Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

MBOU DO "Children's School of Arts No. 2 na pinangalanan. I.P. Grinev, Kursk

Pag-unlad ng pamamaraan.

Pagsusuri sa kasaysayan ng pag-unlad at pagbuo ng sining ng gitara sa Russia.

Inihanda ni: Sergeeva M.S.

Panimula

Lahat ng hindi ginagawa ng isang tao ngayon ay sinasabayan ng musika - sinasamahan tayo nito sa buong buhay natin. Ang mga pambihirang posibilidad ng impluwensya ng musika sa isang tao, sa kanyang mga damdamin at estado ng pag-iisip ay pinag-uusapan sa lahat ng oras. Ang panimula sa musikal na sining ay nag-aambag sa edukasyon ng moral at aesthetic na damdamin, ang pagbuo ng mga pananaw, paniniwala at espirituwal na pangangailangan. Ang musika ay isang mahalagang paraan ng paghubog ng mga personal na katangian ng isang tao sa kanyang espirituwal na mundo. Ang pagpapakilala sa pamanang pangkultura ng musika ay nakakatulong sa paglagom ng mahalagang karanasang pangkultura ng mga henerasyon. Ang pagganap sa mga instrumentong pangmusika ay nagkakaroon ng mga kakayahan sa pag-iisip kahit papaano: memorya ng musika, lohikal na spatial na pag-iisip; ang kakayahang maghambing, maghambing, magsuri, mag-synthesize at mag-generalize. Ang musikal na sining ay bubuo ng imahinasyon, pag-iisip, aesthetic na damdamin, moral na katangian ng pagkatao. Ang pagsasagawa ng pagsasanay ay nakakatulong sa pagbuo ng isang pakiramdam ng kasiningan, tiwala sa sarili, kalayaan sa loob.

Kabilang sa legion ng mga instrumentong pangmusika ng nakaraan at kasalukuyan, ang gitara ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Matapang itong nalampasan ang daan-daang taon ng pag-unlad nito, nakaligtas sa mga tagumpay at kabiguan, at ngayon ay naging isa sa mga pinakasikat na instrumento ng ating planeta. Ang gitara ay isang romantiko sa mga instrumentong pangmusika, ang mga makata ay nagbabasa ng mga tula sa saliw nito, ang kanyang boses ay tila inextricably at harmoniously konektado sa kanila. Ang mga sikat na mang-aawit sa mundo ay kumanta sa gitara: Chaliapin, Kozlovsky, Obukhova, Shtokolov, ngunit ang mga kanta ay malayo sa lahat, ang kumplikado at seryosong musika ay maaaring i-play sa gitara, na napakahusay na pinatunayan ng mga banyagang internasyonal na gitarista - Maria Louise Anido, Ida Presti, Julian Brim at isa sa mga namumukod-tanging musikero sa mundo, ang pinakadakilang master ng gitara na si A. Segovia, pati na rin ang mga Russian performer na si A.I. Ivanov-Kramskoy, L. Andronov, L. Seletskaya.

Sa mga kamay ng isang master, ang gitara ay may kakayahang maghatid ng anumang galaw ng mga damdamin ng tao; sa mga tunog nito ay maririnig ang alinman sa isang banayad na plauta, o ang makinis na boses ng isang cello, o isang mandolin tremolo. Iba-iba ang papel ng gitara. Isa rin itong natatanging solong instrumento – ang mga pagsasaayos ng mga gawa nina Bach, Haydn, Mozart, Albeniz, Granados ay napakahusay ng tunog sa gitara. Sa loob ng limang daang taon, naisulat ang sarili nitong malawak na panitikan.

Ang patuloy na ebolusyon ng musika ay nauugnay sa pag-unlad ng pamamaraan ng pagganap, at ang bawat panahon ay tumutugma sa isang tiyak na antas ng pag-unlad nito. Sa kanilang pataas na paggalaw, pinapanatili o sinisira ng mga bagong pamamaraan ang mga prinsipyong umiiral hanggang ngayon. Ang bawat hakbang sa kasaysayan ng pag-unlad ng gitara ay nagpayaman sa pamamaraan na may mga bagong pagtuklas na nagpalawak ng mga kakayahan nito. Ang bawat natitirang master ng panahon ay nag-iwan ng mga bakas ng kanyang talento, at ang oras ay nag-aalaga sa pagpili ng mga diskarte na humahantong sa pagiging perpekto.

Ang mga pundasyon ng sining ng pagtugtog ng apat at limang kuwerdas na gitara ay inilatag ng mga musikero ng Espanyol, Italyano at Pranses.XVI – XVIImga siglo - Fuenllana, Mudarra, Valdebarrano, Amat at Sanz, Fosparini, Corbetta at Ronnally, de Vize. Sa wakas, si F. Tarrega, na nakauunawa sa masining at teknikal na mga gawain sa kanyang panahon, ay naghagis ng butil sa larangan ng kanyang romantikong pagkamalikhain, na nakatakdang magbunga sa modernong panahon.

Gitara sa Russia.

Ang hitsura ng gitara sa Russia ay tumutukoy sa humigit-kumulang sa gitnaXVIIsiglo. Dinala ito ng mga naglilibot na artistang Italyano at Pranses. Ang pagkalat ng gitara sa pinakamataas na bilog ng lipunang Ruso ay pinadali hindi lamang ng mga gitarista, kundi pati na rin ng mga mang-aawit na gumagamit nito bilang isang portable na kasamang instrumento.

Sa duloXVIII – XIXmga siglo hindi lang mga aristokrata ang mahilig tumugtog ng gitara. Pinatugtog din ito ng mga propesyonal na musikero na I.E. Khandoshkin (1747 - 1804), A.D. Zhilin (1766 - 1849). Dapat pansinin na kasama ang anim na kuwerdas na gitara, ang pitong kuwerdas na gitara ay nagsimulang umiral sa Russia, at sa pagpapakilala ng pag-tune ditoG- dur, nakakuha ito ng dominanteng posisyon, nakuha ang pangalang "Russian guitar" at sa pag-apruba nito, nagsimulang umunlad ang sining ng gitara sa Russia sa mga paraan maliban sa Kanluran.

Ang isa sa mga tagapagtatag ng paaralang Ruso ng paglalaro ng pitong string na gitara ay si Andrey Osipovich Sikhra (1773-1850) - isang birtuoso na gitarista, isang mahuhusay na kompositor. Nagawa niya at ng kanyang mga mag-aaral ang paglipat sa gitara mula sa tradisyong European tungo sa pambansang wika ng Russia at katutubong awit.

Sa kanyang kabataan, nagbigay siya ng mga konsyerto bilang isang alpa, tumugtog ng anim na kuwerdas na gitara. Noong 1801, lumipat ang musikero sa Moscow, kung saan nagsimula siyang lumikha ng isang repertoire para sa pitong string na gitara at mag-aral kasama ang kanyang mga unang estudyante. Si Sychra ay hindi lamang isang may talento, kundi isang mataas na pinag-aralan na musikero. Siya ay lubos na pinahahalagahan ni M. Glinka, A. Dargomyzhsky, A. Varlamov, A. Dubuk, D. Field at marami pang ibang mga pigura ng kulturang Ruso. Sa kanyang mga mag-aaral, ang pinakasikat ay S. Aksenov, N. Aleksandrov, V. Morkov, V. Sarenko, V. Svintsov.

Ang pagkakaroon ng kasanayan sa pagtugtog ng alpa bilang batayan ng kanyang pedagogy sa gitara, hindi masyadong hinihingi ni Sychra ang gitara sa mga tuntunin ng malambing na tono. Sa bagay na ito, at sa katumpakan ng pagpaparami ng musika, ang kanyang direksyon ay maaaring tawaging "akademiko". Sumulat si Sichra ng maraming piraso para sa gitara, noong 1802 nagsimula siyang mag-publish sa Moscow ng "Journal pour la quitare a sept cordes" ("Journal for the seven-string guitar").

Ang resulta ng limampung taon ng karanasan sa pagtuturo ni Sykhra ay ang Theoretical and Practical School for the Seven-String Guitar, na nakatuon sa kanyang estudyante na si V. I. Morkov.

Ang isang mas malapit na kakilala sa Paaralan ay lubhang nakakabigo, dahil hindi nito ibinubunyag ang mga positibong aspeto ng kanyang pamamaraan ng pedagogical. Siya ay isang mahusay na guro - practitioner, ngunit isang mahinang metodologo, dahil sa kabila ng ilang mga muling pag-print, ang Paaralan ay hindi nakatanggap ng malawak na pagkilala.

Ang paaralan ay binubuo ng tatlong bahagi. Ang una - "Sa mga panuntunan ng musika sa pangkalahatan" ay hindi gaanong naiiba sa mga metodolohikal na manwal na karaniwan noong panahong iyon. Ang pangalawa, pinakamahalagang bahagi ay tumatalakay sa mga kaliskis at chord, na nagpapahiwatig ng tamang pagfinger at isinasaalang-alang ang mga espesyal na kaso. Ang ikatlong bahagi ay naglalaman ng mga dula ng mga mag-aaral ng Sichra, na inaalok para sa pag-aaral.

Ang pangunahing kawalan ng Paaralan ay ang kakulangan ng pagkakasunod-sunod ng pagkuha ng mga kasanayan sa pagtugtog ng instrumento. Ang paaralan ay pangunahing nakatuon sa guro, nang walang wastong patnubay sa nagsisimula, halos wala itong silbi. Ang maliit na atensyon ay binabayaran sa Paaralan sa pagpapaunlad ng mga teknikal na kasanayan. Ang naka-attach na artistikong repertoire ay maaaring isama sa anumang iba pang koleksyon na walang gaanong tagumpay.

Ang isa pang pangunahing tagapagtaguyod ng gitara ay ang Czech na gitarista at kompositor na si Ignatius von Geld, may-akda ng mga paaralan para sa pitong-kuwerdas at anim na kuwerdas na mga gitara na inilathala noong 1812. Ang mga sumusunod ay nagpapatotoo sa kahalagahan ng aktibidad ni Geld para sa mga Russian guitarist at, lalo na, ang kanyang "School of playing the seven-string guitar". Noong 1819, ang isa sa mga pinaka mahuhusay na estudyante ng Sichra, S.N. Aksyonov, ay naglathala ng mga bagong diskarte sa pagtugtog ng gitara na natagpuan niya, isa sa mga pamamaraan na ito ay ang pagkuha ng mga artipisyal na harmonika na hindi pa ginagamit sa Russia hanggang sa panahong iyon, kinuha niya ang Paaralan. bilang batayan ng kanyang pamumuno.Si Geld, at hindi ito mangyayari kung ang istruktura at pamamaraan ni Geld ay hindi naaayon sa mga pamamaraang ginamit nina Aksyonov at Sykhra.

Ito ay sumusunod mula dito, ito ay sumusunod na ang Russian gitara ay nagsimula saXIXsiglo ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga patnubay na pamamaraan ni Geld.

Ang isang buong panahon sa sining ng gitara ay konektado sa gawa ni Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837), isang self-taught na gitarista na kalaunan ay naging isang birtuoso at kompositor.Nakumpleto niya ang pagbuo ng pitong-kuwerdas na gitara bilang isang instrumentong katutubong Ruso, at bilang isang lantad na hamon sa tradisyon ng Kanlurang Europa.At hindi maakay ni Sor o Giuliani ang mga gitaristang Ruso sa napiling landas.

Si Vysotsky ay mahilig sa mga klasiko, lalo na si Bach, na ang mga fugues ay sinubukan niyang isalin para sa gitara, na nag-ambag sa kabigatan at maharlika ng estilo ng kanyang mga komposisyon ng gitara. Siya ang unang Russian guitarist na gumamit ng counterpoint. Napakalaki ng kanyang malikhaing pamana - mga isang daang dula. Kabilang sa kanyang mga gawa ay mayroon ding isang maliit (24 na pahina) na "Practical and Theoretical School of Playing for the Guitar" (1836), na nai-publish ilang sandali bago ang kamatayan ng may-akda, ngayon ay walang halaga.

Ang husay ni Vysotsky ay pinakamalinaw na makikita sa kanyang mga pagkakaiba-iba ng kanta. Ang pinakamahusay na luma at kontemporaryong mga kanta ay makikita sa kanyang interpretasyon sa isang paraan na hindi matagpuan kahit na sa mga gawa ng kanyang mga kontemporaryo, mas malakas at mas musically literate composers.

Dito imposibleng hindi banggitin si N.P. Makarov (1810-1890), isang sikat na Russian guitarist-concertist, na gumawa ng maraming para sa pagbuo ng sining ng gitara. Naging interesado si Makarov sa gitara sa edad na 28. Sa kanyang pananatili sa akademya ng militar sa Warsaw, natuto siyang tumugtog ng 6-string ("Spanish") na gitara, at, nagsasanay ng sampu hanggang labindalawang oras sa isang araw, nakamit niya sa lalong madaling panahon ang makabuluhang teknikal na tagumpay.

Noong 1852, naglakbay si Makarov sa ibang bansa, kung saan nakilala niya ang pinakamalaking gitarista sa Europa: Tsani di Ferranti, M. Carcassi, N. Cost, J. K. Mertz, master ng gitara na si I. Scherzer.
Noong 1856, sinubukan niyang mag-organisa ng isang All-Russian na kumpetisyon para sa mga gitarista, mga kompositor na nagsusulat para sa gitara, pati na rin ang mga manggagawa na gumagawa ng mga instrumentong ito, ngunit ang inisyatiba ay hindi nakahanap ng malawak na suporta sa Russia. Nagawa ni Makarov na matupad ang kanyang hangarin sa ibang bansa lamang, sa Brussels, ang kabisera ng Belgium, kung saan noong 1856 ginanap ang 1st International Competition para sa pinakamahusay na komposisyon para sa gitara at ang pinakamahusay na instrumento. Si Makarov mismo ay gumanap sa kumpetisyon na may mahusay na tagumpay bilang isang soloista.

Sumulat ng ilang mga libro tungkol sa gitara, lalo na ang polyetong "A Few Rules for Higher Guitar Playing". Bilang karagdagan sa panimulang artikulo, kung saan ipinahayag ng may-akda ang kanyang saloobin sa estado ng sining ng gitara sa Kanluran at sa Russia, naglalaman ito ng siyam na panuntunan tungkol sa pamamaraan ng gitara.

Sa kanila, nanirahan si Makarov sa mga tanong ng pag-finger, ang kahulugan ng kanang kamay (paggamit ng maliit na daliri), pagganap ng trill (apat na daliri sa dalawang string), atbp. Ang ilan sa mga pagsasaalang-alang na ipinahayag ni Makarov ay interesado pa rin sa pagtugtog ng mga gitarista.

Noong dekada kwarentaXIXsiglo sa Russia, tulad ng sa Europa, ang isang mahabang panahon ng pagtanggi sa sining ng gitara ay nagsisimula. Hindi lamang ang mga aktibidad ng Makarov, kundi pati na rin ang mga konsyerto ng mas makabuluhang musikero - mga gitarista sa ikalawang kalahati ngXIXsiglo ay hindi nakatanggap ng sigaw ng publiko. Dahil sa medyo tahimik na tunog, ang kakulangan ng repertoire - pagkatapos ng lahat, wala sa mga pangunahing kompositor ng Ruso ang bumubuo ng isang solong piraso para sa gitara, kahit na ang instrumento na ito ay nasiyahan sa simpatiya nina Glinka at Tchaikovsky. Ang gitara ay idineklara na hindi angkop para gamitin sa mga bulwagan ng konsiyerto. Ang pedagogy ng gitara ay hindi rin hanggang sa marka. Ito ay kagiliw-giliw na tandaan na ang isa sa mga pinaka-seryosong pagtatangka upang itaas ang antas ng pag-aaral upang maglaro ng gitara ay nagaganap sa Kursk. Doon, sa mga klase ng musika ng Russian Musical Society, bubukas ito sa sanction ni A.G. Rubinshtein sa pitong string na klase ng gitara. Ang mga klase ay isinagawa, at walang bayad, ng isang guro ng German, isang baguhang gitarista na si Yu.M. Stockmann. Ngunit sa lalong madaling panahon, dahil sa kawalan ng interes sa mga mag-aaral, ang klase ng gitara ay tumigil na umiral. Kung hindi, ang pagtuturo ng pagtugtog ng gitara ay nasa kamay ng mga pribadong mangangalakal, kadalasang ganap na hindi marunong bumasa at sumulat sa musika. Ito ay makikita sa mga self-instruction book noong panahong iyon, na ginawa sa malaking bilang at puro komersyal ang kalikasan. Gumamit sila ng kahalili para sa pag-aaral ng musika - paglalaro sa isang digital system. Ang application ay hindi marunong magbasa ng mga transkripsyon ng pinakasikat at sa halip ay bulgar na mga motibo. Malaki ang pagkakaiba ng dalawang paaralan sa kanila - "School - a self-instruction manual for a six-string guitar" ni I.F. Dekker-Schenk (1825-1899) at "School for the seven-string guitar" ni A.P. Solovyov (1856-1911). Ang paaralan ni Solovyov ay ang pinakamahusay na tulong sa pagtuturo noong panahong iyon.

Ang mga mag-aaral ni Solovyov ay si Valerian Rusanov (1866-1918), isang historiographer ng gitara na nag-publish ng isang serye ng mga makasaysayang sanaysay na pinamagatang "Guitar and Guitarists", at nagsimulang maglathala ng magazine na "Guitarist" noong 1901, na, kahit na may mahabang pagkagambala, ay patuloy na nai-publish hanggang ngayon. Sa kasamaang palad, si Rusanov ay may pagkiling laban sa anim na string na gitara, na minamaliit ang dignidad nito, ngunit ang kanyang aktibidad ay hindi napapansin. Para sa mahirap na oras na iyon, marami siyang ginawa sa pagtataguyod ng pangangailangan para sa mga gitarista na maging musically literate, na seryosohin ang instrumento at ang mga piraso ng musikang itinatanghal dito. Ang isang bagong pamumulaklak ng sining ng pagtugtog ng gitara ay nauugnay sa Rebolusyong Oktubre. Totoo, sa mga unang taon pagkatapos nito, ang gitara bilang isang solong instrumento ay hindi nakakaakit ng maraming pansin, ang pagsasanay dito sa mga institusyong pang-edukasyon sa musika ay hindi nangyari dahil sa "pagkawalang-hiya" ng instrumento, at ang mga aktibidad ng pinakamalaking gitarista ay nagpatuloy na hindi organisado. at higit sa lahat sa malalayong lugar. Ang pinakasikat noong panahong iyon ay ang seven-string guitar. Ngunit gayunpaman, ang mga gitarista na nadala ng anim na kuwerdas na gitara at ang panitikan nito sa mga taon bago ang rebolusyonaryo ay nagsimulang magbigay ng kagustuhan sa partikular na instrumentong ito. Sa partikular, ito ay pinadali ng paglilibot sa Segovia noong 1926, 1927, 1935 at 1936. Ang repertoire na isinagawa ni Segovia, ang kanyang mga diskarte sa paglalaro at istilo ng pagganap ay napatunayang mapagpasyahan sa pagbuo ng sining ng gitara sa USSR. Sa ilalim ng pinakamalakas na impluwensya ng master na ito ay maraming mga guro ng Sobyet - mga gitarista noong panahong iyon, na naglatag ng pundasyon para sa paaralan ng Sobyet ng klasikal na gitara.

at P.S. Agafoshin (1874-1950), isang kahanga-hangang Russian guitarist, isa sa mga unang guro ng anim na string na gitara. Sa una ay naglalaro ng pitong string na gitara, pinahusay ni Petr Agafoshin ang kanyang pagtugtog sa kanyang paboritong instrumento sa kanyang sarili, pagkatapos lamang lumipat sa Moscow ay paminsan-minsan niyang ginamit ang payo ng mga guro, na kung saan ay si V. Rusanov. Lumahok bilang isang performer sa maraming mga konsiyerto. Sinamahan ng mga natitirang mang-aawit F. Chaliapin, D. Smirnov, T. Ruffo. Ang pagkilala sa sining ng pagganap ni Agafoshin ay isang imbitasyon na lumahok sa opera ng Massenet na Don Quixote sa Bolshoi Theater noong 1916.

Ang pagkakakilala kay Solovyov ay nag-udyok sa kanya na tingnang mabuti ang anim na kuwerdas na gitara at subukang pag-aralan ito nang mag-isa. Ginabayan ng paaralan ng Carcassi, mabilis niyang pinagkadalubhasaan ang anim na kuwerdas na gitara, at pagkatapos na makilala si Segovia, tuluyan niyang tinalikuran ang pitong kuwerdas.

Ang pagpupulong noong 1926 kasama si Segovia ay nagbigay inspirasyon kay Agafoshin. Hindi niya pinalampas ang isang solong konsiyerto ng artistang Espanyol, na personal na nakipagkita sa kanya. "Pagkatapos ng pag-alis ng Segovia," ang isinulat ni Agafoshin, "agad akong muling inayos, ginawa ang mga kinakailangang pagsasaayos sa aking produksyon, sa mga pamamaraan ng laro. Sa susunod na pagdating niya noong tagsibol ng 1927, ang aking kalagayan ay naging mas balanse, dahil dito panahon na ako mismo ay medyo Kaya, ang aking mga karagdagang obserbasyon sa kanyang paglalaro ay higit na produktibo, maaari kong ituon ang mga ito sa mga indibidwal na sandali at mga detalye ng kanyang pagganap, lalo na iyong mga piyesa na nasa proseso ng aking pag-aaral.

Ang isang taon ng matinding pag-aaral ay nagbunga ng mga nakikitang resulta. Noong 1927, muling naglaro si Agafoshin ng Segovia. Nangyari ito sa studio ng artist na si P.P. Konchalovsky. Sa paggunita sa pulong na ito, isinulat ni Konchalovsky na tinawag ni Segovia si Agafoshin "ang pinakamahusay na gitarista ng Moscow."

P.S. Si Agafoshin ay nagtrabaho bilang isang orkestra na tagapalabas sa State Maly Theater nang higit sa 40 taon. Noong 1930-1950 nagturo siya ng kursong gitara sa Musical College. Rebolusyong Oktubre at ang Moscow State Conservatory. Maraming mga sikat na gitarista ng Sobyet ang kanyang mga mag-aaral (A. Ivanov-Kramskoy, I. Kuznetsov, E. Makeeva, Yu. Mikheev, A. Kabanikhin, A. Lobikov at iba pa).

P.S. Pagmamay-ari ni Agafoshin ang aklat na "Bago tungkol sa gitara", na inilathala noong 1928, na isinulat sa ilalim ng sariwang impresyon ng pakikipag-usap sa sining ng pambihirang A. Segovia, at ang sikat na "School of Playing the Six-String Guitar", na batay sa ang mga seminar ng A. Segovia.

1. Ang isang mag-aaral sa kurso ng kanyang pagsasanay sa "School" ay dapat dumaan sa mga pangunahing yugto na ang gitara mismo ay dumaan sa kanyang makasaysayang pag-unlad. Iyon ay, dapat niyang maging pamilyar sa mga diskarte at sa mga gawa ng mga gitarista ng iba't ibang estilo at panahon.

2. Ang mag-aaral ay dapat matutong tumugtog ng gitara sa pagsasanay, iyon ay, sa pamamagitan ng pagkuha ng kinakailangang kaalaman at mga kasanayan sa paglalaro hindi sa tuyong materyal sa pagsasanay tulad ng mga ehersisyo at etudes, ngunit sa mahusay na napiling mataas na masining na materyal na nagtuturo sa panlasa at nagdadala, kasama ng praktikal at teknikal na mga kasanayan, pati na rin ang aesthetic kasiyahan.

3. Ang pangunahing dahilan ng pagkakaroon ng gitara, ayon sa may-akda, ay nakasalalay sa liriko, katapatan, kadalisayan at kagandahan ng mga tunog na nililikha nito. Ang gitara ay alien sa anumang pagpilit ng tunog, bravura.

Ang mahahalagang at pedagogical na prinsipyong ito ay tumutukoy sa pagpili na ginawa ng may-akda ng materyal na nilayon para sa "Paaralan" at ang kaukulang gumaganap na diskarte dito.

Kabilang sa mga tampok ng "Paaralan" ay din ang pag-unlad at systematization ng harmonic na paraan ng gitara, pagsasagawa ng lahat ng mga pag-aaral sa mataas na artistikong materyal, pag-uugnay sa teoretikal na bahagi (mga pangunahing kaalaman sa pagkakaisa) sa praktikal, na nagpapakita ng mga posibilidad ng gitara bilang isang kasamang instrumento.

Si Agafoshin noong 1930-1950 ay naglathala ng higit sa sampung koleksyon ng anim na kuwerdas na klasiko ng gitara at anim na album ng kanyang sariling mga transkripsyon at komposisyon. Para sa kanyang kontribusyon sa pag-unlad ng kultura ng pagtugtog ng anim na string na gitara, ang pagsasanay ng mga propesyonal na gitarista, performer at guro, siya ay iginawad sa Order of the Badge of Honor at dalawang medalya.

Kasabay nito, nagsimulang ituro ang gitara sa mga paaralan ng musika at mga teknikal na paaralan. Ang mga nagawa ng Soviet guitar pedagogy noong panahong iyon ay makikita rin sa nai-publish na panitikan ng gitara. Ang mga piraso ng gitara ay nagsimulang binubuo ng mga propesyonal na kompositor. Ang kompositor, Academician B.V. Asafiev (1884-1949).

Sa mga gitarista ng Sobyet sa mga taon ng post-war, si A. M. Ivanov-Kramskoy (1912–1973), isang namumukod-tanging Russian Soviet guitarist, kompositor, conductor, guro, isa sa ilang mga Sobyet na gitarista na ginawaran ng titulong Honored Artist ng RSFSR (1959) nakamit ang pinakadakilang malikhaing tagumpay. ). Nag-aral siya sa Music College na pinangalanang Rebolusyong Oktubre sa ilalim ng P. S. Agafoshin, pagkatapos ay sa Moscow Conservatory. Malaki ang papel niya sa pagbuo ng anim na string na gitara sa Russia. Siya ay gumanap bilang isang soloista at sa isang grupo kasama ang mga mang-aawit (N.A. Obukhova, I.S. Kozlovsky). Mula noong 1932 nagtrabaho siya sa All-Union Radio. Noong 1939 natanggap niya ang 2nd prize sa All-Union Competition for Performers on Folk Instruments. Noong 1939–45 conductor ng Song and Dance Ensemble ng NKVD ng USSR. Noong 1947-52, konduktor ng Russian Folk Choir at ang Orchestra of Folk Instruments ng All-Union Radio.

Ang mga komposisyon ng gitara ni Ivanov-Kramskoy (kabilang ang dalawang konsyerto para sa gitara at orkestra) ay napakapopular sa mga gitarista.

"School of playing the six-string guitar" (1957) A.M. Ang Ivanov-Kramskoy ay binubuo ng dalawang bahagi. Ang unang bahagi ay "Musical at teoretikal na impormasyon at praktikal na pag-unlad ng instrumento". Mayroon itong apat na seksyon, kabilang ang maikling impormasyon sa kasaysayan ng gitara at teorya ng musika, pati na rin ang mga pagsasanay na kinakailangan upang makabisado ang instrumento. Ang pagiging kumplikado ng mga musikal-teoretikal na konsepto at pagsasanay ay unti-unting tumataas mula sa bawat seksyon. Ang ikalawang bahagi ay "Repertoire Application". Kabilang dito ang mga sikat na gawa ng mga kompositor ng Sobyet, Ruso at dayuhan, mga pagsasaayos ng katutubong musika, mga etude sa isang naa-access na presentasyon para sa mga mag-aaral.

Ang aktibidad ng pedagogical ng A. M. Ivanov-Kramskoy ay nagpatuloy sa Academic Music School sa Moscow Conservatory, kung saan mula 1960 hanggang 1973 pinamunuan niya ang klase ng gitara, na sinanay ang maraming mahuhusay na musikero. Gayunpaman, ang pagtuturo ay isinasagawa sa antas ng gawaing bilog sa mga club. Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na, sa mga tagubilin ni I.V. Stalin, ipinagbabawal na ituro ang akurdyon, gitara at saxophone sa mga institusyong pang-edukasyon sa musika, bilang pro-Western, burges na mga instrumento. Pagkatapos lamang ng pagkamatay ng "pinuno ng mga tao", sa ilalim ng presyon mula sa publiko, ang mga klase ng klasikal na gitara ay binuksan sa kabisera at Leningrad, kahit na walang malawak na publisidad. Nangyari ito noong 1960. Sa Moscow, isang pitong string na klase ng gitara ang binuksan sa State Musical and Pedagogical School na pinangalanan. Gnesins (mga guro L. Menro at E. Rusanov) at anim na string - sa paaralan sa conservatory (guro A. Ivanov-Kramskoy).

Si Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy ay isang kilalang musikal at pampublikong pigura na itinalaga ang lahat ng kanyang lakas sa pagsulong ng sining ng gitara. Matapos ang maraming taon ng pagpapabaya, salamat sa isang natatanging tagapalabas at guro, ang gitara ay nabawi ang katayuan ng isang propesyonal na instrumento ng konsiyerto at nagsimulang ituro sa pangalawa at mas mataas na mga institusyong pangmusika ng bansa. Sa memorya ng musikero, ang mga pagdiriwang ng Moscow ng musika ng gitara na pinangalanang A.M. Ivanov-Kramskoy.

Ang kahalili ng mga tradisyon ng pitong-kuwerdas na gitara ay si Sergei Dmitrievich Orekhov (1935-1998), isa sa pinakamahusay na mga gitaristang Ruso, isang pitong-kuwerdas na manlalaro (mahusay na may anim na kuwerdas na gitara, ngunit hindi nagsasalita sa publiko tungkol dito). Pinagsama niya ang likas na regalo ng isang improviser, performer at composer. Marami siyang ginawa upang lumikha ng repertoire ng pambansang gitara ng Russia. May-akda ng maraming mga pagsasaayos para sa gitara ng mga katutubong kanta at romansa ng Russia. Sa una, nagsimula siyang mag-aral ng gitara sa kanyang sarili, at pagkatapos ay kumuha ng mga pribadong aralin mula sa gitarista na si V.M. Kuznetsov (1987-1953), na minsang sumulat ng aklat na "Pagsusuri ng pag-tune ng anim at pitong string na gitara" (M., 1935), at kung saan nag-aral ang maraming mga gitarista sa Moscow. Matapos maglingkod sa hukbo, pinasok niya ang tagapalabas ng mga gypsy romances at mga kanta na si Raisa Zhemchuzhnaya. Pagkatapos nito, nagtanghal siya kasama ang kanyang asawa, isang tagapalabas ng mga lumang romansa, mga kanta ng gypsy at romansa, si Nadezhda Tishininova. Sa loob ng ilang oras ay nagtrabaho siya kasama si Alexei Perfilyev sa isang gypsy jazz ensemble kasama ang violinist at mang-aawit na si Nikolai Erdenko, at pagkatapos ay inayos ang kanyang sariling gitara duet kasama si A. Perfilyev (6-string guitar). Sumulat din siya ng maraming mga pagsasaayos para sa anim na kuwerdas na gitara (sa partikular, ang mga romansa na "Don't Awaken Memories", "Weeping Willows Doze" at "Chrysanthemums"). Dahil sa lumalagong katanyagan ng anim na string na gitara, pinlano kong ilipat dito ang buong pangunahing Russian repertoire ng seven-string na gitara.

Sa buong buhay niya, si Sergey Orekhov ay nanatiling tapat sa Russian guitar at labis na nag-aalala na nagsimula siyang mawala ang kanyang posisyon sa Russia: "Hindi ko akalain," sabi niya, "na ang anim na string na gitara ay mananakop sa Russia. Ang pitong-kuwerdas Ang gitara ay napaka folk; ito ay isang militar, pampanitikan na gitara ... Kunin ang anumang mga layer ng lipunan na gusto mo: ang seven-string na gitara ay isang katutubong instrumento kung saan nauugnay ang isang Ruso."

Ang landas ni Orekhov ay ipinagpatuloy ng gitarista ng Moscow na si Anastasia Bardina, na ang repertoire ay perpektong magkakasabay sa mga gawa nina Sychra at Vysotsky, kasama ang mga gawa ng Tarrega, Albeniz, Granados. Ang kakaiba ng kanyang trabaho ay nakasalalay sa katotohanan na siya ay parehong propesyonal na nagmamay-ari ng parehong anim na kuwerdas at isang pitong kuwerdas na gitara, pati na rin ang isang GRAN na gitara (ang gitara na ito ay tatalakayin sa ibang pagkakataon). Sa panahon ng pagganap ng mga gawa, binago ni Anastasia Bardina ang pag-tune ng gitara mula anim hanggang pitong string at vice versa. Ang mga istilo ng kanyang mga gawa ay ibang-iba: mula sa klasikal, romantiko hanggang jazz. Sa kasamaang-palad, ngayon si Bardina ang tanging natitirang performer sa seven-string guitar.

Sinusubukang palawakin pa ang mga puro pagganap na posibilidad, gumagawa din ang mga musikero at tagagawa ng gitara sa mga bagong solusyon sa disenyo. Ang isa sa mga pagpapaunlad na ito ay ang domestic guitar - GRAN (mga developer na sina Vladimir Ustinov at Anatoly Olshansky at nangangahulugang Russian Acoustic New Guitar), na pinagsasama ang 6 na nylon string at 6 na metal string, na matatagpuan sa iba't ibang antas. (nga pala, ang gitara na ito ay may patent para sa pag-imbento). Ang gitarista ay may kakayahang gumawa ng tunog sa parehong nylon at metal na mga string, na lumilikha ng pakiramdam ng pagtugtog ng dalawang gitara. Nakakahiya na ang gitara na ito ay mas kilala sa Kanluran kaysa sa Russia. Tinutugtog sila ng mga gitarista tulad nina Paul McCartney, Carlos Santana at marami pang iba.

Ang kahalili ng mga tradisyon ng klasikal, anim na string na gitara pagkatapos ni Ivanov-Kramskoy ay ang kanyang anak na babae na si N.A. Ivanova - Kramskaya. Nagdala ng isang pangunahing performer bilang A.K. Si Frauchi ay isa sa mga pinakamahusay na Russian classical guitarist - performers. Ngayon siya ay isang Pinarangalan na Artist ng Russia, guro ng musika, propesor sa Russian Academy of Music (dating Gnessin Musical and Pedagogical Institute) sa Moscow.

Nag-aral siya sa Central Music School sa Conservatory. Tchaikovsky sa Moscow sa klase ng N.A. Ivanova-Kramskoy at sa Conservatory. Mussorgsky sa Sverdlovsk kasama si G. Mineev. Noong 1979 nanalo siya ng unang gantimpala sa pambansang kumpetisyon ng musikal ng mga performer sa Leningrad, at noong 1986 nanalo siya ng unang gantimpala sa International Guitar Competition sa Havana (Cuba). Nagbigay siya ng mga solong konsiyerto at nagsagawa ng mga master class sa Germany, France, Belgium, Great Britain, USA, Austria, Italy, Yugoslavia, Poland, Cuba, Hungary, Czech Republic, Bulgaria, Turkey at Greece.
"Si Alexander Frauchi ay gumawa at gumagawa ng isang napakahalagang kontribusyon sa pag-unlad ng Russian classical na gitara. Marami sa pinakamahusay na Russian guitarist ay mga mag-aaral ni Alexander Kamillovich. Ang Frauchi ay isang mahusay na panlasa, malalim, magandang tono, pag-ibig para sa bawat parirala. Sa sikat English magazine "Classical guitar" siya ay pinangalanang ang Russian apo ng Segovia. [Eugene Finkelstein]

Hiwalay, ito ay nagkakahalaga ng pakikipag-usap tungkol sa mga kompositor ng wakasXXsiglo:

Segey Rudnev (ipinanganak noong 1955), gitarista-performer at kompositor, may-akda ng mga orihinal na piraso para sa gitara, na ginampanan ng mga sikat na gitarista tulad nina Nikita Koshkin, Vladimir Mikulka, Yuri Nugmanov. Kilala sa kanyang pag-aayos ng gitara ng mga awiting katutubong Ruso.

Si Sergei Rudnev ay nagtapos mula sa Tula Musical College na may degree sa button accordion at balalaika. Nag-aral siya ng gitara sa kanyang sarili at kumuha ng mga pribadong aralin sa Moscow kasama sina V. Slavsky at P. Panin. Gamit ang mga imbitasyon sa iba't ibang mga festival ng gitara at jazz music, nakatuon siya sa pagbuo ng kanyang sariling istilo ng pagtugtog. Noong 1982, naitatag na niya ang kanyang sarili bilang isang propesyonal na gitarista. Naging miyembro ng world festival sa Colmar (France). Pagkatapos ay mayroong isang panahon ng mga paglilibot sa Poland, Hungary, Israel, Australia at Espanya. Nagtrabaho siya bilang isang arranger at accompanist para kay Alexander Malinin. Noong 1991, pagkatapos ng isang pagtatanghal sa Hall of Columns (Moscow), nakatanggap siya ng alok na gumanap sa Amerika at i-publish ang kanyang mga komposisyon para sa gitara doon. Noong 1995 nagturo siya ng klase ng gitara sa Tarragona Conservatory (Spain). Sa kasalukuyan ay naghahanda siya ng isang research paper sa paksang "Russian style of playing the classical guitar". Dalawang musikal na pelikula tungkol kay Sergei Rudnev ang inihanda sa telebisyon ng Russia. Kasama sa mga programa ng konsiyerto ang mga gawa ng mga dayuhang kompositor at Ruso. Ang isang disc sa pagganap ng may-akda ng Russian folk music sa klasikal na gitara ay inihahanda para sa pagpapalabas.
Si Sergey Rudnev mismo ay nagpapakilala sa kanyang trabaho bilang mga sumusunod: "... Nais kong lumikha ng mga ganap na komposisyon para sa gitara batay sa mga sikat na katutubong kanta, gamit ang mga alamat at klasikal na pamamaraan ng pag-unlad. Ang proseso ng pagsira sa tradisyonal na paraan ng pamumuhay sa ating panahon ay hindi na maibabalik, samakatuwid imposible, at marahil ay hindi kinakailangan na ibalik ang tradisyonal na mga kondisyon para sa pagkakaroon ng katutubong musikal na alamat. integridad ng masining na imahe. Upang makakita ng marami sa maliliit na bagay, isang lawa sa isang patak, ito ang aking mga prinsipyo kapag nagtatrabaho sa materyal ng alamat. ang melody ay mahalaga. Kasabay nito, ang pinakamahalagang gawain ay upang ipakita ang nagpapahayag na mga posibilidad ng gitara, ang buong palette ng pag-record ng tunog ng gitara, gamit ang parehong mga pamamaraan ng katutubong gumaganap at ang mga nakamit ng modernong teknolohiya ng gitara ... "

Koshkin Nikita Arnoldovich, Russian kompositor at gitarista. Ipinanganak sa Moscow noong Pebrero 28, 1956. Dumating ako sa klasikal na gitara sa pamamagitan ng pagkahilig sa musikang rock. Sa kanyang mga taon ng pag-aaral, nagsimula siyang mag-aral ng gitara sa kanyang sarili, kasama ang kanyang mga kaibigan ay nag-organisa siya ng isang ensemble sa paaralan. Pagkatapos ng dalawang taong pag-aaral sa isang music school, ipinagpatuloy niya ang pag-aaral ng gitara at komposisyon sa Music College. Rebolusyong Oktubre. Ang kanyang guro sa gitara noong panahong iyon ay si Georgy Ivanovich Yemanov. Matapos makapagtapos ng kolehiyo, nagtrabaho siya ng tatlong taon sa isang paaralan ng musika, kung saan siya mismo ay nagsimulang mag-aral ng musika. sa Musical Institute. Si Gnesinykh ay pumasok lamang sa pangalawang pagtatangka noong 1980 (klase ni Alexander Frauchi).

Pagkatapos ng institute, bumalik siya sa paaralan, ngunit bilang isang guro. Kasalukuyang nagtatrabaho sa Moscow State Classical Academy. Maimonides.

Binubuo niya ang kanyang unang piraso sa sandaling nagsimula siyang mag-navigate sa mga tala, mula noon, ayon sa mismong musikero, hindi na niya ibinahagi ang komposisyon at gitara, at sa kanyang konsepto ay palaging magkakaugnay. Si Nikita Koshkin ay seryosong naniniwala sa kanyang mga kakayahan bilang isang kompositor pagkatapos ng unang pagganap ng kanyang mga dula, Passacaglia at Toccata, ni Vladimir Mikulka. Pagkatapos nito, pagkatapos basahin ang isang pagsusuri tungkol sa debut, natanto niya na ang kanyang musika sa wakas ay pinahahalagahan at tinanggap. Bago iyon, siya lamang ang tumugtog ng kanyang mga piyesa, at ang kanyang pakikipag-ugnayan sa medyo konserbatibong domestic guitar audience ay sa una ay mahirap: karamihan sa mga gawa ay tinanggap nang may poot, at ang musikero mismo ay niraranggo sa avant-garde. Gayunpaman, si Koshkin mismo ay hindi itinuring ang kanyang sarili bilang ganoon at nagsasalita tungkol dito tulad ng sumusunod: "Hindi ako nakikitungo sa avant-garde, itinuturing ko ang aking sarili na isang tagapagpatuloy ng mga tradisyon, bumaling sa mga klasiko, at tungkol sa pagbabago na ginamit ko, ito ay isang natural na proseso ng paggamit ng mga teknik na matatagpuan sa gitara sa aking mga piyesa. Ang mga bagong makukulay na posibilidad na nagbukas para sa akin ay mas lubos na nagbigay-diin sa matalinghagang katangian ng musika. Sa bagay na ito, ang suite na "Prince's Toys" (1974) ay isinulat, na kung saan Ilang beses akong nag-rework sa nakalipas na anim na taon.

Ang suite na "Prince's Toys" (The Prince is naughty - Clockwork monkey - Doll with closing eyes - Game of soldiers - Prince's Carriage - Finale: Big puppet dance) ay napakapopular at kasama sa repertoire ng maraming kilalang performer.

Bilang karagdagan sa gitara, nagsusulat din si Nikita Koshkin ng musika para sa iba pang mga instrumento. Mayroon siyang ilang piraso para sa piano, ilang mga romansa para sa boses at piano, pati na rin ang musika para sa gitara na may iba pang mga instrumento: isang grand flute sonata na may gitara, isang trio para sa flute, violin at gitara; cycle ng mga piraso para sa mezzo-soprano at gitara, mga komposisyon para sa duet at trio ng mga gitara, para sa duet ng mga gitara at double bass. Ang mga gawa ni Koshkin ay ginampanan ni John Williams, ang duet ng gitara ng magkapatid na Assad, ang Zagreb at Amsterdam guitar trios.

Si Nikita Koshkin ay may pamagat ng isa sa mga pinaka-publish na kompositor ngayon. Ang kanyang mga gawa ay interesado sa mga tagahanga ng musikang gitara sa maraming bansa sa mundo. Kasabay ng mga aktibidad sa pag-compose at konsiyerto, ang musikero ay nakakahanap ng oras para sa pagtuturo. Ang kanyang hindi pangkaraniwang istilo ng pagtugtog at mga bagong diskarte sa musika ay patuloy na nakakaakit ng atensyon ng maraming tagapakinig.

Viktor KOZLOV (b. 1958) Nagsimula siyang gumawa ng musika sa edad na 12. Ang mga unang makabuluhang opus ay isinulat sa paaralan ng musika: isang string quartet; trio para sa plauta, viola at gitara; mga variation para sa piano, "Round dance and dance" para sa solo guitar. Sa hinaharap, mas gusto niyang gumawa ng mga miniature para sa solo guitar at trio guitars. Ang mga nakakatawang dula ni Kozlov ay sikat: "Oriental Dance", "March of Soldiers", "Little Detective", "Hunter's Dance", "Kiskino Grief". Ilang komposisyon ang isinulat ng kompositor para sa gitara at orkestra: "Concertino", "Epic and Russian Dance", "Buffoonery", "Ballad for Elena the Beautiful", suite para sa solo na gitara na "Black Toreador". Ang isang espesyal na lugar sa kanyang trabaho ay inookupahan ng maraming mga gawa para sa mga bata. Naglabas siya ng isang koleksyon ng mga musikal na gawa para sa mga batang gitarista na "Little Secrets of Senorita Guitars / Children's Album of a Young Guitarist", na noong 1999 ay kinilala ng Russian Guitar Center (Moscow) bilang pinakamahusay sa Russia. Ang isang bilang ng mga gawa ni Kozlov ay nai-publish sa Russia, England, Germany, Italy, Poland at Finland. Ang kanyang mga gawa ay kasama sa kanilang repertoire ng mga gitarista na sina N. Komoliatov (Moscow), V. Zhadko (Kyiv), T. Volskaya (USA), A. Khorev (St. Petersburg), E. Gridyushko (Belarus), S. Dinnigan ( England ), ang duet na "Capriccioso" (Germany), ginampanan din sila ng Trio of Ural guitarists (V. Kozlov, Sh. Mukhatdinov, V. Kovba) at ang instrumental duet na "Concertino" (Yekaterinburg) at marami pang iba.

Alexander Vinnitsky (ipinanganak 1950) gitarista, kompositor, guro ng musika. Nagtuturo siya sa Music College. Gnessins classical guitar, gumaganap ng mga solo concert, nagsusulat ng musika para sa gitara, nagsasagawa ng mga seminar at master class sa paksang "Classical guitar in jazz". Ang kanyang tagumpay at kontribusyon sa modernong repertoire ay ang programa ng may-akda, na binubuo ng musika sa iba't ibang estilo ng jazz. Seryoso siya sa pag-aayos ng gitara. Ang isang tampok ng laro ni Alexander Vinitsky ay ang paggamit ng "walking" bass at mga ritmikong istruktura sa buong komposisyon nang sabay-sabay sa mga melodic na linya. Ang hinlalaki ay nagsilbing kontrabas. Ang natitirang mga daliri ay, kumbaga, ang mga musikero ng grupo. Sa kanyang paglalaro ay nakakamit niya ang patuloy na pulsation at melodic lines. Yung music na pinatugtog niya parang tinutugtog ng trio. Ang istilong ito ay tinatawag minsan na "fingerstyle". Upang maipatupad ang mga ideyang ito, kailangan ang isang seryosong klasikal na paaralan, kaalaman sa instrumento at isang solidong "bagahe" ng jazz music. Nagsimulang magtanghal si Alexander sa mga jazz at classical guitar festival kasama ang kanyang bagong programa (Petrozavodsk, Yekaterinburg, Donetsk, Kyiv, Voronezh, atbp.). Noong 1991, inilabas ng kumpanya ng Melodiya ang kanyang unang solo album, Green Quiet Light, na kasama ang kanyang mga komposisyon: Time Travel, Green Quiet Light, Waiting for News, Metamorphoses, pati na rin ang mga arrangement ng melodies A.K. Jobim, L. Bonfa, gumaganap ni L. Almeida.

Hindi lamang ang mga karaniwang tinatawag na "guitar composers" ang sumusulat para sa gitara. Si Edison DENISOV (1929-1996), isa sa mga pinakadakilang kompositor ng Russia noong ika-20 siglo, isang musicologist at musical public figure, ay nagawang lubos na pahalagahan ang mga merito nito. Sa pagpasok ng 1950s at 1960s, idineklara ni Denisov ang kanyang sarili bilang ang hindi mapag-aalinlanganang pinuno ng isang kilusan na naghangad na yakapin ang mga nagawa ng Kanluraning kontemporaryong musika. Ang malikhaing pamana ni Denisov ay napaka-magkakaibang sa mga tuntunin ng genre.

Bilang karagdagan sa mga vocal at instrumental na komposisyon, sumulat si Edison Denisov para sa gitara: Sonata para sa plauta at gitara, Sonata para sa solong gitara sa 3 bahagi, "In Deo speravit cor meum" para sa byolin, gitara at organ, Guitar Concerto, Concerto para sa plauta at gitara . Ang ilan sa mga komposisyong ito ay partikular na isinulat para sa German guitarist na si Reinbert Ewers, na naging kanilang unang performer.

Hiwalay, dapat itong sabihin tungkol sa kompositor na si Igor REKHIN, bilang isang taong gumawa ng pinakamalaking kontribusyon sa kasaysayan at pagiging moderno ng gitara, parehong pitong string at Espanyol (klasikal). Siya ang may-akda ng maraming mga gawa para sa gitara, na nakakuha ng malawak na katanyagan sa bansa at sa ibang bansa: dalawang konsyerto para sa gitara at orkestra - para sa pitong kuwerdas at para sa anim na kuwerdas; Sonata para sa seven-string at six-string guitar; piraso para sa gitara, ensembles. Ang may-akda ng "Album of a Young Guitarist" at ang cycle na "24 Preludes and Fugues for Solo Guitar", ang unang gumanap ng gawaing ito ay si Vladimir Tervo, at ngayon ay matagumpay itong tinutugtog ni Dmitry Illarionov.

Ang pagkakaroon ng plunged sa mundo ng musika ng gitara sa unang pagkakataon, si Igor Vladimirovich ay natamaan ng pagka-orihinal nito, hindi pagkakatulad sa iba pang mga larangan ng kultura ng musika.

Tiniis niya at binigyang buhay ang ideya ng paglikha ng isang modernong repertoire na may malaking anyo. Sa malapit na pakikipagtulungan kay Alexander Kamilovich Frauchi, isang lektor sa Gnessin Institute sa Moscow at isang mahusay na performer ng konsiyerto, nagtrabaho siya sa paglikha ng "Havana Concerto", na inilabas noong 1983. Ang kagandahan ng arkitektura ng Havana, ang mayamang kulay ng kalikasan, ang mga harmoniya at ritmo ng mga awit at sayaw ng Cuban - ito ang matalinghaga at emosyonal na batayan ng konsiyerto, na pinananatili sa isang klasikal na three-movement form. Nilalaman ng Konsiyerto na ito ang pangarap ni Igor Rekhin na lumikha ng isang klasikal na komposisyon na may maliliwanag na tema at malinaw na nakabubuo na lohika.

Ang pagpupulong sa mga "seven-stringers" - Menro, Bardina, Kim ay nag-udyok kay Rekhin na magsulat ng mga gawa para sa seven-string na gitara. Alam niya na halos wala siyang modernong repertoire, ngunit para sa kanya ang "pitong-kuwerdas" ay isang buhay na instrumento kung saan ito ay nagkakahalaga ng pagsulat ng musika. Noong 1985, ginampanan ni Bardina ang kanyang Sonata para sa 7-string na gitara. Gayundin, nagtatrabaho si Rekhin sa isang Concerto para sa "pitong-kuwerdas" - ito ang unang konsiyerto para sa instrumentong ito sa kasaysayan ng musika. Ang kanyang mga musikal na imahe ay malapit na magkakaugnay sa mga pambansang tradisyon ng lokal na kultura ng Russia.

Kabilang sa kanyang mga komposisyon, bilang karagdagan sa mga concerto, isang makabuluhang lugar ang inookupahan ng trabaho, ang paglikha nito ay nakatulong sa kanya na mailista sa Guinness Book of Records! Ito ay isang natatanging cycle na "Twenty-Four Preludes and Fugues" para sa gitara. Nais ni Rekhin na lumikha ng isang cycle ng mga preludes at fugues para sa gitara, na sumusunod sa halimbawa ng "HTK" ni Bach, na ginawa ito para sa clavier sa kanyang panahon. Ang kompositor ay nagtrabaho sa paglikha ng cycle na ito sa loob ng ilang taon, at ... ang gawain ay tapos na! Ang pagiging kumplikado ng naturang komposisyon ay kinakailangan na lumikha ng mga gawa sa tinatawag na "non-guitar" key (maginhawa para sa gitara - A, Re, Mi) at hindi lamang para sa kapakanan ng mga teoretikal na posisyon, ngunit batay sa naglalaro at lumalagong mga performer...

Ang bawat isa sa kanyang mga Fugues ay klasikal sa paglalahad: ang lohika ng mga tugon sa tono ay mahigpit na pinananatili. Ngunit ang bawat isa ay nagdadala ng isang hindi inaasahang, hindi pangkaraniwan, ngunit pinaka-kagiliw-giliw na musikal na wika ng kompositor. Halimbawa, ang paggamit ng syncopation sa isang cycle ay nagbibigay-daan sa iyo upang malinaw na makilala ang polyphony ng gitara. Karamihan sa mga fugue ay 3- at 4-voice. Sa paglikha ng gawaing ito, naisip ni Igor Rekhin ang gitara bilang isang unibersal na instrumento na walang pantay na unibersal na musika sa iba't ibang mga susi. Ang mga ideyang ito ay pinagsama sa pagnanais na ipakita ang mga paraan ng pagpapahayag ng pinaka magkakaibang mga lugar ng klasikal at modernong musika.

Aliev Yu.B. Handbook ng isang guro-musika ng paaralan. – M.: Vlados, 2000

Bronfin E.F. N.I. Si Golubovskaya ay isang performer at guro. - L .: Musika, 1978

Buluchevsky Yu., Fomin V. Sinaunang musika (dictionary-reference book). L., Musika 1974

Weisbord Miron. Isaac Albeniz, M., Sov. kompositor, 1977

Weisbord Miron. Andres Segovia, M., Musika, 1981

Weisbord Miron. Andres Segovia at sining ng gitara noong ika-20 siglo: Sanaysay sa buhay at trabaho. M., Sov. kompositor, 1989

Weisbord Miron. Federico Garcia Lorca - musikero, M., Sov. kompositor noong 1985

Veshchitsky P., Larichev E., Laricheva G. Classical na anim na string na gitara, M., 2000

Veshchitsky P. Tutorial para sa pagtugtog ng anim na string na gitara. Chords at saliw. M., kompositor ng Sobyet, 1989; M., Kifara, 2002

Mga nakakatawang aralin sa musika sa paaralan at sa bahay / Na-edit ni Z.N. Bugaeva. - M .: Publishing house AST, 2002

Mga tanong ng musical pedagogy / Ed.-sost. V.A. Natanson, L.V. Roshchina. - M.: Musika, 1984

Mga Tanong ng Teorya at Estetika ng Musika / Ed. M.G. Aranovsky, A.N. Sohora. - L .: Musika, 1977

Vidal Robert J. Mga tala sa gitara na inaalok ni Andres Segovia / Per. mula sa French, - M., Music, 1990

Voynov Lev, Derun Vitaly. Ang iyong kaibigan ay isang gitara, Sverdlovsk, Middle Ural book publishing house, 1970

Wolman Boris. Gitara sa Russia, Leningrad, Muzgiz, 1961

Wolman Boris. Gitara at mga gitarista, Leningrad, Musika, 1968

Wolman Boris. Gitara, M., Muzyka, 1972, 62 p. ; 2nd ed.: M., Musika, 1980

Gruber R.I. Pangkalahatang kasaysayan ng musika. [isang bahagi] M., State Musical Publishing House

Gazaryan S. Kuwento tungkol sa gitara, M., Panitikang Pambata, 1987

Gitara. Musical Almanac, vol. 1, 1987 (Mga Artikulo ni A. Larichev, E. Kuznetsov at iba pa)

Gitara mula blues hanggang jazz: Koleksyon. Kyiv: "Musical Ukraine", 1995

Darkevich V.P. katutubong kultura ng Middle Ages. M., Agham 1988

Dmitrieva L.G., Chernoivanenko N.M. Mga pamamaraan ng edukasyon sa musika sa paaralan. - M.: Academy, 2000

Esipova M.V., Fraenova O.V. Mga musikero ng mundo. Talambuhay na Diksyunaryo. M., Great Russian Encyclopedia, 2001 Art sa sistema ng humanization ng pangkalahatan at bokasyonal na edukasyon / ed. Z.I. Gladkikh (punong editor), E.N. Kirnosova, M.L. Kosmovskaya. - Kursk: Publishing house Kursk. State Pedagogical University, 2002

Ivanov-Kramskoy A. M. School of playing the six-string guitar

Ivanova-Kramskaya N.A. Inialay ang kanyang buhay sa gitara (mga alaala ng kanyang ama), M., Association "Teplomekh", 1995

Historical at biographical dictionary-reference na aklat ng mga classical guitar masters: Sa 2 volume [Comp., ed. - Yablokov M.S.], Tyumen, Vector Buk, 2001-2002 [T.1, 2001; Tomo 2, 2002]

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

Ministri ng Kultura ng Ukraine

Kharkiv State Academy of Culture

para sa pagpasok sa pag-aaral para sa antas ng "Master"

Sining ng Gitara bilang Isang Pangkasaysayang Kababalaghan ng Kultura ng Musika

Pikhulya Taras Olegovich

Kharkiv 2015

Plano

Panimula

1. Mga kinakailangan para sa pagbuo at pag-unlad ng pagtugtog ng klasikal na gitara

1.1 Ang kasaysayan ng paglitaw, pag-unlad at pagpapabuti ng pagganap ng gitara

1.2 Ang pagbuo ng sining ng gitara sa USSR at Russia

2. Ang kasaysayan ng paglitaw at ebolusyon ng trend ng pop-jazz sa sining

2.1 Mga uri ng gitara na ginagamit sa sining ng pop-jazz

2.2 Ang mga pangunahing direksyon ng pagganap ng pop-jazz ng 60-70s

Bibliograpiya

ATpagsasagawa

Sining ng musika noong ika-20 siglo. mabilis at mabilis na umunlad. Ang mga pangunahing katangian ng pag-unlad na ito ay ang asimilasyon ng iba't ibang mga estilo at uso, ang pagkikristal ng isang bagong musikal na wika, mga bagong prinsipyo ng komposisyon, paghubog, at pagbuo ng iba't ibang mga aesthetic na plataporma. Ang prosesong ito ay nagsasangkot hindi lamang ng mga kompositor, performer, art historian, kundi pati na rin ang milyun-milyong tagapakinig kung saan nilikha ang mga musikal na gawa.

Ang kaugnayan ng paksa ay dahil sa pagsasaalang-alang ng klasikal at pop-jazz na instrumental na musika mula sa punto ng view ng ebolusyonaryong pag-unlad ng sining ng gitara, iyon ay, ang pagbuo ng mga bagong genre at uso.

Ang layunin ng pag-aaral ay isaalang-alang ang klasikal at pop-jazz na instrumental na musika at ang kanilang impluwensya sa pagbuo ng mga bagong istilo, mga kasanayan sa pagganap at kultura ng gitara sa pangkalahatan.

Layunin ng pananaliksik:

1) Isaalang-alang ang kasaysayan ng paglitaw, pag-unlad at pagbuo ng kultura ng gitara sa Europa, Russia, USSR.

2) Isaalang-alang ang mga pinagmulan, pinagmulan at pagbuo ng mga bagong istilo sa pop-jazz art.

Ang layunin ng pananaliksik ay ang pagbuo ng klasikal at pop-jazz na instrumental na musika.

Ang metodolohikal na batayan ng trabaho ay ang paraan ng pagtatasa ng intonasyonal, na nakatuon sa pagkakaisa ng mga prinsipyo ng musika at pagsasalita, bilang batayan ng mga tradisyon ng artistikong European, African at Russian.

Ang siyentipikong bagong bagay ng gawain ay nakasalalay sa katotohanan na ang gawain ay isang pag-aaral ng pagbuo at ebolusyon ng sining ng gitara at ang impluwensya nito sa pagbuo ng kultura ng gitara.

Ang praktikal na halaga ng trabaho ay nakasalalay sa posibilidad ng paggamit ng mga materyales nito sa proseso ng pag-aaral ng makasaysayang at teoretikal na mga disiplina sa musika.

1. Mga kinakailanganpagbuoatpag-unladmga larosaklasikogitara

1.1 Ang kasaysayan ng paglitaw, pag-unlad at pagpapabuti ng pagganap ng gitara

Ang kasaysayan ng pinagmulan, pag-unlad at pagpapabuti ng instrumentong pangmusika na ito ay napakaganda at misteryoso na ito ay higit na katulad ng isang kapanapanabik na kuwento ng tiktik. Ang unang impormasyon tungkol sa gitara ay nagsimula noong sinaunang panahon. Sa mga monumento ng Egypt noong isang libong taon na ang nakalilipas, mayroong mga larawan ng isang instrumentong pangmusika - "nabla", na mukhang isang gitara. Ang gitara ay laganap din sa Asya, na kinumpirma ng mga imahe sa mga monumento ng arkitektura ng Assyria, Babylon at Phoenicia. Noong ika-13 siglo, dinala ito ng mga Arabo sa Espanya, kung saan nakatanggap ito ng ganap na pagkilala. Sa pagtatapos ng ika-15 siglo, ang mayayamang pamilya ng Espanya ay nagsimulang makipagkumpitensya sa isa't isa sa pagtangkilik sa mga agham at sining. Ang gitara, kasama ang lute at iba pang mga plucked instruments, ay nagiging paboritong instrumento sa mga court. Sa kultural na buhay ng Espanya, simula sa ika-16 na siglo, maraming mga asosasyon, akademya, lupon at pagpupulong - "mga salon", na regular na naganap, ay may mahalagang papel. Mula noon, ang hilig para sa mga nahugot na instrumento ay tumagos sa malawak na masa ng mga tao, at ang mga espesyal na panitikan sa musika ay nilikha para sa kanila. Ang mga pangalan ng mga kompositor na kumatawan sa kanya ay bumubuo ng isang mahabang string: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz at marami pang iba.

Ang pagkakaroon ng mahabang paraan ng pag-unlad, ang gitara ay nagkaroon ng modernong hitsura. Hanggang sa ika-18 siglo, ito ay mas maliit, at ang katawan nito ay medyo makitid at pinahaba. Sa una, limang kuwerdas ang itinakda sa instrumento, na nakatutok sa mga ikaapat, tulad ng sa isang lute. Nang maglaon, ang gitara ay naging isang anim na kuwerdas, na may isang tuning na mas angkop para sa pagtugtog sa mga bukas na posisyon upang mas mahusay na pagsamantalahan ang tunog ng mga bukas na string. Kaya, sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, nakuha na ng gitara ang huling anyo nito. Anim na string ang lumitaw dito na may isang sistema: mi, si, asin, re, la, mi.

Ang gitara ay nakakuha ng mahusay na katanyagan sa Europa at dinala sa mga bansa ng North at South America. Paano ipaliwanag ang ganoong malawak na paggamit ng gitara? Higit sa lahat dahil ito ay may malaking potensyal: maaari itong i-play nang solo, sinamahan ng boses, byolin, cello, plauta, maaari itong matagpuan sa iba't ibang mga orkestra at ensemble. Ang mga maliliit na sukat at ang posibilidad ng madaling paggalaw sa kalawakan at, pinaka-mahalaga, ang isang hindi pangkaraniwang malambing, malalim at sa parehong oras na transparent na tunog ay nagbibigay-katwiran sa pag-ibig para sa unibersal na instrumentong pangmusika na ito ng isang malawak na hanay ng mga tagahanga mula sa mga romantikong turista hanggang sa mga propesyonal na musikero.

Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, lumitaw ang mga kompositor at birtuoso sa Espanya

F. Sor at D. Aguado, kasabay nila sa Italy - M. Giuliani. L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi at iba pa. Lumilikha sila ng isang malawak na repertoire ng konsiyerto para sa gitara, mula sa maliliit na piraso hanggang sa mga sonata at konsiyerto na may isang orkestra, pati na rin ang kahanga-hangang "Mga Paaralan para sa pagtugtog ng anim na string na gitara", isang malawak na pang-edukasyon at nakabubuo na repertoire. Bagama't halos dalawang daang taon na ang lumipas mula nang mailathala ang panitikang pedagogical na ito, isa pa rin itong mahalagang pamana para sa mga guro at mag-aaral.

Ang kompositor na si Sor ay nagbibigay ng mga konsiyerto na may malaking tagumpay sa mga lungsod ng Kanlurang Europa at Russia. Ang kanyang mga ballet na Cinderella, The Lubok as a Painter, Hercules at Omphale, gayundin ang opera Telemachus ay naitanghal nang maraming beses sa St. Petersburg, Moscow at malalaking lungsod ng Kanlurang Europa. Ang istilong polyphonic, mayamang imahinasyon at lalim ng nilalaman ay nagpapakilala sa gawa ni Sora. Ito ay isang edukadong musikero-komposer, isang birtuoso na gitarista na humanga sa lalim ng kanyang pagganap at sa kinang ng kanyang pamamaraan. Ang kanyang mga komposisyon ay matatag na pumasok sa repertoire ng mga gitarista. Ang Italian Giuliani ay isa sa mga nagtatag ng Italian guitar school. Siya ay isang napakatalino na gitarista at isa ring perpektong biyolinista. Noong 1813 ang ikapitong symphony ni Beethoven ay ginanap sa unang pagkakataon sa Vienna sa ilalim ng baton ng may-akda, si Giuliani ay nakibahagi sa pagganap nito bilang isang biyolinista. Pinahahalagahan ni Beethoven si Giuliani bilang isang kompositor at musikero. Ang kanyang mga sonata, mga konsiyerto na may orkestra ay ginaganap ng mga modernong gitarista, at ang panitikan ng pedagogical ay isang mahalagang pamana para sa parehong mga guro at mag-aaral.

Gusto ko lalo na pag-isipan ang pinakasikat at pinaka-madalas na nai-publish sa ating bansa "School of Playing the Six-String Guitar" ng sikat na Italian guitarist-guro, kompositor na si M. Carcassi. Sa paunang salita sa "Paaralan" ang may-akda ay nagsabi: "... Wala akong intensyon na magsulat ng isang gawaing siyentipiko. Nais ko lamang na gawing mas madali ang pag-aaral ng gitara sa pamamagitan ng paglalatag ng isang plano na maaaring gawing posible upang maging mas pamilyar sa lahat ng mga tampok ng instrumentong ito. Ayon sa mga salitang ito, malinaw na hindi itinakda ni M. Carcassi ang kanyang sarili ang gawain ng paglikha ng isang unibersal na manwal para sa pag-aaral na tumugtog ng gitara, at halos hindi ito posible. Ang "Paaralan" ay nagbibigay ng isang bilang ng mga mahalagang mga tagubilin sa pamamaraan ng kaliwa at kanang mga kamay, iba't ibang mga pamamaraan ng katangian ng pagtugtog ng gitara, paglalaro sa iba't ibang mga posisyon at mga susi. Ang mga halimbawa at piyesa ng musika ay ibinibigay nang sunud-sunod, sa pataas na pagkakasunud-sunod ng kahirapan, ang mga ito ay isinulat nang may mahusay na kasanayan bilang isang kompositor at guro at may malaking halaga pa rin bilang materyal na pang-edukasyon.

Bagaman, mula sa isang modernong punto ng view, ang "Paaralan" na ito ay may isang bilang ng mga malubhang pagkukulang. Halimbawa, kaunting pansin ang binabayaran sa isang mahalagang pamamaraan ng paglalaro ng kanang kamay bilang apoyando (paglalaro nang may suporta); ang wikang musikal, batay sa musika ng tradisyon ng Kanlurang Europa noong ika-18 siglo, ay medyo monotonous; ang mga isyu ng pag-unlad ng fingering, melodic-harmonic na pag-iisip ay halos hindi naaapektuhan, pinag-uusapan lamang natin ang tamang paglalagay ng mga daliri ng kaliwa at kanang mga kamay, na nagpapahintulot sa amin na malutas ang maraming mga teknikal na paghihirap sa pagganap, pagbutihin ang tunog, pagbigkas. , atbp.

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, isang bagong maliwanag na pangalan ng kompositor ng Espanyol, virtuoso soloist at guro na si Francisco Tarrega ang lumitaw sa kasaysayan ng gitara. Gumagawa siya ng sariling istilo ng pagsulat. Sa kanyang mga kamay ang gitara ay nagiging isang maliit na orkestra.

Ang gumaganap na gawain ng kahanga-hangang musikero na ito ay nakaimpluwensya sa gawain ng kanyang mga kaibigan - mga kompositor: Albeniz, Granados, de Falla at iba pa. Sa kanilang mga gawa sa piano ay madalas marinig ang imitasyon ng gitara. Ang mahinang kalusugan ay hindi nagbigay ng pagkakataon kay Tarrega na magbigay ng mga konsyerto, kaya't inilaan niya ang kanyang sarili sa pagtuturo. Masasabi nating si Tarrega ay lumikha ng kanyang sariling paaralan ng pagtugtog ng gitara. Kabilang sa kanyang pinakamahuhusay na estudyante sina Miguel Llobet, Emelio Pujol, Domenico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe at iba pang sikat na concert players. Sa ngayon, ang "Mga Paaralan" ni E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupe, I. Ahrens at P. Rocha, batay sa pamamaraan ng pagtuturo ng Tarrega, ay nailathala. Tingnan natin ang pamamaraang ito gamit ang halimbawa ng "School of Playing the Six-String Guitar" ng sikat na Spanish guitarist, teacher at musicologist na si E. Pujol. Ang isang natatanging tampok ng "School" ay isang mapagbigay, detalyadong pagtatanghal ng lahat ng mga pangunahing "lihim" ng pagtugtog ng klasikal na gitara. Ang pinakamahalagang isyu ng diskarte sa gitara ay maingat na binuo: ang posisyon ng mga kamay, ang instrumento, ang mga pamamaraan ng paggawa ng tunog, mga diskarte sa pagtugtog, atbp. Ang pagkakasunud-sunod ng pag-aayos ng materyal ay nakakatulong sa sistematikong teknikal at masining na paghahanda ng gitarista. Ang "Paaralan" ay ganap na binuo sa orihinal na musikal na materyal: halos lahat ng mga etudes at pagsasanay ay binubuo ng may-akda (isinasaalang-alang ang pamamaraan ng F. Tarrega) lalo na para sa kaukulang mga seksyon.

Lalo na mahalaga na ang publikasyong pang-edukasyon na ito ay hindi lamang nagdedetalye ng mga kahirapan sa pagtugtog ng gitara, ngunit inilalarawan din nang detalyado kung paano malalampasan ang mga ito. Sa partikular, maraming pansin ang binabayaran sa problema ng paggamit ng tamang daliri kapag naglalaro gamit ang kanan at kaliwang kamay, pati na rin ang mga diskarte sa paglalaro sa iba't ibang posisyon, iba't ibang mga paggalaw, mga displacement ng kaliwang kamay, na tiyak na nag-aambag sa pag-unlad. ng pag-iisip ng daliri. Ang pagiging epektibo ng "School" ng Pujol ay nakumpirma, sa partikular, sa pamamagitan ng pagsasagawa ng paggamit nito sa ilang mga institusyong pang-edukasyon sa ating bansa, Europa at Amerika.

Ang malaking kahalagahan para sa pag-unlad ng sining ng gitara sa mundo ay ang malikhaing aktibidad ng pinakadakilang Espanyol na gitarista noong ika-20 siglo. Andres Segovia. Ang pambihirang kahalagahan ng kanyang papel sa kasaysayan ng pag-unlad ng instrumento ay hindi lamang ang kanyang mga talento sa pagganap at pedagogical, kundi pati na rin ang kanyang mga kakayahan bilang isang tagapag-ayos at propagandista. Isinulat ng mananaliksik na si M. Weisbord: “…upang itatag ang gitara bilang instrumento sa konsiyerto, kulang ito sa kung ano, halimbawa, ang piyano o biyolin - isang napakasining na repertoire. Ang makasaysayang merito ng Andres Segovia ay namamalagi, una sa lahat, sa paglikha ng naturang repertoire…”. At higit pa: “M. Ponce (Mexico), M.K. Tedesco (Italy), J. Ibert, A. Roussel (France) K. Pedrel (Argentina), A. Tansman (Poland), at D. Duart (England), R. Smith (Sweden)…”. Mula sa maliit at malayo sa kumpletong listahan ng mga kompositor, makikita na salamat kay A. Segovia na ang heograpiya ng mga propesyonal na komposisyon para sa klasikal na gitara ay mabilis na lumawak, at sa paglipas ng panahon ang instrumento na ito ay nakakuha ng pansin ng maraming mga natitirang artist - E. Vila Lobos, B. Britten. Sa kabilang banda, mayroong mga buong konstelasyon ng mga mahuhusay na kompositor na mga propesyonal na performer din - A. Barrios, L. Brouwer, R. Dyens, N. Koshkin, atbp.

1. 2 Pagbubuogitarasiningsaang USSRatRussia

Ngayon ay matagumpay siyang nakalibot sa maraming bansa sa mundo, kabilang ang pagbisita sa USSR ng apat na beses (1926 at 1935, 1936). Nagtanghal siya ng mga gawa ng mga klasikal na gitarista: Sora, Giuliani, mga transkripsyon ng mga gawa ni Tchaikovsky, Schubert, Haydn at orihinal. gawa ng mga Espanyol na kompositor: Turin, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco at iba pang kompositor. Si Segovia ay nagkaroon ng maraming pagpupulong sa mga gitarista ng Sobyet, kung saan ang mga tanong ay kusang-loob niyang sinagot. Sa mga pag-uusap tungkol sa pamamaraan ng pagtugtog ng gitara, itinuro ni Segovia ang partikular na kahalagahan ng hindi lamang pagtatakda ng mga kamay, kundi pati na rin ang wastong paggamit ng daliri. Ang gitara ay nag-iwan ng isang maliwanag na marka sa musikal na sining ng Russia. Ang akademya na si J. Shtelin, na nanirahan sa Moscow mula 1735 hanggang 1785, ay sumulat na ang gitara ay dahan-dahang kumalat sa Russia, ngunit sa hitsura ng mga birtuoso na gitarista na sina Tsani de Ferranti, F. Sor, M. Giuliani at iba pa bukod sa iba pang mga guest performer ang tool na ito ay nakakakuha ng simpatiya at malawakang ginagamit.

Ang pagkuha sa Russia mula sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo ng orihinal na seven-string variety na may G-major triad ay nadoble sa isang octave at isang bottom string na may pagitan ng isang quart, ang gitara ay naging mahusay na angkop sa bass-chord accompaniment ng isang urban song at romance.

Ang tunay na pag-unlad ng propesyonal na pagganap sa instrumento na ito ay nagsisimula salamat sa malikhaing aktibidad ng natitirang guro-gitista na si Andrei Osipovich Sikhra (1773-1850). Bilang isang harpist sa pamamagitan ng edukasyon, inialay niya ang kanyang buong buhay sa pagsulong ng pitong string na gitara - sa kanyang kabataan siya ay nakikibahagi sa aktibidad ng konsiyerto, at pagkatapos ay pedagogy at paliwanag. Noong 1802, ang A. Sikhra's Journal for the Seven-String Guitar ay nagsimulang mailathala sa St. Petersburg, na may mga pagsasaayos ng mga katutubong awiting Ruso at mga pagsasaayos ng mga klasikong musikal. Sa mga sumunod na dekada, hanggang 1838, ang musikero ay naglathala ng isang bilang ng mga katulad na magasin na nag-ambag sa isang makabuluhang pagtaas sa katanyagan ng instrumento, A.O. Si Sychra ay nagdala ng isang malaking bilang ng mga mag-aaral, na pinasisigla ang kanilang interes sa pag-compose ng musika para sa gitara, lalo na, ang mga pagkakaiba-iba sa mga tema ng mga melodies ng katutubong kanta. Ang pinakasikat sa kanyang mga estudyante ay si S.N. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Sarenko, F.M. Zimmerman at iba pa - nag-iwan ng maraming pag-play at pag-aayos ng mga kanta sa Russia. Ang aktibidad ni Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837) ay may malaking kahalagahan sa pagbuo ng propesyonal-akademikong pagganap ng gitara ng Russia. Ang unang taong nagpakilala sa kanya sa gitara ay si S.N. Aksenov, naging mentor din niya.

Mula noong mga 1813, ang pangalan ng M.T. Ang Vysotsky ay naging malawak na sikat. Ang kanyang pagtugtog ay nakikilala sa pamamagitan ng isang orihinal na istilong improvisasyon, isang matapang na paglipad ng malikhaing imahinasyon sa iba't ibang melodies ng katutubong awit. M.T. Si Vysotsky ay isang kinatawan ng improvisational auditory style ng pagganap - dito siya ay malapit sa tradisyonal na Russian folk music-making. Marami ang masasabi tungkol sa iba pang mga kinatawan ng pagganap ng gitara ng Russia, na nag-ambag sa pag-unlad ng pambansang gumaganap na paaralan, ngunit ito ay isang hiwalay na pag-uusap. Ang tunay na paaralan ng Russia ay nakikilala sa pamamagitan ng mga sumusunod na tampok: kalinawan ng artikulasyon, magandang tono ng musika, tumuon sa mga melodic na kakayahan ng instrumento at ang paglikha ng isang tiyak na repertoire, sa maraming paraan na natatangi, isang progresibong paraan ng paggamit ng mga espesyal na "blangko" ng daliri. , mga sample at cadences na nagpapakita ng mga kakayahan ng instrumento.

Kasama sa sistema ng pagtugtog ng instrumento ang pagtugtog ng mga musical function, intonations at ang kanilang mga apela, na hiwalay na isinasaulo sa bawat key at may hindi inaasahang paggalaw ng mga boses. Kadalasan ang gayong indibidwal na pagfinger, melodic-harmonic na "mga blangko" ay masigasig na binabantayan at ipinasa lamang sa pinakamahusay na mga mag-aaral. Ang improvisasyon ay hindi espesyal na pinag-aralan, ito ay resulta ng isang karaniwang teknikal na base, at ang isang mahusay na gitarista ay nagawang pagsamahin ang pamilyar na mga intonasyon ng isang kanta na may harmonic sequence. Ang isang hanay ng iba't ibang mga cadences ay madalas na napapalibutan ng isang musikal na parirala at nagbibigay ng kakaibang kulay sa musikal na tela. Ang ganitong mapanlikhang paraan ng pagtuturo ay tila isang purong pagtuklas ng Ruso at hindi matatagpuan saanman sa mga dayuhang gawa noong panahong iyon. Sa kasamaang palad, ang mga tradisyon ng pagganap ng gitara ng Russia noong XVIII-XIX na siglo. ay hindi patas na nakalimutan, at salamat lamang sa mga pagsisikap ng mga mahilig sa sitwasyon sa direksyong ito ay nagbabago para sa mas mahusay.

Ang sining ng gitara ay nabuo din noong panahon ng Sobyet, bagaman ang saloobin ng mga awtoridad sa pagpapaunlad ng instrumentong pangmusika na ito ay, sa madaling salita, cool. Mahirap palakihin ang papel ng namumukod-tanging guro, performer at kompositor na si A.M. Ivanov-Kramskoy. Ang kanyang paaralan ng pagtugtog, pati na rin ang paaralan ng pagtugtog ng gitarista at gurong P.A. Ang Agafoshina ay isang kailangang-kailangan na tulong sa pagtuturo para sa mga batang gitarista. Ang aktibidad na ito ay mahusay na ipinagpatuloy ng kanilang maraming mga mag-aaral at tagasunod: E. Larichev, N. Komoliatov, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky (classical guitar in jazz), S. Rudnev (classical guitar in Russian istilo) at marami pang iba.

gitara classical pop jazz

2. Kwentopangyayariatebolusyonpop-jazzmga direksyonsasining

2.1 Mga uri ng gitara na ginagamit sa sining ng pop-jazz

Sa modernong pop music, apat na uri ng gitara ang pangunahing ginagamit:

1. Flat Top (Flat Top) - ang karaniwang folk guitar na may metal strings.

2. Classical (Classical) - klasikal na gitara na may mga string na nylon.

3. Arch Top (Arch Top) - isang jazz na gitara, na hugis tulad ng isang pinalaki na biyolin na may "efs" sa mga gilid ng soundboard.

4. Electric guitar - isang gitara na may mga electromagnetic pickup at isang monolithic wooden deck (bar).

Kahit 120-130 taon na ang nakalilipas, isang uri lang ng gitara ang sikat sa Europe at America. Ang iba't ibang mga bansa ay gumagamit ng iba't ibang mga sistema ng pag-tune, at sa ilang mga lugar ay binago pa nila ang bilang ng mga string (Sa Russia, halimbawa, mayroong pitong mga string, hindi anim). Ngunit sa anyo, ang lahat ng mga gitara ay halos magkatulad - medyo simetriko sa itaas at ibabang bahagi ng katawan, na nagtatagpo sa leeg sa ika-12 fret.

Maliit na sukat, may slotted na palad, malawak na leeg, mga bukal na hugis pamaypay, atbp. - lahat ng ito ay nailalarawan sa ganitong uri ng gitara. Sa katunayan, ang nasa itaas na instrumento sa anyo at nilalaman ay kahawig ng klasikal na gitara ngayon. At ang anyo ng klasikal na gitara ngayon ay pag-aari ng Spanish master na si Torres, na nabuhay mga 120 taon na ang nakalilipas.

Sa pagtatapos ng huling siglo, ang gitara ay nagsimulang makakuha ng katanyagan nang malaki. Kung bago iyon, ang mga gitara ay nilalaro lamang sa mga pribadong bahay at salon, pagkatapos ay sa pagtatapos ng huling siglo, ang gitara ay nagsimulang lumitaw sa mga yugto. Nagkaroon ng pangangailangan upang palakasin ang tunog. Noon nagkaroon ng mas malinaw na dibisyon sa pagitan ng mga klasiko at sa ngayon ay madalas na tinatawag na folk guitar o western. Ang teknolohiya ay nagsimulang gumawa ng mga metal string na mas malakas ang tunog.

Bilang karagdagan, ang cabinet mismo ay tumaas sa laki, na nagpapahintulot sa tunog na maging mas malalim at mas malakas. Nagkaroon ng isang seryosong problema - ang malakas na pag-igting ng mga metal na string ay aktwal na pumatay sa tuktok na soundboard, at ang pampalapot ng mga dingding ng shell, sa huli, ay pumatay sa panginginig ng boses, at kasama nito ang tunog. At pagkatapos ay naimbento ang sikat na X-shaped spring mount. Ang mga bukal ay nakadikit nang crosswise, sa gayon ay pinapataas ang lakas ng tuktok na kubyerta, ngunit pinapayagan itong mag-vibrate.

Kaya, mayroong isang malinaw na dibisyon - ang klasikal na gitara, na hindi nagbago nang malaki mula noon (ang mga string lamang ang nagsimulang gawin mula sa synthetics, at hindi mula sa sinew, tulad ng dati), at ang folk-western na gitara, na mayroong ilang mga form, ngunit halos palaging sumasama sa hugis-X na mga bukal, metal na mga string, pinalaki na katawan at iba pa.

Kasabay nito, isa pang uri ng gitara ang nabuo - ang "arch top" (arch top). Ano ito? Habang ang mga kumpanyang tulad ni Martin ay tinutugunan ang problema sa pagpapalakas ng tunog sa pamamagitan ng paglalagay ng mga bukal, ang mga kumpanyang tulad ni Gibson ay nagpunta sa kabilang paraan, na ginagawang hugis at itinayo ang mga gitara na parang mga violin. Ang mga naturang instrumento ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang curved top soundboard, isang nut, na parang double bass, at isang tailpiece. Bilang panuntunan, ang mga instrumentong ito ay may mga violin cutout sa mga gilid ng soundboard sa halip na ang tradisyonal na bilog na butas sa gitna. Ang mga gitara na ito ay nagtatampok ng tunog na hindi mainit at malalim, ngunit balanse at suntok. Sa gayong gitara, malinaw na maririnig ang bawat nota, at mabilis na napagtanto ng mga jazzmen kung ano ang isang "dark horse" na lumitaw sa kanilang larangan ng paningin. Ito ay sa jazz na ang "arch tops" ay may utang sa kanilang katanyagan, kung saan sila ay tinawag na jazz guitars. Noong 1930s at 1940s, nagsimulang magbago ang sitwasyon - pangunahin dahil sa paglitaw ng mga de-kalidad na mikropono at pickup. Bilang karagdagan, isang bagong sikat na istilo ng musika, ang blues, ang pumasok sa arena at agad na sinakop ang mundo. Tulad ng alam mo, ang mga blues ay nabuo pangunahin dahil sa mga pagsisikap ng mga mahihirap na itim na musikero. Nilaro nila ito sa lahat ng paraan gamit ang mga daliri, pick at maging ang mga bote ng beer (ang mga leeg ng bote ng beer ay ang direktang mga ninuno ng mga modernong slide). Ang mga taong ito ay walang pera para sa mga mamahaling instrumento, hindi sila palaging may pagkakataon na bumili ng mga bagong string para sa kanilang sarili, anong uri ng mga jazz guitar ang naroon? At tinugtog nila ang anumang kailangan nila, karamihan sa mas karaniwang mga instrumento - mga western. Sa mga taong iyon, bilang karagdagan sa mga mamahaling "archtops", ang kumpanya ng Gibson ay gumawa din ng isang malaking hanay ng mga "consumer" na folk guitar. Ang sitwasyon sa merkado ay tulad na ang Gibson ay halos ang tanging kumpanya na gumagawa ng mura, ngunit de-kalidad na mga folk guitar. Ito ay lohikal na karamihan sa mga bluesmen, dahil sa kakulangan ng pera para sa isang bagay na mas perpekto, kinuha ang Gibsons sa kanilang mga kamay. Kaya hanggang ngayon ay hindi pa rin sila naghihiwalay sa kanila.

Ano ang nangyari sa jazz guitars? Sa pagdating ng mga pickup, lumabas na ang balanse at malinaw na tunog ng ganitong uri ng instrumento ang pinakaangkop para sa sistema ng amplification noong panahong iyon. Bagama't ang jazz guitar ay ganap na hindi katulad ng modernong Fender o Ibanez, malamang na hindi na nilikha ni Leo Fender ang kanyang Telecasters at Stratocaster. kung hindi muna ako nag-eksperimento sa mga jazz guitar at pickup. Siyanga pala, maya-maya ay tumugtog din ang electric blues at pinapatugtog sa mga jazz instrument na may mga pickup, nabawasan lang ang kapal ng katawan sa kanila. Ang isang kapansin-pansing halimbawa nito ay si B.B. King at ang kanyang sikat na Lussil guitar, na itinuturing ng marami ngayon na blues electric guitar standard.

Ang unang kilalang mga eksperimento sa pagpapalakas ng tunog ng gitara na may kuryente ay nagsimula noong 1923, nang ang inhinyero at imbentor na si Lloyd Loar ay nag-imbento ng electrostatic pickup na nagre-record ng mga vibrations ng resonator box ng mga stringed instruments.

Noong 1931, nag-imbento sina Georges Beauchamp at Adolph Rickenbacker ng isang electromagnetic pickup kung saan ang isang pulso ng kuryente ay dumaan sa paikot-ikot ng isang magnet, na lumilikha ng isang electromagnetic field kung saan ang signal mula sa isang vibrating string ay pinalakas. Sa pagtatapos ng 1930s, maraming mga eksperimento ang nagsimulang magsama ng mga pickup sa mas tradisyunal na hitsura ng Spanish hollow-body na gitara. Well, ang pinaka-radikal na opsyon ay iminungkahi ng gitarista at engineer na si Les Paul (Les Paul) - ginawa lang niya ang soundboard para sa gitara na monolitik.

Ito ay gawa sa kahoy at tinawag na simple - "Bar" (The Log). Sa isang solid o halos solidong piraso, nagsimulang mag-eksperimento ang ibang mga inhinyero. Mula noong 40s ng XX na siglo, ang parehong mga indibidwal na mahilig at malalaking kumpanya ay matagumpay na ginagawa ito.

Ang merkado ng mga tagagawa ng gitara ay patuloy na aktibong umuunlad, patuloy na nagpapalawak ng saklaw. At kung ang mga naunang "trendsetter" ay eksklusibong mga Amerikano, ngayon ang Yamaha, Ibanez at iba pang mga kumpanya ng Hapon ay matatag na sumasakop sa mga nangungunang posisyon, na ginagawa ang kanilang mga modelo at mahusay na mga kopya ng mga sikat na gitara sa mga pinuno sa produksyon.

Ang isang espesyal na lugar ay inookupahan ng gitara - at pangunahing nakuryente - sa musikang rock. Gayunpaman, halos lahat ng pinakamahusay na mga gitarista ng rock ay lumampas sa istilo ng musikang rock, na nagbibigay ng malaking pagpupugay sa jazz, at ang ilang mga musikero ay ganap na nasira sa rock. Walang nakakagulat dito, dahil ang pinakamahusay na mga tradisyon ng pagtugtog ng gitara ay puro sa jazz.

Ang isang napakahalagang punto ay iginuhit sa atensyon ni Joe Pass, na, sa kanyang kilalang jazz school, ay nagsusulat: "Ang mga klasikal na gitarista ay nagkaroon ng ilang siglo upang bumuo ng isang organiko, pare-parehong diskarte sa pagganap - ang "tama" na pamamaraan. Ang jazz guitar, ang plectrum guitar, ay lumitaw lamang sa ating siglo, at ang electric guitar ay isang bagong kababalaghan na nagsisimula pa lamang nating maunawaan ang mga kakayahan nito bilang isang ganap na instrumentong pangmusika. Sa ganitong mga pangyayari, ang naipon na karanasan, ang mga tradisyon ng jazz ng mastery ng gitara, ay partikular na kahalagahan.

Nasa maagang anyo na ng blues, "archaic", o "rural", na madalas ding tinatawag na English term na "country blues" (country blues), nabuo ang mga pangunahing elemento ng teknik ng gitara, na nagpasiya sa karagdagang pag-unlad nito. Ang mga hiwalay na pamamaraan ng mga gitarista ng blues ay naging batayan para sa pagbuo ng mga kasunod na istilo.

Ang pinakamaagang pag-record ng country blues ay itinayo noong kalagitnaan ng 20s, ngunit may lahat ng dahilan upang maniwala na, sa esensya, halos hindi ito naiiba sa orihinal na istilo na nabuo sa mga itim ng southern states (Texas, Louisiana, Alabama, atbp.).) noong 70-80s ng siglong XIX.

Kabilang sa mga namumukod-tanging singer-guitarist ng istilong ito ay si Blind Lemon Jefferson (1897-1930), na nagkaroon ng kapansin-pansing impluwensya sa maraming musikero sa susunod na panahon, at hindi lamang blues. Ang isang napakatalino na master ng guitar ragtime at blues ay si Blind Blake (Blind Blake, 1895 -1931), marami sa mga recording ay humanga pa rin sa kanilang mahusay na pamamaraan at talino sa paggawa ng mga improvisasyon. Si Blake ay wastong itinuturing na isa sa mga nagpasimula ng paggamit ng gitara bilang solong instrumento. Si Huddie Leadbetter, karaniwang kilala bilang Leadbelly (1888-1949) ay minsang tinawag na "ang hari ng labindalawang string na gitara". Minsan ay naglaro siya sa isang duet kasama si Jefferson, kahit na siya ay mas mababa sa kanya bilang isang performer. Ipinakilala ni Leadbelly ang mga katangian ng bass figure sa saliw - ang "wandering bass", na sa kalaunan ay malawakang ginagamit sa jazz.

Namumukod-tangi sa mga country-blues na gitarista na si Lonnie Johnson (Lonnie Johnson, 1889-1970), isang birtuoso na musikero, napakalapit sa jazz. Nag-record sila ng mahusay na mga blues na walang vocals, at madalas na naglaro siya bilang isang tagapamagitan, na nagpapakita hindi lamang ng mahusay na diskarte, kundi pati na rin ang natitirang mga kasanayan sa improvisational.

Ang isa sa mga tampok ng panahon ng Chicago sa pagbuo ng tradisyonal na jazz, na naging transisyonal sa swing, ay ang pagpapalit ng mga instrumento: sa halip na cornet, tuba at banjo, ang trumpeta, double bass at gitara ang nauna.

Kabilang sa mga dahilan nito ay ang paglitaw ng mga mikropono at ang electromechanical recording method: ang gitara sa wakas ay tumunog nang buo sa mga rekord. Ang isang mahalagang tampok ng Chicago jazz ay ang pagtaas ng papel ng solo improvisation. Dito naganap ang isang makabuluhang pagliko sa kapalaran ng gitara: ito ay naging isang ganap na solong instrumento.

Ito ay dahil sa pangalan ni Eddie Lang (Eddie Lang, totoong pangalan - Salvador Massaro), na nagpakilala sa pagtugtog ng gitara ng maraming mga diskarte sa jazz na tipikal ng iba pang mga instrumento - lalo na, ang katangian ng pagbigkas ng mga instrumentong pang-ihip. Nilikha din ni Eddie Lang ang jazz na istilo ng paglalaro bilang isang tagapamagitan, na kalaunan ay naging nangingibabaw. Una siyang gumamit ng plectrum guitar - isang espesyal na gitara para sa pagtugtog ng jazz, na naiiba sa karaniwang Espanyol sa kawalan ng isang bilog na rosette. Sa halip, may lumabas na mga ef sa deck, katulad ng mga violin, at isang naaalis na panel-shield na nagpoprotekta laban sa mga pick strike. Ang paglalaro ng Eddie Lang sa ensemble ay nakikilala sa pamamagitan ng isang malakas na paggawa ng tunog. Madalas siyang gumamit ng mga passing sound, chromatic sequence; minsan binago niya ang anggulo ng plectrum na may kaugnayan sa fingerboard, kaya nakakamit ang isang tiyak na tunog.

Ang katangian ng ugali ni Lang ay ang mga chord na may naka-mute na mga string, malupit na accent, parallel nonchord, whole-tone scales, idiosyncratic glissando, artificial harmonics, augmented chord progressions, at brass phrasing. Masasabi nating nasa ilalim ng impluwensya ni Eddie Lang na maraming mga gitarista ang nagsimulang magbigay ng higit na pansin sa mga bass notes sa mga chord at, kung maaari, makamit ang mas mahusay na voice leading. Ang pag-imbento ng electric guitar ay ang impetus para sa paglitaw ng mga bagong paaralan ng gitara at mga uso. Itinatag sila ng dalawang jazz guitarist: Charlie Christian sa America at Django Reinhardt

(Django Reinhardt) sa Europa

Sa kanyang aklat na "From Reg to Rock", ang sikat na kritiko ng Aleman na si I. Berendt ay sumulat: "Para sa isang modernong musikero ng jazz, ang kasaysayan ng gitara ay nagsisimula kay Charlie Christian. Sa kanyang dalawang taon sa eksena ng jazz, binago niya ang kanyang pagtugtog ng gitara. Siyempre, may mga gitarista na nauna sa kanya, pero, gayunpaman, ang gitara ay tumugtog bago si Christian at ang tumunog pagkatapos niya ay dalawang magkaibang instrumento.”

Pinaglaruan ni Charlie ang isang birtuosidad na tila hindi matamo ng kanyang mga kapanahon. Sa kanyang pagdating, ang gitara ay naging pantay na miyembro ng jazz ensembles. Siya ang unang nagpakilala ng solong gitara bilang ikatlong boses sa isang ensemble na may trumpeta at tenor saxophone, na pinalaya ang instrumento mula sa mga purong ritmikong function sa orkestra. Bago ang iba, napagtanto ni C. Christian na ang pamamaraan ng pagtugtog ng de-kuryenteng gitara ay makabuluhang naiiba sa mga pamamaraan ng pagtugtog ng acoustic. Sa pagkakatugma, nag-eksperimento siya sa nadagdagan at nabawasan na mga chord, nag-imbento ng mga bagong rhythmic pattern para sa pinakamahusay na jazz melodies (evergreens). Sa mga sipi, madalas siyang gumamit ng mga add-on sa ikapitong chord, na tumatak sa mga tagapakinig na may melodic at rhythmic na talino sa paglikha. Siya ang unang bumuo ng kanyang mga improvisasyon, hindi umaasa sa pagkakaisa ng tema, ngunit sa pagpasa ng mga chord, na inilagay niya sa pagitan ng mga pangunahing. Sa melodic sphere, ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng legato sa halip na hard staccato.

C. Ang pagganap ni Christian ay palaging nakikilala sa pamamagitan ng pambihirang kapangyarihan nito sa pagpapahayag, na sinamahan ng matinding indayog. Sinasabi ng mga teorista ng jazz na sa kanyang pagtugtog ay inaasahan niya ang paglitaw ng isang bagong istilong jazz na bebop (be-bop) at isa sa mga lumikha nito.

Kasabay ni Christian, isang mahusay na jazz guitarist na si Django Reinhardt ang sumikat sa Paris. Si Charlie Christian, habang gumaganap pa rin sa mga club sa Oklahoma, ay hinahangaan si Django at madalas na paulit-ulit na nota para sa tala ang kanyang mga solo na naitala sa mga rekord, bagaman ang mga musikero na ito ay naiiba nang husto sa isa't isa sa paraan ng pagtugtog. Maraming kilalang musicologist at jazz artist ang nagsalita tungkol sa kontribusyon ni Django sa pagbuo ng istilo ng jazz ng pagtugtog ng gitara at ang kanyang kahusayan. Ayon kay D. Ellington, “Si Django ay isang super artist. Ang bawat nota na kanyang kinukuha ay isang kayamanan, ang bawat kuwerdas ay katibayan ng kanyang hindi matitinag na lasa.

Naiiba si Django sa iba pang mga gitarista sa kanyang nagpapahayag, mayamang tunog at kakaibang istilo ng pagtugtog, na may mahabang indayog pagkatapos ng ilang hakbang, biglaang mabilis na mga sipi, matatag at may matinding impit na ritmo. Sa mga sandali ng kasukdulan, madalas siyang naglalaro sa mga octaves.

Ang ganitong uri ng pamamaraan ay hiniram mula sa kanya ni C. Christian, at labindalawang taon mamaya - ni W. Montgomery. Sa mabilis na mga piraso, nagawa niyang lumikha ng gayong apoy at presyon, na dati ay natagpuan lamang sa pagganap sa mga instrumento ng hangin. Sa mga mabagal, siya ay madaling kapitan ng preluding, at rhapsody, malapit sa Negro blues. Si Django ay hindi lamang isang mahusay na soloista ng birtuoso, ngunit isa ring mahusay na accompanist. Nauna siya sa marami sa kanyang mga kontemporaryo sa paggamit ng minor seventh chords, diminished, augmented at iba pang passing chords. Binigyang-pansin ni Django ang pagkakatugma ng mga harmonic scheme ng mga piraso, kadalasang binibigyang-diin na kung ang lahat ay tama at lohikal sa mga pagkakasunud-sunod ng chord, kung gayon ang melody ay dadaloy nang mag-isa.

Bilang accompanist, madalas siyang gumamit ng mga chord na ginagaya ang tunog ng brass section. Ang kontribusyon nina Charlie Christian at Django Reinhardt sa kasaysayan ng jazz guitar ay napakahalaga. Ang dalawang natitirang musikero na ito ay nagpakita ng hindi mauubos na mga posibilidad ng iyong instrumento hindi lamang sa saliw, kundi pati na rin sa improvisational na solo, na paunang natukoy ang mga pangunahing direksyon para sa pagbuo ng pamamaraan ng pagtugtog ng electric guitar para sa maraming taon na darating.

Ang tumaas na papel ng gitara bilang solong instrumento ay humantong sa pananabik ng mga performer na tumugtog sa maliliit na ensembles (combos). Dito naramdaman ng gitarista na isang ganap na miyembro ng ensemble, na gumaganap ng mga tungkulin ng isang accompanist at isang soloist. Ang katanyagan ng gitara ay lumalawak araw-araw, parami nang parami ang mga mahuhusay na jazz guitarist na lumitaw, at ang bilang ng mga malalaking banda ay nanatiling limitado. Bilang karagdagan, maraming mga pinuno at tagapag-ayos ng malalaking orkestra ay hindi palaging ipinakilala ang gitara sa seksyon ng ritmo. Sapat na sabihin, halimbawa,

Duke Ellington, na hindi gustong pagsamahin ang tunog ng gitara at piano sa saliw. Gayunpaman, kung minsan ang "mekanikal" na gawain, na nagsisilbi upang mapanatili ang ritmo sa isang malaking banda, ay nagiging isang tunay na sining ng jazz. Pinag-uusapan natin ang tungkol sa isa sa mga nangungunang kinatawan ng chord-rhythm style ng pagtugtog ng gitara na Freddie Green.

Isang virtuoso chordal technique, isang kahanga-hangang pakiramdam ng pag-indayog, isang masarap na panlasa sa musika ang nakikilala sa kanyang pagtugtog. Halos hindi siya nag-iisa, ngunit sa parehong oras ay madalas siyang inihambing sa isang tugboat, na sumasama sa buong orkestra.

Ito ay si Freddie Green na, sa isang malaking lawak, ay may utang sa malaking banda ng Count Basie ng isang hindi pangkaraniwang compactness ng seksyon ng ritmo, emancipation at conciseness ng laro. Malaki ang impluwensya ng master na ito sa mga gitarista na mas gusto ang accompaniment at chordal improvisation kaysa sa laro ng mahabang sipi at monophonic improvisation. Ang gawa nina Charlie Christian, Django at Freddie Green ay bumubuo, kumbaga, tatlong sangay ng jazz guitar family tree. Gayunpaman, dapat na banggitin ang isa pang direksyon, na medyo magkahiwalay, ngunit sa ating panahon ay nakakakuha ng higit at higit na pagkilala at pamamahagi.

Ang katotohanan ay hindi lahat ng mga gitarista ay natagpuan ang istilo ni Ch. Christian na katanggap-tanggap, kung saan ang mga kamay ay nakuha ng gitara ang tunog ng mga instrumentong pang-ihip ng hangin (hindi aksidente na marami, na nakikinig sa mga pag-record ni Charlie Christian, ay napagkamalan na ang boses ng kanyang gitara ay isang saxophone). Una sa lahat, ang kanyang estilo ay imposible para sa mga naglalaro ng mga daliri sa mga acoustic guitar.

Marami sa mga diskarteng binuo ni C. Christian (mahabang legato, mahabang improvisational na linya na walang harmonic support, sustained notes, bends, bihirang paggamit ng open strings, atbp.) ay hindi epektibo para sa kanila, lalo na kapag tumutugtog ng mga instrument na may mga nylon string. Bilang karagdagan, lumitaw ang mga gitarista na pinagsama ang klasikal, pagtugtog ng gitara, flamenco at mga elemento ng Latin American na musika sa jazz sa kanilang malikhaing paraan. Pangunahing kasama sa mga ito ang dalawang natatanging musikero ng jazz: Laurindo Almeida (Laurindo Almeida) at Charlie Byrd (Charlie Byrd), na ang trabaho ay nakaimpluwensya sa maraming klasikal na gitarista, na nagpapakita sa pagsasanay ng walang limitasyong mga posibilidad ng acoustic guitar. Sa magandang dahilan, maaari silang ituring na mga tagapagtatag ng istilong "classical guitar in jazz".

Ang Negro na gitarista na si Wes John Leslie Montgomery ay isa sa pinakamagagandang musikero na lumitaw sa eksena ng jazz mula noong C. Christian. Siya ay ipinanganak noong 1925 sa Indianapolis; Naging interesado lang siya sa gitara sa edad na 19 sa ilalim ng impluwensya ng mga rekord ni Charlie Christian at ang sigasig ng kanyang mga kapatid na sina Buddy at Monk, na tumugtog ng piano at double bass sa orkestra ng sikat na vibraphonist na si Lionel Hampton. Nagawa niyang makamit ang isang hindi pangkaraniwang mainit, "velvety" na tunog (gamit ang hinlalaki ng kanyang kanang kamay sa halip na isang pick) at nakabuo ng octave technique sa isang lawak na siya ay nagsagawa ng buong improvisational chorus sa mga octaves nang may kamangha-manghang kadalian at kadalisayan, madalas sa patas. mabilis ang tempo. Ang kanyang husay ay humanga sa magkapareha kaya pabiro nilang binansagan si Wes na "Mr. Octave." Ang unang disc na may recording ni W. Montgomery ay inilabas noong 1959 at agad na nagdala ng tagumpay at malawak na pagkilala sa gitarista. Ang mga mahilig sa jazz ay nabigla sa husay ng kanyang pagtugtog, pino at pinipigilang artikulasyon, melodiousness ng mga improvisasyon, isang palaging pakiramdam ng mga blues na intonasyon at isang matingkad na pakiramdam ng swing ritmo. Ang kumbinasyon ni Wes Montgomery ng isang solong electric guitar na may tunog ng isang malaking orkestra, kabilang ang isang string group, ay napaka-interesante.

Karamihan sa mga kasunod na gitarista ng jazz - kabilang ang mga sikat na musikero gaya ni Jim Hall, Joe Pass, John McLaughlin, George Benson, Larry Coryell - ay kinilala ang malaking impluwensya ni Wes Montgomery sa kanilang trabaho. Nasa 40s na, ang mga pamantayang binuo ng swing ay tumigil upang masiyahan ang maraming musikero. Itinatag clichés sa pagkakatugma ng anyo ng kanta, bokabularyo, madalas na nabawasan sa direktang quotation ng natitirang mga masters ng jazz, ritmikong monotony at ang paggamit ng swing sa komersyal na musika ay naging isang preno sa karagdagang pag-unlad ng genre. Pagkatapos ng "golden period" ng swing, oras na para maghanap ng bago, mas advanced na mga form. Parami nang parami ang mga bagong direksyon, na, bilang panuntunan, ay pinagsama ng isang karaniwang pangalan - modernong jazz (Modern Jazz). Kabilang dito ang bebop ("jazz-staccato"), hard bop, progressive, cool, third current, bossa nova at Afro-Cuban jazz, modal jazz, jazz-rock, free jazz, fusion at ilang iba pa: Ang ganitong pagkakaiba-iba, impluwensya sa isa't isa at ang pagpasok sa isa't isa ang iba't ibang agos ay nagpapalubha sa pagsusuri ng gawain ng mga indibidwal na musikero, lalo na't marami sa kanila sa isang pagkakataon ay naglaro sa iba't ibang paraan. Kaya, halimbawa, sa mga pag-record ni Ch. Byrd ay mahahanap ang boss nova, blues, swung theme, arrangement ng mga classic, at country rock, at marami pang iba. Sa laro ng B. Kessel - swing, bebop, bossa nova, mga elemento ng modal jazz, atbp. Ito ay katangian na ang mga jazz guitarist mismo ay madalas na tumutugon nang husto sa mga pagtatangka na uriin sila bilang isa o isa pang direksyon ng jazz, na isinasaalang-alang na ito ay isang primitive na diskarte sa pagtatasa ng kanilang trabaho. Ang ganitong mga pahayag ay matatagpuan sa Larry Coryell, Joe Pass, John McLaughlin at iba pa.

2 .2 Pangunahinmga direksyonpop-jazzpagganap60-70 - Xtaon

Gayunpaman, ayon sa isa sa mga kritiko ng jazz, si I. Berendt, sa gilid ng 60s-70s, apat na pangunahing direksyon ang nabuo sa modernong pagganap ng gitara: 1) mainstream (pangunahing stream); 2) jazz-rock; 3) direksyon ng blues; 4) bato. Ang pinakakilalang kinatawan ng mainstream ay maaaring ituring na Jim Hall, Kenny Burrell at Joe Pass. Si Jim Hall, ang "poet of jazz" na madalas niyang tawagin, ay kilala at minamahal ng publiko mula noong huling bahagi ng 50s at hanggang sa kasalukuyan.

Ang "Jazz guitar virtuoso" ay tinatawag na Joe Pass (Joe Pass, buong pangalan na Joseph Anthony Jacoby Passalaqua). Inilagay siya ng mga kritiko sa isang par sa mga musikero tulad nina Oscar Peterson, Ella Fitzgerald at Barney Kessel. Ang kanyang duet records kasama sina Ella Fitzgerald at Herb Ellis, ang trio kasama sina Oscar Peterson at bassist na si Nils Pederson, at lalo na ang kanyang mga solo disc na "Joe Pass the Virtuoso" ay nagtatamasa ng mahusay na tagumpay. Si Joe Pass ay isa sa pinakakawili-wili at maraming nalalamang jazz guitarist sa tradisyon nina Jacgo Reinhardt, Charlie Christian at Wes Montgomery. Ang kanyang trabaho ay hindi gaanong naiimpluwensyahan ng mga bagong uso ng modernong jazz: mas gusto niya ang bebop. Kasama ng mga aktibidad sa konsiyerto, marami at matagumpay na nagturo si Joe Pass, nai-publish na mga gawang pamamaraan, kung saan ang kanyang paaralan na "Joe Pass Guitar Style" ay sumasakop sa isang espesyal na lugar na "2E

Gayunpaman, hindi lahat ng jazz guitarist ay tapat sa "mainstream". Kabilang sa mga namumukod-tanging musikero na nakakaakit sa bago sa pagbuo ng jazz, dapat itong pansinin sina George Benson, Carlos Santana, Ola di Meola. Ang Mexicanong musikero na si Carlos Santana (Carlos Santana, ipinanganak noong 1947) ay gumaganap sa istilong "Latin rock", batay sa pagganap ng mga ritmo ng Latin American (samba, rumba, salsa, atbp.) sa mabatong paraan, na sinamahan ng mga elemento ng flamenco .

Si George Benson ay ipinanganak noong 1943 sa Pittsburgh at noong bata pa siya ay kumanta siya ng blues at tumugtog ng gitara at banjo. Sa edad na 15, nakatanggap si George ng isang maliit na electric guitar bilang isang regalo, at sa 17, pagkatapos ng pagtatapos sa paaralan, bumuo siya ng isang maliit na rock and roll band kung saan siya kumanta at tumugtog. Makalipas ang isang taon, dumating sa Pittsburgh ang jazz organist na si Jack McDuff. Ngayon, itinuturing ng ilang eksperto ang kanyang mga unang recording kasama si Jack McDuff bilang pinakamahusay sa buong discography ni Benson. Si Benson ay lubhang naimpluwensyahan ng gawain nina Django Reinhardt at Wes Montgomery, lalo na ang pamamaraan ng huli.

Kabilang sa mga gitarista ng bagong henerasyon na tumutugtog ng jazz-rock, at pagbuo ng medyo bagong istilo ng jazz - fusion, namumukod-tangi ang Ol di Meola (AI di Meola). Ang hilig ng batang musikero para sa jazz guitar ay nagsimula sa pakikinig sa isang recording ng isang trio na nagtatampok kay Larry Coryell (na, nagkataon, pinalitan ni Al di Meola sa parehong line-up makalipas ang ilang taon). Nasa edad na 17 siya ay nakikilahok sa mga pag-record kasama si Chick Corea. Mahusay na tumugtog ng gitara si Ol di Meola - parehong gamit ang kanyang mga daliri at may plectrum. Ang aklat-aralin na "Mga katangian ng pamamaraan ng pagtugtog ng gitara ng isang tagapamagitan" na isinulat niya ay lubos na pinahahalagahan ng mga espesyalista.

Ang talentadong gitarista na si Larry Coryell ay kabilang din sa mga innovator sa ating panahon.

Sa katunayan, pagkatapos ng Django, isang European guitarist lamang ang nakamit ang walang kondisyong pagkilala sa buong mundo at naimpluwensyahan ang pag-unlad ng jazz sa pangkalahatan - ang Englishman na si John McLaughlin. Ang kasagsagan ng kanyang talento ay nahuhulog sa unang kalahati ng dekada 70 ng ikadalawampu siglo - isang panahon kung saan mabilis na pinalawak ng jazz ang mga hangganan ng istilo nito, pinagsama sa musikang rock, mga eksperimento sa musikang elektroniko at avant-garde, at iba't ibang tradisyon ng katutubong musika. Ito ay hindi nagkataon na hindi lamang mga tagahanga ng jazz ang itinuturing na "kanilang sarili" si McLaughlin: makikita natin ang kanyang pangalan sa anumang encyclopedia ng rock music. Noong unang bahagi ng 1970s, inorganisa ni McLaughlin ang orkestra ng Mahavishnu (Great Vishnu). Bilang karagdagan sa mga keyboard, gitara, drum at bass, ipinakilala niya ang biyolin sa komposisyon nito. Sa orkestra na ito, ang gitarista ay nagtala ng isang bilang ng mga rekord, na masigasig na tinanggap ng publiko. Pansinin ng mga reviewer ang virtuosity ng McLaughlin, innovation sa arrangement, freshness ng sound, dahil sa paggamit ng mga elemento ng Indian music. Ngunit ang pangunahing bagay ay ang hitsura ng mga disc na ito ay nagmamarka ng pagtatatag at pag-unlad ng isang bagong trend ng jazz: jazz-rock.

Sa kasalukuyan, maraming mga natatanging gitarista ang lumitaw na nagpapatuloy at nagpapataas ng mga tradisyon ng mga masters ng nakaraan. Ang malaking kahalagahan para sa kultura ng pop-jazz sa mundo ay ang gawain ng pinakasikat na estudyante ng Jimm Hall - si Pat Mattini. Ang kanyang mga makabagong ideya ay lubos na nagpayaman sa melodic-harmonic na wika ng modernong pop music. Gusto ko ring tandaan ang makikinang na pagganap at pagtuturo ng mga aktibidad nina Mike Stern, Frank Gambal, Joe Satriani, Steve Vai, mag-aaral ni Joe Pass na si Lee Ritenour at marami pang iba.

Kung tungkol sa pag-unlad ng sining ng pagtugtog ng pop-jazz (electric at acoustic) na gitara sa ating bansa, hindi ito magiging posible nang walang maraming taon ng matagumpay na gawaing pang-edukasyon at pang-edukasyon ni V. Manilov, V. Molotkov, A. Kuznetsov. , A. Vinitsky, pati na rin ang kanilang mga tagasunod na sina S. Popov, I. Boyko at iba pa. Ang malaking kahalagahan ay ang aktibidad na gumaganap ng konsiyerto ng mga musikero tulad ng: A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Chetvergov, T. Kvitelashvili, A. Chumakov, V. Zinchuk at marami pang iba. Ang pagkakaroon ng nawala mula sa blues hanggang sa jazz-rock, ang gitara ay hindi lamang naubos ang mga posibilidad nito, ngunit, sa kabaligtaran, ay nanalo ng pamumuno sa maraming bagong direksyon ng jazz. Ang mga nakamit sa larangan ng acoustic at electrified guitar playing techniques, ang paggamit ng electronics, ang pagsasama ng mga elemento ng flamenco, classical na istilo, atbp. ay nagbibigay ng dahilan upang isaalang-alang ang gitara na isa sa mga nangungunang instrumento ng ganitong genre ng musika. Kaya naman napakahalaga para sa bagong henerasyon ng mga musikero na pag-aralan ang karanasan ng kanilang mga nauna - mga jazz guitarist. Sa batayan lamang na ito posible na maghanap para sa isang indibidwal na istilo ng pagganap ng pagtugtog, mga paraan ng pagpapabuti sa sarili at karagdagang pag-unlad ng pop-jazz na gitara.

natuklasan

Sa ating panahon, ang paksa ng pagbuo ng mga kasanayan sa pagganap sa isang 6-string na gitara ay nananatiling may kaugnayan, dahil sa ngayon ay maraming mga paaralan at mga sistema ng pagsasanay. Kasama sa mga ito ang iba't ibang direksyon, mula sa klasikal na paaralan ng paglalaro, hanggang sa jazz, Latin, mga blues na paaralan.

Sa pagbuo ng jazz stylistics, ang isang napakahalagang papel ay ginampanan ng isang tiyak na instrumental na pamamaraan, na katangian ng paggamit ng jazz ng instrumento at ang mga nagpapahayag na kakayahan nito - melodic, intonational, rhythmic, harmonic, atbp. Ang blues ay may mahalagang papel sa pagbuo ng jazz. Sa turn, "isa sa mga mapagpasyang kadahilanan sa pagkikristal ng mga blues mula sa mas maaga at hindi gaanong pormal na mga uri ng Negro folklore ay ang 'pagtuklas' ng gitara sa medium na ito."

Ang kasaysayan ng pag-unlad ng sining ng gitara ay alam ang maraming pangalan ng mga gitarista-guro, kompositor at performer na lumikha ng maraming kagamitan sa pagtuturo para sa pag-aaral na tumugtog ng gitara, marami sa kanila nang direkta o hindi direktang nauugnay sa problema ng pagbuo ng pag-iisip ng daliri.

Sa katunayan, sa ating panahon, ang konsepto ng isang gitarista ay kinabibilangan ng karunungan sa parehong mga pangunahing klasikal na diskarte, parehong base, at ang kakayahan at pag-unawa sa estilo na kasama ng mga pag-andar, ang kakayahang tumugtog at mag-improvise ayon sa digital, lahat ng mga subtleties at mga tampok ng blues at jazz thinking.

Sa kasamaang palad, sa kamakailang mga panahon, ang media ay nagbigay ng napakakaunting impluwensya hindi lamang sa seryosong klasikal, kundi pati na rin sa mga hindi pangkomersyal na uri ng pop-jazz na musika.

Listahanginamitpanitikan

1. Bakhmin A.A. Manwal sa pagtuturo sa sarili para sa pagtugtog ng anim na string na gitara / A.A. Bakhmin. M.: ASS-center, 1999.-80 p.

2. Boyko I.A. Improvisasyon sa electric guitar. Bahagi 2 "Mga Batayan ng pamamaraan ng chord" - M.; Hobby Center, 2000-96 p.;

3. Boyko I.A. Improvisasyon sa electric guitar. Bahagi 3 "Progresibong paraan ng improvisasyon" - M.; Hobby Center, 2001-86 p.

4. Boyko I.A. Improvisasyon sa electric guitar. Bahagi 4 "Pentatonic at ang mga nagpapahayag na posibilidad nito" - M.; Hobby Center, 2001 - 98 p.; may sakit.

5. Brandt V.K. Mga pangunahing kaalaman sa pamamaraan ng isang pop ensemble guitarist / Gabay sa pang-edukasyon at pamamaraan para sa mga paaralan ng musika - M. 1984 - 56 p.

6. Dmitrievsky Yu.V. / Gitara mula blues hanggang jazz-rock / Yu.V. Dmitrievsky - M.: Musical Ukraine, 1986. - 96 p.

7. Ivanov-Kramskoy A.M. School of playing the six-string guitar / A.M. Ivanov-Kramskoy. - M.: Sov. Kompositor, 1975. - 120 p.

8. Manilov V.A. Matutong sumabay sa gitara / V.A. Manilov. - K .: Musical Ukraine, 1986. - 105 p.

9. Pass, D. Guitar style ng Joe Pass / Joe Pass, Bill Thrasher / Comp.: "Guitar College" - M .: "Guitar College", 2002 - 64 p.; may sakit.

10. Popov, S. Batayan / Comp.; "Guitar College" - M.; "Guitar College", 2003 - 127p.;

11. Puhol M. School of playing the six-string guitar / Per. at ang tanggapan ng editoryal ng N. Polikarpov - M.; Mga kuwago. Kompositor, 1987 - 184 p.

12. Al Di Meola "Technique of playing with a mediator"; Per. / Comp.; GIInform

13. Yalovets A. Django Reichard - "Krugozor", M.; 1971 No. 10 - p. 20-31

Naka-host sa Allbest.ru

Mga Katulad na Dokumento

Pag-unlad at paggamit ng pagkakatugma at himig ng jazz music sa modernong pop-jazz na pagganap at pedagogy. Jazz melody sa istilo ng be-bop. Mga praktikal na rekomendasyon para sa pag-optimize ng trabaho ng isang pop vocalist sa jazz repertoire.

thesis, idinagdag noong 07/17/2017


Mga tampok ng pagsulat, pagsasagawa ng melisma sa iba't ibang yugto ng panahon, ang mga sanhi ng melisma. Ang paggamit ng musical technique sa vocal pop-jazz performance. Mga pagsasanay para sa pagbuo ng mahusay na pamamaraan ng boses sa mga bokalista.

thesis, idinagdag noong 11/18/2013


Mga natatanging tampok ng musikal na kultura ng Renaissance: ang paglitaw ng mga anyo ng kanta (madrigal, villancico, frottol) at instrumental na musika, ang paglitaw ng mga bagong genre (solo song, cantata, oratorio, opera). Ang konsepto at pangunahing uri ng texture ng musika.

abstract, idinagdag noong 01/18/2012


Pagbuo ng musika bilang isang anyo ng sining. Mga makasaysayang yugto ng pagbuo ng musika. Ang kasaysayan ng pagbuo ng musika sa mga pagtatanghal sa teatro. Ang konsepto ng "genre ng musika". Mga dramatikong pag-andar ng musika at ang mga pangunahing uri ng mga katangian ng musika.

abstract, idinagdag noong 05/23/2015


Ang mekanismo ng pagbuo ng klasikal na musika. Ang paglago ng klasikal na musika mula sa sistema ng speech musical statement (expression), ang kanilang pagbuo sa mga genre ng musical art (chorals, cantatas, opera). Musika bilang isang bagong artistikong komunikasyon.

abstract, idinagdag noong 03/25/2010


Ang pagsilang ng kulturang rock sa mundo: "bansa", "ritmo at blues", "rock and roll". Ang bukang-liwayway ng rock and roll glory at ang pagbaba nito. Ang paglitaw ng istilong rock. Kasaysayan ng maalamat na pangkat na "The Beatles". Mga maalamat na rock star. Ang mga hari ng mga gitara, ang pagbuo ng matigas na bato.

abstract, idinagdag noong 06/08/2010


Mga tradisyon ng katutubong kultura sa musikal na pagpapalaki at edukasyon ng mga bata. Ang pagtugtog ng mga instrumentong pangmusika bilang isang uri ng aktibidad sa musika para sa mga preschooler. Mga rekomendasyon sa paggamit ng instrumental na kultura para sa pagpapaunlad ng mga kakayahan sa musika ng mga bata.

thesis, idinagdag noong 05/08/2010


Ang lugar ng rock music sa mass musical culture ng XX century, ang emosyonal at ideolohikal na epekto nito sa madla ng kabataan. Ang kasalukuyang estado ng Russian rock sa halimbawa ng trabaho ni V. Tsoi: personalidad at pagkamalikhain, ang misteryo ng isang kultural na kababalaghan.

term paper, idinagdag noong 12/26/2010


Ang mga kakaibang katangian ng modernong socio-cultural na sitwasyon na nakakaimpluwensya sa proseso ng pagbuo ng musikal at aesthetic na kultura ng isang mag-aaral, ang teknolohiya ng pag-unlad nito sa mga aralin sa musika. Mga mabisang pamamaraan na nag-aambag sa edukasyon ng kultura ng musika sa mga kabataan.

thesis, idinagdag noong 07/12/2009


Synthesis ng mga kultura at tradisyon ng Africa at European. Ang pagbuo ng jazz, ang pagbuo ng mga bagong ritmo at harmonic na modelo ng mga musikero at kompositor ng jazz. Jazz sa Bagong Mundo. Mga genre ng jazz music at ang mga pangunahing tampok nito. Mga musikero ng jazz ng Russia.

Kabanata I. Klasikal na gitara: ang kasaysayan ng paglikha, pagpapabuti at paggana.

§ 1. Kasaysayan ng sining ng gitara sa Kanlurang Europa.

§ 2. Kasaysayan ng klasikal na pagganap ng gitara sa Russia.

§ 3. Klasikong gitara sa mga lalawigan ng Russia.

Kabanata II. Akademikong sining ng klasikal na pagtugtog ng gitara: kakanyahan, istraktura, mga pag-andar.

§ 1. Kakanyahan, istraktura at mga tungkulin ng akademikong sining ng pagganap.

§ 2. Propesyonal na pagganap bilang unang bahagi ng akademikong sining.

§ 3. Ang sistema ng bokasyonal na edukasyon bilang pangalawang bahagi ng akademikong sining.

§ 4. Ang istraktura ng klasikal na repertoire ng gitara bilang ikatlong bahagi ng akademikong sining.

Kabanata III. Klasikong gitara sa sistema ng pambansang propesyonal na edukasyong pangmusika.

§ 1. Ang modernong sistema ng bokasyonal na pagsasanay sa pagtugtog ng klasikal na gitara sa Russia.

§ 2. Modelong pang-edukasyon bilang isang paraan ng pagbuo ng isang propesyonal na klasikal na manlalaro ng gitara.

§ 3. Impormasyon at mga teknolohiya sa kompyuter sa sistema ng propesyonal na edukasyon sa musika.

Panimula sa thesis (bahagi ng abstract) sa paksang "Classical guitar in Russia: sa problema ng academic status"

Konklusyon ng disertasyon sa paksang "Musical Art", Ganeev, Vitaly Rinatovich

Listahan ng mga sanggunian para sa pananaliksik sa disertasyon kandidato ng pagpuna sa sining Ganeev, Vitaly Rinatovich, 2006

Pakitandaan na ang mga siyentipikong teksto na ipinakita sa itaas ay nai-post para sa pagsusuri at nakuha sa pamamagitan ng orihinal na dissertation text recognition (OCR). Kaugnay nito, maaaring maglaman ang mga ito ng mga error na nauugnay sa di-kasakdalan ng mga algorithm ng pagkilala. Walang ganoong mga error sa mga PDF file ng mga disertasyon at abstract na inihahatid namin.

Ignaz Geld

Andrey Osipovich Sikhra

Semyon Nikolaevich Aksenov

Vasily Stepanovich Sarenko

Vladimir Ivanovich Morkov

Mikhail Timofeevich Vysotsky

Alexander Petrovich Solovyov

Valerian Alekseevich Rusanov