명한 "Artistry"앨범 시리즈를 만드는 동안 재즈 요소는 색상을 만드는 역할을 중단했지만 이미 음악 자료에 유기적으로 짜여져 있었습니다. Kenton과 함께 그의 최고의 편곡자인 Darius Milhaud의 학생인 Pete Rugolo도 이에 대한 공로를 인정받았습니다. 현대적인 (당시) 교향곡 사운드, 색소폰 연주의 특정 스타카토 기술, 대담한 하모니, 잦은 초 및 블록, 다조성 및 재즈 리듬 맥동-이것이 Stan Kenton이 참여한이 음악의 특징입니다. 유럽 ​​교향곡 문화와 비밥 요소를 위한 공통 플랫폼을 찾은 혁신가 중 한 사람으로서 수년 동안 재즈의 역사를 쌓아왔으며, 특히 솔로 악기 연주자가 나머지 오케스트라의 사운드에 반대하는 것처럼 보이는 곡에서 두드러졌습니다. Kenton은 세계적으로 유명한 드러머 Shelley Maine, 더블 베이시스트 Ed Safransky, 트롬본 연주자 Kay Winding, 당시 최고의 재즈 보컬리스트 중 한 명인 June Christie를 포함하여 그의 작곡에서 솔리스트의 즉흥 연주 부분에 큰 관심을 기울였다는 점도 주목해야 합니다. Stan Kenton은 경력 전반에 걸쳐 자신이 선택한 장르에 충실했습니다.

Stan Kenton 외에도 흥미로운 편곡가이자 악기 연주자인 Boyd Rayburn과 Bill Evans도 이 장르의 발전에 기여했습니다. 이미 언급한 "Artistry" 시리즈와 함께 프로그레시브 발전에 대한 일종의 신격화는 Bill Evans 빅 밴드가 1950-1960년대 Miles Davis 앙상블과 함께 녹음한 일련의 앨범으로 간주될 수도 있습니다. "Miles Ahead", "Porgy and Bess" 및 "스페인 그림". 그가 죽기 직전에 Miles Davis는 다시 이 장르로 전환하여 Quincy Jones Big Band와 함께 Bill Evans의 오래된 편곡을 녹음했습니다.

하드밥

쿨 재즈가 서부 해안에 뿌리내린 것과 거의 같은 시기에 디트로이트, 필라델피아, 뉴욕의 재즈 뮤지션들은 하드 밥(Hard Bop) 또는 하드 비밥(Hard Bebop)이라고 불리는 오래된 비밥 공식의 더 강하고 무거운 변형을 개발하기 시작했습니다. 공격성과 기술적 요구 면에서 전통적인 비밥과 매우 유사하며, 1950년대와 1960년대의 하드밥은 표준적인 노래 형식에 덜 의존하고 블루스 요소와 리듬 드라이브에 더 중점을 두기 시작했습니다. 관악기 연주자에게는 강한 조화감과 함께 맹렬한 독주나 즉흥 연주 기술이 무엇보다 중요했으며, 리듬 섹션에서는 드럼과 피아노가 더욱 두드러졌고 베이스는 더욱 유동적이고 펑키한 느낌을 받았습니다.

1955년 드러머 Art Blakey와 피아니스트 Horace Silver는 가장 영향력 있는 하드밥 그룹인 The Jazz Messengers를 결성했습니다. 1980년대까지 성공적으로 작동했던 이 끊임없이 개선되고 발전하는 7중주단은 색소폰 연주자 Hank Mobley, Wayne Shorter, Johnny Griffin 및 Branford Marsalis는 물론 트럼펫 연주자 Donald Byrd, Woody Shaw와 같은 재즈 장르의 주요 연주자들을 배출했습니다. 윈튼 마살리스와 리 모건. 역사상 가장 큰 재즈 히트곡 중 하나인 Lee Morgan의 1963년 곡 "The Sidewinder"는 다소 단순하기는 하지만 확실히 강렬한 비밥 댄스 스타일로 연주되었습니다.

소울재즈

하드밥의 가까운 친척인 소울 재즈는 1950년대 중반에 등장하여 1970년대까지 계속 연주된 소규모 오르간 기반 미니 형식으로 대표됩니다. 블루스와 가스펠을 기반으로 한 소울 재즈 음악에 아프리카계 미국인의 영성이 깃들어 있습니다. 대부분의 훌륭한 재즈 오르간 연주자들은 소울 재즈 시대에 현장에 등장했습니다. Jimmy McGriff, Charles Erland, Richard "Groove" Holmes, Les McCain, Donald Patterson, Jack McDuff 및 Jimmy "Hammond" Smith. 그들은 모두 1960년대에 자신의 밴드를 이끌었고 종종 소규모 공연장에서 트리오로 연주했습니다. 테너색소폰은 가스펠 음악에서 설교자의 목소리와 매우 흡사하게 믹스에 자신의 목소리를 추가하면서 이러한 앙상블에서 눈에 띄는 인물이었습니다. Gene Emmons, Eddie Harris, Stanley Turrentine, Eddie "Tetanus" Davis, Houston Person, Hank Crawford 및 David "Nump" Newman과 같은 유명 인사들과 1950년대 후반과 1960년대의 Ray Charles 앙상블 멤버들은 종종 다음과 같이 간주됩니다. 소울 재즈 스타일의 대표주자. 찰스 밍거스(Charles Mingus)도 마찬가지다. 하드밥과 마찬가지로 소울 재즈는 웨스트 코스트 재즈와 달랐습니다. 음악은 웨스트 코스트 재즈와 관련된 외로움과 정서적 시원함보다는 열정과 강한 유대감을 불러일으켰습니다. 오스티나토 베이스 피처와 반복되는 리듬 샘플의 빈번한 사용 덕분에 소울 재즈의 빠른 속도의 멜로디는 이 음악을 일반 대중에게 매우 쉽게 접근할 수 있게 만들었습니다. 예를 들어 소울 재즈에서 탄생한 히트곡으로는 피아니스트 Ramsey Lewis(“The In Crowd” – 1965)와 Harris-McCain “Compared To What” – 1969의 작곡이 있습니다. 소울 재즈는 현재 "소울 음악"으로 알려진 것과 혼동되어서는 안 됩니다. 부분적으로는 가스펠의 영향을 받았지만 소울 재즈는 비밥에서 성장했으며, 소울 음악의 뿌리는 1960년대 초반에 유행했던 리듬 앤 블루스로 직접 거슬러 올라갑니다.

쿨재즈

쿨이라는 용어 자체는 유명한 재즈 음악가 마일스 데이비스(Miles Davis)의 앨범 "Birth of the Cool"(1949~50년 녹음)이 발표된 이후에 등장했습니다.
사운드 제작 방식이나 하모니 측면에서 쿨재즈는 모달재즈와 공통점이 많다. 정서적 절제, 작곡가의 음악과의 화해 경향(구성, 형식 및 조화의 역할 강화, 질감의 다성화), 심포니 오케스트라 악기의 도입이 특징입니다.
쿨 재즈의 뛰어난 대표자는 트럼펫 연주자 Miles Davis와 Chet Baker, 색소폰 연주자 Paul Desmond, Jerry Mulligan 및 Stan Getz, 피아니스트 Bill Evans 및 Dave Brubeck입니다.
쿨 재즈의 걸작으로는 Paul Desmond의 "Take Five", Gerry Mulligen의 "My Funny Valentine", Miles Davis의 Thelonious Monk의 "Round Midnight" 등이 있습니다.

모달 재즈

1960년대에 등장한 운동인 모달 재즈(Modal Jazz). 이는 음악을 구성하는 모달 원리를 기반으로 합니다. 전통적인 재즈와 달리 모달 재즈에서는 하모닉 기반이 Dorian, Phrygian, Lydian, pentatonic 및 유럽 및 비유럽 출신의 기타 음계 모드로 대체됩니다. 이에 따라 모달 재즈에서는 특별한 유형의 즉흥 연주가 개발되었습니다. 음악가는 코드 변경이 아니라 모드 기능 강조, 다중 모드 오버레이 등에서 개발 인센티브를 추구합니다. 이 방향은 Thelonious Monk, Miles Davis, John Coltrane, George Russell, Don Cherry와 같은 뛰어난 음악가들이 대표합니다.

무료 재즈

아마도 재즈 역사상 가장 논란이 많은 운동은 프리 재즈(나중에 "New Thing"이라고 불림)의 출현과 함께 일어났을 것입니다. 프리 재즈의 요소는 용어 자체가 만들어지기 오래 전에 재즈의 음악 구조 내에 존재했지만 Coleman Hawkins, Pee Wee Russell 및 Lenny Tristano와 같은 혁신가의 "실험"에서 가장 독창적이었지만 1950년대 후반부터 색소폰 연주자 Ornette Coleman과 피아니스트 Cecil Taylor와 같은 선구자들의 노력으로 이러한 방향은 독립적인 스타일로 구체화되었습니다.

John Coltrane, Albert Ayler, Sun Ra Arkestra 및 The Revolutionary Ensemble과 같은 그룹과 함께 이 두 뮤지션이 성취한 것은 구조의 다양한 변화와 음악의 느낌이었습니다. 상상력과 뛰어난 음악성을 바탕으로 도입된 혁신 중 하나는 음악이 어떤 방향으로든 움직일 수 있게 해주는 코드 진행을 포기한 것입니다. 또 다른 근본적인 변화는 '스윙'이 수정되거나 아예 무시되는 리듬 영역에서 발견됐다. 즉, 펄스, 미터, 그루브는 더 이상 재즈 독해에서 필수적인 요소가 아니었다. 또 다른 주요 구성 요소는 무질서와 관련이 있습니다. 이제 음악적 표현은 더 이상 일반적인 음조 체계에 기반을 두지 않습니다. 날카로운 소리, 짖는 소리, 경련성 음이 이 새로운 사운드 세계를 완전히 채웠습니다. 프리 재즈는 오늘날에도 실행 가능한 표현 형식으로 계속 존재하며 실제로 더 이상 초기만큼 논란의 여지가 있는 스타일이 아닙니다.

펑키 재즈

펑크는 70년대와 80년대에 또 다른 인기를 끌었던 재즈 장르였습니다. 이 스타일의 창시자는 제임스 브라운(James Brown)과 조지 클린턴(George Clinton)이다. 펑크에서는 다양한 재즈 관용구가 King Curtis, Junior Walker, David Sanborn, Paul Butterfield와 같은 아티스트의 색소폰 솔로에서 가져온 블루스 비명과 신음으로 구성된 간단한 음악 프레이즈로 대체됩니다. 펑크라는 단어는 속어로 간주되어 매우 젖을 정도로 춤추는 것을 의미했습니다. 재즈 연주자들은 청중에게 음악의 반주에 맞춰 춤을 추고 적극적으로 움직이도록 요청하는 방식을 자주 사용했습니다. 그래서 음악 스타일에 '펑크'라는 단어가 붙게 되었습니다. 펑크의 댄스 방향은 깨진 리듬과 뚜렷한 보컬과 같은 음악적 특징을 결정합니다.

이 장르의 형성은 80년대 중반에 이루어졌으며 영국 나이트클럽에서 연주하는 DJ들 사이에서 70년대 재즈 펑크 샘플을 사용하는 패션과 관련이 있습니다. 이 장르의 트렌드세터 중 한 명은 DJ Gills Peterson으로 간주됩니다. 그는 종종 "애시드 재즈"라는 이름의 저자로 알려져 있습니다. 미국에서는 '애시드 재즈'라는 용어가 거의 사용되지 않으며 '그루브 재즈'와 '클럽 재즈'라는 용어가 더 일반적입니다.

애시드 재즈(acid jazz)

애시드 재즈의 인기는 90년대 전반기에 최고조에 달했습니다. 당시 이 방향에는 댄스음악과 재즈의 합성 외에 90년대 재즈펑크(Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Solsonics), 재즈적 요소가 가미된 ​​힙합(라이브 뮤지션과 함께 녹음) 등이 포함되었다. 또는 재즈 샘플)( US3, Guru, Digable Planets), 재즈 뮤지션의 힙합 음악 실험(Miles Davis의 Doo Bop, Herbie Hancock의 Rock It) 등이 있습니다. 1990년대 이후 애시드 재즈의 인기는 쇠퇴했고, 이 장르의 전통은 나중에 뉴 재즈에서도 이어졌습니다.

환각적인 측면에서 직접적인 조상은 Acid Rock입니다.

"애시드 재즈"라는 용어는 런던을 기반으로 활동하는 DJ이자 같은 이름의 음반사의 창립자인 Gilles Petterson이 만든 것으로 알려져 있습니다. 80년대 후반, 비슷한 음악을 연주하는 영국 DJ들 사이에서 이 용어가 유행해 농담으로 사용됐는데, 이는 그들의 음악이 당시 유행했던 애시드 하우스의 대안임을 암시했다. 따라서 이 용어는 "산"(즉, LSD)과 직접적인 관련이 없습니다. 다른 버전에 따르면 "acid jazz"라는 용어의 저자는 듀오 "Soundscape UK"의 멤버 중 한 명으로 알려진 영국인 Chris Bangs입니다.

재즈는 즉흥 연주 스타일입니다. 즉흥음악의 가장 중요한 유형은 민속음악이지만 재즈와는 달리 폐쇄적이며 전통을 보존하는 것을 목표로 합니다. 재즈는 창의성이 지배적이며 즉흥성과 결합되어 다양한 스타일과 트렌드를 탄생시켰습니다. 이것이 어두운 피부의 아프리카계 미국인 노예들의 노래가 유럽에 와서 블루스, 래그타임, 부기우기 등의 스타일의 복잡한 오케스트라 작품으로 변한 방법입니다. 재즈는 거의 모든 다른 사람들에게 적극적으로 영향을 미치는 아이디어와 방법의 원천이 되었습니다. 대중음악과 상업음악부터 금세기의 학술음악까지 다양한 음악 유형을 포함합니다.

이 기사에는 "재즈 정보"-클럽 "작곡가 연합"기사에서 발췌 한 내용과 Wikipedia에서 발췌 한 내용이 포함되어 있습니다.

주류 –리딩(Leading)은 20세기 30년대 재즈 그룹의 리더들 사이에서 등장한 주요 재즈 스타일로, 대부분이 빅밴드였다. 일류 재즈 뮤지션들은 단지 재즈를 연주하기 위해 다양한 클럽에서 즉흥 연주를 열었습니다. 주요 재즈맨들의 소규모 그룹이 연주하고 스튜디오에서 녹음한 이 클럽 재즈는 주류로 알려지게 되었습니다. 이것은 혁신이 없는 전통적인 재즈입니다. 아방가르드 재즈의 등장 이후 20세기 70~80년대에 들어서야 주류가 새로운 품격으로 부활했다. 현재 모던 주류(Modern Mainstream)는 전통적인 재즈와는 거리가 먼 현대 재즈 음악을 가리킨다.

캔자스시티 재즈 음악지난 세기의 20 ~ 30 대에 형성되었습니다. 미국의 경제 위기, 소위 대공황이던 때였습니다. 이것은 소위 "어반 블루스"라고 불리는 블루스 풍미가 뚜렷한 재즈 스타일입니다. 이 스타일의 가장 뛰어난 대표자는 Walter Page와 Benny Mouthen의 오케스트라에서 재즈 뮤지션으로 경력을 시작한 Count Basie, 보컬리스트 Jimmy Rushing, 알토 색소폰 연주자 Charlie Parker였습니다.

쿨재즈(쿨재즈) 20세기 40~50년대에 형성되었습니다. 이것은 초기 재즈의 특징인 압박감과 공격성이 없이 더욱 미묘한 즉흥 연주를 가미한 부드럽고 서정적인 스타일의 재즈 음악입니다. 쿨 재즈의 대표자는 색소폰 연주자 Lester Young, 트럼펫 연주자 Miles Davis, 트럼펫 연주자 Chit Baker, 재즈 피아니스트 George Shearing, Dave Brubeck, Leni Tristano였습니다. 쿨 재즈 스타일의 대가는 놀라운 비브라폰 연주자 Milt Jackson, 색소폰 대가 Stan Getz, Paul Desmond였습니다. 멜로디스트이자 편곡가인 Ted Dameron, Claude Thornhill, Gil Evans는 스타일 형성에 중요한 역할을 했습니다.

웨스트 코스트 재즈 20세기 50년대 로스앤젤레스에서 등장했습니다. 창립자는 유명한 재즈 노넷 마일스 데이비스(Miles Davis)의 음악가로 간주됩니다. 이 스타일은 쿨 재즈보다 훨씬 부드럽습니다. 즉흥 연주를 위한 거대한 공간이 있는 공격적이고 차분하며 선율적인 음악은 전혀 아닙니다. 뛰어난 웨스트 코스트 재즈 연주자로는 Shorty Rogers(트럼펫), Art Pepper, Bud Schenk(색소폰), Shelley Main(드럼), Jimmy Joffrey(클라리넷)가 있습니다.

프로그레시브 재즈대략 20세기 40년대 후반에 개발되었습니다. 이것은 주로 실험적인 재즈, 유럽 작곡가의 교향곡 업적, 음조 및 조화 분야의 실험에 초점을 맞춘 음악입니다. 이러한 스타일의 재즈 음악을 따르는 사람들은 전통 재즈의 틀과 진부한 기술에서 벗어나려고 노력합니다. 그들은 재즈에서 새로운 형태의 스윙, 즉 다양한 악기로 음악을 연주하는 특정 기술, 다조성 및 리듬 변화를 검색하고 적용하는 데 중점을 둡니다. 이 스타일의 발전은 전체 "Artistry" 앨범 시리즈를 녹음한 피아니스트 Stan Kenton과 그의 오케스트라의 이름과 관련이 있습니다. 편곡자 Pete Rugolo, Boyd Rayburn 및 Gil Evans, 드러머 Shelley Maine, 콘타바시스트 Ed Safransky, 트롬본 연주자 Kay Winding, 가수 June Christie는 프로그레시브 재즈에 큰 공헌을 했습니다. Gil Evans Big Band와 Miles Davis가 이끄는 음악가들은 "Miles Ahead", "Porgy and Bess", "Spanish Drawing"과 같은 스타일로 전체 음악 앨범 시리즈를 녹음했습니다.

모달 재즈 1950년대에 등장했다. 그 모습은 트럼펫 연주자 Miles Davis와 테너 색소폰 연주자 John Coltrane과 같은 실험적인 음악가의 이름과 관련이 있습니다. 이 음악가들은 클래식 음악에서 특정 모드를 빌려 재즈 멜로디를 구성하고 코드를 대체하는 기초가 되었습니다. 이 재즈 스타일은 음악에 특별한 긴장감을 주는 음조의 편차, 아프리카, 인도, 아랍어 및 기타 국가의 음계 사용, 규칙성 및 일관되지 않은 템포가 특징입니다. 음악은 프렛을 기반으로 한 멜로디로만 만들어지기 시작했습니다.

소울재즈지난 세기의 50년대에 등장했습니다. 소울 재즈는 오르간을 중심 악기로 선택했습니다. 소울 재즈는 블루스와 가스펠을 기반으로 합니다. 이 스타일의 재즈는 특별한 감성, 열정, 빠른 리듬의 사용, 흥미진진한 음악 전환 및 베이스 연주로 구별됩니다. 이 음악을 듣는 대중은 확실히 특별한 일체감을 경험했습니다. 이 스타일은 블루스한 슬픈 베이스를 지닌 흐릿하고 서정적인 쿨 재즈와는 정반대였습니다. 이 스타일의 오르간 스타로는 Jimmy McGriff, Charles Earland, Richard "Groove" Holmes, Les McCain, Donald Patterson, Jack McDuff 및 Jimmy "Hammond" Smith가 있습니다. 소울 재즈 음악을 연주하는 음악가들은 트리오나 4중주를 구성했지만 그 이상은 아닙니다. 테너 색소폰은 소울 재즈에서 똑같이 중요한 역할을 했습니다. 저명한 색소폰 연주자로는 Gene Emmons, Eddie Harris, Stanley Turrentine, Eddie "Tetanus" Davis, Houston Person, Hank Crawford 및 David "Dumb" Newman이 있습니다. 소울 재즈는 소울 음악과 다릅니다. 이것은 다양한 음악적 방향에서 유래한 음악 스타일입니다. 소울 재즈(가스펠과 비밥), 소울 음악(리듬 앤 블루스)은 1960년대에 정점에 이르렀습니다.

홈소울 재즈의 한 종류가 되었습니다. 이 재즈 스타일은 종종 다음과 같이 불립니다. 펑키 재즈. 이 스타일은 밝은 댄스 리듬(느리거나 빠름), 서정성, 블루스 색조가 포함된 긍정적인 멜로디로 구별됩니다. 좋은 분위기를 조성하고 청중이 가만히 있지 않고 신나는 리듬에 맞춰 움직이도록 격려하는 긍정적인 음악입니다. 스타일은 즉흥 연주에 이질적이지 않지만 집단적 사운드에서 벗어나지 않습니다. 이 스타일의 유명한 음악가로는 오르간 마스터 Richard "Groove" Holmes와 Shirley Scott, Gene Emmons(테너 색소폰) 및 Leo Wright(플루트, 알토 색소폰)가 있습니다.

프리 재즈("새로운 것")화음 진행이 전혀 없는 매우 유연한 음악 형식을 찾을 수 있는 실험의 결과로 20세기 50년대 후반에 등장했습니다. 게다가 음악가들은 스윙을 무시했다. 리듬의 진정한 혁명은 이전에 재즈 리듬의 기초였던 맥동, 미터 및 그루브에 대한 부주의였습니다. 이 스타일에서는 이차적인 것이 되었습니다. 프리 재즈는 일반적인 음조 시스템을 버렸습니다. 이 스타일의 음악은 무조입니다. 프리 재즈의 창시자는 색소폰 연주자 Ornette Coleman과 피아니스트 Cecil Taylor이며 나중에는 Sun Ra Arkestra와 The Revolutionary Ensemble입니다.

창의적인 재즈아방가르드 재즈의 한 종류이다. 이 스타일은 다른 많은 스타일과 마찬가지로 20세기 60~70년대 음악가들의 실험적 활동의 결과로 탄생했습니다. 프리재즈와 크게 다르지 않습니다. 이 음악에서는 주제와 즉흥 연주를 구별하는 것이 불가능했습니다. 즉흥적 요소가 편곡과 합쳐져 원활하게 흘러나옵니다. 솔리스트의 즉흥 연주의 시작과 끝이 어디인지 이해하는 것은 불가능했습니다. 창의적인 재즈의 창시자는 피아니스트 Leni Tristano, 색소폰 연주자 Jimmy Joffrey, 멜로디 연주자 Gunther Schuler였습니다. 이 스타일은 피아니스트 Paul Bley, Andrew Hill, 색소폰 마스터 Anthony Braxton 및 Sam Rivers, 그리고 Art Ensemble of Chicago의 음악가들이 연주합니다.

융합(합금)재즈가 대중음악, 록과 융합되기 시작한 1960년대부터 시작된 재즈 스타일로, 소울, 펑크, 리듬 앤 블루스의 영향도 받았습니다. 처음에는 퓨전이라는 이름이 재즈 록에 적용되었으며 그 대표적인 그룹이 "Eleventh House"와 "Lifetime"이었습니다. 퓨전의 등장은 '마하비슈누 오케스트라', '웨더 리포트' 오케스트라와도 관련이 있다. 퓨전은 재즈, 스윙, 블루스, 록, 팝 음악, 리듬, 블루스를 융합한 것입니다. 퓨전은 엔터테인먼트이며, 다양한 스타일의 불꽃놀이입니다. 밝고 다양하며 가볍고 흥미로운 음악입니다. 융합은 여러 면에서 하나의 실험이며, 성공적인 실험이라고 말하고 싶습니다. 이 재즈 스타일의 저명한 음악가로는 드러머 Ronald Shannon Jackson, 기타리스트 Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie 및 James "Blood" Ulmer, 색소폰 연주자 및 트럼펫 연주자 Ornette Coleman이 있습니다.

포스트 비밥 1960년대 대중음악의 부흥과 함께 등장한 재즈 스타일이다. 포스트밥은 펑크(그루브, 소울)를 기반으로 라틴음악의 개별적인 요소들을 활용하여 결성되었다. 포스트 비밥의 대표자로는 색소폰 연주자 조 헨더슨, 피아니스트 맥코이 타이너, 디지 길레스피, 색소폰 연주자 웨인 쇼터 등이 있다.

애시드 재즈– 전혀 재즈 스타일이 아닌 이 스타일이 1987년에 등장했습니다. 펑크를 기반으로 비밥, 힙합, 소울, 라틴 요소가 얽혀 있다. 이것은 리듬이 있지만 즉흥성이 전혀 없는 영국 댄스 음악입니다. 이것이 바로 많은 사람들이 재즈 스타일 목록에 애시드 재즈를 포함시키지 않는 이유입니다. 애시드 재즈의 대표적인 대표자로는 창작 초기에는 "Groove Collective", "Guru", James Taylor 및 트리오 "Medeski, Martin & Wood"가 있었습니다.

부드러운 재즈– 재즈의 친척은 퓨전 스타일을 기반으로 탄생했습니다. 스무스 재즈는 솔로 파트와 즉흥 연주가 없는 것이 특징입니다. 각 밴드의 사운드보다 밴드 전체의 사운드가 더 중요합니다. 스무드 재즈는 신디사이저, 비올라, 사프라노 색소폰, 기타, 베이스 기타, 드럼으로 연주됩니다. 이 스타일의 대표자는 Chris Botti, Dee Dee Bridgewater, Larry Carlton, Stanley Clarke, Al Di Meola, Bob James, Al Jarreau, Diana Krall, Bradley Lighton, Lee Ritenour, Dave Grusin입니다.

재즈는 19세기 말과 20세기 초 미국에서 등장한 음악 방향입니다. 재즈의 특징은 즉흥 연주, 당김음 리듬을 기반으로 한 폴리리듬, 리듬 질감을 연주하는 독특한 기술 세트인 스윙입니다.

재즈는 아프리카계 미국인의 블루스와 영혼, 아프리카 민속 리듬에 유럽의 하모니와 멜로디 요소가 풍부한 음악 유형입니다. 재즈의 특징은 다음과 같습니다.
- 당김 원리에 기초한 날카롭고 유연한 리듬;
-타악기의 광범위한 사용;
- 고도로 발달된 즉흥 연주 능력;
- 뛰어난 표현력, 역동적이고 건전한 긴장감을 특징으로 하는 표현적인 연주 방식으로 황홀경에 이릅니다.

재즈라는 이름의 유래

이름의 유래는 완전히 명확하지 않습니다. 현대 철자법인 재즈는 1920년대에 확립되었습니다. 그 전에는 chas, jasm, gism, jas, jass, jaz와 같은 다른 옵션이 알려졌습니다. "재즈"라는 단어의 어원에는 다음을 포함하여 다양한 버전이 있습니다.
- 프랑스어 jaser에서 유래(채팅하다, 빠르게 말하다);
- 영어 추격(쫓다, 추적하다)에서 유래;
- 아프리카 자이자(특정 유형의 드럼 소리의 이름)에서 유래
- 아랍어 jazib(유혹자)에서 유래; 전설적인 재즈 뮤지션의 이름에서 - chas (Charles 출신), jas (Jasper 출신);
- 의성어 재스에서 아프리카 구리 심벌즈 소리 등을 모방합니다.

"재즈"라는 단어는 19세기 중반부터 흑인들 사이에서 황홀하고 고무적인 외침을 가리키는 이름으로 사용되었다고 믿을 만한 이유가 있습니다. 일부 소식통에 따르면 1880년대 뉴올리언스 크리올 사람들 사이에서 이 단어가 사용되었는데, 그들은 빠르고 당김이 있는 음악과 관련하여 "속도를 높이다", "속도를 높이다"라는 의미로 이 단어를 사용했습니다.

M. Stearns에 따르면, 1910년대에 이 단어는 시카고에서 사용되었으며 "상당히 괜찮은 의미는 아니었습니다." 재즈라는 단어는 1913년에 처음으로 인쇄되었습니다(샌프란시스코 신문 중 하나). 1915년에는 시카고에서 공연한 T. Brown의 재즈 오케스트라인 TORN BROWN'S DIXIELAND JASS BAND의 이름의 일부가 되었고, 1917년에는 유명한 뉴올리언스 오케스트라가 녹음한 축음기 음반에 등장했습니다. ORIGINAL DIXIELAND JAZZ(JASS) BAND .

재즈 스타일

아르카익 재즈(초기 재즈, 초기 재즈, 독일 아르카이셔 재즈)
아르카익 재즈(Archaic Jazz)는 블루스, 래그타임, 유럽 노래 및 댄스를 주제로 한 집단 즉흥 연주 과정에서 소규모 앙상블이 만들어낸 가장 오래되고 전통적인 유형의 재즈 세트입니다.

블루스 (블루스, 영어 블루 데블스)
블루스(Blues)는 깔끔한 12마디 패턴을 바탕으로 한 멜로디를 지닌 흑인 민요의 일종이다.
블루스는 속은 사랑, 필요에 대해 노래하며 블루스는 자기연민적인 태도가 특징입니다. 동시에 블루스 가사에는 금욕주의, 온화한 조롱, 유머가 담겨 있습니다.
재즈 음악에서 블루스는 기악 댄스 곡으로 발전했습니다.

부기우기(boogie-woogie)
부기우기(Boogie-woogie)는 즉흥 연주의 리드미컬하고 멜로디적인 가능성을 정의하는 반복되는 베이스 형상이 특징인 피아노 블루스 스타일입니다.

복음서 (영어 복음서 - 복음)
복음음악(Gospel Music)은 신약성서에 기초한 가사를 지닌 북미 흑인들의 종교적 곡조이다.

래그타임
래그타임(Ragtime)은 서로 일치하지 않는 두 개의 리듬 라인의 "두드림"을 기반으로 하는 피아노 음악입니다.
-마치 찢어진(날카롭게 당김된) 멜로디처럼;
- 빠른 스텝 스타일로 지속되는 명확한 반주.

영혼
Soul은 블루스 전통과 관련된 흑인 음악입니다.
소울(Soul)은 제2차 세계대전 이후 리듬 앤 블루스와 가스펠 전통을 기반으로 탄생한 흑인 보컬 음악 스타일이다.

소울재즈
소울 재즈(Soul Jazz)는 블루스와 아프리카계 미국인 민속음악의 전통을 지향하는 것이 특징인 하드밥의 일종입니다.
영적인
영적(Spiritual) - 북미 흑인 합창의 고대 영적 장르입니다. 구약성서에 기초한 가사로 구성된 종교적인 곡입니다.

거리의 외침
Street Edge는 고대 민속 장르입니다. 다양한 종류로 대표되는 길거리 행상인들의 도시 독주곡의 일종이다.

딕시랜드, 딕시(딕시랜드, 딕시)
Dixieland는 집단 즉흥 연주가 특징인 현대화된 뉴올리언스 스타일입니다.
딕시랜드(Dixieland)는 블랙 재즈 연주 스타일을 채택한 (백인) 뮤지션들의 재즈 그룹이다.

종 (영어 노래에서 - 노래)
Zong - B. Brecht의 극장에서 - 재즈 리듬에 가까운 평민 방랑자 테마를 사용하여 기괴한 성격에 대한 막간 또는 작가의 (패러디) 해설 형식으로 연주되는 발라드입니다.

즉흥 연주
즉흥 연주는 음악에서 즉흥적으로 음악을 창조하거나 해석하는 예술입니다.

Cadenza (이탈리아어 cadenza, 라틴어 Cado - 결말)
카덴차(Cadenza)는 솔리스트와 오케스트라를 위한 악기 연주회에서 연주되는 거장 성격의 자유로운 즉흥 연주입니다. 때로는 카덴차가 작곡가에 의해 작곡되기도 했지만 연주자의 재량에 맡겨지는 경우도 있었습니다.

스캣
Scat - 재즈에서 - 음성이 악기와 동일시되는 일종의 보컬 즉흥 연주입니다.
Scat - 기악 노래 - 관련 없는 음절이나 소리 조합의 발음을 기반으로 하는 음절(텍스트 없는) 노래 기술입니다.

더운
핫 - 재즈 - 최대한의 에너지로 즉흥 연주를 수행하는 음악가의 특징입니다.

뉴올리언스 스타일의 재즈
뉴올리언스 스타일의 재즈는 명확한 2비트 리듬이 특징인 음악입니다. 피아노, 밴조 또는 기타, 더블 베이스 또는 튜바와 같은 리듬 그룹과 함께 코넷(트럼펫), 트롬본 및 클라리넷에서 동시에 연주되는 세 가지 독립적인 멜로디 라인이 있습니다.
뉴올리언스 재즈 작품에서는 주요 음악 주제가 다양한 변주곡으로 여러 번 반복됩니다.

소리
사운드는 악기나 목소리의 개별적인 음질을 특징짓는 재즈의 문체적 범주입니다.
소리는 소리 생성 방법, 소리 공격 유형, 억양 방식 및 음색 해석에 따라 결정됩니다. 사운드는 재즈의 이상적인 사운드를 개별적으로 표현한 형태입니다.

스윙, 클래식 스윙(스윙; 클래식 스윙)
스윙은 재즈로, 확장된 팝과 댄스 오케스트라(빅 밴드)를 위해 편곡되었습니다.
스윙은 색소폰, 트럼펫, 트롬본의 세 그룹의 관악기를 롤 콜하여 리드미컬한 스윙 효과를 만들어내는 것이 특징입니다. 스윙 연주자는 집단 즉흥 연주를 거부하고, 음악가는 미리 작곡된 반주와 함께 솔리스트의 즉흥 연주에 동행합니다.
스윙은 1938~1942년에 정점에 달했다.

달콤한
Sweet는 감성적이고 선율적이며 서정적인 성격을 지닌 엔터테인먼트 및 댄스 상업 음악의 특징이며, 관련 형식의 상업화된 재즈 및 "재즈" 대중 음악의 특징입니다.

심포닉 재즈
심포닉 재즈(Symphonic Jazz)는 심포닉 음악의 특징과 재즈의 요소를 결합한 재즈 스타일입니다.

모던재즈
모던 재즈(Modern Jazz)는 클래식 스타일 시대와 '스윙 시대'가 끝나고 1930년대 후반부터 등장한 재즈 스타일과 경향의 집합이다.

아프로 쿠바 재즈(독일어: afrokubanischer Jazz)
아프로쿠반 재즈(Afro-Cuban Jazz)는 비밥 요소와 쿠바 리듬을 결합하여 1940년대 말에 발전한 재즈 스타일입니다.

비밥, 밥 (비밥; 밥)
비밥(Bebop)은 1930년대 초에 등장한 최초의 현대 재즈 스타일입니다.
Bebop은 소규모 앙상블의 블랙 재즈 방향으로 다음과 같은 특징이 있습니다.
-복잡한 코드 시퀀스를 기반으로 한 자유로운 솔로 즉흥 연주;
-기악 사용;
-오래된 핫 재즈의 현대화;
- 끊어진 음절과 열광적으로 긴장된 리듬이 있는 경련적이고 불안정한 멜로디.

콤보
콤보(Combo)는 모든 악기가 솔리스트로 구성된 소규모 현대 재즈 오케스트라입니다.

쿨 재즈(쿨 재즈, 쿨 재즈)
쿨재즈(Cool Jazz)는 50년대 초반에 등장한 모던재즈의 스타일로, 밥의 하모니를 업데이트하고 복잡하게 만들었다.
다성음악은 쿨 재즈에서 널리 사용됩니다.

프로그레시브
프로그레시브(Progressive)는 빅 밴드 및 대규모 교향악단의 연습과 관련된 클래식 스윙 및 밥의 전통을 기반으로 1940년대 초에 발생한 재즈의 스타일 방향입니다. 라틴 아메리카의 멜로디와 리듬을 널리 사용합니다.

무료 재즈
프리 재즈는 조화, 형식, 리듬 및 즉흥 연주 기술 분야의 급진적인 실험과 관련된 현대 재즈 스타일입니다.
프리 재즈의 특징은 다음과 같습니다.
- 자유로운 개인 및 그룹 즉흥 연주;
- 폴리메트리와 폴리리듬, 다조와 무조, 연속 및 12음 기법, 자유 형식, 모달 기법 등을 사용합니다.

하드 밥
하드밥(Hard bop)은 1950년대 초 비밥(bebop)에서 진화한 재즈 스타일이다. 하드밥은 다릅니다.
- 우울하고 거친 색상;
- 표현력이 풍부하고 엄격한 리듬;
-블루스 요소를 조화롭게 강화합니다.

시카고 스타일의 재즈(시카고 스틸)
시카고 스타일의 재즈는 뉴올리언스 재즈 스타일의 변형으로 다음과 같은 특징이 있습니다.
-보다 엄격한 구성 구성;
-솔로 즉흥 연주 강화(다양한 악기로 연주되는 거장 에피소드).

버라이어티 오케스트라
팝 오케스트라는 재즈 오케스트라의 일종입니다.
엔터테인먼트와 댄스 음악, 재즈 레퍼토리의 작품을 연주하는 악기 앙상블,
대중가요 연주자와 팝 장르의 다른 대가들이 동행합니다.
일반적으로 팝 오케스트라에는 리드 및 금관 악기 그룹, 피아노, 기타, 더블 베이스 및 드럼 세트가 포함됩니다.

재즈의 역사적 배경

독립 운동으로서의 재즈는 1900년에서 1917년 사이에 뉴올리언스에서 발생한 것으로 알려져 있습니다. 잘 알려진 전설에 따르면 재즈는 ​​뉴올리언스에서 미시시피 강을 따라 멤피스, 세인트루이스, 마침내 시카고까지 퍼졌습니다. 이 전설의 타당성은 최근 많은 재즈 역사가들에 의해 의문을 제기했으며 오늘날 재즈는 주로 뉴욕, 캔자스 시티, 시카고 및 세인트루이스 등 미국의 여러 장소에서 동시에 흑인 하위문화에서 유래했다고 믿어집니다. 그러나 오래된 전설은 분명히 진실과 멀지 않습니다.

첫째, 재즈가 흑인 게토의 경계에 도달했던 시기에 살았던 옛 음악가들의 증언이 이를 뒷받침한다. 그들 모두는 뉴올리언스 음악가들이 다른 연주자들이 쉽게 따라할 수 있는 매우 특별한 음악을 연주했다는 것을 확인시켜 주었습니다. 뉴올리언스가 재즈의 요람이라는 사실은 녹음을 통해서도 확인된다. 1924년 이전에 녹음된 재즈 음반은 뉴올리언스 출신의 음악가들에 의해 만들어졌습니다.

재즈의 클래식 시대는 1890년부터 1929년까지 지속되다가 '스윙 시대'의 시작과 함께 끝났다. 클래식 재즈에는 일반적으로 다음이 포함됩니다. 뉴올리언스 스타일(흑인 및 크리올 스타일로 대표됨), 뉴올리언스-시카고 스타일(뉴올리언스의 주요 흑인 재즈맨 대부분이 이곳으로 이주하면서 1917년 이후 시카고에서 발생함), 딕시랜드( 뉴올리언스와 시카고 품종), 다양한 종류의 피아노 재즈(배럴 하우스, 부기우기 등), 그리고 남부와 중서부의 다른 도시에서 발생한 같은 시기와 관련된 재즈 스타일 미국. 클래식 재즈는 특정 고풍스러운 스타일 형식과 함께 전통 재즈라고도 합니다.

러시아의 재즈

소련 최초의 재즈 오케스트라는 시인, 번역가, 무용수, 연극인인 Valentin Parnakh에 의해 1922년 모스크바에서 창설되었으며 "RSFSR에서 발렌틴 파르나크 재즈 밴드의 최초의 괴상한 오케스트라"라고 불렸습니다. 러시아 재즈의 생일은 전통적으로 이 그룹의 첫 번째 콘서트가 열린 1922년 10월 1일로 간주됩니다.

재즈에 대한 소련 당국의 태도는 모호했습니다. 처음에는 국내 재즈 연주자가 금지되지 않았지만 재즈와 서구 문화에 대한 가혹한 비판이 널리 퍼졌습니다. 40년대 후반, 세계주의에 맞서 싸우는 동안 '서구' 음악을 연주하는 재즈 그룹은 박해를 받았습니다. 해빙이 시작되면서 음악가에 대한 탄압은 중단되었지만 비판은 계속되었습니다.

소련의 재즈에 관한 첫 번째 책은 1926년 레닌그라드 출판사 아카데미아에서 출판되었습니다. 이 책은 서양 작곡가와 음악 평론가의 기사와 자신의 자료를 번역하여 음악학자 세묜 긴즈버그(Semyon Ginzburg)가 편찬하여 "재즈 밴드와 현대 음악"이라고 불렸습니다. 1960년대. 발레리 마이소프스키(Valery Mysovsky)와 블라디미르 페이예르탁(Vladimir Feyertag)이 쓴 이 곡은 '재즈(Jazz)'라고 불리며 본질적으로 당시 다양한 출처에서 얻을 수 있는 정보를 모아 놓은 것이었습니다. 2001년 상트페테르부르크 출판사 "Skifia"는 백과사전 "Jazz. XX세기 백과사전 참고서." 이 책은 권위 있는 재즈 평론가인 Vladimir Feyertag가 집필했습니다.

블루스

(우울, 슬픔) - 처음에는 미국 흑인의 솔로 서정적 노래, 나중에는 음악 방향.

20세기 20년대에는 3행 시적 형식에 해당하는 12마디 주기를 바탕으로 클래식 블루스가 형성되었습니다. 블루스는 원래 흑인이 흑인을 위해 연주한 음악이었습니다. 미국 남부에서 블루스가 등장한 후 미국 전역으로 퍼지기 시작했습니다.

블루스 멜로디는 질의응답 구조와 블루스 스케일을 사용하는 것이 특징이다.

블루스는 재즈와 팝 음악의 형성에 큰 영향을 미쳤으며, 20세기 작곡가들은 블루스의 요소를 사용했습니다.

아르카익 재즈

구식(초기) 재즈– 미국 남부 여러 주에서 지난 세기 중반부터 존재해 온 가장 오래되고 전통적인 유형의 재즈를 지정합니다.

고대 재즈는 특히 19세기 흑인과 크리올 마칭 밴드의 음악으로 대표되었습니다.

뉴올리언스(클래식) 스타일이 출현하기 이전에 고대 재즈 시대가 시작되었습니다.

뉴 올리언스

재즈 자체가 발생한 미국의 고향은 노래와 음악의 도시인 뉴 올리언스로 간주됩니다.
재즈가 이 도시뿐만 아니라 미국 전역에서 발생했다는 논쟁이 있지만, 재즈가 가장 강력하게 발전한 곳은 바로 이곳입니다. 또한 오래된 재즈 뮤지션들은 모두 뉴 올리언스를 고려한 센터를 지적했습니다. 뉴올리언스는 이러한 음악 경향의 발전에 가장 유리한 환경을 제공했습니다. 대규모 흑인 공동체가 있었고 인구의 상당 부분이 크리올인이었습니다. 많은 음악 경향과 장르가 이곳에서 활발히 발전했으며 그 요소는 나중에 유명한 재즈 맨의 작품에 포함되었습니다. 다양한 그룹이 자신들만의 음악 스타일을 발전시켰고, 아프리카계 미국인들은 블루스 멜로디, 래그타임, 그들만의 전통을 결합하여 유사점이 없는 새로운 예술을 창조했습니다. 최초의 재즈 녹음은 재즈 예술의 탄생과 발전에 있어 뉴올리언스의 특권을 확증해 줍니다.

딕시랜드

(Dixie Country)는 미국 남부 주를 지칭하는 구어체 용어로 전통 재즈의 한 종류입니다.

대부분의 블루스 가수, 부기우기 피아니스트, 리그타임 연주자 및 재즈 밴드가 남부에서 시카고로 왔으며 곧 Dixieland라는 별명이 붙은 음악을 가져왔습니다.

딕시랜드- 1917년부터 1923년까지 레코드를 녹음한 초기 뉴올리언스 및 시카고 재즈 뮤지션의 음악 스타일에 대한 가장 광범위한 명칭입니다.

일부 역사가들은 Dixieland를 뉴올리언스 스타일로 연주하는 백인 밴드의 음악에만 기인한다고 생각합니다.

Dixieland 음악가들은 클래식 뉴올리언스 재즈의 부활을 찾고 있었습니다.

이러한 시도는 성공적이었습니다.

부기 우기

피아노 블루스 스타일은 최초의 흑인 기악 중 하나입니다.

폭넓은 청중이 쉽게 접근할 수 있는 스타일입니다.

풀보이스 부기우기 스타일 20세기 초 저렴한 홍키통크 카페에서 오케스트라를 대신할 피아니스트를 고용해야 하는 필요성 때문에 등장했습니다. 전체 오케스트라를 대체하기 위해 피아니스트들은 리드미컬하게 연주하는 다양한 방법을 고안했습니다.

특징: 즉흥 연주, 기술적 기교, 특정 유형의 반주 - 왼손 부분의 모터 오스티나토 형상, 베이스와 멜로디 사이의 간격(최대 2-3옥타브), 리듬 동작의 연속성, 페달 사용 거부 .

클래식 부기우기 대표자: Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery, Mead Lux ​​​​Lewis, Jimmy Yankee.

포크 블루스

주로 도시에 존재했던 클래식 블루스와 대조되는, 미국 흑인 인구의 시골 민속을 기반으로 한 고풍스러운 어쿠스틱 블루스입니다.

포크 블루스-원칙적으로 전자 악기가 아닌 연주되는 블루스 유형입니다. 광범위한 연주와 음악 스타일을 포괄하며 만돌린, 밴조, 하모니카 및 저그 밴드처럼 디자인된 기타 비전기 악기로 연주되는 소박하고 단순한 음악이 포함될 수 있습니다. 포크 블루스는 투박하고 다소 비공식적인 음악에 인상을 줍니다. 한마디로 이것은 인민이 연주하고 인민을 위해 연주하는 진정한 민속음악이다.

포크 블루스에는 Blind Lemon Jefferson, Charley Patton, Alger Alexander보다 더 영향력 있는 가수들이 있었습니다.

영혼

(문자 그대로 – 영혼); 20세기 60년대 가장 대중적인 음악 스타일로, 미국 흑인들의 컬트 음악에서 발전하여 리듬 앤 블루스의 많은 요소를 차용했습니다.

소울 음악에는 여러 가지 방향이 있는데, 그 중 가장 중요한 것은 소위 "멤피스"와 "디트로이트" 소울, 그리고 주로 유럽 음악가들의 특징인 "화이트" 소울입니다.

펑키 재즈

이 용어는 20세기 50년대 재즈에서 탄생했습니다. "펑크" 스타일은 "소울" 음악의 직접적인 연속입니다. 리듬앤블루스의 한 형태.

나중에 "펑크" 음악으로 분류되는 최초의 연주자는 50년대 후반과 60년대 초반에 더욱 활기차고 특정 유형의 재즈를 연주한 재즈맨이었습니다.

우선 펑크는 댄스 음악으로 음악적 특성, 즉 모든 악기 부분의 극단적 당김을 결정합니다.

Funk는 눈에 띄는 리듬 섹션, 날카로운 당김음의 베이스 기타 라인, 작곡의 멜로디 주제 기반인 오스티나토 리프, 일렉트로닉 사운드, 경쾌한 보컬, 빠른 음악 템포가 특징입니다.

James Brown과 George Clinton은 PARLAMENT/FUNKDEIC 그룹과 함께 실험적인 펑크 학교를 만들었습니다.

클래식 펑크 레코드의 역사는 1960년대와 1970년대로 거슬러 올라갑니다.

무료 펑크

무료 펑크– 아방가르드 재즈와 펑크 리듬의 혼합.

Ornette Coleman이 Prime Time을 결성했을 때 그것은 "더블 4중주단"(기타리스트 2명, 베이시스트 2명, 드러머 2명과 그의 알토로 구성됨)이 되어 프리 키로 음악을 연주하지만 기이한 펑크 리듬으로 음악을 연주했습니다. Coleman 밴드의 세 멤버(기타리스트 James Blood Ulmer, 베이시스트 Jamaaladin Takuma, 드러머 Ronald Shannon Jackson)는 나중에 그들 자신의 프리 펑크 프로젝트를 결성했으며, 프리 펑크는 비올리스트 Steve Coleman과 Greg를 포함한 m-베이스 아티스트들에게 큰 영향을 미쳤습니다. 오스비.
그네

(스윙, 스윙). 오케스트라 재즈 스타일는 1920년대와 30년대에 흑인과 유럽 스타일의 재즈 음악이 결합된 결과로 등장했습니다.
지원 비트의 지속적인 리듬 편차(진행 및 지연)를 기반으로 하는 특징적인 유형의 맥동입니다.
덕분에 불안정한 평형 상태에 있는 내부 에너지가 크다는 인상이 생성됩니다. 스윙 리듬은 재즈에서 초기 로큰롤까지 이어졌습니다.
뛰어난 스윙 아티스트: Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie...
비밥

밥- 20세기 40년대 중반에 발전한 재즈 스타일로 멜로디보다는 화성 연주를 기반으로 빠른 템포와 복잡한 즉흥 연주가 특징입니다. Bebop은 재즈에 혁명을 일으켰습니다. boppers는 음악이 무엇인지에 대한 새로운 아이디어를 창조했습니다.

비밥 단계는 멜로디 기반의 댄스 음악에서 덜 대중적이고 리듬 기반의 "음악가를 위한 음악"으로 재즈의 강조가 크게 바뀌었음을 의미합니다. Bop 뮤지션들은 멜로디 대신 스트러밍 코드를 기반으로 한 복잡한 즉흥 연주를 선호했습니다.

Bebop은 빠르고, 가혹했으며, "청취자에게 잔인했습니다."

재즈 프로그레시브

비밥의 출현과 병행하여 재즈에서는 프로그레시브 재즈라는 새로운 장르가 발전했습니다. 이 장르의 주요 차이점은 빅 밴드의 얼어붙은 진부함과 소위 구식 기술에서 벗어나려는 욕구입니다. 심포닉 재즈.

프로그레시브 재즈를 연주한 음악가들은 스윙 프레이즈 모델을 업데이트하고 개선하여 음조와 조화 분야에서 유럽 교향악의 최신 성과를 작곡 실습에 도입하려고 했습니다. "진보주의"의 발전에 가장 큰 공헌을 한 사람은 Stan Kenton입니다. 그의 첫 오케스트라가 연주한 음악의 사운드는 세르게이 라흐마니노프의 스타일에 가까웠고 작곡은 낭만주의적인 특징을 담고 있었습니다.

녹음 된 앨범 "Artistry", "Miles Ahead", "Spanish Drawing"시리즈는 프로그레시브 음악 발전의 일종의 신격화로 간주 될 수 있습니다.

시원한

(쿨재즈)는 스윙과 밥의 발전을 바탕으로 20세기 40년대와 50년대 초에 형성된 현대 재즈 스타일 중 하나입니다.

비밥의 초기 선구자인 트럼펫 연주자 마일스 데이비스(Miles Davis)는 비밥 장르의 혁신가가 되었습니다.

쿨 재즈는 가볍고 "드라이한" 사운드 색상, 슬로우 모션, 얼어붙은 하모니와 같은 특징이 특징으로 공간의 환상을 만들어냅니다. 불협화음도 어느 정도 역할을 했지만 부드럽고 차분한 성격을 띠었습니다.

색소폰 연주자 Lester Young은 처음으로 "cool"이라는 용어를 사용했습니다.

가장 유명한 쿨라 음악가는 다음과 같습니다. 데이브 브루벡, 스탠 게츠, 조지 시어링, 밀트 잭슨, "쇼티" 로저스 .
주류

(문자 그대로 - 주조); 연주자들이 이 스타일의 진부한 표현을 피하고 즉흥 연주 요소를 도입하여 블랙 재즈의 전통을 이어가는 특정 스윙 기간과 관련된 용어입니다.

메인스트림은 단순하지만 표현력이 풍부한 멜로디 라인, 전통적인 하모니, 뚜렷한 추진력을 갖춘 명확한 리듬이 특징입니다.

주요 연주자: Ben Webster, Gene Krupa, Coleman Hawkins, 빅 밴드 리더 Duke Ellington 및 Benny Goodman.

하드밥

(하드, 하드 밥), 현대 재즈 스타일.

이는 클래식 리듬 앤 블루스와 비밥의 전통을 이어가는 것입니다.

그것은 20세기 50년대에 전성기에 이르렀던 쿨과 서해안 재즈의 학문주의와 유럽 지향에 대한 반작용으로 생겨났습니다.

초기 하드 밥의 특징은 엄격하게 강조된 리듬 반주의 우세, 억양과 하모니에서 블루스 요소의 강화, 즉흥 연주에서 보컬 원리를 드러내는 경향, 음악 언어의 단순화 등입니다.

하드밥의 주요 대표자는 대부분 흑인 음악가들이다.

레코드에 녹음된 이 스타일의 앙상블 중 첫 번째는 Art Blakey의 5중주 JAZZ MESSENGERS(1954)였습니다.

기타 주요 음악가: John Coltrane, Sony Rollins, Henk Mobley, Max Roach...

퓨전

(말 그대로 – 융합, 융합), 유럽 학술 음악과 비유럽 민속 요소의 종합인 재즈 록을 기반으로 발생한 현대적인 스타일의 운동입니다. 재즈와 팝음악, 록의 융합에서 시작된 음악장르로서의 퓨전은 1960년대 후반 재즈록이라는 이름으로 등장했다.

래리 코리엘(Larry Coryell), 토니 윌리엄스(Tony Williams), 마일스 데이비스(Miles Davis)는 일렉트로닉, 록 리듬, 확장된 트랙과 같은 요소를 도입하여 재즈의 기반인 스윙 비트를 상당 부분 제거했습니다.

또 다른 변화는 리듬 부분에 있었는데, 스윙이 수정되거나 아예 무시됐다. 맥동과 박자는 더 이상 재즈를 읽는 데 필수적인 요소가 아니었습니다.

프리 재즈는 오늘날에도 실행 가능한 표현 형식으로 계속 존재하며 실제로 초기에 인식되었던 것처럼 더 이상 논란의 여지가 있는 스타일이 아닙니다.

재즈 라틴

라틴 리듬 요소의 융합은 뉴올리언스에서 시작된 문화의 용광로에서 거의 처음부터 존재했습니다. 라틴 음악의 영향은 재즈에서 최고 수준의 라틴계 즉흥 연주자가 있는 오케스트라와 밴드뿐만 아니라 현지 연주자와 라틴 연주자의 조합에도 퍼져 가장 흥미로운 무대 음악을 만들어 냈습니다.

그럼에도 불구하고 오늘날 우리는 점점 더 많은 세계 문화가 혼합되는 것을 목격하고 있으며, 본질적으로 이미 "월드 뮤직"(월드 뮤직)이 되고 있는 것에 지속적으로 더 가까워지고 있습니다.

오늘날의 재즈는 더 이상 전 세계 거의 모든 곳에서 침투하는 소리의 영향을 받지 않을 수 없습니다.

재능을 개발하는 방법과 그 표현 수단이 예측할 수 없고 오늘날 장려되는 다양한 재즈 장르의 결합된 노력이 배가되기 때문에 재즈의 추가 발전을 위한 잠재적인 기회는 현재 상당히 큽니다.

재즈는 리듬과 멜로디의 결합을 특징으로 하는 음악의 한 방향입니다. 재즈의 또 다른 특징은 즉흥 연주입니다. 음악적 방향은 특이한 사운드와 완전히 다른 여러 문화의 결합으로 인해 인기를 얻었습니다.

재즈의 역사는 20세기 초 미국에서 시작되었습니다. 뉴올리언스에서는 전통적인 재즈가 형성되었습니다. 그 후, 다른 많은 도시에서도 새로운 종류의 재즈가 등장하기 시작했습니다. 다양한 스타일의 다양한 사운드에도 불구하고 재즈 음악은 그 특징으로 인해 다른 장르와 즉시 구별될 수 있습니다.

즉흥 연주

음악적 즉흥 연주는 재즈의 주요 특징 중 하나이며 모든 종류에 존재합니다. 연주자들은 미리 생각하거나 리허설을 하지 않고 자발적으로 음악을 만듭니다. 재즈를 연주하고 즉흥적으로 연주하려면 이 음악 제작 분야에 대한 경험과 기술이 필요합니다. 또한 재즈 연주자는 리듬과 음조를 기억해야 합니다. 그룹 내 뮤지션들 간의 관계는 그다지 중요하지 않습니다. 왜냐하면 결과적인 멜로디의 성공은 서로의 기분을 이해하는 데 달려 있기 때문입니다.

재즈의 즉흥 연주를 통해 매번 새로운 것을 창조할 수 있습니다. 음악의 소리는 연주하는 순간 연주자의 영감에만 달려있습니다.

연주에 즉흥 연주가 없다면 그것은 더 이상 재즈가 아니라고 말할 수 없습니다. 이러한 유형의 음악 제작은 아프리카 민족에게서 물려받았습니다. 아프리카인들은 음표와 리허설에 대한 개념이 없었기 때문에 음악은 멜로디와 주제를 기억해야만 서로에게 전달되었습니다. 그리고 각각의 새로운 음악가는 이미 같은 음악을 새로운 방식으로 연주할 수 있었습니다.

리듬과 멜로디

재즈 스타일의 두 번째 중요한 특징은 리듬입니다. 끊임없는 진동이 생동감, 유희, 흥분의 효과를 만들어내듯이 음악가는 자연스럽게 소리를 만들어 낼 수 있는 기회를 갖게 됩니다. 리듬은 또한 즉흥 연주를 제한하여 주어진 리듬에 따라 사운드를 생성해야 합니다.

즉흥 연주와 마찬가지로 리듬도 아프리카 문화에서 재즈로 들어왔습니다. 그러나 바로 이 특징이 음악 운동의 주요 특징이다. 최초의 프리 재즈 아티스트는 완전히 자유롭게 음악을 창작하기 위해 리듬을 완전히 포기했습니다. 이 때문에 재즈의 새로운 방향은 오랫동안 인정받지 못했다. 리듬은 타악기에 의해 제공됩니다.

재즈는 유럽 문화로부터 음악의 선율을 물려받았습니다. 재즈에 특이한 사운드를 제공하는 것은 조화롭고 부드러운 음악과 리듬과 즉흥 연주의 조합입니다.

재즈란 무엇인가, 재즈의 역사

재즈란 무엇인가요? 신나는 리듬, 계속해서 발전하고 움직이는 유쾌한 라이브 음악. 아마도 이 방향은 다른 어떤 것과도 비교할 수 없으며, 초보자라도 다른 장르와 혼동하는 것은 불가능합니다. 더욱이 여기에 역설이 있습니다. 듣고 인식하기는 쉽지만 말로 설명하기는 쉽지 않습니다. 왜냐하면 재즈는 ​​끊임없이 진화하고 있고 오늘날 사용되는 개념과 특성은 1~2년 안에 시대에 뒤떨어지게 될 것이기 때문입니다.

재즈 - 그게 뭐야?

재즈는 20세기 초에 등장한 음악의 한 방향입니다. 그것은 아프리카 리듬, 의식 성가, 노동 및 세속 노래, 지난 세기의 미국 음악을 밀접하게 얽혀 있습니다. 즉, 서유럽 음악과 서아프리카 음악이 혼합되어 등장한 반즉흥적인 장르이다.

재즈는 어디에서 왔는가?

복잡한 리듬에서 알 수 있듯이 아프리카에서 유래했다는 것이 일반적으로 받아들여지고 있습니다. 이 춤에 모든 종류의 스탬핑, 박수를 추가하면 여기에 래그 타임이 있습니다. 이 장르의 맑은 리듬은 블루스 멜로디와 결합되어 우리가 재즈라고 부르는 새로운 방향을 제시했습니다. 이 새로운 음악이 어디서 왔는지 질문하면, 어떤 출처에서든 17세기 초 미국으로 끌려온 흑인 노예들의 노래에서 나온 답을 얻을 수 있을 것입니다. 그들은 음악에서만 위안을 찾았습니다.

처음에는 순전히 아프리카 동기 였지만 수십 년 후에는 본질적으로 더 즉흥적으로 연주하기 시작했으며 주로 종교적인 멜로디 인 영적인 멜로디로 자란 새로운 미국 멜로디로 자랐습니다. 나중에 블루스와 작은 브라스 밴드와 같은 애도 노래가 여기에 추가되었습니다. 그래서 재즈라는 새로운 방향이 생겼습니다.

재즈음악의 특징은 무엇인가

첫 번째이자 가장 중요한 특징은 즉흥 연주입니다. 음악가는 오케스트라와 솔로 모두에서 즉흥 연주를 할 수 있어야 합니다. 또 다른 똑같이 중요한 특징은 폴리리듬입니다. 리듬의 자유로움은 아마도 재즈 음악의 가장 중요한 특징일 것입니다. 음악가들에게 가벼움과 지속적인 전진의 느낌을 주는 것은 바로 이러한 자유입니다. 재즈 작곡을 기억하시나요? 연주자들은 클래식 음악처럼 엄격한 틀 없이 경이롭고 유쾌한 멜로디를 귀에 쉽게 연주하고 있는 것 같습니다. 단지 놀라운 가벼움과 휴식만이 있을 뿐입니다. 물론 재즈 작품도 클래식 작품처럼 고유의 리듬과 박자 등이 있지만 (영국 스윙에서 유래한) 스윙이라는 특별한 리듬 덕분에 그런 자유로움이 생긴다. 이 방향에 또 무엇이 중요합니까? 물론 비트 또는 기타 규칙적인 맥동입니다.

재즈의 발전

뉴올리언스에서 시작된 재즈는 급속히 확산되며 점점 대중화되고 있습니다. 주로 아프리카인과 크리올인으로 구성된 아마추어 그룹이 레스토랑뿐만 아니라 다른 도시에서도 공연을 시작합니다. 따라서 북부에는 재즈의 또 다른 중심지, 즉 뮤지컬 그룹의 야간 공연이 특히 요구되는 시카고가 등장하고 있습니다. 수행되는 구성은 배열로 인해 복잡합니다. 그 시대의 연주자들 중에서 가장 눈에 띄는 것은 루이 암스트롱 재즈가 태어난 도시에서 시카고로 이주한 사람. 이 도시의 스타일은 나중에 집단 즉흥 연주가 특징인 Dixieland로 결합되었습니다.

1930년대와 1940년대 재즈에 대한 엄청난 열정으로 인해 다양한 댄스 곡을 연주할 수 있는 대규모 오케스트라에 대한 수요가 생겼습니다. 덕분에 리듬 패턴에서 약간의 편차를 나타내는 스윙이 나타났습니다. 이것이 이번 시대의 주된 방향이 되었고 집단적 즉흥성을 뒤로 밀었다. 스윙을 하는 그룹이 빅밴드로 불리기 시작했다.

물론 초기 재즈 고유의 특징, 국가 멜로디에서 스윙을 벗어나는 것은 진정한 음악 감정가들 사이에 불만을 불러 일으켰습니다. 흑인 음악가들이 포함된 소규모 앙상블의 연주에 빅밴드와 스윙 연주자들이 반대하기 시작한 것도 이 때문이다. 따라서 1940년대에는 다른 스타일의 음악들 중에서 확실히 눈에 띄는 새로운 스타일의 비밥이 등장했습니다. 그는 믿을 수 없을 만큼 빠른 멜로디, 긴 즉흥 연주, 복잡한 리듬 패턴이 특징이었습니다. 이번 출연자 중 눈에 띄는 인물은 찰리 파커 그리고 디지 길레스피.

1950년 이후 재즈는 두 가지 다른 방향으로 발전해 왔습니다. 한편으로 고전의 지지자들은 비밥을 제쳐두고 학술 음악으로 돌아 왔습니다. 그 결과 쿨한 재즈는 더욱 절제되고 건조해졌습니다. 반면 2번째 라인에서는 비밥의 발전을 이어갔다. 이러한 배경에서 전통적인 민속 억양, 명확한 리듬 패턴 및 즉흥 연주를 반환하는 하드 밥이 탄생했습니다. 이 스타일은 소울 재즈, 재즈 펑크 등의 트렌드와 함께 발전했습니다. 그들은 블루스에 가장 가까운 음악을 가져왔습니다.

무료 음악

1960년대에는 새로운 형태에 대한 다양한 실험과 연구가 이루어졌다. 그 결과 두 가지 방향을 결합한 재즈 록과 재즈 팝이 등장하고, 연주자들이 리듬 패턴과 톤의 규제를 완전히 포기하는 프리 재즈도 등장한다. 이 시대의 음악가들 중에는 Ornette Coleman, Wayne Shorter, Pat Metheny가 유명해졌습니다.

소련 재즈

초기에는 소련 재즈 오케스트라가 폭스트롯, 찰스턴 등 유행하는 춤을 주로 연주했다. 1930년대에는 새로운 방향이 인기를 얻기 시작했습니다. 재즈 음악에 대한 소련 당국의 태도가 모호했음에도 불구하고 금지되지는 않았지만 동시에 서구 문화에 속한다는 가혹한 비판을 받았습니다. 40년대 후반에는 재즈 그룹이 완전히 박해를 받았습니다. 1950년대와 60년대에는 Oleg Lundstrem과 Eddie Rosner의 오케스트라 활동이 재개되었고 점점 더 많은 음악가들이 새로운 방향에 관심을 갖게 되었습니다.

오늘날에도 재즈는 지속적이고 역동적으로 발전하고 있으며 다양한 방향과 스타일이 나타나고 있습니다. 이 음악은 계속해서 지구 곳곳의 소리와 멜로디를 흡수하여 점점 더 많은 새로운 색상, 리듬 및 멜로디로 포화시킵니다.