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A Renascença Veneziana é uma parte separada e única da Renascença totalmente italiana. Começou aqui mais tarde, mas durou muito mais tempo. O papel das tradições antigas em Veneza foi o menor, e a ligação com o desenvolvimento subsequente da pintura europeia foi a mais direta. Em Veneza predominava a pintura, caracterizada por cores vivas, ricas e alegres.

A era da Alta Renascença (em italiano soa como “Cinquecento”) em Veneza ocupou quase todo o século XVI. Muitos artistas notáveis ​​pintaram da maneira livre e alegre da Renascença veneziana.

O artista Giovanni Bellini tornou-se um representante do período de transição do início da Renascença para a Alta Renascença. A famosa pintura pertence a ele" Lago Madonna"é uma bela pintura que incorpora sonhos de uma idade de ouro ou de um paraíso terrestre.

Aluno de Giovanni Bellini, o artista Giorgione é considerado o primeiro mestre da Alta Renascença em Veneza. Sua tela" Vênus adormecida"é uma das imagens mais poéticas do corpo nu na arte mundial. Esta obra é mais uma concretização do sonho de pessoas simplórias, felizes e inocentes que vivem em completa harmonia com a natureza.

Há uma pintura no Museu Hermitage do Estado "Judite", que também pertence ao pincel de Giorgione. Este trabalho tornou-se um exemplo marcante de obtenção de uma imagem tridimensional não apenas com a ajuda do claro-escuro, mas também com o uso da gradação de luz.

Giorgione "Judite"

Paolo Veronese pode ser considerado o artista mais típico de Veneza. Suas composições em grande escala e com várias figuras retratam jantares luxuosos em palácios venezianos com músicos, bufões e cães. Não há nada de religioso neles. "A última Ceia"- esta é uma imagem da beleza do mundo em simples manifestações terrenas e admiração pela perfeição da bela carne.

Paolo Veronese "A Última Ceia"

As obras de Ticiano

A evolução da pintura veneziana do Cinquecento refletiu-se na obra de Ticiano, que primeiro trabalhou junto com Giorgione e era próximo dele. Isso se refletiu no estilo criativo do artista nas obras “Amor Celestial e Amor Terrestre”, “Flora”. As imagens femininas de Ticiano são a própria natureza, brilhando com beleza eterna.

- o rei dos pintores. Fez inúmeras descobertas no campo da pintura, entre as quais a riqueza da cor, a modelagem cromática, as formas originais e o uso de nuances de cores. A contribuição de Ticiano para a arte da Renascença veneziana foi enorme; ele teve grande influência na habilidade dos pintores do período subsequente.

O final de Ticiano já se aproxima da linguagem artística de Velázquez e Rembrandt: relações tonais, manchas, traços dinâmicos, textura da superfície colorida. Os venezianos e Ticiano substituíram o domínio da linha pelas vantagens da matriz de cores.

Ticiano Vecellio "Autorretrato" (por volta de 1567)

A técnica de pintura de Titsin é incrível até hoje, porque é uma confusão de tintas. Nas mãos do artista, as tintas eram uma espécie de argila com a qual o pintor esculpia suas obras. Sabe-se que no final da vida Ticiano pintou suas telas com os dedos. então essa comparação é mais que apropriada.

Denário de César de Ticiano (por volta de 1516)

Pinturas de Ticiano Vecellio

Entre as pinturas de Ticiano estão as seguintes:

• "Assunta"

• "Baco e Ariadne"

• "Vênus de Urbino"

• "Retrato do Papa Paulo III"

• "Retrato de Lavínia"

• "Vênus na frente do espelho"

• "Madalena Penitente"

• "São Sebastião"

Pitoresco e sentimento Ó As formas tridimensionais de Ticiano estão em completo equilíbrio. Suas figuras estão cheias de vida e movimento. A novidade da técnica composicional, a cor incomum e os traços livres são os traços distintivos da pintura de Ticiano. Seu trabalho incorporou as melhores características da escola veneziana da Renascença.

Características da pintura renascentista veneziana

O último luminar do Cinquecento veneziano é o artista Tintoretto. Suas pinturas são famosas "Batalha do Arcanjo Miguel com Satanás" e "A Última Ceia". As belas-artes encarnavam a ideia renascentista do ideal, a fé no poder da mente, o sonho de uma pessoa bonita e forte, uma personalidade harmoniosamente desenvolvida.

Jacopo Tintoretto "A Batalha do Arcanjo Miguel com Satanás" (1590)
Jacopo Tintoretto "A Crucificação"

Obras de arte foram criadas sobre temas religiosos e mitológicos tradicionais. Graças a isso, a modernidade foi elevada à categoria de eternidade, afirmando assim a divindade de uma pessoa real. Os princípios básicos da representação neste período foram a imitação da natureza e da realidade dos personagens. Uma pintura é uma espécie de janela para o mundo, porque o artista retrata nela o que viu na realidade.

Jacopo Tintoretto "A Última Ceia"

A arte da pintura baseou-se nas conquistas de diversas ciências. Os pintores dominaram com sucesso as imagens em perspectiva. Durante este período, a criatividade tornou-se pessoal. Obras de arte em cavalete estão se tornando cada vez mais desenvolvidas.

Jacopo Tintoretto "Paraíso"

Um sistema de gêneros está surgindo na pintura, que inclui os seguintes gêneros:

• religioso - mitológico;
• histórico;
• paisagem doméstica;
• retrato.

A gravura também surge neste período e o desenho desempenha um papel importante. As obras de arte são valorizadas em si mesmas, como fenômeno artístico. Uma das sensações mais importantes ao percebê-los é o prazer. Reproduções de pinturas da Renascença Veneziana de alta qualidade serão uma adição maravilhosa ao seu interior.

A arte de Veneza representa uma variante especial do desenvolvimento dos próprios princípios da cultura artística do Renascimento e em relação a todos os outros centros de arte renascentista na Itália.

Cronologicamente, a arte renascentista desenvolveu-se em Veneza um pouco mais tarde do que na maioria dos outros grandes centros da Itália daquela época. Desenvolveu-se, em particular, mais tarde do que em Florença e na Toscana em geral. A formação dos princípios da cultura artística renascentista nas artes plásticas de Veneza começou apenas no século XV. Isto não foi de forma alguma determinado pelo atraso económico de Veneza. Pelo contrário, Veneza, juntamente com Florença, Pisa, Génova e Milão, era um dos centros economicamente mais desenvolvidos da Itália naquela época. Foi a transformação precoce de Veneza numa grande potência comercial e, além disso, predominantemente comercial em vez de industrial, que começou no século XII e foi especialmente acelerada durante as Cruzadas, que é a culpada por este atraso.

A pintura veneziana, que se distingue pela sua riqueza e riqueza de cores, atingiu um florescimento especial. A admiração pagã pela beleza física foi combinada aqui com o interesse pela vida espiritual do homem. A percepção sensorial do mundo era mais direta que a dos florentinos e causou o desenvolvimento da paisagem.

Um exemplo característico do atraso temporário da cultura veneziana na sua transição para o Renascimento em comparação com outras regiões da Itália é a arquitetura do Palácio Ducal (século XIV). Na pintura, a vitalidade extremamente característica das tradições medievais reflete-se claramente na obra do gótico tardio de mestres do final do século XIV, como Lorenzo e Stefano Veneziano. Eles se fazem sentir até nas obras desses artistas do século XV, cuja arte já tinha um caráter totalmente renascentista. Assim são as “Madonas” de Bartolomeo, Alvise Vivarini, tal é a obra de Carlo Crivelli, um mestre sutil e gracioso do início da Renascença. Em sua arte, as reminiscências medievais são sentidas com muito mais força do que nos artistas contemporâneos da Toscana e da Úmbria. É característico que as tendências proto-renascentistas, semelhantes à arte de Cavalini e Giotto, que também trabalharam na República de Veneza (um dos seus melhores ciclos foi criado para Pádua), se fizeram sentir de forma fraca e esporádica.

Só a partir de meados do século XV podemos dizer que o processo inevitável e natural de transição da arte veneziana para posições seculares, característico de toda a cultura artística do Renascimento, começou finalmente a concretizar-se plenamente. A originalidade do Quattrocento veneziano reflectiu-se principalmente no desejo de uma maior festividade da cor, de uma peculiar combinação de realismo subtil com decoratividade na composição, num maior interesse pelo fundo paisagístico, pelo ambiente paisagístico que rodeia uma pessoa; Além disso, é característico que o interesse pela paisagem urbana tenha sido talvez ainda mais desenvolvido do que o interesse pela paisagem natural. Foi na segunda metade do século XV que a escola renascentista se formou em Veneza como um fenômeno significativo e original que ocupou um lugar importante na arte do Renascimento italiano. Foi nessa época que, junto com a arte do arcaizante Crivelli, tomou forma a obra de Antonello da Messina, que buscava uma percepção de mundo mais holística e generalizada, uma percepção poética, decorativa e monumental. Não muito depois, surgiu uma linha mais narrativa de desenvolvimento da arte de Gentile Bellini e Carpaccio.

Deve-se notar que os traços característicos da escola veneziana foram precisamente o desenvolvimento predominante da pintura a óleo e o desenvolvimento muito mais fraco da pintura a fresco. Durante a transição do sistema medieval para o sistema realista renascentista de pintura monumental, os venezianos, naturalmente, como a maioria dos povos que passaram da Idade Média para a fase renascentista de desenvolvimento da cultura artística, abandonaram quase completamente os mosaicos. A sua cor cada vez mais brilhante e decorativa já não conseguia satisfazer plenamente os novos objetivos artísticos. É claro que a técnica do mosaico continuou a ser utilizada, mas o seu papel tornou-se cada vez menos perceptível. Utilizando a técnica do mosaico, ainda era possível, no Renascimento, obter resultados que satisfizessem relativamente as exigências estéticas da época. Mas precisamente as propriedades específicas do mosaico, seu brilho sonoro único, brilho surreal e, ao mesmo tempo, maior decoratividade do efeito geral não puderam ser totalmente aplicadas nas condições do novo ideal artístico. É verdade que o aumento do brilho da luz da pintura em mosaico iridescente e cintilante, embora transformado, indiretamente, influenciou a pintura renascentista de Veneza, que sempre gravitou em torno da clareza sonora e da riqueza radiante de cores. Mas o próprio sistema estilístico ao qual o mosaico estava associado e, consequentemente, a sua técnica, teve que, com certas exceções, sair da esfera da grande pintura monumental. A própria técnica do mosaico, agora mais utilizada para fins mais específicos e restritos, antes de natureza decorativa e aplicada, não foi completamente esquecida pelos venezianos. Além disso, as oficinas de mosaico veneziano foram um daqueles centros que trouxeram para o nosso tempo as tradições das técnicas do mosaico, em particular do smalt.

A pintura em vitral também manteve algum significado devido à sua “luminosidade”, embora deva ser admitido que nunca teve o mesmo significado, nem em Veneza nem na Itália como um todo, que teve na cultura gótica da França e da Alemanha. Uma ideia do repensar plástico renascentista do brilho visionário da pintura em vitral medieval é dada por “São Jorge” (século XVI) de Mochetto na igreja de San Giovanni e Paolo.

Em geral, na arte do Renascimento, o desenvolvimento da pintura monumental deu-se quer nas formas de pintura a fresco, quer com base no desenvolvimento parcial da têmpera, e principalmente na utilização monumental e decorativa da pintura a óleo (painéis de parede ).

O afresco é uma técnica com a qual obras-primas como o ciclo de Masaccio, as estrofes de Rafael e as pinturas da Capela Sistina de Michelangelo foram criadas no início e no alto renascimento. Mas no clima veneziano mostrou a sua instabilidade muito cedo e não foi generalizada no século XVI. Assim, os afrescos do pátio alemão “Fondaco dei Tedeschi” (1508), executados por Giorgione com a participação do jovem Ticiano, foram quase totalmente destruídos. Apenas alguns fragmentos meio desbotados, estragados pela umidade, sobreviveram, entre eles a figura de uma mulher nua feita por Giorgione, cheia de um encanto quase praxiteliano. Assim, o lugar da pintura mural, no sentido próprio da palavra, foi ocupado por um painel de parede sobre tela, pensado para uma determinada sala e executado na técnica da pintura a óleo.

A pintura a óleo teve um desenvolvimento particularmente amplo e rico em Veneza, no entanto, não só porque parecia mais conveniente para substituir os afrescos por outra técnica de pintura adaptada ao clima úmido, mas também porque o desejo de transmitir a imagem de uma pessoa em estreita conexão com o ambiente natural ao seu redor, o interesse pela personificação realista da riqueza tonal e colorística do mundo visível poderia ser revelado com particular completude e flexibilidade precisamente na técnica da pintura a óleo. Neste sentido, agradável pela sua grande intensidade de cor e sonoridade claramente brilhante, mas de natureza mais decorativa, a pintura a têmpera em quadros em composições de cavalete deveria naturalmente dar lugar ao óleo, e este processo de substituição da têmpera pela pintura a óleo foi realizado de forma especialmente consistente em Veneza. Não devemos esquecer que, para os pintores venezianos, uma propriedade particularmente valiosa da pintura a óleo era a sua capacidade de transmitir de forma mais flexível, em comparação com a têmpera e também com o fresco, as cores claras e os tons espaciais do ambiente humano, a capacidade de transmitir suavemente e esculpir sonoramente a forma do corpo humano.

A obra de Giorgione.

Giorgione é um artista italiano, representante da escola veneziana de pintura; um dos maiores mestres da Alta Renascença.

Giorgione nasceu na pequena cidade de Castelfranco, uma cidade do Vêneto, perto de Veneza.

O nome verdadeiro do artista era Giorgio, mas geralmente era chamado pelo apelido de Giorgione.

Infelizmente, nem os manuscritos do artista nem as suas notas sobre arte, pintura e música sobreviveram, nem mesmo as suas cartas sobreviveram. Ainda muito jovem, Giorgione chegou a Veneza. Sabe-se que aos dezesseis anos o pintor italiano já estudava e trabalhava no ateliê do famoso artista veneziano Giovanni Bellini. Na verdade, foi na pintura de Veneza que as novas ideias humanísticas se manifestaram mais claramente. A pintura veneziana do início do século 16 era de natureza abertamente secular.

Já no final do século XV, em vez de ícones em Veneza, surgiram pequenas pinturas de cavalete, satisfazendo os gostos individuais dos clientes. Os artistas estão agora interessados ​​não apenas nas pessoas, mas também no seu entorno e na paisagem. Giorgione foi o primeiro de todos os pintores italianos a atribuir um lugar importante nas pinturas religiosas, mitológicas e históricas a uma paisagem poeticamente imaginada, bela e não alheia à paisagem natural. A par de composições sobre temas religiosos (“Adoração dos Pastores”), o pintor italiano criou pinturas sobre temas seculares e mitológicos, que receberam significado predominante na sua obra. Nas obras de Giorgione (“Judith”; “Os Três Filósofos”; “A Tempestade”; “Vênus Adormecida”), as ideias poéticas do artista sobre a riqueza de forças vitais escondidas no mundo e no homem são reveladas não em ação, mas em um estado de espiritualidade silenciosa universal.

“Madona de Castelfranco” é a maior em tamanho (200 x 152 cm) e a única obra que Giorgione escreveu para a igreja.

Nas obras posteriores de Giorgione ("Sleeping Venus"; "Rural Concert") o tema principal da obra do artista foi totalmente definido - a unidade harmoniosa do homem e da natureza. É materializado pelas descobertas de Giorgione no campo da linguagem artística, que desempenhou um papel importante no desenvolvimento da pintura a óleo europeia. Mantendo a clareza do volume, a pureza e a expressividade melódica dos contornos, Giorgione, com a ajuda de um claro-escuro suave e transparente, conseguiu uma fusão orgânica da figura humana com a paisagem e alcançou uma integridade pictórica da imagem até então inédita. Ele deu calor e frescor ao som dos principais pontos de cor, combinando-os com uma variedade de nuances coloridas, interligadas com gradações de iluminação e gravitando em direção à unidade tonal. O conceito criativo de Giorgione refratou de forma única as ideias filosóficas naturais contemporâneas que influenciaram a formação do humanismo veneziano e refletiu o amor renascentista pela beleza do homem e da existência terrena.

A famosa pintura de Giorgione “A Tempestade” adornava a galeria do filantropo Gabriele Vendramina, “Os Três Filósofos” estava na coleção de Taddeo Contarini, e a pintura “Vênus Adormecida” já esteve na coleção do músico Girolamo Marcello. Giorgione, sendo amigo destes amantes da arte, teve a oportunidade de estudar as coleções dos humanistas (sabe-se que seu cliente Gabriel Vendramin “tinha muitas pinturas extremamente valiosas de excelentes mestres e muitos mapas desenhados à mão, antiguidades, muitos livros, cabeças, bustos, vasos, medalhas antigas"), o que, sem dúvida, se reflectiu na sua obra, na especial sofisticação e espiritualidade das suas imagens, na sua paixão pelos temas literários e seculares. A orientação geral da obra do artista determinou o colorido intimista e lírico dos retratos que pintou (“Retrato de um Jovem”; a chamada “Laura”).

O conceito criativo do pintor italiano refratou de forma única os conceitos filosóficos naturais da época, teve um efeito transformador na pintura da escola veneziana e foi desenvolvido por seu aluno Ticiano. Apesar da transitoriedade da vida de Giorgione, ele teve muitos alunos, que mais tarde se tornaram artistas famosos e famosos, por exemplo. Sebastiano del Piombo, Giovanni da Udine, Francisco Torbido (Il Moro) e, claro, Tiziano Veccellio. Um número significativo de mestres da pintura imitou o conceito criativo e o estilo de Giorgione, incluindo Lorenzo Lotto, Palma, o Velho, Giovanni Cariani, Paris Bordone, Colleone, Zanchi, Pordenone, Girol Pennachi, Rocco Marcone e outros, cujas pinturas foram por vezes atribuídas como a obra do grande mestre. O pintor veneziano da Alta Renascença Giorgio Barbarelli de Castelfranco revelou em sua pintura a harmonia refinada de uma pessoa espiritualmente rica e fisicamente perfeita. Tal como Leonardo da Vinci, o trabalho de Giorgione distingue-se pelo profundo intelectualismo e pela inteligência aparentemente cristalina. Mas, ao contrário das obras de da Vinci, cujo lirismo profundo de cuja arte está muito oculto e, por assim dizer, subordinado ao pathos do intelectualismo racional, o princípio lírico, na sua clara concordância com o princípio racional nas pinturas de Giorgione, torna-se sentida com força extraordinária. O pintor italiano morreu cedo; Giorgione morreu em Veneza durante a epidemia de peste no outono de 1510.

"Sagrada Família", 1500, Galeria Nacional de Arte, Washington

"Julgamento de Fogo de Moisés", 1500-1501, Uffizi, Florença

"O Julgamento de Salomão", 1500-1501, Uffizi, Florença

“Judith”, 1504, Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo

"Madona de Castelfranco". 1504, S. Liberale, Castelfranco

"Lendo Madonna" 1505, Museu Ashmolean, Oxford

"Adoração dos Magos", 1506-1507, National Gallery, Londres

"A Adoração dos Pastores", 1505-1510, Galeria Nacional de Arte, Washington

"Laura", 1506, Kunsthistorisches Museum, Viena

"Jovem com uma flecha", 1506, Kunsthistorisches Museum, Viena

"A Velha", 1508, Galleria dell'Accademia (Veneza)

"Tempestade", aprox. 1508, Galleria dell'Accademia, Veneza.

"Vênus Adormecida", ca. 1508, Galeria dos Antigos Mestres, Dresden.

"Três Filósofos", 1509, Kunsthistorisches Museum, Viena

"Retrato de um Jovem", 1508-1510, Museu de Belas Artes, Budapeste.

O Renascimento em Veneza é uma parte separada e distinta do Renascimento italiano. Aqui começou mais tarde, durou mais e o papel das tendências antigas em Veneza foi o menor. A posição de Veneza entre outras regiões italianas pode ser comparada com a posição de Novgorod na Rus' medieval. Era uma república mercantil patrícia rica e próspera que detinha as chaves das rotas comerciais marítimas. Todo o poder em Veneza pertencia ao “Conselho dos Nove”, eleito pela casta dominante. O poder real da oligarquia foi exercido secreta e brutalmente, através de espionagem e assassinatos secretos. O lado exterior da vida veneziana não poderia ter parecido mais festivo.

Em Veneza, havia pouco interesse em escavações de antiguidades antigas; o seu Renascimento teve outras origens. Veneza há muito mantém laços comerciais estreitos com Bizâncio, com o Oriente árabe e negocia com a Índia. A cultura de Bizâncio criou raízes profundas, mas não foi a severidade bizantina que foi instilada aqui, mas o seu colorido e brilho dourado. Veneza reelaborou as tradições góticas e orientais (a renda de pedra da arquitetura veneziana, que lembra a Alhambra mourisca, fala delas).

A Catedral de São Marcos é um monumento arquitetônico inédito, cuja construção teve início no século X. A singularidade da catedral é que ela combina harmoniosamente colunas retiradas de Bizâncio, mosaicos bizantinos, escultura romana antiga e escultura gótica. Tendo absorvido as tradições de diferentes culturas, Veneza desenvolveu um estilo próprio, secular, luminoso e colorido. O curto período do início do Renascimento começou aqui não antes da segunda metade do século XV. Foi então que surgiram pinturas de Vittore Carpaccio e Giovanni Bellini, retratando de forma fascinante a vida de Veneza no contexto de histórias religiosas. V. Carpaccio no ciclo “A Vida de Santa Úrsula” retrata detalhada e poeticamente sua cidade natal, sua paisagem e seus habitantes.

Giorgione é considerado o primeiro mestre da Alta Renascença em Veneza. Sua “Vênus Adormecida” é uma obra de incrível pureza espiritual, uma das imagens mais poéticas do corpo nu na arte mundial. As composições de Giorgione são equilibradas e claras, e seu desenho é caracterizado por uma rara suavidade de linhas. Giorgione tem uma qualidade característica de toda a escola veneziana - o colorismo. Os venezianos não consideravam a cor um elemento secundário da pintura como os florentinos. O amor pela beleza da cor leva os artistas venezianos a um novo princípio pictórico, quando a materialidade da imagem é alcançada não tanto pelo claro-escuro, mas pelas gradações de cor. O trabalho dos artistas venezianos é profundamente emocional; a espontaneidade desempenha aqui um papel mais importante do que entre os pintores de Florença.

Ticiano viveu uma vida lendariamente longa - supostamente noventa e nove anos, sendo seu último período o mais significativo. Tendo se tornado próximo de Giorgione, ele foi influenciado de várias maneiras por ele. Isto é especialmente perceptível nas pinturas “Amor Terrestre e Celestial” e “Flora” - obras de humor sereno e cores profundas. Comparado a Giorgione, Ticiano não é tão lírico e sofisticado, suas imagens femininas são mais “pé no chão”, mas não menos charmosas. Calmas, de cabelos dourados, as mulheres de Ticiano, nuas ou com trajes ricos, são como a própria natureza imperturbável, “brilhando de beleza eterna” e absolutamente castas em sua franca sensualidade. A promessa de felicidade, a esperança de felicidade e o pleno gozo da vida constituem um dos fundamentos da obra de Ticiano.

Ticiano é um intelectual; segundo um contemporâneo, ele foi “um interlocutor magnífico e inteligente que soube julgar tudo no mundo”. Ao longo de sua longa vida, Ticiano permaneceu fiel aos elevados ideais do humanismo.

Ticiano pintou muitos retratos, e cada um deles é único, pois transmite a singularidade individual inerente a cada pessoa. Na década de 1540, o artista pintou um retrato do Papa Paulo III, principal patrono da Inquisição, com seus netos Alessandro e Ottavio Farnese. Em termos de profundidade de análise do personagem, este retrato é uma obra única. O velho predatório e frágil com manto papal lembra um rato encurralado, pronto para disparar para algum lugar ao lado. Dois jovens comportam-se servilmente, mas esse servilismo é falso: sentimos a atmosfera de traição, engano e intriga. Um retrato que aterroriza pelo seu realismo inabalável.

Na segunda metade do século XVI, a sombra da reacção católica caiu sobre Veneza; embora tenha permanecido um estado formalmente independente, a Inquisição também penetra aqui - e Veneza sempre foi famosa por sua tolerância religiosa e espírito de arte secular e livre. Outro desastre se abate sobre o país: é devastado por uma epidemia de peste (Tiziano também morreu de peste). Em conexão com isso, a visão de mundo de Ticiano também muda: não há vestígios de sua antiga serenidade.

Em suas obras posteriores pode-se sentir profunda tristeza espiritual. Entre eles destacam-se “Maria Madalena Penitente” e “São Sebastião”. A técnica de pintura do mestre em “São Sebastião” foi aperfeiçoada. De perto, parece que todo o quadro é um caos de pinceladas. A pintura do falecido Ticiano deve ser vista à distância. Então o caos desaparece, e na escuridão vemos um jovem morrendo sob flechas, tendo como pano de fundo um fogo ardente. Traços grandes e abrangentes absorvem completamente a linha e resumem os detalhes. Os venezianos, e principalmente Ticiano, deram um novo grande passo, substituindo a estatuária pelo pitoresco dinâmico, substituindo o domínio da linha pelo domínio de uma mancha colorida.

Ticiano é majestoso e rigoroso em seu último autorretrato. Sabedoria, sofisticação completa e consciência do próprio poder criativo respiram neste rosto orgulhoso de nariz aquilino, testa alta e olhar espiritual e penetrante.

O último grande artista da Alta Renascença veneziana é Tintoretto. Pinta muito e com rapidez - composições monumentais, abajures, grandes pinturas, transbordando de figuras em ângulos vertiginosos e com as mais espetaculares construções em perspectiva, destruindo sem cerimônia a estrutura do plano, obrigando os interiores fechados a se afastarem e respirarem o espaço. O ciclo das suas pinturas dedicadas aos milagres de S. Marcos (São Marcos liberta o escravo). Seus desenhos e pinturas são um redemoinho, uma pressão, uma energia ígnea. Tintoretto não tolera figuras frontais e calmas, por isso São Marcos literalmente cai do céu sobre as cabeças dos pagãos. Sua paisagem favorita é tempestuosa, com nuvens tempestuosas e relâmpagos.

A interpretação de Tintoretto do enredo da Última Ceia é interessante. Em sua pintura, provavelmente ocorre em uma taverna mal iluminada e com teto baixo. A mesa é colocada na diagonal e conduz o olhar para as profundezas da sala. Ao ouvir as palavras de Cristo, hostes inteiras de anjos transparentes aparecem sob o teto. Uma bizarra iluminação tripla aparece: o brilho fantasmagórico dos anjos, a luz flutuante de uma lâmpada, a luz dos halos ao redor das cabeças dos apóstolos e de Cristo. Esta é uma verdadeira fantasmagoria mágica: flashes brilhantes no crepúsculo, girando e irradiando luz, o jogo de sombras cria uma atmosfera de confusão.

Renascimento na Itália.

Os períodos da história da cultura italiana são geralmente designados por nomes de séculos: Ducento (século XIII) - Proto-Renascença(final do século), trecento (século XIV) - continuação do Proto-Renascimento, quattrocento (século XV) - Início da Renascença, Cinquicento (século XVI) – Alta Renascença(primeiros 30 anos do século). Até finais do século XVI. continua apenas em Veneza; o termo é mais frequentemente aplicado a este período "final da Renascença".

Condições naturais únicas determinaram em grande parte os traços característicos da arquitetura veneziana. A cidade, localizada em 118 ilhas, é dividida por 160 canais, sobre os quais são lançadas cerca de 400 pontes. A maioria dos edifícios aqui são construídos sobre palafitas, as casas são pressionadas umas contra as outras.

No volume de um panorama maravilhoso, Palácios e templos flutuantes, Como se os navios estivessem ancorados, Como se esperassem um bom vento para agitar as velas! A venerável beleza olha pensativa e vagamente para os Palácios! Nas suas paredes há uma caligrafia centenária, Mas os seus encantos não têm preço, Quando o seu contorno é desenhado Sob o brilho branco da lua. O cinzel deu a essas fortalezas sombrias suavidade, convexidade e arestas, E seu tecido de pedra brilha como renda transparente. Quão misterioso é tudo, quão estranho Neste reino de beleza maravilhosa: A sombra de um sonho poético cai constantemente sobre tudo... P. A. Vyazemsky. "Fotografia de Veneza"

Biblioteca Jacopo Sansovino de San Marco 1536 Veneza. Com a participação do famoso arquiteto Jacopo Sansovino (), aluno de Bramante, foi concluída a formação da cidade. Ele construiu aqui o prédio da nova biblioteca de San Marco. O edifício de dois andares com fachada aberta foi decorado com arcadas de ordem antiga. No térreo, atrás da galeria, ficavam as lojas e no segundo andar ficava a própria biblioteca. Grandes arcos, decorações escultóricas, relevos nos frisos - tudo isto confere ao edifício uma elegância e festividade especiais.

Jacopo Sansovino. Biblioteca de San Marco, Veneza

Andrei Palladio. Vila "Rotunda"

O maior arquitecto de Veneza foi Andrea Palladio (), cujo estilo se distingue pela perfeição na construção de ordens antigas, completude natural e estrita ordem das composições, clareza e rapidez de planeamento e ligação das estruturas arquitectónicas com a natureza envolvente.

O palácio não abrigava apenas a residência do chefe da cidade, o Doge. Mas também a cidade e os tribunais, uma prisão. E também a gigantesca Sala del Maggiorio Consiglio - a residência dos representantes eleitos do parlamento veneziano. O padrão vazado em treliça dá um toque oriental, mas a abertura da fachada através de arcadas já tinha uma longa tradição em Veneza, atingindo o seu apogeu na construção de palácios do gótico tardio.

Cá d’Oro. Veneza

“A Casa Dourada” - assim se traduz o Ca d'Oro - um dos edifícios mais antigos de Veneza. Foi construído por ordem de Mariino Contarini, procurador da Catedral de São Marcos. Seu nome surgiu porque inicialmente os ornamentos e as decorações escultóricas eram dourados. A impressão foi ainda reforçada pelo fato de a casa, brilhando nas cores azul e vermelha, se refletir nas águas do canal.

Giovanni Bellini (ok) Giovanni Bellini (ok) é legitimamente considerado o fundador da escola veneziana de pintura, cujo estilo se distingue pela nobreza refinada e cores radiantes. Criou muitas pinturas retratando Madonas, simples e sérias, um pouco pensativas e sempre tristes. É dono de vários retratos de contemporâneos de eminentes cidadãos de Veneza, que sonhavam em ver-se capturados nas telas do grande mestre.

Veja mais de perto as feições extremamente expressivas do Doge Leonardo Loredano, chefe do governo da República de Veneza. Focado e calmo, o Doge é retratado com grande detalhe, desde as rugas profundas do seu rosto envelhecido até ao rico brocado das suas roupas. Traços faciais finos e lábios bem comprimidos traem o isolamento de sua natureza. Os tons frios das vestimentas cerimoniais destacam-se claramente contra o fundo azul. O artista conseguiu encarnar com maestria as feições de um homem que entrou para a história como perseguidor da ciência e do iluminismo. Giovanni Bellini. Retrato do Doge Leonardo Loredano National Gallery, Londres

Bellini teve muitos alunos aos quais transmitiu generosamente sua rica experiência criativa. Entre eles, destacaram-se especialmente dois artistas, Giorgione e Ticiano. A vida de Giorgione (1476/), envolta em mistério, foi curta e brilhante. Em habilidade, ele competiu com o próprio Leonardo. Segundo Vasari, “a natureza dotou-o de um talento tão leve e feliz, que sua cor no óleo e no afresco era ora viva e brilhante, ora suave e uniforme e tão sombreada nas transições da luz; à sombra que muitos dos então mestres o reconheceram como um artista nascido para dar vida às figuras...”

Giorgione. Judite g

A bela e mansa Judith não é nada guerreira. Seu olhar está voltado para o chão e em sua pose humilde não há nenhum indício de crueldade ou violência. Pelo contrário, ela é percebida como a personificação da mais alta justiça e misericórdia. O artista realmente se esqueceu da história bíblica? A única coisa que o lembra é o terrível troféu que Judith pisoteia cuidadosamente! Achamos difícil acreditar que esta mulher pudesse cometer um assassinato tão brutal. Judith não gosta da vitória, mas fecha os olhos e escuta, sorrindo levemente nos cantos dos lábios. Esta imagem espiritualizada tem tudo: ternura e dignidade, mansidão e arrependimento, força interior e encanto. O clima da imagem é realçado pela paisagem lírica. Um fundo suave e arejado, um céu matinal quase rosado, um poderoso tronco de árvore cortado pela borda da moldura e uma vegetação cuidadosamente desenhada são projetados para criar um clima elegíaco e chamar a atenção para o aspecto psicológico da lenda bíblica. Giorgione. Judite Sr.

Uma verdadeira obra-prima da obra de Giorgione é “Vênus Adormecida”, uma das imagens femininas mais perfeitas da Renascença. No meio de uma campina montanhosa, a antiga deusa do amor e da beleza, Vênus, está deitada sobre um cobertor vermelho escuro. Giorgione. Vênus adormecida. 1507"1508

Giorgione. Vênus adormecida. 1507"1508 Galeria de fotos, Dresden Ela dorme serenamente. A imagem da natureza confere uma sublimidade e castidade especial a esta imagem. Atrás de Vênus, no horizonte, há um céu espaçoso com nuvens brancas, uma crista baixa de montanhas azuis, um suave caminho que leva a uma colina coberta de vegetação. A falésia íngreme, o perfil bizarro da colina, ecoando os contornos da figura da deusa, o conjunto de edifícios aparentemente desabitados, a grama e as flores no prado foram cuidadosamente executados pelo artista. Olhando nesta foto, quero repetir depois de A. S. Pushkin: Tudo nela é harmonia, tudo é maravilhoso, Tudo acima do mundo e das paixões. Ela repousa timidamente Em sua beleza solene. Impressionado com “Vênus Adormecida” de Giorgione, artistas de diferentes gerações, Ticiano e Durer, Poussin e Velázquez, Rembrandt e Rubens, Gauguin e Manet criaram suas obras sobre este assunto.

O mundo artístico de Ticiano, artista espanhol do século XVII. Diego Velazquez escreveu: “Veneza tem toda a perfeição da beleza! Dou o primeiro lugar à pintura, da qual Ticiano é o porta-estandarte.” Ticiano viveu uma vida longa (quase um século!) () e ganhou fama mundial junto com outros titãs da Alta Renascença. Seus contemporâneos foram Colombo e Copérnico, Shakespeare e Giordano Bruno. Aos nove anos foi enviado para uma oficina de mosaicista, estudou em Veneza com Bellini e mais tarde tornou-se assistente de Giorgione. A herança criativa do artista, que tinha um temperamento exuberante e um trabalho árduo incrível, é extensa. Trabalhando em diversos gêneros, ele conseguiu expressar o espírito e o clima de sua época.

Ticiano. Autorretrato dos Srs. Prado, Madri

Como era Ticiano? Veja o seu autorretrato (), feito aos 90 anos. Vemos um velho alto com traços grandes e masculinos. Ele se curvou ligeiramente sob o peso de suas roupas escuras e dobradas. Uma estreita faixa de gola corta como um raio uma exuberante barba prateada. O boné preto enfatiza a intensidade do seu perfil forte. Os dedos da mão direita apertam suavemente a mão frágil. Sem dúvida, diante de nós está uma natureza ativa, criativa e cheia de sede de vida. O artista inclinou-se para a frente, como se espiasse o rosto do seu interlocutor. O olhar penetrante de um homem sábio pela experiência de vida é majestoso e calmo. O manto preto é rico e elegante, combina harmoniosamente com o esquema prateado da cor geral. Muitos estudos foram escritos sobre o domínio das cores de Ticiano. cianogênio. Autorretrato dos Srs. Prado, Madrid “Na cor não tem igual... acompanha o ritmo da própria natureza. Nas suas pinturas, a cor compete e brinca com as sombras, como acontece na própria natureza” (L. Dolce).

“Vênus de Urbino” é uma verdadeira obra-prima do artista. Os contemporâneos disseram sobre esta pintura que Ticiano, ao contrário de Giorgione, sob cuja influência estava sem dúvida, “abriu os olhos de Vênus e vimos o olhar úmido de uma mulher apaixonada, prometendo grande felicidade”. Na verdade, ele glorificou a beleza radiante de uma mulher, pintando-a no interior de uma rica casa veneziana. Ao fundo, duas empregadas estão ocupadas com as tarefas domésticas: tiram de um grande baú produtos de higiene pessoal para a patroa. Aos pés de Vênus, enrolado como uma bola, um cachorrinho cochila. Tudo é comum, simples e natural e ao mesmo tempo sublime e simbólico.

O rosto de uma mulher deitada na cama é lindo. Com orgulho e calma, ela olha diretamente para o espectador, nem um pouco envergonhada por sua beleza deslumbrante. Quase não há sombras em seu corpo, e o lençol amassado apenas enfatiza a magreza graciosa e o calor de seu corpo elástico. O tecido vermelho por baixo do lençol, a cortina vermelha, a roupa vermelha de uma das empregadas e os tapetes da mesma cor criam uma cor quente e vibrante. A imagem está cheia de simbolismo. Vênus é a deusa do amor conjugal, muitos detalhes falam sobre isso. Um vaso com murta na janela simboliza constância, uma rosa na mão de Vênus é um sinal de amor duradouro e um cachorro enrolado a seus pés é um símbolo tradicional de fidelidade.

“Maria Madalena Penitente” A pintura “Maria Madalena Penitente” de Ticiano retrata uma grande pecadora que uma vez lavou os pés de Cristo com suas lágrimas e foi generosamente perdoada por ele. Daí em diante, até a morte de Jesus, Maria Madalena não o abandonou. Ela contou às pessoas sobre sua ressurreição milagrosa. Deixando de lado o livro da Sagrada Escritura, ela ora com fervor, voltando o olhar para o céu. Seu rosto manchado de lágrimas, ondas de cabelos grossos e esvoaçantes, o gesto expressivo de uma bela mão pressionada contra o peito, roupas simples foram pintadas pela artista com especial cuidado e habilidade. Um jarro de vidro e uma caveira estão representados nas proximidades, um lembrete simbólico da transitoriedade da vida e da morte terrena. O céu sombrio e tempestuoso, as montanhas rochosas e as árvores balançando ao vento enfatizam o drama do que está acontecendo. Ticiano. Penitente Maria Madalena. Por volta de 1565 Museu Hermitage do Estado, São Petersburgo “Retrato de um jovem com uma luva” é uma das melhores criações de Ticiano. Os tons escuros e rígidos predominantes são projetados para aumentar a sensação de ansiedade e tensão. As mãos e o rosto captados pela luz permitem observar mais de perto a pessoa retratada. Sem dúvida, diante de nós está uma personalidade espiritualizada, que se caracteriza pela inteligência, pela nobreza e ao mesmo tempo pela amargura das dúvidas e decepções. Nos olhos do jovem há um pensamento ansioso sobre a vida, a turbulência mental de um homem corajoso e determinado. Um olhar tenso “para dentro” indica uma trágica discórdia da alma, uma dolorosa busca pelo próprio “eu”. Nos últimos anos de sua vida, tendo dominado perfeitamente o elemento cor, Ticiano trabalhou de maneira especial. Veja como um de seus alunos falou sobre isso:

Ticiano trabalhou de maneira especial. Eis como um de seus alunos falou sobre isso: “Tiziano cobriu suas telas com uma massa colorida, como se servisse... de base para o que queria expressar no futuro. Eu mesmo já vi pinturas de base tão enérgicas, executadas com pincel grosso saturado, seja em tom vermelho puro, que pretendia delinear o meio-tom, seja em branco. Com o mesmo pincel, mergulhando em vermelho, depois em preto, depois em amarelo pintura, desenvolveu o relevo das partes iluminadas. Com a mesma grande habilidade, com a ajuda de apenas quatro cores, evocou do esquecimento a promessa de uma bela figura... Fez os retoques finais com leves golpes de dedos, alisando as transições dos destaques mais brilhantes para os meios-tons e esfregando um tom em outro. Às vezes com o mesmo com o dedo ele aplicava uma sombra grossa em algum canto para realçar esse lugar... No final ele realmente pintava mais com os dedos do que com um escovar."

Ao contrário da arte da Itália Central, onde a pintura se desenvolveu em estreita ligação com a arquitetura e a escultura, em Veneza no século XIV. a pintura dominava. Nas obras de Giorgione e Ticiano ocorreu uma transição para a pintura de cavalete. Um dos motivos da transição foi determinado pelo clima de Veneza, onde o afresco está mal preservado. Outra razão é que a pintura de cavalete surge em conexão com o crescimento dos temas seculares e a expansão do leque de objetos que chamam a atenção dos pintores. Junto com o estabelecimento da pintura de cavalete, aumentou a diversidade de gêneros. Assim, Ticiano criou pinturas baseadas em temas mitológicos, retratos e composições baseadas em temas bíblicos. Na obra dos representantes do Renascimento Tardio - Veronese e Tintoretto, houve uma nova ascensão na pintura monumental.

Giorgio da Castelfranco, apelidado de Giorgione (1477-1510), viveu uma vida curta. O nome Giorgione é derivado da palavra "zorzo", que no dialeto veneziano significa "uma pessoa de nascimento inferior". Sua origem não foi estabelecida com precisão e não há informações confiáveis ​​sobre os anos de seu aprendizado com Bellini. Giorgione estava bem inserido nas camadas culturais de Veneza. Os temas de suas pinturas como “A Tempestade” e “Três Filósofos” são difíceis de interpretar. Em 1510 Giorgione morreu de peste.

A pintura de cavalete é um tipo de pintura cujas obras têm significado independente e são percebidas independentemente do ambiente. A principal forma de pintura de cavalete é uma imagem separada por uma moldura do seu entorno.

Ticiano Vecelli (1476/77-1576). Ticiano vem da cidade de Cadore, no sopé das Dolomitas. O artista estudou com Giovanni Bellini. Em 1507, Ticiano ingressou na oficina de Giorgione, que confiou a Ticiano a conclusão de suas obras. Após a morte de Giorgione, Ticiano completou algumas de suas obras e aceitou várias de suas encomendas, abrindo sua própria oficina.
Nessa época, em vários retratos, entre eles “Salomé”, “Dama no Banheiro” e “Flora”, ele corporificou sua ideia de beleza. Em 1516, o artista criou “A Ascensão de Nossa Senhora” (Assunta) para a Igreja de Santa Maria Gloriosa dei Frari em Veneza - a pintura mostra como um grupo de apóstolos gesticulando animadamente vê a Mãe de Deus subindo ao céu rodeada de anjos. Em 1525, Ticiano casou-se com Cecília, sua amada, com quem teve dois filhos.

Nessa época, Ticiano adorava imagens saudáveis ​​e sensuais e usava cores sonoras e profundas. Após a morte de Bellini, o cargo de artista da Escola Veneziana da República passou para Ticiano. Ticiano desenvolve a reforma da pintura, iniciada por Giorgione: o artista dá preferência a telas grandes que permitem uma aplicação ampla e livre de cores. Na camada inicial, logo após a secagem, aplicou pinceladas mais ou menos densas, mas fluidas, misturadas com vernizes transparentes e brilhantes, finalizando o quadro intensificando os tons mais vivos e as sombras com pinceladas que adquiriam um caráter quase corpus. O esboço era consistente com a preparação emocional geral, mas era completo em si mesmo.

A convite do Papa Paulo III, Ticiano mudou-se para Roma. Novos temas aparecem em sua arte - o drama da luta, da tensão. Assim, na pintura “Aqui está um homem”, o artista transfere a trama do evangelho para um cenário contemporâneo, retratando Pietro Aretino na imagem de Pilatos, e o Doge veneziano disfarçado de um dos fariseus. Isso desagrada ao papa, e Ticiano e seu filho partem para Augsburgo para visitar Carlos V. Na corte de Carlos V, Ticiano escreve muito, principalmente recebe muitas encomendas da Espanha: o rei Filipe II encomenda-lhe vários quadros. No início dos anos 50. Ticiano retorna a Veneza, mas continua trabalhando para o rei espanhol. Os retratos de Ticiano distinguem-se pela vitalidade. “Retrato do Papa Paulo III com Alexandro e Ottavio Farnese” mostra o encontro de três pessoas, cada uma delas ligada a outros sentimentos secretos. Em 1548, Ticiano pintou dois retratos de Carlos V. Em um deles, ele é apresentado como um triunfante, tendo conquistado uma vitória - vestido com armadura, capacete com pluma, Carlos cavalga até a orla da floresta.
Quando Ticiano estava pintando um retrato do imperador Carlos V, ele deixou cair o pincel e o imperador o pegou. Então o artista disse: “Vossa Majestade, seu servo não merece tal honra”. Ao que o imperador teria respondido: “Tiziano é digno de ser servido por César”.

O segundo retrato mostra o imperador em um tradicional terno preto espanhol, sentado em uma cadeira com uma loggia ao fundo.
No início dos anos 50. Ticiano, encomendado por Filipe II, que se tornou imperador após a abdicação de seu pai Carlos V, pintou sete telas sobre temas mitológicos, que chamou de “poesia”, interpretando temas mitológicos como metáforas da vida humana. Entre os poemas estão “A Morte de Actéon”, “Vênus e Adônis”, “O Estupro de Europa”. Nos últimos anos de sua vida, Ticiano viveu em Veneza. A ansiedade e a decepção crescem em suas obras. Nas pinturas religiosas, Ticiano recorre cada vez mais a temas dramáticos - cenas de martírio e sofrimento, nas quais também se ouvem notas trágicas.

Renascença tardia. Paulo Veronese (1528-1588). P. Caliari, apelidado de Veronese devido ao seu local de nascimento, nasceu em Verona em 1528. Chegando a Veneza, ganhou imediatamente reconhecimento pelo seu trabalho no Palazzo do Doge. Até o fim da vida, durante 35 anos, Veronese trabalhou para decorar e glorificar Veneza. A pintura de Veronese é toda construída em cores. Ele sabia justapor cores individuais de tal forma que essa aproximação criasse um som particularmente intenso. Eles começam a queimar como pedras preciosas. Ao contrário de Ticiano, que era principalmente um pintor de cavaletes, Veronese é um decorador nato. Antes de Veronese, pinturas individuais de cavalete eram colocadas nas paredes para decorar interiores e não havia uma unidade decorativa geral, uma fusão sintética de pintura e arquitetura. Veronese foi o primeiro dos artistas venezianos a criar conjuntos decorativos inteiros, pintando paredes de igrejas, mosteiros, palácios e vilas de cima a baixo, incorporando sua pintura à arquitetura. Para isso ele utilizou a técnica do afresco. Em suas pinturas e principalmente em seus abajures, Veronese utilizou fortes escorços, cortes espaciais arrojados, projetados para olhar a imagem de baixo para cima. Em seus abajures ele “abriu o céu”.

Jacopo Tintoretto. Nome verdadeiro Jacopo Robusti (1518-1594). A pintura de Tintoretto marca a conclusão da versão italiana do Renascimento. Tintoretto gravitou em torno de ciclos pictóricos de natureza temática complexa; usou temas raros e até então inéditos. Assim, na narrativa ampliada do enorme ciclo da Scuola di San Rocco, juntamente com muitos episódios conhecidos do Antigo e do Novo Testamento, são introduzidos motivos menos comuns e até completamente novos - “A Tentação de Cristo” e composições de paisagens com Madalena e Maria do Egito. Ciclo sobre os milagres de S. O selo da Academia Veneziana e da Brera de Milão apresenta-se em formas que estão longe das soluções visuais habituais.

O Palácio Ducal, representando batalhas, mostra uma abundância de variação e ousadia de design. No tema mitológico antigo, Tintoretto deu continuidade à livre interpretação poética dos motivos, iniciada com a “poesia” de Ticiano. Um exemplo disso é a pintura “A Origem da Via Láctea”. Ele usou novas fontes de enredo. Assim, na pintura “O Resgate de Arsínoe”, o artista partiu da adaptação do poema do autor romano Lucano na lenda medieval francesa, e “Tancred e Clorinda” escreveu a partir do poema de Tasso.

Tintoretto voltou-se repetidamente para o enredo da Última Ceia. Se na solene “Última Ceia” em forma de friso da igreja de Santa Maria Marcuola se apresenta um debate sobre como compreender as palavras do professor, então na pintura da igreja de Santa Trovaso as palavras de Cristo, como golpes, dispersaram os discípulos chocados, e na tela da Scuola di San Rocco combina o aspecto dramático da ação e o simbolismo do sacramento; na igreja de San Giorgio Maggiore, o sacramento da Eucaristia adquiriu a qualidade de uma força espiritualizante universal. Se os pintores do tipo clássico tendem a transmitir o tempo, que não tem começo nem fim, então Tintoretto usa o princípio de transmitir um acontecimento. Uma característica específica das obras de Tintoretto é a sugestividade, a dinâmica, o brilho expressivo dos motivos naturais e a multidimensionalidade espacial.