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Zeitgenössische Kunst es ist schwer zu beurteilen oder zu bewerten, da es zunächst den Rahmen einer solchen Möglichkeit sprengt. Es ist gut, dass es das gibt Alexey Lifanov , der zwar kein Japanisch-Spezialist ist, sich aber besser mit Kunst auskennt als ich. Wer, wenn nicht Alexey, würde mir helfen zu verstehen, was ich sah?
Ja, die Japaner sind seltsame Leute. Impressionen von der Ausstellung auf dem Gogolevsky Boulevard.

Die Exponate der Ausstellung „Doppelte Perspektive“ lassen sich (je nach den von den Autoren aufgeworfenen Themen) in drei Teile unterteilen. Der erste ist dem Menschen und dem Staat sowie der Rolle der Ideologie gewidmet Privatsphäre, das Diktat der Gesellschaft über das Individuum. Das zweite Thema hängt damit zusammen: Der Mensch und sein Einfluss auf die Natur (auch im Rahmen einer Ausstellung). verschiedene Künstleräußerte diametral entgegengesetzte Ansichten). Das dritte Thema ist rein japanisch und widmet sich der Ideologie von „Loli“ und anderen ephebophilen Dingen, die in der japanischen Gesellschaft florieren.

1. Die Werke von Kenji Yanobe sind mit einer postapokalyptischen Ästhetik vermischt und, das sollte angemerkt werden, ohne jeglichen „Stalkerismus“. Seine Arbeit ist methodisch sehr naiv. „Child of the Sun“ ist eine großformatige und berührende Skulptur. Was für ein Mensch sollte man sein, um der technogenen Welt zu widerstehen – mutig, entscheidungsfreudig oder spontan und naiv?

3. Fortsetzung des Themas in einem noch übertriebeneren naiven Stil.

4. Motohiko Odani diskutiert Pubertät, Sexualität und ihre Psychologie. Gegenüber dieser Skulptur befindet sich eine viel ausdrucksstärkere Videoinstallation, die jedoch unbedingt persönlich gesehen werden muss.

5. Makoto Aida entwickelt das Thema. Ein Bonsai-Baum mit Jungfrauenköpfen ist ein übertriebenes Symbol perverser Liebe. Die Symbolik ist transparent und bedarf kaum einer Erklärung.

6. Ein weiteres seiner Werke ist „Schüler der Harakiri-Schule“. Grafisch ist es einfach umwerfend.

7. Fortsetzung des „Kinder“-Themas von Yoshimoto Naro. Kindergesichter und nicht-kindliche Emotionen.

8. Takahiro Iwasaki hat aus allerlei Müll ein sehr konventionelles Tagebuch einer bestimmten Stadt erstellt. Die Ästhetik einer Stadt, die eigentlich eine Mülldeponie ist, ist keine neue Idee, wird aber interessant umgesetzt.

10. Gemälde von Tadanori Yokoo – eine Collage aus Anspielungen, Zitaten und Archetypen. Gleichzeitig ist die Farbgebung einfach großartig.

11. Yayoi Kusama wandte sich der existenziellen Ästhetik von Sein und Nichtsein zu und schuf einen Raum, in dem der Raum bricht und sich auflöst.

12. Yasumasa Morimura machte eine Parodie auf eine Parodie. Er porträtiert keineswegs Adolf Hitler, wie es scheinen könnte, sondern Ginkels Adenoid – eine Figur aus Chaplins Film „Der große Diktator“. Der Rest seiner Werke ist unmittelbaren Herrschern und Diktatoren gewidmet, aber das Wesentliche ist klar – die Bedrohung durch eine totale Ideologie.

13. Es gibt nur wenige Zuschauer, aber die, die da sind, diskutieren sehr enthusiastisch über das, was sie sehen. Insgesamt scheint es den Besuchern wirklich Spaß zu machen, was passiert.

14. Das ist der Kopf von George Bush. George Bush singt die US-Hymne. Die Idee ist einfach zu verstehen – es geht um das Eindringen von Ideologie und Staat sogar in den persönlichen Bereich einer Person.

15. Pokémon-Ratten. Mein Lieblingsteil.

16. Ein Teil der Ausstellung sind Fotografien. An manchen Stellen ist es interessant, an anderen ist es zu intim, um es zu verstehen.

18. Fotografien von Toshio Shibata. Hier wird die Idee des harmonischen Zusammenlebens von Mensch und Natur in Form von Fotografien gelöst, deren Ästhetik viel näher an der Abstraktion als am Realismus liegt – so präzise ist die Geometrie und Komposition.

19. Einer der Grüße an Lenin.

In jedem Fall sind Ausstellungen für den persönlichen Besuch gedacht und nicht für das Ansehen von Fotoreportagen auf Blogs. Viele Arbeiten sind in statischer Form und in der Größe eines Bildschirmfotos überhaupt nicht zu bewerten. Daher ist es besser, selbst in die Ausstellung „Double Perspective“ zu gehen.

Der Projektpartner Sony veranstaltet einen Wettbewerb und verlost einen Laptop und weitere Preise! Wenn Sie eine Ausstellung besuchen, machen Sie unbedingt Fotos von den Exponaten und schreiben Sie Ihre eigenen kurze eindrücke. Um am Wettbewerb teilzunehmen, teilen Sie es

Das deckt viele Techniken und Stile ab. Im Laufe seiner Geschichte hat es viel erlebt große ZahlÄnderungen. Neue Traditionen und Genres kamen hinzu und die ursprünglichen japanischen Prinzipien blieben bestehen. Zusammen mit erstaunliche Geschichte Auch die japanische Malerei ist bereit, viele einzigartige und interessante Fakten zu präsentieren.

Altes Japan

Die ersten Stile tauchen in der ältesten historischen Periode des Landes auf, sogar vor Christus. e. Damals war die Kunst recht primitiv. Zuerst im Jahr 300 v. Chr. h., verschiedene geometrische Formen, die mit Stöcken auf Keramik ausgeführt wurden. Eine solche Entdeckung durch Archäologen als Verzierung auf Bronzeglocken geht auf eine spätere Zeit zurück.

Etwas später, bereits im Jahr 300 n. Chr. h., es tauchen Felsmalereien auf, die deutlich vielfältiger sind geometrisches Ornament. Dabei handelt es sich bereits um vollwertige Bilder mit Bildern. Sie wurden in Krypten gefunden, und wahrscheinlich wurden die Menschen, die darauf gemalt sind, in diesen Grabstätten begraben.

Im 7. Jahrhundert n. Chr e. Japan übernimmt Schriften, die aus China stammen. Etwa zur gleichen Zeit entstanden von dort auch die ersten Gemälde. Dann erscheint die Malerei als eigenständige Sphäre der Kunst.

Edo

Edo ist bei weitem nicht das erste und nicht das letzte Gemälde, aber es brachte viele neue Dinge in die Kultur. Erstens sind es die Helligkeit und die Farbigkeit, die der üblichen Technik in Schwarz- und Grautönen hinzugefügt wurden. Am meisten ein herausragender Künstler Dieser Stil wird als Sotasu bezeichnet. Er schuf klassische Gemälde, aber seine Charaktere waren sehr farbenfroh. Später wandte er sich der Natur zu und die meisten seiner Landschaften malte er vor vergoldeten Hintergründen.

Zweitens tauchte während der Edo-Zeit Exotik, das Namban-Genre, auf. Es wurden moderne europäische und chinesische Techniken verwendet, die mit traditionellen japanischen Stilen verknüpft waren.

Und drittens erscheint die Nanga-Schule. Dabei ahmen Künstler zunächst die Werke chinesischer Meister vollständig nach oder kopieren sie sogar. Dann erscheint ein neuer Zweig, der Bunjing genannt wird.

Modernisierungszeit

Die Edo-Zeit weicht dem Meiji und jetzt japanische Malerei gezwungen zu gehen neue Bühne Entwicklung. Zu dieser Zeit erfreuten sich Genres wie Western und ähnliche Genres auf der ganzen Welt großer Beliebtheit, so dass die Modernisierung der Kunst zu einem alltäglichen Zustand wurde. Doch in Japan, einem Land, in dem alle Menschen Traditionen verehren, gegebene Zeit Die Situation war deutlich anders als in anderen Ländern. Der Wettbewerb zwischen europäischen und lokalen Technikern ist hier hart.

Die Regierung bevorzugt in dieser Phase junge Künstler, die sich bewerben große Hoffnungen um die Kenntnisse im westlichen Stil zu verbessern. Deshalb schicken sie sie an Schulen in Europa und Amerika.

Dies geschah jedoch erst zu Beginn der Periode. Tatsache ist, dass berühmte Kritiker die westliche Kunst ziemlich heftig kritisiert haben. Um eine große Aufregung um dieses Thema zu vermeiden, Europäische Stile und die Techniken wurden auf Ausstellungen verboten, ihre Ausstellung hörte auf, ebenso wie ihre Popularität.

Die Entstehung europäischer Stile

Als nächstes kommt die Taisho-Zeit. Zu dieser Zeit kehren junge Künstler, die das Land verlassen haben, um an ausländischen Schulen zu studieren, in ihre Heimat zurück. Natürlich bringen sie neue Stile japanischer Malerei mit, die den europäischen sehr ähnlich sind. Impressionismus und Postimpressionismus treten auf.

In dieser Phase werden viele Schulen gegründet, in denen alte Japanische Stile. Aber es ist unmöglich, westliche Tendenzen vollständig loszuwerden. Daher müssen wir mehrere Techniken kombinieren, um sowohl Liebhaber der Klassiker als auch Fans der modernen europäischen Malerei zufrieden zu stellen.

Einige Schulen werden vom Staat finanziert, wodurch viele nationale Traditionen bewahrt werden können. Private Eigentümer sind gezwungen, dem Beispiel der Verbraucher zu folgen, die etwas Neues wollten; sie haben die Klassiker satt.

Gemälde aus dem Zweiten Weltkrieg

Nach Kriegsbeginn blieb die japanische Malerei noch einige Zeit vom Geschehen fern. Es entwickelte sich separat und unabhängig. Aber das konnte nicht ewig so weitergehen.

Im Laufe der Zeit, wann politische Situation Während sich die Lage im Land verschlechtert, ziehen hohe und angesehene Zahlen viele Künstler an. Einige von ihnen begannen bereits zu Beginn des Krieges, im patriotischen Stil zu kreieren. Der Rest beginnt diesen Prozess nur auf Befehl der Behörden.

Dementsprechend konnte sich die japanische bildende Kunst während des Zweiten Weltkriegs nicht besonders entwickeln. Daher kann es für die Malerei als stagnierend bezeichnet werden.

Ewiges Suibokuga

Japanische Sumi-e-Malerei oder Suibokuga bedeutet wörtlich „Tuschemalerei“. Dies bestimmt den Stil und die Technik dieser Kunst. Es kam aus China, aber die Japaner beschlossen, es ihr Eigen zu nennen. Und zunächst hatte die Technik keine ästhetische Seite. Es wurde von Mönchen zur Selbstverbesserung während des Zen-Studiums verwendet. Darüber hinaus zeichneten sie zunächst Bilder und trainierten anschließend beim Betrachten ihre Konzentration. Die Mönche glaubten, dass strenge Linien, verschwommene Töne und Schatten – alles, was man Monochrom nennt – zur Verbesserung beitragen.

Die japanische Tuschemalerei ist trotz der großen Vielfalt an Gemälden und Techniken nicht so komplex, wie es auf den ersten Blick erscheinen mag. Es basiert auf nur 4 Diagrammen:

1. Chrysantheme.
2. Orchidee.
3. Pflaumenzweig.
4. Bambus.

Eine kleine Anzahl von Plots macht die Beherrschung der Technik nicht schnell. Manche Meister glauben, dass Lernen ein Leben lang dauert.

Obwohl Sumi-e schon vor langer Zeit auf den Markt kam, ist es immer gefragt. Darüber hinaus kann man heute Meister dieser Schule nicht nur in Japan treffen, sie ist weit über die Grenzen Japans hinaus verbreitet.

Moderne Zeit

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs blühte die Kunst in Japan nur noch auf Großstädte, Dorfbewohner und Dorfbewohner hatten genug Grund zur Sorge. Meistens versuchten die Künstler, sich von den Verlusten der Kriegszeit abzuwenden und das moderne Stadtleben mit all seinen Verzierungen und Besonderheiten auf Leinwand darzustellen. Europäische und amerikanische Ideen wurden erfolgreich übernommen, doch dieser Zustand hielt nicht lange an. Viele Meister wandten sich allmählich von ihnen ab und hin zu japanischen Schulen.

Immer in Mode geblieben. Daher kann sich die moderne japanische Malerei nur in der Ausführungstechnik oder den dabei verwendeten Materialien unterscheiden. Aber die meisten Künstler nehmen verschiedene Innovationen nicht gut wahr.

Es ist unmöglich, das Modische nicht zu erwähnen moderne Subkulturen, wie Anime und ähnliche Stile. Viele Künstler versuchen, die Grenze zwischen den Klassikern und dem, was heute gefragt ist, zu verwischen. Dieser Zustand ist größtenteils auf den Handel zurückzuführen. Klassiker und traditionelle Genres Tatsächlich kaufen sie nicht, daher ist es unrentabel, als Künstler in Ihrem Lieblingsgenre zu arbeiten, Sie müssen sich an die Mode anpassen.

Abschluss

Zweifellos ist die japanische Malerei eine Fundgrube Schöne Künste. Vielleicht war das betreffende Land das einzige, das nicht den westlichen Trends folgte und sich nicht an die Mode anpasste. Trotz vieler Rückschläge während der Einführung neuer Techniken konnten sich japanische Künstler immer noch verteidigen nationale Traditionen in vielen Genres. Dies ist wahrscheinlich der Grund, warum Gemälde im klassischen Stil heute auf Ausstellungen einen hohen Stellenwert haben.

Tadasu Takamine. „God Bless America“, 2002. Video (8 Min. 18 Sek.)

Doppelte Perspektive: Zeitgenössische Kunst Japans
Kuratoren Elena Yaichnikova und Kenjiro Hosaka

Teil eins: „Realität/gewöhnliche Welt.“ Moskauer Museum für moderne Kunst, Mt. Moskau, Ermolaevsky-Gasse, 17
Teil zwei: „Imaginäre Welt/Fantasie.“ Moskauer Museum für moderne Kunst, Mt. Moskau, Gogolevsky Boulevard, 10

Das Moskauer Museum für Moderne Kunst präsentiert zusammen mit der Japan Foundation die Ausstellung „Double Perspective: Contemporary Art of Japan“, die der breiten Öffentlichkeit zeitgenössische japanische Künstler vorstellen soll.
Dual perspective besteht aus zwei Kuratoren verschiedene Länder, zwei Museumsstandorte und eine zweiteilige Projektstruktur. Die von Elena Yaichnikova und Kenjiro Hosaka kuratierte Ausstellung vereint die Werke von mehr als 30 Künstlern verschiedener Richtungen, die von den 70er Jahren des 20. Jahrhunderts bis zur Gegenwart arbeiten. Das Projekt besteht aus zwei Teilen – „Reale Welt/Alltag“ und „Imaginäre Welt/Fantasie“ – die auf dem Museumsgelände in der Ermolaevsky Lane 17 und dem Gogolevsky Boulevard 10 angesiedelt sind.

Erster Teil: „Realität/gewöhnliche Welt“

Der erste Teil der Ausstellung „Real World/Everyday“ präsentiert den Blick japanischer Künstler auf die Welt um uns herum durch einen Appell an die Weltgeschichte des 20. Jahrhunderts (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa und Yuken Teruya) und Reflexionen über die Struktur moderne Gesellschaft(Dumb Type und Tadasu Takamine), Interaktion mit dem Stadtraum (Contact Gonzo und ChimPom) und die Suche nach Poesie im Alltag (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi und Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura verwandelt sich in der Reihe der Videoarbeiten „Requiem“ in verschiedene historische Charaktere: Chaplin, der Schriftsteller Yukio Mishima und sogar Lenin – und stellt Episoden aus ihrem Leben nach. Ein weiterer Teilnehmer des Projekts, Tetsuya Umeda, schafft Installationen aus improvisierten Mitteln, gewöhnlichen Dingen – so wird der banalste Alltag zur Kunst. In der Ausstellung sind Werke von Yoko Ono zu sehen – das berühmte „Cut Piece“ in den Versionen von 1965 und 2003 sowie die Klanginstallation „Cough Piece“ (1961). Gezeigt werden Werke von Kishio Suga, einem der zentralen Vertreter der Mono-Ha-Bewegung (übersetzt als „Schule der Dinge“), die eine japanische Alternative zur westlichen Moderne bot. Im Fotobereich werden Werke von Toshio Shibata, Takashi Homma und Lieko Shiga präsentiert.

Yayoi Kusama. „Ich bin hier, aber nirgendwo“, 2000. Mischtechnik. Installation im Maison de la culture du Japon, Paris.
Sammlung des Autors

Die Werke des zweiten Teils des Projekts werden der Öffentlichkeit eine freie, imaginäre Welt präsentieren, in der alles enthalten ist, was wir nicht sehen können echtes Leben, alles, was außerhalb davon ist. Die Werke der Künstler in diesem Teil der Ausstellung beziehen sich auf die japanische Popkultur, die Welt der Fantasie, Naivität, Mythen und Reflexionen über die kosmogonische Struktur der Welt. Jeder Aussteller gibt dem Begriff „Imagination“ seine eigene Bedeutung. Das ist es, was der Künstler Tadanori Yokoo in seiner Beziehung zur imaginären Welt tut. Hauptthema Ihre Werke verschwinden, oder vielmehr „verschwinden von selbst“. Ein ähnliches Motiv lässt sich im Werk von Yayoi Kusama erkennen: Indem sie ihre Fantasien auf die Realität projiziert, erschafft sie eine Welt voller bizarrer Muster. Die Riesenskulptur „Child of the Sun“ (2011) von Kenji Yanobe entstand in einer schrecklichen Zeit, als es zu einer Explosion kam Atomkraftwerk„Fukushima-1“. Sein monumentales Objekt wird zum Schnittpunkt der Vorstellungen. Der Künstler versteht, dass die Erfahrung an der Grenze des Realen zum Anstoß für die Schaffung einer neuen Welt werden wird. In der Rubrik „Imaginary World/Fantasy“ sind auch Werke von Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa und vielen anderen zu sehen.
Einige Werke wurden speziell für die Ausstellung geschaffen. Der Künstler Yoshinori Niwa kam für sein Projekt „Wladimir Lenin wird in Moskauer Wohnungen gesucht“ (2012) nach Moskau, um in den Wohnungen der Moskauer Artefakte zu finden, die mit der Persönlichkeit des Revolutionärs in Verbindung stehen. Seine Arbeit ist eine Videodokumentation seiner Suchen und Reisen durch Moskau. Der Künstler Tetsuya Umeda, dessen Werke gleichzeitig an zwei Orten präsentiert werden, wird nach Moskau kommen, um seine Installationen vor Ort umzusetzen.
Diese beiden auf den ersten Blick disparaten Teile der Ausstellung sollen die beiden Pole japanischer Kunst zeigen, die sich in Wirklichkeit als untrennbar voneinander erweisen.
Im Rahmen der Ausstellung sind auch offene Meisterkurse und kreative Treffen mit Projektteilnehmern geplant. Es wird Vorträge des japanischen Kurators Kenjiro Hosaka und des Künstlers Kenji Yanobe geben. Für Russland ist diese Ausstellung das erste Mal in diesem Umfang, dass moderne Werke präsentiert werden japanische Kunst.

Yoshitomo Nara. „Candy-blue night“, 2001. 1166,5 x 100 cm Acryl auf Leinwand
Foto: Yoshitaka Uchida

Kishio Suga „Space of Separation“, 1975. Äste und Betonblöcke. 184 x 240 x 460 cm
Foto: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. „Kind der Sonne“, 2011. Fiberglas, Stahl, Neon usw. 620 x 444 x 263 cm. Installation im Ezpo Memorial Park“70
Foto: Thomas Swab

Kunst und Design

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01.02.18 09:02

Die heutige japanische Kunstszene ist sehr vielfältig und provokativ: Sie betrachtet die Werke von Meistern aus dem Land Aufgehende Sonne, werden Sie entscheiden, dass Sie auf einem anderen Planeten angekommen sind! Heimat von Innovatoren, die die Landschaft der Branche auf globaler Ebene verändert haben. Hier ist eine Liste von 10 zeitgenössischen japanischen Künstlern und ihren Kreationen, von den unglaublichen Kreaturen von Takashi Murakami (der heute seinen Geburtstag feiert) bis zum farbenfrohen Universum von Kusama.

Von futuristischen Welten bis hin zu Punktkonstellationen: zeitgenössische japanische Künstler

Takashi Murakami: Traditionalist und Klassiker

Beginnen wir mit dem Helden des Anlasses! Takashi Murakami ist einer der bekanntesten zeitgenössischen Künstler Japans, der an Gemälden, großformatigen Skulpturen und Modekleidung arbeitet. Murakamis Stil ist von Manga und Anime beeinflusst. Er ist der Gründer der Superflat-Bewegung und unterstützt die japanische Sprache künstlerische Traditionen und die Nachkriegskultur des Landes. Murakami hat viele seiner Zeitgenossen gefördert, und einige von ihnen werden wir heute auch treffen. „Subkulturelle“ Werke von Takashi Murakami werden auf den Kunstmärkten Mode und Kunst präsentiert. Sein provokantes Stück „My Lonesome Cowboy“ (1998) wurde 2008 in New York bei Sotheby’s für den Rekordpreis von 15,2 Millionen US-Dollar verkauft. Murakami arbeitete mit der Welt zusammen bekannte Marken Marc Jacobs, Louis Vuitton und Issey Miyake.

Leise Ashima und ihr surreales Universum

Als Mitglied der Kunstproduktionsfirma Kaikai Kiki und der Superflat-Bewegung (beide gegründet von Takashi Murakami) ist Chicho Ashima für ihre fantastischen Stadtlandschaften und seltsamen Pop-Kreaturen bekannt. Der Künstler kreiert surreale Träume, in denen Dämonen, Geister und junge Schönheiten leben und die vor dem Hintergrund einer ausgefallenen Natur dargestellt werden. Ihre Arbeiten sind meist großformatig und auf Papier, Leder und Kunststoff gedruckt. Im Jahr 2006 nahm dieser zeitgenössische japanische Künstler an Art on the Underground in London teil. Sie schuf 17 aufeinanderfolgende Bögen für die Plattform – die magische Landschaft verwandelte sich allmählich von Tag zu Nacht, von Stadt zu Land. Dieses Wunder erblühte an der U-Bahnstation Gloucester Road.

Chiharu Shima und die endlosen Threads

Ein anderer Künstler, Chiharu Shiota, arbeitet an großformatigen visuellen Installationen für bestimmte Wahrzeichen. Sie wurde in Osaka geboren, lebt aber heute in Deutschland – in Berlin. Zentrale Themen Ihre Arbeit ist Vergessenheit und Erinnerung, Träume und Realität, Vergangenheit und Gegenwart und auch die Konfrontation mit Angst. Chiharu Shiotas berühmteste Werke sind undurchdringliche Netzwerke aus schwarzem Faden, die eine Vielzahl alltäglicher und persönlicher Gegenstände wie alte Stühle, Hochzeitskleid, verbranntes Klavier. Im Sommer 2014 hat Shiota gespendete Schuhe und Stiefel (von denen es mehr als 300 waren) mit roten Garnsträngen zusammengebunden und an Haken aufgehängt. Chiharus erste Ausstellung in der deutschen Hauptstadt fand während der Berlin Art Week 2016 statt und sorgte für Aufsehen.

Hey Arakawa: überall, nirgendwo

Hei Arakawa lässt sich von Zuständen des Wandels, Perioden der Instabilität und Elementen des Risikos inspirieren und seine Installationen symbolisieren oft Themen wie Freundschaft und Freundschaft kollektive Arbeit. Credo der Moderne Japanischer Künstler wird durch das performative Unbestimmte „überall, aber nirgendwo“ definiert. Seine Kreationen tauchen an unerwarteten Orten auf. 2013 wurden Arakawas Werke auf der Biennale von Venedig und in der Ausstellung japanischer zeitgenössischer Kunst im Mori Museum of Art (Tokio) ausgestellt. Die Installation Hawaiian Presence (2014) entstand in Zusammenarbeit mit der New Yorker Künstlerin Carissa Rodriguez und wurde in die Whitney Biennale aufgenommen. Ebenfalls im Jahr 2014 boten Arakawa und sein Bruder Tomu, die als Duo namens United Brothers auftraten, den Besuchern der Frieze London ihr „Werk“ „The This Soup Taste Ambivalent“ mit „radioaktivem“ Fukushima-Daikon-Wurzelgemüse an.

Koki Tanaka: Beziehungen und Wiederholungen

2015 wurde Koki Tanaka als „Künstler des Jahres“ ausgezeichnet. Tanaka erkundet Gesamterlebnis Kreativität und Vorstellungskraft, fördert den Austausch zwischen Projektbeteiligten und setzt sich für neue Regeln der Zusammenarbeit ein. Seine Installation im japanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig 2013 bestand aus Videos von Objekten, die den Raum in eine Plattform für künstlerischen Austausch verwandelten. Installationen von Koki Tanaka (nicht zu verwechseln mit seinem vollständigen Namensgeber, dem Schauspieler) veranschaulichen die Beziehung zwischen Objekten und Aktionen. Das Video enthält beispielsweise eine Aufzeichnung einfacher Gesten, mit denen er ausgeführt wird gewöhnliche Gegenstände(Ein Messer schneidet Gemüse, Bier wird in ein Glas gegossen, ein Regenschirm wird geöffnet). Es passiert nichts Wesentliches, außer zwanghafter Wiederholung und Aufmerksamkeit bis ins kleinste Detail Lassen Sie den Betrachter das Weltliche schätzen.

Mariko Mori und stromlinienförmige Formen

Eine weitere zeitgenössische japanische Künstlerin, Mariko Mori, „zaubert“ Multimedia-Objekte, indem sie Videos, Fotografien und Objekte kombiniert. Sie zeichnet sich durch eine minimalistische futuristische Vision und schlanke surreale Formen aus. Ein wiederkehrendes Thema in Moris Werk ist die Gegenüberstellung westlicher Legenden mit Westliche Kultur. Im Jahr 2010 gründete Mariko die Fau Foundation, eine Bildungskultur gemeinnützige Organisation, für die sie eine Reihe ihrer Kunstinstallationen zu Ehren der sechs bewohnten Kontinente produzierte. Zuletzt wurde die permanente Installation „Ring: One with Nature“ der Stiftung über einem malerischen Wasserfall in Resende in der Nähe von Rio de Janeiro errichtet.

Ryoji Ikeda: Ton- und Videosynthese

Ryoji Ikeda ist ein Künstler und Komponist für neue Medien, dessen Arbeit sich hauptsächlich mit Klang in verschiedenen „rohen“ Zuständen beschäftigt, von Sinuswellen bis hin zu Lärm, wobei Frequenzen am Rande des menschlichen Hörvermögens verwendet werden. Zu seinen immersiven Installationen gehören computergenerierte Klänge, die visuell in Videoprojektionen oder digitale Muster umgewandelt werden. Ikedas audiovisuelle Kunst nutzt Maßstab, Licht, Schatten, Lautstärke, elektronische Klänge und Rhythmus. Die berühmte Testanlage des Künstlers besteht aus fünf Projektoren, die eine Fläche von 28 Metern Länge und 8 Metern Breite beleuchten. Das Setup wandelt Daten (Texte, Töne, Fotos und Filme) in Barcodes und binäre Muster aus Einsen und Nullen um.

Tatsuo Miyajima und LED-Theken

Der zeitgenössische japanische Bildhauer und Installationskünstler Tatsuo Miyajima verwendet in seiner Kunst elektrische Schaltkreise, Videos, Computer und andere Geräte. Miyajimas Kernkonzepte sind von humanistischen Ideen und buddhistischen Lehren inspiriert. Die LED-Zähler in seinen Installationen blinken kontinuierlich in der Wiederholung von 1 bis 9 und symbolisieren die Reise vom Leben zum Tod, vermeiden jedoch die Endgültigkeit, die durch 0 dargestellt wird (Null kommt in Tatsuos Werk nie vor). Die allgegenwärtigen Zahlen in Gittern, Türmen und Diagrammen drücken Miyajimas Interesse an Ideen von Kontinuität, Ewigkeit, Verbindung und dem Fluss von Zeit und Raum aus. Kürzlich wurde Miyajimas „Arrow of Time“ auf der Eröffnungsausstellung „Unfinished Thoughts Visible in New York“ gezeigt.

Nara Yoshimoto und die bösen Kinder

Nara Yoshimoto schafft Gemälde, Skulpturen und Zeichnungen von Kindern und Hunden – Motive, die Kindheitsgefühle von Langeweile und Frustration sowie die wilde Unabhängigkeit widerspiegeln, die Kleinkindern innewohnt. Die Ästhetik von Yoshimotos Werk erinnert an Traditionelles Buchillustrationen ist eine Mischung aus rastloser Spannung und der Liebe des Künstlers zum Punkrock. Im Jahr 2011 veranstaltete das Asia Society Museum in New York Yoshimotos erste Einzelausstellung mit dem Titel „Yoshitomo Nara: Nobody’s Fool“, die die 20-jährige Karriere des zeitgenössischen japanischen Künstlers abdeckte. Die Ausstellungen standen in engem Zusammenhang mit globalen Jugendsubkulturen und deren Entfremdung Protest.

Yayoi Kusama und der Raum wachsen zu seltsamen Formen heran

Toll kreative Biografie Kusamas Yayoi umfasst sieben Jahrzehnte. Während dieser Zeit gelang es der erstaunlichen Japanerin, die Bereiche Malerei, Grafik, Collage, Bildhauerei, Kino, Gravur, Umweltkunst, Installation sowie Literatur, Mode und Bekleidungsdesign zu studieren. Kusama entwickelte einen sehr unverwechselbaren Stil der Punktkunst, der zu ihrem Markenzeichen geworden ist. Die illusorischen Visionen, die in den Werken der 88-jährigen Kusama dargestellt werden – in denen die Welt von weitläufigen, seltsamen Formen bedeckt zu sein scheint – sind das Ergebnis von Halluzinationen, die sie seit ihrer Kindheit erlebt hat. Räume mit bunten Punkten und „Unendlichkeits“-Spiegeln, die ihre Cluster widerspiegeln, sind erkennbar und mit nichts anderem zu verwechseln.

Was sind Anime und Manga? Die einfachste Definition sieht so aus:
Mangas sind japanische Comics.
Anime ist japanische Animation.

Es wird oft angenommen, dass die Begriffe „Manga“ und „Anime“ auf bestimmte Genres (Science-Fiction, Fantasy) und Grafikstile (Realismus, „ große Augen"). Das stimmt nicht. Die Begriffe „Manga“ und „Anime“ definieren lediglich die Grundkultur, auf deren Grundlage die entsprechenden Werke entstehen.
Es gibt kein anderes Land auf der Welt, in dem Comics und Animationen so viel Aufmerksamkeit geschenkt werden. Die Schöpfer beliebter japanischer Comics sind sehr wohlhabende Leute (Takahashi Rumikom ist eine der reichsten Frauen Japans), die berühmtesten von ihnen sind nationale Berühmtheiten; Mangas machen etwa ein Viertel aller in Japan produzierten Drucksachen aus und werden unabhängig davon gelesen Alter und Geschlecht. Die Position von Anime ist etwas bescheidener, aber auch durchaus beneidenswert. Nehmen wir an, es gibt kein einziges Land auf der Welt, in dem Synchronsprecher für Animationsfilme (Seiyuu) solche Anerkennung, Respekt und Liebe genießen. Japan - das einzige Land in der Welt, indem er einen abendfüllenden Animationsfilm für den Oscar als „Bester ausländischer Film“ nominierte.

Unter anderem Anime und Manga – tolle Möglichkeit schätzen nicht nur, wie moderne Japaner ihre angestammten Traditionen widerspiegeln und erleben, sondern auch, wie japanische Werke die Motive und Handlungen anderer Völker widerspiegeln. Und es ist keineswegs eine Tatsache, dass das Erste immer interessanter ist als das Zweite. Sie müssen die japanische Sprache und Literaturtheorie sehr gut kennen, um wirklich zu verstehen, wie sich japanische Verse (und die japanische Mentalität) von europäischen unterscheiden. Und um zu verstehen, wie sich japanische Elfen von Tolkiens Elfen unterscheiden, schauen Sie sich einfach ein oder zwei Fernsehserien an.
Somit sind Anime und Manga eine Art „Hintertür“ in die Welt des japanischen Bewusstseins. Und wenn Sie durch diese Passage gehen, können Sie nicht nur den Weg verkürzen, ohne durch alle Zäune und Bastionen waten zu müssen, die von der anderthalbtausend Jahre alten „Hochkultur“ Japans errichtet wurden (die Kunst von Anime und Manga ist viel jünger). , und es gibt weniger Traditionen darin), aber auch viel Freude bereiten. Geschäftliches und Angenehmes verbinden – was gibt es Schöneres?

Nun ein paar spezifische Anmerkungen zu Manga und Anime getrennt.

Manga

„Picture Stories“ sind in Japan seit seiner Gründung bekannt. Kulturgeschichte. Sogar in Kofun-Hügeln (Gräbern antiker Herrscher) finden Archäologen Zeichnungen, die in Ideologie und Struktur ein wenig an Comics erinnern.
Die Verbreitung von „Bildergeschichten“ wurde schon immer durch die Komplexität und Mehrdeutigkeit japanischer Schriften erleichtert. Auch heute noch können japanische Kinder „erwachsene“ Bücher und Zeitungen erst lesen, wenn sie fertig sind Grundschule(mit 12 Jahren!). Fast unmittelbar nach dem Erscheinen der japanischen Prosa erschienen ihre illustrierten Nacherzählungen, in denen es wenig Text gab und die Illustrationen die Hauptrolle spielten.

Als erste japanische Comics gelten „Lustige Bilder aus dem Leben der Tiere“, die im 12. Jahrhundert vom buddhistischen Priester und Künstler Kakuyu (ein anderer Name ist Toba, Lebensjahre - 1053-1140) geschaffen wurden. Dabei handelt es sich um vier Papierrollen, die eine Reihe schwarz-weißer Tuschebilder mit Bildunterschriften darstellen. Die Bilder erzählten von Tieren, die Menschen darstellten, und von buddhistischen Mönchen, die gegen die Regeln verstießen. Heute gelten diese Schriftrollen als heilige Reliquien und werden im Kloster aufbewahrt, in dem der Asket Kakuyu lebte.
„Geschichten in Bildern“ sahen im Laufe ihrer fast tausendjährigen Geschichte unterschiedlich aus und wurden auch anders bezeichnet. Das Wort „Manga“ (wörtlich „seltsame (oder lustige) Bilder, Grotesken“) wurde 1814 vom berühmten Grafiker Katsushika Hokusai geprägt, und obwohl der Künstler es selbst für eine Reihe von „Lebens“-Zeichnungen verwendete, blieb der Begriff bestehen beziehen sich auf Comics.
Europäische Karikaturen und amerikanische Comics, die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in Japan berühmt wurden, hatten großen Einfluss auf die Entwicklung des Mangas. Die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts – die Zeit der Suche nach dem Platz des Comics im System Japanische Kultur neue Zeit. Die militaristische Regierung spielte hier eine große Rolle Populärkultur Einfluss auf die Bevölkerung zu nehmen. Das Militär finanzierte „richtige“ Mangas (für kurze Zeit tauchten sie sogar in Farbe auf) und verbot Mangas mit politischer Kritik, wodurch ehemalige Cartoonisten gezwungen wurden, Abenteuer- und Fantasy-Handlungen zu meistern (zum Beispiel die Idee eines „Riesenroboters“). erschien erstmals im Rache-Manga von 1943, in dem ein solcher Roboter die verhassten USA zerschmetterte. Endlich drin Nachkriegszeit Der große Tezuka Osamu sorgte mit seinen Werken für eine echte Revolution in der Manga-Welt und machte Manga zusammen mit seinen Schülern und Anhängern zur Hauptrichtung der Massenkultur.

Mangas sind fast immer schwarz-weiß; nur Cover und einzelne Illustrationen sind farbig gezeichnet. Bei den meisten Mangas handelt es sich um Serienserien, die in Zeitungen oder (häufiger) in wöchentlichen oder monatlichen Magazinen veröffentlicht werden. Die übliche Portionsgröße für eine Serie in einem Wochenmagazin beträgt 15–20 Seiten. Der bei den Lesern beliebte Manga wird in Form von Einzelbänden – Tankobons – neu veröffentlicht. Es gibt natürlich kurze Manga-Geschichten und Mangas, die sofort in Form von Tankobon veröffentlicht werden.
In Japan gibt es viele Manga-Magazine. Jeder von ihnen richtet sich an ein bestimmtes Publikum, beispielsweise an jüngere Jungen im Teenageralter, die sich für Fantasy interessieren, oder ältere Mädchen im Teenageralter, die sich für Ballett interessieren. Die stärksten Unterschiede bestehen zwischen Frauen und Männerzeitschriften. Die Zielgruppe solcher Zeitschriften reicht von Kindern (für die Mangas ohne Bildunterschriften gedruckt werden) bis zu Männern und Frauen mittleren Alters. Es gibt bereits Experimente im Bereich Manga für ältere Menschen. Natürlich führte diese Vielfalt des Publikums zu einer Vielzahl von Stilen und Genres: vom Symbolismus bis zum Fotorealismus und von Märchen bis hin zu Philosophische Werke und Schulbücher.

Der Schöpfer eines Mangas wird „Mangaka“ genannt. In der Regel zeichnet eine Person (oft mit Lehrassistenten) einen Comic und schreibt Texte, es kommt aber auch Gruppenkreativität vor. Allerdings ist es nicht üblich, dass mehr als drei oder vier Personen an einem einzigen Manga arbeiten. Dadurch steigt die künstlerische Integrität und das persönliche Einkommen steigt. Neben professionellen Mangas gibt es auch Amateur-Manga – „Doujinshi“. Viele Manga-Künstler begannen als Schöpfer von Doujinshi („Doujinshika“). In großen Städten gibt es spezielle Märkte, auf denen Doujinshi ihre Produkte verkaufen und manchmal seriöse Verleger für ihre Werke finden.

Anime

Der Begriff „Anime“ etablierte sich erst Mitte der 1970er Jahre; davor sprach man meist von „Manga-eiga“ („Filmcomics“). Die ersten Experimente mit Animationen begannen die Japaner Mitte der 1910er-Jahre und der erste Anime erschien 1917. Anime stand lange Zeit am Rande des Kinos, aber auch hier spielten die Militaristen eine wohltuende Rolle und unterstützten jede „richtige“ Kunst. So wurden die ersten beiden großen Anime-Filme 1943 bzw. 1945 veröffentlicht und waren „Spielpropaganda“, die die Macht der japanischen Armee verherrlichte. Wie im Fall von Manga spielte Tezuka Osamu eine entscheidende Rolle in der Geschichte des Anime, der vorschlug, die sinnlose Konkurrenz mit Walt Disneys Spielfilmen aufzugeben und stattdessen Fernsehserien zu schaffen, die den amerikanischen Serien nicht in der Bildqualität, sondern in der Qualität überlegen waren Attraktivität für das japanische Publikum.

Bei den meisten Animes handelt es sich um Fernsehserien und zum Verkauf auf Video produzierte Serien (OAV-Serien). Es gibt jedoch auch viele Fernsehfilme und abendfüllende Animes. In puncto Vielfalt an Stilen, Genres und Zielgruppen ist Manga dem Anime deutlich überlegen, doch letzterer holt jedes Jahr seinen Konkurrenten ein. Andererseits handelt es sich bei vielen Animes um Adaptionen populärer Mangas, die nicht miteinander konkurrieren, sondern sich gegenseitig kommerziell unterstützen. Allerdings sind die meisten Animes für Kinder und Jugendliche gedacht, obwohl es auch Animes für junge Leute gibt. Das Publikum mittleren Alters wird von „Familien-Anime“ in seinen Bann gezogen, die Kinder gemeinsam mit ihren Eltern ansehen. Serialität diktiert ihre eigenen Gesetze – Anime-Schöpfer sind dafür weniger anfällig technische Experimente, aber sie legen großen Wert auf die Schaffung attraktiver und interessante Bilder Charaktere (daher ist eine hochwertige Sprachausgabe wichtig) und Handlungsentwicklung. Anime-Designer sind wichtiger als Animatoren.
Anime werden von Anime-Studios erstellt, die normalerweise relativ klein sind und mit externer Finanzierung verschiedener Sponsoren (Fernsehsender, Spielzeugkonzerne, Manga-Verlage) arbeiten. Typischerweise entstehen solche Studios um einige wenige herausragende Schöpfer herum, und daher hat das Studio oft einen bestimmten „Studiostil“, der von führenden Designern vorgegeben wird.