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Takashi Murakami ist einer der meisten prominente Vertreter moderne psychedelische Pop-Art. Murakamis Werke verblüffen durch ihre Fröhlichkeit, Helligkeit und kindliche Spontaneität. Der Künstler ist tätig in soziale Netzwerke Er kommuniziert mit Fans, veröffentlicht ständig Fotos auf Instagram.

Takashi Murakami schafft es sogar, die Talente eines Künstlers, Bildhauers, Designers und Geschäftsmanns zu vereinen. Er selbst kuratiert seine Ausstellungen, studiert den Markt und seine Mechanismen und arbeitet mit Modemarken zusammen. Murakami hat sein eigenes Studio, Kaikai Kiki, in dem er an Cartoons arbeitet.

Takashi Murakami wurde 1962 in Tokio geboren. Hier promovierte er an der Universität Tokio nationale Universität Bildende Kunst und Musik, wo er die traditionelle japanische Malerei des 19. Jahrhunderts, bekannt als Nihonga, studierte. Die Popularität von Anime lenkte Murakamis Interesse an Animationen und sagte, dass „sie das moderne Leben in Japan repräsentieren“. Murakamis Arbeit wurde auch von der amerikanischen Popkultur beeinflusst – Animation, Comics, Mode. Der Künstler benennt seine Werke immer geheimnisvoll, seltsam und manchmal schwer zu übersetzen.

„Wer hat Angst vor Rot, Gelb, Blau und dem Tod“, 2010, Gagosian Gallery.

„Homage to Mono Pink, 1960 G“, 2013, Perrotin Gallery.

Im Jahr 2000 kuratierte Murakami die Ausstellung Superflat, die den Einfluss der Unterhaltungsindustrie auf die zeitgenössische Ästhetik und die Wahrnehmung zeitgenössischer Kunst untersuchte. In seinen Werken balanciert Murakami zwischen Ost und West und spielt mit Gegensätzen. Im Jahr 2007 fand eine Retrospektivausstellung „© Murakami“ statt, die im Museum of Contemporary Art in Los Angeles, im Brooklyn Museum in New York, im Museum für Moderne Kunst in Frankfurt und im Guggenheim Museum in Bilbao gezeigt wurde. Im Jahr 2010 wurden die Werke des Künstlers im Schloss Versailles in Frankreich ausgestellt.

„Tang Tan Bo – Communicates“, 2014, Gagosian Gallery.

„Und dann, wenn alles vorbei ist ... habe ich mich zu dem verändert, was ich gestern war, wie ein Insekt, das auf der Haut kriecht“, 2009.

„Der Schrei des neugeborenen Universums“, 2014, Gagosian Gallery.

Tadasu Takamine. „God Bless America“, 2002. Video (8 Min. 18 Sek.)

Doppelte Perspektive: Zeitgenössische Kunst Japan
Kuratoren Elena Yaichnikova und Kenjiro Hosaka

Teil eins: „Realität/gewöhnliche Welt.“ Moskauer Museum für moderne Kunst, Mt. Moskau, Ermolaevsky Gasse, 17
Teil zwei: „Imaginäre Welt/Fantasie.“ Moskauer Museum für moderne Kunst, Mt. Moskau, Gogolevsky Boulevard, 10

Das Moskauer Museum für Moderne Kunst präsentiert zusammen mit der Japan Foundation die Ausstellung „Doppelte Perspektive: Zeitgenössische Kunst Japans“, die die breite Öffentlichkeit mit zeitgenössischer Kunst bekannt machen soll Japanische Künstler.
Eine doppelte Perspektive bedeutet zwei Kuratoren aus verschiedenen Ländern, zwei Museumsstandorte und eine zweiteilige Projektstruktur. Die von Elena Yaichnikova und Kenjiro Hosaka kuratierte Ausstellung vereint die Werke von mehr als 30 Künstlern unterschiedlicher Richtungen, die von den 70er Jahren des 20. Jahrhunderts bis zur Gegenwart arbeiten. Das Projekt besteht aus zwei Teilen – „Reale Welt/Alltag“ und „Imaginäre Welt/Fantasie“ – die auf dem Museumsgelände in der Ermolaevsky Lane 17 und dem Gogolevsky Boulevard 10 angesiedelt sind.

Erster Teil: „Realität/gewöhnliche Welt“

Der erste Teil der Ausstellung „Real World/Everyday“ präsentiert den Blick japanischer Künstler auf die Welt um uns herum durch einen Appell an die Weltgeschichte des 20. Jahrhunderts (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa und Yuken Teruya) und Reflexionen über die Struktur moderne Gesellschaft(Dumb Type und Tadasu Takamine), Interaktion mit dem Stadtraum (Contact Gonzo und ChimPom) und die Suche nach Poesie im Alltag (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi und Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura verwandelt sich in der Reihe der Videoarbeiten „Requiem“ in verschiedene historische Charaktere: Chaplin, der Schriftsteller Yukio Mishima und sogar Lenin – und stellt Episoden aus ihrem Leben nach. Ein weiterer Teilnehmer des Projekts, Tetsuya Umeda, schafft Installationen aus improvisierten Mitteln, gewöhnlichen Dingen – so wird der banalste Alltag zur Kunst. In der Ausstellung sind Werke von Yoko Ono zu sehen – das berühmte „Cut Piece“ in den Versionen von 1965 und 2003 sowie die Klanginstallation „Cough Piece“ (1961). Gezeigt werden Werke von Kishio Suga, einem der zentralen Vertreter der Mono-Ha-Bewegung (übersetzt als „Schule der Dinge“), die eine japanische Alternative zur westlichen Moderne bot. Im Fotobereich werden Werke von Toshio Shibata, Takashi Homma und Lieko Shiga präsentiert.

Yayoi Kusama. „Ich bin hier, aber nirgendwo“, 2000. Mischtechnik. Installation im Maison de la Culture du Japon, Paris.
Sammlung des Autors

Die Werke des zweiten Teils des Projekts werden der Öffentlichkeit eine freie, imaginäre Welt präsentieren, in der alles enthalten ist, was wir nicht sehen können echtes Leben, alles, was außerhalb davon ist. Die Werke der Künstler in diesem Teil der Ausstellung beziehen sich auf die japanische Popkultur, die Welt der Fantasie, Naivität, Mythen und Reflexionen über die kosmogonische Struktur der Welt. Jeder Aussteller gibt dem Begriff „Imagination“ seine eigene Bedeutung. So macht der Künstler Tadanori Yokoo in seiner Beziehung zur imaginären Welt das Verschwinden bzw. „Selbstverschwinden“ zum Hauptthema seiner Werke. Ein ähnliches Motiv lässt sich im Werk von Yayoi Kusama erkennen: Indem sie ihre Fantasien auf die Realität projiziert, erschafft sie eine Welt voller bizarrer Muster. Die Riesenskulptur „Child of the Sun“ (2011) von Kenji Yanobe entstand in einer schrecklichen Zeit, als es zu einer Explosion kam Atomkraftwerk„Fukushima-1“. Sein monumentales Objekt wird zum Schnittpunkt der Vorstellungen. Der Künstler versteht, dass die Erfahrung an der Grenze des Realen zum Anstoß für die Schaffung einer neuen Welt werden wird. In der Rubrik „Imaginary World/Fantasy“ sind auch Werke von Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa und vielen anderen zu sehen.
Einige Werke wurden speziell für die Ausstellung geschaffen. Der Künstler Yoshinori Niwa kam für sein Projekt „Wladimir Lenin wird in Moskauer Wohnungen gesucht“ (2012) nach Moskau, um in den Wohnungen der Moskauer Artefakte zu finden, die mit der Persönlichkeit des Revolutionärs in Verbindung stehen. Seine Arbeit ist eine Videodokumentation seiner Suchen und Reisen durch Moskau. Der Künstler Tetsuya Umeda, dessen Werke gleichzeitig an zwei Orten präsentiert werden, wird nach Moskau kommen, um seine Installationen vor Ort umzusetzen.
Diese beiden auf den ersten Blick disparaten Teile der Ausstellung sollen die beiden Pole der japanischen Kunst zeigen, die sich in Wirklichkeit als untrennbar voneinander erweisen.
Im Rahmen der Ausstellung sind auch offene Meisterkurse und geplant kreative Treffen mit Projektbeteiligten. Es wird Vorträge des japanischen Kurators Kenjiro Hosaka und des Künstlers Kenji Yanobe geben. Für Russland ist diese Ausstellung das erste Mal in diesem Umfang, dass moderne Werke präsentiert werden japanische Kunst.

Yoshitomo Nara. „Candy-blue night“, 2001. 1166,5 x 100 cm Acryl auf Leinwand
Foto: Yoshitaka Uchida

Kishio Suga „Space of Separation“, 1975. Äste und Betonblöcke. 184 x 240 x 460 cm
Foto: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. „Kind der Sonne“, 2011. Fiberglas, Stahl, Neon usw. 620 x 444 x 263 cm. Installation im Ezpo Memorial Park“70
Foto: Thomas Swab

Was sind Anime und Manga? Die einfachste Definition sieht so aus:
Mangas sind japanische Comics.
Anime ist japanische Animation.

Es wird oft angenommen, dass die Begriffe „Manga“ und „Anime“ auf bestimmte Genres (Science-Fiction, Fantasy) und Grafikstile (Realismus, „ große Augen"). Das stimmt nicht. Die Begriffe „Manga“ und „Anime“ definieren lediglich die Grundkultur, auf deren Grundlage die entsprechenden Werke entstehen.
Es gibt kein anderes Land auf der Welt, in dem Comics und Animationen so viel Aufmerksamkeit geschenkt werden. Die Schöpfer beliebter japanischer Comics sind sehr wohlhabende Leute (Takahashi Rumikom ist eine der reichsten Frauen Japans), die berühmtesten von ihnen sind nationale Berühmtheiten; Mangas machen etwa ein Viertel aller in Japan produzierten Drucksachen aus und werden unabhängig davon gelesen Alter und Geschlecht. Die Position von Anime ist etwas bescheidener, aber auch durchaus beneidenswert. Nehmen wir an, es gibt kein einziges Land auf der Welt, in dem Synchronsprecher für Animationsfilme (Seiyuu) solche Anerkennung, Respekt und Liebe genießen. Japan - das einzige Land in der Welt, indem er einen abendfüllenden Animationsfilm für den Oscar als „Bester ausländischer Film“ nominierte.

Unter anderem Anime und Manga – tolle Möglichkeit Schätzen Sie nicht nur, wie moderne Japaner ihre angestammten Traditionen widerspiegeln und erleben, sondern auch, wie japanische Werke die Motive und Handlungen anderer Völker widerspiegeln. Und es ist keineswegs eine Tatsache, dass das Erste immer interessanter ist als das Zweite. Sie müssen die japanische Sprache und Literaturtheorie sehr gut kennen, um wirklich zu verstehen, wie sich japanische Verse (und die japanische Mentalität) von europäischen unterscheiden. Und um zu verstehen, wie sich japanische Elfen von Tolkiens Elfen unterscheiden, schauen Sie sich einfach ein oder zwei Fernsehserien an.
Somit sind Anime und Manga eine Art „Hintertür“ in die Welt des japanischen Bewusstseins. Und indem man durch diesen Durchgang geht, kann man nicht nur den Weg verkürzen, ohne durch alle Zäune und Bastionen waten zu müssen, die vor über eineinhalbtausend Jahren errichtet wurden.“ Hochkultur„Japan (die Kunst von Anime und Manga ist viel jünger und es gibt weniger Traditionen), aber auch viel Vergnügen. Geschäftliches mit Vergnügen verbinden – was könnte besser sein?“

Nun ein paar spezifische Anmerkungen zu Manga und Anime getrennt.

Manga

„Picture Stories“ sind in Japan seit seiner Gründung bekannt. Kulturgeschichte. Sogar in Kofun-Hügeln (Gräbern antiker Herrscher) finden Archäologen Zeichnungen, die in Ideologie und Struktur ein wenig an Comics erinnern.
Die Verbreitung von „Bildergeschichten“ wurde schon immer durch die Komplexität und Mehrdeutigkeit japanischer Schriften erleichtert. Auch heute noch können japanische Kinder erst nach Abschluss der Grundschule (im Alter von 12 Jahren!) Bücher und Zeitungen für „Erwachsene“ lesen. Fast unmittelbar nach dem Erscheinen der japanischen Prosa erschienen ihre illustrierten Nacherzählungen, in denen es wenig Text gab und die Illustrationen die Hauptrolle spielten.

Als erste japanische Comics gelten „Lustige Bilder aus dem Leben der Tiere“, die im 12. Jahrhundert vom buddhistischen Priester und Künstler Kakuyu (ein anderer Name ist Toba, Lebensjahre - 1053-1140) geschaffen wurden. Dabei handelt es sich um vier Papierrollen, die eine Reihe schwarz-weißer Tuschebilder mit Bildunterschriften darstellen. Die Bilder erzählten von Tieren, die Menschen darstellten, und von buddhistischen Mönchen, die gegen die Regeln verstießen. Heute gelten diese Schriftrollen als heilige Reliquien und werden in dem Kloster aufbewahrt, in dem der Asket Kakuyu lebte.
„Geschichten in Bildern“ sahen im Laufe ihrer fast tausendjährigen Geschichte unterschiedlich aus und wurden auch anders bezeichnet. Das Wort „Manga“ (wörtlich „seltsame (oder lustige) Bilder, Grotesken“) wurde 1814 vom berühmten Grafiker Katsushika Hokusai geprägt, und obwohl der Künstler es selbst für eine Reihe von „Lebens“-Zeichnungen verwendete, blieb der Begriff bestehen beziehen sich auf Comics.
Europäische Karikaturen und amerikanische Comics, die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in Japan berühmt wurden, hatten großen Einfluss auf die Entwicklung des Mangas. Die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts – die Zeit der Suche nach dem Platz des Comics im System Japanische Kultur neue Zeit. Die militaristische Regierung spielte hier eine große Rolle Populärkultur Einfluss auf die Bevölkerung zu nehmen. Das Militär finanzierte „richtige“ Mangas (für kurze Zeit tauchten sie sogar in Farbe auf) und verbot Mangas mit politischer Kritik, wodurch ehemalige Cartoonisten gezwungen wurden, Abenteuer- und Fantasy-Handlungen zu meistern (zum Beispiel die Idee eines „Riesenroboters“). erschien erstmals im Rache-Manga von 1943, in dem ein solcher Roboter die verhassten USA zerschmetterte. Endlich drin Nachkriegszeit Der große Tezuka Osamu sorgte mit seinen Werken für eine echte Revolution in der Manga-Welt und machte Manga zusammen mit seinen Schülern und Anhängern zur Hauptrichtung der Massenkultur.

Mangas sind fast immer schwarz-weiß; nur Cover und einzelne Illustrationen sind farbig gezeichnet. Bei den meisten Mangas handelt es sich um Serienserien, die in Zeitungen oder (häufiger) wöchentlichen oder monatlichen Magazinen veröffentlicht werden. Die übliche Portionsgröße für eine Serie in einem Wochenmagazin beträgt 15–20 Seiten. Der bei den Lesern beliebte Manga wird in Form von Einzelbänden – Tankobons – neu veröffentlicht. Es gibt natürlich kurze Manga-Geschichten und Mangas, die sofort in Form von Tankobon veröffentlicht werden.
In Japan gibt es viele Manga-Magazine. Jeder von ihnen richtet sich an ein bestimmtes Publikum, beispielsweise an jüngere Jungen im Teenageralter, die sich für Fantasy interessieren, oder ältere Mädchen im Teenageralter, die sich für Ballett interessieren. Die stärksten Unterschiede bestehen zwischen Frauen und Männerzeitschriften. Die Zielgruppe solcher Zeitschriften reicht von Kindern (für die Mangas ohne Bildunterschriften gedruckt werden) bis zu Männern und Frauen mittleren Alters. Es gibt bereits Experimente im Bereich Manga für ältere Menschen. Natürlich führte diese Vielfalt des Publikums zu einer Vielzahl von Stilen und Genres: vom Symbolismus bis zum Fotorealismus und von Märchen bis hin zu Philosophische Werke und Schulbücher.

Der Schöpfer eines Mangas wird „Mangaka“ genannt. In der Regel zeichnet eine Person (oft mit Lehrassistenten) einen Comic und schreibt Texte, es kommt aber auch Gruppenkreativität vor. Allerdings ist es nicht üblich, dass mehr als drei oder vier Personen an einem einzigen Manga arbeiten. Dadurch steigt die künstlerische Integrität und das persönliche Einkommen steigt. Neben professionellen Mangas gibt es auch Amateur-Manga – „Doujinshi“. Viele Manga-Künstler begannen als Schöpfer von Doujinshi („Doujinshika“). IN Großstädte Es gibt spezielle Märkte, auf denen Doujinshi ihre Produkte verkaufen und manchmal seriöse Verleger für ihre Werke finden.

Anime

Der Begriff „Anime“ etablierte sich erst Mitte der 1970er Jahre; davor sprach man meist von „Manga-eiga“ („Filmcomics“). Die ersten Experimente mit Animationen begannen die Japaner Mitte der 1910er-Jahre und der erste Anime erschien 1917. Anime stand lange Zeit am Rande des Kinos, aber auch hier spielten die Militaristen eine wohltuende Rolle und unterstützten jede „richtige“ Kunst. So wurden die ersten beiden großen Anime-Filme 1943 bzw. 1945 veröffentlicht und waren „Spielpropaganda“, die die Macht der japanischen Armee verherrlichte. Wie im Fall von Manga spielte Tezuka Osamu eine entscheidende Rolle in der Geschichte des Anime, der vorschlug, die sinnlose Konkurrenz mit Walt Disneys Spielfilmen aufzugeben und stattdessen Fernsehserien zu schaffen, die den amerikanischen Serien nicht in der Bildqualität, sondern in der Qualität überlegen waren Attraktivität für das japanische Publikum.

Bei den meisten Animes handelt es sich um Fernsehserien und zum Verkauf auf Video produzierte Serien (OAV-Serien). Allerdings gibt es auch viele Fernsehfilme und abendfüllende Animes. In puncto Vielfalt an Stilen, Genres und Zielgruppen ist Manga dem Anime deutlich überlegen, doch letzterer holt jedes Jahr seinen Konkurrenten ein. Andererseits handelt es sich bei vielen Animes um Adaptionen populärer Mangas, die nicht miteinander konkurrieren, sondern sich gegenseitig kommerziell unterstützen. Allerdings sind die meisten Animes für Kinder und Jugendliche gedacht, obwohl es auch Animes für junge Leute gibt. Das Publikum mittleren Alters wird von „Familien-Anime“ in seinen Bann gezogen, die Kinder gemeinsam mit ihren Eltern ansehen. Serialität diktiert ihre eigenen Gesetze – Anime-Schöpfer sind dafür weniger anfällig technische Experimente, aber sie legen großen Wert darauf, attraktive und interessante Charaktere zu schaffen (daher ist eine hochwertige Sprachausgabe wichtig) und eine Handlung zu entwickeln. Anime-Designer sind wichtiger als Animatoren.
Anime werden von Anime-Studios erstellt, die normalerweise relativ klein sind und mit externer Finanzierung verschiedener Sponsoren (Fernsehsender, Spielzeugkonzerne, Manga-Verlage) arbeiten. In der Regel entstehen solche Studios um einige wenige herausragende Schöpfer herum, und daher hat das Studio oft einen bestimmten „Studiostil“, der von führenden Designern vorgegeben wird.

Der heutigen Welt wird oft vorgeworfen spirituelle Krise, in der Zerstörung der Bindungen an Traditionen, in der Globalisierung, die unweigerlich absorbiert nationale Stiftungen. Alles ist gleichzeitig personifiziert und entpersonalisiert. Wenn die sog klassische Kunst wir könnten uns in nationale Schulen aufteilen und uns vorstellen, was italienische Kunst, was deutsche Kunst und was französische Kunst ist; Können wir dann zeitgenössische Kunst in dieselben „Schulen“ einteilen?

Als Antwort auf die gestellte Frage möchte ich Sie auf japanische zeitgenössische Kunst aufmerksam machen. Auf einer Konferenz in Kunstmuseum Mori, letztes Jahr schlug Michio Hayashi, Professor an der Universität Tokio, zum Thema Internationalismus in der zeitgenössischen Kunst vor, dass die populäre Wahrnehmung von „Japanisch“ im Westen in den 1980er Jahren durch die Dreieinigkeit von „Kitsch“, „Natürlichkeit“ und „Natürlichkeit“ gefestigt wurde. technologische Raffinesse.“ In diesem Dreieck lässt sich auch heute noch populäre und vor allem kommerziell beliebte zeitgenössische Kunst in Japan einordnen. Für den westlichen Betrachter bleibt es dadurch geheimnisvoll und originell spezifische Merkmale, die nur der Kunst des Landes der aufgehenden Sonne innewohnt. Im August trafen sich West und Ost an gleich drei Kunstorten: Bis zum 8. August fand in Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan) die Ausstellung „Duality of Existence – Post – Fukushima“ statt, die Ausstellung „teamLab: Ultra „Subjektiver Raum“ dauerte bis zum 15. August und ist fast in der Nähe (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); und „Der Arhats-Zyklus“ von Takashi Murakami im Palazzo Reale in Mailand fasziniert und überrascht die Besucher immer noch.

Alle präsentierten Werke entstanden nach dem 11. März 2011, als der Tsunami Japan traf. Die Atomkatastrophe im Kernkraftwerk Fukushima vereinte die Nation, zwang sie dazu, Prioritäten und Werte zu überdenken und sich wieder altbewährtem zuzuwenden vergessene Traditionen. Die Kunst konnte nicht daneben stehen und stellte der Welt einen neuen Künstlertypus vor, der sich auf die Bedürfnisse des modernen Betrachters konzentrierte und gleichzeitig historische Grundlagen und Werte würdigte.

Takashi Murakami ist ein kommerziell erfolgreicher Künstler, der Techno-Kitsch populär machte und eine neue visuelle Sprache schuf, superflach, basierend auf der Tradition Japanische Malerei Nihonga und die Besonderheiten von Anime und Manga. Die Ideologie seiner nachgebildeten Skulpturen und ausgefallenen Installationen sollte den Wandel in Japan nach dem Krieg veranschaulichen, als der Konsumismus vorherrschte. Aber der 11. März 2011 teilte das Leben Japans in „Vorher“ und „Nachher“, wie die beiden schrecklichen Tage im August 1945, als die Atombomben nach Hiroshima und Nagasaki. Nach diesem starken Erdbeben, das schreckliche Folgen hatte, begab sich Murakami auf den Weg, den Buddhismus und die japanische Ästhetik neu zu überdenken und einen Schritt in Richtung Rückkehr zu den Wurzeln und zur Spiritualität zu machen. Das erste Werk, das den Beginn des „Arhats“-Zyklus markierte, ist „500 Arhats“, das 2012 in Takashi Murakamis Einzelausstellung in Doha, Katar, gezeigt wurde. Die Rückkehr zu buddhistischen Themen erklärt der Autor als einen Versuch zu erkennen, dass es in dieser Welt nicht nur uns gibt, dass es von uns unabhängige Kräfte gibt und dass wir uns jedes Mal verbessern müssen, um nicht mehr abhängig zu sein eigene Wünsche und wirkt. Die dichte Wand aus Arhats, als ob sie die Zuschauer über die gesamten 100 Meter der Leinwand vor den tobenden Elementen schützen würde, flößte Frieden und Ruhe in die Seele aller ein. Aber Murakami beschränkte sich nicht auf nur ein Werk und setzte den Zyklus der Gemälde fort, indem er die Erzählung ergänzte und erweiterte, als würde er die Manga-Technik anwenden und die Geschichte in visueller Gestaltung erzählen. Der zweite Teil der Serie wurde 2013 in der Galerie Blum & Poe (Los Angeles) präsentiert. Heute reisen die Arhats in Mailand zum dritten Mal um die Welt und verbreiten die Idee einer Rückkehr zur Spiritualität und des Verzichts auf Emotionen. Trotz der Erbaulichkeit und Tiefe der Bedeutung sind die Gemälde aufgrund der kräftigen und hellen Farbgebung, der künstlerischen Sprache selbst, leicht zu erkennen. Manga-Elemente brachten ihnen das nötige Maß an Popularisierung, so dass die überlieferten Ideen des Buddhismus auch von der uneingeweihten Öffentlichkeit leicht gelesen und wahrgenommen werden konnten.

Der nächste Vertreter der modernen japanischen Malerei kann Kazuki Umezawa genannt werden, ein Schüler von Murakami, womit wir wieder bei der Frage nach Schule und Kontinuität wären. Er erstellt digitale Darstellungen von Anime-Charakteren, indem er sie über Aufkleber malt, um zusätzliche Tiefe und visuelles Chaos zu erzeugen. Aus zufällig im Internet verstreuten Bildern konstruiert er Collagen, bricht Hintergründe auf und kreiert Mandalas, die die Struktur und den Inhalt der Fantasie von Otaku (Anime- und Manga-Fans) widerspiegeln. Der Verweis auf ein buddhistisches Symbol erhöht den semantischen Wert der Werke junger Künstler, die einerseits das Heilige und das in der Kultur etablierte, andererseits moderne Themen verbindet, aber wiederum unter Einbeziehung eines spezifisch japanischen Phänomens – Anime.

Takashi Murakami und Kazuki Umezawa balancieren gekonnt zwischen Relevanz und Tradition, Kitsch und Stil.

Es ist überraschend, dass nach dem Erdbeben in Japan am 11. März 2011 ein 16-jähriger Junge, der neun Tage lang unter den Trümmern seines Hauses gefangen war und gerettet wurde, auf die Frage eines Journalisten nach seinen Träumen für die Zukunft antwortete: „Ich will Künstler werden.“

Die Japaner entdeckten im 9.-12. Jahrhundert, während der Heian-Ära (794-1185), die in den Dingen verborgene Schönheit und bezeichneten sie sogar mit einem besonderen Konzept „ Mono nicht bewusst„(Japanisch: 物の哀れ (もののあわれ)), was „der traurige Charme der Dinge“ bedeutet. „Der Charme der Dinge“ ist eine der frühesten Definitionen von Schönheit in der japanischen Literatur; sie wird mit dem Shinto-Glauben in Verbindung gebracht, dass jedes Ding seine eigene Gottheit – Kami – und seinen eigenen einzigartigen Charme enthält. Avare ist die innere Essenz der Dinge, das, was Freude und Aufregung hervorruft.

- Washi (Wasi) oder Wagami (Wagami).
Handgeschöpftes Papier herstellen. Mittelalterliche Japaner schätzten Washi nicht nur wegen seiner praktischen Eigenschaften, sondern auch wegen seiner Schönheit. Es war berühmt für seine dünne, fast transparente Form, die ihm jedoch nicht seine Stärke nahm. Washi wird aus der Rinde des Kozo-Baums (Maulbeerbaum) und einiger anderer Bäume hergestellt.
Washi-Papier ist über Jahrhunderte hinweg erhalten geblieben, wie Alben und Bände antiker japanischer Kalligraphie, Gemälde, Siebe und Gravuren belegen, die über die Jahrhunderte hinweg bis heute erhalten geblieben sind.
Washi-Papier ist faserig; wenn man durch ein Mikroskop schaut, erkennt man Lücken, durch die Luft und Sonnenlicht eindringen. Diese Qualität wird bei der Herstellung von Paravents und traditionellen japanischen Laternen verwendet.
Washi-Souvenirs sind bei Europäern sehr beliebt. Aus diesem Papier werden viele kleine und nützliche Gegenstände hergestellt: Geldbörsen, Umschläge, Fächer. Sie sind ziemlich langlebig und dennoch leicht.

- Gohei.
Talisman aus Papierstreifen. Gohei ist ein Ritualstab eines Shinto-Priesters, an dem Zickzackstreifen aus Papier befestigt sind. Dieselben Papierstreifen werden am Eingang eines Shinto-Schreins aufgehängt. Die Rolle des Papiers im Shintoismus ist traditionell sehr groß und den daraus hergestellten Produkten wird seit jeher eine esoterische Bedeutung beigemessen. Und der Glaube, dass jedes Ding, jedes Phänomen, sogar Worte, einen Kami – eine Gottheit – enthält, erklärt auch die Entstehung einer Art angewandter Kunst wie Gohei. Der Shintoismus ist unserem Heidentum in mancher Hinsicht sehr ähnlich. Für Shintoisten lässt sich der Kami besonders gerne auf alles Ungewöhnliche ein. Zum Beispiel in Papierform. Und noch mehr gilt das in einem raffinierten Zickzack gedrehte Gohei, das heute vor dem Eingang von Shinto-Schreinen hängt und auf die Anwesenheit einer Gottheit im Tempel hinweist. Es gibt 20 Faltmöglichkeiten für den Gohei, und die besonders gefalteten Varianten ziehen die Kami besonders an. Meistens ist Gohei weiß, es gibt aber auch Gold-, Silber- und viele andere Farbtöne. Seit dem 9. Jahrhundert gibt es in Japan den Brauch, Gohei vor Beginn eines Kampfes am Gürtel von Sumo-Ringern zu befestigen.

- Anesama.
Hier werden Papierpuppen hergestellt. Im 19. Jahrhundert stellten Samurai-Frauen Papierpuppen her, mit denen Kinder spielten, und zogen ihnen verschiedene Kleider an. In Zeiten, in denen es kein Spielzeug gab, war Anesama der einzige Gesprächspartner für Kinder und „spielte“ die Rolle der Mutter, ältere Schwester, Kind und Freund.
Die Puppe ist aus japanischem Washi-Papier gerollt, die Haare sind aus zerknülltem Papier, mit Tinte bemalt und mit Kleber überzogen, was ihr ein glänzendes Finish verleiht. Besonderheit ist eine süße kleine Nase auf einem langen Gesicht. Dieses einfache, traditionell geformte Spielzeug, für das nur geschickte Hände erforderlich sind, wird auch heute noch auf die gleiche Weise hergestellt wie früher.

- Origami.
Die alte Kunst des Papierfaltens (折り紙, wörtlich: „gefaltetes Papier“). Die Origami-Kunst hat ihre Wurzeln im alten China, wo das Papier erfunden wurde. Origami wurde ursprünglich in religiösen Ritualen verwendet. Lange Zeit war diese Art von Kunst nur Vertretern der Oberschicht zugänglich, wo gute Manieren beherrschte die Papierfalttechniken. Erst nach dem Zweiten Weltkrieg gelangte Origami über den Osten hinaus nach Amerika und Europa, wo es sofort seine Fans fand. Klassisches Origami wird aus einem quadratischen Blatt Papier hergestellt.
Um das Faltdiagramm selbst des komplexesten Produkts zu skizzieren, sind bestimmte Symbole erforderlich. Die meisten konventionellen Zeichen wurden Mitte des 20. Jahrhunderts vom berühmten japanischen Meister Akira Yoshizawa in die Praxis eingeführt.
Beim klassischen Origami wird ein quadratisches, gleichmäßig gefärbtes Blatt Papier ohne Kleber oder Schere verwendet. Zeitgenössische Kunstformen weichen manchmal von diesem Kanon ab.

- Kirigami.
Kirigami ist die Kunst, aus einem mehrfach gefalteten Blatt Papier mit einer Schere verschiedene Formen auszuschneiden. Eine Art Origami, bei der bei der Herstellung des Modells Scheren und Schneidpapier verwendet werden können. Dies ist der Hauptunterschied zwischen Kirigami und anderen Papierfalttechniken, der im Namen betont wird: 切る (kiru) – schneiden, 紙 (gami) – Papier. Als Kinder liebten wir es alle, Schneeflocken auszuschneiden – eine Variante von Kirigami; mit dieser Technik kann man nicht nur Schneeflocken, sondern auch verschiedene Figuren, Blumen, Girlanden und andere süße Dinge aus Papier ausschneiden. Diese Produkte können als Schablonen für Drucke, zur Dekoration von Alben, Karten, Fotorahmen, im Bekleidungsdesign, Innendesign und anderen verschiedenen Dekorationen verwendet werden.

- Ikebana.
Ikebana (japanisch 生け花 oder いけばな), übersetzt aus dem Japanischen – „ike“ – Leben, „bana“ – Blumen oder „Blumen, die leben“. Die japanische Kunst des Blumensteckens ist eine der schönsten Traditionen des japanischen Volkes. Beim Komponieren von Ikebana werden neben Blumen auch geschnittene Zweige, Blätter und Triebe verwendet. Das Grundprinzip ist das Prinzip der exquisiten Einfachheit, um die natürliche Schönheit der Pflanzen hervorzuheben. Ikebana ist die Schaffung einer neuen natürlichen Form, in der die Schönheit einer Blume und die Schönheit der Seele des Meisters, der die Komposition kreiert, harmonisch vereint werden.
Heute gibt es in Japan die vier größten Ikebana-Schulen: Ikenobo, Koryu, Ohara, Sogetsu. Darüber hinaus gibt es etwa tausend verschiedene Richtungen und Trends, die einer dieser Schulen angehören.

-Oribana.
Mitte des 17. Jahrhunderts entstanden aus Ikenobo zwei Schulen: Ohara (die Hauptform von Ikebana ist Oribana) und Koryu (die Hauptform ist Sseka). Übrigens lernt die Ohara-Schule immer noch nur Oribana. Wie die Japaner sagen, ist es sehr wichtig, dass Origami nicht zu Origami wird. Gomi bedeutet auf Japanisch Müll. Schließlich haben Sie zufällig ein Stück Papier gefaltet, und was machen Sie dann damit? Oribana bietet viele Blumenstraußideen für die Innendekoration. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Falsch.
Eine aus der Floristik entstandene Kunstform. Die Floristik entstand in unserem Land vor acht Jahren, obwohl sie in Japan schon seit mehr als sechshundert Jahren existiert. Es war einmal im Mittelalter, als Samurai den Weg des Kriegers lernten. Und Oshibana war Teil dieses Weges, genau wie das Schreiben von Hieroglyphen und das Führen eines Schwertes. Die Bedeutung des Fehlers bestand darin, dass der Meister in einem Zustand völliger Präsenz im Augenblick (Satori) ein Bild aus getrockneten Blumen (gepressten Blumen) schuf. Dann könnte dieses Bild als Schlüssel und Leitfaden für diejenigen dienen, die bereit sind, in die Stille einzutreten und dasselbe Satori zu erleben.
Die Essenz der Kunst des „oshibana“ besteht darin, dass der Autor durch das Sammeln und Trocknen von Blumen, Kräutern, Blättern und Rinde unter Druck und das Aufkleben auf eine Unterlage mit Hilfe von Pflanzen ein wahres „Malwerk“ schafft. Mit anderen Worten: Oshibana ist das Malen mit Pflanzen.
Künstlerische Kreativität Floristen basieren auf der Erhaltung der Form, Farbe und Textur von getrocknetem Pflanzenmaterial. Die Japaner haben eine Technik entwickelt, um Oshibana-Gemälde vor dem Ausbleichen und Verdunkeln zu schützen. Sein Wesen besteht darin, dass Luft zwischen Glas und Bild abgepumpt wird und ein Vakuum entsteht, das den Verfall der Pflanzen verhindert.
Was die Menschen anzieht, ist nicht nur die Unkonventionalität dieser Kunst, sondern auch die Möglichkeit, Fantasie, Geschmack und Wissen über die Eigenschaften von Pflanzen zu zeigen. Floristen kreieren Ornamente, Landschaften, Stillleben, Porträts und Themengemälde.

- Bonsai.
Bonsai als Phänomen erschien vor mehr als tausend Jahren in China, aber diese Kultur erreichte den Höhepunkt ihrer Entwicklung erst in Japan. (Bonsai – Japanisch 盆栽 wörtlich „Pflanze in einem Topf“) – die Kunst, eine exakte Kopie eines echten Baumes im Miniaturformat zu züchten. Diese Pflanzen wurden mehrere Jahrhunderte v. Chr. von buddhistischen Mönchen angebaut und wurden später zu einer der Beschäftigungen des örtlichen Adels.
Bonsai schmückte japanische Häuser und Gärten. Während der Tokugawa-Ära erhielt die Parkgestaltung einen neuen Aufschwung: Der Anbau von Azaleen und Ahornbäumen wurde zum Zeitvertreib wohlhabender Menschen. Auch die Zwergpflanzenzucht (hachi-no-ki – „Topfbaum“) entwickelte sich, allerdings waren die Bonsai dieser Zeit sehr groß.
Heutzutage werden gewöhnliche Bäume für Bonsai verwendet; durch ständiges Beschneiden und verschiedene andere Methoden werden sie klein. Gleichzeitig entspricht das Verhältnis der Größen des Wurzelsystems, begrenzt durch das Volumen der Schale, und des Bodenteils des Bonsai den Proportionen eines erwachsenen Baumes in der Natur.

- Mizuhiki.
Ähnlich wie Makramee. Dies ist eine alte japanische angewandte Kunst, aus der verschiedene Knoten geknüpft werden spezielle Schnüre und daraus Muster erstellen. Solche Kunstwerke hatten ein äußerst breites Anwendungsspektrum – von Geschenkkarten und Briefen bis hin zu Frisuren und Handtaschen. Heutzutage wird Mizuhiki in der Geschenkbranche äußerst häufig verwendet – jedes Ereignis im Leben wird von einem Geschenk begleitet, das auf eine ganz bestimmte Art und Weise verpackt und gebunden wird. In der Mizuhiki-Kunst gibt es extrem viele Knoten und Kompositionen, und nicht jeder Japaner kennt sie alle auswendig. Natürlich gibt es die gängigsten und einfachsten Knoten, die am häufigsten verwendet werden: für Glückwünsche zur Geburt eines Kindes, für eine Hochzeit oder Beerdigung, einen Geburtstag oder die Zulassung zur Universität.

- Kumihimo.
Kumihimo ist eine japanische Flechttechnik. Durch das Verflechten von Fäden entstehen Bänder und Spitzen. Diese Schnürsenkel werden auf speziellen Maschinen gewebt – Marudai und Takadai. Der Marudai-Webstuhl wird zum Weben runder Schnürsenkel verwendet, während der Takadai-Webstuhl für flache Schnürsenkel verwendet wird. Kumihimo bedeutet aus dem Japanischen übersetzt „Seile weben“ (kumi – weben, zusammenfalten, himo – Seil, Spitze). Obwohl Historiker hartnäckig darauf bestehen, dass es bei den Skandinaviern und den Bewohnern der Anden ähnliche Webarten gibt, ist die japanische Kumihimo-Kunst wirklich eine der ältesten Webarten. Die erste Erwähnung stammt aus dem Jahr 550, als sich der Buddhismus in ganz Japan verbreitete und besondere Zeremonien besondere Dekorationen erforderten. Später wurden Kumihimo-Schnürsenkel als Verschluss für den Obi-Gürtel am Kimono einer Frau verwendet, als Seile zum „Verpacken“ des gesamten Samurai-Waffenarsenals (Samurai verwendeten Kumihimo für dekorative und funktionelle Zwecke, um ihre Rüstung und die Rüstung von zu binden). ihrer Pferde) und auch zum Zusammenbinden schwerer Gegenstände.
Verschiedene Muster moderner Kumihimo lassen sich ganz einfach auf selbstgebauten Webstühlen aus Pappe weben.

- Komono.
Was bleibt von einem Kimono übrig, nachdem er seinen Zweck erfüllt hat? Glaubst du, es wird weggeworfen? Nichts dergleichen! Das werden die Japaner niemals tun. Kimono ist eine teure Sache. Es ist undenkbar und unmöglich, ihn einfach wegzuwerfen ... Neben anderen Arten der Wiederverwendung von Kimonos stellten Kunsthandwerkerinnen aus kleinen Resten kleine Souvenirs her. Dazu gehören kleine Spielzeuge für Kinder, Puppen, Broschen, Girlanden, Damenschmuck und andere Produkte; aus alten Kimonos werden kleine süße Dinge hergestellt, die zusammenfassend „Komono“ genannt werden. Kleine Dinge, die leben werden eigenes Leben, den Weg des Kimonos fortsetzend. Das bedeutet das Wort „Komono“.

- Kanzashi.
Die Kunst, Haarspangen (meist mit Blumen (Schmetterlingen usw.) verziert) aus Stoff (hauptsächlich Seide) zu verzieren. Japanisches Kanzashi ist eine lange Haarnadel für eine traditionelle japanische Frauenfrisur. Sie wurden aus Holz, Lack, Silber und Schildpatt hergestellt , wird in traditionellen chinesischen und japanischen Frisuren verwendet. Vor etwa 400 Jahren änderte sich der Stil der Frauenfrisur in Japan: Frauen hörten auf, ihre Haare einzukämmen. traditionelle Form- Taregami (langes glattes Haar) und begann, es in komplizierten und komplizierten Formen zu stylen ausgefallene Formen- nihongami. Wird zum Haarstyling verwendet verschiedene Artikel- Haarnadeln, Stöcke, Kämme. Dann wird selbst ein einfacher Kushi-Kamm zu einem eleganten Accessoire von außergewöhnlicher Schönheit, das zu einem echten Kunstwerk wird. In der traditionellen Tracht japanischer Frauen waren Handgelenkschmuck und Halsketten nicht erlaubt, Haarschmuck hingegen schon Hauptschönheit und ein Feld zur Selbstdarstellung – sowie zur Demonstration des Geschmacks und der Dicke des Geldbeutels des Besitzers. In den Gravuren kann man – wenn man genau hinschaut – erkennen, wie Japanerinnen problemlos bis zu zwanzig teure Kanzashi in ihre Frisuren hängten.
Derzeit erlebt die Tradition der Verwendung von Kanzashi bei jungen japanischen Frauen, die ihren Frisuren Raffinesse und Eleganz verleihen möchten, eine Wiederbelebung. Moderne Haarnadeln können mit nur einer oder zwei eleganten handgefertigten Blumen verziert werden.

- Kinusayga.
Eine erstaunliche Art von Kunsthandwerk aus Japan. Kinusaiga (絹彩画) ist eine Mischung aus Batik und Patchwork. Die Grundidee besteht darin, dass aus alten Seidenkimonos Stück für Stück neue Gemälde zusammengesetzt werden – wahre Werke Kunst.
Zunächst fertigt der Künstler eine Skizze auf Papier an. Anschließend wird diese Zeichnung auf ein Holzbrett übertragen. Der Umriss des Designs wird mit Rillen oder Rillen ausgeschnitten, und dann werden aus einem alten Seidenkimono kleine Stücke in passender Farbe und Ton geschnitten, und die Kanten dieser Stücke füllen die Rillen. Wenn man ein solches Bild betrachtet, hat man das Gefühl, dass man ein Foto betrachtet oder einfach nur die Landschaft vor dem Fenster betrachtet, sie sind so realistisch.

- Temari.
Dabei handelt es sich um traditionell japanische geometrisch bestickte Bälle, die mit einfachen Stichen hergestellt werden und einst ein Kinderspielzeug waren. Heute sind sie zu einer Form der angewandten Kunst geworden und haben nicht nur in Japan, sondern auf der ganzen Welt viele Fans. Es wird angenommen, dass diese Gegenstände vor langer Zeit von den Frauen der Samurai zur Unterhaltung hergestellt wurden. Anfangs wurden sie eigentlich als Ball zum Ballspielen genutzt, doch nach und nach erhielten sie künstlerische Elemente und verwandelten sich später in dekorative Ornamente. Die zarte Schönheit dieser Kugeln ist in ganz Japan bekannt. Und heute gehören farbenfrohe, sorgfältig gefertigte Produkte zu den Arten des Volkshandwerks in Japan.

- Yubinuki.
Japanische Fingerhüte werden beim Nähen oder Sticken von Hand auf die mittlere Phalanx des Mittelfingers der Arbeitshand gesteckt, mit Hilfe der Fingerspitzen wird der Nadel die gewünschte Richtung vorgegeben und der Ring am Mittelfinger drückt die Nadel durch die Arbeit. Ursprünglich wurden japanische Yubinuki-Fingerhüte ganz einfach hergestellt: Ein etwa 1 cm breiter Streifen aus dickem Stoff oder Leder wurde in mehreren Lagen fest um den Finger gewickelt und mit ein paar einfachen Zierstichen aneinander befestigt. Da Yubinuks ein unverzichtbarer Gegenstand in jedem Haushalt waren, begann man, sie mit geometrischen Stickereien aus Seidenfäden zu schmücken. Durch ineinandergreifende Stiche entstanden farbenfrohe und komplexe Muster. Yubinuki von einfaches Objekt Auch der Alltag ist zu einem Objekt der „Bewunderung“ und Dekoration geworden Alltag.
Yubinuki werden immer noch zum Nähen und Sticken verwendet, können aber auch einfach an den Händen an jedem Finger getragen werden, wie dekorative Ringe. Sie sind mit Stickereien im Yubinuki-Stil verziert. verschiedene Artikel in Ringform – Serviettenringe, Armbänder, Temari-Ständer, verziert mit Yubinuki-Stickerei; es gibt auch bestickte Nadeletuis im gleichen Stil. Yubinuki-Muster können eine großartige Inspirationsquelle für die Temari-Obi-Stickerei sein.

- Suibokuga oder Sumie.
Japanische Tuschemalerei. Dieser chinesische Malstil wurde im 14. und Ende des 15. Jahrhunderts von japanischen Künstlern übernommen. ist zur Hauptrichtung der Malerei in Japan geworden. Suibokuga ist monochrom. Es zeichnet sich durch die Verwendung von schwarzer Tinte (Sumi) aus, einer harten Form von Holzkohle oder aus Ruß gewonnener chinesischer Tinte, die in einem Tintengefäß gemahlen, mit Wasser verdünnt und auf Papier oder Seide aufgetragen wird. Monochrom bietet dem Meister eine endlose Auswahl an Tonoptionen, die die Chinesen seit langem als „Farben“ der Tinte kennen. Suibokuga erlaubt manchmal die Verwendung echter Farben, beschränkt sie jedoch auf dünne, transparente Striche, die stets der mit Tinte ausgeführten Linie untergeordnet bleiben. Die Tuschemalerei teilt mit der Kunst der Kalligraphie wesentliche Merkmale wie einen streng kontrollierten Ausdruck und die technische Beherrschung der Form. Die Qualität der Tuschemalerei beruht, wie auch in der Kalligraphie, auf der Integrität und der Reißfestigkeit der mit Tusche gezeichneten Linie, die das Kunstwerk an sich zu halten scheint, so wie Knochen das Gewebe an sich halten.

- Etagami.
Gezeichnete Postkarten (E-Bild, Tags - Brief). Das Basteln von Karten mit eigenen Händen ist in Japan im Allgemeinen eine sehr beliebte Aktivität, und vor den Feiertagen nimmt die Beliebtheit noch zu. Die Japaner lieben es, ihren Freunden Postkarten zu schicken, und sie empfangen sie auch gerne. Hierbei handelt es sich um eine Art Schnellbrief auf speziellen Blankoformularen; er kann per Post ohne Umschlag verschickt werden. Beim Etegami gibt es keine besonderen Regeln oder Techniken; jeder kann es ohne spezielle Ausbildung ausführen. In Etappen hilft es, Ihre Stimmung und Eindrücke genau auszudrücken; dies ist eine handgefertigte Postkarte, bestehend aus einem Bild und kurzer Brief, um die Gefühle des Absenders wie Wärme, Leidenschaft, Fürsorge, Liebe usw. zu vermitteln. Diese Karten werden an Feiertagen und einfach so verschickt und zeigen Jahreszeiten, Aktionen, Gemüse und Obst, Menschen und Tiere. Je einfacher dieses Bild gezeichnet ist, desto interessanter sieht es aus.

- Furoshiki.
Japanische Verpackungstechnik oder die Kunst, Stoffe zu falten. Furoshiki sind seit langem Teil des japanischen Lebens. Erhalten sind alte Schriftrollen aus der Kamakura-Muromachi-Zeit (1185 – 1573) mit Bildern von Frauen, die in Stoff gewickelte Kleiderbündel auf dem Kopf tragen. Diese interessante Technik entstand zwischen 710 und 794 n. Chr. in Japan. Das Wort „Furoshiki“ bedeutet wörtlich übersetzt „Badematte“ und ist ein quadratisches Stück Stoff, das zum Einwickeln und Tragen von Gegenständen aller Formen und Größen verwendet wurde.
Früher war es in japanischen Bädern (Furo) üblich, leichte Baumwollkimonos zu tragen, die die Besucher von zu Hause mitbrachten. Der Badegast brachte auch eine spezielle Matte (Shiki) mit, auf der er beim Ausziehen stand. Nachdem er sich einen „Bade“-Kimono angezogen hatte, wickelte der Besucher seine Kleidung in einen Teppich und nach dem Bad wickelte er den nassen Kimono in den Teppich ein, um ihn nach Hause zu tragen. So wird aus der Badematte eine multifunktionale Tasche.
Furoshiki ist sehr einfach zu verwenden: Der Stoff passt sich der Form des zu verpackenden Gegenstands an und die Griffe erleichtern das Tragen der Ladung. Darüber hinaus erhält ein Geschenk, das nicht in hartes Papier, sondern in weichen, mehrschichtigen Stoff verpackt ist, eine besondere Ausdruckskraft. Es gibt viele Muster zum Falten von Furoshiki für jeden Anlass, jeden Tag oder Urlaub.

- Amigurumi.
Die japanische Kunst, kleine weiche Tiere zu stricken oder zu häkeln humanoide Kreaturen. Amigurumi (japanisch 編み包み, wörtlich: „gestrickt-gewickelt“) sind meist niedliche Tiere (wie Bären, Hasen, Katzen, Hunde usw.), Menschen, können aber auch leblose Objekte sein, die mit menschlichen Eigenschaften ausgestattet sind. Zum Beispiel Cupcakes, Hüte, Handtaschen und andere. Amigurumi wird gestrickt oder gehäkelt. IN in letzter Zeit Gehäkelte Amigurumi sind immer beliebter und verbreiteter geworden.
Sie werden in einer einfachen Strickmethode aus Garn gestrickt – in einer Spirale und im Gegensatz zur europäischen Strickmethode sind die Kreise normalerweise nicht verbunden. Außerdem werden sie im Verhältnis zur Garnstärke kleiner gehäkelt, um einen sehr dichten Stoff ohne Lücken zu schaffen, durch die das Füllmaterial entweichen kann. Amigurumi werden oft aus Teilen hergestellt und dann zusammengesetzt, mit Ausnahme einiger Amigurumi, die keine Gliedmaßen haben, sondern nur Kopf und Rumpf, die ein Ganzes bilden. Die Gliedmaßen sind manchmal mit Plastikstücken ausgestopft, um ihnen Lebendgewicht zu verleihen, während der Rest des Körpers mit Faserfüllstoff gefüllt ist.
Die Verbreitung der Amigurumi-Ästhetik wird durch ihre Niedlichkeit („Kawaiiness“) erleichtert.