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Obwohl Japan weltweit als Land der aufstrebenden Technologien gilt, hat es die zeitgenössische zeitgenössische Kunst nicht eilig, mit der Tradition zu brechen. Die Ausstellung „Mono no Avare. Der Charme der Dinge“ ist eine traurige Geschichte über die conditio humana im Plastikzeitalter.

Mono No Awareness - ein ästhetisches Prinzip der japanischen Kultur, das der Ausstellung den Namen gab, bedeutet den traurigen Charme der Dinge, ein Gefühl der Faszination von der offensichtlichen und impliziten Schönheit der Dinge und Phänomene, mit einem obligatorischen Schatten von grundloser Traurigkeit durch einen Sinn für die illusorische Natur und Zerbrechlichkeit alles Sichtbaren. Es ist untrennbar mit der traditionellen japanischen Religion des Shintoismus verbunden. Shintoisten glauben, dass alle Dinge mit der spirituellen Essenz „Kami“ ausgestattet sind. Es existiert in jedem Objekt: sowohl in Holz als auch in Stein. "Kami" sind unsterblich und werden in den Kreislauf von Leben und Tod einbezogen, durch den alles auf der Welt ständig aktualisiert wird.

Und obwohl zeitgenössische Kunst eine internationale Sprache spricht, wird die japanische zeitgenössische Kunst, die in dieser Ausstellung präsentiert wird, besser aus der Perspektive ihrer Traditionen betrachtet.

Die einleitende Installation des Künstlers Hiraki Sawa nahm einen ganzen Raum ein und ist ein Schattentheater, in dem die Schauspieler Haushaltsutensilien sind. Sie wurde nach dem Prinzip einer Kindereisenbahn gebaut. Ein Zug mit Taschenlampe fährt durch die vom Künstler geschaffene Landschaft, ein Lichtstrahl lässt aus der Mikrowelt der Dinge eine Makrowelt entstehen. Und jetzt ist dies ein Birkenhain und keine senkrecht stehenden Bleistifte; und das sind Stromleitungen auf den Feldern und keine hängenden Wäscheklammern; und ein umgedrehtes Plastikbecken mit Griffen ist ein Tunnel. Die Arbeit heißt "Inside", sie wurde zuvor auf der Biennale in Venedig gezeigt.

Die Malerei von Shinishiro Kano kann als primitiver Surrealismus bezeichnet werden. In Kanos Stillleben befinden sich ein Basketball, der Planet Erde und Früchte auf einem Teller.

In dem Gemälde selbst befindet sich kein Gemälde, sondern nur ein in Öl gemalter Rahmen. Auf einer Leinwand ist eine Gottheitsfigur in einem roten Kimono mit einem roten Handtuch kombiniert, das an einem Haken auf der anderen aufgehängt ist. Geht es in dieser Bilderserie nicht um die illusorische Natur der Welt? Oder vielleicht hat jedes Ding einen Kami.

In dem Gemälde von Masaya Chiba gibt es vor dem Hintergrund eines wunderschönen Dschungels zwei Figuren: anthropomorphe Kreaturen, die von weißer Substanz heruntergekommen sind und kaum einem Mann und einer Frau ähneln. Sie sind wie orientalische Theaterpuppen an Stöcken befestigt. Materie ist sterblich, sie ist nur eine Hülle – als wollte uns der Autor sagen. Ein weiterer von ihm Malerarbeiten"Sleeping Man" ungefähr gleich. Es ist keine Person auf dem Bild, nur eine Handvoll Dinge auf der Ottomane: alte Fotografien und Postkarten, ausgewachsene Kakteen, Handschuhe, Lieblingsbänder, ein Gewürzglas und ein Werkzeugsatz.

Der Künstler Teppei Kanueji „skulptiert“ (gebautes Objekt) seine Person nach demselben Prinzip: Er klebt Hausmüll in Form eines anthropomorphen Wesens und überzieht ihn mit weißer Farbe.

Auf dem Boden ist ein riesiges Mandala mit Salz ausgekleidet, ein traditionelles Tempelritual für Japan, das offenbar aus dem Buddhismus stammt. Ein solches Schmuckstück fängt den Geist eines Labyrinths oder einer Karte eines mysteriösen Landes ein und wie gut es ist, dass im Museum kein Wind weht. Diese Installation ist einzigartig, der Künstler hat es für mehrere Tage in die Mauern des Museums geschafft. Es gibt auch eine interessante japanische Tradition: Sumo-Ringer streuen vor dem Kampf Salz auf den Boden.

Hiroaki Moritas Installation „From Evian to Volvik“ öffnet durchaus einen interessantes Thema modern für Japan - Kunststoffverarbeitung. Auf dem Glasregal liegt eine Flasche Evian-Wasser, der Schatten davon fällt genau in den Hals einer anderen Flasche Volvik, die auf dem Boden steht. Es entsteht die Illusion, dass Wasser von Flasche zu Flasche fließt. Auf den ersten Blick absurd. Diese konzeptionelle Arbeit symbolisiert für die Japaner nicht nur die Zirkulation von „kami“, also der spirituellen Essenz, sondern auch im wörtlichen Sinne das Prinzip des Recycle – der Wiederverwertung von Wertstoffen. Als Inselstaat war Japan einer der ersten, der lernte, Plastikmüll zu sammeln, zu sortieren und zu recyceln. Aus dem entstandenen Material werden nicht nur neue Flaschen und Turnschuhe nachgefertigt, sondern sogar künstliche Inseln geschaffen.

Teppei Kuneujis Installation gleicht auf den ersten Blick einer Müllsortierstation. Hier sind Kunststoffgegenstände in unterschiedlichen Abfolgen ausgelegt: Schaufeln, Formen, verschiedene Spielsachen, Kleiderbügel, farbige Zahnbürsten, Schläuche, Gläser und anderes. Mit weißem Puder bestäubt scheinen sie für eine Ewigkeit hier zu liegen. Wenn man zwischen diesen vertrauten, aber jetzt ungenutzten Objekten umhergeht und sie bereits losgelöst betrachtet, hat man das Gefühl, als würde man in einem Steingarten meditieren. In seinen Fotocollagen baut Teppei Kuneuji „im Kopf“ Türme aus Bauschutt. Aber das sind nicht so kinetische Ketten wie die des Künstlerduos Fishli und Weiss, sondern wie ein buddhistischer Sakralbau, bei dem Stein auf Stein ohne Bindematerial ruht.

Der Künstler Suda Yoshihiro platzierte ein kunstvoll gefertigtes Holz pinke Rose mit einem abgefallenen Blütenblatt. Wenn ich mir diesen sehr subtilen und poetischen Eingriff im Museum ansehe, möchte ich anfangen, in japanischen Versen des Haiku-Genres zu sprechen, wie: „Winter. Sogar eine Rose in einem Museum blüht für immer.“

Ein weiteres, nicht minder poetisches Werk, The Opposite of Volume, von Onishi Yasuaki bezieht sich auf das Werk des mittelalterlichen Malers und Zen-Mönchs Toyo Sesshu. Dieser japanische Klassiker ist berühmt dafür, ihn ins Land zu bringen aufgehende Sonne chinesische zeichnung monochrome Tinte.

Yasuakis Installation ist eine dreidimensionale Silhouette eines Berges aus grauem Polyethylen, auf die von der Decke Strahlen (wie Regen) aus gefrorenem, flüssigem Kunststoff fallen. Sie sagen, einen „leeren“ Berg unter einem Regenguss zu machen, als ob mit einem Monochrom Toyo-Gemälde Sessu, der Künstler, musste einen Berg aus Kisten bauen, ihn mit dünnem Polyethylen bedecken und dann heißes Plastik von der Decke tropfen lassen.

Abschließend die Kengo-Kito-Installation: Girlanden aus farbigen Plastik-Sportreifen, die herunterhängen, als würden „japanische Grüße“ nach Russland gebracht Olympische Spiele. Es ist merkwürdig, dass die Ausstellung „The Charm of Things“ Kunststoff als Material verwendet, mit dem japanische Künstler nicht nur ökologische, sondern auch spirituelle Themen berühren.

Die moderne japanische Kunstszene scheint vollständig globalisiert zu sein. Künstler reisen zwischen Tokio und New York, fast alle haben eine europäische oder amerikanische Ausbildung, sie sprechen in internationalem Kunstenglisch über ihre Arbeit. Dieses Bild ist jedoch noch lange nicht vollständig.

Nationale Formen und Trends erweisen sich als eines der begehrtesten Produkte, die Japan dem Weltmarkt zu bieten hat. künstlerische Ideen und funktioniert.

Flugzeugbetrieb. Wie Superflat amerikanische Geek-Kultur und traditionelle japanische Malerei verbindet

Wenn in der westlichen Welt für fast alle (außer vielleicht den eifrigsten postmodernen Theoretikern) die Grenze zwischen hoch und Popkultur ist immer noch relevant, wenn auch problematisch, in Japan sind diese Welten total gemischt.

Ein Beispiel dafür ist Takashi Murakami, der erfolgreich Ausstellungen in den besten Galerien der Welt und Streaming-Produktion kombiniert.

Aufzeichnung des Rundgangs durch die Murakami-Ausstellung „There will be gentle rain“

Allerdings ist Murakamis Verhältnis zur Populärkultur – und das ist für Japan vor allem die Kultur der Manga- und Anime-Fans (otaku) – komplizierter. Der Philosoph Hiroki Azuma kritisiert das Verständnis von Otaku als authentisches japanisches Phänomen. Otaku sieht sich direkt verbunden mit den Traditionen der Edo-Zeit des 17.-19. Jahrhunderts – der Ära des Isolationismus und der Ablehnung der Modernisierung. Azuma argumentiert, dass die Otaku-Bewegung – basierend auf Manga, Animation, Graphic Novels, Computerspielen – nur im Kontext der amerikanischen Nachkriegsbesatzung als Folge des Imports amerikanischer Kultur entstanden sein konnte. Die Kunst von Murakami und seinen Anhängern erfindet Otaku mit Pop-Art-Techniken neu und entlarvt den nationalistischen Mythos der Authentizität der Tradition. Es stellt eine "Reamerikanisierung der japanisierten amerikanischen Kultur" dar.

Aus künstlerischer Sicht kommt Superflat der frühen japanischen Ukiyo-e-Malerei am nächsten. Die meisten berühmtes Werk in dieser tradition - gravur " Eine große Welle in Kanagawa" von Katsushiki Hokusai (1823-1831).

Für die westliche Moderne war die Entdeckung der japanischen Malerei ein Durchbruch. Sie ermöglicht es, das Bild als Fläche zu sehen und sucht diese Eigenart nicht zu überwinden, sondern mit ihr zu arbeiten.

Pioniere der Leistung. Was bedeutet japanische Kunst der 1950er Jahre heute?

Dokumentation des Schaffensprozesses von Akira Kanayama und Kazuo Shiragi

Superflat nahm erst in den 2000er Jahren Gestalt an. Doch die für die Weltkunst bedeutsamen künstlerischen Aktionen begannen in Japan viel früher - und noch früher als im Westen.

Die performative Wende in der Kunst fand um die Wende der 60er und 70er Jahre des letzten Jahrhunderts statt. In Japan erschien die Aufführung in den fünfziger Jahren.

Zum ersten Mal hat die Gutai Group ihren Fokus von der Schaffung autarker Objekte auf den Prozess ihrer Herstellung verlagert. Von hier aus - ein Schritt zur Aufgabe des Kunstobjekts zugunsten eines ephemeren Ereignisses.

Obwohl einzelne Künstler aus Gutai (und es gab 59 von ihnen in zwanzig Jahren) aktiv im internationalen Kontext existierten und verstanden, wie sie kollektive Aktivität Die japanische Nachkriegskunst begann im Westen im Allgemeinen erst vor kurzem. Der Boom kam 2013 mit mehreren Ausstellungen in kleinen Galerien in New York und Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde im MoMA und der massiven historischen Retrospektive Gutai: Splendid Playground im Guggenheim Museum. Der Moskauer Import japanischer Kunst scheint eine fast verspätete Fortsetzung dieses Trends zu sein.

Es fällt auf, wie modern diese retrospektiven Ausstellungen wirken. Das zentrale Objekt der Ausstellung im Guggenheim-Museum ist beispielsweise die Rekonstruktion von Work (Water) von Sadamasa Motonaga, bei der die Ebenen der Museumsrotunde durch Polyethylenrohre mit farbigem Wasser verbunden sind. Sie erinnern an von der Leinwand abgerissene Pinselstriche und veranschaulichen Gutais zentralen Fokus auf „Konkretheit“. Japanischer Name Gruppen), die Materialität der Objekte, mit denen die Künstlerin arbeitet.

Viele Mitglieder von Gutai erhielten eine Ausbildung in Bezug auf die klassische Nihonga-Malerei, viele sind biografisch mit dem religiösen Kontext des Zen-Buddhismus verbunden, mit seiner Charakteristik Japanische Kalligrafie. Sie alle fanden einen neuen, prozessualen oder partizipativen Zugang zu alten Traditionen. Kazuo Shiraga hat auf Video aufgenommen, wie er seine Anti-Rauschenberg-Monochrombilder mit den Füßen zeichnet, und hat sogar Gemälde in der Öffentlichkeit geschaffen.

Minoru Yoshida verwandelte Blumen aus japanischen Drucken in psychedelische Objekte – ein Beispiel dafür ist die Bisexual Flower, eine der ersten kinetischen (bewegten) Skulpturen der Welt.

Die Kuratoren der Ausstellung im Guggenheim Museum sprechen über die politische Bedeutung dieser Werke:

„Die Gutai demonstrierten die Bedeutung freier individueller Aktionen, der Zerstörung der Erwartungen des Publikums und sogar der Dummheit als Mittel, um der sozialen Passivität und Konformität entgegenzuwirken, die es einer militaristischen Regierung über Jahrzehnte hinweg ermöglichten, eine kritische Masse an Einfluss zu gewinnen, in China einzumarschieren und dann schließen Sie sich dem Zweiten Weltkrieg an."

Gut und weise. Warum Künstler in den 1960er Jahren Japan nach Amerika verließen

Gutai war im Nachkriegsjapan die Ausnahme von der Regel. Avantgardistische Gruppierungen blieben marginal, die Kunstwelt war streng hierarchisch. Der Hauptweg zur Anerkennung war die Teilnahme an Wettbewerben anerkannter Vereinigungen klassischer Künstler. Viele zogen es daher vor, in den Westen zu gehen und sich in das englischsprachige Kunstsystem zu integrieren.

Besonders hart war es für Frauen. Selbst im fortschrittlichen Gutai erreichte der Anteil ihrer Präsenz nicht einmal ein Fünftel. Was können wir über traditionelle Institutionen sagen, für deren Zugang es notwendig war besondere Bildung. In den sechziger Jahren hatten sich Mädchen jedoch bereits das Recht dazu erworben, Kunst zu lernen (wenn es nicht um Dekoration ging, die zum Können gehörte Ryosai Kenbo- eine gute Ehefrau und eine weise Mutter) war ein gesellschaftlich verpönter Beruf.

Yoko Ono. geschnittenes Stück

Die Geschichte der Auswanderung fünf mächtiger japanischer Künstlerinnen aus Tokio in die Vereinigten Staaten war Gegenstand von Midori Yoshimotos Studie „Into Performance: Japanese Women Artists in New York“. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi und Shigeko Kubota entschieden sich zu Beginn ihrer Karrieren nach New York zu gehen und arbeiteten dort unter anderem an der Modernisierung der Traditionen der japanischen Kunst. Nur Yoko Ono wuchs in den USA auf – aber auch sie weigerte sich bewusst, nach Japan zurückzukehren, da sie während ihres kurzen Aufenthalts 1962-1964 von Tokios künstlerischer Hierarchie desillusioniert war.

Ono wurde die berühmteste der fünf, nicht nur als Ehefrau von John Lennon, sondern auch als Autorin von proto-feministischen Performances, die sich der Objektivierung des weiblichen Körpers widmeten. Zwischen Cut Piece It, bei dem das Publikum Kleiderstücke der Künstlerin abschneiden konnte, und „Rhythm 0“ der „Großmutter der Performance“ Marina Abramović sind deutliche Parallelen zu erkennen.

Auf kurzen Beinen. So besteht die Schauspielausbildung des Autors Tadashi Suzuki

Im Fall von Ono und Gutai erlangten die Methoden und Themen ihrer von den Autoren getrennten Arbeit internationale Bedeutung. Es gibt andere Formen des Exports – wenn die Werke des Künstlers auf internationaler Ebene mit Interesse wahrgenommen werden, die Anlehnung an die eigentliche Methode aber aufgrund ihrer Besonderheit nicht erfolgt. Der auffälligste Fall ist das Schauspieltrainingssystem von Tadashi Suzuki.

Das Suzuki-Theater wird sogar in Russland geliebt - und das ist nicht verwunderlich. Das letzte Mal er war 2016 mit der Aufführung von The Trojan Women nach den Texten von Euripides bei uns, und in den 2000er Jahren kam er mehrmals mit Inszenierungen von Shakespeare und Tschechow. Suzuki übertrug die Handlung der Stücke auf den aktuellen japanischen Kontext und bot nicht offensichtliche Interpretationen der Texte an: Er entdeckte den Antisemitismus bei Ivanov und verglich ihn damit abweisende Haltung Japanisch an die Chinesen, verlegte die Aktion von "King Lear" in eine japanische Irrenanstalt.

Suzuki baute sein System gegen die russische Theaterschule auf. BEI spätes XIX Jahrhundert, während der sogenannten Meiji-Periode, erlebte das sich modernisierende imperiale Japan den Aufstieg von Oppositionsbewegungen. Das Ergebnis war eine groß angelegte Verwestlichung einer zuvor extrem geschlossenen Kultur. Unter den importierten Formen befand sich das Stanislavsky-System, das in Japan (und in Russland) immer noch eine der wichtigsten Regiemethoden ist.

Suzuki-Übungen

In den sechziger Jahren, als Suzuki seine Karriere begann, verbreitete sich immer mehr die These, japanische Schauspieler könnten sich aufgrund ihrer körperlichen Merkmale nicht an Rollen aus westlichen Texten gewöhnen, die das damalige Repertoire füllten. Dem jungen Regisseur gelang es, die überzeugendste Alternative anzubieten.

Suzukis Übungssystem, Beingrammatik genannt, umfasst Dutzende von Möglichkeiten zum Sitzen und noch mehr zum Stehen und Gehen.

Seine Darsteller spielen meist barfuß und wirken durch das Absenken des Schwerpunkts, möglichst fest an den Boden gebunden, schwer. Suzuki bringt ihnen und ausländischen Darstellern seine Technik im Dorf Toga bei, in alten japanischen Häusern, die mit moderner Ausrüstung ausgestattet sind. Seine Truppe gibt nur etwa 70 Vorstellungen im Jahr, und den Rest der Zeit lebt er fast ohne das Dorf zu verlassen und hat keine Zeit für persönliche Angelegenheiten – nur für die Arbeit.

Das Zentrum in Toga erschien in den siebziger Jahren, es wurde auf Wunsch des Direktors von der Welt entworfen berühmter Architekt Arata Isozaka. Suzukis System mag patriarchalisch und konservativ erscheinen, aber er selbst spricht über Toga in modernen Begriffen von Dezentralisierung. Schon Mitte der 2000er-Jahre verstand Suzuki, wie wichtig es ist, Kunst aus der Hauptstadt in die Regionen zu exportieren und lokale Produktionsstätten zu organisieren. Laut dem Regisseur ähnelt die Theaterkarte Japans in vielerlei Hinsicht der russischen - die Kunst konzentriert sich auf Tokio und mehrere kleinere Zentren. Russisches Theater ein Unternehmen, das regelmäßig auf Tournee geht kleine Städte und hat seinen Sitz außerhalb der Hauptstadt.

Blumenspuren. Welche Ressourcen entdeckte das moderne Theater im Noh- und Kabuki-System?

Die Suzuki-Methode erwächst aus zwei alten japanischen Traditionen – aber auch aus Kabuki. Nicht nur, dass diese Theaterformen oft als Laufkunst bezeichnet werden, sondern auch in offensichtlicheren Details. Suzuki folgt oft der Regel, dass alle Rollen von Männern gespielt werden, verwendet charakteristische räumliche Lösungen, zum Beispiel Hanamichi ("der Blumenpfad") des Kabuki-Musters - eine Plattform, die sich von der Bühne in die Tiefe erstreckt Auditorium. Er nutzt auch gut erkennbare Symbole wie Blumen und Schriftrollen.

Natürlich drin globale Welt nicht es wird geredetüber das Privileg der Japaner, ihre nationalen Formulare zu verwenden.

Das Theater eines der bedeutendsten Regisseure unserer Zeit, des Amerikaners Robert Wilson, wurde nach Anleihen von But gebaut.

Dabei verwendet er nicht nur Masken und Make-up, die das Massenpublikum an Japan erinnern, sondern entlehnt auch Handlungsweisen, die auf maximaler Verlangsamung der Bewegung und autarker Ausdruckskraft der Geste basieren. Die Kombination traditioneller und ritueller Formen mit hochmodernen Lichtpartituren und minimalistischer Musik (eine der bekanntesten Berühmte Werke Wilson - eine Produktion von Philip Glass' Oper "Einstein on the Beach"), stellt Wilson im Wesentlichen die Synthese von Ursprung und Relevanz her, die ein Großteil der modernen Kunst anstrebt.

Robert Wilson. "Einstein am Strand"

Aus No und Kabuki wuchs eine der Säulen zeitgenössischer Tanz- buto, wörtlich übersetzt - Tanz der Dunkelheit. Butoh wurde 1959 von den Choreografen Kazuo Ono und Tatsumi Hijikata erfunden, die sich ebenfalls auf einen niedrigen Schwerpunkt und die Konzentration auf die Füße stützten, und es ging darum, Reflexionen traumatischer Kriegserfahrungen in die körperliche Dimension zu bringen.

„Sie zeigten den Körper krank, zusammenbrechend, sogar monströs, monströs.<…>Die Bewegungen sind entweder langsam oder absichtlich scharf, explosiv. Dazu wird eine spezielle Technik verwendet, bei der die Bewegung aufgrund der Knochenhebel des Skeletts so ausgeführt wird, als würde sie die Hauptmuskeln nicht einbeziehen“, schließt die Tanzhistorikerin Irina Sirotkina Butoh in die Geschichte der Befreiung des Körpers ein es mit der Abkehr von der Ballettnormativität. Sie vergleicht Butoh mit den Praktiken von Tänzern und Choreografen des frühen 20. Jahrhunderts – Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman sprechen vom Einfluss auf den späteren „postmodernen“ Tanz.

Ein Fragment des Tanzes von Katsura Kana, dem modernen Nachfolger der Butoh-Tradition

Heute ist Butoh in seiner ursprünglichen Form keine avantgardistische Praxis mehr, sondern eine historische Rekonstruktion.

Das von Ono, Hijikata und ihren Anhängern entwickelte Bewegungsvokabular bleibt jedoch bestehen bedeutende Ressource zum zeitgenössische Choreografen. Im Westen wird es von Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky und sogar im Video zu „Belong To The World“ von The Weekend verwendet. In Japan ist der Nachfolger der Butoh-Tradition beispielsweise Saburo Teshigawara, der im Oktober nach Russland kommt. Obwohl er selbst Parallelen zum Tanz der Dunkelheit bestreitet, finden Kritiker durchaus erkennbare Zeichen: ein scheinbar knochenloser Körper, Zerbrechlichkeit, geräuschloser Schritt. Zwar werden sie bereits in den Kontext postmoderner Choreografie gestellt – mit ihrem hohen Tempo, ihren Läufen, der Arbeit mit postindustrieller Noise-Musik.

Saburo Teshigawara. Metamorphose

Lokal global. Inwiefern ähnelt die zeitgenössische japanische Kunst der westlichen Kunst?

Die Werke von Teshigawara und vielen seiner Kollegen fügen sich organisch in die Programme der besten westlichen zeitgenössischen Tanzfestivals ein. Wenn Sie die Beschreibungen von Aufführungen und Aufführungen überfliegen, die beim Festival / Tokyo - der größten jährlichen Show des japanischen Theaters - gezeigt wurden, wird es schwierig sein, grundlegende Unterschiede zu europäischen Trends zu erkennen.

Eines der zentralen Themen ist die Ortsspezifität – japanische Künstler erkunden die Räume Tokios, die von Ansammlungen des Kapitalismus in Form von Wolkenkratzern bis hin zu Randgebieten der Otaku-Konzentration reichen.

Ein weiteres Thema ist die Erforschung von generationsübergreifenden Missverständnissen, Theater als Ort der lebendigen Begegnung und organisierten Kommunikation von Menschen. verschiedene Alter. Ihr gewidmete Projekte von Toshika Okada und Akira Tanayama wurden mehrere Jahre in Folge zu einem der wichtigsten europäischen Festivals der darstellenden Künste nach Wien geholt. Die Übertragung dokumentarischer Materialien und persönlicher Geschichten auf die Bühne war Ende der 2000er Jahre nichts Neues, aber der Kurator der Wiener Festwochen präsentierte diese Projekte der Öffentlichkeit als Gelegenheit für einen direkten direkten Kontakt mit anderen Kultur.

Eine andere Hauptlinie ist die Verarbeitung der traumatischen Erfahrung. Für die Japaner wird es nicht mit dem Gulag oder dem Holocaust in Verbindung gebracht, sondern mit der Bombardierung von Hiroshima und Nagasaki. Das Theater bezieht sich ständig auf ihn, aber die stärkste Aussage über Atomexplosionen als Moment der Entstehung der gesamten modernen japanischen Kultur gehört immer noch Takashi Murakami.

„Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture“ ist der Titel seines kuratierten Projekts, das 2005 in New York gezeigt wurde. "Little Boy" - "Baby" auf Russisch - der Name einer der Bomben, die 1945 auf Japan abgeworfen wurden. Durch das Sammeln von Hunderten von Manga-Comics von führenden Illustratoren, unverwechselbaren Vintage-Spielzeugen und Waren, die von berühmten Animes von Godzilla bis Hello Kitty inspiriert sind, hat Murakami die Konzentration von Niedlichkeit – kawaii – im Museumsraum bis an die Grenze getrieben. Parallel dazu startete er eine Auswahl an Animationen, in denen zentrale Bilder es gab Bilder von Explosionen, nackter Erde, zerstörten Städten.

Diese Opposition war die erste große Aussage über die Infantilisierung der japanischen Kultur als Möglichkeit, mit posttraumatischen Belastungsstörungen fertig zu werden.

Nun scheint diese Schlussfolgerung bereits naheliegend. Darauf baut eine akademische Studie über Kawaii von Inuhiko Yomota auf.

Es gibt auch spätere traumatische Auslöser. Zu den wichtigsten gehören die Ereignisse vom 11. März 2011, das Erdbeben und der Tsunami, die zu einem schweren Unfall im Kernkraftwerk Fukushima führten. Beim Festival/Tokyo-2018 ganzes Programm von sechs Aufführungen widmete es sich dem Verständnis der Folgen einer Naturkatastrophe und einer technischen Katastrophe; sie wurden auch zum Thema einer der in Solyanka präsentierten Arbeiten. Dieses Beispiel zeigt deutlich, dass sich das Arsenal kritischer Methoden westlicher und japanischer Kunst nicht grundsätzlich unterscheidet. Haruyuki Ishii erstellt eine Installation aus drei Fernsehgeräten, die in Hochgeschwindigkeit bearbeitetes und gelooptes Filmmaterial von Fernsehprogrammen über das Erdbeben durchlaufen.

„Die Arbeit besteht aus 111 Videos, die der Künstler jeden Tag in den Nachrichten sah, bis zu dem Moment, als alles, was er sah, nicht mehr als Fiktion wahrgenommen wurde“, erklären die Kuratoren. „New Japan“ ist ein ausdrucksstarkes Beispiel dafür, wie sich Kunst nicht der Interpretation nationaler Mythen widersetzt, sondern zugleich kritisches Auge stellt fest, dass die gleiche Interpretation für Kunst jeglicher Herkunft relevant sein könnte. Kuratoren sprechen von Kontemplation als Basis Japanische Tradition, Zitate aus Lao Tzu zeichnend. Gleichzeitig, wie aus der Klammer gestrichen, konzentriert sich fast alle zeitgenössische Kunst auf den „Beobachtereffekt“ (wie die Ausstellung heißt) – sei es in Form der Schaffung neuer Kontexte für die Wahrnehmung bekannter Phänomene oder in der Hervorhebung die Frage nach der Möglichkeit adäquater Wahrnehmung als solcher.

Imagined Communities – eine weitere Arbeit des Videokünstlers Haruyuki Ishii

Spiel

Allerdings sollte man nicht glauben, dass das Japan der 2010er Jahre eine Konzentration von Progressivität ist.

Die Gewohnheiten des guten alten Traditionalismus und die Liebe zur orientalischen Exotik sind noch nicht überlebt. "Das Theater der Jungfrauen" ist der Titel eines ziemlich bewundernden Artikels über das japanische Theater "Takarazuka" in der russischen konservativen Zeitschrift "PTJ". Takarazuka entstand Ende des 19. Jahrhunderts als Geschäftsprojekt, um Touristen in eine abgelegene gleichnamige Stadt zu locken, die versehentlich zur Endstation einer Privatbahn wurde. Spielt nur im Theater unverheiratete Mädchen, die laut Aussage des Eisenbahnbesitzers männliche Zuschauer in die Stadt locken sollten. Heute fungiert Takarazuka als Industrie – mit eigenem Fernsehsender, dicht Konzertprogramm, sogar der örtliche Vergnügungspark. Aber nur unverheiratete Mädchen haben noch das Recht, in der Truppe zu sein - hoffen wir, dass sie nicht wenigstens auf Jungfräulichkeit prüfen.

Allerdings verblasst Takarazuka im Vergleich zum Toji Deluxe Club in Kyoto, den die Japaner auch Theater nennen. Sie zeigen absolut wild, nach zu urteilen Bezeichnung New Yorker Kolumnist Ian Buruma, Striptease-Show: Mehrere nackte Mädchen auf der Bühne machen die Demonstration von Genitalien zu einem öffentlichen Ritual.

Wie viele künstlerische Praktiken basiert diese Show auf alten Legenden (mit Hilfe einer Kerze und einer Lupe konnten die Männer aus dem Publikum abwechselnd die „Geheimnisse der Muttergöttin Amaterasu“ erforschen), und der Autor selbst wurde erinnert der Noh-Tradition.

Wir überlassen die Suche nach westlichen Analoga für Takarazuki und Toji dem Leser - es ist nicht schwer, sie zu finden. Wir stellen nur fest, dass ein erheblicher Teil der modernen Kunst genau darauf abzielt, solche Unterdrückungspraktiken zu bekämpfen - sowohl westliche als auch japanische, von superflachem bis hin zu Butoh-Tanz.

Am 16. November 2013 eröffnete die Eremitage die Ausstellung „Mono no Avare. Der Charme der Dinge. Moderne Kunst Japan". Die Ausstellung, die im Gebäude des Ostflügels des Generalstabsgebäudes untergebracht ist und von der Staatlichen Eremitage mit Unterstützung der japanischen Botschaft in Russland vorbereitet wurde, präsentiert Installationen, Skulpturen, Videokunst und Fotografien, die in den letzten Jahren entstanden sind Jahren von japanischen Künstlern entworfen, um eine neue Seite in der jahrhundertealten Kunstgeschichte zu füllen Länder der aufgehenden Sonne Ihre Namen, die in ihrer Heimat bekannt sind, sind der russischen und europäischen Öffentlichkeit noch praktisch unbekannt: Kaneuji Teppei, Kengo Kito, Kuwakubo Ryota, Masaya Chiba, Motoi Yamamoto, Onishi Yasuaki, Rieko Shiga, Suda Yoshihiro, Shinishiro Kano, Hiroaki Morita, Hiraki Sawa und andere.

Der seit dem 10. Jahrhundert existierende Begriff „mono noconscious“ lässt sich mit „der Reiz einer Sache“ oder „Freude an einer Sache“ übersetzen und wird mit der buddhistischen Vorstellung von der Vergänglichkeit und Sinnlosigkeit von verbunden Sein. Die materiellen und spirituellen Objekte, die einen Menschen umgeben, sind mit einem einzigartigen, flüchtigen Zauber (avare) behaftet, der ihm allein eigen ist. Ein Mensch – und vor allem ein Künstler – muss ein mitfühlendes Herz haben, um diesen Reiz zu finden und zu spüren, innerlich darauf einzugehen. zeitgenössische Künstler spüren Sie auf subtile Weise die Materialien, in denen die innere Einfachheit der Bedeutungen leuchtet. Sie beschränken sich bewusst auf bestimmte Themen und Motive und wenden alte japanische Kunsttechniken in einer neuen Runde an.

Zeitgenössische Kunst ist in Japan wie in Russland ein von außen, aus dem Westen, hereingebrachtes Phänomen, das nicht immer nachvollziehbar ist und auf Ablehnung stößt. Beide Kulturen machten sich den angloamerikanischen Begriff Contemporary Art als Sinnbild für neumodische kulturelle Anleihen zu eigen. In Japan der 1970er Jahre, wie in Russland in den 1990er Jahren, fühlten sich Künstler als Außenseiter. Sie verließen das Land, um im Westen zu arbeiten, aber noch in Japan in den 1970er Jahren klangen die Worte „zeitgenössische Kunst“ positiv und erlaubten junge Generation vergessen Sie die Definition von "Nachkriegskunst", die mit Tragödie und Niedergang verbunden ist.

Die wahre Blüte der modernen Kunst im westlichen Sinne kam erst Ende der 1980er Jahre, als Galerien nicht nur in Ginza, sondern auch in anderen Teilen Tokios eröffneten. 1989 wurde das erste Museum für zeitgenössische Kunst in Hiroshima gegründet, und in den 1990er Jahren folgte bald die Eröffnung von Museen in Tokio. Seit dieser Zeit setzte die allmähliche Anerkennung des Phänomens der zeitgenössischen Kunst ein nationaler Ebene und ihren Einzug in den kulturellen Alltag. Der nächste Schritt war die Durchführung nationaler Biennalen und Triennalen.

Im Zeitalter der totalen Beherrschung der Medientechnologien konzentrieren japanische Künstler ihre Aufmerksamkeit auf ihre einheimischen Materialien, auf ihre Berührung, darauf, ihnen zuzuhören. Von großem Interesse in der Ausstellung sind Installationen, darunter die Arbeit von Ryota Kuwakubo (geb. 1971), einfach im Design, aber komplex in der Wirkung, wo der Schatten die Hauptrolle spielt. Der Künstler skizziert Objekte und schafft ein erstaunliches sich bewegendes Kaleidoskop. Kaneuji Teppei (geb. 1978) präsentiert unerwartete Designs aus alltäglichen Haushaltsmaterialien. Die von ihm gesammelten Objekte mit unterschiedlichen Farben und Zwecken werden zu bizarren Formen gefaltet, die sich in modernistische Skulpturen und dann in schneebedeckte Landschaften verwandeln Japanische Gemälde auf Seide.

Hiroaki Morita (geb. 1973) trifft „Materialauswahlen“ in Videoarbeiten und im Genre des „gefundenen Objekts“ sowie in der Malerei – Shinishiro Kano (geb. 1982) und Masaya Chiba (geb. 1980). Das Potenzial der von den Künstlern sehr prosaisch zusammengestellten „Materialauswahlen“ geht zurück auf die für den Buddhismus traditionelle Vergeistigung von allem und jedem mit seiner Vorstellung, dass in jedem Lebewesen und in jedem Objekt – vom Menschen bis zum winzigen Grashalm – die Natur des Buddha gelegt wird. Sie achten auch auf die innere Essenz von Dingen, die als Schönheit und Charme wahrgenommen werden.

Die aus Reifen bestehende Installation von Kengo Kito (geb. 1977) ist sowohl eine Skulptur als auch eine großes Bild mit getrennten Ebenen, elementaren Farben und Perspektiven. Der Raum darin verwandelt sich vor unseren Augen in eine Ebene, die es ermöglicht, all diese Zeichen und Symbole der Kunst, die ihren Bezug zur Realität verloren haben, endlos zu kopieren.

Yasuaki Onishi (*1979) und Motoi Yamamoto (*1966) arbeiten in ihren Installationen etwas anders mit dem Raum. Als würde Yoshihiro Suda (geb. 1969) all diese unterschiedlichen Ansätze mit einer bestechenden Einfachheit zusammenbringen, initiiert er einen minimalen Eingriff in den Ausstellungsraum, indem er dezent Holzpflanzen darin platziert, die wie echte aussehen.

Die Ausstellung "Mono no Avare. The Charm of Things. Japanese Contemporary Art" wurde von der Abteilung für zeitgenössische Kunst im Rahmen des Projekts Hermitage 20/21 vorbereitet. Laut M. B. Piotrovsky, Generaldirektor der Staatlichen Eremitage: „Ziel des Projekts ist es, die Kunst des 20. bis 21. Jahrhunderts zu sammeln, auszustellen und zu studieren.“ Die Eremitage 20/21 richtet sich an diejenigen, die mithalten wollen mit der Zeit - Liebhaber und Profis, anspruchsvolle Genießer und die jüngsten Zuschauer".

Die Kuratoren der Ausstellung sind Dmitry Yuryevich Ozerkov, Leiter der Abteilung für zeitgenössische Kunst der Staatlichen Eremitage, Kandidat der philosophischen Wissenschaften, und Yekaterina Vladimirovna Lopatkina, stellvertretende Leiterin der Abteilung für zeitgenössische Kunst. Die wissenschaftliche Beraterin der Ausstellung ist Anna Vasilievna Savelyeva, Forscherin in der orientalischen Abteilung der Staatlichen Eremitage. Für die Ausstellung wurde eine illustrierte Broschüre vorbereitet, der Autor des Textes ist D.Yu. Oserkow.

Japanische Kunst nimmt einen wichtigen Platz in der Sammlung des State Hermitage Museum ein und verfügt über etwa 10.000 Werke: Das Museum verfügt über 1.500 Blätter mit Farbholzschnitten, darunter Werke berühmte Meister Japanischer Stich aus der Mitte des XVIII-XX Jahrhunderts; Porzellan- und Keramiksammlung (mehr als 2000 Exponate); Lacke des 16.-20. Jahrhunderts; Muster von Stoffen und Anzügen. Der wertvollste Teil der Sammlung japanischer Kunst in der Eremitage ist die Sammlung von Netsuke - Miniaturskulpturen des 17. bis 19. Jahrhunderts mit mehr als 1000 Werken.

Tadasu Takamine. "God Save America", 2002. Video (8 Min. 18 Sek.)

Doppelte Perspektive: Japanische zeitgenössische Kunst
Die Kuratoren Elena Yaichnikova und Kenjiro Hosaka

Teil eins: "Realität / gewöhnliche Welt". Moskauer Museum für moderne Kunst, Berge. Moskau, Ermolaevsky-Gasse, 17
Zweiter Teil: "Imaginäre Welt / Fantasie". Moskauer Museum für moderne Kunst, Berge. Moskau, Gogolevsky-Boulevard, 10

Das Moskauer Museum für Moderne Kunst präsentiert zusammen mit der Japan Foundation die Ausstellung „Double Perspective: Japanese Contemporary Art“, die der breiten Öffentlichkeit zeitgenössische japanische Künstler näher bringen soll.
Doppelte Perspektive ist zwei Kuratoren aus verschiedene Länder, zwei Standorte des Museums und eine zweiteilige Struktur des Projekts. Die von Elena Yaichnikova und Kenjiro Hosaka kuratierte Ausstellung versammelt die Werke von mehr als 30 Künstlern verschiedener Stilrichtungen, die von den 1970er Jahren bis heute gearbeitet haben. Das Projekt besteht aus zwei Teilen – „Die reale Welt / Alltag“ und „Imaginäre Welt / Fantasien“ – die sich auf dem Museumsgelände in der Ermolaevsky Lane 17 und dem Gogolevsky Boulevard 10 befinden.

Erster Teil: "Realität/Gewöhnliche Welt"

Der erste Teil der Ausstellung „The Real World/Everyday Life“ präsentiert den Blick japanischer Künstler auf die Welt um uns herum durch einen Appell an die Weltgeschichte des 20. Jahrhunderts (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa und Yuken Teruya), Reflexionen über die Gerät moderne Gesellschaft(Dumb Type und Tadasu Takamine), die Interaktion mit dem urbanen Raum (Kontakt Gonzo und ChimPom) und die Suche nach Poesie im Alltag (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi und Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura in der Reihe der Videoarbeiten "Requiem" wird in verschiedenen wiedergeboren historische Charaktere: Chaplin, Schriftsteller Yukio Mishima und sogar Lenin – und stellt Episoden aus ihrem Leben nach. Ein anderer Projektteilnehmer, Tetsuya Umeda, schafft Installationen aus improvisierten Mitteln, gewöhnlichen Dingen – so wird der banalste Alltag zur Kunst. Die Ausstellung zeigt Arbeiten von Yoko Ono – das berühmte „Cut Piece“ in der Fassung von 1965 und 2003 sowie die Klanginstallation „Cough Piece“ (1961). Die Ausstellung präsentiert die Werke von Kishio Suga, einem der zentralen Vertreter der Mono-Ha-Bewegung (Mono-Ha, übersetzt „Schule der Dinge“), die eine japanische Alternative zur westlichen Moderne bot. Die Fotostrecke stellt die Arbeiten von Toshio Shibata, Takashi Homma und Lieko Shiga vor.

Yayoi Kusama. "Ich bin hier, aber nirgendwo", 2000. Mixed media. Installation im Maison de la culture du Japan, Paris.
Sammlung des Autors

Die Arbeiten des zweiten Teils des Projekts werden dem Publikum eine freie, imaginäre Welt präsentieren, in der alles existiert, was wir nicht sehen können wahres Leben, alles was außerhalb davon ist. Die Arbeiten der Künstler dieses Teils der Ausstellung beziehen sich auf die japanische Popkultur, die Welt der Fantasie, Naivität, Mythen und Reflexionen über die kosmogonische Struktur der Welt. Jeder Ausstellungsteilnehmer legt seine eigene Bedeutung in den Begriff "Imagination". So auch der Künstler Tadanori Yokoo in seiner Beziehung zur imaginären Welt Hauptthema des Verschwindens seiner Werke, oder vielmehr des "Selbstverschwindens". Ein ähnliches Motiv lässt sich im Werk von Yayoi Kusama nachzeichnen: Indem sie ihre Fantasien in die Realität projiziert, erschafft sie eine Welt voller bizarrer Muster. Die Riesenskulptur „Child of the Sun“ (2011) von Kenji Yanobe entstand zu einer schrecklichen Zeit, als es zu einer Explosion kam Kernkraftwerk"Fukushima-1". Sein monumentales Objekt wird zum Schnittpunkt der Imaginationen. Der Künstler versteht, dass die Erfahrung an der Grenze des Realen zum Impuls für die Schaffung einer neuen Welt wird. Der Imaginary World/Fantasy-Teil enthält auch Werke von Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa und vielen mehr.
Einige der Werke sind eigens für die Ausstellung entstanden. Der Künstler Yoshinori Niva kam für sein Projekt „Wladimir Lenin wird in Moskauer Wohnungen gesucht“ (2012) nach Moskau, um in den Wohnungen der Moskauer Artefakte zu finden, die mit der Persönlichkeit des Revolutionärs in Verbindung stehen. Seine Arbeit ist eine Videodokumentation seiner Recherchen und Reisen durch Moskau. Der Künstler Tetsuya Umeda, dessen Arbeiten gleichzeitig an zwei Orten präsentiert werden, kommt nach Moskau, um seine Installationen vor Ort zu realisieren.
Diese beiden auf den ersten Blick unvergleichbaren Ausstellungsteile sollen die beiden Pole japanischer Kunst zeigen, die sich in Wirklichkeit als untrennbar voneinander erweisen.
Im Rahmen der Ausstellung sind auch offene Meisterkurse geplant und kreative Treffen mit Projektbeteiligten. Es gibt Vorträge des japanischen Kurators Kenjiro Hosaka und des Künstlers Kenji Yanobe. Für Russland präsentiert diese Ausstellung zum ersten Mal zeitgenössische japanische Kunst in einem solchen Umfang.

Yoshitomo Nara. "Bonbonblaue Nacht", 2001. 1166,5 x 100 cm, Acryl auf Leinwand
Foto: Yoshitaka Uchida

Kisio Suga "Space of Separation", 1975. Äste und Betonblöcke. 184 x 240 x 460 cm
Foto: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. „Sonnenkind“, 2011. Fiberglas, Stahl, Neon etc. 620 x 444 x 263 cm. Installation im Gedenkpark Ezpo"70
Foto: Thomas Schwab

In der Eremitage läuft eine interessante Ausstellung - Moderne Kunst Japans "MONO-NO AWARE. The Charm of Things".

Zu sagen, dass ich ein Fan zeitgenössischer Kunst bin, kann ich nicht. Ich mag es lieber, wenn es etwas zu sehen gibt (fleißige Grafik oder Kunsthandwerk, Ethnos ist mein Ein und Alles). Die Schönheit eines reinen Konzepts zu bewundern, macht mir nicht immer Spaß. (Malewitsch, tut mir leid! Ich mag kein Schwarzes Quadrat!)

Aber heute bin ich zu dieser Ausstellung gekommen!

Gut, wenn Sie in St. Petersburg sind, sich für Kunst interessieren und noch nicht dort waren, dann ist die Ausstellung noch bis zum 9. Februar! Geh, weil es interessant ist!

Konzepte überzeugen mich ein wenig, wie ich oben geschrieben habe. Irgendwie dachte ich, dass mir in einem Jahr des Besuchs moderner Ausstellungen höchstens ein oder zwei Objekte komisch vorkommen. Und viele Dinge berühren mich nicht so sehr, dass mir die Zeit leid tut, die ich damit verbracht habe. Aber es ist in jedem Genre, in jeder Kunst, das prozentuale Verhältnis von Talent und Mittelmaß, es ist gut, wenn es eins zu zehn ist! Aber ich mochte diese Sendung.

Japanische Kreationen wurden in den Ausstellungshallen des Generalstabs aufgestellt. Die erste Installation, die die Besucher begrüßt, ist ein unglaubliches Labyrinth voller Salz auf dem Boden. Grauer Boden, weißes Salz, unglaublich sauber markierter Raum, zu einem Feld verwoben. Eine große Ausstellungshalle und ein weißes Ornament, das wie eine erstaunliche Schmerle über den Boden verteilt war. Und Sie verstehen, wie vorübergehend diese Kunst ist. Die Ausstellung wird geschlossen, das Labyrinth wird mit einem Besen weggefegt. Ich habe mal den Film „Little Buddha“ gesehen. Und dort, am Anfang, legte ein buddhistischer Mönch ein komplexes Ornament aus farbigem Sand. Und am Ende des Films machte der Mönch eine scharfe Bewegung mit seinem Pinsel und das titanische Werk löste sich im Wind auf. Das war, dann hüpfen, und nein. Und es sagt, schätze die Schönheit hier und jetzt, alles ist flüchtig. Also dieses Labyrinth aus Salz, es tritt in einen Dialog mit dir, du beginnst, die Fragen zu beantworten, die er dir vorstellt. Der Künstler ist Motoi Yamamoto.

Ja Ja! Das ist so ein großes Labyrinth, hast du die Größe gespürt?

Das zweite faszinierende Objekt ist die riesige Kuppel aus Polyethylen und schwarzem Harz von Yasuaki Onishi. Ungewöhnlich entschiedener Raum. An den schwarzen, dünnsten, ungleichmäßigen Harzfäden hängt, sich leicht bewegend, eine Kuppel .... oder ein Berg mit einem komplexen Relief. Wenn Sie hineingehen, sehen Sie ein buntes Muster aus Punkten – Stellen, an denen das Harz haftet. Es ist lustig, als ob der schwarze Regen lautlos fällt und Sie unter dem Baldachin sind.

Wie ist diese Technik entstanden? Lustig, richtig? Aber live sieht es "lebendiger" aus, die Kuppel schwankt leicht im Wind, der von vorbeigehenden Besuchern erzeugt wird. Und es gibt ein Gefühl Ihrer Interaktion mit dem Objekt. Sie können die "Höhle" betreten, sehen Sie von innen, wie es ist!

Aber um nicht den Eindruck zu erwecken, dass alles nur schwarz und weiß war, werde ich hier noch ein paar Fotos der Komposition posten, die aus zusammengesteckten Reifen entstanden sind. So bunte, lustige Plastiklocken! Und Sie können auch durch diesen Raum gehen, in die Reifen, oder Sie können sich alles von außen ansehen.

Diese Artikel sind meine Favoriten. Natürlich wird die konzeptionelle Gegenwartskunst bald anders werden, im Einklang mit der neuen Zeit. Es wird nicht zum Alten zurückkehren und nicht so bleiben, wie es jetzt ist. Es wird sich ändern. Aber um zu verstehen, was war, wo der Strom gerauscht ist und was und woher er kommt, muss man wissen, was jetzt passiert. Und scheuen Sie sich nicht, nein, das Konzept ist nichts für mich, aber versuchen Sie es zu sehen und zu bewerten. Es gibt wie immer wenige Talente, aber sie sind da. Und wenn die Exponate ankommen, dann ist noch nicht alles verloren!!!