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Kunstkritiker geben Edward Hopper unterschiedliche Namen. "Künstler leere Räume“, „Dichter der Zeit“, „düsterer sozialistischer Realist“. Aber egal, welchen Namen Sie wählen, es ändert nichts an der Essenz: Hopper ist einer von ihnen die klügsten Vertreter Amerikanische Malerei, deren Werke niemanden gleichgültig lassen können.

Tankstelle, 1940

Die amerikanische Kreativmethode entwickelte sich während der „Großen Depression“ in den Vereinigten Staaten. Verschiedene Forscher von Hoppers Werk neigen dazu, in seinen Werken Anklänge an die Schriftsteller Tennessee Williams, Theodore Dreiser, Robert Frost, Jerome Selinger und die Künstler DeCirco und Delvaux zu finden. Später sehen sie in den Filmwerken von David Lynch eine Widerspiegelung seiner Arbeit. ..

Es ist nicht sicher bekannt, ob einer dieser Vergleiche tatsächlich eine Grundlage hat, aber eines ist klar: Edward Hopper hat es auf sehr subtile Weise geschafft, den Zeitgeist darzustellen, indem er ihn in den Posen der Charaktere und in den leeren Räumen von seine Leinwände in einem einzigartigen Farbschema.

Dieser gilt als Vertreter des magischen Realismus. Tatsächlich sind seine Charaktere und die Umgebung, in die er sie versetzt, im alltäglichen Sinne äußerst einfach. Dennoch spiegeln seine Leinwände immer eine Art Understatement wider, spiegeln immer einen verborgenen Konflikt wider, der das meiste hervorbringt unterschiedliche Interpretationen. Manchmal bis zur Absurdität. Beispielsweise wurde sein Gemälde „Nachtkonferenz“ von einem Sammler an den Verkäufer zurückgegeben, weil er darin eine versteckte kommunistische Verschwörung sah.

Abendtreffen, 1949

Am meisten berühmtes Gemälde Hopper – „Nachteulen“. Einst hing eine Reproduktion davon im Zimmer fast jedes amerikanischen Teenagers. Die Handlung des Bildes ist äußerst einfach: Im Fenster eines Nachtcafés sitzen drei Besucher an der Bartheke und werden von einem Barkeeper bedient. Es scheint, dass es nichts Bemerkenswertes gibt, aber jeder, der das Gemälde des amerikanischen Künstlers betrachtet, spürt fast körperlich das transzendente, schmerzende Gefühl der Einsamkeit eines Menschen große Stadt.

Nachteulen, 1942

Hoppers magischer Realismus wurde einst von seinen Zeitgenossen nicht akzeptiert. Angesichts des allgemeinen Trends zu „interessanteren“ Methoden – Kubismus, Surrealismus, Abstraktionismus – wirkten seine Bilder langweilig und ausdruckslos.
„Sie können es einfach nicht verstehen- sagte Hopper, - dass die Originalität des Künstlers keine modische Methode ist. Das ist die Essenz seiner Persönlichkeit.“

Heute gilt sein Werk nicht nur in der amerikanischen Geschichte als Meilenstein Schöne Künste, Aber gemeinsam, der Geist seiner Zeit. Einer seiner Biographen schrieb einmal: „Nachkommen werden aus den Gemälden von Edward Hopper mehr über diese Zeit erfahren als aus jedem Lehrbuch.“ Und vielleicht hat er in gewisser Weise recht.

Hopper, Edward (1882 - 1967)

Hopper, Edward

Edward Hopper wurde am 22. Juli 1882 geboren. Er war das zweite Kind von Garrett Henry Hopper und Elizabeth Griffith Smith. Nach der Hochzeit lässt sich das junge Paar in Nyack nieder, einer kleinen, aber wohlhabenden Hafenstadt in der Nähe von New York, unweit von Elizabeths verwitweter Mutter. Dort zog das Baptistenpaar Hoppers seine Kinder groß: Marion, geboren 1880, und Edward. Entweder aufgrund einer natürlichen Neigung des Charakters oder aufgrund einer strengen Erziehung wird Edward still und zurückgezogen aufwachsen. Wann immer es möglich ist, wird er lieber in den Ruhestand gehen.

Die Kindheit des Künstlers

Eltern und insbesondere die Mütter wollten ihren Kindern etwas geben gute Ausbildung. Ich versuche mich weiterzuentwickeln Kreativität Elizabeth lässt ihre Kinder in die Welt der Bücher, des Theaters und der Künste eintauchen. Mit seiner Hilfe wurden Theateraufführungen und kulturelle Gespräche organisiert. Der Bruder und die Schwester verbrachten viel Zeit mit Lesen in der Bibliothek ihres Vaters. Edward lernt die Werke amerikanischer Klassiker kennen und liest Übersetzungen russischer und französischer Schriftsteller.

Der junge Hopper begann sich schon sehr früh für Malerei und Zeichnung zu interessieren. Er bildet sich weiter, indem er die Illustrationen von Phil May und dem französischen Zeichner Gustave Doré (1832-1883) kopiert. Der Autor des ersten selbständiges Arbeiten Edward wird zehn Jahre alt.

Aus den Fenstern seines auf einem Hügel gelegenen Hauses bewundert der Junge die Schiffe und Segelboote, die in der Hudson Bay fahren. Meereslandschaft wird ihm zeitlebens eine Quelle der Inspiration bleiben – der Blick auf die Ostküste der Vereinigten Staaten wird der Künstler nie vergessen und in seinen Werken immer wieder darauf zurückkommen. Im Alter von fünfzehn Jahren baute er sein eigenes Segelboot aus Teilen, die ihm sein Vater zur Verfügung gestellt hatte.

Nachdem er an einer Privatschule studiert hat, tritt Edward ein Gymnasium in Nyack, wo er 1899 seinen Abschluss machte. Hopper ist siebzehn Jahre alt und hat einen brennenden Wunsch: Künstler zu werden. Auch seine Eltern, die die kreativen Bemühungen ihres Sohnes stets unterstützten, waren mit seiner Entscheidung zufrieden. Sie empfehlen, das Studium mit Grafik oder noch besser mit Zeichnen zu beginnen. Auf ihren Rat hin schrieb sich Hopper zunächst an der Correspondence School of Illustrating in New York ein, um den Beruf des Illustrators zu erlernen. Im Jahr 1900 trat er dann in die New York School of Art ein, die im Volksmund Chase School genannt wurde, wo er bis 1906 studierte. Sein dortiger Lehrer war Professor Robert Henry (1865-1929), ein Maler, dessen Werk hauptsächlich von Porträts geprägt war. Edward war ein fleißiger Schüler. Dank seines Talents erhielt er zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen. Im Jahr 1904 veröffentlichte die Buchzeitschrift The Sketch einen Artikel über die Aktivitäten der Chase School. Der Text wurde mit einem Stück von Hopper illustriert, das ein Modell darstellt. Allerdings wird der Künstler noch viele Jahre warten müssen, bis er in den Genuss von Erfolg und Ruhm kommt.

Der unwiderstehliche Charme von Paris

1906, nach seinem Schulabschluss, bekam Hopper eine Anstellung im Werbebüro von CC Philips and Company. Diese lukrative Position befriedigt zwar nicht seine kreativen Ambitionen, ermöglicht ihm aber, sich selbst zu ernähren. Im Oktober desselben Jahres beschließt der Künstler auf Anraten seines Lehrers, Paris zu besuchen. Als großer Bewunderer von Degas, Manet, Rembrandt und Goya schickte Robert Henry Hopper nach Europa, um seinen Fundus an Eindrücken zu bereichern und detaillierte Einblicke in die europäische Kunst zu gewinnen.

Hopper blieb bis August 1907 in Paris. Er erliegt sofort dem Charme der französischen Hauptstadt. Später schrieb der Künstler: „Paris ist eine wunderschöne, elegante Stadt und im Vergleich zum schrecklich lauten New York sogar zu anständig und ruhig.“ Edward Hopper ist zwanzig Jahre alt und setzt seine Ausbildung auf dem europäischen Kontinent fort, indem er Museen, Galerien und Kunstsalons besucht. Bevor er am 21. August 1907 nach New York zurückkehrte, unternahm er mehrere Reisen durch Europa. Zunächst kommt der Künstler nach London, das ihm als „traurige und traurige“ Stadt in Erinnerung bleibt; dort lernt er die Werke Turners kennen Nationalgalerie. Anschließend reist Hopper nach Amsterdam und Haarlem, wo er voller Vorfreude Vermeer, Hals und Rembrandt entdeckt. Zum Abschluss besucht er Berlin und Brüssel.

Nach seiner Rückkehr in seine Heimatstadt arbeitete Hopper erneut als Illustrator und ging ein Jahr später nach Paris. Diesmal bereitet ihm die Arbeit unter freiem Himmel unendlich viel Freude. Er folgte den Spuren der Impressionisten und malte die Seineufer in Charenton und Saint-Cloud. Schlechtes Wetter in Frankreich zwingt Hopper, seine Reise abzubrechen. Er kehrte nach New York zurück, wo er im August 1909 seine Gemälde zum ersten Mal im Rahmen der Ausstellung unabhängiger Künstler ausstellte, die mit Unterstützung von John Sloan (1871-1951) und Robert Henry organisiert wurde. Inspiriert von kreativen Leistungen, Hopper Letztes Mal wird 1910 Europa besuchen. Der Künstler wird im Mai mehrere Wochen in Paris verbringen und dann nach Madrid gehen. Dort würde ihn der Stierkampf mehr beeindrucken als die spanischen Künstler, über die er später kein Wort mehr verlieren würde. Bevor er nach New York zurückkehrt, macht Hopper einen Zwischenstopp in Toledo, das er als „wunderbar“ beschreibt Altstadt" Der Künstler würde zwar nie wieder nach Europa kommen, die Reisen würden ihn aber noch lange beeindrucken und später gestehen: „Nach dieser Rückkehr kam mir alles zu gewöhnlich und schrecklich vor.“

Schwieriger Anfang

Die Rückkehr zur amerikanischen Realität ist schwierig. Hopper hat dringend Geldmangel. Der Künstler, der gezwungen ist, seinen Lebensunterhalt zu verdienen, unterdrückt seine Abneigung gegen die Arbeit eines Illustrators und kehrt wieder zu ihr zurück. Er arbeitet in der Werbung und für Zeitschriften, wie „Sandy Megezin“, „Metropolitan Megezin“ und „System: Megezin of Business“. Allerdings widmet Hopper jede freie Minute dem Malen. „Ich wollte nie mehr als drei Tage pro Woche arbeiten“, sagte er später. „Ich habe Zeit für meine Kreativität gespart, die Illustration hat mich deprimiert.“

Hopper bleibt der Malerei treu, die nach wie vor seine wahre Leidenschaft ist. Aber der Erfolg stellt sich nicht ein. 1912 präsentierte der Künstler seine Pariser Gemälde auf einer Gemeinschaftsausstellung im Mac Dowell Club in New York (von nun an stellte er hier bis 1918 regelmäßig aus). Hopper macht Urlaub in Gloucester, einer kleinen Stadt an der Küste von Massachusetts. Gemeinsam mit seinem Freund Leon Kroll greift er Kindheitserinnerungen auf und zeichnet das Meer und die Schiffe, die ihn schon immer faszinieren.

Im Jahr 1913 begannen die Bemühungen des Künstlers endlich Früchte zu tragen. Im Februar von der Nationalen Wahlkommission zur Teilnahme an der Ausstellung eingeladen zeitgenössische Kunst In New York (Armory Show) verkauft Hopper sein erstes Gemälde. Die Erfolgseuphorie vergeht schnell, da andere diesem Verkauf nicht folgen werden. Im Dezember ließ sich der Künstler in 3 Washington Square North, New York, nieder, wo er mehr als ein halbes Jahrhundert bis zu seinem Tod leben würde.

Die folgenden Jahre waren für den Künstler sehr schwierig. Von den Einnahmen aus dem Verkauf von Gemälden kann er nicht leben. Also setzte Hopper seine Illustrationsarbeit fort, oft mit magerem Verdienst. Im Jahr 1915 stellte Hopper zwei seiner Gemälde, darunter „Blue Evening“, im Mac Dowell Club aus, und schließlich wurden Kritiker auf ihn aufmerksam. Auf seine persönliche Ausstellung, die im Whitney Studio Club stattfinden wird, wird er jedoch erst im Februar 1920 warten. Zu diesem Zeitpunkt war Hopper siebenunddreißig Jahre alt.

Inspiriert durch seinen Erfolg auf dem Gebiet der Malerei experimentiert der Künstler mit anderen Techniken. Eine seiner Radierungen wird 1923 vielfach ausgezeichnet. Hopper versucht sich auch in der Aquarellmalerei.

Den Sommer verbringt der Künstler in Gloucester, wo er nie aufhört, Landschaften und Architektur zu malen. Er arbeitet für großer Anstieg, er wird von der Liebe getrieben. Josephine Verstiel Nivison, die die Künstlerin zum ersten Mal an der New York Academy traf Schöne Künste Er verbringt seine Ferien in der gleichen Gegend und gewinnt das Herz des Künstlers.

Endlich Anerkennung!

Nicht zweifeln großes Talent Hopper wird von Josephine inspiriert, an einer Ausstellung im Brooklyn Museum teilzunehmen. Die Aquarelle, die der Künstler dort ausstellt, bescheren ihm großen Erfolg und Hopper freut sich über die wachsende Anerkennung. Ihre Romanze mit Joe entwickelt sich, sie entdecken immer mehr Gemeinsamkeiten. Beide lieben Theater, Poesie, Reisen und Europa. Hopper zeichnet sich in dieser Zeit durch schlicht unstillbare Neugier aus. Er liebt amerikanische und ausländische Literatur und kann sogar Goethes Gedichte in der Originalsprache auswendig aufsagen. Manchmal schreibt er seine Briefe an seine geliebte Jo auf Französisch. Hopper ist ein großer Kenner des Kinos, insbesondere des amerikanischen Schwarz-Weiß-Kinos, dessen Einfluss in seinem Werk deutlich sichtbar ist. Fasziniert von diesem stillen und ruhigen Mann mit repräsentativem Aussehen und intelligenten Augen, energisch und voller Leben Joe heiratet Edward Hopper am 9. Juli 1924. Die Hochzeit fand in der Evangelischen Kirche in Greenwich Village statt.

1924 war für den Künstler ein Erfolgsjahr. Nach der Hochzeit stellt der glückliche Hopper Aquarelle in der Frank Ren Gelerie aus. Alle Werke wurden direkt nach der Ausstellung verkauft. Nachdem er auf die Anerkennung gewartet hat, kann Hopper endlich seinen langweiligen Job als Illustrator aufgeben und sich seiner Lieblingsarbeit widmen.

Hopper entwickelt sich schnell zu einem „modischen“ Künstler. Jetzt kann er „die Rechnungen bezahlen“. Gewähltes Mitglied Nationale Akademie Design weigert er sich, diesen Titel anzunehmen, da die Akademie seine Arbeiten in der Vergangenheit nicht angenommen hat. Der Künstler vergisst nicht diejenigen, die ihn beleidigt haben, genauso wie er sich mit Dankbarkeit an diejenigen erinnert, die ihm geholfen haben und ihm vertraut haben. Hopper wird Frank Wren Guelery und dem Whitney Museum, dem er seine Werke vermacht, sein Leben lang „treu bleiben“.

Jahre voller Anerkennung und Ruhm

Nach 1925 stabilisierte sich Hoppers Leben. Der Künstler lebt in New York und verbringt jeden Sommer an der Küste Neuenglands. Anfang November 1933 fand die erste Retrospektivausstellung seiner Werke im Museum of Modern Art in New York statt. IN nächstes Jahr Die Hoppers bauen in Sauce Truro ein Studiohaus, in dem sie ihre Ferien verbringen werden. Der Künstler nennt das Haus scherzhaft einen „Hühnerstall“.

Die Verbundenheit des Paares mit diesem Haus hindert sie jedoch nicht daran, zu reisen. Wenn Hopper nicht genug hat kreative Inspiration, die Eheleute gehen hinaus in die Welt. So besuchten sie Mexiko zwischen 1943 und 1955 fünfmal und dirigierten auch für eine lange Zeit auf Reisen durch die Vereinigten Staaten. 1941 fuhren sie mit dem Auto durch halb Amerika und besuchten Colorado, Utah, die Wüste von Nevada, Kalifornien und Wyoming.

Edward und Joe führen ein vorbildliches Leben und sind in perfekter Harmonie miteinander, doch eine Art Rivalität wirft einen Schatten auf ihre Verbindung. Jo, die auch Künstlerin war, leidet still im Schatten des Ruhms ihres Mannes. Seit Anfang der dreißiger Jahre ist Edward international tätig berühmter Künstler; Die Zahl seiner Ausstellungen wächst und zahlreiche Auszeichnungen und Preise gehen auch an ihm nicht vorbei. 1945 wurde Hopper zum Mitglied des National Institute of Arts and Letters gewählt. Diese Institution zeichnete ihn 1955 aus Goldmedaille für Dienstleistungen im Bereich Malerei. Eine zweite Retrospektive von Hoppers Gemälden fand 1950 im Whitney Museum of American Art statt (das Museum beherbergte den Künstler noch zweimal: 1964 und 1970). 1952 wurde das Werk von Hopper und drei weiteren Künstlern ausgewählt, um die Vereinigten Staaten auf der Biennale in Venedig zu vertreten. 1953 beteiligte sich Hopper zusammen mit anderen Künstlern der figurativen Malerei an der Herausgabe der Reality-Rezension. Bei dieser Gelegenheit protestiert er gegen die Dominanz abstrakter Künstler innerhalb der Mauern des Whitney Museums.

Im Jahr 1964 beginnt Hopper krank zu werden. Der Künstler ist zweiundachtzig Jahre alt. Trotz der Schwierigkeiten, die ihm die Malerei bereitete, schuf er 1965 zwei, die seine letzten Werke wurden. Diese Bilder wurden zum Gedenken an meine Schwester gemalt, die dieses Jahr verstorben ist. Edward Hopper stirbt am 15. Mai 1967 im Alter von fünfundachtzig Jahren in seinem Atelier am Washington Square. Kurz zuvor erhält er internationale Anerkennung als Vertreter der amerikanischen Malerei auf der Sao Paulo Biennale. Alles übertragen kreatives Erbe Edward Hopper wird von der Frau des Künstlers Jo, die ein Jahr nach ihm diese Welt verlassen wird, in das Whitney Museum gebracht, wo heute die meisten seiner Werke zu sehen sind.

Datei:Mädchen an der Nähmaschine von Edward Hopper.jpg

Edward Hopper. „Hinter der Nähmaschine“ (1921).

Edward Hopper(englisch Edward Hopper; 22. Juli, Nyack, New York – 15. Mai, New York) – US-amerikanischer Künstler, ein prominenter Vertreter der amerikanischen Genremalerei, einer der größten Urbanisten des 20. Jahrhunderts.

Biografie und Kreativität

Geboren in Newasqua, New York, als Sohn eines Ladenbesitzers. Seit meiner Kindheit liebte ich es zu zeichnen. 1899 zog er nach New York mit der Absicht, Künstler zu werden. Von 1899 bis 1900 studierte er an der Schule für Werbekünstler. Danach trat er in die Robert-Henry-Schule ein, die damals die Idee der Schaffung einer modernen Schule vertrat nationale Kunst USA. Das Hauptprinzip dieser Schule war: „Bilde dich selbst, lass dich nicht von mir erziehen.“ Ein Prinzip, das auf die Geburt der Individualität abzielt, allerdings auf der Abwesenheit von Kollektivismus und bedeutenden nationalen Kunsttraditionen besteht.

1906 ging Edward Hopper nach Paris, wo er sein Studium fortsetzte. Neben Frankreich besuchte er England, Deutschland, Holland und Belgien. Es war ein Kaleidoskop von Ländern und Andersartigkeiten Kulturzentren. 1907 kehrte Hopper nach New York zurück.

Im Jahr 1908 nahm Edward Hopper an einer von der G8-Organisation (Robert Henry und seinen Schülern) organisierten Ausstellung teil, hatte jedoch keinen Erfolg. Er arbeitet noch härter und verbessert seinen Stil. In den Jahren 1908–1910 studierte er erneut Kunst in Paris. Von 1915 bis 1920 ist eine Zeit aktiver kreativer Suche für den Künstler. Aus dieser Zeit sind keine Zeichnungen erhalten, da Hopper sie alle vernichtete.

Die Malerei brachte keinen Gewinn, also arbeitet Edward Werbeagentur, macht Illustrationen für Zeitungen.

Hopper vollendete seinen ersten Kupferstich im Jahr 1915. Insgesamt fertigte er etwa 60 Radierungen an, von denen die besten zwischen 1915 und 1923 entstanden. Hier manifestierte sich das Hauptthema von Edward Hoppers Werk – die Einsamkeit des Menschen in der amerikanischen Gesellschaft und in der Welt.

Die Gravuren brachten dem Künstler einige Berühmtheit. Er vertrat sie auf Ausstellungen und erhielt Auszeichnungen. Bald fand eine persönliche Ausstellung statt, organisiert vom Whitney Art Studio Club.

Bis Mitte der 1920er Jahre. Hopper entwickelt seinen eigenen künstlerischen Stil, dem er bis an sein Lebensende treu bleibt. In seinen fotografisch verifizierten Szenen aus dem modernen Stadtleben (oft in Aquarell gemalt) sind einsame, erstarrte, namenlose und klare Figuren zu sehen geometrische Formen Objekte vermitteln ein Gefühl hoffnungsloser Entfremdung und versteckter Bedrohung im Alltag.

Hoppers Hauptinspiration als Künstler ist die Stadt New York sowie Provinzstädte („Mito“, „Structures of the Manhattan Bridge“, „East Wind over Weehawkend“, „Mining Town in Pennsylvania“). Gemeinsam mit der Stadt schuf Hopper darin ein einzigartiges Menschenbild. Das Porträt des Künstlers ist vollständig verschwunden bestimmte Person Er ersetzte es durch eine verallgemeinerte, zusammenfassende Sicht auf einen Einzelgänger, einen einzelnen Stadtbewohner. Die Helden von Edward Hoppers Gemälden sind enttäuschte, einsame, am Boden zerstörte, erstarrte Menschen, dargestellt in Bars, Cafés, Hotels („Room in a Hotel“, 1931, „Western Motel“, 1957).

Bereits in den 20er Jahren hielt der Name Hopper Einzug in die amerikanische Malerei. Er hatte Schüler und Bewunderer. 1924 heiratete er die Künstlerin Josephine Verstiel. 1930 kauften sie ein Haus am Cape Cord, wohin sie zogen. Im Allgemeinen entdeckte Hopper neues Genre- Porträt eines Hauses - „Talbot House“, 1926, „Adams House“, 1928, „Captain Killy House“, 1931, „House by the Railway“, 1925.

Edward fühlte sich seit seiner Kindheit zum Zeichnen hingezogen und ging zunächst nach New York, wo er Kurse für Werbekünstler absolvierte. Anschließend ging er nach seinem Studium an der Robert-Henry-Schule in das damalige Mekka unabhängiger Künstler – Paris. Und es ist nicht einfach Lebenslauf, alle oben genannten werden haben großen Einfluss um einen einzigartigen Hopper-Stil zu formen.

Schlepper auf dem Boulevard Saint-Michel (1907)

Die frühen Gemälde des Meisters folgen thematisch und stilistisch den Impressionisten. Verlangen ist spürbar junger Künstler ahmen Sie alle nach: von Degas und Van Gogh bis hin zu Monet und Pissarro. „Summer Interior“ (1909), „Bistro“ (1909), „Tug on the Boulevard Saint-Michel“ (1907), „Tal der Seine“ (1908) – das sind Gemälde mit einem deutlichen „europäischen“ Beigeschmack, die Hopper wird zehn Jahre lang los sein. Diese Werke können als exquisit und recht talentiert bezeichnet werden, sie waren jedoch nicht ausschlaggebend für den Erfolg des Künstlers, obwohl sie seine Hauptthemen darlegten.

Hopper ist ein urbaner Künstler; die überwiegende Mehrheit seiner Gemälde ist dem Stadtleben gewidmet und Stadtbewohner sind seltener, und reine Landschaften sind so selten, dass sie an einer Hand abgezählt werden können. Übrigens auch Porträts von Menschen. Aber „Porträts“ von Häusern tauchen in Hoppers Werk regelmäßig auf, insbesondere in den 1920er Jahren, darunter „Talbot House“ (1928), „Captain Killy’s House“ (1931) und „House by the Railway“ (1925). Wenn wir über Gebäude sprechen, stellt der Meister auch oft Leuchttürme dar: „Hügel mit Leuchtturm“, „Leuchtturm und Häuser“, „Captain Upton’s House“ (letzteres ist auch ein „Porträt“), alle aus dem Jahr 1927.

Captain Uptons Haus (1927)

Der französische Einfluss lässt sich in der Liebe zur Darstellung von Kabaretts, Theatern, Bistros, Restaurants („Owner“, „Tables for Ladies“, „New York Cinema“, „New York Restaurant“, „Sheridan Theatre“, „Two in the „Parterre“, „Automatic“, „Chinese Stew“, „Stripper“) ähnliche Geschichten fällt in die 30er Jahre, aber Hopper hörte erst zu seinem Tod Mitte der 60er Jahre mit dem Schreiben auf („Two Comedians“, „Intermission“).

Allerdings bereits nach der Schicht geografische Namen Man kann die Veränderungen in Hoppers Fokus auf Europa erahnen künstlerische Tradition, die durch die „Garbage Pail School“ ersetzt wurde, die von Hoppers ehemaligem Mentor Robert Henry organisiert wurde. Die „Bucket Workers“ waren eine der Zeit angepasste Art amerikanischer Itinerants, die die städtischen Armen darstellten.

Amerikanisches Dorf (1912)

Die Aktivität der Gruppe war eher flüchtig, aber man muss denken, dass zu diesem Zeitpunkt die Saat einer Art „Soilismus“ in Edwards Seele sank, in der er Anfang der 30er Jahre Wurzeln schlagen und das amerikanische Leben „singen“ würde. Dies wird nicht sofort passieren – „The American Village“ (1912), wo eine halb leere Straße aus einer für Pissarro charakteristischen Perspektive dargestellt wird, wird neben Gemälden wie „Yonkers“ von 1916 stehen, die noch immer ihren impressionistischen Charme behalten.

Um zu verstehen, wie oft und radikal Hopper seine Ansätze änderte, können Sie sich zwei Gemälde ansehen: Manhattan Bridge (1926) und Manhattan Bridge Loop (1928). Der Unterschied zwischen den Gemälden wird auch dem unerfahrensten Betrachter ins Auge fallen.

Manhattan Bridge (1926) und Manhattan Bridge Loop (1928)

Jugendstil, Impressionismus, Neoklassizismus, amerikanischer Realismus ... wenn man die experimentellsten Werke des Künstlers zusammenzählt, würde kaum jemand glauben, dass sie von einer Person gemalt wurden, so unterschiedlich sind sie voneinander. Auch nachdem Hopper mit „Night Owls“ an Popularität gewonnen hatte, lenkte er seine Aufmerksamkeit immer wieder auf Gemälde wie „Joe in Wyoming“ (1946), die eine für den Meister ungewöhnliche Ansicht zeigten – aus dem Inneren des Autos.

Das Thema Transport war dem Künstler übrigens nicht fremd: Er malte Züge (Locomotive D. & R. G., 1925), Waggons (Railway Train, 1908), Straßenkreuzungen (Railway Sunset, 1929) und sogar Schienen Sie sind vielleicht das wichtigste Element im Gemälde „Haus an der Eisenbahn“ (1925). Manchmal mag es scheinen, dass Maschinen des Fortschritts bei Hopper mehr Sympathie hervorriefen als Menschen – der Künstler lenkt sich mit ihnen vom Schematismus ab und spart dabei kein Detail.

Eisenbahnsonnenuntergang (1929)

Beim Betrachten große Menge Hoppers „frühe“ Werke erwecken einen doppelten Eindruck: Entweder wollte er komplett malen auf unterschiedliche Weise, oder wusste nicht genau, wie er zeichnen wollte. Aus diesem Grund kennen viele den Künstler als Autor von etwa zwanzig erkennbaren Gemälden, die in einem leicht lesbaren Hopper-Stil gemalt sind, während der Rest seines Werkes zu Unrecht verborgen bleibt.

Was ist er also, der „klassische“ Hopper?

„Nachtfenster“ (1928) kann als eines der ersten echten Hopper-Gemälde angesehen werden. Obwohl das Motiv eines Mädchens in ihrem Zimmer am Fenster auf das Werk „Summer Interior“ (1909) zurückgeht und sehr häufig vorkommt, so sind es „Mädchen an der Schreibmaschine“ (1921), „Eleven in the Morning“ ( 1926) enthalten sie allerdings den klassischen Blick aus dem Inneren des Gebäudes, nicht aber eine an Voyeurismus grenzende individual-Hoppersche Durchdringung „von außen“.

Nachtfenster (1928)

In „Windows“ beobachten wir heimlich ein Mädchen in Dessous, das mit seinen eigenen Angelegenheiten beschäftigt ist. Wir können nur vermuten, was das Mädchen tut; ihr Kopf und ihre Hände sind von der Hauswand verdeckt. Optisch ist das Bild frei von besonderen Verfeinerungen, Halbtönen etc. Was die Handlung angeht, erhält der Zuschauer nur einen Ausschnitt der Geschichte, gleichzeitig gibt es aber Raum für Spekulationen und vor allem für die Erfahrung eines Voyeurs.

Es ist dieser „Voyeurismus“, der Blick von außen, der Hopper berühmt machen wird. Seine Bilder werden in jeder Hinsicht vereinfacht sein: langweilige, eintönige Innenräume, ohne Details und die gleichen, dazu passenden, unpersönlichen Menschen, in deren Gesichtern oft keine einzige Emotion zu erkennen ist. Das ist einfach anders berühmtes Gemälde„Chop Suey“ (1929) aus dem berühmten „Nachteulen“ (1942).

Chop Suey (1929)

Die Einfachheit der Bilder verrät die Erfahrung des Werbezeichnens, mit der Hopper seinen Lebensunterhalt verdiente. Doch es war nicht die Schematisierung der Bilder, die den Betrachter zu den Werken des Künstlers hinzog, sondern gerade diese Möglichkeit, in das Leben eines anderen oder sogar... in das eigene Leben zu blicken. Eine Gelegenheit herauszufinden, wie die Helden der Werbeplakate aussehen würden, nachdem sie ihre Schicht auf Werbetafeln und Lichtern der Stadt „abgearbeitet“ hatten und „nach Hause“ zurückkehrten, nachdem sie das Pflichtlächeln aus ihren Gesichtern entfernt hatten. Männer und Frauen befinden sich gemeinsam und getrennt in einer Art nachdenklicher, müder Benommenheit und zeigen oft keine Emotionen. Die Emotionslosigkeit der Charaktere, die bis zur Roboterhaftigkeit reicht, löst beim Betrachter ein Gefühl der Unwirklichkeit und Angst aus.

Müdigkeit nach einem Arbeitstag oder morgendliche Trägheit nach dem Schlafen sind Anzeichen der obligatorischen Hopperschen Distanziertheit, die manchmal durch Langeweile und Gleichgültigkeit bei der Mittagsarbeit verwässert wird. Wahrscheinlich hatte auch die Weltwirtschaftskrise einen großen Einfluss auf Hopper, die ihm tausend ähnliche, mittellose, unnötige Typen bescherte, deren Verzweiflung bis zur Gleichgültigkeit gegenüber ihrem eigenen Schicksal zusammenbrach.

Ein Ausflug in die Philosophie (1959)

Natürlich verschlossen, ungesellig gewöhnliches Leben Der Künstler fügte den Bildern etwas Eigenes, zutiefst Persönliches hinzu. Nachdem er seine Liebe erst in seinen Fünfzigern kennengelernt hatte, porträtierte er Paare aus Männern und Frauen als gleichgültig und unverbunden, ja sogar enttäuscht. Dies spiegelt sich am besten im Gemälde „Exkursion in die Philosophie“ (1959) wider.

Die „hellsten“ Werke von Hopper, direkt und im übertragenen Sinne, sind Gemälde, in denen Sonnenlicht erscheint und oft eine Frau wäscht, „Frau in der Sonne“ (1961), „Sommer in der Stadt“ (1950), „Morgensonne“ (1952), „Sonnenlicht im zweiten Stock“ (1960). oder sogar als Protagonist von The Sun in an Empty Room (1963) und Room by the Sea (1951) zu fungieren. Aber selbst auf diesen sonnendurchfluteten Leinwänden sind der Mangel an geeigneten Emotionen in den Gesichtern der Charaktere und die Luftlosigkeit des sie umgebenden Raums alarmierend.

Zimmer am Meer (1951)

Die 2017 erschienene Kurzgeschichtensammlung „In Sun or Shade“ ist eine Art Bestätigung all dessen und unterstreicht die Relevanz, Bedeutung und den Einfluss von Hoppers Werk auf die amerikanische Kultur. Jede der Geschichten ist nach einem Gemälde des Künstlers benannt und stellt seine literarische „Verfilmung“ dar. Die Autoren, die an der Sammlung arbeiteten, versuchten, die Grenzen der Gemälde zu erweitern, ihren Hintergrund zu erkennen und zu zeigen, was „hinter den Kulissen“ blieb. Die Geschichten für das Buch wurden von Stephen King, Lawrence Block, Michael Connelly, Joyce Carol Oates, Lee Child und anderen Autoren geschrieben, die hauptsächlich in den Genres Horror, Thriller und Detektiv arbeiten. Die Angst und das Mysterium von Hoppers Kompositionen spielten nur den Meistern in die Hände.

Darüber hinaus ist Edward Hopper ein Lieblingskünstler des Meisters des filmischen Surrealismus David Lynch; das Gemälde „House by the Railroad“ bildete die Grundlage der Szenerie legendärer Film Alfred Hitchcocks „Psycho“.

Haus an der Eisenbahn (1925)

Zimmer für Touristen (1945)

Früher Sonntagmorgen (1930)

Büro bei Nacht (1948)

Morgen in South Carolina (1955)

Ufer (1941)

Sommerabend (1947)

Quai de Grand Augustin (1909)

Friseursalon (1931)

Kreistheater (1936)

Dachbodendach (1923)

Sonne in einem leeren Raum (1963)

Sonnenschein im zweiten Stock (1960)

Eisenbahnzug (1908)

Blaue Nacht (1914)

Stadt (1927)

Tankstelle (1940)

New Yorker Restaurant (1922)

Pferdeweg (1939)

Kohlenstadt in Pennsylvania (1947)

Büro in kleine Stadt (1953)

Maishügel (1930)

Auf den Wellen der Brandung (1939)

New Yorker Kino (1939)

Trump Steamer (1908)

Mädchen an der Schreibmaschine (1921)

Bistro (1909)

Sheridan Theater (1937)

Abend auf Cape Cod (1939)

Haus bei Sonnenuntergang (1935)

Tische für Damen (1930)

Die Stadt kommt (1946)

Yonkers (1916)

Joe in Wyoming (1946)

Pont des Arts (1907)

Haskell House (1924)

Morgen auf Cape Cod (1950)

Stripperin (1941)

Morgensonne (1952)

Unbekannt.

Nachteulen (1942)

Formale Experimente waren ihm gleichgültig. Zeitgenossen, die der Mode entsprechend den Kubismus, Futurismus, Surrealismus und Abstraktionismus liebten, hielten seine Malerei für langweilig und konservativ.

Er sagte einmal: „Wie können sie nicht verstehen: Die Originalität eines Künstlers ist kein Einfallsreichtum und keine Methode, schon gar keine modische Methode, sie ist die Quintessenz der Persönlichkeit.“ 22. Juli 1882, Edward Hopper, einer der berühmtesten Amerikanische Künstler 20. Jahrhundert. Er wird als „Träumer ohne Illusionen“ und „Poet der leeren Räume“ bezeichnet.

Er malte durchdringend leblose Innenräume und Landschaften: Eisenbahnen, wo man nirgendwo hingehen kann, Nachtcafés, wo man sich nicht vor der Einsamkeit verstecken kann. Ein Biograf schrieb: „Die Nachwelt wird aus den Gemälden des Künstlers Edward Hopper mehr über unsere Zeit erfahren als aus all den sozialgeschichtlichen Lehrbüchern, politischen Kommentaren und Zeitungsschlagzeilen.“

Ich erzähle Ihnen von einem seiner berühmtesten Gemälde...

Es wird allgemein angenommen, dass die Vereinigten Staaten der Welt nichts gegeben haben gute Künstler. Und im Allgemeinen zu künstlerische Kultur Wir, die wir uns als Europäer betrachten, sind es gewohnt, dieses Land, wenn nicht mit Verachtung, so doch mit Verachtung zu behandeln.

In der Zwischenzeit ist jede Verallgemeinerung gefährlich, auch die oben erwähnte. Natürlich ist Amerika nicht Frankreich oder Italien, sondern sein Verwandter Kurzgeschichte stark Kunstschulen Wir hatten einfach keine Zeit, zusammenzukommen. Aber auch hier entstanden Werke, die Aufmerksamkeit verdienen.

Edward Hoppers Gemälde „Nighthawks“ – das Thema meines heutigen Aufsatzes – erlangte sehr schnell allgemeine Anerkennung. In den späten vierziger und frühen fünfziger Jahren hing in fast jedem Studentenwohnheim der Vereinigten Staaten ein Plakat mit ihrer Reproduktion. Natürlich spielten die Mode und die Fähigkeit der Amerikaner, ein Kunstwerk in ein Massenkulturgut zu verwandeln, eine Rolle. Aber heute ist die Mode vorbei, aber die Anerkennung bleibt – sicheres Zeichen künstlerischer Wert.

Vielleicht kann man nicht sagen, dass das Bild Ihre Aufmerksamkeit auf den ersten Blick erregt. Hopper strebt nicht nach auffälliger Attraktivität, sondern bevorzugt irgendeine Art von äußerer Wirkung. innere Stärke und ein besonderer gemächlicher Rhythmus. Er spielt, wie man sagt, in der Pause. Damit sich sein Bild vor uns öffnet, müssen wir zunächst einfach innehalten, aufhören zu hetzen, uns den Luxus der freien Zeit gönnen, uns einzustimmen, es zu spüren, etwas Resonanz einzufangen ...

Und hinter der betonten Lakonizität offenbart sich plötzlich ein Abgrund an Ausdruckskraft. Und ein Abgrund der Traurigkeit. Dies ist nicht nur ein weiteres Bild der Einsamkeit in einer Großstadt, das wir sowohl aus unseren eigenen Momenten der Schwäche als auch aus den Geschichten von Hoppers Landsmann O. Henry kennen. Irgendwie wird uns klar, dass die Helden von „Midnight Owls“ allein sind, wie es mittlerweile Mode ist, „im Leben“ zu sagen, dass sie unsichtbaren Mauern nicht entkommen können, selbst wenn es ihnen gelingt, aus den echten Mauern herauszukommen. Von diesem Café aus, wo man übrigens keine Türen sieht, die nach draußen führen.

Hier vor uns stehen vier erstarrte Personen, die sich wie auf einer in tödliches Neonlicht getauchten Bühne für alle sichtbar entblößen. Man kann nicht sagen, dass sie sich hier wohlfühlen, aber raus wollen sie auch nicht.

Und wo genau? In die stille Schwärze einer gleichgültigen Straße? Nein, entschuldigen Sie. Vielmehr werden sie hier schweigend sitzen, bis die graue Morgendämmerung einsetzt, was jedoch auch keine Erleichterung bringt, sondern nur die Notwendigkeit, zur Arbeit zu gehen. Sie kümmern sich nicht um die stille Dunkelheit, die gierig durch die leeren Augenhöhlen der Fenster in das Geschehen blickt. Sie sind in sich selbst versunken, selbst die beiden, die offensichtlich zusammengekommen sind. Sie verschließen sich von der Welt, fühlen sich aber dennoch verletzlich. Woher kamen sonst diese Schultern, die in einem instinktiven Wunsch nach Schutz erhoben wurden?

Natürlich ist keine Tragödie passiert, passiert nicht und wird vielleicht auch nicht passieren. Aber ihre Vorahnung liegt in der Luft. Wir können nicht anders, als zuversichtlich zu sein, dass sich auf diesen Bühnen ein Drama abspielen wird.

Aus irgendeinem Grund möchte ich die technischen und künstlerische Techniken. Nun, vielleicht irgendwann später, wenn die Dunkelheit nachlässt, wenn wir in der Lage sind, uns von der Hypnose von Hoppers Verhalten zu lösen, von seiner fast telepathischen Fähigkeit, uns etwas Wichtiges zu sagen ... Dann werden wir auf die Schreie von Rot achten der leblose Rhythmus der Fenster des gegenüberliegenden Hauses, der von den Hockern an der Bartheke, vom Kontrast von massiven Steinwänden und transparentem, zerbrechlichem Glas, von zwei geklonten Figuren eines Mannes mit Hut widergespiegelt wird – der nähere, gerechte für den Fall, dass wir uns von uns abgewandt haben ... Und wieder einmal werden wir vor der Unmöglichkeit, das Café zu betreten oder zu verlassen, schaudern.

Aber das kommt später. In der Zwischenzeit kommen wir uns vor wie Passanten, die von einer zufälligen Lichtinsel mitten in einer regungslosen und menschenleeren Nacht verzaubert werden und deshalb die widerhallende Leere der Straße noch deutlicher spüren. Aber wir müssen immer noch daran entlanggehen und gehen. Und es ist gut, wenn wir nach Hause gehen...

Hier sind einige weitere seiner Werke: