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Ein von größte Vertreter Die Barockzeit A. Vivaldi ging als Schöpfer des Instrumentalkonzertgenres und Begründer der Orchesterprogrammmusik in die Geschichte der Musikkultur ein. Vivaldis Kindheit ist mit Venedig verbunden, wo sein Vater als Geiger im Markusdom arbeitete. Die Familie hatte sechs Kinder, von denen Antonio das älteste war. Über die Kindheit des Komponisten sind fast keine Details erhalten. Es ist nur bekannt, dass er Violine und Cembalo studierte.

Am 18. September 1693 wurde Vivaldi zum Mönch geweiht und am 23. März 1703 zum Priester geweiht. Gleichzeitig lebte der junge Mann (vermutlich aufgrund einer schweren Krankheit) weiterhin zu Hause, was ihm die Möglichkeit gab, sein Musikstudium nicht aufzugeben. Wegen seiner Haarfarbe erhielt Vivaldi den Spitznamen „Roter Mönch“. Es wird vermutet, dass er bereits in diesen Jahren seinen Pflichten als Geistlicher nicht allzu eifrig nachkam. Viele Quellen erzählen eine Geschichte (möglicherweise apokryph, aber aufschlussreich), wie der „rothaarige Mönch“ eines Tages während eines Gottesdienstes eilig den Altar verließ, um ein Fugenthema aufzuschreiben, das ihm plötzlich einfiel. Auf jeden Fall waren Vivaldis Beziehungen zu geistlichen Kreisen weiterhin angespannt, und schon bald weigerte er sich öffentlich, unter Berufung auf seinen schlechten Gesundheitszustand, die Messe zu zelebrieren.

Im September 1703 begann Vivaldi als Lehrer (maestro di violino) im venezianischen Waisenhaus „Pio Ospedale delia Pieta“ zu arbeiten. Zu seinen Aufgaben gehörten der Violin- und Viol d'amore-Unterricht sowie die Aufsicht über die Erhaltung von Saiteninstrumenten und die Anschaffung neuer Geigen. Die „Gottesdienste“ in der „Pieta“ (man kann sie mit Fug und Recht als Konzerte bezeichnen) standen im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit des aufgeklärten venezianischen Publikums. Aus wirtschaftlichen Gründen wurde Vivaldi 1709 entlassen, jedoch erst 1711–16. in derselben Position wieder eingesetzt und war ab Mai 1716 bereits Konzertmeister des Pieta-Orchesters.

Schon vor seiner neuen Ernennung hatte sich Vivaldi nicht nur als Lehrer, sondern auch als Komponist (hauptsächlich als Autor geistlicher Musik) etabliert. Parallel zu seiner Arbeit an der Pieta suchte Vivaldi nach Möglichkeiten, seine weltlichen Werke zu veröffentlichen. 12 Triosonaten op. 1 wurde 1706 veröffentlicht; 1711 entstand die berühmteste Sammlung von Violinkonzerten „Harmonic Inspiration“ op. 3; 1714 – eine weitere Sammlung mit dem Titel „Extravagance“ op. 4. Vivaldis Violinkonzerte wurden in Westeuropa und insbesondere in Deutschland sehr bald weithin bekannt. I. Quantz, I. Mattheson zeigten großes Interesse an ihnen, der große J. S. Bach arrangierte „zum Vergnügen und zur Belehrung“ persönlich 9 Vivaldi-Violinkonzerte für Klavier und Orgel. In denselben Jahren schrieb Vivaldi seine ersten Opern „Ottone“ (1713), „Orlando“ (1714) und „Nero“ (1715). 1718-20 Er lebt in Mantua, wo er hauptsächlich Opern für die Karnevalszeit sowie Instrumentalwerke für den mantuanischen Herzogshof schreibt.

Im Jahr 1725 erschien eines der berühmtesten Werke des Komponisten mit dem Untertitel „Eine Erfahrung in Harmonie und Erfindung“ (op. 8). Wie die vorherigen besteht die Sammlung aus Violinkonzerten (es gibt 12 davon). Die ersten vier Konzerte dieses Opus werden vom Komponisten jeweils mit „Frühling“, „Sommer“, „Herbst“ und „Winter“ benannt. In der modernen Aufführungspraxis werden sie häufig zum Zyklus „Jahreszeiten“ zusammengefasst (im Original gibt es keinen solchen Titel). Offenbar war Vivaldi mit den Einnahmen aus der Veröffentlichung seiner Konzerte nicht zufrieden und verkündete 1733 einem gewissen englischen Reisenden E. Holdsworth seine Absicht, weitere Veröffentlichungen abzulehnen, da handschriftliche Kopien im Gegensatz zu gedruckten Exemplaren teurer seien. Tatsächlich sind seitdem keine neuen Originalwerke von Vivaldi mehr erschienen.

Ende 20 – 30. oft als „Reisejahre“ bezeichnet (früher nach Wien und Prag). Im August 1735 kehrte Vivaldi auf den Posten des Dirigenten des Pieta-Orchesters zurück, doch dem Führungskomitee gefiel die Reiseleidenschaft seines Untergebenen nicht, und 1738 wurde der Komponist entlassen. Gleichzeitig arbeitete Vivaldi weiterhin intensiv am Operngenre (einer seiner Librettisten war der berühmte C. Goldoni), während er es vorzog, persönlich an der Produktion teilzunehmen. Jedoch Opernaufführungen Vivaldi besonderer Erfolg nicht, insbesondere nachdem dem Komponisten aufgrund des Einreiseverbots des Kardinals die Möglichkeit genommen wurde, als Regisseur seiner Opern am Ferrara-Theater aufzutreten (dem Komponisten wurde eine Liebesbeziehung mit Anna Giraud, seiner ehemaligen Schülerin, vorgeworfen und die Weigerung des „roten Mönchs“, die Messe zu halten. Infolgedessen war die Opernpremiere in Ferrara ein Misserfolg.

1740, kurz vor seinem Tod, unternahm Vivaldi seine letzte Reise nach Wien. Die Gründe für seinen plötzlichen Abgang sind unklar. Er starb im Haus der Witwe eines Wiener Sattlers namens Waller und wurde in Armut begraben. Bald nach seinem Tod geriet der Name des herausragenden Meisters in Vergessenheit. Fast 200 Jahre später, in den 20er Jahren. 20. Jahrhundert Der italienische Musikwissenschaftler A. Gentili entdeckte eine einzigartige Sammlung von Manuskripten des Komponisten (300 Konzerte, 19 Opern, geistliche und weltliche Vokalwerke). Von diesem Zeitpunkt an beginnt eine wahre Wiederbelebung von Vivaldis früherem Ruhm. Der Musikverlag Ricordi begann 1947 mit der Veröffentlichung sämtlicher Werke des Komponisten, und die Firma Philips begann jüngst zumindest mit dem Verkauf großer Plan- Veröffentlichung von „allem“ Vivaldi in Aufnahmen. In unserem Land ist Vivaldi einer der am häufigsten gespielten und beliebtesten Komponisten. Großartig kreatives Erbe Vivaldi. Laut dem maßgeblichen thematisch-systematischen Katalog von Peter Riom (internationale Bezeichnung – RV) umfasst er mehr als 700 Titel. Den Hauptplatz in Vivaldis Werk nahm das Instrumentalkonzert ein (insgesamt sind etwa 500 Exemplare erhalten). Das Lieblingsinstrument des Komponisten war die Geige (ca. 230 Konzerte). Darüber hinaus schrieb er Konzerte für zwei, drei und vier Violinen mit Orchester und Basso weiter, Konzerte für Viola d’amore, Cello, Mandoline, Längs- und Querflöte, Oboe, Fagott. Es gibt mehr als 60 Konzerte für Streichorchester und Basso, weiterhin Sonaten für verschiedene Instrumente. Von mehr als 40 Opern (die Urheberschaft von Vivaldi ist genau geklärt) sind nur die Partituren von der Hälfte erhalten. Weniger beliebt (aber nicht weniger interessant) sind seine zahlreichen Vokalwerke – Kantaten, Oratorien, Werke zu spirituellen Texten (Psalmen, Litaneien, „Gloria“ usw.).

Viele Instrumentalwerke Vivaldis haben programmatische Untertitel. Einige davon beziehen sich auf den ersten Interpreten (Carbonelli-Konzert, RV 366), andere auf das Fest, bei dem diese oder jene Komposition zum ersten Mal aufgeführt wurde („Zum Fest des heiligen Lorenzo“, RV 286). Mehrere Zwischenüberschriften weisen auf ungewöhnliche Details der Spieltechnik hin (im Konzert mit dem Titel „L’ottavina“, RV 763, müssen alle Soloviolinen in der oberen Oktave gespielt werden). Die typischsten Titel sind diejenigen, die die vorherrschende Stimmung charakterisieren – „Ruhe“, „Angst“, „Verdacht“ oder „Harmonische Inspiration“, „Zither“ (die letzten beiden sind die Namen von Sammlungen von Violinkonzerten). Dabei bleibt für den Komponisten auch in jenen Werken, deren Titel scheinbar auf äußere Bildmomente hinweisen („Sturm auf See“, „Stieglitz“, „Jagd“ etc.), immer die Übertragung des allgemeinen Lyrischen im Vordergrund Stimmung. Die Partitur von „The Seasons“ ist mit einem relativ umfangreichen Programm versehen. Bereits zu Lebzeiten wurde Vivaldi als herausragender Orchesterexperte, Erfinder vieler koloristischer Effekte berühmt und leistete viel zur Weiterentwicklung der Technik des Geigenspiels.

S. Lebedew

Die wunderbaren Werke von A. Vivaldi genießen enormen Weltruhm. Zeitgenössische berühmte Ensembles widmen Abende seinem Werk (Moskau Kammerorchester unter der Leitung von R. Barshai, „Roman Virtuosi“ usw.) und vielleicht nach Bach und Händel ist Vivaldi der beliebteste Komponist der musikalischen Barockzeit. Heutzutage scheint es ein zweites Leben erhalten zu haben.

Er genoss zu Lebzeiten großen Ruhm und war der Schöpfer eines Solo-Instrumentalkonzerts. Die Entwicklung dieses Genres in allen Ländern während der vorklassischen Zeit ist mit dem Werk von Vivaldi verbunden. Vivaldis Konzerte dienten als Vorbild für Bach, Locatelli, Tartini, Leclerc, Benda und andere. Bach arrangierte 6 Vivaldis Violinkonzerte für das Klavier, machte daraus zwei Orgelkonzerte und überarbeitete eines für 4 Klaviere.

„Zu der Zeit, als Bach in Weimar war, bewunderte die gesamte Musikwelt die Originalität seiner Konzerte (z. B. Vivaldi – L.R.). Bach arrangierte Vivaldis Konzerte nicht, um sie einem größeren Kreis zugänglich zu machen, und nicht, um daraus zu lernen, sondern nur, weil es ihm Freude bereitete. Er hat zweifellos von Vivaldi profitiert. Er lernte von ihm Klarheit und Harmonie der Konstruktion. perfekte Geigentechnik basierend auf Melodie..."

Allerdings war Vivaldi in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts sehr beliebt und geriet später fast in Vergessenheit. „Während nach dem Tod von Corelli“, schreibt Pencherl, „die Erinnerung an ihn im Laufe der Jahre immer stärker und verschönert wurde, verschwand Vivaldi, zu seinen Lebzeiten fast weniger berühmt, nach ein paar fünf Jahren buchstäblich, sowohl materiell als auch geistig.“ Seine Kreationen werden aus den Programmen entfernt, sogar die Merkmale seines Aussehens werden aus dem Gedächtnis gelöscht. Über den Ort und das Datum seines Todes gab es nur Spekulationen. Lange Zeit gaben Wörterbücher nur dürftige Informationen über ihn wieder, voller Gemeinplätze und voller Fehler …“

Bis vor Kurzem war Vivaldi nur für Historiker von Interesse. In Musikschulen studierten sie in der Anfangsphase der Ausbildung 1-2 seiner Konzerte. In der Mitte des 20. Jahrhunderts nahm die Aufmerksamkeit für sein Werk rapide zu und das Interesse an den Fakten seiner Biografie nahm zu. Und doch wissen wir immer noch sehr wenig über ihn.

Die Vorstellungen über sein Erbe, die größtenteils im Dunkeln blieben, waren völlig falsch. Erst in den Jahren 1927-1930 gelang es dem Turiner Komponisten und Forscher Alberto Gentili, etwa 300 (!) Autogramme Vivaldis zu entdecken, die Eigentum der Familie Durazzo waren und in ihrer genuesischen Villa aufbewahrt wurden. Unter diesen Manuskripten befinden sich 19 Opern, ein Oratorium und mehrere Bände mit Kirchen- und Instrumentalwerken Vivaldis. Diese Sammlung wurde von Prinz Giacomo Durazzo gegründet, einem Philanthrop und seit 1764 österreichischer Gesandter in Venedig, wo er sich neben politischen Aktivitäten auch mit dem Sammeln von Kunstproben beschäftigte.

Nach Vivaldis Testament waren sie nicht der Veröffentlichung unterworfen, aber Gentili sorgte dafür, dass sie übertragen wurden Nationalbibliothek und machte es dadurch öffentlich. Der österreichische Wissenschaftler Walter Collender begann mit ihrer Untersuchung und behauptete, Vivaldi sei der Entwicklung mehrere Jahrzehnte voraus Europäische Musik im Einsatz von Dynamik und rein technischen Techniken des Geigenspiels.

Nach neuesten Daten ist bekannt, dass Vivaldi 39 Opern, 23 Kantaten, 23 Sinfonien, viele Kirchenwerke, 43 Arien, 73 Sonaten (Trio und Solo) und 40 Concerti Grossi geschrieben hat; 447 Solokonzerte für verschiedene Instrumente: 221 für Violine, 20 für Cello, 6 für Viola Damour, 16 für Flöte, 11 für Oboe, 38 für Fagott, Konzerte für Mandoline, Horn, Trompete und für gemischte Kompositionen: Holz mit Violine, für 2 - x Violinen und Laute, 2 Flöten, Oboe, Englischhorn, 2 Trompeten, Violine, 2 Bratschen, Streichquartett, 2 Becken usw.

Vivaldis genauer Geburtstag ist unbekannt. Pencherl gibt nur ein ungefähres Datum an – etwas früher als 1678. Sein Vater Giovanni Battista Vivaldi war Geiger in der Herzogskapelle St. Marke in Venedig und ein erstklassiger Künstler. Aller Wahrscheinlichkeit nach erhielt der Sohn die Violinausbildung seines Vaters und studierte Komposition bei Giovanni Legrenzi, der in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts die venezianische Violinschule leitete und ein herausragender Komponist, insbesondere auf dem Gebiet der Orchestermusik, war. Offenbar hat Vivaldi von ihm die Leidenschaft für das Experimentieren mit Instrumentalkompositionen geerbt.

In jungen Jahren trat Vivaldi in dieselbe Kapelle ein, in der sein Vater als Leiter arbeitete, und ersetzte ihn später in dieser Position.

Seine professionelle musikalische Karriere wurde jedoch bald durch eine spirituelle ergänzt – Vivaldi wurde Priester. Dies geschah am 18. September 1693. Bis 1696 gehörte er dem jüngeren Klerus an und erhielt am 23. März 1703 die vollen Priesterrechte. „Rothaariger Priester“ – Vivaldi wurde in Venedig spöttisch genannt, und dieser Spitzname blieb ihm sein ganzes Leben lang erhalten.

Nachdem er das Priestertum empfangen hatte, brach Vivaldi sein Musikstudium nicht ab. Im Allgemeinen war er nicht lange am Gottesdienst beteiligt – nur ein Jahr, danach wurde ihm der Gottesdienst verboten. Biographen geben hierfür eine lustige Erklärung: „Eines Tages feierte Vivaldi die Messe, und plötzlich kam ihm das Thema der Fuge in den Sinn; Er verlässt den Altar, geht in die Sakristei, um dieses Thema niederzuschreiben, und kehrt dann zum Altar zurück. Es folgte eine Denunziation, aber die Inquisition hielt ihn für einen Musiker, das heißt für verrückt, und beschränkte sich darauf, ihm künftig den Gottesdienst zu verbieten.“

Vivaldi bestritt solche Fälle und begründete das Gottesdienstverbot mit seinem schmerzhaften Zustand. Als er 1737 nach Ferrara kommen sollte, um eine seiner Opern aufzuführen, verbot ihm der päpstliche Nuntius Ruffo die Einreise in die Stadt, unter anderem mit der Begründung, dass er nicht an der Messe teilnahm. Dann richtete Vivaldi einen Brief (16. November 1737) an seinen Gönner Marquis Guido Bentivoglio: „Seit 25 Jahren habe ich keine Messe zelebriert und werde sie auch in Zukunft nicht mehr halten, aber nicht wegen eines Verbots, wie Euer Lordschaft vielleicht mitgeteilt wurde.“ , sondern infolge meiner eigenen Entscheidung, verursacht durch eine Krankheit, die mich seit dem Tag meiner Geburt bedrückt. Als ich zum Priester geweiht wurde, feierte ich ein Jahr oder etwas mehr als ein Jahr lang die Messe, hörte dann aber damit auf und war aufgrund einer Krankheit dreimal gezwungen, den Altar zu verlassen, ohne sie zu beenden. Aus diesem Grund lebe ich fast immer zu Hause und reise nur in der Kutsche oder Gondel, da ich aufgrund einer Brusterkrankung bzw. eines Engegefühls in der Brust nicht laufen kann. Kein einziger Adliger lädt mich in sein Haus ein, nicht einmal unser Prinz, da jeder von meiner Krankheit weiß. Nach dem Essen kann ich normalerweise spazieren gehen, aber nie zu Fuß. Aus diesem Grund feiere ich keine Messe.“ Der Brief ist insofern merkwürdig, als er einige alltägliche Details aus Vivaldis Leben enthält, das offenbar isoliert in den Grenzen seines eigenen Zuhauses verlief.

Vivaldi war gezwungen, seine Kirchenkarriere aufzugeben und trat im September 1703 in eines der venezianischen Konservatorien, das „Musikalische Seminar des gastfreundlichen Hauses der Frömmigkeit“, als „Geigenmaestro“ mit einem Gehalt von 60 Dukaten pro Jahr ein. Wintergärten waren damals Kinderheime (Krankenhäuser), die an Kirchen angeschlossen waren. In Venedig gab es vier für Mädchen, in Neapel vier für Jungen.

Der berühmte französische Reisende de Brosses hinterließ die folgende Beschreibung der venezianischen Konservatorien: „Die Musik der Krankenhäuser hier ist ausgezeichnet. Es gibt vier von ihnen, und sie sind voller unehelicher Mädchen, aber auch Waisen oder solche, deren Eltern nicht in der Lage sind, sie großzuziehen. Sie werden auf Kosten des Staates großgezogen und hauptsächlich in Musik unterrichtet. Sie singen wie Engel, spielen Geige, Flöte, Orgel, Oboe, Cello, Fagott; kurz gesagt, es gibt kein so schwerfälliges Instrument, das ihnen Angst machen würde. An jedem Konzert nehmen 40 Mädchen teil. Ich schwöre Ihnen, es gibt nichts Anziehenderes, als eine junge und schöne Nonne zu sehen, in einem weißen Gewand, mit Granatapfelblumensträußen an den Ohren, die mit aller Anmut und Präzision den Takt schlägt.“

J.-J. schrieb begeistert über die Musik der Konservatorien (insbesondere der Mendicanti – der Bettelordenskirche). Rousseau: „Sonntags erklingen in den Kirchen jeder dieser vier Scuole während der Vesper Motetten von größten Komponisten Italien werden unter ihrer persönlichen Leitung ausschließlich von jungen Mädchen aufgeführt, von denen die ältesten noch nicht einmal zwanzig Jahre alt sind. Sie sitzen auf der Tribüne hinter Gittern. Weder Carrio noch ich haben diese Abende im Mendicanti jemals verpasst. Aber diese verdammten Gitter, die nur Geräusche durchließen und die Gesichter von Engeln voller Schönheit verbargen, die dieser Geräusche würdig waren, trieben mich in die Verzweiflung. Ich habe gerade darüber gesprochen. Das Gleiche habe ich einmal zu Herrn de Blon gesagt.“

De Blon, der zur Leitung des Konservatoriums gehörte, stellte Rousseau den Sängern vor. „Komm her, Sofia“, sie war schrecklich. „Komm her, Kattina“, ihr Auge war schief. „Komm, Bettina“, ihr Gesicht war von Pocken entstellt.“ Allerdings „schließt Hässlichkeit Charme nicht aus, und den hatten sie“, fügt Rousseau hinzu.

Nach seinem Eintritt in das Konservatorium der Frömmigkeit hatte Vivaldi die Möglichkeit, dort mit dem gesamten Orchester (mit Bläsern und Orgel) zu arbeiten, das als das beste in Venedig galt.

Venedig, sein Musik- und Theaterleben und seine Konservatorien können anhand der folgenden herzlichen Zeilen von Romain Rolland beurteilt werden: „Venedig war damals die Musikhauptstadt Italiens. Dort fanden während des Karnevals jeden Abend Aufführungen in sieben Opernhäusern statt. Jeden Abend traf sich die Musikakademie, das heißt, es fand ein musikalisches Treffen statt, manchmal gab es zwei oder drei solcher Treffen pro Abend. Täglich fanden in den Kirchen musikalische Feste statt, mehrstündige Konzerte unter Beteiligung mehrerer Orchester, mehrerer Orgeln und mehrerer überlappender Chöre. Samstags und sonntags wurde in Krankenhäusern, diesen Frauenkonservatorien, die berühmte Vesper abgehalten, wo Waisen, Findelmädchen oder einfach nur Mädchen mit schönen Stimmen Musik unterrichtet wurden; Sie gaben Orchester- und Gesangskonzerte, für die ganz Venedig verrückt wurde ...“

Am Ende des ersten Dienstjahres erhielt Vivaldi den Titel „Maestro des Chores“; sein weiterer Aufstieg ist nicht bekannt, sicher ist jedoch, dass er als Geigen- und Gesangslehrer tätig war, zeitweise auch als ein Orchesterleiter und Komponist.

Im Jahr 1713 erhielt er Urlaub und reiste nach Angaben einiger Biographen nach Darmstadt, wo er drei Jahre lang in der Kapelle des Darmstädter Herzogs arbeitete. Pencherl behauptet jedoch, dass Vivaldi nicht nach Deutschland gereist sei, sondern nicht 1713, sondern von 1720 bis 1723 in Mantua in der Kapelle des Herzogs gearbeitet habe. Pencherl beweist dies anhand eines Briefes Vivaldis, der schrieb: „In Mantua stand ich drei Jahre lang im Dienste des frommen Fürsten von Darmstadt“ und bestimmt die Dauer seines dortigen Aufenthalts anhand der Tatsache, dass der Titel eines Maestro von Die Kapelle des Herzogs erscheint auf Titelseiten Vivaldis Druckwerke erst nach 1720.

Von 1713 bis 1718 lebte Vivaldi fast ununterbrochen in Venedig. Zu dieser Zeit wurden seine Opern fast jedes Jahr aufgeführt, erstmals im Jahr 1713.

Bis 1717 war Vivaldis Ruhm enorm gewachsen. Der berühmte deutsche Geiger Johann Georg Pisendel kommt zum Unterricht bei ihm. Im Allgemeinen bildete Vivaldi hauptsächlich Interpreten für das Orchester des Konservatoriums aus, und zwar nicht nur Instrumentalisten, sondern auch Sänger.

Es genügt zu sagen, dass er der Lehrer so bedeutender Opernsängerinnen wie Anna Giraud und Faustina Bodoni war. „Er bereitete eine Sängerin namens Faustina vor, die sie zwang, mit ihrer Stimme alles nachzuahmen, was zu seiner Zeit auf Geige, Flöte und Oboe aufgeführt werden konnte.“

Vivaldi freundete sich sehr mit Pisendel an. Pencherl erzählt die folgende Geschichte von I. Giller. Eines Tages spazierte Pisendel die St. Stempel mit „Rothaariger Priester“. Plötzlich unterbrach er das Gespräch und befahl leise, sofort nach Hause zurückzukehren. Zu Hause angekommen erklärte er den Grund für die plötzliche Rückkehr: Lange Zeit folgten vier Versammlungen und beobachteten den jungen Pisendel. Vivaldi erkundigte sich, ob sein Schüler irgendwo irgendwelche verwerflichen Worte gesagt habe, und forderte ihn auf, das Haus nicht zu verlassen, bis er die Angelegenheit selbst geklärt habe. Vivaldi traf sich mit dem Inquisitor und erfuhr, dass Pisendel mit einer verdächtigen Person verwechselt worden war, mit der er Ähnlichkeit hatte.

Von 1718 bis 1722 ist Vivaldi in den Dokumenten des Konservatoriums der Frömmigkeit nicht aufgeführt, was die Möglichkeit seiner Abreise nach Mantua bestätigt. Gleichzeitig trat er regelmäßig in seiner Heimatstadt auf, wo weiterhin seine Opern aufgeführt wurden. 1723 kehrte er an das Konservatorium zurück, allerdings als berühmter Komponist. Unter den neuen Bedingungen war er verpflichtet, 2 Konzerte pro Monat zu schreiben, mit einer Vergütung von Pailletten pro Konzert, und 3-4 Proben dafür zu leiten. Bei der Erfüllung dieser Aufgaben verband Vivaldi sie mit langen und weit entfernten Reisen. „Seit 14 Jahren“, schrieb Vivaldi 1737, „reise ich mit Anna Giraud in zahlreiche Städte Europas. Wegen der Oper habe ich drei Karnevalssaisonen in Rom verbracht. Ich wurde nach Wien eingeladen.“ In Rom ist er der beliebteste Komponist Opernstil jeder ahmt nach. 1726 fungiert er in Venedig als Orchesterdirigent am Theater St. Angelo geht offenbar 1728 nach Wien. Dann folgen drei Jahre ohne jegliche Daten. Und wiederum geben einige Einführungen zu den Aufführungen seiner Opern in Venedig, Florenz, Verona und Ancona kaum Aufschluss über seine Lebensumstände. Parallel dazu setzte er von 1735 bis 1740 seinen Dienst am Konservatorium für Frömmigkeit fort.

Das genaue Datum von Vivaldis Tod ist unbekannt. Die meisten Quellen geben das Jahr 1743 an.

Fünf Porträts des großen Komponisten sind erhalten. Die früheste und zuverlässigste stammt offenbar von P. Ghezzi und stammt aus dem Jahr 1723. Der „rote Priester“ ist brusttief im Profil dargestellt. Die Stirn ist leicht geneigt, langes Haar ist gelockt, das Kinn ist spitz, der lebhafte Blick ist voller Wille und Neugier.

Vivaldi war sehr krank. In einem Brief an den Marquis Guido Bentivolio (16. November 1737) schreibt er, dass er aufgrund einer schmerzhaften Erkrankung gezwungen sei, seine Reisen in Begleitung von 4-5 Personen anzutreten. Die Krankheit hinderte ihn jedoch nicht daran, äußerst aktiv zu sein. Er reist endlos, leitet selbst Opernproduktionen, bespricht Rollen mit Sängern, kämpft mit ihren Launen, führt umfangreiche Korrespondenzen, dirigiert Orchester und schafft es, unglaublich viele Werke zu schreiben. Er ist sehr praktisch veranlagt und weiß, wie er seine Angelegenheiten selbst organisiert. De Brosse sagt ironisch: „Vivaldi wurde einer meiner engen Freunde, um mir seine Konzerte zu einem höheren Preis zu verkaufen.“ Er kapituliert vor den Mächtigen, wählt seine Gönner mit Bedacht aus und ist scheinheilig religiös, obwohl er keineswegs geneigt ist, auf weltliche Vergnügungen zu verzichten. Da er katholischer Priester war und ihm nach den Gesetzen dieser Religion die Möglichkeit zur Heirat verwehrt blieb, führte er viele Jahre lang eine Liebesbeziehung mit seiner Schülerin, der Sängerin Anna Giraud. Ihre Nähe bereitete Vivaldi große Schwierigkeiten. So verweigerte der päpstliche Legat in Ferrara 1737 Vivaldi die Einreise in die Stadt, nicht nur wegen des Verbots, Gottesdienste abzuhalten, sondern vor allem wegen dieser verwerflichen Nähe. Der berühmte italienische Dramatiker Carlo Goldoni schrieb, dass Giraud hässlich, aber attraktiv sei – sie hatte eine dünne Taille, schöne Augen und Haare, einen bezaubernden Mund und … mit schwacher Stimme und zweifellos Bühnentalent.

Die beste Beschreibung von Vivaldis Persönlichkeit finden sich in Goldonis Memoiren.

Eines Tages wurde Goldoni gebeten, einige Änderungen am Text des Librettos der Oper „Griselda“ mit Musik von Vivaldi vorzunehmen, deren Produktion in Venedig vorbereitet wurde. Zu diesem Zweck begab er sich in Vivaldis Wohnung. Der Komponist empfing ihn mit einem Gebetbuch in der Hand in einem mit Noten übersäten Raum. Er war sehr überrascht, dass anstelle des alten Librettisten Lalli Goldoni die Änderungen vornehmen sollte.

„Ich weiß sehr wohl, mein lieber Herr, dass Sie ein poetisches Talent haben; Ich habe Ihren „Belisarius“ gesehen, der mir sehr gut gefallen hat, aber das hier ist ganz anders: Man kann eine Tragödie, ein episches Gedicht schreiben, wenn man will, und kommt trotzdem nicht mit den zu vertonenden Vierzeilern zurecht.
- Schenken Sie mir die Freude, Ihr Stück kennenzulernen.
- Bitte, bitte, gerne. Wo habe ich „Griselda“ hingelegt? Sie war hier. Deus, in adjutorium meum intende, Domine, Domine, Domine. (Gott, komm zu mir! Herr, Herr, Herr). Sie war gerade zur Hand. Domine adjuvandum (Herr, hilf). Ah, hier ist sie, sehen Sie, Sir, diese Szene zwischen Gualtiere und Griselda, das ist eine sehr faszinierende, berührende Szene. Der Autor beendete es mit einer pathetischen Arie, aber Signorina Giraud mag keine langweiligen Lieder, sie möchte etwas Ausdrucksvolles, Aufregendes, eine Arie, die Leidenschaft auf unterschiedliche Weise zum Ausdruck bringt, zum Beispiel durch von Seufzern unterbrochene Worte, mit Aktion, Bewegung. Ich weiß nicht, ob du mich verstehst?
- Ja, Sir, ich habe es bereits verstanden, außerdem hatte ich bereits die Ehre, Signorina Giraud zu hören, und ich weiß, dass ihre Stimme nicht stark ist.
- Wie, Sir, beleidigen Sie meinen Schüler? Alles ist für sie zugänglich, sie singt alles.
- Ja, mein Herr, Sie haben recht; Gib mir das Buch und lass mich an die Arbeit gehen.
- Nein, Sir, ich kann nicht, ich brauche sie, ich mache mir große Sorgen.
- Nun, wenn Sie, mein Herr, so beschäftigt sind, dann geben Sie es mir für eine Minute und ich werde Sie sofort zufriedenstellen.
- Sofort?
- Ja, Sir, sofort.
Der Abt gibt mir lachend ein Theaterstück, Papier und ein Tintenfass, greift wieder zu seinem Gebetbuch und liest im Gehen seine Psalmen und Hymnen. Ich las die Szene, die ich bereits kannte, erinnerte mich an die Wünsche des Musikers und skizzierte in weniger als einer Viertelstunde eine Arie mit acht Versen, aufgeteilt in zwei Teile, auf Papier. Ich rufe meinen spirituellen Menschen an und zeige ihm meine Arbeit. Vivaldi liest, seine Stirn glättet sich, er liest noch einmal, stößt freudige Ausrufe aus, wirft sein Messbuch auf den Boden und ruft Signorina Giraud. Sie erscheint; Nun, sagt er, hier ist eine seltene Person, hier ist ein ausgezeichneter Dichter: Lesen Sie diese Arie; Der Signor schaffte es, ohne seinen Platz zu verlassen, in einer Viertelstunde; Dann drehte er sich zu mir um: „Ah, Sir, entschuldigen Sie.“ „Und er umarmt mich und schwört, dass ich von nun an sein einziger Dichter sein werde.“

Pencherl beendet sein Vivaldi gewidmetes Werk mit folgenden Worten: „So erscheint uns Vivaldi, wenn wir alle individuellen Informationen über ihn zusammenfassen: aus Gegensätzen geschaffen, schwach, krank und doch lebendig wie Schießpulver, bereit, sofort gereizt zu werden.“ beruhige dich, mach weiter weltliche Eitelkeit zu abergläubischer Frömmigkeit, stur und gleichzeitig entgegenkommend, wenn es nötig ist, ein Mystiker, aber bereit, bodenständig zu sein, wenn es um seine Interessen geht, und überhaupt kein Dummkopf, wenn es um die Organisation seiner Angelegenheiten geht.“

Und wie das alles zu seiner Musik passt! Darin verbindet sich das erhabene Pathos des Kirchenstils mit der unbändigen Lebensfreude, das Erhabene vermischt sich mit dem Alltäglichen, das Abstrakte mit dem Konkreten. Seine Konzerte beinhalten strenge Fugen, traurige, majestätische Adagios und dazu Lieder gewöhnlicher Menschen, Texte, die von Herzen kommen, und fröhliche Tänze. Er schreibt programmatische Werke – den berühmten Zyklus „Die Jahreszeiten“ und versorgt jedes Konzert mit bukolischen, für den Abt frivolen Strophen:

Der Frühling ist da, verkündet er feierlich.
Ihr fröhlicher Reigen, und das Lied erklingt in den Bergen.
Und der Bach plätschert ihr freundlich entgegen.
Der Wind des Zephyrs streichelt die ganze Natur.

Doch plötzlich wurde es dunkel, die Blitze zuckten,
Der Vorbote des Frühlings – Donner fegte über die Berge
Und bald verstummte er; und die Lieder der Lerche,
Im Blauen rauschen sie durch die Täler.

Wo der Blumenteppich das Tal bedeckt,
Wo der Baum und das Blatt im Wind zittern,
Mit dem Hund zu seinen Füßen träumt der Hirtenjunge.

Und wieder kann Pan der Zauberflöte lauschen
Die Nymphen tanzen wieder zu diesem Klang,
Begrüßung des Zauberin-Frühlings.

In „Sommer“ lässt Vivaldi den Kuckuck krähen, die Turteltaube gurren, den Stieglitz zwitschern; in „Herbst“ beginnt er das Konzert mit einem Lied von Dorfbewohnern, die von den Feldern zurückkehren. Auch in anderen Programmkonzerten, etwa „Sturm auf See“, „Nacht“, „Pastorale“, kreiert er poetische Naturbilder. Er gibt auch Konzerte und zeichnet Geisteszustand: „Verdacht“, „Entspannung“, „Angst“. Seine beiden Konzerte zum Thema „Nacht“ können als die ersten gelten symphonische Nocturnes in der Weltmusik.

Seine Werke verblüffen durch den Reichtum seiner Fantasie. Mit einem Orchester, das ihm zur Verfügung steht, experimentiert Vivaldi ständig. Die Soloinstrumente seiner Kompositionen sind entweder streng asketisch oder leichtfertig virtuos. Die Beweglichkeit in manchen Konzerten weicht in anderen Konzerten großzügiger Gesanglichkeit und Melodie. Geradezu „impressionistisch“ sind die Farbeffekte und das Klangfarbenspiel, etwa im Mittelsatz des Konzerts für drei Violinen mit seinem bezaubernden Pizzicato-Klang.

Vivaldi schuf mit phänomenaler Geschwindigkeit: „Er ist bereit zu wetten, dass er ein Konzert mit all seinen Teilen schneller komponieren kann, als ein Schreiber es umschreiben kann“, schrieb de Brosses. Vielleicht liegt darin die Spontaneität und Frische der Musik Vivaldis, die ihre Zuhörer seit mehr als zwei Jahrhunderten begeistert.

L. Raaben, 1967

Vivaldis einzigartiger Stil revolutionierte die europäische Musikwelt des frühen 18. Jahrhunderts. Vivaldis Werk ist die Quintessenz des Besten, was die italienische Kunst seitdem erreicht hat Anfang des 18. Jahrhunderts Jahrhunderte. Dieser brillante Italiener brachte ganz Europa dazu, von „großartiger italienischer Musik“ zu sprechen.

Zu seinen Lebzeiten erlangte er in Europa Anerkennung als Komponist und Geigervirtuose, der einen neuen, dramatisierten, sogenannten „lombardischen“ Aufführungsstil begründete. Bekannt als Komponist, der in der Lage ist, in fünf Tagen eine Oper mit drei Akten zu schaffen und viele Variationen über ein Thema zu komponieren. Er ist Autor von 40 Opern, Oratorien und mehr als 500 Konzerten. Vivaldis Werk hatte nicht nur großen Einfluss auf zeitgenössische italienische Komponisten, sondern auch auf Musiker anderer Nationalitäten, vor allem deutscher. Hier ist es besonders interessant, den Einfluss von Vivaldis Musik auf I.S. zu verfolgen. Bach.

Vivaldi schrieb Musik im Barockstil. Das Wort „Barock“ übersetzt aus italienische Sprache klingt seltsam und eigenartig. Die Barockzeit hat ihre eigenen Zeitgrenzen – das 17. Jahrhundert und die erste Hälfte des 18. Jahrhunderts (1600-1750). Der Barockstil beeinflusste nicht nur die damalige Mode, er dominierte die gesamte Kunst: Architektur, Malerei und natürlich die Musik. Barocke Kunst hat einen leidenschaftlichen Charakter: Prunk, Helligkeit und Emotionalität.
Vivaldi ging als Schöpfer der Instrumentalkonzertgattung in die Musikgeschichte ein. Es war Vivaldi, der ihm die traditionelle dreiteilige Form gab. Aus drei Konzerten schuf er zudem ein Werk größerer Form, das an eine moderne Symphonie erinnert. Eines der ersten Werke dieser Art war sein um 1725 entstandenes Werk „Die Jahreszeiten“. Der vom Konzept her wirklich innovative Zyklus „Jahreszeiten“ war seiner Zeit deutlich voraus und nahm die Suche romantischer Komponisten im Bereich der Programmmusik vorweg 19. Jahrhundert.

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Antonio Vivaldi wurde am 4. März 1678 in Venedig geboren. Sein Vater Giovanni Battista (wegen seiner feurigen Haarfarbe „Rot“ genannt), Sohn eines Bäckers aus Brescia, zog um 1670 nach Venedig. Dort arbeitete er einige Zeit als Bäcker und erlernte dann den Beruf des Friseurs. In seiner Freizeit vom Broterwerb spielte Giovanni Battista Geige. Und er erwies sich als so begabter Musiker, dass 1685 der berühmte Giovanni Legrenzi, Kapellmeister der Kathedrale St. Mark nahm ihn in sein Orchester auf.

Vivaldi-Haus in Venedig

Das erste und berühmteste der sechs Kinder von Giovanni Battista Vivaldi und Camilla Calicchio, Antonio Lucio, wurde aufgrund eines plötzlichen Erdbebens zu früh geboren. Die Eltern des Jungen sahen die Geburt eines neuen Lebens unter so seltsamen Umständen als Zeichen von oben und beschlossen, dass Antonio Priester werden sollte.

Von Geburt an litt Antonio unter einer schweren Krankheit – einem komprimierten Brustkorb, sein ganzes Leben lang litt er unter Asthma, litt unter Asthmaanfällen, konnte weder Treppen steigen noch gehen. Eine körperliche Behinderung konnte jedoch keinen Einfluss darauf haben Innere Junge: Seine Fantasie kannte wirklich keine Grenzen, sein Leben war nicht weniger bunt und bunt als das anderer, er lebte einfach in der Musik.

Als der zukünftige große Komponist 15 Jahre alt war, wurde seine Tonsur (Symbol der Dornenkrone) rasiert und am 23. März 1703 wurde der 25-jährige Antonio Vivaldi zum Priester geweiht. Allerdings verspürte er keinen aufrichtigen Wunsch, Priester zu werden. Eines Tages, während einer feierlichen Messe, konnte der „rothaarige Priester“ das Ende des Gottesdienstes kaum erwarten und verließ den Altar, um in der Sakristei eine interessante Idee zu einer neuen Fuge zu Papier zu bringen, die ihm in den Sinn gekommen war . Dann, als wäre nichts passiert, kehrte Vivaldi an seinen „Arbeitsplatz“ zurück. Es endete damit, dass ihm der Gottesdienst verboten wurde, worüber sich der junge Vivaldi wohl nur allzu sehr freute.

Von seinem Vater erbte Antonio nicht nur seine Haarfarbe (ziemlich selten bei Italienern), sondern auch eine ernsthafte Liebe zur Musik, insbesondere zum Geigenspiel. Giovanni Battista selbst gab seinem Sohn den ersten Unterricht und holte ihn an seinen Platz im Orchester der Kathedrale St. Marke. Antonio studierte Komposition und lernte Cembalo und Flöte.

Unter den vielen Palästen und Kirchen, die Venedig schmückten, befand sich ein bescheidenes Kloster – ein Zufluchtsort für Mädchen „Ospedale della Pietà“ (wörtlich „Krankenhaus des Mitgefühls“), in dem Vivaldi im September 1703 begann, Musik zu unterrichten. Alle Musikliebhaber in Europa betrachteten es als eine Ehre, dort zu sein und dem berühmten Orchester zuzuhören, das ausschließlich aus Waisenmädchen bestand. Das " musikalisches Wunder„ wurde von Abt Antonio Vivaldi geleitet, der Pretro Rosso – Roter Mönch, Roter Priester – genannt wurde. Der Spitzname verriet ein fröhliches Gemüt und ein feuriges Temperament. Und das, obwohl Maestro Vivaldi zeitlebens schwer krank war und beim Gehen außer Atem war.

Im Jahr 1705 veröffentlichte der venezianische Verleger Giuseppe Sala die erste Sammlung von Sonaten für drei Instrumente (zwei Violinen und Bass) von Antonio Vivaldi. Der nächste „Teil“ von Vivaldis Violinsonaten wurde vier Jahre später von Antonio Bortoli veröffentlicht. Bald erlangten die Werke des „rothaarigen Priesters“ außerordentliche Popularität. Innerhalb weniger Jahre wurde Antonio Vivaldi zum berühmtesten Violinkomponisten Europas. Anschließend wurden Vivaldis Werke in London und Paris – den damaligen Verlagszentren Europas – veröffentlicht.

Antonio Lucio Vivaldi

Anfang 1718 erhielt er eine Einladung, als Hofkapellmeister in Mantua zu fungieren. Der Komponist blieb hier bis 1720. Und hier, in Mantua, traf Vivaldi die Sängerin Anna Giraud, Besitzerin einer wunderschönen Altistin. Zuerst war sie seine Schülerin, dann die Hauptdarstellerin seiner Opern und schließlich, zur allgemeinen Empörung, wurde sie seine Geliebte.

Mantua

Nach seiner Rückkehr nach Venedig widmete sich Vivaldi ganz der Kunst Theateraktivitäten. Er versuchte sich sowohl als Autor als auch als Impresario. In den Jahren 1720-1730 Vivaldi ist in ganz Italien bekannt. Sein Ruhm erreichte solche Ausmaße, dass er sogar zu einem Konzert vor dem Papst selbst eingeladen wurde.

Im Jahr 1740 gab Vivaldi seine Arbeit am Ospedale della Pietà endgültig auf und ging nach Wien an den Hof von Kaiser Karl VI., seinem langjährigen und mächtigen Bewunderer. Doch die rosigen Pläne des großen Komponisten sollten nicht in Erfüllung gehen. In Wien angekommen, fand er den Monarchen nicht mehr lebend vor. Darüber hinaus begann Vivaldis Popularität zu diesem Zeitpunkt zu sinken. Die Vorlieben des Publikums änderten sich und Barockmusik geriet schnell an den Rand der Mode.

Der 63-jährige Musiker, dem es nie gut gegangen war, konnte sich von diesen Schicksalsschlägen nicht erholen und erkrankte an einer unbekannten Krankheit.

Vivaldi starb am 28. Juli 1741 in Wien an einer „inneren Entzündung“ (wie es im Bestattungsprotokoll stand) in den Armen seiner Schülerin und Freundin Anna Giraud. Die Beerdigung war bescheiden: Es läuteten nur wenige Glocken und die Prozession bestand nur aus Leuten, die angeheuert waren, den Sarg zu tragen.

Nach seinem Tod geriet das musikalische Erbe Antonio Vivaldis für fast 200 Jahre in Vergessenheit. Erst in den zwanziger Jahren des 20. Jahrhunderts entdeckte ein italienischer Musikwissenschaftler zufällig eine Sammlung von Vivaldi-Manuskripten. Es enthielt 19 Opern und mehr als 300 Instrumentalwerke sowie große Menge Werke der Vokal- und Kirchenmusik. Von diesem Zeitpunkt an begann die Wiederbelebung des früheren Glanzes dieses einst weithin berühmten Komponisten.

Antonio Vivaldi (1678–1741) ist einer der herausragenden Vertreter des Barock. Er wurde in Venedig geboren, wo er zunächst bei seinem Vater, einem Geiger an der Kapelle St. Mark verbesserte sich dann unter Giovanni Legrenzi. Er gab viele Konzerte in verschiedenen europäischen Ländern und war sehr begeistert von der Lehrtätigkeit und der Inszenierung seiner Opern. Lange Zeit Er war Geigenlehrer in einem der venezianischen Waisenhäuser für Waisenmädchen.

Wegen seiner Haarfarbe erhielt Vivaldi den Spitznamen „der rote Priester“ (Prete rosso). Zwar verband er den Beruf eines Musikers mit den Pflichten eines Geistlichen, wurde dann aber wegen „illegalen“ Verhaltens während eines Gottesdienstes entlassen. Seine letzten Lebensjahre verbrachte der Komponist in Wien, wo er in Armut starb.

Vivaldis kreatives Erbe umfasst mehr als 700 Titel: 465 Instrumentalkonzerte (davon fünfzig Grossi), 76 Sonaten (einschließlich Triosonaten), etwa 40 Opern (einer seiner Librettisten war der berühmte C. Goldoni), Kantaten-Oratorien-Werke, darunter spirituelle Texte. Die wichtigste historische Bedeutung seines Schaffens liegt in der Schaffung eines Solo-Instrumentalkonzerts.

Als einer der sensibelsten Künstler seiner Zeit gehörte Vivaldi zu den ersten Komponisten, die offene Emotionalität, Leidenschaft (Affekt) und individuelles lyrisches Gefühl in den Vordergrund der Kunst rückten. Unter seinem zweifellosen Einfluss geriet der äußerst typische Typ des Barockmusikkonzerts für mehrere Solisten (Concerto Grosso) in der Klassik in den Hintergrund und machte dem Solokonzert Platz. Der Ersatz einer Solistengruppe durch eine Partei war Ausdruck homophoner Tendenzen.

Es war Vivaldi, der die Struktur und das thematische Thema des spätbarocken Konzerts entwickelte. Unter dem Einfluss der italienischen Opernouvertüre etablierte er einen dreiteiligen Konzertzyklus (schnell – langsam – schnell) und ordnete die Abfolge von Tutti und Solo in Anlehnung an die barocke Konzertform an.

Die Konzertform des Barock basierte auf dem Wechsel des Ritornells ( Hauptthema), immer wiederkehrend und transponierend, mit Episoden, die auf neuen melodischen Themen, figurativem Material oder motivischer Weiterentwicklung des Hauptthemas basieren. Dieses Prinzip verlieh ihm eine Ähnlichkeit mit einem Rondo. Die Struktur ist durch Kontraste zwischen Orchestertutti und Solo gekennzeichnet, die dem Erscheinungsbild des Ritornells und der Episoden entsprechen.

Die ersten Teile von Vivaldis Konzerten sind energisch, durchsetzungsfähig, abwechslungsreich in Textur und Kontrasten. Die zweiten Teile entführen den Zuhörer in die Welt der Texte. Hier dominiert die Liedhaftigkeit, ausgestattet mit improvisatorischen Zügen. Die Textur ist überwiegend homophon. Die Finale sind brillant, voller Energie und schließen den Zyklus in einem schnellen, lebhaften Satz ab.

Die dynamische dreiteilige zyklische Form der Konzerte von Vivaldi kommt zum Ausdruck künstlerische Ideale die Kunst des „gut organisierten Kontrasts“. In ihrer Logik fantasievolle Entwicklung Es wird der Einfluss des allgemeinen ästhetischen Konzepts des Barock nachgezeichnet, das die menschliche Welt in drei Hypostasen unterteilte: Aktion – Kontemplation – Spiel.

Vivaldis Solo-Instrumentalkonzert konzentriert sich auf eine kleine Komposition aus Saiteninstrumenten unter der Leitung eines Solisten. Das kann ein Cello, eine Gambe Damour, eine Längs- oder Querflöte, eine Oboe, ein Fagott, eine Trompete und sogar eine Mandoline oder ein Schal sein. Und doch spielt die Geige am häufigsten die Rolle des Solisten (ca. 230 Konzerte). Die Violintechnik der Konzerte Vivaldis ist vielfältig: schnelle Passagen, Arpeggios, Tremolo, Pizzicato, Doppelnoten (bis zu den schwierigsten Zehntelstrecken), Skordatur, Einsatz des höchsten Registers (bis zur 12. Lage).

Vivaldi wurde als herausragender Kenner des Orchesters und Erfinder vieler koloristischer Effekte berühmt. Besitzen feiner Sinn Klangfarbe, er wandte sich frei vielen Instrumenten und deren Kombinationen zu. Er verwendete Oboen, Hörner, Fagotte, Trompeten und Englischhorn nicht als Ersatzstimmen, sondern als eigenständige Melodieinstrumente.
Bivaldis Musik nahm Elemente des farbenfrohen Venezianischen auf Musikalische Folklore, reich an melodiösen Canzonas, Barkarolen und feurigen Tanzrhythmen. Der Komponist vertraute besonders gerne auf Siciliana und bediente sich ausgiebig des typischen Italienischen Volkstänze Größe 6/8. Er verwendete oft eine akkordharmonische Struktur und nutzte meisterhaft polyphone Entwicklungstechniken.

Vivaldi veröffentlichte seine Konzerte in Serien von 12 oder 6 Werken und gab für jede Serie auch allgemeine Bezeichnungen: „Harmonic Inspiration“ (op. 3), „Extravagance“ (op. 4), „Zither“ (op. 9).

Vivaldi kann als Begründer der Programmorchestermusik bezeichnet werden. Die meisten seiner Konzerte haben ein bestimmtes Programm. Zum Beispiel: „Jagd“, „Sturm auf See“, „Hirtin“, „Ruhe“, „Nacht“, „Favorit“, „Stieglitz“.
Vivaldis Violinkonzerte wurden in Westeuropa und insbesondere in Deutschland sehr bald weithin bekannt. Der große J. S. Bach arrangierte „zum Vergnügen und zur Belehrung“ persönlich neun Vivaldi-Violinkonzerte für Klavier und Orgel. Dank dieser Musiker erwies sich Vivaldi, der noch nie in den norddeutschen Ländern gewesen war, im wahrsten Sinne des Wortes als „Vater“ des deutschen Instrumentalismus des 18. Jahrhunderts. Vivaldis Konzerte verbreiteten sich in ganz Europa und dienten seinen Zeitgenossen als Beispiele für das Konzertgenre. So entwickelte sich das Klavierkonzert unter dem zweifellos künstlerischen Einfluss des Violinkonzerts (ein überzeugendes Beispiel kann hier genannt werden).

Am 28. Juli 1741 starb der Komponist Antonio Vivaldi. In der Musikgeschichte gilt er als anerkanntes Genie, und natürlich gibt es kaum jemanden, der seine Werke noch nie gehört hat. Über Vivaldi selbst und sein Leben ist jedoch nicht viel bekannt. Stellen wir die Gerechtigkeit wieder her – erinnern wir uns an die Biografie des großen Komponisten.

Antonio wurde am 4. März 1678 in der Republik Venedig in der Familie der Friseure Giovanni Battista und Camilla Calicchiu geboren. Das Kind wurde zwei Monate zu früh geboren und war sehr schwach, weshalb es gleich nach der Geburt getauft wurde. Später diagnostizierten die Ärzte bei ihm ein „Engegefühl in der Brust“, also Asthma. Dies versperrte Vivaldi die Möglichkeit, in Zukunft Blasinstrumente zu spielen.

Vivaldi könnte in fünf Tagen eine abendfüllende Oper schreiben

Der Vater des zukünftigen Musikers war in seiner Jugend musikbegeistert und lernte Geige spielen; später wurde ihm die Stelle des Chefgeigers in der Kapelle des Markusdoms angeboten. Der Vater des kleinen Antonio selbst gab ihm den ersten Unterricht auf dem Instrument. Der Junge war ein so fähiger Schüler, dass er ab 1689 seinen Vater in der Kapelle vertrat. Dort war das junge Genie von Geistlichen umgeben, was die Wahl seines zukünftigen Berufs bestimmte: Vivaldi beschloss, Geistlicher zu werden. Dies hinderte ihn jedoch nicht daran, sein Musikstudium fortzusetzen und zwei Dinge zu verbinden.

Vivaldi-Haus in Venedig

Aufgrund des schlechten Gesundheitszustands von Vivaldi verlief seine Kirchenkarriere jedoch nicht reibungslos. Als Priester feierte er nur wenige Messen, danach übte er seine Pflichten nicht mehr aus, blieb jedoch Geistlicher. Antonio, der sich als hervorragender Musiker erwiesen hat, erhält das Angebot, Lehrer am venezianischen Konservatorium zu werden. Er unterrichtete seine Schüler sowohl spirituell als auch weltliche Musik. In diesen Jahren schrieb Vivaldi viele Werke für Studenten – Konzerte, Kantaten, Sonaten, Oratorien. Im Jahr 1704 erhielt er neben der Stelle des Geigenlehrers auch die Aufgabe eines Bratschenlehrers. 1716 wurde er Leiter des Konservatoriums und war für alle musikalischen Aktivitäten verantwortlich.

Vivaldi war eine der Inspirationen des Komponisten Bach

In den 1710er Jahren begann Vivaldi als Komponist berühmt zu werden. Sein Name wurde in den „Reiseführer nach Venedig“ aufgenommen, wo er als virtuoser Geiger bezeichnet wurde. Reisende, die im berühmten übernachten Italienische Stadt, verbreiteten den Ruhm Vivaldis über Italien hinaus. So wurde Vivaldi dem dänischen König Friedrich IV. vorgestellt, dem er anschließend zwölf Violinsonaten widmete. Seit 1713 versucht sich Vivaldi als Opernkomponist. Er schrieb „Ottone in der Villa“ und „Roland, der vorgibt, verrückt zu sein“ – diese Werke machten Vivaldi berühmt und in den nächsten fünf Jahren wurden acht weitere Opern des Komponisten aufgeführt. Trotz der hektischen Arbeitsbelastung scheute Vivaldi seine Verantwortung als Leiter des Konservatoriums nicht und schaffte es, diese mit seiner kompositorischen Tätigkeit zu verbinden.

Vanessa Mae spielt Vivaldi

Allerdings waren nicht alle von Vivaldis Opern begeistert – so veröffentlichte beispielsweise der Komponist Bendetto Marcello eine Broschüre, in der er Vivaldis Werk lächerlich machte. Dies zwang Antonio, die Arbeit an Opern für mehrere Jahre einzustellen.

Ein Krater auf dem Planeten Merkur ist nach Vivaldi benannt

Im Jahr 1717 nahm Vivaldi das Angebot an, die Stelle des Kapellmeisters am Hofe des Prinzen Philipp von Hessen-Darmstadt, Gouverneur von Mantua, zu übernehmen. Unter dem Eindruck der Umgebung dieser Stadt entstand der berühmte Zyklus von Violinkonzerten, der in Russland als „Die Jahreszeiten“ (richtig „Die vier Jahreszeiten“ genannt) bekannt ist. Außerdem traf sich Vivaldi in Mantua Opernsänger Anna Giraud, die sie später allen als ihre Schülerin vorstellt. Girauds Schwester Paolina begleitete den Komponisten überall hin und kümmerte sich um seine Gesundheit – Vivaldi plagte Asthmaanfälle. Beide Mädchen lebten mit Vivaldi in seinem Haus in Venedig, was bei den Geistlichen Empörung hervorrief, da er noch Geistlicher war. 1738 wurde ihm die Feier der Messe mit der Begründung verboten, der Komponist sei „in Ungnade gefallen“. Vivaldi selbst bestritt jedoch alle möglichen Gerüchte und Spekulationen über seine Beziehung zu den Giraud-Schwestern, die nur seine Schülerinnen waren.

Mantua

Einer der Kenner der Musik Vivaldis war der Philosoph und Schriftsteller Jean-Jacques Rousseau; er spielte einige Werke des Komponisten auf der Flöte. Zu den Bewunderern seines Talents gehörte Kaiser Karl VI., und in den 1730er Jahren beschloss Vivaldi, nach Wien zu ziehen und die Stelle des Komponisten am kaiserlichen Hof einzunehmen. Um Geld für die Reise aufzubringen, musste er seine Manuskripte für einen Penny-Preis verkaufen. Vivaldis Ruhm verblasste, er war in Venedig nicht mehr so ​​beliebt. Misserfolge begannen den Musiker zu plagen: Kurz nach seiner Ankunft in Wien starb Karl VI. und der Österreichische Erbfolgekrieg begann. Vivaldi reist auf der Suche nach einem neuen Job nach Dresden, wird aber krank. Er kehrte bereits schwerkrank, arm und von allen vergessen nach Wien zurück. Vivaldi starb am 28. Juli 1741 und wurde auf einem Armenfriedhof in einem einfachen Grab beigesetzt.

Fast 200 Jahre lang geriet Vivaldis Werk in Vergessenheit

Vivaldis musikalisches Erbe geriet fast 200 Jahre lang in Vergessenheit: erst in den 20er Jahren. Im 20. Jahrhundert entdeckte der italienische Musikwissenschaftler Gentili einzigartige Manuskripte des Komponisten: neunzehn Opern, mehr als 300 Konzerte, viele geistliche und weltliche Vokalwerke. Es wird angenommen, dass Vivaldi im Laufe seines Lebens mehr als 90 Opern geschrieben hat, aber nur 40 haben eine nachgewiesene Urheberschaft.

Schutz der Projektarbeit

Aufsicht:

Musiklehrer

Das Thema meines Projekts ist „Instrumentalkonzert“. Ich beschloss, mein Wissen über Antonio Vivaldis Zyklus „Die Jahreszeiten“ zu vertiefen. Viele literarische, bildnerische und musikalische Werke sind mit Bildern der Natur verbunden. Dies sind Gedichte von Puschkin, Yesenin, Tyutchev, Gemälde von Levitan, Musik von Grieg, Tschaikowsky.

Ziel Meine Forschung soll herausfinden: Wie hängen Kunst und Natur zusammen, welche Gefühle löst sie bei Komponisten aus und was ist das Geheimnis der Popularität der Musik von Antonio Vivaldi?

Während der Arbeit habe ich Folgendes entschieden Aufgaben.

Instrumentalkonzert ist ein Musikstück, das von einem Solisten und einem Orchester aufgeführt wird: Der virtuose Part des Solisten wird mit dem farbenfrohen Klang des Orchesters kontrastiert.

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts entwickelten sich zwei Arten von Konzerten. Concerto Grosso und Solokonzert.

Hervorragend Italienischer Komponist, ein unvergleichlicher virtuoser Geiger und brillanter Dirigent, der an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert lebte. Er war der Begründer des Instrumentalkonzertgenres. Von seinen Konzerten sind etwa 450 bekannt.

Der Barockstil war charakteristisch für die Zeit, in der Vivaldi lebte und arbeitete. Die Dramatik der Musik, der Kontrast zwischen Chor und Solist, Stimmen und Instrumenten verblüffte das Publikum. Führend Barockinstrumente war: Violine, Cembalo, Orgel.

Die Kompositionen von Vivaldis Konzerten wechselten Solo- und Orchesterparts ab. Das Kontrastprinzip bestimmte die dreiteilige Form des Konzerts.

Der Höhepunkt von Vivaldis Schaffen ist der 1723 entstandene Zyklus „Die Jahreszeiten“. Er kombinierte vier Konzerte für Solovioline und Streichorchester. Jeder von ihnen besteht aus drei Teilen, die drei Monate darstellen. In diesen Konzerten folgt die Musik genau den Bildern der poetischen Sonette, mit denen der Komponist den Inhalt jedes einzelnen Konzerts des Zyklus offenbart: „Frühling“, „Sommer“, „Herbst“, „Winter“. Es wird angenommen, dass die Sonette vom Komponisten selbst geschrieben wurden.

Die Musik hat einen tiefen Subtext, der allgemein für die Barockkunst charakteristisch ist. Das bedeutet auch Mensch Lebenszyklus: Kindheit, Jugend, Reife und Alter.

Konzert „Frühling“ beginnt mit einer fröhlichen, unbeschwerten Melodie, deren jede Note von der Freude über die Ankunft des Frühlings zeugt. Die Geigen imitieren wunderbar den Gesang der Vögel. Doch dann donnert der Donner. Das unisono spielende Orchester imitiert mit seinem bedrohlichen, schnellen Klang den Klang des Donners. In tonleiterartigen Passagen sind von den Geigern Blitze zu hören. Wenn das Gewitter vorüberzieht, dann ist in jedem Geräusch wieder die Freude über den Einzug des Frühlings zu spüren. Die Vögel singen wieder und kündigen die Ankunft des Frühlings an.

Konzert „Sommer“. Die Trägheit der Hitze wird durch den leisen Klang der Musik vermittelt, als wäre der Atem der Natur selbst zu hören, der nur vom Gesang der Vögel übertönt wird. Erst der Kuckuck, dann der Stieglitz. Und plötzlich - ein kalter Nordwindstoß, ein Vorbote eines Gewitters. Und dann brach der Sturm aus. Windböen, Blitze und Melodieklänge folgen einander, ohne anzuhalten, und der Höhepunkt wird zum beeindruckenden Gleichklang des gesamten Orchesters.

Konzert „Herbst“ zeichnet eine Jagd. Die Musik zeigt eine Verfolgungsjagd, bellende Hunde, Pferderennen und den Klang von Jagdhörnern, Schüssen und dem Brüllen eines verwundeten Tieres.

IN Konzert „Winter“ Der Komponist erreicht den Höhepunkt des künstlerischen Ausdrucks. Schon in den ersten Takten wird das Gefühl der stechenden Winterkälte meisterhaft vermittelt. Ihre Zähne klappern vor Kälte, Sie möchten mit den Füßen stampfen, um sich aufzuwärmen, und der heftige Wind heult.

Aber auch im Winter gibt es Freuden. Zum Beispiel Eislaufen. In unterhaltsamen „taumelnden“ Passagen der Violine veranschaulicht Vivaldi, wie leicht man auf Eis ausrutscht. Vivaldi benutzt Literaturprogramm in seinem Konzert war er der Begründer der Programmmusik.

Ich denke, dass die Natur oft als Anreiz für die Kreativität eines Künstlers, Komponisten, Dichters fungiert, als Quelle bestimmter Gefühle, Emotionen und Stimmungen, die sie in ihren Werken ausdrücken. Die Schönheit der Natur inspiriert Komponisten, Künstler und Dichter zu Kunstwerken. In der Kulturgeschichte war die Natur oft Gegenstand der Bewunderung und Reflexion.

Was ist das Geheimnis der Popularität der Musik von Antonio Vivaldi?

Das „Seasons“-Konzert wird mit der emotionalen Stimmung eines Menschen in Verbindung gebracht. Wenn wir die Musik des Komponisten hören, verstehen wir gut, was diesen Mann glücklich und traurig machte, was er anstrebte, worüber er nachdachte und wie er die Welt wahrnahm.

Die Wahrnehmung der umgebenden Welt, die in Vivaldis Musik erklingt, ist positiv und lebensbejahend. Gefühle, Gedanken, Erfahrungen moderner Mann haben sich im Vergleich zur Vergangenheit überhaupt nicht verändert. Deshalb ist sein Stil für ein breites Publikum erkennbar; die Musik ist hell und verliert nie ihre Farben. Dies ist wahrscheinlich das Geheimnis der Popularität der Musik des Komponisten Antonio Vivaldi.

Dokumentinhalte anzeigen
„000 Concert Seasons Vivaldi-Projekt“

Gemeindehaushalt Bildungseinrichtung

Sekundarschule Nr. 1

Projektarbeit:

(Der Jahreszeitenzyklus von Antonio Vivaldi)

Aufsicht: Vakulenko Galina Alexandrowna,

Musiklehrer

Planen:

Einführung ………………………………………………………………………...

Hauptteil…………………………………………………………………

2.1. Was ist ein „Konzert“? Entstehungs- und Entwicklungsgeschichte des Genres..……….

2.2. Besonderheiten der Musik des Barock………………………………………………………………

2.3. Kurze Biographie von Antonio Vivaldi…………………………………….

2.4. Konzertzyklus „Die Jahreszeiten“ von A. Vivaldi……………………………

2.5. Ballett „Die Jahreszeiten“ zur Musik von Antonio Vivaldi………………………

Abschluss……………………………………………………………………..

Referenzliste……………………………………………………………

I. Einleitung

Das Thema meines Projekts ist „Instrumentalkonzert“. Ich beschloss, mein Wissen über Antonio Vivaldis Konzertreihe „Die vier Jahreszeiten“ zu vertiefen. In der Kulturgeschichte war die Natur oft Gegenstand der Bewunderung und Reflexion. Sehr oft versuchte ein Mensch, sein Gefühl für die Natur, seine Einstellung dazu in der Kunst auszudrücken.

Viele literarische, bildnerische und musikalische Werke sind mit Bildern der Natur verbunden. Dies sind Gedichte von A. Puschkin, S. Yesenin, F. Tyutchev, Gemälde von I. Levitan, Musik von E. Grieg, P. Tschaikowsky.

Ziel Meine Forschung soll herausfinden:

Wie Kunst und Natur zusammenhängen, welche Gefühle sie bei Komponisten hervorruft.

Was ist das Geheimnis der Popularität der Musik von Antonio Vivaldi?

Um das Forschungsziel zu erreichen, ist es notwendig, Folgendes zu lösen: Aufgaben:

1. Studieren Sie die Entstehungs- und Entwicklungsgeschichte des Konzertgenres.

2. Machen Sie sich mit den Merkmalen des Barock vertraut, in dem das Konzertgenre entstand und das Leben des Komponisten Antonio Vivaldi verlief.

3. Machen Sie sich mit der Arbeit von Antonio Vivaldi vertraut.

4. Hören Sie sich das „Seasons“-Konzert an und analysieren Sie Ihre Eindrücke.

5. Informieren Sie sich im Internet über das Ballett „Die vier Jahreszeiten“ zur Musik von Vivaldi.

Zur Umsetzung der vorgestellten Aufgaben werden verwendet: Methoden Forschung:

Suchen Sie im Internet nach Material über das Werk des Komponisten Antonio Vivaldi, die Barockzeit, die Entstehungs- und Entwicklungsgeschichte des Konzertgenres.

Studium und Analyse von Material zum Projektthema in Musikalische Literatur.

Suchen Sie nach einer Videoaufzeichnung des Konzerts „Die vier Jahreszeiten“ von A. Vivaldi, sehen Sie sich Ihre Eindrücke an und analysieren Sie sie.

Analyse des gesammelten Materials, dessen Systematisierung und Erstellung einer Präsentation für den Bericht

II . Hauptteil

2.1. Was ist ein „Konzert“? Entstehungs- und Entwicklungsgeschichte des Genres.

Konzert(aus dem Italienischen Konzert- Harmonie, Übereinstimmung und aus dem Lateinischen Konzert- konkurrieren) - ein Musikstück, meist für ein oder mehrere Soloinstrumente mit einem Orchester.

Das Konzert erschien in Italien an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert als vokalpolyphones Werk der Kirchenmusik (spirituelles Konzert) und entwickelte sich aus der von Vertretern weit verbreiteten Gegenüberstellung von Chören Venezianische Schule. ( Concerticclesiastici für Doppelchor von Adriano Banchieri).

Vertreter der venezianischen Schule waren weit verbreitet spirituelles Konzert Instrumentalbegleitung, wie insbesondere „One Hundred Spiritual Concertos“ von Lodovico da Viadana, geschrieben 1602-1611 für 1-4-stimmigen Gesang mit Digitalbass.

C Zu Beginn des 17. Jahrhunderts verbreitete sich das Prinzip des „Konkurrierens“ mehrerer Solostimmen allmählich auch auf die Instrumentalmusik (Suiten).

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts entstanden Werke, die auf der kontrastierenden Gegenüberstellung eines Orchesters (tutti) und eines Solisten oder einer Gruppe von Soloinstrumenten (in Concerto Grosso) und einem Orchester beruhten.

Die ersten Beispiele solcher Konzerte stammen von Giovani Bononcini und Giuseppe Torelli, aber sie Kammerarbeiten waren für eine kleine Besetzung eine Übergangsform von der Sonate zum Konzert; Tatsächlich nahm das Konzert in der 1. Hälfte des 18. Jahrhunderts durch die Werke von Arcangelo Corelli und insbesondere Antonio Vivaldi Gestalt an – als dreiteilige Komposition mit zwei extremen Teilen in schnellem Satz und einem langsamen Mittelteil. Gleichzeitig gab es auch eine Form des sogenannten Ripieno-Konzerts (italienisch). ripieno- komplett) - ohne Soloinstrumente; so sind viele der Vivaldi- und Brandenburgischen Konzerte von J. S. Bach.

In Konzerten der 1. Hälfte des 18. Jahrhunderts, wie sie in den Werken der bedeutendsten Vertreter des Barock präsentiert werden, lag den schnellen Teilen meist ein, seltener zwei Themen zugrunde, die im Orchester unverändert ausgeführt wurden als Refrain; der Part des Solisten war meist virtuoser Natur; Johann Sebastian Bach und Georg Friedrich Händel schrieben Konzerte in diesem Stil.

In der 2. Hälfte des 18. Jahrhunderts in den Werken von „ Wiener Klassiker„Die klassische Struktur des Konzerts wurde geformt.

1 Teil. Allegro in Sonatenform.

Teil 2. Langsam, meist in Form einer Arie, in 3 Teilen.

Teil 3. Schnell, in Form eines Rondo oder Themas mit Variationen.

Habe diese Struktur gelegt Joseph Haydn und Wolfgang Amadeus Mozart, später etablierte es sich im Werk Ludwig van Beethovens.

Die Entwicklung der Konzertgattung als Komposition für ein oder mehrere („Doppel-“, „Dreifach“-, „Vierfach“-Konzert) Soloinstrumente mit Orchester setzte sich im 19. Jahrhundert in den Werken von Niccolo Poganini, Robert Schumann, Felix Mendelssohn fort. Franz Liszt, Pjotr ​​​​Tschaikowsky und viele andere Komponisten. Gleichzeitig kam es in den Werken romantischer Komponisten zu einer Abkehr von der klassischen Form des Konzerts, insbesondere entstand ein einsätziges Konzert aus kleiner und großer Form, das im Aufbau einer symphonischen Dichtung entsprach , mit seinem charakteristischen Prinzip der „End-to-End-Entwicklung“.

Komponisten wandten sich im 20. Jahrhundert häufig dem Genre des Konzerts zu: weithin bekannt Klavierkonzerte Sergej Rachmaninow, Sergej Prokofjew, Dmitri Schostakowitsch, Igor Strawinsky.

Im 18. und 20. Jahrhundert entstanden Konzerte für fast alle „klassischen“ europäischen Instrumente – Klavier, Violine, Cello, Bratsche und sogar Kontrabass.

2.2. Merkmale der Barockmusik.

B Arocco- einer der dominierenden Stile in der Architektur und Kunst Europas und Lateinamerika Ende des 16. – Mitte des 18. Jahrhunderts. Kommt vermutlich aus dem Portugiesischen – eine Perle von bizarrer Form.

Tatsächlich ist dies eine Perle in einer Kette von Veränderungen künstlerische Werte in Malerei, Architektur, Bildhauerei und Musik. Für den Barockmeister war es wichtig, die göttliche Schönheit des Lebens einzufangen. Mit dem Aufkommen des Barock demonstrierte die Musik ihre Fähigkeiten in der Welt emotionaler Erlebnisse. Als Barockzeit wird die Zeit zwischen 1600 und 1750 angesehen. In diesen anderthalb Jahrhunderten wurden musikalische Werke erfunden, die noch heute existieren. Am Ursprung der Tradition der Barockkunst in der Malerei stehen zwei große italienische Künstler – Caravaggio und Annibale Carracci, die am meisten geschaffen haben bedeutende Arbeit im letzten Jahrzehnt des 16. Jahrhunderts – dem ersten Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts.

Komponisten des Barock arbeiteten in verschiedenen Musikgenres.Oper , das in der Spätrenaissance erschien, wurde zu einer der wichtigsten Musikformen des Barock. Man kann sich an die Werke von Meistern des Genres wie Alessandro Scarlatti (1660-1725), Händel, Claudio Monteverdi und anderen erinnern. GenreOratorien erreichte den Höhepunkt seiner Entwicklung in den Werken von I.S. Bach und Händel.

Formen geistlicher Musik wie zMasse Und Motette , sind weniger beliebt geworden, aber in FormKantaten schenkte vielen Komponisten Aufmerksamkeit, darunter Johann Bach. Es haben sich so virtuose Kompositionsformen entwickelt wieokkata Und Fuge.

InstrumentalSonaten Und Suiten wurden sowohl für Einzelinstrumente als auch für Kammerorchester geschrieben.

Im Laufe dieser anderthalb Jahrhunderte hat die Musik unglaubliche Veränderungen erfahren: Es wurden Formen „erfunden“, die Jahrhunderte überdauerten, lange Jahre Es entstand eine völlig neue harmonische Sprache.

In dieser Zeit entstehen zwei Arten von Konzerten:

Concerto Grosso(Vergleich des gesamten Ensembles (Tutti) mit mehreren Instrumenten);

Solokonzert(Wettbewerb zwischen einem virtuosen Solisten und einem Orchester).

Hunderte Werke von Corelli, Vivaldi, Albinoni und

andere Komponisten für ein Instrument und Ensembles zeugen von der erstaunlichen Vitalität des italienischen Stils, der ganz Europa eroberte.

Werke für Tasteninstrumente wurden von Komponisten häufig zu ihrem eigenen Vergnügen oder als Lehrmaterial geschrieben. Solche Werke sind die reifen Werke von I. MIT. Bach, die allgemein anerkannten intellektuellen Meisterwerke des Barock: „Das Wohltemperierte Klavier“, „Goldberg-Variationen“ und „Die Kunst der Fuge“.

2.3. Kurze Biographie von Antonio Vivaldi.

Antonio Vivaldi ist ein herausragender italienischer Komponist, ein unvergleichlicher Geigervirtuose und ein brillanter Dirigent, der an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert lebte.

Vivaldi wurde am 4. März 1678 in Venedig in der Familie eines professionellen Geigers geboren: Sein Vater spielte im Markusdom und nahm auch an Opernproduktionen teil. Der rothaarige Priester war der Spitzname, der Antonio Vivaldi in den Memoiren von Carlo Goldoni gegeben wurde. Und tatsächlich war er sowohl ein Rotschopf als auch ein Priester.

Bereits im Alter von 12 Jahren ersetzte Vivaldi seinen Vater im besten Stadtorchester und wurde mit 15 Jahren zum Mönch geweiht. Im Alter von 25 Jahren wurde Vivaldi als erster Geiger seiner Heimatstadt Venedig anerkannt, zehn Jahre später wurde er einer von ihnen berühmte Komponisten Europa.

Antonio erhielt eine kirchliche Ausbildung und bereitete sich darauf vor, Priester zu werden. Doch kurz nach seiner Priesterweihe (1703), die ihm das Recht einräumte, selbst die Messe zu zelebrieren, lehnte er dies mit der Begründung ab, sein Gesundheitszustand sei angeschlagen (er litt an Asthma, die Folge einer Brustverletzung, die er sich bei der Geburt zugezogen hatte).

1703 wurde er als Geigenlehrer am Ospedale delle Pietà aufgeführt. Der klösterliche Rang ermöglichte es Vivaldi, zu werden musikalischer Leiter Frauenkonservatorium Ospedalle della Pieta. Damals wurden in Konservatorien musikfähige Kinder im Alter von 7 bis 18 Jahren ausgebildet. Der Hauptzweck von Wintergärten bestand darin, Personal auszubilden Opernhaus: Sänger, Sänger, Orchesterspieler, Komponisten. Vivaldi brachte seinen Schülern Gesang, Cembalo, Violine, Flöte, Generalbass und Kontrapunkt (Komponieren von Musik) bei. Das Wichtigste in seiner Arbeit blieben jedoch die wöchentlichen Konzerte des Konservatoriumsorchesters oder, wie man damals sagte, der Kapelle. Im Orchester spielten nur Mädchen. Unter der Leitung von Vivaldi gelang ihnen eine solche Meisterschaft, dass Zuhörer aus ganz Europa zu ihren Auftritten kamen. Der Komponist selbst trat mit der Kapelle als Soloviolinist auf und komponierte dafür eine Vielzahl von Konzerten, mehr als 450.

Antonio Vivaldi schrieb Opern für die Theater von Venedig (und war an deren Produktion beteiligt). Als virtuoser Geiger gab er Konzerte in Italien und anderen Ländern. Seine letzten Lebensjahre verbrachte er in Wien. Er starb am 28. Juli 1741 hier in Wien.

2.4. Konzert „Die Jahreszeiten“ von Antonio Vivaldi.

Die Nachahmung von Vogelstimmen war bei Musikern aller Zeiten beliebt. Denker, Wissenschaftler und Musiker suchten im Gesang der Vögel nach den Ursprüngen der Musik. Nicht umsonst ist die Nachtigall zu einem Symbol der Kunst überhaupt geworden, und der Vergleich damit ist ein Lob für die Sängerin. Barockkomponisten haben viele wunderschöne Vogelmusik geschrieben.“ „Swallow“ von K. Daken, „The Nightingale in Love“ von F. Couperin, „Cuckoos“ von A. Vivaldi. Das fortschrittlichste Instrument im Barock war die Geige. Die Geige ist das wichtigste Instrument des Orchesters, das „Aschenputtel“ des modernen Sinfonieorchesters. Sie hat einen wunderbaren Klang und eine unglaubliche Reichweite. A. Vivaldi zeigte in seinen Werken die Helligkeit und Schönheit des Klangs der Geige als Soloinstrument.

Der 1723 geschaffene Komponist widmete die vier Vier-Jahreszeiten-Konzerte dem Winter, Frühling, Sommer und Herbst. Jeder von ihnen besteht aus drei Teilen, die drei Monate darstellen.

Für jedes Konzert schrieb Vivaldi ein Sonett als literarisches Programm. Die Idee des Komponisten beschränkt sich natürlich nicht nur auf das Thema des Wechsels der Jahreszeiten in der Natur. Die Musik hat einen tiefen Subtext, der allgemein für die Barockkunst charakteristisch ist. Dies umfasst den menschlichen Lebenszyklus (Kindheit, Jugend, Reife und Alter), die vier italienischen Regionen von Ost nach West, die vier Viertel des Tages von Sonnenaufgang bis Mitternacht und vieles mehr. Allerdings bedient sich der Komponist einer einprägsamen Bildsprache Musikalische Techniken und Humor ist ihm nicht fremd: Hin und wieder hören wir Hundegebell, Insektensummen und Donnerschläge. Und die präzise Form und die großartigen Melodien machten diese Werke zu Meisterwerken hoher Kunst.

1. KONZERT - „FRÜHLING“ (L.A. PRIMAVERA )

ICH H.Allegro .

Mit schallendem Gesang die Ankunft des Frühlings begrüßen,

Vögel fliegen in den blauen Weiten,

Und Sie können das Plätschern des Baches und das Rascheln der Blätter hören,

Der Zephyr schwankt mit einem Atemzug.

Doch dann grollen Donner und Blitzpfeile

Der Himmel schickt, gekleidet in plötzliche Dunkelheit,

Und das ist alles - Frühlingstage Zeichen!

Der Sturm hat nachgelassen, der Himmel hat sich aufgehellt,

Und wieder kreist ein Vogelschwarm über uns,

Die Luft erfüllte sich mit fröhlichem Gesang.

II H. Largo und Pianissimo.

Unter den Blumen, mit einem Schäferhund - einem treuen Freund,

Der Hirte legte sich nieder; sie schlafen süß

Zum Rascheln des Grases, zum Lärm der Blätter eines Liebhabers,

III H.Allegro .

Der Klang von Dudelsäcken breitet sich über die Wiese aus,

Wo sich der Reigen fröhlicher Nymphen dreht,

Erleuchtet mit magischem Frühlingslicht.

Das Konzert beginnt mit einer fröhlichen, unbeschwerten Melodie, deren jede Note von der Freude über die Ankunft des Frühlings zeugt. Die Geigen imitieren wunderbar den Gesang der Vögel. Doch dann donnert der Donner. Das unisono spielende Orchester imitiert mit seinem bedrohlichen, schnellen Klang den Klang des Donners. In tonleiterartigen Passagen sind von den Geigern Blitze zu hören. Wenn das Gewitter vorüberzieht, dann ist in jedem Geräusch wieder die Freude über den Einzug des Frühlings zu spüren. Die Vögel singen wieder und kündigen die Ankunft des Frühlings an.

Die schwebende Melodie einer Solovioline illustriert den süßen Traum eines Bauern. Alle anderen Geigen zeigen das Rascheln von Blättern. Die Bratschen stellen das Bellen eines Hundes dar, der den Schlaf seines Besitzers bewacht. Der Frühlingsteil endet mit einem pastoralen Tanz.

Ein Aufruhr an Energie und fröhlicher Stimmung korrespondiert mit dem Ende des Frühlings, die Helligkeit der Farben weist auf das Erwachen der Natur hin. Vivaldi konnte die gesamte Palette natürlicher Farben mit den Klängen eines Orchesters vermitteln, alle Schattierungen der Freude mit Passagen von Violinen!

2. KONZERT - „SOMMER“ (LESTATE )

ICH H.Andantino (Einführung)

Die Herde wandert träge umher, das Gras verdorrt,

Von der schweren, erstickenden Hitze

Jedes Lebewesen leidet und schmachtet.

II H.Allegro .

Der Kuckuck singt in der Stille des Eichenwaldes,

Die Turteltaube gurrt im Garten, und zwar zärtlich

Die Brise seufzt... Doch plötzlich die Rebellion

Boreas stieg auf und fegte wie ein Wirbelwind durch den Himmel

Und der Hirtenjunge weint und verflucht sein Schicksal.

III H.Adagio e Klavier

Er hat Angst, wenn er in der Ferne Donner hört,

Erstarrt vor Angst vor Blitzen,

Ein Schwarm wilder Mücken quält ihn ...

IV H.Presto

Aber hier ist ein Gewitter, brodelnde Bäche

Von steilen Höhen in Täler fallen,

Brüllen, Toben in ungeernteten Feldern,

Und grausamer Hagel trifft die Stolzen

Abreißen der Köpfe von Blumen und Getreide.

Die Trägheit der Hitze wird durch den leisen Klang der Musik vermittelt, als wäre der Atem der Natur selbst zu hören, der nur vom Gesang der Vögel übertönt wird. Erst der Kuckuck, dann der Stieglitz. Und plötzlich - ein kalter Nordwindstoß, ein Vorbote eines Gewitters. Der Wind bläst das Gewitter weg und die Stimmung der Erschöpfung durch die Hitze kehrt zurück. Die Geige vermittelt die Intonation der Beschwerde. Das ist die Klage des Hirten, seine Angst vor den unerbittlichen Elementen der Natur. Und wieder bricht der Wind herein und das bedrohliche Donnergrollen des herannahenden Gewitters. Der dynamische Kontrast der Melodien lässt keinen Zweifel daran, dass die Elemente sich nähern.

Plötzlich herrscht Ruhe, das ist vor dem Sturm ... Und dann löst sich der Sturm auf. Der Himmel öffnet sich und Wasserströme, dargestellt durch gammaförmige Gänge, ergießen sich auf die Erde. Windböen, Blitze und Melodieklänge folgen einander, ohne anzuhalten, und der Höhepunkt wird zum beeindruckenden Gleichklang des gesamten Orchesters.

3. KONZERT - „HERBST“ (L " HERBST )

ICH H.Allegro

Belebende Luft, klares Wetter,

Gärten und Haine in herbstlicher Dekoration;

Glücklicher Pflüger, der festlichen Spaß hat

Trifft die goldene Zeit des Jahres.

Auf den Feldern wurde eine hervorragende Ernte eingefahren,

Das Ende der Arbeit, die Last der Sorgen hat nachgelassen,

Jetzt ist die Zeit für Lieder, Spiele und Tänze!

Aus den Fässern fließt das unschätzbare Geschenk des Bacchus,

Und wer das Glas bis zum letzten Tropfen leert,

Er rundet das Glück mit einem tiefen Schlaf ab.

II H. Adagio ( Traum)

III H. Allegro

Hörner ertönen und ein Rudel Hunde streift umher;

Jäger im Schatten eines dichten Waldes

Sie folgen der Spur und überholen das Biest.

Die Nähe des drohenden Untergangs spürend,

Das Biest raste wie ein Pfeil, aber das böse Rudel

Er wurde in einem dunklen Dickicht in den Tod getrieben.

Der Herbstteil beginnt mit Tanz und Gesang der Bauern. Nachdem das Gewitter kommt Herbstferien Ernte. Der Rhythmus der Melodien vermittelt eine fröhliche Stimmung. Die Bauern tanzen mit unsicherem Gang, sie singen, obwohl die Worte schwer zu verstehen sind.

Am Ende des Liedes erstarrt die Geige und alle fallen in einen ruhigen Schlaf. Die Nacht bricht leise herein und erzeugt geheimnisvolle und trügerische Geräusche.

Die Herbstjagd beginnt. Die Musik zeigt eine Verfolgungsjagd, bellende Hunde, Pferderennen und den Klang von Jagdhörnern, Schüssen und dem Brüllen eines verwundeten Tieres.

4- Th KONZERT - " WINTER"(LINVERNO)

ICH H. Allegro Popmolto

Die Straße breitet sich aus wie eine frostige Oberfläche,

Und ein Mann mit kalten Füßen

Den Weg zertrampeln, mit den Zähnen klappern,

Läuft, um sich zumindest ein wenig aufzuwärmen.

II H.Largo

Wie glücklich ist derjenige, der Wärme und Licht hat

Sie schützte ihren heimischen Herd vor der Winterkälte, -

Lass den Schnee und den Wind dort draußen wütend sein ...

III H.Allegro

Auf Eis zu laufen ist gefährlich, aber selbst das

Spaß für die Jugend; sorgfältig

Sie gehen an einem rutschigen, unzuverlässigen Rand entlang;

Da sie nicht widerstehen können, fallen sie gewaltig

Auf dünnem Eis - und sie laufen vor Angst davon,

Die Schneedecken wirbeln wie ein Wirbelwind;

Es ist, als wären wir aus der Gefangenschaft entkommen,

Der Gegenwind tobt, in die Schlacht

Bereit, sich gegeneinander zu wenden.

Der Winter ist hart, aber es gibt Momente der Freude

Manchmal mildern sie ihr raues Gesicht.

In diesem Konzert erreicht der Komponist den Höhepunkt seines künstlerischen Ausdrucks. Bereits in den ersten Takten wird das Gefühl der stechenden Winterkälte meisterhaft vermittelt (unter eisigen Windböen zittern alle Lebewesen im Schnee).

Auch für Vivaldi ist das Ende des Winters ein Vorbote Neuer Frühling. Daher gibt es trotz der Traurigkeit der kalten Jahreszeit weder in der Musik noch in der Poesie Pessimismus. Die Arbeit endet recht optimistisch. Sehr kalt. Ihre Zähne klappern vor Kälte, Sie möchten mit den Füßen stampfen, um sich aufzuwärmen, und der heftige Wind heult. Aber auch im Winter gibt es Freuden. Zum Beispiel Eislaufen. In unterhaltsamen „taumelnden“ Passagen der Violine veranschaulicht Vivaldi, wie leicht man auf Eis ausrutscht.

Doch dann wehte ein Südwind – das erste Zeichen des nahenden Frühlings. Und es entbrennt ein Kampf zwischen ihm und dem Nordwind. Mit dem Sieg des Südwinds und dem Beginn des Frühlings wird diese Konfrontation früher oder später enden, aber mit dieser stürmischen, dramatischen Szene der Konfrontation enden „Winter“ und der Zyklus der Jahreszeiten.

Vivaldi, der in seinem Konzert ein literarisches Programm verwendete, war der Begründer der Programmmusik. Im 19. Jahrhundert entstand die Programmmusik – ein darauf basierendes Werk literarische Grundlage.

Programmmusik - eine Art Instrumentalmusik. Dabei handelt es sich um Musikwerke, die ein verbales, oft poetisches Programm haben und den darin eingeprägten Inhalt offenbaren.

Konzerte im Werk von A. Vivaldi stellten eine Fortsetzung der Entwicklung des Instrumentalkonzertgenres dar und erhielten eine fertige Form, die zum Vorbild wurde nachfolgende Generationen Europäische Komponisten.

2.5. Ballett „Die Jahreszeiten“ zur Musik von Antonio Vivaldi.

Musik ist eine der Kunstformen. Wie Malerei, Theater, Poesie ist es eine figurative Widerspiegelung des Lebens. Jede Kunst spricht ihre eigene Sprache. Musik – die Sprache der Klänge und Intonationen – zeichnet sich durch ihre besondere emotionale Tiefe aus. Es war diese emotionale Seite, die man spürte, wenn man die Musik von A. Vivaldi hörte.

Musik hat einen starken Einfluss auf die innere Welt eines Menschen. Es kann Freude bereiten oder im Gegenteil starke psychische Ängste hervorrufen, zum Nachdenken anregen und dem Zuhörer bisher unbekannte Aspekte des Lebens offenbaren. Es ist Musik, die die Fähigkeit besitzt, Gefühle auszudrücken, die so komplex sind, dass sie manchmal nicht mit Worten zu beschreiben sind.

Wenn ein Solist und ein Orchester im Können konkurrieren, müssen sie auf jeden Fall für das Publikum spielen. Es liegt in diesem ständigen Wechsel des Klangs des Orchesters und der hell klingenden Solovioline, im Gefühl von Theater und Diskussion, in der Harmonie und Harmonie musikalische Form die charakteristischen Merkmale der Barockmusik sind spürbar.

1984 entstand ein wunderbares Ballett zur Lieblingsmusik von Vivaldi. Es wurde auf dem berühmten Markusplatz in Venedig aufgeführt. In Abwesenheit Theaterkulisse Hintergrund war die byzantinische Architektur der Kathedrale. Vor dem Hintergrund antiker Steine ​​und architektonischer Formen erhielt der Tanz neue Dimensionen. In einem offenen Raum, in dem keine Wände vorhanden sind, ist die Luft in Bewegung und wird spürbar und in das Geschehen einbezogen. Der Wind betont effektiv Kleidung und Körperlinien.

Besonders beeindruckend ist es im Herbst – die skulpturalen Formen der Tänzer sind nicht klassisch ruhig, sondern Vivaldi-barock, angespannt, ungestüm, die Falten der Kleidung flattern. Darüber hinaus reimt sich der Wind, die ständige Bewegung der Luft, auf das Gesamtthema – auf die Bewegung der Zeit.

Der Aufbau der Produktion ist einfach und durch die Struktur definiert Musikstück. Zu vier Konzerten (Frühling, Sommer, Herbst, Winter), jeweils in drei Teilen, insgesamt 12 Nummern, wurde als Abschluss eine 13. Nummer hinzugefügt (wieder zur Musik von „Frühling“).

Die strenge mathematische Struktur diktiert die strenge geometrische Choreographie – die Handlung besteht sowohl aus Linien als auch aus Figuren. Die Musik Vivaldis und der Tanz der Duette, Trios und Ensembles verschmelzen zu einem Ganzen.

III . Abschluss

Was ist das Geheimnis dieser Popularität von A. Vivaldi? Musik – die Sprache der Klänge und Intonationen – zeichnet sich durch ihre besondere emotionale Tiefe aus. Es war diese emotionale Seite, die man spürte, wenn man die Musik von A. Vivaldi hörte.

Wie soll es sein emotionaler Zustand ein Mensch, der die Natur so wahrnimmt? Im „Frühlings“-Konzert herrscht Freude, Glücksgefühle, Jubel, Triumph, Freude. Durch eine ganze Reihe von Gefühlen offenbart sich die Schönheit des Frühlings und die Erneuerung des Lebens.

Sonette spielen eine große Rolle beim Verständnis von Musik. Die Musik folgt eng den Bildern des Gedichts. Der literarische Text ähnelt dem musikalischen Text und handelt auch vom menschlichen Zustand, seinen Gefühlen, die durch die Ankunft des Frühlings verursacht werden.

Wenn wir die Musik des Komponisten hören, verstehen wir gut, was diesen Mann glücklich und traurig machte, was er anstrebte, worüber er nachdachte und wie er die Welt wahrnahm.

Wie hängen Natur und Kunst zusammen? Ich denke, dass die Natur oft als Stimulus für die Kreativität eines Künstlers, Komponisten, Dichters fungiert, als Quelle bestimmter Gefühle, Emotionen, Stimmungen, die sie in ihren Werken ausdrücken (inspiriert die Schaffung von Kunstwerken). Der Dichter besteht aus Worten, der Künstler besteht aus Farben, der Komponist besteht aus Klängen.

Das „Seasons“-Konzert ist mit der emotionalen Stimmung der Menschheit verbunden. Die Wahrnehmung der umgebenden Welt, die in Vivaldis Musik erklingt, ist positiv und lebensbejahend. Die Gefühle, Gedanken und Erfahrungen des modernen Menschen haben sich im Vergleich zur Vergangenheit überhaupt nicht verändert. Deshalb ist sein Stil für ein breites Publikum erkennbar; die Musik ist hell und verliert nie ihre Farben. Dies ist wahrscheinlich das Geheimnis der Popularität der Musik des Komponisten Antonio Vivaldi.

IV . Referenzliste

Harnoncourt N. Programmmusik – Vivaldi-Konzerte op. 8 [Text] / N. Arnocourt // Sowjetische Musik. – 1991. – Nr. 11. – S. 92-94.

Beletsky I.V.. Antonio Vivaldi [Text]: eine kurze Skizze von Leben und Werk / I. V. Beletsky. – L.: Musik, 1975. – 87 S.

Zeyfas N. Ein alter Mann mit einer erstaunlichen unerschöpflichen Leidenschaft für Komposition [Text] / N. Zeyfas // Sowjetische Musik. – 1991. – Nr. 11. – S. 90-91.

Zeyfas N. Concerto grosso in den Werken Händels [Text] / N. Zeifas. – M.: Muzyka, 1980. – 80 S.

Livanova T. Geschichte der westeuropäischen Musik bis 1789 [Text]. In 2 Bänden. Lehrbuch. T. 1. Bis zum 18. Jahrhundert / T. Livanova. – 2. Aufl., überarbeitet. und zusätzlich – M.: Muzyka, 1983. – 696 S.

Lobanova M. Westeuropäischer Barock: Probleme der Ästhetik und Poetik [Text] / M. Lobanova. – M.: Muzyka, 1994. – 317 S.

Raaben L. Barockmusik [Text] / L. Raaben // Fragen Musikrichtung/ Staat Leningrad. Institut für Theater, Musik und Kinematographie. – Leningrad, 1978. – S. 4-10.

Rosenschild K. Geschichte ausländische Musik[Text]: Lehrbuch für Interpreten. Fak. Wintergärten. Fehler 1. Bis Mitte des 18. Jahrhunderts / K. Rosenschild. – M.: Muzyka, 1969. – 535 S.

Solovtsov A.A.. Konzert [Text]: Populärwissenschaftliche Literatur / A. A. Solovtsov. – 3. Aufl., hinzufügen. – M.: Muzgiz, 1963. – 60 S.

Präsentationsinhalte anzeigen
„000 Vivaldi-Instrumentalkonzerte“

Projektarbeit

Durchgeführt:

Antonova Sofia

Schüler der 6. Klasse

Wissenschaftlicher Betreuer: Vakulenko G.A.

Ziel des Projekts ist es herauszufinden:

- Wie hängen Kunst und Natur zusammen, welche Gefühle löst sie bei Komponisten aus?

• Was ist das Geheimnis der Popularität der Musik von Antonio Vivaldi?

Aufgaben:

1. Studieren Sie die Entstehungs- und Entwicklungsgeschichte des Konzertgenres.

2. Machen Sie sich mit den Merkmalen des Barock vertraut, in dem das Konzertgenre entstand und das Leben des Komponisten Antonio Vivaldi verlief.

3. Machen Sie sich mit der Arbeit von Antonio Vivaldi vertraut.

4. Hören Sie sich das „Seasons“-Konzert an und analysieren Sie Ihre Eindrücke.

5. Informieren Sie sich im Internet über das Ballett „Die vier Jahreszeiten“ zur Musik von Vivaldi.

Concerto Grosso

Solokonzert

Werkzeuggruppe

und das ganze Orchester

Solist-Virtuose

und das ganze Orchester

Antonio Lucio Vivaldi

(1678 - 1741)

Barockzeit

XVII – XVIII (1600-1750)

• Teil 1 – schnell, energisch, meist ohne langsame Einleitung

• Teil 2 – lyrisch, melodiös, bescheidener im Umfang

• Teil 3 – Finale, bewegend, brillant

Antonio Vivaldi"Jahreszeiten"

KONZERT - „FRÜHLING“

Mit schallendem Gesang die Ankunft des Frühlings begrüßen,

Vögel fliegen in den blauen Weiten,

Und Sie können das Plätschern des Baches und das Rascheln der Blätter hören,

Der Zephyr schwankt mit einem Atemzug.

Doch dann grollen Donner und Blitzpfeile

Der Himmel schickt, gekleidet in plötzliche Dunkelheit,

Und das ist alles – Zeichen der Frühlingstage!

...Der Sturm hat nachgelassen, der Himmel hat sich aufgehellt,

Und wieder kreist ein Vogelschwarm über uns,

Die Luft erfüllte sich mit fröhlichem Gesang.

KONZERT - „SOMMER“

Aber hier ist ein Gewitter, brodelnde Bäche

Von steilen Höhen in Täler fallen,

Brüllen, Toben in ungeernteten Feldern,

Und grausamer Hagel trifft die Stolzen

Abreißen der Köpfe von Blumen und Getreide.

KONZERT - „HERBST“

Hörner ertönen und ein Rudel Hunde streift umher;

Jäger im Schatten eines dichten Waldes

Sie folgen der Spur und überholen das Biest.

Die Nähe des drohenden Untergangs spürend,

Das Biest raste wie ein Pfeil, aber das böse Rudel

Er wurde in einem dunklen Dickicht in den Tod getrieben.

KONZERT - „WINTER“

Die Straße breitet sich aus wie eine frostige Oberfläche,

Und ein Mann mit kalten Füßen

Den Weg zertrampeln, mit den Zähnen klappern,

Läuft, um sich zumindest ein wenig aufzuwärmen.

Auf Eis zu laufen ist gefährlich, aber selbst das Spaß für die Jugend; sorgfältig entlang einer rutschigen, unzuverlässigen Kante gehen;

Da sie nicht widerstehen können, fallen sie gewaltig auf dünnem Eis - und sie laufen vor Angst davon, Schneedecken wirbeln wie ein Wirbelwind;

Es ist, als wären wir aus der Gefangenschaft entkommen, Gegenwinde toben, in die Schlacht bereit, gegeneinander anzutreten.